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극장과 그것에 관한 모든 것. 연극 예술과 그 특징

최초의 연극 제작은 한때 거리에서 바로 상연되었습니다. 기본적으로 순회 공연자들이 공연을 합니다. 노래하고 춤추고 다양한 의상을 입고 동물을 묘사 할 수 있습니다. 모두가 최선을 다했습니다. 새로운 종류의 예술이 점차 발전하고 배우들의 기술이 향상되었습니다.

세계 최초의 극장

그리스어로 "극장"이라는 단어는 안경과 안경 자체를 보관하는 장소를 의미합니다. 아마도 최초의 그러한 문화 기관은 그리스에서 발생했을 것입니다. 일어난 일 V-IV 세기기원전 이자형. 이 시대를 "클래식"이라고합니다. 모든 요소와 구성 요소의 조화와 균형이 특징입니다. 고대 그리스 극장다양한 신의 숭배로 인해 나타났습니다.

디오니소스 극장은 가장 오래된 극장 건물입니다. 포도주 양조, 초목 및 자연의 신은 고대 그리스인들에게 매우 존경 받았습니다. Dionysus는 컬트 의식에 전념했으며 점차 실제 비극과 코미디로 발전했습니다. 의식 축제는 실제 연극 공연으로 바뀌 었습니다. 건물은 공간이었다 열린 하늘. 관중은 원래 나무 좌석에 위치했습니다. 그래서 존경 고대 그리스가난한 권력자들이 공연을 위해 돈을 받았다는 것. 기혼 여성의 공연 관람은 금지됐다.

첫 번째 예술 사원은 세 가지 주요 부분으로 구성되었습니다.

오케스트라 - 댄서와 합창단이 공연했습니다.
강당- 오케스트라 주변에 위치;
예술가들의 방이 있던 스케네 빌딩.

커튼도 없고 평소의 장면도 없었지만 모두 여성 역할남자들이 놀았다. 배우들은 한 공연에서 역할을 여러 번 바꿔서 춤과 노래를 완벽하게 소화해야 했다. 마스크를 착용한 배우들의 모습이 달라졌다. 건물 옆에는 디오니소스 신전이 있었다.

고대 극장은 현대의 기초와 본질을 마련했습니다. 드라마 극장은 장르에서 가장 가깝다고 할 수 있습니다. 시간이 지남에 따라 점점 더 다양한 장르가 등장했습니다.

연극 장르

연극 장르 현대 세계너무 다양합니다. 이 예술은 문학, 음악, 안무, 보컬, 미술. 서로 다른 감정과 상황을 표현합니다. 인류는 끊임없이 진화하고 있습니다. 그 결과, 다양한 장르. 그들은 그들이 태어난 나라에 달려 있습니다. 문화 발전청중의 분위기와 요청에 따라 인구.

드라마, 코미디, 모노드라마, 보드빌, 엑스트라바간자, 패러디, 마임, 소극, 도덕성, 목가적, 뮤지컬, 희비극, 멜로드라마 등 몇 가지 유형의 장르를 나열합니다.

연극 예술의 장르는 서로 경쟁할 수 없습니다. 그들은 나름대로 흥미 롭습니다. 오페라극장을 사랑하는 관객들은 코미디극장을 찾는데 그 못지않은 즐거움을 선사한다.

최대 인기있는 종연극 장르는 드라마, 코미디, 희비극, 뮤지컬, 패러디 및 보드빌입니다.

이 드라마는 비극적인 순간과 코믹한 순간을 모두 가지고 있다. 여기에서 일하는 배우를 보는 것은 항상 흥미 롭습니다. 이 장르의 역할은 단순하지 않으며 시청자를 공감과 분석에 쉽게 참여시킵니다.

코미디 공연의 주요 목표는 시청자에게 웃음을 유발하는 것입니다. 어떤 상황을 웃기려면 배우들도 노력을 많이 해야 한다. 결국 시청자는 그들을 믿어야 합니다! 코미디 역할은 극적인 역할만큼 연기하기 어렵습니다. 동시에 풍자의 요소는 연극을 더 쉽게 볼 수 있습니다.

비극은 항상 다음과 관련이 있습니다. 갈등 상황, 생산에 대해 알려줍니다. 이 장르는 고대 그리스에서 처음 등장한 장르 중 하나입니다. 코미디처럼.

