집 › 냉각 시스템 › 악기 계획 요약에서 게임을 가르치는 방법. "초등학교에서 관악기를 가르치는 포괄적인 방법론"

악기 계획 요약에서 게임을 가르치는 방법. "초등학교에서 관악기를 가르치는 포괄적인 방법론"

수학 수업 요약:

관악기 선생님.

MBOU DOD DSHI p. Berkakit

그리주크 율리아 발레리에브나

2018년

개요 계획

안건: 관악기 수업

수업: 2

수업 유형: 개인

강의 주제 : "관악기 교육을 위한 포괄적인 방법론 초등학교»

중고 교육 시스템 (방법론, 기술)

- 교사는 개인의 영적 성장, 자기 개선의 필요성을 위한 조건을 만듭니다.

- 학습의 전제 조건은 교육에서 자기 교육으로의 전환을 위한 전제 조건을 만드는 것입니다.

- 시스템에서 공동 활동 방식: 교사-학생; 학생 - 학생; 학생 - 부모 교사 - 부모 (폐쇄 회로).

– 교사는 아이의 창의력을 개발합니다. 각 학생의 능력, 방향, 잠재력, 그의 삶과 직업적 방향을 결정하고 그의 발전을 지시하는 것이 중요합니다. 교사는 또한 활동적인 형태와 교육 및 육성 방법, 학습, 운동 및 개발에 대한 활동 접근 방식을 사용합니다. 개인적인 경험새로운 경험과 지식을 이해하고 축적하는 것.

건강을 지키는 기술;

게임기술;

차별화된 접근 방식의 학생 중심 기술;- 교육 개발

예술적.

체계적인 자료:

Gotsdiner G. 뮤지컬 심리학 - M., 1987.

Skok G. 자신의 교육 활동을 분석하는 방법 - M., 2000.

키르나르스카야 D. 음악적 능력. - "재능-XXI 세기".

Berger N. 음악 교육의 현대적 개념 및 방법 - S.-P., 2004. Ginzburg L. 음악 작업에 대한 작업 - M.1977.

Kryukova V. 뮤지컬 교육학. 돈 2002의 로스토프.

Mulberg K. 목관 악기 연주 학습의 이론적 기초. 키예프, 1985.

Platonov P. 관악기 연주 교육 방법에 대한 질문. -M., 1978.

Rozanov V. 교육 방법 및 관악기 연주의 기초. -M., 1988.

Kryuchkov A. 관악기 연주 시 연주 호흡의 기초 악기초중고생을 위한 특수 교육. M., 1985

기술 교육 지원 (수업에서 사용하는 경우)

수업에 사용된 오디오 및 비디오 녹음 목록, 시각 자료등.

수업 장비 :

강의 계획;

두 개의 색소폰(하나는 교사용);

피아노;

보면대;

음악 자료;

교훈적인 자료(작업 카드, 어린이 그림).

수업 목표 :

교육적인 :

색소폰 연주를 마스터할 때 기본 기술 형성:

1. 양손의 손가락으로 밸브를 확실하게 닫고, 손가락의 유연성

일부 운지법;

2. 립 장치의 올바른 "자유" 설정 훈련

(강 어귀);

3. 연주할 때 호흡을 올바르게 사용합니다.

개발 중:

독립적인 기술 개발 및 창의적인 작업첫 수업부터

음악;

청력, 기억력, 리듬, 음악적 사고의 발달;

색소폰 마스터링의 기본 기술 개발.

일반적인 전망의 개발, 의지의 개발 및 행동의 통제.

교육적인:

미적 취향의 교육.

- 인내와 근면의 교육.

수업 목표:

민감하고 교육받은 음악가 준비-오케스트라 및 실내악 연주자, 악기 고유의 표현 수단에 정통하고 음악 작품의 내용을 청중에게 공개 할 수있는 솔리스트;

수행 과정에서 듣고 듣는 법을 배웁니다.

작업 구현을 위한 방법 및 기술:

관찰;

듣기;

현실적인;

비주얼;

예상 결과 :

- 와 함께 색소폰 연주의 초기 기술 강화

신체의 신체적, 심리적 상태를 개선합니다.

- 악기를 자유롭게 연주하는 법을 배웁니다.

게임 기술의 주요 작업을 마스터하십시오.

에튜드, 스케일,

연습과 연극

수업의 주요 부분:

"초등학교에서 관악기를 가르치는 종합적인 방법론."

1.소개: 악기에 대해 알아가기

색소폰은 재능 있는 벨기에 거장 아돌프 색스(1814-1894)가 발명한 비교적 젊은 악기입니다. 오랜 검색과 실험 끝에 그는 발명가의 이름을받은 특이한 악기의 첫 번째 사본을 만들었습니다. 이것은 1840년경에 일어났습니다. Sachs는 그의 연주로 색소폰의 모든 미덕을 보여주면서 대중 앞에서 콘서트에서 처음으로 공연했습니다.

Saks는 그의 디자인 아이디어를 더욱 발전시켜 색소폰 전체 제품군을 만들었습니다. 그는 오페라와 심포니 오케스트라에서 사용하기 위해 첫 번째 가족을 만들었고 두 번째는 브라스 밴드의 일부로 사용했습니다. 또한 색소폰의 각 종류는 소프라니노, 소프라노, 알토, 테너, 바리톤 및베이스와 같이 허용되는 노래 이름에 따라 이름을 받았습니다. 첫 번째 그룹의 색소폰은 시간의 시험을 견디지 못하고 두 번째 그룹의 악기에 양보했습니다. 오늘날 색소폰 연주자들이 콘서트 무대, 오케스트라, 앙상블에서 연주하는 것은 바로 그들입니다.

주로 오페라와 교향악단의 단원으로 색소폰 음색의 아름다움을 가장 먼저 느낀 것은 뛰어난 프랑스인이었다. 19세기의 작곡가세기 G. Berlioz, A. Thomas, J. Bizet, J. Massenet, JI. Delibes, K. Saint-Saens, V. d'Andy 및 기타. 색소폰의 미래와 다양한 학문적 형식과 음악 예술 장르에 대한 참여 전망을 예상한 것은 바로 그들이었습니다. 특히 20세기에는 색소폰을 위한 아름다운 작곡이 많이 만들어졌습니다. A. Glazunov, C. Debussy, F. Schmitt, J. Iber, P. Hindemith, P. Creston, E. Vila-Lobos, A. Jolivet, G. Dubois, E. Bozza, E. Denisov는 그를 위해 음악을 작곡했습니다. A. 에쉬페이 등. 솔로 및 오케스트라 연주 외에도 색소폰을 연주하는 앙상블 형식이 널리 보급되었습니다. 색소폰을 위해 특별히 작곡된 작품 외에도 연주자의 레퍼토리에는 많은 편곡과 편곡이 포함됩니다. 고전 음악, 또한 악기의 자연스러운 가능성을 보여줍니다.

악기가 오랫동안 선두 자리를 지켜온 재즈 음악 분야에서 색소폰 연주자들은 위대한 업적을 달성했습니다.

색소폰은 목관 악기 그룹에 속하며 복잡한 구조를 가지고 있습니다. 세 가지 주요 부분으로 구성되어 있습니다.밸브-레버 메커니즘의 개발된 시스템을 갖춘 리드, 마우스피스 튜브 및 바디. 인스트루먼트 튜브의 끝은 위쪽으로 향한 벨 모양입니다.

색소폰의 중요한 부분은대변자, 속이 빈 부리 모양의 실린더 모양을 나타냅니다. 고무, 에보나이트, 플렉시 유리 또는 특수 금속 합금으로 만들어집니다. 마우스피스는 악기의 소리 또는 소리의 색상에 많은 영향을 미칩니다. 마우스피스는 마우스피스에 쉽게 끼우고 뺄 수 있습니다.

