고대부터 베토벤까지 오케스트라의 간략한 역사. 기악 및 교향곡을 연주하는 오케스트라의 유형 야로슬라블 심포니 오케스트라에 대한 흥미로운 사실

흥미롭지만 사실...

물리학자 알베르트 아인슈타인은 가장 어려운 질문에 대해 고민하면서 답이 나올 때까지 바이올린을 연주하곤 했습니다. 그런 다음 그는 일어나서 이렇게 말했습니다. "음, 마침내 문제가 무엇인지 이해했습니다!"

심포니 오케스트라의 구조

오케스트라 V 고대 그리스 ~라고 불리는 장소, 의도된 합창단을 위해(그리스어 orheomai - 나는 춤을 춥니 다). 현재 오케스트라는 음색이 서로 깊은 내부 상호 연결을 기반으로 유기적 전체를 형성하는 특정 악기 구성이라고합니다. 뮤지컬 연습은 다양한 유형의 오케스트라를 개발했습니다. 각각은 도구의 특정 구성과 다른 수를 가지고 있습니다. 주요 유형: 오페라 및 심포니, 금관악기, 민속 악기 오케스트라, 재즈 오케스트라.

교향악단에도 다양성이 있다. 챔버 오케스트라 (10-12 명)은 작곡 된 작곡 (Bach의 Brandenburg Concertos, Vivaldi의 Concerto Grosso, Corelli, Handel)에 의해 초기 음악 연주를 위해 만들어졌습니다. 챔버 오케스트라의 핵심은 하프시코드, 플루트, 오보에, 바순 및 호른이 추가된 현악기 그룹입니다. 현대 음악에서 실내 오케스트라에 대한 호소는 새로운 표현 가능성을 찾는 것과 관련이 있거나 (Shostakovich. Opera "The Nose", 14th symphony, A. Schnittke. Concerto Grosso for Two 바이올린과 실내 오케스트라, 1977) 실용적인 고려 사항으로 설명됩니다. 그러한 상황은 I. Stravinsky가 1918년에 The Story of a Soldier를 만들었을 때 결정적인 것으로 밝혀졌습니다. 현에서-바이올린과 더블베이스, 나무에서-클라리넷과 바순, 구리에서-트럼펫과 트롬본, 그리고 마지막으로 한 명의 음악가가 제어하는 ​​타악기.

현악 오케스트라 구성하다 활 그룹오케스트라 (Tchaikovsky. 현악 오케스트라를위한 세레나데, Onneger. Second Symphony).

18세기 말, 당시 창의적인 방법 Haydn과 Mozart 그리고 최초의 Beethoven 교향곡이 등장하고 발전했습니다. 작은 (클래식) 오케스트라. 그것의 구성:

문자열 그룹 목관 악기 금관악기

바이올린 I 플루트 2 호른 2 – 4 팀파니 2 – 3

바이올린 II 오보에 2 트럼펫 2

알토 클라리넷 2

첼로 바순 2

더블베이스

J. 하이든. 교향곡 "시간" 2부

19세기 후반, 대형 심포니 오케스트라. 큰 오케스트라와 작은 오케스트라의 주요 특징은 세 개의 트롬본과 한 개의 튜바( 무거운 구리 사중주 ). 동적 균형을 만들기 위해 문자열 그룹의 연주자 수가 증가합니다.

작은 오케스트라 큰 오케스트라

바이올린 I 4 콘솔 8 – 10 콘솔

바이올린 II 3 콘솔 7 – 9 콘솔

비올라 2 리모콘 6 리모콘

첼로 리모콘 2개 리모콘 5개

더블 베이스 1 콘솔 4 – 5 콘솔

목관 악기의 수에 따라 대규모 심포니 오케스트라의 구성이 여러 개 있습니다.

더블 또는 이중 구성 , 각 가족의 2 악기가 있습니다

슈베르트. 심포니 h-moll.

글린카. 왈츠 환상.

차이코프스키. 교향곡 1번.

트리플 구성,각 제품군에는 3개의 악기가 있습니다.

Lyadov. 바바는 야가입니다.

림스키-코르사코프. 오페라 The Golden Cockerel, The Tale of Tsar Saltan.

4중 구성 : 플루트 4, 오보에 4, 클라리넷 4, 바순 4

예외가 발생하는 방법 단일 구성:

프로코피예프. 교향곡 이야기"피터와 늑대".

림스키-코르사코프. 오페라 모차르트와 살리에리.

사용 가능 중간 구성:

림스키-코르사코프. "셰헤라자드".

쇼스타코비치. 교향곡 7, 8, 10번.

차이코프스키. 교향곡 5번. 서곡 "프란체스카 다 리미니", 로미오와 줄리엣.

심포니 오케스트라의 조직은 단합하는 것입니다 관련 악기그룹으로. 다섯 가지가 있습니다.

현악기 - 아치

멍청한 관악기 – fiati (레그노)

금관 악기 - 오토니

타악기 - 타악기

건반으로 뽑은 악기.

3. 몬테베르디의 오페라 "오르페우스"에서 오케스트라 구성에 대한 정보 찾기

목관 악기

플루트(It. flauto, French flute, German Flote, English flute)

플루트는 고대부터 이집트, 그리스, 로마에서 알려진 세계에서 가장 오래된 악기 중 하나입니다. 고대부터 사람들은 추출하는 법을 배웠습니다. 음악 소리한쪽 끝이 닫힌 지팡이를 자릅니다. 이 원시적인 악기는 분명히 플루트의 먼 조상이었습니다. 중세 유럽에서는 직선형과 가로형의 두 가지 유형의 플루트가 널리 퍼졌습니다. 곧은 플루트 또는 "끝이 있는 플루트"는 오보에나 클라리넷처럼 똑바로 앞으로 뻗었습니다. 비스듬히 또는 가로 - 비스듬히. 가로 플루트는 개선하기 쉽기 때문에 더 실행 가능한 것으로 판명되었습니다. 18세기 중반에 마침내 교향악단의 직선 플루트를 대체했습니다. 동시에 플룻은 하프, 하프시코드와 함께 가장 사랑받는 가정용 악기 중 하나가 되었습니다. 예를 들어 플루트는 러시아 예술가 Fedotov와 프로이센 왕 Frederick II가 연주했습니다.

플루트는 가장 기동성이 뛰어난 목관 악기입니다. 기교 측면에서 다른 모든 관악기를 능가합니다. 이에 대한 예는 플루트가 실제로 독주 악기 역할을 하는 Ravel의 발레 모음곡 "Daphnis and Chloe"입니다.

플루트는 머리에서 한쪽이 닫힌 목재 또는 금속의 원통형 튜브입니다. 공기 주입을 위한 측면 구멍도 있습니다. 플루트를 연주하려면 많은 공기 소비가 필요합니다. 불어 넣으면 일부가 구멍의 날카로운 가장자리에서 부러지고 떠납니다. 이로부터 특히 낮은 음역에서 특징적인 치찰음 배음이 얻어집니다. 같은 이유로 플루트에서 지속되는 음과 넓은 선율은 연주하기 어렵습니다.

Rimsky-Korsakov는 플루트의 음파를 다음과 같이 설명했습니다.

작곡가들은 종종 세 개의 플루트 앙상블을 사용합니다. 차이코프스키의 호두까기 인형에 나오는 양치기들의 춤이 그 예입니다..

오보에(독일어: Oboe)

그 기원이 고대에 오보에는 플루트와 경쟁했습니다. 오보에의 조상 중 그리스 aulos가 가장 널리 사용되었으며 고대 Hellenes는 잔치 나 축제를 상상할 수 없었습니다. 연극 공연. 오보에의 조상은 중동에서 유럽으로 왔습니다.

17 세기에 오케스트라에서 즉시 인기를 얻은 파이프 유형의 악기 인 Bombarda에서 오보에가 만들어졌습니다. 그것은 곧 콘서트 악기이기도 했습니다. 거의 한 세기 동안 오보에는 음악가와 음악 애호가들의 우상이었습니다. 17세기와 18세기 최고의 작곡가인 Lully, Rameau, Bach, Handel은 이 취미에 경의를 표했습니다. 그러나 19세기 초 오케스트라에서 오보에의 "컬트"는 다소 퇴색했고 목관악기 그룹의 주역은 클라리넷으로 넘어갔다.

그 구조에 따르면 오보에는 원추형 튜브입니다. 그것의 한쪽 끝에는 작은 깔때기 모양의 종이 있고 다른쪽에는 연기자가 입에 들고있는 지팡이가 있습니다.

일부 디자인 기능 덕분에 오보에는 튜닝을 잃지 않습니다. 따라서 전체 오케스트라를 조율하는 것이 전통이 되었습니다. 교향악단 앞에서 뮤지션들이 무대에 모이면 오보에 연주자가 첫 옥타브에서 A를 연주하고 다른 연주자들이 악기를 미세하게 조율하는 소리를 듣는 것은 드문 일이 아닙니다.

오보에는 플루트보다 열등하지만 모바일 기술이 있습니다. 거장 악기라기보다는 노래에 가깝습니다. 일반적으로 그 영역은 슬픔과 애가입니다. 쉬는 시간부터 2막까지 백조를 주제로 한 소리는 이렇다”고 말했다. 백조의 호수"그리고 차이코프스키 교향곡 4번 2부의 단순한 멜랑콜리한 멜로디에서. 때때로 오보에는 "코믹한 역할"이 지정됩니다.

바순(It.fagotto, 독일 Fagott, 프랑스 바순, 영국 바순)

바순의 조상은 오래된베이스 파이프 인 Bombarda로 간주됩니다. 그것을 대체한 바순은 16세기 전반에 캐논 Afragno degli Albonesi에 의해 제작되었습니다. 반으로 구부러진 큰 나무 파이프는 장작 다발과 닮았으며 악기 이름에 반영되었습니다 (이탈리아어 fagotto는 "다발"을 의미). 바순은 음색의 유포니로 동시대 사람들을 정복했습니다. 쉰 목소리 Bombards는 그를 "dolcino"라고 부르기 시작했습니다.

앞으로 외부 윤곽을 유지하면서 바순은 크게 개선되었습니다. 17세기부터 그는 심포니 오케스트라에, 18세기부터 군대에 입대했습니다. 바순의 원추형 나무 줄기는 매우 커서 반으로 "접혀" 있습니다. 지팡이를 얹은 악기 상단에 구부러진 금속 튜브가 부착되어 있습니다. 게임 중에 바순은 연주자의 목에 줄에 매달려 있습니다.

18 세기에이 악기는 동시대 사람들 사이에서 큰 사랑을 받았습니다. 일부는 "자랑"이라고 불렀고 다른 일부는 "부드럽고 우울하며 종교적"이라고 불렀습니다. Rimsky-Korsakov는 바순의 색상을 매우 독특한 방식으로 정의했습니다. 바순 연주는 많은 호흡이 필요하며 낮은 음역의 포르테는 연주자에게 극심한 피로를 유발할 수 있습니다. 도구의 기능은 매우 다양합니다. 사실, 18세기에 그들은 종종 현악기 베이스를 지원하는 것으로 제한되었습니다. 그러나 19세기에 베토벤과 베버가 등장하면서 바순은 오케스트라의 개별적인 목소리가 되었고 이후 거장들은 바순에서 새로운 특성을 발견했습니다. "Robert the Devil"의 Meyerbeer는 바순이 "서리가 피부를 찢는 죽음의 웃음"(Berlioz의 말)을 묘사하도록 강요했습니다. "Scheherazade"(Kalender 왕자의 이야기)에서 Rimsky-Korsakov는 바순에서 시적 내레이터를 발견했습니다. 이 마지막 역할에서 바순은 특히 자주 연주됩니다. 이것이 아마도 Thomas Mann이 바순을 "앵무새"라고 불렀던 이유일 것입니다. 그 예는 4개의 바순을 위한 유머러스한 스케르초와 바순이 할아버지의 "역할"을 맡은 프로코피예프의 페트야와 늑대, 또는 쇼스타코비치의 교향곡 9번 피날레의 시작 부분에서 찾을 수 있습니다.

콘트라바순

바순의 종류는 우리 시대에 단 하나의 대표자 인 카운터 바순으로 제한됩니다. 오케스트라의 가장 낮은 범위의 악기입니다. 콘트라바순의 제한음보다 낮고, 오르간의 페달 베이스만 소리가 난다.

바순 음계를 계속 낮추려는 아이디어는 오래 전에 나타났습니다. 최초의 카운터 바순은 1620년에 제작되었습니다. 그러나 악기가 개선된 19세기 말까지 악기를 사용하는 사람은 거의 없었습니다. 때때로 Haydn, Beethoven, Glinka가 있었습니다.