많은 팬을 보유하고 있는 뮤지컬입니다. 이것은 춤, 노래, 흥미로운 음모 및 유머가있는 항상 밝은 행동입니다. 이 장르의 두 번째 이름은 뮤지컬 코미디입니다. 19세기 말 미국에 등장했다.

품종

극장 유형은 극장에서 제공되는 장르와 직접적인 관련이 있습니다. 연기의 한 형태로 장르를 많이 표현하지는 않지만. 우리는 그들 중 일부를 나열합니다:

오페라;
극적인;
어린이들;
저자;
한 배우의 극장;
빛의 극장;
뮤지컬 코미디;
풍자 극장;
시 극장;
댄스 극장;
팝;
로봇 극장;
발레;
동물 극장;
장애인 극장;
농노;
그림자 놀이;
판토마임 극장;
노래 극장;
거리.

오페라와 발레 극장

오페라와 발레는 르네상스 시대에 이탈리아에 나타났습니다. 1637년 베니스에서 처음 등장했다. 발레는 궁정에서의 춤에서 변형되어 프랑스에서 별도의 연극 장르로 형성되었습니다. 종종 이러한 유형의 극장은 한 곳에서 결합됩니다.

오페라와 발레가 함께하는 심포니 오케스트라. 음악은 이러한 작품의 필수적인 부분이 됩니다. 무대에서 일어나는 모든 일의 분위기, 분위기를 전달하고 배우들의 연기를 강조한다. 오페라 가수그들은 목소리와 감정으로 작업하고 발레 댄서는 움직임을 통해 모든 것을 전달합니다. 오페라와 발레 극장은 항상 가장 아름다운 극장입니다. 그들은 독특한 건축물을 가진 가장 부유한 도시 건물에 위치하고 있습니다. 고급스러운 가구, 아름다운 커튼, 대형 오케스트라 피트- 내부에서 본 모습입니다.

드라마 극장

여기서 주요 장소는 배우와 감독에게 주어집니다. 캐릭터의 캐릭터를 만들어 필요한 이미지로 변형시키는 것은 바로 그들입니다. 감독은 자신의 비전을 전달하고 팀을 이끈다. 드라마 극장은 "경험"의 극장이라고 불립니다. K. S. Stanislavsky는 극적인 배우의 작품을 연구하면서 작품을 썼습니다. 공연이 상연될 뿐만 아니라 복잡한 플롯. 드라마 시어터는 레퍼토리에 코미디, 뮤지컬 등을 포함합니다. 뮤지컬 공연. 모든 제작물은 극적 문헌만을 기반으로 합니다.

모든 취향을 위한 극장

뮤지컬 극장- 어디서든 볼 수 있는 곳 연극 공연. 오페라, 코미디, 오페레타, 뮤지컬 및 음악이 많은 모든 공연이 상연됩니다. 발레 댄서, 음악가, 배우들이 이곳에서 일합니다. 뮤지컬 극장은 오페라 극장, 발레, 오페레타 극장을 결합합니다. 팝 또는 팝과 관련된 모든 종류의 연극 예술 고전 음악, 이 극장에서 팬을 찾을 수 있습니다.

인형극

이것은 특별한 장소입니다. 여기서 당신은 어린 시절과 기쁨의 세계로 뛰어들 것입니다. 여기의 장식은 항상 화려하여 가장 작은 시청자의 관심을 끌고 있습니다. 인형극은 종종 아이들이 가장 먼저 입장하는 극장입니다. 그리고 극장에 대한 아이의 미래 태도는 경험이없는 관중에게 어떤 인상을 줄 것인지에 달려 있습니다. 다양한 연극 공연은 다양한 유형의 인형을 사용합니다.

안에 최근에인형을 조종하는 사람은 스크린 뒤에 숨지 않고 무대 위의 인형과 상호작용합니다. 이 아이디어는 유명한 S. V. Obraztsov에 속합니다. 그는 Tyapa라는 장갑 꼭두각시를 손에 들고 무대에서 멋진 미니어처를 연주하여 아버지 역할을했습니다.

이러한 유형의 연극의 기원은 고대 그리스에서 멀리 떨어져 있습니다. 의식용 인형을 만들면서 사람들은 이것이 실제 예술로 발전할 줄 몰랐습니다. 인형극은 예술에 대한 소개일 뿐만 아니라 가장 작은 사람들을 위한 심리적 교정 방법이기도 합니다.