2. 합리적인 설정.

특히 훈련 초기 단계에서 색소폰 연주 기술을 성공적으로 습득하기 위해 미래의 음악가는 먼저 무대의 기본 규칙을 잘 이해하고 개별 작업 과정에서 구현해야합니다.

"스테이징"의 개념은 음악가의 연주 장치(호흡, 입술, 손가락, 손 등)의 모든 구성 요소의 합리적인 위치와 상호 작용에 대한 일련의 규칙을 의미합니다. 합리적인 설정은 색소폰 연주자가 불필요한 추가 근육 긴장을 피하기 위해 최소한의 노력과 시간으로 고품질 연주 결과를 얻을 수 있도록 도와줍니다. 일 올바른 설정- 음악가의 훈련 수준과 기간, 개인의 능력을 고려하여 기술, 방법 및 작업 속도를 선택해야 하는 악기에 대한 효과적이고 체계적인 수업 구성을 촉진합니다.

합리적 설정에는 다음 요소가 포함됩니다.

1. 일반 설정 - 색소폰을 손에 쥐는 편리한 방법, 신체, 머리, 손, 손가락 및 발의 올바른 위치.

2. 호흡 수행 준비 - 임의의 호흡 제어 방법과 게임 중 호흡 변경 규칙.

3. 주둥이 설정 - 입술에 마우스피스의 가장 적절한 위치, 주둥이와 아래턱의 동작의 모양과 특성.

4. 조음 설정 - 혀의 위치, 구강의 모양.

5. 핑거링 설정 - 악기의 손가락 위치, 손가락 장치의 정확하고 조정되고 안정적인 반사, 자유롭고 경제적인 동작의 구성.

색소폰 연주자의 연주 기술에서 기술 형성을 위한 가장 중요한 전제 조건은 게임의 전반적인 성능을 보장하는 요구 사항을 준수하는 것입니다. 그들은 다음과 같이 요약됩니다.

색소폰 연주자의 몸과 머리는 좌우로 기울어지거나 앞뒤로 기울어지지 않고 평평하고 곧게 유지되어야 합니다. 연주 자세는 색소폰 연주자가 서 있든 앉아 있든 관계없이 자연스럽고 편안해야 합니다. 이때 가슴은 약간 들어 올리고 어깨는 펴야 한다. 이것은 호흡 근육의 활동에 더 큰 자유를 줄 것입니다.

다리를 잘 받쳐주면 서서 연주할 때 몸의 올바른 자세를 유지하는 데 도움이 됩니다. 이렇게하려면 발 너비만큼 밀고 양말을 돌리고 왼쪽 다리를 약간 앞으로 밀어주는 것이 좋습니다. 앉아서 놀 때는 등받이에 기대지 말고 의자 반쪽에 똑바로 앉는 것이 좋습니다. 한 발을 다른 발 위에 올려 놓는 것은 엄격히 금지되어 있습니다. 알토 색소폰은 몸을 따라 비스듬히 손에 들고 플레이어의 오른쪽 허벅지에 튜브의 아래쪽 구부러진 부분을 기울입니다. 색소폰의 안정적인 위치에 적응하기 위해 카라비너가 있는 특수 스트랩을 사용하여 악기 서스펜션의 필요한 높이를 설정할 수 있습니다.

리드가 있는 마우스피스의 편안한 립 핏은 헤드의 위치를 바꾸지 않고 마우스피스를 마우스피스에 대고 돌려 조절합니다.

색소폰 연주자의 일반적인 설정은 오른쪽 팔꿈치가 몸에서 약간 뒤로 물러나는 것이 특징입니다. 손가락은 표면에서 약 1cm 떨어진 메인(자개) 키에 배치됩니다. 그들은 (엄지 손가락을 제외하고) 둥글고 편안한 상태에 있어야하며 첫 번째와 두 번째 지골의 접힌 부분에서 수직 위치에 접근해야합니다. 키와 레버를 만지는 것은 압력을 가하지 않고 손가락 끝으로 수행되며 소리 공격이 약간 진행됩니다. 집게 손가락으로 측면 밸브를 누를 때 브러시의 작은 움직임이 연결되어야 합니다. 손가락의 올바른 위치는 손과 함께 직선을 형성하는 손목의 자연스러운 상태에 의해 촉진됩니다. 왼손의 손가락이 측면 밸브에 닿으면 손목이 약간 휘어집니다.

호흡 기술 .

색소폰 연주의 개별 기술을 지속적으로 개발하는 과정에서 전문가의 공식화, 즉 연주, 호흡이 특히 중요합니다.

색소폰 연주자의 전문적인 호흡은 특정한 것입니다. 생리적 기능 (지속적인 가스 교환) 외에도 악기에 적시에 공기를 공급하는 기능을 수행합니다. 이 호흡은 색소폰 연주자가 들숨과 날숨의 단계를 임의로 조절하는 기술을 기반으로 한다. 호흡의 두 단계는 서로 연결되어 있으며 자체적으로 진행됩니다. 특별한 조건: 빠르고 짧은 들숨과 길고 균일한 날숨. 호흡 기술 수행의 주요 어려움은 두 호흡 단계의 조정에 있습니다. 색소폰 연주자가 호흡 근육의 자연스러운 유연성을 능숙하게 사용하고 합리적인 유형의 호흡을 사용하면 이러한 어려움을 극복하는 데 도움이 됩니다.

색소폰을 연주할 때 호흡은 입가를 통해 그리고 부분적으로는 코를 통해 빠르고 조용히 이루어집니다. 흡입할 때 색소폰 연주자는 호흡기 근육의 과도한 긴장을 피하기 위해 너무 많은 공기를 흡입해서는 안됩니다. 흡입시 어깨가 올라가지 않도록 하는 것도 필요합니다. 흡기 속도는 호흡 변화에 할당된 시간과 일치해야 합니다. 일시 중지가 짧을수록 호흡이 빨라지고 반대의 경우도 마찬가지입니다.

호흡에는 횡격막과 복부의 두 가지 유형이 있습니다.

횡격막 유형의 호흡은 횡격막과 하부 갈비뼈의 능동적 움직임이 특징입니다. 일반적으로 짧은 음악 구조를 연주하거나 색소폰 연주자가 숨을 쉴 시간이 거의 없는 경우에 사용됩니다. 그리고 그 반대의 경우-호흡을 재현하는 데 충분한 시간이 할당되면 깊은 유형의 호흡-가슴 복부에 의지하여 과도한 긴장없이 긴 음악 구절을 수행 할 수 있습니다.

호흡 기술의 개발은 두 가지 방법으로 수행될 수 있습니다: 악기 없이 그리고 그것을 연주하는 과정에서.

첫 번째 방법에는 보조 문자가 있습니다. 일반 피지컬과 스페셜의 다양한 콤플렉스의 색소폰 연주자의 연주를 바탕으로 호흡 운동신체의 전반적인 활력에 유리하게 기여하고 호흡 장치를 강화합니다. 호흡 운동은 초보자 색소폰 연주자에게 특히 유용하여 흡입 빈도와 깊이, 흡입과 날숨의 지속 시간 비율, 호흡 지원 영역의 긴장 정도를 의식적으로 제어하는 기술을 빠르게 습득할 수 있습니다.

호흡 기술을 개발하는 두 번째 방법이 주요 방법입니다. 그것은 다양한 동적 음영의 긴 사운드의 체계적인 재생과 느린 성격의 음악 연주가 특징입니다. 다른 종류수업 과정.

마찬가지로 음표를 날려 버리십시오.에프~에 피그리고 뒤로. 옥타브 단위로 긴 음을 연주합니다.

3. 소리 추출. 이어 쿠션의 형성.