현대식 콘트라바순은 세 번 구부러진 악기입니다. 확장된 형태의 길이는 5m 93cm(!)입니다. 기술적으로는 바순과 비슷하지만 덜 민첩하고 두껍고 거의 오르간과 같은 음색을 가지고 있습니다. 19세기의 작곡가인 브람스의 림스키-코르사코프는 일반적으로 베이스를 강화하기 위해 카운터바순을 사용했습니다. 그러나 때때로 그를 위해 흥미로운 솔로가 작성되는데, 예를 들어 "The Conversation of the Beauty and the Beast"(발레 "My Mother the Goose")에서 Ravel은 그에게 괴물의 목소리를 맡겼습니다.

클라리넷 (It. 클라리넷, 독일 클라리넷, 프랑스 클라리넷,)

오보에, 플루트, 바순이 4세기 이상 오케스트라에 있었다면 클라리넷은 18세기에 들어서야 확고하게 오케스트라에 들어갔습니다. 클라리넷의 조상은 중세 민속 악기인 플루트 "chalumo"였습니다. 1690년에 독일의 거장 Denner가 그것을 개선했다고 믿어집니다. 악기의 고음역은 날카 롭고 날카로운 음색으로 동시대 사람들을 강타했습니다. 그 당시 "클라리노"라고 불렸던 트럼펫 소리를 즉시 상기 시켰습니다. 새로운 악기는 "작은 트럼펫"을 의미하는 클라리네토로 명명되었습니다.

외관상 클라리넷은 오보에와 비슷합니다. 한쪽 끝에는 화관 모양의 종이 있고 다른 쪽 끝에는 지팡이 끝이 있는 원통형 나무 튜브입니다.

모든 목관 악기 중에서 클라리넷만이 음량을 유연하게 변경할 수 있습니다. 이것과 클라리넷의 다른 많은 특성으로 인해 오케스트라에서 가장 표현력이 풍부한 목소리 중 하나가 되었습니다. 같은 음모를 다루는 두 명의 러시아 작곡가가 정확히 같은 방식으로 행동했다는 것이 궁금합니다. "The Snow Maiden"-Rimsky-Korsakov와 Tchaikovsky-Lel의 목자 곡이 클라리넷에 맡겨졌습니다.

클라리넷의 음색은 종종 우울한 극적인 상황과 관련이 있습니다. 이 표현 영역은 Weber에 의해 "발견"되었습니다. "의 "울프 밸리"장면에서 매직 슈터"그는 악기의 낮은 음역에 어떤 비극적 효과가 숨겨져 있는지 처음 추측했습니다. 나중에 차이코프스키는 스페이드의 여왕에서 백작 부인의 유령이 나타나는 순간 낮은 클라리넷의 섬뜩한 소리를 사용했습니다.

작은 클라리넷.

작은 클라리넷은 군악대에서 교향악단으로 왔다. Fantastic Symphony의 마지막 악장에서 왜곡 된 "사랑하는 주제"를 맡은 Berlioz가 처음 사용했습니다. 작은 클라리넷은 Wagner, Rimsky-Korsakov, R. Strauss가 자주 사용했습니다. 쇼스타코비치.

바셋 혼.

18세기 말에 클라리넷 가족은 한 명의 구성원이 더 풍부해졌습니다. 오케스트라에 바셋 호른이 나타났습니다. 빈티지 버라이어티알토 클라리넷. 크기면에서 주 악기를 능가했으며 차분하고 엄숙하며 매트 한 음색은 일반 클라리넷과베이스 클라리넷 사이의 중간 위치를 차지했습니다. 그는 단지 수십 년 동안 오케스트라에 머물렀고 그의 전성기는 모차르트 덕분이었습니다. "Requiem"의 시작 부분이 쓰여진 것은 바순이있는 두 개의 바셋 호른을위한 것입니다 (현재 바셋 호른은 클라리넷으로 대체되고 있습니다).

알토 클라리넷이라는 이름으로 이 악기를 부활시키려는 시도는 R. Strauss에 의해 이루어졌지만 그 이후로 반복되지 않은 것 같습니다. 요즘에는 바셋 호른이 군악대에 포함됩니다.

베이스 클라리넷.

베이스 클라리넷은 가족 중 가장 "인상적인" 구성원입니다. 18세기 말에 지어져 교향악단에서 두각을 나타냈다. 이 악기의 모양은 매우 이례적입니다. 종은 담배 파이프처럼 위쪽으로 구부러져 있고 마우스 피스는 구부러진 막대에 장착되어 있습니다. 이 모든 것은 악기의 엄청난 길이를 줄이고 사용을 용이하게하기위한 것입니다. Meyerbeer는 이 악기의 엄청난 극적인 힘을 "발견"한 최초의 사람이었습니다. "Lohengrin"으로 시작하는 Wagner는 그를 영구베이스 목관 악기로 만듭니다.

러시아 작곡가들은 종종 베이스 클라리넷을 작업에 사용했습니다. 그래서 Herman이 Liza의 편지를 읽을 때 "Queen of Spades"의 5 번째 그림에서베이스 클라리넷의 우울한 소리가 들립니다. 이제 베이스 클라리넷은 대규모 심포니 오케스트라의 영구 멤버이며 그 기능은 매우 다양합니다.

시사:

놋쇠

색소폰

색소폰의 창시자는 뛰어난 프랑코-벨기에 기악 거장인 Adolf Sax입니다. Sachs는 이론적 가정에서 출발했습니다. 목관 악기와 금관 악기 사이의 중간 위치를 차지할 악기를 만드는 것이 가능합니까? 구리와 나무의 음색을 연결할 수 있는 그러한 악기는 프랑스의 불완전한 군용 금관악기가 절실히 필요했습니다. 그의 계획을 실행하기 위해 A. Sachs는 새로운 구성 원리를 사용했습니다. 그는 원추형 튜브를 클라리넷 리드와 오보에 밸브 메커니즘으로 연결했습니다. 악기의 몸체는 금속으로 만들어졌고 외부 윤곽은 베이스 클라리넷과 비슷했습니다. 끝이 벌어지고 위쪽으로 강하게 구부러진 튜브에 "S"자 모양으로 구부러진 금속 팁에 지팡이가 부착되어 있습니다. Sax의 아이디어는 눈부신 성공을 거두었습니다. 새로운 도구군악대에서 금관악기와 목관악기 사이의 연결 고리가 되었습니다. 더욱이 그 음색이 너무 흥미로워 많은 뮤지션들의 관심을 끌었습니다. 색소폰 소리의 색채는 잉글리시 호른, 클라리넷, 첼로를 동시에 연상시키지만 색소폰의 음력은 클라리넷의 음력을 훨씬 능가한다.

프랑스 군악대에서 시작된 색소폰은 곧 오페라와 심포니 오케스트라에 도입되었습니다. 아주 오랜 시간 동안(수십 년 동안) 프랑스 작곡가들만이 그에게 의지했습니다. 그런 다음 다른 나라의 작곡가들도 그를 믿었습니다. 예를 들어 Rachmaninov는 Symphonic Dances의 첫 번째 부분에서 그의 최고의 멜로디 중 하나를 색소폰에 맡겼습니다.

특이한 경로에서 색소폰이 무명주의에 직면해야했다는 것이 궁금합니다. 독일에서는 파시즘 시대에 아리아 출신이 아닌 악기로 금지되었습니다.

20세기의 10년 동안 재즈 앙상블의 음악가들은 색소폰에 주목했고 곧 색소폰은 "재즈의 왕"이 되었습니다.

20세기의 많은 작곡가들은 이 흥미로운 악기를 높이 평가했습니다. Debussy는 색소폰과 오케스트라를 위한 랩소디, Glazunov - 색소폰과 오케스트라를 위한 협주곡, Prokofiev, Shostakovich 및 Khachaturian을 그들의 작품에서 반복적으로 언급했습니다.

프렌치 호른

현대 뿔의 조상은 뿔이었습니다. 고대부터 뿔의 신호는 전투의 시작을 알 렸습니다. 중세 이후-18 세기 초까지-사냥, 대회 및 엄숙한 법정 의식에서 들렸습니다. 17세기에 사냥용 나팔은 때때로 오페라에 도입되었지만 다음 세기가 되어서야 오케스트라의 영구 단원이 되었습니다. 그리고 악기의 이름 인 호른은 과거의 역할을 회상합니다. 이 단어는 독일어 "Waldhorn"- "forest horn"에서 유래했습니다. 체코에서는 이 악기를 여전히 숲의 뿔이라고 합니다.

오래된 프렌치 호른의 금속 튜브는 매우 길었습니다. 펼쳤을 때 일부는 5m 90cm에 이르렀고 그러한 악기를 곧게 펴는 것은 불가능했습니다. 그래서 호른 파이프가 구부러져 우아한 조개 모양으로 생겼습니다.

오래된 호른의 소리는 매우 아름다웠지만 악기의 사운드 기능이 제한적인 것으로 판명되었습니다. 소위 자연 스케일, 즉 튜브에 포함 된 공기 기둥을 2, 3, 4, 5, 6 등으로 나눌 때 발생하는 소리 만 추출 할 수있었습니다. 전설에 따르면 1753년 드레스덴 호른 연주자 감펠(Gampel)은 실수로 종에 손을 넣었고 호른의 조율이 떨어진 것을 발견했습니다. 그 이후로 이 기술은 널리 사용되었습니다. 이렇게 얻은 소리를 "닫힘"이라고합니다. 그러나 그들은 귀머거리였으며 밝은 열린 사람들과 매우 달랐습니다. 모든 작곡가가 종종 그들에게로 향하는 위험을 감수하지는 않았으며 일반적으로 열린 소리에 기반한 짧고 잘 들리는 팡파르 동기에 만족했습니다.

1830 년에 밸브 메커니즘이 발명되었습니다. 추가 튜브의 영구 시스템으로 혼에서 완전하고 좋은 소리의 반음계를 얻을 수 있습니다. 수십 년 후 개선된 프렌치 호른은 마침내 1878년 오페라 메이 나이트(May Night)에서 림스키-코르사코프가 마지막으로 사용했던 오래된 천연 호른을 대체했습니다.

호른은 금관 악기 그룹에서 가장 시적인 악기로 간주됩니다. 낮은 음역에서는 호른의 음색이 다소 우울하고 높은 음역에서는 매우 긴장됩니다. 경적은 노래하거나 천천히 말할 수 있습니다. 호른 사중주는 매우 부드럽게 들립니다. 차이코프스키의 발레 "호두까기 인형"의 "꽃의 왈츠"에서 들을 수 있습니다.

트럼펫(It. tromba, German Trompete, French trompette, English trumpet)

고대부터 이집트, 동부, 그리스 및 로마에서 전쟁이나 엄숙한 숭배 또는 법정 의식에서 트럼펫 없이는 할 수 없었습니다. 트럼펫은 처음부터 오페라 오케스트라의 일부였습니다. Monteverdi의 Orpheus는 이미 다섯 개의 트럼펫을 울렸습니다.

17세기와 18세기 전반에 트럼펫을 위해 매우 기교적이고 고음 부분이 작성되었으며, 그 원형은 당시 성악 및 기악 구성의 소프라노 부분이었습니다. 이 가장 어려운 부분을 연주하기 위해 퍼셀, 바흐, 헨델 시대의 음악가들은 긴 파이프와 가장 높은 배음을 쉽게 추출할 수 있는 특수 장치의 마우스피스로 그 시대에 일반적으로 사용되는 천연 악기를 사용했습니다. 그런 마우스피스가 있는 트럼펫을 "클라리노"라고 불렀고, 음악의 역사와 작문 스타일에 같은 이름이 주어졌습니다.

18세기 후반에 관현악 작법의 변화와 함께 클라리노 스타일은 잊혀지고 트럼펫은 주로 팡파르 악기가 되었습니다. 그것은 프렌치 호른과 같은 가능성이 제한되어 있었고 음계를 확장하는 "닫힌 소리"가 나쁜 음색 때문에 사용되지 않았기 때문에 더 나쁜 위치에 있었습니다. 그러나 19세기 30년대에 밸브 메커니즘이 발명되면서 파이프 역사에 새로운 시대가 열렸습니다. 그것은 반음계 악기가 되었고 수십 년 후에는 오케스트라의 자연스러운 트럼펫을 대체했습니다.

트럼펫의 음색은 가사가 특징이 아니라 그가 최선을 다해 성공하는 영웅주의입니다. 비엔나 고전 중에서 트럼펫은 순전히 팡파르 악기였습니다. 그들은 종종 행렬, 행진, 엄숙한 축제 및 사냥의 시작을 알리는 19 세기 음악에서 동일한 기능을 수행했습니다. Wagner는 파이프를 다른 것보다 더 많이 새로운 방식으로 사용했습니다. 그들의 음색은 거의 항상 그의 오페라에서 기사도 로맨스와 영웅주의와 관련이 있습니다.