코미디 극장

노래와 춤을 겸비한 배우. 코미디 이미지에 쉽게 익숙해지고 웃기는 것을 두려워하지 않아야 합니다. 매우 자주 "드라마 및 코미디 극장", "뮤지컬 코미디 극장"을 볼 수 있습니다. 하나의 극장에서 여러 장르를 결합해도 그 풍미를 유지하는 데 방해가 되지 않습니다. 레퍼토리에는 오페레타, 풍자 코미디, 뮤지컬, 드라마, 어린이 뮤지컬 공연이 포함될 수 있습니다. 사람들은 즐겁게 코미디 극장에갑니다. 홀은 항상 만원입니다.

버라이어티 극장

비교적 최근에 보충 된 유형의 극장. 그리고 즉시 청중과 사랑에 빠졌습니다. 최초의 버라이어티 극장은 지난 세기 중반에 나타났습니다. 그들은 1939년에 문을 연 레닌그라드의 극장이 되었습니다. 2002년에는 "버라이어티 극장"으로 명명되었습니다. A. I. 라이킨. 다양한 아티스트 포함 현대 가수, 댄서, 발표자. 버라이어티 아티스트는 현재 쇼 비즈니스 스타, 댄서 및 쇼맨이라고 불립니다.

버라이어티 극장에서 자주 열리는 단독 콘서트, 모든 전용 콘서트 기념일, 현대 작가의 작품을 재생합니다. 코미디언들은 여기서 콘서트를 열고 공연-만화, 공연을 펼칩니다. 고전 작품. 뮤지컬 극장은 유사한 공연을 제공할 수 있습니다.

풍자의 극장

우리는 청중을 사랑합니다! 등장 당시부터 마을 사람들의 삶을 보여주고 모든 결점을 보여주고 조롱했다. 배우는 항상 시력으로 알려졌으며 무대뿐만 아니라 영화에서도 코믹한 역할을 완벽하게 수행했습니다. 풍자 극장은 항상 특정 작품을 상연하는 것이 금지된 사람들의 최전방에 있었습니다. 검열과 관련이 있었습니다. 놀리는 부정적인면인간의 행동으로 인해 종종 허용선을 넘는 것이 가능했습니다. 금지는 더 많은 시청자를 끌었습니다. 잘 알려진 풍자 극장의 장엄한 배우 : A. A. Mironov, Olga Aroseva, Spartak Mishulin, Mikhail Derzhavin, Alexander Shirvindt. 이들 덕분에 풍자극장은 관객들의 사랑을 받게 됐다.

시간이 지남에 따라 오랫동안 잊혀졌거나 존재하는 것과 완전히 다른 유형의 극장이 나타납니다.

새로운 트렌드

새로운 유형의 예술 사원은 가장 세련된 시청자를 놀라게 합니다. 얼마 전 폴란드에 최초의 로봇 극장이 나타났습니다. 눈빛과 몸짓으로 감정을 전달하는 로봇 배우들이 연기한다. 공연은 어린이 청중을 위해 설계되었지만 프로젝트 리더는 레퍼토리를 지속적으로 확장하려고 합니다.

여름에는 연극 공연이 거리로 나옵니다. 이미 전통이 되었습니다. 올해는 야외에서 많은 축제가 열렸습니다. 극장 바로 옆에는 작은 무대가 세워져 공연이 완벽하게 진행되었습니다. 오페라와 발레 무용수들조차 이미 극장을 넘어 가능한 한 많은 관객을 끌어들이기 위해 움직이고 있다.

현재 형태의 현대 문화 사회는 에티켓과 친숙한 도덕 규범이 출현하기 오래 전에 등장한 연극 예술에 많은 빚을 지고 있습니다. 역사의 고대 시대로 뛰어 들어 봅시다. 이 기간 동안 다음을 수행할 수 있습니다. 흥미로운 사실첫 번째 극장이 만들어지고 모든 것이 첫 번째 연기 공연과 관련된 연극 예술에 대해.

Dionysus 극장이 등장한 고대 그리스의 기원전 5 세기로 돌아 왔기 때문에 세계 최초의 극장의 창조는 확실히 알 수 없습니다. 그것은 나무로 만들어졌습니다. 1년에 두 번 무대에서 배우들의 엄숙한 공연이 있었는데, 그 동안 당시 가장 재능있는 작가들이 최고라고 불릴 권리를 위해 싸웠습니다. 다른 장르. 티켓을 팔고 공연을 감독하는 사람을 아콘이라고 불렀다. VIP는 멋진 전망을 제공하는 세련된 대리석 의자 (시간에 따라 설치됨) 뒤에 앉았습니다. 디오니소스 극장은 오늘날에도 여전히 존재합니다. 마지막 재건축은 2015년에 완료되어야 합니다.