색소폰을 연주할 때 가장 미묘하고 복잡한 동작은 모양을 잡고 단련된 입술에 의해 특정 방식으로 수행됩니다. 소리 생성에 관여하는 음순 및 안면 근육의 전체와 지팡이가 있는 마우스피스 주변의 특징적인 위치는 특수한 생리적 복합체를 형성합니다.프랑스 국민 단어 bouche - 입과 emboucher - 입에 넣습니다. ambyushura의 올바른 설정을 위해 다음 조건이 충족되어야 합니다.

1. 어깨를 올리지 않고 심호흡을 합니다.

2. 아랫입술을 아랫니 위로 살짝 밀어 넣습니다.

3. 중앙의 마우스피스에 윗니를 단단히 끼우고 턱을 닫습니다.

4. 반쯤 웃는 입술을 유지하십시오.

5. 혀를 지팡이 아래에 놓고 조용히 공기를 불어 넣는 동시에 뺨을 부풀리지 않고 혀를 깊고 아래로 제거합니다.

6. 소리를 당기고 억양의 균일성을 모니터링합니다.

마우스피스에서 첫 소리가 나고 인토네이션이 안정되어야 악기 레슨이 시작됩니다. 일반적으로 입술 장치 훈련에는 호흡 기술 개발을위한 운동이 적합합니다. 또한 훈련 초기 단계에서 음순 근육의 탄력성은 간단한 연구를 통해 훈련됩니다.

embouchure의 운동 기술이 고정되고 입술에 힘과 지구력이 나타나기 때문에 훈련 연습을 복잡하게 만들고 악기의 극한 음역을 마스터하는 것으로 넘어갈 수 있습니다.

주법을 설정하는 것은 추출된 소리의 품질에 대한 청각적 기대와 불가분의 관계입니다. 근육 기억과 청력은 동시에 상호 작용하여 색소폰의 필요한 음색, 강약 및 인토네이션 사운드를 다른 음역으로 제공합니다. embouchure는 색소폰 연주자의 연주 장치의 다른 부서와 작업을 조정하여 복잡한 사운드 형성 체인으로 통합합니다.

색소폰 연주자는 입술의 상태를 지속적으로 모니터링하고 다양한 부상, 갈라짐으로부터 입술을 보호해야 합니다. 아랫 입술이 치아로 절단되면 종이, 면모, 탄성 고무로 만든 치아 라이닝을 사용하거나 치과 보철사에게 특수 라이닝을 주문할 수 있습니다.

소리 공격.

색소폰을 연주할 때 소리 추출이 시작됩니다. 다른 방법들혀와 내쉬는 기류의 동시 운동과 관련이 있습니다. 이 소리 생성의 초기 순간을 소리의 공격이라고 합니다. 색소폰 연주자는 소리를 발음하는 개별 연주 방식을 특징짓기 때문에 어택에 특별한 중요성을 부여해야 합니다.

소리의 공격은 혀의 전체 근육 그룹의 적극적인 작용에 의해 제공되며, 수축되면 혀의 구성을 변경합니다. 평평하거나 두껍게, 이완되거나 조밀하게 만듭니다.

소리가 추출되기 전에 혀는 앞쪽 위치에 있으며 아랫입술의 근육질 "쿠션"의 안쪽과 리드의 윗부분에 닿습니다.

억양의 안정성과 음질.

이 초기 수행 기술의 통합은 다음과 같은 특수 연습 작업을 기반으로 수행할 수 있습니다.

4. 게임의 기술.

색소폰 연주자가 자신의 악기에 개별적으로 적응하는 데 가장 중요한 것은 색소폰의 밸브 레버 메커니즘과 필요한 접촉을 제공하는 양손 손가락의 지속적으로 상호 작용하는 다양한 움직임의 개발입니다.

색소폰 연주자의 손가락 기술은 빠르고 명확하며 조정되고 스트레스 없이 연주할 수 있는 능력을 의미합니다. 이 품질은 특정 순서(단순한 것에서 복잡한 것까지)와 길고 사려 깊은 연구에 따라 획득됩니다. 손가락의 작업은 호흡, 주법, 조음 장치 및 청각의 연주 기능과 조화를 이룹니다.

손가락 장치의 게임 기술 형성에는 다음과 같은 일반적인 패턴이 있습니다.

1. 손가락 운동 기술 작업의 초기 단계에서 반복되는 운동주기, 즉 움직임의 반사적 고정 관념을 고정하여 운동 기술이 점진적으로 형성됩니다.

2. 기술 작업의 후속 단계에서 운동 기술 안정화가 발생하고 손가락의 움직임이 가변적 특성을 얻습니다. 게임의 억양, 동적 및 음색 조건이 변경되면 다양한 운지법 조합으로 작업을 수행할 수 있습니다. 외부 자극이 나타나면 손가락은 운지 위반 및 중단없이 안정적으로 작동합니다.

3. 게임 상황에 따라 학습된 운지 동작은 아무리 잘 자동화되어 있어도 무의식적으로 또는 의식적으로 수행될 수 있습니다.

4. 느린 속도로 기술 자료를 작업할 때 반사적으로 기술을 강화하는 것이 가장 좋습니다. 여러 번의 반복 횟수는 각 색소폰 연주자에게 최적이고 개별적이어야 합니다.

5. 동작 자동화의 초기 단계에서 손가락 유창성의 추가 향상으로 전환하는 동안 운동 기술의 고정이 다소 느려지는 반면 수행 기술의 성장은 기복과 함께 비약적으로 발생합니다.

손가락 기술을 연구하는 과정에서 색소폰 연주자는 특정 근운동 감도를 개발하여 공간적, 시간적 및 운지법 용어로 손가락의 운동 동작을 정확하게 조정할 수 있습니다. 다음 연습에서 손가락 기술을 개발할 필요가 있습니다.
놀 때 다양한 운동, 음계 및 에튜드, 초보자 색소폰 연주자의 주요 작업은 연주 장치(손, 손가락, 앙부셔, 호흡)를 자유롭게 설정하는 것입니다.

5. 수업 결과 분석 :

수업의 주요 목표와 목표는 어린이에게 악기를 올바르게 연주하는 방법을 가르치는 것입니다. 아이는 전체 장치를 전체적으로 설정하는 초기 원칙을 배웠습니다. 이것과 장치를 올바르게 잡는 방법, 이렇게하는 동안 머리와 몸을 잡는 방법, 음순 장치와 손가락이 작동하는 방법. 또한 아이는 자신이 어떤 순서로 참여할 것인지, 수업 과정에서 사용할 특정 유형의 기술 개발을 위해 어떤 연습을 할 것인지 알고 있습니다. 초기 수업에서 습득한 기술은 음악 학교에서 전체 학습 과정을 통해 개발되고 유지되어야 합니다.

양식 확인 숙제학생:

집은 다음과 같이 주어집니다.

1. 긴 소리를 직접 순서대로 연주 - 10분 수업에서 분석한 음계를 연주합니다.

2. 연구의 독립적인 분석.

3. 작업을 수행하고 수업에 설정된 작업을 수행합니다.

크기: 픽셀

페이지에서 노출 시작:

성적 증명서

1 피아노 수업에서 교사 Gorobtsova Galina Vyacheslavovna의 공개 수업 개요. 수업은 General Aesthetic Department의 3학년인 Georgy Gorobtsov와 함께 진행되었습니다. "특수 피아노"라는 주제에 가변 적응 프로그램이 사용되었습니다. 수업에 적용되는 모든 섹션은 주요 작업을 해결하는 데 도움이 됩니다. 수업 주제 : "시트에서 메모를 읽는 기술 형성." 수업의 목적 : 음악적 지평 개발, 사고 활성화, 청력, 시트에서 음악을 읽을 때 조정. 작업: 교육 - 이론적 지식과 실용적인 기술의 학생에 의한 마스터링; 개발 직업 유형: - 음악 그래픽 개발; - 조정 개발; - 음악적 안목의 발달; - 리듬 기술 개발; - 성능의 메트로리듬 조직; - 청각 조절 기술 습득. 지식과 기술의 통합 및 체계화 수업. 교육 방법 및 기술: - 시각적; - 언어 적; - 현실적인; - 정서적 인지; - 일반화 방법; - 게임 기술; - 건강 - 절약 기술. 수업 장비: - 악기; - 음악 자료; - 교구; - 교훈적인 자료.