트럼펫은 음력뿐만 아니라 뛰어난 음량으로도 유명합니다.거장의 자질.

튜바 (it.tuba)

금관 악기 그룹의 다른 대표자와 달리 튜바는 다소 젊은 악기입니다. 그것은 독일에서 19 세기 2/4 분기에 지어졌습니다. 첫 번째 튜바는 불완전했고 처음에는 군대와 정원 오케스트라에서만 사용되었습니다. 기악 거장 Adolphe Sax의 손에 프랑스에 도착했을 때만 튜바는 심포니 오케스트라의 높은 요구 사항을 충족하기 시작했습니다.

튜바는 금관악기군에서 가장 낮은 음역까지 도달할 수 있는 베이스 악기입니다. 과거에 그 기능은 그 이름을 따온 기이한 모양의 도구인 뱀에 의해 수행되었습니다. 로맨스 언어뱀은 "뱀"을 의미합니다.) - 그 다음 베이스와 콘트라베이스 트롬본 그리고 야만적인 음색을 가진 오피클레이드. 그러나이 모든 악기의 음질은 브라스 밴드에 훌륭하고 안정적인 저음을 제공하지 않을 정도였습니다. 튜바가 등장하기까지 거장들은 집요하게 새로운 악기를 찾았다.

튜바의 크기는 매우 크며 튜브는 트롬본 튜브의 두 배입니다. 게임 중에 연주자는 종을 위로 한 채 악기를 앞에 들고 있습니다.

튜바는 반음계 악기입니다. 튜브의 공기 소비량은 엄청납니다. 때때로, 특히 낮은 음역의 포르테에서 연주자는 각 소리에 따라 호흡을 바꿔야 합니다. 따라서 이 악기의 솔로는 일반적으로 매우 짧습니다. 기술적으로 튜바는 무겁지만 움직일 수 있습니다. 오케스트라에서 그녀는 보통 트롬본 트리오에서 베이스로 활동합니다. 그러나 때때로 튜바는 독주 악기 역할을 합니다. 말하자면 특징적인 역할을 합니다. 따라서 Ravel은 연극 "Cattle"에서 Mussorgsky의 "Pictures at an Exhibition"을 악기로 연주하면서 베이스 튜바에 우르릉거리는 수레가 길을 따라 질주하는 유머러스한 이미지를 맡겼습니다. 튜바 부분은 여기에서 매우 높은 음역으로 기록됩니다.

Trombone (It., 영어, 프랑스어 트롬본)

트롬본은 이탈리아어로 트럼펫을 뜻하는 트롬바(Tromba)에서 이름을 따왔으며 확대 접미사 "1"이 붙습니다. 트롬본은 말 그대로 "트럼펫"을 의미합니다. 그리고 실제로 트롬본 튜브는 트럼펫보다 두 배 더 깁니다. 이미 16세기에 트롬본은 현대적인 형태처음부터 반음계 악기였습니다. 전체 반음계는 밸브 메커니즘을 통해서가 아니라 소위 백 스테이지의 도움으로 달성됩니다. 백스테이지는 다음과 같은 모양의 긴 추가 튜브입니다. 라틴 문자 U. 메인 튜브에 삽입하고 원하는대로 확장합니다. 이 경우 기기의 시스템이 그에 따라 감소합니다. 연주자는 오른손으로 날개를 아래로 밀고 왼손으로 악기를 지탱합니다.

트롬본은 오랫동안 다양한 크기의 악기로 구성된 "가족"이었습니다. 얼마 전까지만 해도 트롬본 제품군은 세 가지 악기로 구성되었습니다. 그들 각각은 합창단의 세 가지 목소리 중 하나에 해당하며 트롬본 알토, 트롬본 테너, 트롬본 베이스라는 이름을 받았습니다.

트롬본을 연주하려면 날개의 움직임이 호른이나 트럼펫의 밸브를 누르는 것보다 더 많은 시간이 걸리기 때문에 엄청난 양의 공기가 필요합니다. 기술적으로 트롬본은 그룹의 이웃보다 덜 움직입니다. 트롬본의 음계는 그렇게 빠르고 명확하지 않고 포르테는 약간 무겁고 레가토는 어렵습니다. 트롬본의 칸틸레나는 연주자에게 많은 긴장이 필요합니다. 그러나 이 악기는 오케스트라에서 없어서는 안 될 특성을 가지고 있습니다. 트롬본의 소리는 더 강력하고 남성적입니다. 오페라 "오르페우스"의 Monteverdi는 아마도 처음으로 트롬본 앙상블 소리에 내재 된 비극적 성격을 느꼈을 것입니다. 그리고 Gluck을 시작으로 세 개의 트롬본은 오페라 오케스트라에서 의무가 되었습니다. 드라마의 클라이막스에 자주 등장한다.

트롬본 트리오는 웅변을 잘한다. 19세기 후반부터 트롬본 그룹은 베이스 악기인 튜바로 보완되었습니다. 세 개의 트롬본과 한 개의 튜바가 함께 "무거운 금관악기" 사중주를 형성합니다.

트롬본 - 글리산도에서 매우 독특한 효과가 가능합니다. 공연자의 입술의 한 위치에서 무대 뒤를 밀어서 이루어집니다. 이 기술은 오라토리오 "The Four Seasons"에서 개 짖는 소리를 모방하는 데 사용했던 Haydn에게도 알려졌습니다. 글리산도는 현대 음악에서 널리 사용됩니다. Khachaturian의 발레 Gayane의 Sabre Dance에서 트롬본의 의도적으로 울부 짖고 무례한 글리산도가 궁금합니다. 음소거가 있는 트롬본의 효과도 흥미롭고 악기에 불길하고 기괴한 소리를 냅니다.

플뤼겔호른 (독일어 Flugelhorn, Flugel - "날개" 및 Horn - "horn", "horn")

금관 악기. 겉으로는 파이프 또는 피스톤 코넷과 매우 유사하지만 파이프의 마우스 피스에서 즉시 시작되는 더 넓은 규모와 원추형 보어가 다릅니다. 3개 또는 4개의 밸브가 있습니다. 재즈 앙상블, 때로는 심포니 오케스트라, 덜 자주 브라스 밴드에서 사용됩니다. Flugelhorns는 종종 트럼펫 연주자가 연주하여 이 악기에서 필요한 악절을 연주합니다.

시사:

바이올린 (It. violino, French violon, English violin, German Violine, Geige)

바이올린은 이전에 구부러진 현악기의 후손이라고 할 수 있습니다.

최초의 휘어진 악기인 피델은 10-11세기에 유럽에 나타났습니다.다른 하나-zhiga-가되었습니다12~13세기 프랑스 민스트럴, 순회 가수, 음악가들이 가장 좋아하는 악기. 얼마 후 fidels, rebecs 및 gigi는 viola da gamba, viola da bardone, viola quinton과 같은 오래된 비올에 자리를 내주었습니다. 그들은 이미 16세기 초에 프랑스와 이탈리아에 나타났고, 그 직후 활 제작 기술이 유럽 전역에 퍼졌습니다. Tyrol, Vienna, Saxony, Holland 및 England에서 생산되기 시작했지만 이탈리아는 최고의 바이올린으로 유명했습니다. 브레시아와 크레모나 - 이 나라의 북동쪽에 있는 두 개의 작은 마을 - 5세기 이상 전에 브레시아의 가스파로 베르톨로티(별명 데 살로)와 크레모나의 안드레아 아마티 등 뛰어난 거장들이 일했습니다. 바이올린 제작 기술은 대대로 이어져 왔으며 200년 동안 Amati, Guarneri 및 Stradivari 가족은 여전히 ​​최고로 간주되는 악기를 만들었습니다.

바이올린의 형태는 일찍이 16세기에 결정되었고 그 이후로 세부적인 부분만 변경되었습니다.

현악기의 기술에 대해 말하는 모든 것은 특별히 바이올린을 가리킨다.현악기 중 모바일 및 유연한 악기. 그 기술력은 17세기 비탈리, 토렐리, 코렐리와 같은 거장들의 예술과 함께 성장했고,그리고 나중에-Tartini,Viotti, Spohr, Viettan, Berio, Wienyavsky, Sarasate, Ysaye 및 물론 N. Paganini. 그는 더블 노트, 코드, 피치카토, 하모닉스를 연주하는 놀라운 기술을 마스터했습니다. 콘서트 도중 그의 현이 끊어졌을 때 그는 나머지 현을 계속 연주했습니다.

메인 테마를 연주하는 바이올린 솔로는 저항 할 수없는 효과를냅니다. Rimsky-Korsakov의 "Scheherazade"를 예로들 수 있습니다.

그 모든 특성 때문에 바이올린은 피아노와 함께 오랫동안 솔로 콘서트 악기들 사이에서 주도적인 역할을 해왔습니다.

시사:

드럼

팀파니 (It.timpani, 프랑스 팀발레스, 독일 Pauken)

팀파니는 세계에서 가장 오래된 악기 중 하나입니다. 고대부터 그들은 동부와 아프리카, 그리스, 로마, 스키타이 인들 사이에서 많은 국가에서 널리 퍼졌습니다. 팀파니를 연주함으로써 사람들은 중요한 사건들내 인생에서: 휴일과 전쟁.

유럽에서는 작은 수동 팀파니가 오랫동안 존재해 왔습니다. 중세 기사들은 말을 타고 있을 때 사용했습니다. 대형 팀파니는 터키와 헝가리를 통해 15세기에야 유럽에 진출했습니다. 17세기에 팀파니는 관현악단에 들어갔다.

현대 팀파니는 겉보기에 가죽으로 덮인 스탠드의 큰 구리 가마솥과 비슷합니다. 피부는 여러 개의 나사로 가마솥 위로 단단히 당겨집니다. 펠트로 만든 부드러운 둥근 끝이 달린 두 개의 막대기로 피부를 때립니다.

가죽을 사용한 다른 타악기와 달리 팀파니는 일정한 음높이의 소리를 냅니다. 각 팀파니는 특정 음색에 맞춰져 있으므로 두 가지 소리를 얻기 위해 17 세기부터 오케스트라에서 한 쌍의 팀파니가 사용되기 시작했습니다. 팀파니를 재건할 수 있습니다. 이를 위해 연주자는 나사로 피부를 조이거나 풀어야 합니다. 장력이 클수록 톤이 높아집니다. 그러나 이 작업은 실행하는 동안 시간이 많이 걸리고 위험합니다. 따라서 19세기에 거장들은 레버나 페달을 사용하여 빠르게 조정하는 기계식 팀파니를 발명했습니다.

오케스트라에서 팀파니의 역할은 매우 다양합니다. 그들의 박자는 다른 악기의 리듬을 강조하여 단순하거나 복잡한 리듬 형태를 형성합니다. 두 스틱을 빠르게 번갈아 가며 치면(트레몰로) 효과적인 빌드업 또는 천둥 재생이 생성됩니다. Haydn은 또한 The Four Seasons에서 팀파니의 도움으로 천둥 같은 울림을 묘사했습니다. 교향곡 9번의 쇼스타코비치는 팀파니가 대포를 흉내내게 한다. 예를 들어 Shostakovich의 11 번째 교향곡의 첫 번째 악장에서와 같이 때때로 팀파니에는 작은 멜로디 솔로가 지정됩니다.

스네어드럼 (It.tamburo (군용), French tambour (군용), German Trommel, English side drum)

스네어 드럼은 기본적으로 군용 악기입니다. 양면이 가죽으로 덮인 평평한 실린더입니다. 끈은 밑면에서 피부 아래로 늘어납니다. 막대기의 타격에 반응하여 드럼 소리에 특징적인 딱딱 거리는 소리를냅니다. 드럼 비트는 매우 흥미롭게 들립니다. 최대 속도로 가져올 수있는 두 개의 스틱이있는 트레몰로입니다. 이러한 트레몰로에서 소리의 강도는 바스락 거리는 소리에서 천둥 같은 딱딱 거리는 소리까지 다양합니다. Rossini의 "The Thieving Magpie"에 대한 서곡은 두 개의 스네어 드럼 샷으로 시작되며 Richard Strauss의 교향시에서 Till Ulenspiegel이 실행되는 순간 스네어 드럼의 둔한 샷이 들립니다.

때때로 드럼의 아래쪽 피부 아래에 있는 현이 낮아지고 스틱의 비트에 반응하지 않습니다. 이 효과는 음소거 도입과 동일합니다. 스네어 드럼의 사운드 파워가 손실됩니다. Rimsky-Korsakov의 "Scheherazade"의 댄스 섹션 "Prince and Princess"에서 들립니다.