최초의 석조 극장은 기원전 52년 로마에서 생겨났습니다. 무대는 배경에 스크린이 있는 높은 플랫폼이었습니다. 무대 앞(가게 안)에 자리가 있었다. 시간이 지남에 따라 로마 연극 예술은 문화에 대한 기독교의 영향으로 인해 발전을 멈췄습니다.

누가 러시아에서 연극을 발명했습니까?

국내 최초의 극장은 학술 연극의 극장 Yaroslavl에서 설립된 F. G. Volkov의 이름을 따서 명명되었습니다. 창조 연도는 1750년입니다. 여름날젊은 변덕스러운 Fyodor Volkov는 동료들과 함께 대중에게 연설했습니다. 공연은 Lomonosov, Sumarokov, Rostovsky의 작품과 젊은 천재 Volkov의 연극으로 구성되었습니다. 그건 그렇고, F. Volkov는 시간제 장식가, 번역가, 공연 감독 및 건축가였습니다. 배우들은 상트 페테르부르크를 여행하는 동안 엘리자베스 황후 (그녀가 특별히 발행 한 법령에 따라)를 방문하기도했습니다. 그 당시 다른 극단이 있었다는 점은 주목할 만하지만 공연은 폐쇄되어 일반 대중에게 공개되지 않았습니다.

최초의 현대 극장은 무엇입니까?

1618년 이탈리아 도시파르마는 세계 최초의 현대 극장인 파르네시를 선보였습니다. 무대는 벽 중 하나를 따라 다소 이례적으로 건설되었습니다. 넓은 커튼으로 배우와 관객이 분리되어 있어 공연 게스트가 눈치채지 못한 채 풍경을 바꾸는 데도 일조했다.

알고 계셨나요? 가장 긴 연극 공연(약 10시간)은 1672년 모스크바 지역에서 열렸습니다.

최초의 극장은 기원전 497년 아테네에 등장했습니다. 로마에서는 최초의 석조 극장이 기원전 55년에만 나타났습니다. . 이전까지 배우와 관객은 임시 목조 건물에 만족했습니다.
지난 몇 년간의 공연은 오늘날 우리가 공연으로 이해하는 것과 거의 유사하지 않았습니다. 단 한 명의 배우만이 무대에 올라 가면을 바꾸고 동시에 여러 역할을 연기할 수 있었습니다. 마스크가 필요한 이유는 1만 명에서 1만 7천 명을 수용할 수 있는 극장의 규모가 크기 때문이었습니다. 배우의 이목구비를 멀리서 보는 것은 거의 불가능했고 마스크는 이 문제를 쉽게 해결했다.

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교육자 - Dementieva S.A. MDOU d/s "동화" 준비반

윌리엄 셰익스피어는 뛰어난 영국 시인이자 극작가입니다. 수명: 1564 - 1616. 위대한 극작가 윌리엄 셰익스피어는 "전 세계는 극장이고 사람들은 그 안에서 배우입니다"라고 말했습니다.

최초의 극장은 기원전 497년 아테네에 등장했습니다.

로마에서는 최초의 석조 극장이 기원전 55년에만 나타났습니다. . 이전까지 배우와 관객은 임시 목조 건물에 만족했습니다. 지난 몇 년간의 공연은 오늘날 우리가 공연으로 이해하는 것과 거의 유사하지 않았습니다. 단 한 명의 배우만이 무대에 올라 가면을 바꾸고 동시에 여러 역할을 연기할 수 있었습니다. 마스크가 필요한 이유는 1만 명에서 1만 7천 명을 수용할 수 있는 극장의 규모가 크기 때문이었습니다. 배우의 이목구비를 멀리서 보는 것은 거의 불가능했고 마스크는 이 문제를 쉽게 해결했다.

연극은 음악, 건축, 회화, 촬영, 사진 등 모든 예술의 집합체입니다.