2 수업 계획 I. 조직 단계. a) 인사, 학생의 심리적 분위기 b) 공과 주제 및 그 과제의 메시지. II. 주요 부분. 1. 음악 알파벳 익히기 2. 협응력 발달을 위한 연습 3. 악보 익히기 4. 리듬 연습 5. 앞으로 보고 듣는 기술 개발 6. "사진 찍기"라는 텍스트를 빠르게 암기하는 기술 형성 7. 앙상블 작곡 III. 최종 부분 요약 (수업의 효과 평가). 숙제. 수업 II 과정. 주요 부분 시트에서 음악을 읽는 기술의 형성은 실용적이고 교육적인 작업의 전체 범위에 대한 일관된 솔루션과 관련이 있습니다. 정기적인 악보 읽기를 통해 학생의 음악적 지평이 확장되고, 음악에 대한 귀와 사고력이 발달하며, 피아니스트 장치를 구성하는 작업이 더 쉬워지고, 키보드의 빠른 방향이 개발되고, 복잡한 운동 기술이 개발되고, 반주자 연습 및 연주의 기초가 됩니다. 앙상블이 형성됩니다. 악보 읽기 능력의 형성은 어디에서 시작됩니까? 뮤지컬 알파벳을 아는 사람에게서. 나는 내 작품에서 음악 알파벳의 세 개의 원을 사용합니다. - 첫 번째 원은 순서대로 배열된 7개의 음표 시퀀스이며, 7개의 음표 각각이 첫 번째가 될 수 있습니다. 주어진 소리에서 음악 알파벳의 첫 번째 원을 발음합니다. -음악 알파벳의 두 번째 원은 "terts" 시퀀스이며 각 음표가 첫 번째가 될 수도 있습니다. 주어진 소리에서 음악 알파벳의 두 번째 원을 발음합니다. -오늘 우리는 뮤지컬 알파벳의 세 번째 원인 "쿼터"시퀀스에 대해 알게 될 것입니다. 학생에게 질문: "쿼트"란 무엇입니까? 답변: 쿼트는 너비가 4단계인 간격입니다. - 이제 첫 번째 옥타브의 C 키에서 네 번째 옥타브의 C에 도달할 때까지 이 간격을 통해 음표를 연주하고 이름을 지정합니다. 그런 다음 역순으로 돌아가 재생되는 각 키의 이름을 계속 지정합니다. 학생은 음악 알파벳의 세 번째 원을 연주하고 발음합니다. -3 라운드의 모든 옵션이 적힌 카드가 있는데 집에서 계속 공부할 것입니다. 운동 기능과 관련된 행동은 악보 읽기 기술 형성의 가장 기본적인 연결 고리입니다. 그러한 방향의 형성, 피아노 건반의 시각적 표현 개발은 음계와 연습문제를 연구하는 과정에서 시작됩니다. 1옥타브의 논레가토 기법으로 음계를 익힌 다음 손을 보지 않고 다른 획으로 연주합니다. D, A, E, B 장조 및 이후 단조: C, G, D와 같은 검은 건반을 사용하여 음계를 선택하는 것이 가장 좋습니다. 시력 지원을받지 못하는 손가락에 대한 신뢰할 수있는 가이드 역할을하는 것은 검은 색 건반입니다.

3 학생은 비 레가토 및 스타카토 스트로크로 명명된 스케일 중 하나를 연주하도록 초대됩니다. 동시에 우리는 그의 모든 관심을 소리와 발음에 집중하려고 노력합니다. 첫 번째 수업부터 동시에 두 개의 키를 연구하여 음악 그래픽이 개발되었으며 고음 및 저음 음자리표의 각 줄에 1,2,3,4 및 5라는 숫자로 번호를 매깁니다. 첫 번째 옥타브의 "to"음표의 추가 라인은 숫자 0을 받았습니다. 전통과 달리 저음 음자리표 라인은 위에서 아래로 계산됩니다. - 고음 음자리표의 네 번째 줄에 적힌 키를 찾아 연주합니다. 저음 음자리표의 첫 줄에; 동시에 왼손으로 저음 음자리표의 다섯 번째와 네 번째 사이에 오른손으로 제로 라인. - 이제 두 번째 옥타브의 fa 키를 연주하고 어떤 눈금자에 쓰여졌는지 말하십시오. 작은 옥타브의 키 미를 입력하고 오선에서 위치를 지정합니다. 음표에 따라 연주하는 것은 아이에게 새로운 어려움을 안겨줍니다. 문제의 범위를 최소한으로 줄이는 것이 좋습니다. 한 손가락으로 초기 단계에서 연주하면 올바른 소리 추출에 집중할 수 있으며 조각이 복잡해서는 안되며 어린이는 음을 보면서 연주해야합니다. -이제 Pathfinder 연습을 할 것입니다 (O. Getalova와 I. Vizna의 학습 가이드 "To Music with Joy"에서). , 그럼 오늘은 동시에 두 개의 키를 사용하여 연습을 할 것입니다. 질문: 어떤 음으로 게임을 시작하시겠습니까? 답변: 메모에서 까지. - 당신의 임무는 음표를 보고 멜로디가 어디에서 어떻게 움직이는지 결정하는 것입니다. 메트로 리듬 기술은 피치 기술보다 훨씬 빠르고 쉽게 아이들에게 발달하는 것으로 알려져 있으므로 일부 교사는 메트로 리듬 교육에 충분한 관심을 기울이지 않습니다. 학생들이 리듬을 쉽게 탐색할 수 있도록 시트에서 메모를 읽을 때 리드미컬한 어려움이 발생하지 않았으므로 특수 사용하는 것이 좋습니다. 리듬 체조, 다양한 리듬 수치의 비율을 분리하고 별도로 작업합니다. 훈련 초기 단계에서는 두 개의 리드미컬한 숫자로 충분합니다(1/4 및 2/4 또는 1/4 및 2/8). 질문: 내가 4분의 1로 걷고 당신이 8분의 1로 걷는다면 당신은 몇 배 더 빨리 움직여야 합니까? 답: 두 번. - 당신을 8분의 1로, 나는 4분의 1로 걷겠습니다. -이제 바꿔 봅시다. 저는 여덟 번째이고 당신은 네 번째입니다. 질문: 지난 수업에서 당신과 나는 "Our Kitten"이라는 노래를 가사로 불렀습니다. 기간은 어떻게 되나요?

4 정답: 1/4반. - 가사가 이 노래의 리듬 패턴을 느끼는 데 도움이 된다는 것을 눈치채셨나요? 리드미컬한 음절을 발음하여 리듬을 탭하세요. -이제 러시아 민요 "Karavai"를 분석해 보겠습니다. Q: 곡의 크기는 어떻게 되나요? 답변: 4/4 질문: 첫 번째 소절을 주의 깊게 살펴보십시오. 그것에 대해 무엇을 말할 수 있습니까? 답변: 4박자가 아니라 2박자입니다. 즉, 오버박자입니다. Q: 백비트가 무엇인지 기억하시나요?