작은북은 19세기 소극장에 처음 등장했으며, 처음에는 군사편에서만 등장했다. Meyerbeer는 오페라 The Huguenots와 The Prophet의 군사 에피소드에서 스네어 드럼을 처음으로 꺼냈습니다.

경우에 따라 스네어 드럼이 "메인 드럼"이 됩니다. 배우"대형 교향곡 에피소드뿐만 아니라 전체 작업에서. 예를 들어 쇼스타코비치의 교향곡 7번과 라벨의 볼레로의 "침략 에피소드"가 있는데, 여기에서 하나와 두 개의 스네어 드럼이 음악의 전체 리드미컬한 맥박을 유지합니다.

베이스 드럼(It. gran casso, 프랑스 Grosse caisse, 독일 Grobe Trommel, 영국 베이스 드럼).

요즘에는 두 가지 유형의 베이스 드럼이 있습니다. 그중 하나는 양쪽이 가죽으로 덮인 최대 72cm의 큰 직경의 금속 실린더입니다. 이 유형의 베이스 드럼은 밀리터리 밴드, 재즈 밴드 및 미국 심포니 밴드에서 널리 사용됩니다. 또 다른 유형의 드럼은 한쪽에 가죽이 있는 후프입니다. 프랑스에 나타나 유럽의 심포니 오케스트라로 빠르게 퍼졌다. 베이스 드럼의 피부를 두드리려면 펠트나 코르크로 덮인 부드러운 망치가 달린 나무 막대기를 사용합니다.

Grieg의 "Peer Gynt"의 빠른 속도의 댄스 "In the Hall of the Mountain King"에서와 같이 베이스 드럼 비트에는 심벌즈가 동반되거나 번갈아 가며 나타납니다. 큰 드럼에서는 비트의 빠른 교대도 가능합니다-트레몰로. 이렇게 하려면 양쪽 끝에 두 개의 말렛이 있는 스틱이나 팀파니 스틱을 사용하십시오. 베이스 드럼 트레몰로는 악기 연주에서 Rimksy-Korsakov가 매우 성공적으로 사용했습니다. 교향곡 사진무소르그스키의 민둥산의 밤.

처음에는 큰 북이 "에만 등장했습니다. 터키 음악"그러나 19 세기 초부터 그들은 종종 대포, 천둥을 모방하기 위해 음향-시각적 목적으로 사용되기 시작했습니다. 베토벤은 대포를 묘사하기 위해 "Battle of Vittoria"에 3 개의 큰 드럼을 포함했습니다. 같은 목적으로이 악기는 The Tale of Tsar Saltan의 Rimsky-Korsakov, 11 번째 교향곡의 Shostakovich, 오페라 전쟁과 평화의 8 번째 장면에서 Prokofiev가 사용했습니다. 보로디노 전투) 동시에 큰 북은 의성어가 없는 곳에서도 특히 자주 시끄럽게 들립니다.

실로폰 (It.xylofono, 프랑스어 실로폰)

실로폰은 원시인이 막대기로 마른 나무 블록을 치고 어떤 음색의 소리를 듣는 순간에 태어난 것 같습니다. 이 원시적인 목제 실로폰 중 다수는 남아메리카, 아프리카 및 아시아에서 발견되었습니다. 유럽에서는 15세기부터 이 악기가 떠돌아다니는 음악가들의 손에 넘어갔고 19세기 초에야 콘서트용 악기가 되었습니다. 그는 Mogilev, Mikhail Iosifovich Guzikov의 독학 음악가 덕분에 개선되었습니다.

실로폰의 소리 본체는 크기가 다른 나무 블록입니다 (자일론 - 그리스어 "나무", 전화 - "소리"). 매트 묶음에 네 줄로 배열되어 있습니다. 연기자는 게임 중에 롤업하여 특수 테이블에 배치할 수 있습니다. 실로폰은 두 개의 나무 염소 발로 연주됩니다. 실로폰의 소리는 건조하고 날카로우며 날카롭습니다. 색상이 매우 특징적이므로 음악의 모양은 일반적으로 특별한 플롯 상황이나 특별한 분위기와 관련이 있습니다. "The Tale of Tsar Saltan"의 Rimsky-Korsakov는 다람쥐가 황금 견과류를 갉아 먹는 순간 "In the garden, in the garden"이라는 노래로 실로폰을 맡깁니다. Lyadov는 실로폰 소리와 함께 박격포에 Baba Yaga의 비행을 그려 나뭇 가지가 부러지는 소리를 전달하려고합니다. 종종 실로폰의 음색은 우울한 분위기를 불러 일으키고 기괴하고 기괴한 이미지를 만듭니다. 쇼스타코비치 교향곡 7번의 "침략 에피소드"에 나오는 실로폰의 짧은 프레이즈는 우울하게 들린다.

실로폰은 매우 뛰어난 악기입니다. 그것에는 빠른 악절, 트레몰로 및 특수 효과 인 글리산도 (바를 따라 막대기를 빠르게 움직이는 것)에서 큰 유창함이 가능합니다.

플레이트(It. piatti, 프랑스 심벌즈, 독일 베켄, 잉글리시 심벌즈)

접시는 이미 고대 세계와 고대 동양에 알려졌지만 터키인들은 접시를 만드는 특별한 사랑과 뛰어난 기술로 유명합니다. 유럽에서는 오스만 제국과의 전쟁이 끝난 18세기에 접시가 대중화되었습니다.

심벌즈는 구리 합금으로 만든 큰 금속 접시입니다. 심벌즈는 중앙이 약간 볼록합니다. 여기에 가죽 끈이 부착되어 연주자가 악기를 손에 잡을 수 있습니다. 심벌즈는 진동을 방해하지 않고 소리가 공기 중에 자유롭게 퍼지도록 서서 연주합니다. 이 악기를 연주하는 일반적인 방법은 한 심벌즈를 다른 심벌즈에 대해 비스듬히 미끄러지는 타격입니다. 그 후 오랫동안 공중에 매달려있는 울리는 금속성 스플래시가 들립니다. 연주자가 심벌즈의 진동을 멈추고 싶다면 심벌즈를 가슴으로 가져오고 진동이 가라 앉습니다. 작곡가는 종종 베이스 드럼의 천둥과 함께 심벌즈의 타격을 동반합니다. 예를 들어 차이코프스키 교향곡 4번 피날레의 첫 번째 소절에서와 같이 이러한 악기는 종종 함께 소리가 납니다. 비스듬한 임팩트 외에도 심벌즈를 연주하는 몇 가지 다른 방법이 있습니다. 예를 들어 자유롭게 매달린 심벌즈를 팀파니 스틱이나 나무 스네어 드럼 스틱으로 치면 됩니다.

심포니 오케스트라는 보통 한 쌍의 심벌즈를 사용합니다. 예를 들어 Berlioz의 Funeral and Triumphal Symphony에서와 같이 드문 경우에 세 쌍의 판이 사용됩니다.

삼각형 (It. triahgalo, French triangle, German Triangel, English triangl)

삼각형은 심포니 오케스트라에서 가장 작은 악기 중 하나입니다. 삼각형 모양으로 구부러진 강철 막대입니다. 그것은 정맥 끈에 매달려 있고 작은 금속 막대기로 두드립니다. 울리는 매우 선명한 소리가 들립니다.

삼각형에서 플레이하는 방법은 그다지 다양하지 않습니다. 때로는 하나의 사운드만 추출되고 때로는 단순한 리듬 패턴이 추출됩니다. 트레몰로 트라이앵글에서 좋은 소리가 납니다.

삼각형은 15세기에 처음 언급되었습니다. 18세기에 작곡가 그레트리(Grétry)의 오페라에서 사용되었습니다. 그런 다음 삼각형은 "터키"의 변함없는 구성원이되었습니다. 베이스 드럼과 심벌즈와 함께 등장하는 이국적인 음악. 이 타악기 그룹은 "The Abduction from the Seraglio"의 Mozart, "The Ruins of Athens"의 "Turkish March"의 Beethoven 및 동양의 음악적 이미지를 재현하려는 다른 작곡가들에 의해 사용되었습니다. 삼각형은 Grieg의 Peer Gynt, Glinka의 Waltz-Fantasy의 Anitra의 춤과 같은 우아한 댄스 작품에서도 흥미 롭습니다.

종 (it. campanelli, fr. carillon, 세균. Glockenspiel)

종은 아마도 가장 시적인 타악기일 것입니다. 그 이름은 소리가 나는 몸체가 특정 높이에 맞춰진 작은 종인 고대 품종에서 유래되었습니다. 나중에 그들은 다양한 크기의 금속판 세트로 교체되었습니다. 피아노 건반처럼 두 줄로 배열되어 있으며 나무 상자에 고정되어 있습니다. 종은 두 개의 금속 망치로 연주됩니다. 이 악기에는 키보드 벨이라는 또 다른 종류가 있습니다. 건반에서 금속판으로 진동을 전달하는 피아노 건반과 해머가 있습니다. 그러나이 메커니즘 체인은 소리에 잘 반영되지 않습니다. 일반 종처럼 밝고 울리지 않습니다. 그럼에도 불구하고 건반은 소리의 아름다움에서 해머 벨에 굴복하고 기술적인 측면에서 이를 능가합니다. 피아노 키보드 덕분에 다소 빠른 패시지와 폴리포닉 코드가 가능합니다. 종소리의 음색은 은빛이고 부드럽고 경쾌합니다. Papageno가 들어올 때 Mozart의 Magic Flute, Delibes의 Lakma의 종소리가있는 아리아, Rimsky-Korsakov의 The Snow Maiden, Snow Maiden을 쫓는 Mizgir가 반딧불이의 불빛을 볼 때 The Golden Cockerel에서 점성가가 떠날 때 소리가납니다.

종 (it. campane, fr. cloches, 세균. Glocken)

고대부터 종소리는 사람들을 종교 의식과 명절에 부르며 불행을 알리기도 했습니다. 오페라의 발전과 함께 역사적이고 애국적인 음모가 등장하면서 작곡가들은 종을 도입하기 시작했습니다. 오페라 극장. 러시아 오페라의 종소리는 특히 풍부하게 표현됩니다. "Ivan Susanin", "The Tale of Tsar Saltan", "The Maid of Pskov"및 "Boris Godunov"(대관식 장면)의 엄숙한 울림, "Prince Igor"의 불안한 tocsin, "Boris Godunov"의 장례식 차임. 이 모든 오페라는 진짜 같았어 교회 종, 대형 오페라 하우스의 무대 뒤에 배치됩니다. 그러나 모든 오페라 하우스가 자체 종탑을 가질 여력이 없었기 때문에 작곡가들은 1812년 서곡에서 차이코프스키가 한 것처럼 오케스트라에 작은 종을 가끔 도입했습니다. 한편, 프로그램 음악의 발전과 함께 심포니 오케스트라에서 벨 울림을 모방하는 것이 점점 더 필요해졌습니다. 그래서 잠시 후 프레임에 매달린 강철 파이프 세트 인 오케스트라 벨이 만들어졌습니다. 러시아에서는 이 종을 이탈리아어라고 합니다. 각 파이프는 특정 톤으로 조정됩니다. 고무 개스킷이 달린 금속 망치로 치십시오.

오케스트라 벨은 오페라 "Tosca"의 Puccini, 성악 교향시 "The Bells"의 Rachmaninov가 사용했습니다. "Alexander Nevsky"의 Prokofiev는 파이프를 긴 금속 막대로 교체했습니다.

탬버린

세계에서 가장 오래된 악기 중 하나인 탬버린은 19세기에 심포니 오케스트라에 등장했습니다. 이 도구의 장치는 매우 간단합니다. 일반적으로 한쪽 피부가 늘어진 나무 고리입니다. 후프의 슬롯 (측면)에 금속 장신구를 부착하고 작은 종을 별 모양의 끈으로 쭉 뻗습니다. 이 모든 것은 탬버린을 조금만 흔들어도 울립니다.

탬버린의 일부와 특정 높이가 없는 다른 드럼은 일반적으로 오선에 기록되지 않고 "스레드"라고 하는 별도의 자에 기록됩니다.

탬버린을 연주하는 방법은 매우 다양합니다. 우선, 이것은 피부에 날카로운 타격을 가하고 복잡한 리듬 패턴을 두드리는 것입니다. 이 경우 피부와 종 모두 소리를 냅니다. 강한 타격으로 탬버린이 날카롭게 울리고 약한 터치로 약간의 종소리가 들립니다. 연주자가 종소리만 내는 경우는 여러 가지가 있습니다. 이것은 탬버린의 빠른 흔들림입니다. 날카로운 트레몰로를 제공합니다. 부드러운 흔들림입니다. 마지막으로 연주자가 젖은 엄지 손가락으로 피부를 훑을 때 장엄한 트릴이 들립니다. 이 기술은 생생한 종소리를 유발합니다.