17세기까지 러시아에는 극장이 없었습니다. 수세기 동안 이 문화적 틈새는 의식과 의식으로 가득 차 있었습니다. 공휴일, 연극 활동의 요소와 버푼, 음악가, 댄서, 인형극, 곰 가이드가 포함되었습니다.

극장 유형

1672년 10월 17일 첫 공연이 열렸습니다. Tsar Alexei Mikhailovich는 공연이 진행되는 동안 10 시간 동안 연속으로 일어나지 않을 정도로 기뻐했습니다. 보 야르들은 서있었습니다. 주권자 앞에서 그들은 앉을 수 없었습니다. 군주 직전에 그의 고백 대제사장 Andrei Savinov의 축복을 받았으며 그는 비잔틴 황제조차도 연극 공연을 열었다 고 확신했습니다. Alexei는 합창단을 편곡하는 것이 불가능한 음악 사용을 허용 할 것이라고 오랫동안 확신해야했습니다. 왕은 마지 못해 동의했습니다. 법원 극장에는 영구 건물이 없었습니다. 당국은 배우들의 의상과 무대의상 비용을 아끼지 않았다. 연극 제작, 그러나 러시아 배우에게 지불하는 비용을 절약했습니다.

차르 알렉세이 미하일로비치

첫 번째 법원 극장 Artamon Sergeevich Matveev의 창립자 초상화. 1801.

고대 그리스인의 삶에서 연극 예술은 즐거움을 주는 방법으로 첫 번째 자리를 차지했습니다. 휴일 동안 디오니소스 신에게 경의를 표하기 위해 국가 차원에서 공연이 조직되었습니다.

공연의 구조

고대 그리스의 연극 공연은 현대 연극과 달랐다. 그들은 비극적이고 코믹한 방향으로 작업하는 경쟁 시인들의 여러 연설로 구성되었습니다. 각 참가자는 청중에게 하나의 재미있는 이야기를 제시했습니다. 무대를 할 때 스토리 라인으로 통합 된 사 티르 합창단과 세 가지 비극이 반드시 사용되었습니다. 공연은 넷째 날에만 끝났습니다. 그들은 이른 아침부터 밤 늦게까지 계속되었습니다. 액션은 비극적 인 제작으로 시작되었고 이어 사티로스 드라마가 이어졌습니다. 저녁은 코미디로 끝났습니다.

음악 반주

합창단은 스스로 준비하는 것이 불가능했기 때문에 국가에서 제공했습니다. 시간이 지남에 따라 발표자 수는 6명에서 15명으로 변경되었습니다. 그리고 가수들은 부유한 시민들에게 훈련을 받았습니다. 연극 대회를 위해 합창단을 준비하고 의상을 제공하는 사람을 합창단이라고 불렀습니다. 배우, 가수와 함께 잡무도 준비와 공연에 필요한 기간 동안 병역을 면제받았다.

무대 구조

고대 그리스 극장은 여러 부분으로 구성되어 있는데 그 중 오케스트라(가수가 공연하는 장소), 티트론(강당), 스케네(더 큰 타당성을 달성하는 데 필요한 일종의 소품)가 있습니다. 관객이 배우의 말을 더 잘 듣기 위해 말소리를 증폭시키는 데 도움이 되는 특수 용기가 사용되었습니다.

고유 한 특징

고대 그리스 공연 예술 90%가 남성이었다.복잡하지 않은 역할 수행 외에도 예술가들은 보컬 능력, 이상적인 어법, 유연성, 가소성. 무대 위 공연을 펼치는 사람들의 얼굴은 마스크로 가려졌다. 그들의 광범위한 사용은 Dionysus의 숭배, 여성 여배우의 부재 및 경기장의 엄청난 크기와 관련이 있습니다. 마스크는 비극적이거나 희극적일 수 있으며 작가의 생각을 시청자에게 정확하게 전달했습니다.

공연 참가자들을 위한 특별한 의상은 이질적인 캐릭터를 표현하는 데 도움이 되었다. 길고 넓기 때문에 신체의 자연스러운 비율을 바꾸는 데 사용되는 필요한 베개나 안감이 숨겨져 있습니다. 공연이 관객의 관심을 끌면 그들은 힘차게 표현했다. 긍정적인 감정. 비 승인은 그다지 활발하지 않았습니다. 종종 그러한 부정적인 반응은 경쟁사에 의해 특별히 고용된 사람들에 의해 유발되었습니다.