5 대답: 연극에서 한 번 살았던 측정은 첫 번째 측정이었습니다. 그러나 불행이 그에게 일어났습니다. 두 부분으로 찢어졌습니다. 이 시작의 비트, 전체 플레이 뒤에 서있었습니다. 그리고 같은 소절의 끝이 시작으로 올라갔고, 도입부가 되었다. 따라서 이제 계정이 반대로 유지됩니다. - 나는 반주를 할 것이고 당신은 멜로디의 리듬을 때릴 것입니다 : 멜로디를 읽는 더 쉬운 작업 (박수, 목소리 등으로 연주)으로 훈련 초기에 눈에서 직접 작품 읽기를 시작하는 것이 좋습니다. 특별한 연습을 사용하는 것도 가능합니다. 교사가 곡을 연주하고 학생이 음표를 큰 소리로 말합니다.

6 교사가 악구를 연주하기 시작하고 학생이 악보를 소리내어 명명하면서 악절의 연속성을 유지하면서 악절을 계속합니다. 따라서 메모를 주의 깊게 따르고 미리 "보고 듣는" 능력이 개발됩니다. 텍스트에 대한 가속 인식 기술을 개발하는 연습 중 소위 사진 촬영이 중요한 역할을합니다. 학생에게 기억해야 하는 텍스트(동기, 구, 문장)가 표시되고 소리와 놀이에 정신적으로 나타납니다. 실행 시 학생은 다음 조각을 읽고 암기합니다. 첫 번째 조각: 두 번째 조각: 훈련의 모든 단계에서 음악 제작의 앙상블 형식을 사용하는 것은 매우 유용합니다. 이러한 게임은 학생에게 솔로 연주에서 접근 할 수없는 비교적 복잡한 소리를 소개하고, 의지를 훈련하고, 주의력을 훈련하고, 음악의 리드미컬 한 움직임을 느끼는 데 도움을줍니다. - 이제 당신과 나는 "장난감 곰"이라는 앙상블을 악보로 읽을 것입니다. 앞을 내다보고 두 번째 부분을 주의 깊게 듣고 곡의 리드미컬한 전개를 따르십시오.

7 III. 마지막 부분 음악 텍스트의 빠른 구문 분석 및 읽기 기술 형성은 아동의 일반적인 음악 및 피아니스트 발달과 밀접하게 연결되어 있습니다. 최상의 결과초견 기술은 피아니스트 훈련의 첫 단계에서 이 기술이 형성될 때 달성됩니다. 경험에 따르면 약한 학생들도 시트에서 체계적으로 연주하면서 훨씬 빠르고 자신있게 앞으로 나아갑니다. 그들은 악기 연주에 관심을 갖게 됩니다. 교사는 가능한 모든 기회를 활용하여 학생에게 초견과 독립적인 음악 제작에 대한 사랑을 심어주어야 합니다. 질문: 오늘 수업에서 무엇을 배웠습니까? 대답: 뮤지컬 알파벳의 세 번째 원은 새로운 노래를 알게되었습니다. 음악 알파벳의 첫 번째, 두 번째를 반복하고 세 번째 원을 배우고, 음계를 연주하고, 눈에서 읽는 숙제. 학생이 수행한 작업 평가: 수업 목표가 달성되었습니까(시트 읽기 기술 습득?) 집에서 작업하는 방법을 더 잘 이해하기 시작했습니까?

Manusova Elena Alexandrovna 시립 이론 분야 교사 국영 기관 추가 교육어린이 예술 학교 12, Ulyanovsk 주제에 대한 SOLFEGIO 수업 요약

주제 커리큘럼 2 학년 I. 일반 작업: 어린이들에게 음악에 대한 사랑과 관심을 심어줌 음악적 감동의 축적과 음악적, 예술적 취향의 교육 식별 및 포괄적인 개발

1 1. 주제 "SOLFEGIO" 마스터링 계획 결과

1 설명 미학의 한 측면으로서의 음악 교육은 어린이의 음악적 능력의 의도적이고 체계적인 개발, 정서적 반응의 형성을 제공합니다.

Krenholm Music School 피아노 레슨에서 초견 기술 개발을 위한 기술 Vera Aliyeva, 피아노 교사 Narva, 2015 초견 기술 연주에는 두 가지 주요 유형이 있습니다.

설명 추가 일반 교육 일반 개발 프로그램 "피아노에서 아기"는 다음에 따라 편집됩니다. 2012년 12월 29일 연방법 273-FZ "러시아 연방 교육";

주제에 대한 공개 수업 개요: "피아노 수업에서 시력 읽기 기술 형성"(연구 1년차) 작성자: Anfimova Veronika Yuryevna, 피아노 교사 p. 보로보예, 2016

추가 교육의 시립 예산 기관 "MSSTERSKAYA 시골 어린이 미술 학교" MBUDO "Msterskaya 시골 어린이 미술 학교" 공개 수업 계획 주제: Donotny 학습 기간. 작업 형태

추가 교육 문화의 시립 자치 교육 기관 "어린이 음악 학교 11 M.A. BALAKIREV" 추가 일반 개발 프로그램 "훈련 준비

작업 1 1) 구두로 질문에 답하십시오. - 마이너 스케일에는 몇 단계가 있습니까? 첫 번째 아래 단계는 무엇입니까? - 단조의 어느 단계 사이에 반음이 있습니까? - 척도에서 두 개의 불안정한 것이 연속으로 가는 곳

Zarubina I. A. 초보자를 위한 피아노 교육 지원 2015 레슨 - 소개 단순하지 않고 아름다운 세상이 있습니다 아직 당신에게 알려지지 않았습니다 당신은 문을 조금 열면됩니다 자신의 음악을 들어보세요 가자

Tashtagol 지방 자치구의 Kapishnikov 방법 론적 개발 "개발

추가 일반 교육 일반 개발 프로그램 "FLUTE" 프로그램 초점: 예술 프로그램 수준: 입문 프로그램 실시 기간: 1년 시간 수: 104

모스크바 지역 문화부 MOUDOD "Children's Music School", Dubna "Agreed" "Accepted" 교육위원회 Minutes L from "/3" & 20O&g "Approved" OUDOD d msh.) 실험적

주제 I의 프로그램 구조. 설명. 과목의 특성, 교육 과정에서의 위치 및 역할. 2. 주제 시행 기간. 3. 보유형태

어린이 예술 학교 교사 Tliap A.K. 2017-2018 1. 서론 2. 장타 스킬 형성에 필요한 조건 3. 첫 단계음악을 읽는 기술 습득

초보자를 위한 피아노 악보 무료 다운로드 >>> 초보자를 위한 피아노 악보 무료 다운로드 초보자를 위한 피아노 악보 무료 다운로드 In the right hand - triad chords. 웹사이트

Rodygina Elena Ivanovna 피아노 수업 교사 "Children 's Art School 1"Uray Khanty-Mansiysk Autonomous를위한 추가 교육의 시립 예산 교육 기관

분기 시간 날짜 상트페테르부르크 주립 예산 교육 기관 어린이를 위한 추가 교육 "상트페테르부르크 어린이 음악 학교 24"

사회 교육학 방향의 기본 일반 교육의 추가 일반 교육 일반 개발 프로그램에 대한 주석 " 개별 교육 5-7학년 학생들을 위한 음악"

공개 수업 교사 Maleeva E.V. 주제에 대한 준비 수업 학생들과 함께: "솔페지오 수업의 기간 연구에서 게임 형식 사용" 설명 메모. 이 열린

Belgorod AGREED의 어린이 어린이 음악 학교 3을 위한 추가 교육 시립 교육 기관: MOU DOD 어린이 음악 학교 3 책임자 2009 E. M. Melikhova 적응 교육

솔페지오 규칙. 1등급. 1. 소리 및 음표 2. 레지스터 3. 소리 이름, 옥타브 4. 오선보에 음표 배치 5. 고음 음자리표 6. 소리의 지속 시간 7. 장조 및 단조. 토닉 8. 키 9. 감마

"Solfeggio" 주제에 대한 교육 프로그램 이 프로그램은 교사 방법론자 T.A. Kaluga on solfeggio는 1984년에 5년의 훈련 기간으로 편집되었습니다. 용량