탬버린은 특징적인 악기이므로 모든 작업에 사용되는 것은 아닙니다. 일반적으로 그는 Scheherazade와 Rimsky-Korsakov의 스페인 카프리치오, Glazunov의 발레 Raymond에서 아랍 소년의 춤, Borodin의 Prince Igor에서 Polovtsy의 변덕스러운 춤, Bizet의 Carmen에서 동양 또는 스페인이 음악으로 살아나야하는 곳에 나타납니다.

캐스터네츠 (스페인 캐스터네타)

스페인어로 "castanets"라는 이름은 "작은 밤"을 의미합니다. 아마도 스페인은 그들의 고향이었을 것입니다. 그곳에서 캐스터네츠는 진정한 국가 악기가 되었습니다. 캐스터네츠는 단단한 나무로 만들어집니다 : 흑단 또는 회양목, 캐스터네츠는 모양이 껍질과 비슷합니다.

스페인에서는 춤과 노래를 반주하기 위해 두 쌍의 캐스터네츠가 사용되었습니다. 각 쌍은 엄지 주위로 함께 당겨진 코드로 고정되었습니다. 자유롭게 남은 나머지 손가락은 나무 껍질에서 복잡한 리듬을 두드렸다. 각 손에는 고유한 크기의 캐스터네츠가 필요했습니다. 연주자는 왼손에 큰 부피의 껍질을 들고 낮은 톤을 내며 주요 리듬을 두드려야 했습니다. 오른손의 캐스터네츠는 더 작았습니다. 그들의 톤은 더 높았다. 스페인 무용수와 무용수들은 어린 시절부터 배운 이 복잡한 예술을 완벽하게 마스터했습니다. 캐스터네츠의 건조하고 열렬한 클릭은 볼레로, 세귀디요, 판당고와 같은 변덕스러운 스페인 춤을 항상 동반했습니다.

작곡가들이 캐스터네츠를 교향곡,이 악기의 단순화 된 버전 인 오케스트라 캐스터네츠가 설계되었습니다. 이들은 나무 손잡이 끝에 장착된 두 쌍의 껍질입니다. 흔들면 딸깍하는 소리가 들립니다. 실제 스페인 캐스터네츠의 약한 사본입니다.

캐스터네츠 오케스트라에서 그들은 주로 스페인 자연의 음악을 사용하기 시작했습니다. Glinka의 스페인 서곡, "Aragonese Hunt"및 "Night in Madrid", Rimsky-Korsakov의 "Spanish Capricchio", Tchaikovsky 발레의 스페인 춤, 서양 음악- "Carmen"Bizet, 교향곡 "Debius, Albradia의 Albrada, Albless School Graci" 오소 "라벨. 일부 작곡가는 스페인 음악의 범위를 넘어서는 캐스터네츠를 사용했습니다. Saint-Saens는 세 번째 피아노 협주곡에서 Prokofiev의 오페라 "Samson and Dalida"에서 캐스터네츠를 사용했습니다.

Tam-tam (프랑스어 및 이탈리아어 tam-tam, 독일어 Tam-Tam)

탐탐은 중국 기원의 타악기로 가장자리가 두꺼워진 원반 모양입니다. 청동에 가까운 특수 합금으로 만들어졌습니다. 게임 중에 탐탐을 나무 틀에 매달고 펠트 팁이 달린 망치로 두들깁니다. 탐타마 소리는 낮고 두껍습니다. 충격 후 오랫동안 퍼졌다가 들어왔다가 후퇴합니다. 악기의 이러한 특징과 음색의 특성은 불길한 표현력을 부여합니다. 때로는 작품 전체를 통틀어 단 하나의 탐탐 히트곡만으로도 듣는 이에게 가장 강렬한 인상을 주기에 충분하다고 한다. 이에 대한 예는 차이코프스키의 여섯 번째 교향곡의 피날레입니다.

유럽에서는 프랑스 혁명 중에 거기에 등장했습니다. 얼마 후이 악기는 오페라 오케스트라로 옮겨졌고 그 이후로 일반적으로 비극적이고 "치명적인"상황에서 사용되었습니다. 탐 탐 파업은 죽음, 재앙, 마법의 힘의 존재, 저주, 징조 및 기타 "비일상적인 사건"을 나타냅니다. "Ruslan and Lyudmila"에서는 Chernomor가 Lyudmila를 납치하는 순간, Meyerberg의 "Robert the Devil"에서- "수녀의 부활"장면에서, Rimsky-Korsakov의 "Scheherazade"에서-Sinbad의 배가 바위에 충돌하는 순간에 tam-tam이 들립니다. 탐탐 비트는 쇼스타코비치의 교향곡 7번 1악장의 비극적인 절정에서도 들립니다.

클레이브.

클레이브는 쿠바에서 유래된 타악기로 매우 단단한 나무를 깎아 만든 15~25cm 길이의 둥근 막대 두 개입니다. 공연자는 왼손에 특별한 방법으로 그들 중 하나를 잡고-움켜쥔 손바닥이 공진기가 되도록 하고 다른 막대기로 그것을 때립니다.

클레이브의 소리는 날카롭고 높으며 실로폰처럼 크게 딸깍 소리가 나지만 일정한 높이가 없습니다. 사운드의 피치는 스틱의 크기에 따라 다릅니다. 때때로 심포니 오케스트라에서는 크기가 다른 두 쌍 또는 세 쌍의 스틱이 사용됩니다.

좌절.

Frusta는 두 개의 나무 판으로 구성되며 그 중 하나는 손잡이가 있고 두 번째는 경첩의 손잡이 위의 하단 끝으로 고정됩니다. 일반적으로 너무 자주 연속적인 박수 포르테, 포르티시모가 분리되지 않고 프루스트에서 추출됩니다.

Frusta는 특정 높이가 없는 타악기이므로 탬버린의 일부와 같은 부분이 오선이 아니라 "실"에 녹음됩니다.

Frusta contenta는 종종 현대 악보에서 발견됩니다. 이 악기에서 박수 두 번 치면 쇼스타코비치의 교향곡 14번 중 "로렐라이"의 세 번째 부분이 시작됩니다.

나무 블록.

나무 블록은 중국 기원의 타악기입니다. 심포니 오케스트라의 타악기 그룹에 등장하기 전에 목판은 재즈에서 매우 인기가 있었습니다.

나무 블록은 앞쪽에 깊고 좁은 홈이 있는 작은 직사각형 견목 블록입니다. 나무 블록을 연주하는 기술은 북을 치는 것입니다. 작은 북의 막대기, 나무 망치, 고무 머리가 달린 막대기로 악기의 윗면을 쳐서 소리를 추출합니다. 그 결과 소리는 날카롭고 높으며 특징적으로 덜거덕거리며 피치가 불명확합니다.

높이가 무한정인 타악기로서 나무 블록은 "실" 또는 자의 조합에 표시됩니다.

템플블럭, 타르타르가.

사원 블록은 불교 숭배의 속성 인 한국 또는 중국 북부의 도구입니다. 이 도구는 모양이 둥글고 내부가 비어 있고 가운데가 깊게 절단되어 있으며 (웃는 입처럼) 단단한 나무로 만들어졌습니다.

대부분의 다른 "이국적인"타악기와 마찬가지로 템플 블록의 초기 확산은 재즈에서 심포니 오케스트라의 구성에 침투했습니다.

사원 블록의 소리는 가까운 나무 블록의 소리보다 더 우울하고 깊으며 피치가 다소 명확하므로 사원 블록 세트를 사용하여 멜로디 프레이즈를 얻을 수 있습니다. 예를 들어 S. Slonimsky는 "Concert-buff"에서 이러한 악기를 사용했습니다.

그들은 관자놀이 블록에서 연주하며 머리가 고무로 된 막대기, 나무망치, 작은북 막대기로 상단 덮개를 칩니다.

때때로 심포니 오케스트라에서는 거북이 껍질 세트가 사용되는데, 원칙적으로 사원 블록에서 연주하는 것과 유사하지만 더 건조하고 약한 소리가 납니다. Tartaruga라는 거북이 껍질 세트는 "Concert-buff"에서 S. Slonimsky가 사용했습니다.

귀로, 레코레코, 사포.

이 악기는 라틴 아메리카 출신이며 구성 원리와 연주 방식이 비슷합니다.

그것들은 대나무 조각(reco-reco), 마른 박(guiro) 또는 공진기인 다른 속이 빈 물체로 만들어집니다. 도구의 한쪽에는 일련의 노치 또는 노치가 만들어집니다. 어떤 경우에는 표면이 주름진 판이 장착됩니다. 이 노치는 특수 나무 막대기로 수행되며 그 결과 특유의 딱딱 거리는 소리가 나는 높고 날카 롭습니다. 이러한 관련 악기 중 가장 일반적인 종류는 귀로입니다. I. Stravinsky는 "The Rite of Spring"에서이 악기를 심포니 오케스트라에 처음으로 소개했습니다. Reko-reko는 Slonimsky의 "Concert-buff"에서 발견되며 reko-reko와 유사한 악기 인 sapo는 V. Lutoslavsky의 "Three Poems by Henri Michaud"악보에서 사용됩니다.

래칫 휠 장치.

다양한 민족의 악기에는 다양한 모양과 장치의 딸랑이가 많이 있습니다. 심포니 오케스트라에서 래칫은 연주자가 기어 휠 주위의 핸들에서 회전하는 상자입니다. 동시에 한 치아에서 다른 치아로 점프하는 탄력있는 나무 판이 특징적인 균열을 방출합니다.

마라카스, 초칼로(투보), 카메소.

이 모든 악기는 라틴 아메리카 출신입니다. 마라카스는 손잡이가 달린 둥글거나 달걀 모양의 나무 딸랑이로 샷, 곡물, 자갈 또는 기타 느슨한 재료로 채워져 있습니다. 이 민속 악기는 일반적으로 자연 손잡이에 코코넛이나 속이 빈 말린 조롱박으로 만들어집니다. 마라카스는 댄스 음악 오케스트라, 재즈에서 매우 인기가 있습니다. 심포니 오케스트라의 일원으로 S. Prokofiev는이 악기를 처음으로 사용했습니다 (발레 "Romeo and Juliet"의 "Dance of the Antillean Girls", 칸타타 "Alexander Nevsky"). 이제 일반적으로 두 개의 악기가 사용됩니다. 연주자는 악기를 양손으로 잡고 흔들면서 소리를 추출합니다. 특정 피치가 없는 다른 타악기와 마찬가지로 마라카스는 "실"에 표기됩니다. 소리를 내는 원리에 따르면 마라카스는 초칼로와 카메소에 가깝다. 이들은 일종의 느슨한 물질로 채워진 마라카스처럼 금속-체크 무늬 또는 나무-카메소 실린더입니다. 일부 모델에는 체크가 있습니다. 측벽가죽 막으로 덮여 있습니다. 체칼로와 카메소는 모두 마라카스보다 더 크고 날카롭습니다. 또한 양손으로 잡고 수직 또는 수평으로 흔들거나 회전시킵니다.

선술집.

처음에 아프리카-브라질 출신의 이 악기는 라틴 아메리카 음악 오케스트라에서 인기를 얻었으며 이후 더 많은 배포를 받았습니다. 겉으로보기에 선술집은 큰 구슬이 달린 그물로 덮인 두 배의 마라카스와 비슷합니다. 연주자는 한 손에 악기를 잡고 다른 손의 손가락으로 간단히 두드리거나 손바닥의 접선 방향 움직임으로 구슬로 그리드를 스크롤합니다. 후자의 경우 마라카스 소리를 연상시키는 바스락거리고 긴 소리가 난다. 첫 번째 kabatsu 중 하나는 "Concert-buff"에서 Slonimsky가 사용했습니다.

봉스.

이 악기는 쿠바 출신입니다. 현대화 이후 봉고는 댄스 뮤직 오케스트라, 재즈, 심지어 진지한 음악 작품에서도 널리 사용되기 시작했습니다. 봉에는 다음 장치가 있습니다. 나무 원통형 본체 (높이 17 ~ 22cm)에 피부를 펴고 금속 후프로 고정합니다 (장력은 내부에서 나사로 조정됨). 금속 테두리는 피부 높이 위로 올라가지 않습니다. 이것은 손바닥이있는 봉에서 그러한 특징적인 플레이를 결정합니다-con le mani 또는 손가락-con le dita. 직경이 다른 두 개의 봉은 일반적으로 공통 홀더로 서로 연결됩니다. 작은 봉은 넓은 봉보다 약 1/3 정도 더 높게 들립니다. 봉의 소리는 높고, 구체적으로 "빈"소리이며 두드리는 장소와 방법에 따라 다릅니다. 이로 인해 각 악기에서 높이가 다른 두 가지 소리를 얻을 수 있습니다. 집게 손가락전체 손바닥이나 손가락 끝이 중앙에 더 가까운 타격에서 가장자리 근처 또는 중앙에 큰-및 아래쪽 (장조 2 초 또는 3 분의 1 이내).