고대 로마 경기장

연극의 탄생 고대 로마처음에는 소규모 합창단의 장난기 넘치는 경연 대회로 조직된 웅장한 추수 축하 행사와 관련이 있습니다. 그들이 주고받은 농담은 때때로 사회의 악덕, 특히 상부에 대한 조롱을 포함하는 가성적이었습니다.

연극 예술의 탄생

고대 로마 연극 예술의 초기 표현에는 남쪽 도시의 이름을 받은 아텔라니가 포함됩니다. 현대 이탈리아. 가벼운 코미디 쇼였습니다. 많은 젊은 로마인들이 참여했습니다.

문학 드라마는 그리스에서 고대 로마 극장으로 왔습니다. 여기에서 그러한 창작물은 라틴어로 상연되었습니다.

그리스인 Livius Andronicus는 전쟁 포로로 로마에 도착했습니다. 그리스인은 최초의 극적 공연 제작 책임자로 임명되었습니다. 자극만 줬어요 추가 개발연극 예술. 그리스처럼 사회 생활의 문제를 나타낼 수 없었기 때문에 더 복잡해졌습니다. 줄거리, 그리스 원본의 광경이 증가했습니다. 그럼에도 불구하고 로마인들은 전통적인 극적 플롯을 인식하기 어려웠다.

검투사 안경

공휴일에는 공연이 열렸습니다. 그들은 서커스, 검투사 공연을 동반하여 사람들에게 인기를 얻었습니다.

처음에는 무대 연극을 위한 장소가 할당되지 않았고 사다리가 있는 비참한 플랫폼만 있었습니다. 배우들은 더욱 전문적이 되어 마스크 없이 연기했습니다. 안경은 고대 로마 극장의 관리자의 동의에 따라 마련되었습니다. 즉, 지배권을 가진 배우들의 극단입니다. 양복들 배우그리스인들과 다르지 않았다. 신발의 플랫폼 높이, 가발의 크기와 같은 개별적인 악센트만이 장엄한 인상을 만듭니다.

최초의 영구 로마 극장은 Pompey에 의해 지어졌습니다. 관중들은 여러 줄로 배열된 반원형 벤치에 모였습니다. 상원 의원을위한 별도의 자리가있었습니다. 지붕, 복잡하게 장식된 파사드 및 커튼.

고대 인도 연극 예술의 기원

고대 인도 연극 예술은 민속과 문학의 두 영역으로 나뉩니다. 기원에는 여러 가지 버전이 있으며, 그 중 가장 인기 있는 것은 이 사실을 바라타 황제에게 돌린 것입니다. 그를 통해 다섯 번째 Veda는 Word, Action, Lad를 연결하여 사람들에게 전달되었습니다. 그 동안 존재했던 전통적인 미스터리와 재미있는 프로덕션의 조합 버전일 가능성이 더 높습니다. 주요 공휴일.

이 기회에 동반 강인 대회, 마술사, 음악가, 무용가 프로그램이 조직되었습니다. 공연은 댄스 넘버로 시작되었습니다. 무용수들은 판토마임 소개, Vedas 낭송으로 공연을 장식했습니다. 점차 춤은 예술가들의 공연으로 대체되었습니다.

사회제도

복잡한 사회 시스템 고대 인도액터를 가장 낮은 수준에 배치했습니다.

그들은 연설에서 신을 조롱했기 때문에 무례한 카스트의 사람들로 간주되었습니다. 이러한 상황에도 불구하고 그들 대부분은 가장 교육을 많이 받고 명예로운 사람들이었습니다.

공연은 댄스 퍼포먼스였다. 성직자의 특별한 의식에 뿌리를 둔 수화는 자유롭게 사용되었습니다. 극장 인디언 댄스고대 미스터리에서 빌린 주요 기능. 따라서 예술가들은 특별한 가소성과 풍부한 무언극을 사용할 수 있는 능력이 필요했습니다.

그림자 극장

인도의 그림자 극장은 종종 라마야나와 마하바라타의 전설적이고 존경받는 신화의 장면을 묘사했습니다. 관객들은 등장인물들의 사연을 알고 있었기 때문에 빠진 요소들을 스스로 짐작할 수 있었다. 작업은 투명한 화면 뒤에서 진행되었습니다. 큰 사이즈배우와 인형이 놓여 있던 곳. 사실감을 높이기 위해 인형을 여러 조각으로 자른 다음 복잡한 동작도 쉽게 모방할 수 있습니다. 그들은 골판지, 가죽 또는 페이퍼 마셰로 만들어졌습니다.