MAU DO "Children's School of Arts" Perm의 Motovilikhinsky 지역 "젊은 아코디언 연주자들의 리듬 안정성 개발" 방법론 보고서 작성: 추가 교육 교사

어린이를위한 추가 교육의 시립 예산 교육 기관 "M. I. Glinka의 이름을 딴 Roslavl Children 's Music School" "교실의 시트에서 음악을 읽는 기술의 형성 및 개발

1 1. 설명 전통적으로 solfeggio는 필수 부분입니다. 음악 훈련주요 과목 중 하나로 간주됩니다. 음악 교육그리고 양육. 이 항목은

시리즈 "School of Development" D. 미취학 아동 및 어린 학생을 위한 ROMANETS MUSIC LITERATURE 색칠하기 책 11판 Rostov-on-Don "Phoenix" 2018 UDC 784 LBC 85.31 KTK 861 R69 Romanets D. R69 음악

시립 자치 기관추가 교육 문화 CHILDREN 'S MUSIC SCHOOL 7 S.V. 음악 예술 분야의 Rachmaninov 추가 일반 개발 프로그램 "WAY

어린이 추가 교육을 위한 시 예산 교육 기관 "어린이 창의력의 집" 프로그램 "젊은 음악가" 편집자: Taimasov Farit Khanifovich 추가 교육 교사

준비 부서를 위한 solfeggio 작업 프로그램 작성자-컴파일러: Velmogina Marina Alekseevna 2017-2018 2018-2019 설명 참고 이 프로그램은 지향하는 학생을 대상으로 합니다.

버튼 아코디언의 시트에서 음악을 읽는 법 배우기 ( 지침) 소개 빨리 읽는 방법을 배우는 가장 좋은 방법은 가능한 한 많이 읽는 것입니다. I. 호프만. 100년 전에는 초견이 집에서 표준이었습니다.

교육위원회가 채택한 방법론위원회 프로토콜 L에 의해 분산 된 푸쉬킨 지구 추가 교육 어린이 음악 학교 M의 상트 페테르부르크 주 예산 기관

설명 작업 프로그램은 "In the world of music"이라는 추가적인 일반 교육 예술 방향을 기반으로 개발되었습니다. "In the world of music" 과정의 프로그램은 개인을 위해 설계되었습니다.

MUSICAL LOTO 5~7세 어린이의 고고도 청력 발달을 위한 게임 어린이 리더는 악기 중 하나를 위, 아래 또는 한 소리로 멜로디를 연주합니다. 아이들은 첫 번째 줄에서 노트 원을 배치합니다.

음악 예술 분야의 추가 교육 프로그램 "관악기", "피아노", "기타", "바이올린", "보컬", "BUYAN", "아코디언", "DOMRA", 작업을 위한 추상 "BALALAYKA"

해설 현재 특수 교육 능력을 가진 아동의 교육과 발달에 많은 관심을 기울이고 있습니다. 몇 년 동안 Fakel CDT는 교육에 노력해 왔습니다.

커리큘럼(연구 1년차) n/p 섹션 제목, 주제 시간 수 증명/제어 형식 전체 이론 실습 1. 입문 수업 1 1 0 설문 조사 2. 악기에 대한 지식 3. 초급

1학년 교육 과정 구성의 특징은 교육이 "라는 주제로 수행된다는 것입니다. 팝 보컬". 이 과목은 보컬의 실용적인 기초를 연구하는 것을 목표로 합니다.

섹션: 음표가 살아있는 곳(5시간) 주제: 피아노 건반에 익숙해지기: 피아노 성역 배우기. 오선보와 건반에서 첫 번째 옥타브 음표의 위치. 활동:

솔페지오 프로그램(수업기간 5년) 1급. 2 보컬 및 억양 기술. 올바른 신체 위치. 차분하고 스트레스 없는 호흡. 노래하기 전에 동시 흡입. 운동

설명 참고. 음악 교육은 아동 정신의 정서적 및 지적 영역의 통합을 형성하는 독특한 수단입니다. 초기 음악적 발달은 효과적인 도구

타타르스탄 공화국 문화부 레니노고르스크 문화부 MBUDO LDMSh “im. N.M. Kudasheva”주제 SOLFEGIO의 작업 프로그램. 연구 기간은 7년, 레니노고르스크, 2015년입니다.

지원자에 대한 일반 요구 사항 1. 김나지움 대학에 입학하는 어린이는 좋은 음악적 능력, 명백한 밝은 재능 및 개인의 창의력을 가지고 있어야 합니다. 2. 지원자는 반드시

주석 solfeggio에 대한 작업 프로그램은 GBOU School 2025의 음악 부서 분야 목록에 포함되어 있습니다. 음악 교육의 전체론적 시스템은 복잡한 분야로 표현됩니다(에 따라

모스크바시 문화부 모스크바시의 추가 교육 예산 기관 "Children 's School of Arts 7"회의에서 채택 교육위원회"0" 6월 7일 승인됨

1. 주제 마스터링 계획 결과 "Solfeggio" 주제에 대한 2년 연구 결과 학생들은 다음을 갖추어야 합니다. - 음악 및 리듬 활동의 초기 기술 형성

커리큘럼 교과목 명칭 및 교과목 구조 및 범위 교육 프로그램교실수업(시간단위) 그룹수업 개인수업 연도별 배분

Ivashov Anatoly Ivanovich 1 MBUDO "Children 's School of Arts", Solikamsk 교사. BAYAN의 시트에서 메모를 읽는 기술 형성 버튼 아코디언 기술의 핵심 문제 중 하나는

1. 설명 음악을 들으려면 발달된 청각 지각. 솔페지오(Solfeggio)는 한 사람의 음악성을 점차적으로 즐길 수 있는 수준으로 발전시킬 수 있는 분야입니다.

설명 주 "Solfeggio" 주제에 대한 이 프로그램은 어린이 음악 학교를 위한 "Solfeggio" 주제에 대한 표준 프로그램을 기반으로 작성되었습니다. 음악 부서예술 학교, 저녁

주제 "Solfeggio" 1등급

음악에서 소리의 음높이 관계는 시간적 구성과 분리할 수 없으므로 리듬 감각은 음악적 인식의 구성 요소 중 하나입니다. 메트로리듬 기술 개발을 위한 방법론

모스크바시의 교육부 모스크바시의 예산 교육 기관 "School 1770" "ACCEPTED"는 교육위원회 회의에서 "20 Remykin 추가 회의록"

솔페지오 프로그램(수업기간 7년) 1급. 보컬 및 억양 기술. 신체의 올바른 위치, 차분한 호흡, 노래하기 전의 동시 호흡, 고른 호흡의 발달.

1 설명 노트 음악 교육은 아동 정신의 정서적 및 지적 영역의 통합을 형성하는 독특한 수단입니다. 초기 음악 개발은 효과적인 수단입니다.

Zhakovich V.V. SOLFEGIO Class II Part IV Voronezh 2017 3 LESSON 25 1. 음계를 E단조 3종으로 부르기 2. 안정된 스텝, 메인 스텝, 도입음을 따로 부르기 3. 받아쓰기 4. 리드미컬하게 탭하기

솔페지오 주제에 대한 공개 수업. 수업 주제: "초등학생의 솔페지오 수업에서 억양과 리드미컬한 청력 발달." 목표 : 능동태를 기반으로 억양과 리듬과 청력 발달

과학 협력 센터 "인터랙티브 플러스" Shershneva Natalya Alekseevna MP Frolova, Yekaterinburg, Sverdlovsk 지역 초보자와 함께하는 첫 수업

아이들에게 악기 연주를 가르치는 방법은 다음에 따라 다릅니다.