시사:

피아노(It.piano-forte, 프랑스어 피아노, 독일어 Fortepiano, Hammerklavier, 영어 피아노)

피아노의 사운드 소스는 펠트로 덮인 나무 망치의 충격으로 소리가 나기 시작하는 금속 현이며 망치는 건반에 대한 손가락 압력으로 구동됩니다.

첫 번째 키보드 악기, 이미 15 세기 초에 알려진 하프시 코드와 클라비코드 (이탈리아어-클라비쳄발로). clavichord에서 현은 금속 레버 (접선, 하프시 코드-까마귀 깃털, 나중에는 금속 고리)로 진동했습니다. 이 악기의 소리는 동적으로 단조롭고 빠르게 희미해졌습니다.

포르테와 피아노 소리를 모두 연주하기 때문에 이름이 붙여진 최초의 해머 액션 피아노는 1709년 Bartolomeo Cristofori에 의해 만들어졌을 가능성이 큽니다. 이 새로운 악기는 빠르게 인지도를 얻었고 많은 개선을 거쳐 현대적인 콘서트 그랜드 피아노가 되었습니다. 가정 음악 제작을 위해 1826년에 피아노가 제작되었습니다.

피아노는 솔로 콘서트 악기로 널리 알려져 있습니다. 그러나 때로는 오케스트라의 평범한 악기 역할도 한다. Glinka로 시작하는 러시아 작곡가들은 하프의 울림을 재현하기 위해 때로는 하프와 함께 피아노를 오케스트라에 도입하기 시작했습니다. 이것은 Glinka의 "Ruslan and Lyudmila", "Sadko", Rimsky-Korsakov의 "May Night"에서 Bayan의 노래에서 사용되는 방식입니다. Rimsky-Korsakov가 편곡한 Mussorgsky의 Boris Godunov에서와 같이 때때로 피아노는 종소리를 연주합니다. 그러나 항상 다른 음색만 모방하는 것은 아닙니다. 일부 작곡가는 오케스트라에 음향과 새로운 색상을 도입할 수 있는 장식 도구로 오케스트라에서 사용합니다. 그래서 Debussy는 교향곡 모음곡 "Spring"에서 피아노 부분을 네 손으로 썼습니다. 마지막으로 때로는 강하고 건조한 음색을 지닌 일종의 타악기로 여겨진다. 쇼스타코비치 교향곡 1번의 날카롭고 기괴한 스케르초가 그 예입니다.

시사:

하프시코드

키보드 현악기. 하프시코드 연주자는 하프시코드와 그 변종 모두에서 음악 작품을 연주하는 음악가입니다. 하프시코드 형식의 악기에 대한 가장 초기의 언급은 1397년 파도바(이탈리아)의 자료에 나타납니다. 유명한 이미지 -Minden의 제단 (1425). 솔로 악기로서 하프시코드는 18세기 말까지 계속 사용되었습니다. 조금 더 오래 동안 디지털 베이스를 연주하고 오페라에서 레치타티보를 반주하는 데 사용되었습니다. 좋아요. 1810년은 사실상 사용하지 않게 되었습니다. 하프시코드 연주 문화의 부흥은 19-20세기 초에 시작되었습니다. 15세기의 하프시코드는 살아남지 못했습니다. 이미지로 판단하면 몸체가 무거운 짧은 악기였습니다. 살아남은 16세기 하프시코드의 대부분은 이탈리아에서 만들어졌는데, 그곳에서 베니스는 하프시코드 생산의 중심지였습니다. Flemish harpsichord의 사본 그들은 8` 레지스터 (드물게 두 개의 레지스터 8` 및 4`)를 가지고 있었고 우아함으로 구별되었습니다. 그들의 몸은 대부분 사이프러스로 만들어졌습니다. 이 하프시코드에 대한 어택은 후기 Flamadic 악기보다 더 뚜렷하고 소리가 더 갑작스럽습니다. 앤트워프는 1579년부터 Ruckers 가족 대표가 일했던 북유럽에서 가장 중요한 하프시코드 생산 중심지였습니다. 그들의 하프시코드는 이탈리아 악기보다 현이 길고 몸체가 무겁습니다. 1590년대부터 앤트워프에서는 설명서가 두 개인 하프시코드가 생산되었습니다. 17세기의 프랑스어, 영어, 독일어 하프시코드는 플랑드르와 네덜란드 모델의 특징을 결합합니다. 프렌치 하프시코드 호두나무 몸통을 가진 일부 프랑스식 2-수동 하프시코드가 남아 있습니다. 1690년대부터 루커스의 악기와 같은 유형의 하프시코드가 프랑스에서 생산되었습니다. 프랑스 하프시코드 거장들 사이에서 블랑쉐 왕조가 두드러졌다. 1766년에 Taskin은 Blanche의 작업장을 물려받았습니다. 18세기 영국에서 가장 중요한 하프시코드 제작자는 Schudy와 Kirkman 가족이었습니다. 그들의 악기는 합판으로 안을 댄 참나무 몸체를 가지고 있었고 풍부한 음색의 강한 소리로 구별되었습니다. 18세기 독일에서 하프시코드 생산의 주요 중심지는 함부르크였습니다. 이 도시에서 2' 및 16' 레지스터와 3개의 매뉴얼로 만들어진 악기 중. 유난히 긴 하프시코드 모델은 18세기 네덜란드의 거장 J. D. Dülcken이 디자인했습니다. XVIII 세기 후반. 하프시코드는 피아노로 대체되기 시작했습니다. 좋아요. 1809 Kirkman은 마지막 하프시코드를 생산했습니다. 악기 부흥의 창시자는 A. Dolmech였습니다. 그는 1896년 런던에서 첫 번째 하프시코드를 만들었고 곧 보스턴, 파리, Heislemere에 작업장을 열었습니다. 현대 하프시코드 하프시코드 생산은 파리의 Pleyel과 Erard에서 시작되었습니다. Pleyel은 두껍고 팽팽한 현이 달린 금속 프레임으로 모델 하프시코드를 생산하기 시작했습니다. Wanda Landowska는 이러한 유형의 악기에 대해 전 세대의 하프시코드 연주자를 교육했습니다. 보스턴의 장인 Frank Hubbard와 William Dyde는 골동품 하프시코드를 처음으로 복사했습니다..

시사:

오르간(It. 오르가노, 프랑스 오르게, 독일 오르겔, 영국 오르간)

건반 관악기 - 오르간 -은 고대에 알려졌습니다. 고대 기관에서는 손으로 풀무로 공기를 펌핑했습니다. 안에 중세 유럽오르간은 교회 예배의 도구가 되었습니다. Frescobaldi, Bach 및 Handel이 가장 잘 대표되는 오르간 다성 예술이 태어난 것은 17 세기의 영적 환경이었습니다.

오르간은 다양한 음색을 가진 거대한 악기입니다.

"이것은 숙련 된 손으로 모든 것을 전달하고 모든 것을 표현할 수있는 전체 오케스트라입니다. "라고 Balzac은 그에 대해 썼습니다. 실제로 오르간의 범위는 오케스트라의 모든 악기를 합친 범위를 능가합니다. 오르간에는 공기 공급용 벨로우즈, 다양한 디자인과 크기의 파이프 시스템(현대 오르간에서는 파이프 수가 30,000개에 이릅니다), 여러 수동 키보드(매뉴얼 및 풋 페달)가 포함됩니다. 가장 큰 파이프의 높이는 10m 이상이며 가장 작은 파이프의 높이는 8mm입니다. 이것 또는 소리의 색상은 장치에 따라 다릅니다.

단일 음색의 파이프 세트를 레지스터라고 합니다. 대성당의 대형 오르간에는 100개 이상의 레지스터가 있습니다. 파리의 노트르담그 수는 110에 이릅니다. 개별 음역의 소리 색상은 플루트, 오보에, 잉글리시 호른, 클라리넷, 베이스 클라리넷, 트럼펫, 첼로의 음색과 비슷합니다. 음역이 풍부하고 다양할수록 연주자는 더 많은 기회를 얻게 됩니다. 모두 능숙하게 사용 기술 리소스도구.

최신에서 오케스트라 음악(특히 연극) 오르간은 주로 교회 분위기를 재현하는 데 필요한 음향 및 시각적 목적으로 사용되었습니다. 예를 들어 Liszt는 그의 교향시 "The Battle of the Huns"에서 오르간의 도움으로 기독교 세계를 야만인에 반대했습니다.

시사:

하프 - 뽑은 현악기. 그것은 삼각형 모양을 가지고 있으며, 다음과 같이 구성됩니다. 첫째, 약 1m 길이의 공진 상자 상자가 아래쪽으로 확장됩니다. 이전 모양은 사각형이었고 현재 모양은 한쪽이 둥글다. 일반적으로 단풍 나무로 만든 평평한 데크가 장착되어 있으며 그 중간에는 좁고 얇은 단단한 나무 레일이 몸체 길이를 따라 부착되어 있으며 거트 끈을 끼우기 위해 구멍이 뚫려 있습니다. 둘째, 윗부분 (큰 목 형태)에서 뱀 모양의 곡선이 몸의 윗부분에 부착되어 예각을 이룹니다. 현을 강화하고 조율하기 위해 이 부분에 못을 부착합니다. 셋째, 지판과 공진체 사이에 늘어선 현이 생성하는 힘에 저항하는 것이 목적인 기둥 형태의 전면 빔에서 발생합니다. 하프는 이미 과거에 상당한 음량(5옥타브)을 가지고 있었고 전체 반음계의 현을 위한 공간이 충분하지 않았기 때문에 하프의 현은 온음계의 소리를 생성하기 위해서만 늘어납니다. 페달이 없는 하프는 하나의 음계만 연주할 수 있습니다. 예전에는 크로매틱 라이즈의 경우 지판에 손가락을 대고 눌러 현을 줄여야 했습니다. 나중에이 누르기는 손으로 움직이는 고리의 도움으로 시작되었습니다. 그러한 하프는 연주자에게 매우 불편한 것으로 판명되었습니다. 이러한 단점은 1720년 Jacob Hochbrucker가 발명한 페달의 메커니즘에 의해 크게 제거되었습니다. 이 마스터는 도체에 작용하는 하프 7개의 페달에 부착되어 빔의 빈 공간을 지판으로 전달하고 후크를 현에 단단히 부착하여 악기의 전체 볼륨에서 반음계 증가를 생성하는 위치로 가져왔습니다.

멀리서 천둥소리가 들린다. 여기에서 천둥이 점점 더 강하게 울리고 번개가 번쩍이고 폭우가 시작되고 비 소리가 강해집니다. 그러나 허리케인은 점차 가라 앉고 태양이 나고 빗방울이 그 광선 아래에서 빛났습니다.
베토벤의 여섯 번째 교향곡 소리.
듣다! 천둥은 팀파니로 표현됩니다. 빗소리는 더블베이스와 첼로로 전달된다. 바이올린과 플루트는 마치 바람이 격렬하게 울부짖는 것처럼 연주됩니다.
오케스트라가 교향곡을 연주합니다.

심포니 오케스트라. 그것은 소리의 기적이라고 불립니다. 그것은 다양한 소리의 음영을 전달할 수 있습니다.
심포니 오케스트라에는 일반적으로 100개 이상의 악기가 있습니다. 음악가들은 엄격하게 정의된 순서대로 앉습니다. 이렇게 하면 지휘자가 오케스트라를 더 쉽게 제어할 수 있습니다.
전경에는 현악기가 있습니다. 그들은 플루트, 오보에, 클라리넷, 바순, 트럼펫, 호른, 트롬본 및 타악기-드럼, 팀파니, 심벌즈와 같은 다른 악기가 사운드와 함께 색상 음영을 적용하는 음악 패브릭의 기초를 짜고 있습니다.
사진에서 심포니 오케스트라의 주요 악기를 볼 수 있습니다. 때때로 작곡가는 일반적으로 심포니 오케스트라의 일부가 아닌 악기를 소개합니다. 오르간, 피아노, 종, 탬버린, 캐스터네츠가 될 수 있습니다.
Aram Khachaturian의 발레 "Gayane"에서 "Saber Dance"를 들어 보셨을 것입니다. 이 댄스의 주요 멜로디 중 하나는 색소폰으로 연주됩니다. 처음으로 색소폰은 19세기에야 심포니 오케스트라에 들어갔고 그 이후로 색소폰은 종종 교향악 작품에서 들렸습니다.