인도의 신념에서 Shiva 신은 인형의 후원자 역할을 맡았으므로 그의 사원 근처에서 연극이 열렸습니다. 전설에 따르면 인도의 그림자 극장은 시바 자신과 그의 아내 파르바티가 한때 나무 조각을 하는 마스터 인형극의 가게를 들여다본 결과 생겨났습니다.

그녀는 장인의 기술에 깊은 인상을 받았고 곧 그녀의 요청에 따라 Shiva는 장난감이 스스로 춤을 출 수 있도록 되살려주었습니다. 신성한 부부가 떠난 직후이 마법은 작동을 멈췄지만 주인은 기적의 선물을 회복하여 실의 도움으로 캐릭터를 제어했습니다. 이로 인해 현재 개발로 인해 관심이 사라지고있는 인도 그림자 극장이 생겼습니다. 현대 기술.

고대 중국의 연극 생활의 시작

중국 극장에 태어난 XII의 시작세기. 처음에 이들은 종교 축제와 일치하도록 시간을 정한 광장의 안경이었습니다. 공연의 기본은 서커스 요소, 특이한 춤동물의 형상, 곡예 숫자, 펜싱.

점차적으로 각 연극에서 사용되는 독특한 역할이 나타나 새로운 캐릭터 특성, 전기 세부 사항을 얻습니다. 가장 인기있는 것은 can-jun과 cangu였습니다. 중국 극장의 예술가들은 더 이상 독학하지 않고 황제의 궁정에서 운영되는 특수 학교에서 훈련을 받았습니다. 전통 그림으로 장식된 화사한 의상과 수많은 소품들이 자유롭게 사용된다.

첫 번째 포스터

연극은 관중석을 갖춘 캐노피 아래의 플랫폼 인 부스에서 상연됩니다. 또는 중앙 사원에 인접한 돌출 플랫폼에 있습니다. 여기에서 포스터의 개념이 나옵니다. 관련된 배우와 그들이 연기한 캐릭터를 나열한 특별 시트입니다. 중국 연극의 장르는 확장되고 복잡해지고 있다. 그들은 세부 사항을 설명합니다 중요한 사건들국가와 개인의 삶에서 청중에게 따라야 할 예를 제공합니다.

음악 반주연극 작품은 포크 멜로디에서 변형되었습니다. 공연은 존나 다채로웠고, 춤의 요소를 담고 있었고, 서커스 공연. 일부 행동에 대한 해석은 예술가 또는 극작가가 제공했습니다. 대부분의 역할은 남성을 포함한 여성이 수행했습니다. 극단에는 같은 가족이 포함되어 있었고 외부인은 거의 없었습니다.

인형극

덜 인기있는 인형극과 병행하여 중국 전통 무대가 발전했습니다. 그는 다양한 품종으로 살았습니다. 현재까지 그들에 대한 정보가 손실되어 연구에 어려움이 있습니다.

이러한 유형의 예술의 인기는 내세에서 고인을 돕기 위해 고안된 무덤에 특별한 조각상을 놓는 관습과 관련이 있습니다.그러한 캐릭터가 참여한 장면은 장례식 중에 재생되어 점차 속성으로 변했습니다. 일상 생활. 멋진 다중 계층 샘플에 대한 보존된 정보 인형극, 그의 캐릭터는 물의 도움으로 움직였습니다.

중국 인형극은 다방면으로 발전했다. 배우와 그들이 조종하는 캐릭터가 참여한 납작한 종이 인형으로 공연을 강조 할 가치가있다. 단편적인 정보만 보존된 화약, 떠다니는 장면 등.

그것은 고대에 시작되었습니다. 그 당시에 노예 제도가 지배하고 교육이 없었다고 가정해 보십시오. 그러나 사람들은 연극이 무엇인지 알고 있었습니다. 오랜 인류 역사의 깊이에서 자라난 그것은 가장 오래된 민속 의식, 게임 및 축제의 신비에 뿌리를 두고 있습니다. 이를 기반으로 발생한 코믹하고 비극적인 성격의 전통적인 기본 행위(예: 토성, 미스터리)에는 춤, 대화, 합창, 변장, 가면을 포함한 극적인(신화적 디자인에서) 플롯의 요소가 포함되어 있습니다. 점차적으로 행동과 의식 및 컬트 기반이 분리되고 군중에서 영웅 합창단이 선택되고 대규모 축제가 조직 된 광경으로 변모했습니다. 이 모든 것이 모두에게 사랑받는 모습의 전제 조건을 만들었습니다. 문학 드라마. 관객과 배우로의 강제 분할은 이 영화의 중요한 사회적 기능을 드러냈다.