- 특정 분류 그룹 및 하위 그룹에 속하는 악기;
- 소리 추출의 원리;
- 연기자의 나이와 그에게 할당된 작업;
- 연주자의 신체적, 음악적, 정서적 발달 수준
- 악기 연주를 배우기 위한 조건(물질적, 시간적, 조직적)의 가용성.

민속 악기 연주를 배우기 위한 방법론에는 다음 단계가 포함되어야 합니다.

1. 악기에 대한 지식 - 창조의 역사, 디자인 특징, 성능 능력;
2. 연주 기구 설정 - 몸, 손, 엠부슈어 등
3. 사운드 추출의 기본 기술을 마스터합니다.
4. 연주 기술 개발 - 음악 작품의 예술적, 표현력, 감성적, 음악적 능력 및 기술적으로 완벽한 연주에 대한 작업;
5. 음악 작업을 합니다.

타악기 연주 학습 방법론

타악기는 특히 젊은 음악가들에게 매력적입니다. 오케스트라의 대부분의 타악기(루블, 딸랑이, 클래퍼보드 등)를 연주하는 방법을 배우는 데는 오랜 시간과 특별한 훈련이 필요하지 않으며, 적절한 연주 기술을 개발하면 향후 더 복잡한 타악기(종탑)를 마스터할 수 있습니다. , 장작 등) .), 연주 기술 (3, 4 또는 그 이상의 숟가락), 오케스트라의 다른 그룹의 악기.

타악기를 알아가는 과정에서 아이들은:

· 창조의 역사에 대해 알아보십시오.
· 디자인 기능 연구, 수행(기술 포함) 가능성
· 특정 도구의 특성을 결정하는 특성을 할당합니다.
사운드 생성 요소에 따라 하위 그룹에 속하는 설정:
- - 공구 본체 - 소음;
- - 막, 막 - 막성;
- - 플레이트 - 라멜라;
- - 소리와 유사한 여러 요소의 존재 - 결합 유형;
소리가 나는 과정 알아보기
- 손가락, 손바닥, 막대기, 망치, 나무망치, 도구(유사 및 유사하지 않음) 또는 도구 부품이 서로에 미치는 영향
- 흔들림의 결과;
- 마찰(슬라이딩);
- 혼합된 것을 포함한 다른 소리 형성 방법;
· 소리의 특성(무정한 또는 한정된 피치, 음색 특성, 동적 가능성 등)을 배웁니다.
· 타악기 사용의 특징에 대한 지식 습득(오스티나토 리듬 배경 만들기, 음향-시각 효과, 음향 모방, 솔로 연주, 앙상블, 역동적인 음영의 노력 등)

왜냐하면 제안된 방법론은 미취학 아동을 대상으로 합니다. 취학 연령, 게임 기술이 포함됩니다. 예를 들어, nakr를 배울 때 어린이는 음성(악기 막의 진동)에 반응하는 마법의 냄비에 "대화"할 수 있습니다. 게임 상황이 허용 이 경우비 유적 형태로 물갈퀴 타악기의 하위 그룹에 속하는이 악기의 사운드 생성 기능에 대해 알아보십시오.

종탑을 연구하면서 아이들은 곰팡이, 종, 고슴도치 등 구성에서 친숙한 이미지를 찾습니다. 그것이 만들어지는 재료, 공진기의 존재 및 크기, 악기의 크기, 사운드 생성 기능 등

타악기를 연주할 때 어깨와 팔뚝도 어느 정도 참여하지만 주된 역할은 손에 속합니다. 움직일 수 있고 유연하며 탄력 있는 브러시는 음색이 풍부한 복잡한 리드미컬한 형상을 수행하면서 경이로움을 발휘합니다. 손 근육이 긴장되어서는 안되며 악기 연주시 움직임의 뻣뻣함과 압박감, 빠른 피로를 피하는 데 도움이됩니다.

게임을 배우는 과정은 도구 없이 손을 특별하게 준비하는 것으로 시작해야 합니다. 이를 통해 게임을 위해 사용자의 장치를 준비하고 게임에 필요한 근육 감각을 형성 및 반영하며 손 협응력을 개발할 수 있습니다. 예를 들어, 아이들이 쿠르스크 딸랑이 (게임 "웨이브"수신)를 시작하기 전에 워밍업 게임 "드라이버"가 그들과 함께 플레이됩니다. 자동차. 또는 아이들이 상자 위에서 놀기 전에 손을 바꿔 무릎을 꿇고 "드럼"을 치도록 초대합니다.

여러 악기(상자, 양치기 북, 나크라, 장작)에서 음악가는 두 가지 물체(막대기, 숟가락 또는 망치)로 연주합니다. 이 경우 손의 교대 순서는 특정 작업을 수행할 때 측정의 미터법 구조(오른손 타격이 더 강하거나 상대적으로 강한 비트, 왼손 타격-약한 비트) 또는 운지법의 편의성에 의해 결정됩니다. .

학습 기술

다양한 악기 그룹은 다양한 난이도의 연주 기술 개발이 필요합니다. 따라서 오케스트라에 참여하는 이들에게는 개개인의 역량을 고려하여 차별화된 업무가 주어져야 한다.
악기를 가르치는 방법론에서 다양한 연주 순서를 정하는 것이 중요합니다. 음악 과제. 이 문제에 대한 길고 강력한 교육적 전통은 아직 없습니다. 어떤 연주든 곡을 배울 때 올바른 연주법을 사용하는 것이 필요합니다. 집단 및 개별 작업의 연속성은 중요합니다. 일반 수업 및 독립 음악 제작, 휴일 공연 및 엔터테인먼트에서.
교사의 (다양한 악기에 대한) 작품의 표현적인 연주, 기술 시연, 소리 생성 방법 및 설명 (잘 테스트 된 전통적인 방법)은 여전히 다른 사람들이 보완 할 수 있습니다. 아이들은 스스로 악기를 "검사"하도록 제안되고 간단한 창의적 작업이 주어지며 독립적인 연구에서 자율 학습하도록 권장됩니다. 이러한 방법의 조합으로 훈련이 이루어지면 교육적 성공을 기대할 수 있습니다.
실제로는 여러 악기를 동시에 연주하는 법을 배우기 시작하지만 각 악기마다 다른 연주 기술이 필요하거나 전체 곡을 한 번에 배우게 됩니다. 동시에 어떤 아이들은 다른 아이들이 배우는 동안 기다려야 합니다. 이것은 사람들을 지치게 하고 주의를 분산시킵니다.
분명히 다른 것이 적절할 수 있습니다. 예를 들어, 일반 수업에서 아이들을 치터의 모습과 연주의 기본 기술로 소개하고 여러 수업을 통해 2-3개의 성가를 배운 후 악기는 나중에 그룹으로 이전됩니다. 게임, 아이들은 스스로 주도권을 계속
악기에 익숙해지면 교사가 도와줍니다. 한편, 일반적으로 수업이 시작되었습니다다른 악기에 대한 친숙함. 더욱이, 때때로 가장 유능한 아이들이 악기를 검사하고 연주 방법을 찾도록 초대받은 다음 교사가 직접 수정합니다.
점차적으로 아이들은 메탈로 폰, 트리플렛, 아코디언, 치터와 같은 온음계 또는 반음계가있는 악기를 접하게됩니다. 쇼크 그룹은 그것에 익숙해지는 데 더 적은 시간이 필요합니다. 예를 들어 드럼, 탬버린, 캐스터네츠와 같은 두세 개의 악기를 한 번에 수업에 가져올 수 있습니다.
다음 작업 측면에서 교육 방법론의 특징을 고려하십시오. 게임의 기술 방법을 마스터합니다. 개별 악기로 게임을 마스터하기 위한 일련의 작업; 몇 가지 조각을 배우고 있습니다.