악기는 수세기 전에 나타났습니다. 드럼, 톰톰, 팀파니와 같은 가장 오래된 타악기는 이미 원시인 사이에있었습니다. 물론 도구는 시간이 지남에 따라 변경됩니다. 따라서 현대 팀파니는 조상과 매우 다릅니다. 이전에 동물의 가죽으로 덮인 철 가마솥이었다면 이제 팀파니는 구리로 만들어지고 플라스틱으로 조여지고 미세 조정이 가능한 나사가 만들어집니다.
심포니 오케스트라에서 타악기는 기본 음악적 리듬. 그들은 또한 천둥, 비, 총포 일제사격, 퍼레이드에서 군대의 엄숙한 행진 등을 묘사하는 데 사용됩니다. 그들은 오케스트라의 소리에 힘과 힘을 줍니다.
어떤 사람들은 타악기를 연주하는 것이 전혀 어렵지 않다고 생각합니다. 예를 들어 필요한 경우 심벌즈를 치십시오. 그게 다입니다. 사실 이렇게 단순해 보이는 악기를 연주하려면 엄청난 기술이 필요합니다. 심벌즈 소리가 다릅니다. 그것은 당신이 그들을 얼마나 세게 치느냐에 달려 있습니다. 그들의 소리는 날카로울 정도로 크고 나뭇잎이 바스락거리는 소리와 비슷할 수 있습니다. 일부 작품에서는 심벌즈가 솔로 파트를 연주합니다. 예를 들어 차이코프스키의 서곡 판타지 "로미오와 줄리엣"에서 그들은 Montagues와 Capulets라는 두 가족의 적대감을 전달하는 멜로디를 이끌고 있습니다.

심벌즈는 종종 팀파니와 혼동됩니다. 그러나 팀파니는 완전히 다른 방식으로 연주되며 펠트로 덮인 막대기로 팀파니를 때립니다.
아마도 당신은 관악기에 가장 익숙할 것입니다. 그들 중 많은 사람들이 아마 그들이 어떻게 들리는 지 보고 들었을 것입니다.
동화와 전설에서 우리는 때때로 악기의 기원에 대한 역사를 배웁니다. 예, 하나에 고대 그리스 신화숲과 들판의 신, 양치기의 수호성인 Pan은 요정 Syrinx와 사랑에 빠졌다고 합니다. 팬은 양모로 덮인 발굽과 뿔이있는 매우 무서웠습니다. 그에게서 도망친 아름다운 님프는 강의 신에게 도움을 청했습니다. 그리고 그는 Syrinx를 갈대로 만들었습니다. 그것으로부터 Pan은 감미로운 소리를 내는 플루트를 만들었다.
Shepherd's reed pipe는 최초의 관악기입니다. 이 파이프의 증손자는 플루트, 바순, 클라리넷 및 오보에입니다. 이 악기들은 모양이 서로 다르고 소리도 다릅니다.
일반적으로 그들 뒤에 있는 오케스트라에는 금관 악기가 있습니다.
오래 전에 사람들은 동물의 껍데기나 뿔에 바람을 불어넣으면 음악 소리를 낼 수 있다는 사실을 알아차렸습니다. 그런 다음 그들은 뿔과 껍질과 유사한 금속 도구를 만들기 시작했습니다. 사진에서 보이는 모습이 되기까지 많은 시간이 걸렸습니다.
오케스트라에는 금관 악기도 많이 있습니다. 이들은 튜바, 호른, 트롬본입니다. 그들 중 가장 큰 것은 튜바입니다. 베이스를 부르는 이 악기는 정말 거대합니다.
지금 파이프를 보세요. 그녀는 경적과 매우 유사합니다. 옛날 옛적에 트럼펫이 전사들을 전투로 불러 휴일을 열었습니다. 그리고 오케스트라에서 그녀는 처음에 간단한 신호 부품을 맡았습니다. 그러나 마우스피스가 개선되었고 트럼펫이 솔로 악기로 점점 더 자주 사용되기 시작했습니다. P. I. Tchaikovsky의 발레 "백조의 호수"에는 "나폴리 댄스"가 있습니다. 트럼펫 솔로가 얼마나 화려한지 주목하십시오.

그리고 모든 금관악기가 함께 소리를 내면 강력하고 장엄한 선율을 얻을 수 있습니다.
그러나 무엇보다도 현악기 오케스트라에서. 바이올린만 해도 수십 대, 제2바이올린, 첼로, 더블베이스도 있다.
현악기가 가장 중요합니다. 그들은 오케스트라를 이끌고 메인 멜로디를 연주합니다.
바이올린은 오케스트라의 여왕이라고 불립니다. 바이올린을 위한 많은 특별 협주곡이 작곡되었습니다. 물론 위대한 바이올리니스트 파가니니에 대해 들어보셨을 것입니다. 이 마법사 음악가의 손에서 작고 우아한 바이올린은 전체 오케스트라처럼 들렸습니다.
바이올린은 이탈리아 크레모나에서 태어났습니다. 최고의 이탈리아 거장 Amati, Guarneli, Stradivari 및 러시아인 I. Batov, A. Leman의 바이올린은 오늘날까지 탁월한 것으로 간주됩니다.
이제 심포니 오케스트라의 악기에 대해 조금 알게 되었습니다. 음악을 들을 때 "음성으로" 악기를 구별해 보세요.
물론 당장 하기는 어려울 수 있습니다. 그러나 어떻게 읽는 법을 배웠는지, 어떻게 작고 간단한 책으로 시작하여 성장하고 점점 더 많이 배우고 진지하고 똑똑한 책을 읽기 시작했는지 기억하십시오.
음악도 이해해야 합니다. 자신이 연주하지 않는다면 더 자주 들어보십시오. 그러면 음악이 그 비밀, 마법적이고 멋진 세계를 알려줄 것입니다.

심포니 오케스트라

오케스트라(그리스 오케스트라 출신) - 대규모 기악 연주자 팀. 실내악 앙상블과 달리 오케스트라에서는 일부 연주자들이 함께 연주하는 그룹을 형성합니다. 즉, 같은 부분을 연주합니다.
기악 연주자 그룹이 동시에 음악을 만든다는 아이디어는 고대로 거슬러 올라갑니다. 고대 이집트작은 밴드의 음악가들이 다양한 축하 행사와 장례식에서 함께 연주했습니다.
"오케스트라"("오케스트라")라는 단어는 고대 그리스 극장, 고대 그리스 합창단이 있던 곳, 비극이나 희극의 참가자. 르네상스와 그 이후 XVII 세기 오케스트라는 오케스트라 피트따라서 그 안에 위치한 뮤지션 집단에 이름을 부여했습니다.
오케스트라에는 군용 금관악기 및 목관악기 오케스트라, 민속 악기 오케스트라, 현악 오케스트라 등 다양한 유형이 있습니다. 구성이 가장 크고 기능면에서 가장 풍부한 것은 심포니 오케스트라입니다.

교향곡현악기, 관악기 및 타악기 계열과 같은 여러 가지 이기종 악기 그룹으로 구성된 오케스트라라고합니다. 그러한 협회의 원칙은 유럽에서 다음과 같이 발전했습니다. XVIII 세기. 처음에 심포니 오케스트라에는 몇 개의 타악기가 결합된 활 악기, 목관 악기 및 금관 악기 그룹이 포함되었습니다. 그 결과 각 그룹의 구성이 확장되고 다양해졌습니다. 현재 다양한 심포니 오케스트라 중에서 소규모와 대규모 심포니 오케스트라를 구분하는 것이 일반적입니다. 소규모 심포니 오케스트라는 주로 클래식 작곡(18세기 후반 ~ 19세기 초반 또는 현대 파스티셰 음악 연주)의 오케스트라입니다. 그것은 2개의 플루트(드물게 작은 플루트), 2개의 오보에, 2개의 클라리넷, 2개의 바순, 2개의(드물게 4개의) 호른, 때때로 2개의 트럼펫과 팀파니, 20개 이하의 악기(5개의 1번째 및 4개의 2번째 바이올린, 4개의 비올라, 3개의 첼로, 2개의 더블 베이스)로 구성된 현악 그룹으로 구성됩니다. 대규모 심포니 오케스트라(BSO)는 구리 그룹에 필수 트롬본을 포함하며 모든 구성을 가질 수 있습니다. 종종 목제 악기(플루트, 오보에, 클라리넷 및 바순)는 각 제품군의 최대 5개 악기(때로는 더 많은 클라리넷)에 도달하며 다양한 종류(픽 및 알토 플루트, 큐피드 오보에 및 잉글리쉬 오보에, 스몰, 알토 및 베이스 클라리넷, 콘트라바순)를 포함합니다. 구리 그룹은 최대 8개의 호른(특수 바그너 튜바 포함), 5개의 트럼펫(스몰, 알토, 베이스 포함), 3-5개의 트롬본(테너 및 테너베이스) 및 튜바를 포함할 수 있습니다. 색소폰이 자주 사용됩니다. 재즈 오케스트라총 4가지 유형). 스트링 그룹은 60개 이상의 악기에 도달합니다. 타악기는 많습니다 (팀파니, 벨, 크고 작은 드럼, 삼각형, 심벌즈 및 인디언 탐톰이 백본을 형성하지만) 하프, 피아노, 하프시 코드가 자주 사용됩니다.
오케스트라의 사운드를 설명하기 위해 YouTube 심포니 오케스트라의 마지막 콘서트 녹음을 사용하겠습니다. 콘서트는 2011년 호주 시드니에서 열렸습니다. 전 세계 수백만 명의 사람들이 TV로 생중계했습니다. YouTube 심포니는 음악에 대한 사랑을 키우고 인류의 광대한 창의적 다양성을 보여주는 데 전념하고 있습니다.

콘서트 프로그램에는 잘 알려진 작곡가와 잘 알려지지 않은 작곡가의 잘 알려진 작품과 잘 알려지지 않은 작품이 포함되었습니다.
여기그의 프로그램:

헥토르 베를리오즈 - 로마의 사육제 - 서곡, Op. 9 (Android Jones 피처링 - 디지털 아티스트)
마리아 치오시 만나기
Percy Grainger - Arrival on a Platform Humlet from in a Nutshell - 모음곡
요한 제바스티안 바흐
Paulo Calligopoulos를 만나보세요 - 일렉트릭 기타와 바이올린
알베르토 히나스테라 - 발레 에스탄시아(일리치 리바스 지휘)의 Danza del trigo(밀 춤)와 마지막 Danza(말람보)
Wolfgang Amadeus Mozart - "Caro" 종 "idol mio" - Canon in three voices, K562 (Sydney Children's Choir와 소프라노 Renee Fleming이 비디오를 통해 출연)
Xiomara Mass - Oboe를 만나보세요
Benjamin Britten - The Young Person's Guide to the Orchestra, Op.34
William Barton - Kalkadunga (William Barton - Didgeridoo 출연)
티모시 컨스터블
Roman Riedel 소개 - 트롬본
리하르트 슈트라우스 - 빈 필하모닉을 위한 팡파르 (세라 윌리스, 호른, 베를린 필하모닉 출연, 에드윈 아웃워터 지휘)
*프리미어* Mason Bates - Mothership (YouTube 심포니 오케스트라를 위해 특별히 작곡됨 2011)
수창을 만나다
펠릭스 멘델스존 - 바이올린 협주곡 마단조 Op. 64(피날레)(Stefan Jackiw 출연, Ilyich Rivas 지휘)
Ozgur Baskin을 만나다 - 바이올린
Colin Jacobsen과 Siamak Aghaei - Ascending Bird - 현악 오케스트라를 위한 모음곡(Colin Jacobsen, 바이올린, Richard Tognetti, 바이올린, Kseniya Simonova - 모래 예술가 출연)
Stepan Grytsay 만나기 - 바이올린
이고르 스트라빈스키 - 불새 (Infernal Dance - Berceuse - Finale)
*ENCORE* Franz Schubert - Rosamunde (피처링 Eugene Izotov - oboe, and Andrew Mariner - 클라리넷)