이 과정은 활발한 발전에 큰 영향을 미쳤던 고대 그리스의 극장에서 명확하게 표현되었습니다. 유럽 예술. 도시 국가에서 그는 중요한 우두머리가 되었습니다. 공공 생활. 고대 그리스에서 연극이란? 그 당시 표현은 전국적으로 큰 축제였습니다. 거대하고 거대한 야외 원형 극장에는 수만 명의 요염한 관중이 모였습니다. 기존 외에 전문 배우공연은 합창단 참가자들이 직접 시민들이 직접 연주 할 수 있습니다. 춤과 음악은 액션의 주요 요소로 남아 있습니다.

고대 로마의 연극이란? 여기에서 대부분의 공연의 무대 측면이 더 활발하게 발전했으며 무대 유형도 변경되고 전문 연극 장비가 증가했으며 다양한 유형의 공연이 생겼습니다 (신화 주제에 대한 뮤지컬 및 댄스 공연-판토마임, 시대에 전성기에 이르렀습니다. 제국, 5세기까지 남아 대중 연극 장르).

유럽 극장중세는 거의 존재하지 않았습니다. 15세기 윌리엄 셰익스피어와 몇몇 다른 극작가. 부활시켰습니다. 그런 다음 예외없이 공연의 역할은 소년과 남성이 담당했습니다. 여배우는 코미디 "cel arte"(가면을 쓴 캐릭터가 의무적으로 참여하는 작은 만화 연극)를 연기 한 이탈리아 순회 배우의 인기 극단에 처음 등장했습니다.

르네상스 시대의 인본주의 문화는 고대 연극 예술의 전통을 부활시켜 민속 예술의 풍부한 전통과 결합했습니다. 국보. 이 시대의 유명한 극작가들의 연극에서 역사는 가장 첨예한 정치적, 사회적 갈등 속에서 드러났습니다.

극장의 부상은 고전주의의 적극적인 확산과 관련이 있으며, 그 사회적 기반은 일부 절대주의 정권의 강화입니다. 유럽 국가. 배우의 임무는 내부 투쟁과 가혹한 시련의 과정에서 사회의 요구 사항과 사익 사이의 분열을 극복하는 영웅의 복잡한 이미지를 만드는 것이 었습니다. 현재 이슈이 기간 동안 추상적이고 일반적으로 중요한 특성을 모두 획득했습니다. 그것이 고전주의 극장입니다.

18세기 후반에 그는 폭풍우가 몰아치는 부르주아 계몽주의 사상의 주요 대변인이 되었습니다. 당시 배우들의 예술에는 높은 시민의식과 새로운 통합적 인물을 창조하려는 적극적인 열망이 완벽하게 결합되어 역사적 진실에 대한 관심을 보였다.

낭만주의는 민주주의 대중의 열망과 인본주의적 이상을 표현하는 것이 되었다. 이 시대의 기치 아래 드라마에서 국적, 역사주의, 국가 정체성을 위해 그러한 에피 곤 고전주의에 맞서 진지한 투쟁이 펼쳐졌습니다.

연극과 낭만주의가 준비한 리얼리즘은 30~40년대에 가치 있는 독자적 형식을 획득했다. 19 세기 세기 중반까지 가장 높은 지배적 위치에 도달했습니다.

안에 현대 극장매우 많은 유형의 예술, 사회적 문제 및 감정의 합성이 이루어집니다-심리 분석, 높은 도덕적 문제, 감정 상태의 직접성, 진정성과 그로테스크, 경험과 분리, 가사와 풍자. 이 모든 것은 가장 대담하고 예상치 못한 조합으로 제공됩니다. 컨템포러리 연극이란? 이것은 중요한 저장을 위해 이미지 활동 증가를 위해 노력하는 뚜렷한 경향입니다. 예술적 수단뿐만 아니라 그들의 콘텐츠. 오늘날 이런 종류의 예술은 감독 없이는 생각할 수 없습니다. 또한 지금 중요한 것은 시노그래피입니다.