심포니 오케스트라는 수세기에 걸쳐 형성되었습니다. 개발 오랫동안오페라와 교회 앙상블의 깊이에서 일어났습니다. 이러한 팀은 XV - XVII 세기 작고 다양했다. 그들은 류트, 비올, 오보에가 있는 플루트, 트롬본, 하프, 드럼을 포함했습니다. 점차 현악기가 우세한 위치를 차지했습니다. 비올은 더 풍부하고 선율적인 소리를 내는 바이올린으로 대체되었습니다. 맨 위로 XVIII V. 그들은 이미 오케스트라에서 최고를 군림했습니다. 별도의 그룹과 관악기(플루트, 오보에, 바순)가 통합되었습니다. 교회 오케스트라에서 그들은 심포니 트럼펫과 팀파니로 전환했습니다. 하프시코드는 기악 앙상블에서 빼놓을 수 없는 멤버였습니다.
이러한 구성은 J. S. Bach, G. Handel, A. Vivaldi의 전형이었습니다.
중간에서 XVIII V. 교향곡과 기악 협주곡의 장르가 발전하기 시작합니다. 폴리포닉 스타일에서 벗어나 작곡가들은 음색의 다양성, 오케스트라 목소리에서 부조를 뽑아내려고 애쓰게 되었습니다.
새 도구의 기능이 변경됩니다. 약한 소리를 내는 하프시코드는 점점 주역의 역할을 잃어가고 있다. 곧 작곡가들은 주로 현과 관악기에 의존하여 완전히 포기했습니다. 말 XVIII V. 약 30개의 현, 2개의 플루트, 2개의 오보에, 2개의 바순, 2개의 파이프, 2-3개의 호른 및 팀파니 등 소위 오케스트라의 클래식 구성이 형성되었습니다. 클라리넷은 곧 황동에 합류했습니다. J. Haydn, W. Mozart는 그러한 작곡을 위해 썼습니다. L. Beethoven의 초기 작곡에 나오는 오케스트라입니다. 안에 XIX V.
오케스트라의 발전은 주로 두 가지 방향으로 진행되었습니다. 한편으로는 구성이 증가하면서 다양한 유형의 악기로 풍부해졌습니다(이것은 큰 장점입니다. 낭만주의 작곡가, 주로 Berlioz, Liszt, Wagner) 반면에 오케스트라의 내부 기능이 개발되었습니다. 사운드 색상이 더 순수해졌고 질감이 더 명확하고 표현력이 풍부한 리소스가 더 경제적이었습니다 (Glinka, Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov의 오케스트라입니다). 오케스트라 팔레트와 후기의 많은 작곡가를 크게 풍부하게 함 XIX - XX의 상반기 V. (R. Strauss, Mahler, Debussy, Ravel, Stravinsky, Bartok, Shostakovich 등).

현대 심포니 오케스트라는 4개의 주요 그룹으로 구성됩니다. 오케스트라의 기초는 현악단(바이올린, 비올라, 첼로, 더블베이스)이다. 대부분의 경우 현악기는 오케스트라에서 멜로디 시작의 주요 전달자입니다. 현악기를 연주하는 뮤지션의 수는 전체 밴드의 약 2/3입니다. 목관 악기 그룹에는 플루트, 오보에, 클라리넷, 바순이 포함됩니다. 그들 각각은 일반적으로 독립 정당을 가지고 있습니다. 음색의 채도, 역동적인 특성 및 다양한 연주 기법에서 구부러진 악기에 양보하는 관악기는 강력한 힘, 컴팩트한 사운드, 밝고 다채로운 색조를 가지고 있습니다. 오케스트라 악기의 세 번째 그룹은 금관악기(호른, 트럼펫, 트롬본, 트럼펫)입니다. 그들은 오케스트라에 새롭고 밝은 색상을 가져와 다이내믹한 기능을 풍부하게 하고 사운드에 힘과 광채를 부여하며 베이스 및 리드미컬한 지원 역할도 합니다.
모두 더 큰 가치심포니 오케스트라에서 타악기를 습득하십시오. 그들의 주요 기능은 리드미컬합니다. 또한 특수 사운드 및 노이즈 배경을 만들고 색상 효과로 오케스트라 팔레트를 보완하고 장식합니다. 소리의 특성에 따라 드럼은 두 가지 유형으로 나뉩니다. 일부는 특정 피치(팀파니, 벨, 실로폰, 벨 등)가 있고 다른 일부는 정확한 피치가 없습니다(삼각형, 탬버린, 소형 및 대형 드럼, 심벌즈). 주요 그룹에 포함되지 않은 악기 중에서 하프의 역할이 가장 중요합니다. 때때로 작곡가는 오케스트라의 첼레스타, 피아노, 색소폰, 오르간 및 기타 악기를 포함합니다.
심포니 오케스트라의 악기(현악기, 목관악기, 금관악기 및 타악기)에 대한 자세한 정보는 다음에서 찾을 수 있습니다. 대지.
게시물을 준비하는 동안 발견한 또 다른 유용한 사이트인 "음악에 관한 아이들"을 무시할 수 없습니다. 이곳이 어린이를 위한 사이트라는 사실에 겁먹을 필요가 없습니다. 그 안에는 좀 더 단순하고 이해하기 쉬운 언어로만 말하는 꽤 심각한 것들이 있습니다. 여기 링크그의 위에. 그건 그렇고, 심포니 오케스트라에 대한 이야기도 포함되어 있습니다.

출처:

마리나 라제바
NOD "교향악단"의 시놉시스

수업 요약

« 심포니 오케스트라»

5-6세 어린이용

준비된: 음악 감독

라제바 마리나 아나톨리에브나

테이코보 2015

표적: 미취학 아동에게 클래식 음악 소개

작업. 아이들에게 주변 세계에 대한 미적 인식을 형성합니다.

음악 문화에 참여하십시오.

음악 인식의 필요성을 형성합니다.

인지 능력과 창의력을 개발하십시오.

풍부한 어휘.

교육영역 - "예술과 미학 교육"

조직 형태 - 팀워크아이들과 함께하는 선생님.

아이들의 활동 유형:인지, 의사 소통, 음악 및 예술.

재료 및 장비: 음악 감상을 위한 음악 센터, 어린이 악기, 프레젠테이션.

예비 작업: 에 음악 수업아이들은 기본 도구에 익숙해야 합니다. 심포니 오케스트라, 실제 사운드, 음색 착색. 도구 그룹 구별: 현악기, 관악기, 타악기, 단식.

소프트웨어 콘텐츠.

1. 악기 소리의 특징에 대한 어린이의 지식을 확장합니다.

2. 악기 소리에 대한 관심과 욕구를 키웁니다.

3. DMI 기술을 지속적으로 개발 (어린이 악기)

4. 어린이의 음색 청력을 개발하십시오.

계획된 결과.

에 대한 아이디어의 형성 심포니 오케스트라.

악기 소리 구별 능력 강화 심포니 오케스트라.

DMI에서 게임에 적극적으로 참여하십시오.

공연에서 음악을 인식해야 할 필요성을 느끼십시오. 심포니 오케스트라.

과정 진행.

아이들은 홀에 들어가 일반적인 복잡한 음악 및 리드미컬 한 동작을 수행 한 다음 침착하게 의자로 이동합니다.

씨. 노래로 아이들을 맞이하다 "안녕하세요!", 작가…

씨. 아이들이 많은 음악가 그룹을 보는 화면에 아이들의 관심을 끕니다.

씨. 여러분, 이 사진에서 무엇을 볼 수 있습니까?

아이들의 대답.

씨. 그래 오케스트라 - 음악가 그룹같은 음악을 함께 연주하는 사람. 각 음악가는 악보라고 하는 음표에 따라 자신의 역할을 연주합니다. 점수는 특수 스탠드 - 콘솔에 있습니다.

이제 수수께끼를 하나 내겠습니다. 그것을 추측해보십시오.

그 오케스트라를 관장하다,

사람들에게 기쁨을 가져다줍니다.

그냥 지팡이를 흔들

음악 재생이 시작됩니다.

그는 의사나 운전사가 아닙니다.

누구세요? (지휘자)

어린이들. 지휘자.

씨. 에게 오케스트라조화롭게 조화롭게 들립니다. 지휘자가 제어합니다. 그는 음악가들을 마주보고 서 있습니다. 지휘자는 할 수 있습니다 오케스트라 연주와 빠른, 그리고 천천히, 조용히, 그리고 큰 소리로-원하는대로! 그러나 그는 한마디도 하지 않는다. 그는 마술 지휘자의 지휘봉만 사용합니다. 지휘자 앞에는 두껍고 두꺼운 음표가 있으며 여기에는 모든 음악가의 파트가 그려져 있습니다. 이러한 음표를 clavier라고 합니다.

바이올린은 현이 4개인 활 악기로, 그 계열에서 소리가 가장 높고 악기에서 가장 중요합니다. 오케스트라.

첼로 - 큰 바이올린, 앉아있는 동안 재생됩니다. 첼로는 저음이 풍부합니다.

더블베이스 - 소리는 가장 낮고 크기는 가장 큽니다. (최대 2미터)현악기군 중에서. 서 있거나 특수 의자에서 연주됩니다. 베이스 베이스입니다 (기본)총 오케스트라.

플루트는 목관 악기 그룹에 속합니다. 그러나 현대의 플룻은 나무로 만드는 경우가 거의 없으며 금속으로 만드는 경우가 더 많으며 때로는 플라스틱과 유리로 만드는 경우도 있습니다. 관악기 중에서 가장 기교적이고 기술적으로 기동성이 뛰어난 악기입니다. 플루트는 종종 위탁됩니다 오케스트라 솔로.

씨. 여러분 악기는 왜 관악기라고 하나요?

아이들의 대답.

씨. 예, 정말 터집니다. 관악기에 공기를 불어넣으면 소리가 난다고 말하는 것이 더 정확할 것입니다.

이제 너희는 놋쇠 나팔 소리를 보고 듣는다. 트럼펫은 팡파르에 매우 적합한 높고 선명한 사운드를 가지고 있습니다. Fanfares는 축제 행사, 군사 퍼레이드에서 엄숙하거나 호전적인 신호를 보내는 데 사용됩니다.

당신 앞에는 트롬본이 있습니다. 트롬본은 멜로디보다 베이스 라인을 더 많이 연주합니다. 그것은 움직일 수 있는 백스테이지의 존재에 의해 다른 금관 악기와 다르며, 음악가가 악기의 소리를 앞뒤로 움직입니다.

프렌치 호른 - 호른. 원래 사냥용 뿔의 후손입니다. 뿔은 부드럽고 표현력이 풍부하거나 거칠고 긁힐 수 있습니다.

씨. 타악기의 이름을 지정하십시오.

어린이들. 드럼, 탬버린, 마라카스, 트라이앵글, 메탈로폰, 캐스터네츠, 종, 딸랑이, 종.

씨. 맞아요. 많은 타악기가 있지만 모두 사용할 수 있는 것은 아닙니다. 심포니 오케스트라.

슬라이드에 표시되는 도구의 이름을 지정하십시오.

드럼, 심벌즈, 실로폰.

슬라이드 14.15.

또한 여러분, 오케스트라단일 도구가 사용됩니다. 그리고 당신은 알고 이름해야합니다

올바르게.

어린이들. 피아노. 하프.

씨. 오른쪽. 이것은 콘서트용 그랜드 피아노이자 가장 오래된 악기인 하프입니다.

그리고 너희들은 큰 음악가가 된 기분을 원해 오케스트라? 그런 다음 악기를 들고 매우 아름다운 음악을 연주할 것을 제안합니다.

실행할 수 있는 "터키 스타일의 론도"- W. 모차르트 또는

"나쁜 폴카"- A. Filippenko.

씨. 고마워요. 좋아요.

그리고 발랄라이카나 색소폰 같은 악기가 연주할 수 있는 악기에 대해 어떻게 생각하세요? 오케스트라. 그리고 무엇에? 사실 이러한 도구는 다른 도구의 일부입니다. 오케스트라.

이 삽화를 자세히 살펴보십시오. 제외하고 심포니 오케스트라다른 유형이 있습니다 오케스트라: 브라스, 포크, 팝, 재즈. 그들은 악기의 구성과 연주자의 수가 다릅니다. 안에 심포니 오케스트라, 평균적으로 약 60-70명이지만 때로는 100명 이상입니다. 음악가는 특정 순서로 배열됩니다. 그들은 음색이 비슷한 악기 그룹으로 결합됩니다.:

현악기, 목관악기, 금관악기 및 타악기. 같은 그룹의 음악가들은 서로의 말을 더 잘 듣기 위해 나란히 앉습니다. 그리고 그것은 일관된 소리를 만듭니다.

이제 여러분을 게임에 초대하고 싶습니다.

도구에 대해 알아보십시오.

슬라이드 17, 18, 19.

씨. 우리는 당신과 함께 멋진 시간을 보냈습니다. 당신은 그것을 좋아 했습니까? 의 이름은 무엇입니까 오케스트라오늘 우리는 누구를 만났습니까? 어떤 악기를 좋아했나요? (아이들은 한 번에 하나씩 대답합니다). 나는 당신이 엄마 나 아빠와 함께 풀고 추측을 시도 할 수수께끼가있는 카드를 준비했습니다. (실루엣 뒷면 - 점).

내게로 와줘 고맙고 이별하고 싶어 (아이들은 눈을 감고 음악감독은 머리를 쓰다듬는다)