기술

연주 기술은 각 악기의 디자인에 따라 다릅니다. 우선, 어린이와 관련하여 올바른 초기 위치와 악기의 위치를 설정할 필요가 있습니다.
Metallophones, zithers는 플레이어의 무릎 높이에 위치한 작은 스탠드에 가장 잘 배치됩니다. 스탠드가 없으면 도구를 무릎에 놓을 수 있습니다. 관악기 (게임 시작 전)도 무릎에 놓습니다. 드럼과 탬버린은 허리 높이로 잡고 삼각형은 스탠드에 걸거나 아이가 왼손으로 잡습니다.
올바른 사운드 제작 기술을 가르치는 것은 매우 중요합니다. 에서 플레이할 때 글로켄슈필망치는 집게 손가락에 얹고 엄지 손가락으로 망치를 잡도록 잡아야합니다. 타격은 판 중앙에 떨어지며 가장 중요한 것은 가벼워야합니다. 브러시는 자유로워야 합니다. 아이가 망치를 주먹에 꽉 쥐고 큰 소리로 치고 레코드에 보관하면 소리가 "더럽고"불쾌한 것으로 판명됩니다.
에서 플레이할 때 치터중재자는 엄지와 집게 손가락 사이에 끼워야 합니다. 현을 따라 가볍고 탄력적으로 움직여 소리가 납니다. 동시에 불필요한 줄을 건드리지 않도록 노력해야 합니다.
캐스터네츠그들은 매우 크게 들리므로 오른손으로 잡고 왼쪽 손바닥에 "꽃잎"으로 가볍게칩니다. 소리가 다소 약하고 리듬 패턴이 명확하게 들립니다.
그릇아이들은 스트랩을 잡고 슬라이딩 동작으로 스트랩을 서로 부딪칩니다. 소리를 즉시 멈추기 위해 플레이트를 무릎에 붙입니다. 때때로 심벌즈 (매달려)는 막대기로 칠 수 있으며 끝은 여러 층의 부드러운 재료 또는 충전재로 덮여 있습니다.
에서 플레이할 때 삼각형수평 부분의 중간에 막대기로 치는 것이 필요합니다. 소리는 가볍고 탄력적이어야 합니다.

오랫동안 계속되면 손으로 삼각형을 눌러야합니다. 소리가 즉시 멈 춥니 다.
탬버린손가락, 손바닥의 부드러운 부분 또는 엄지 손가락으로 그의 막을 치는지에 따라 다른 특성의 소리를 냅니다. 또한 임팩트 위치가 변경되면(공명이 더 강한) 나무 프레임에 더 가깝게, 중간으로, 프레임 자체를 치거나, 마지막으로 이러한 임팩트를 번갈아 가며 흥미로운 음색 병치가 가능합니다. 달성됩니다.
재생 트리올렛그리고 멜로디-26동일한 단계를 따릅니다. 아이는 튜브의 구멍에 숨을 불어 고르게 숨을 쉰다. 동시에 그는 원하는 키를 누릅니다. triola의 키는 색상이 있으며 각각 고유한 색상과 이름이 있습니다. 첫 번째 키 - 다시, fa#, 소금그리고 추가 규모 소금 전공.따라서 트리올에서 멜로디를 연주하는 것이 가능합니다. 사장조일부는 다른 키에 있지만 제한된 범위에 있습니다.
Melody-26이라고 하는 이 악기는 반음계(2옥타브)로 제작되었으며 실제로 2옥타브 내의 모든 멜로디를 연주할 수 있습니다.
아이가 음질의 차이를 느끼고 다양한 연주 방법을 탐색하기 시작하면 청각 제어와 연주의 부정확성을 수정하는 능력이 발달합니다.

작업 순서

훈련을 시작할 때 지도자의 방법론적 기술은 자연스럽게 아이에게 새로운 유형의 직업에 대한 관심을 불러일으키도록 지시됩니다.
각 악기 소리의 특성상 새, 동물의 목소리, 인간의 말과 같은 자연 현상과의 유사점을 찾을 수 있습니다. 예를 들어 교사는 새들이 높고 크고 부드럽게 노래한다는 사실에 아이들의 관심을 끌고 있으며 이것은 치터에 묘사 될 수 있습니다.

메탈로 폰은 빗방울이 떨어지는 소리를 잘 전달합니다. 처음에는 거의 떨어지지 않고 점점 더 자주 울리고 비가 심해집니다.

트리올라의 소리가 마치 숲 속에서 누군가가 외치는 소리처럼 여운을 남긴다.

그리고 플루트 또는 Melody-26은 모든 사람들에게 말합니다-하이킹 준비를하십시오.

드럼에서 스틱은 천둥 소리와 같이 일부를 녹아웃시킵니다 (교사는 두 개의 스틱으로 번갈아 빠른 타격을 가함).
이러한 기술의 의미는 어린이들에게 각 악기의 표현 가능성을 익히는 것입니다.
이 초기 단계에서는 오케스트라에서 연주하는 데 매우 중요한 앙상블 감각을 개발하기 위해 조정 된 공동 작업을 위해 어린이를 준비하는 것도 유용합니다. 이를 위해 독특한 리듬 "오케스트라"가 사용됩니다. 아이들은 손뼉을 치고, 발을 구르고, 나무 막대기, 막대, 플라스틱 상자로 두드립니다. 비어 있거나 자갈, 완두콩 등으로 채워져 있습니다. 여기에서 소리 추출 기술이 다를 수 있습니다. 따라서 반쯤 구부러진 손가락으로 한 손바닥을 다른 손바닥에 대고 치면 소리가 울리고 귀머거리가됩니다. "심벌즈"에서와 같이 "평평한"손바닥으로 치면 소리가 뚜렷하고 경쾌합니다.
한 손의 손가락을 다른 손의 손바닥에 대는 것이 가능하며, 손가락을 쭉 뻗은 상태로 유지하는지 또는 자유롭게 반쯤 구부린 상태로 유지하는지에 따라 소리가 상당히 다릅니다. 발의 스톰프도 다릅니다. 발 전체, 발가락 또는 발 뒤꿈치, 교대로-발가락, 발 뒤꿈치. 소위 "때리기"는 허벅지에 손바닥이나 손가락 끝으로 사용됩니다.
나무, 플라스틱, 금속 물체를 사용하면 다른 성격의 소리를 추출할 수도 있습니다. 관심있는 아이들
그들의 말을 듣고, 리드미컬한 작업을 수행하고, 공동 또는 순차적 작업 기술을 습득하십시오. 예를 들어 어린이에게는 다음 연습이 제공됩니다.

음악적 메아리

아이들은 두 개의 하위 그룹으로 나뉩니다.
첫 번째 줄.선생님은 막대기로 두드립니다.
두 번째 줄.어린이의 첫 번째 하위 그룹은 발가락으로 두드립니다.
세 번째 줄.두 번째 어린이 하위 그룹은 다른 손바닥을 손가락으로 두드립니다.

이러한 연습은 리듬과 박수, 발 구르기, "때리기" 등의 다양한 방식으로 다양할 수 있습니다.
예를 들어 발가락, 발 뒤꿈치, 손, 손가락, 귀머거리 박수를 번갈아 가며 기차의 움직임을 잘 모방합니다. 이 경우 템포가 임의로 빨라지거나 느려질 수 있으며 소리가 강해지거나 가라앉습니다.

첫 번째 줄.힐 스트라이크.

두 번째 줄.발가락 차기.

어린이들에게 음성의 리드미컬한 암송 억양의 인식 및 표현 수행을 소개하는 것이 유용합니다. 처음에는 단순한 리드미컬한 문장, 억양, 암송으로 그들의 표현력을 보여줄 수 있습니다. 아시다시피 암송은 선율적인 암송에 가깝습니다. 천연 성분이 함유되어 구어체 연설인토네이션 상승 및 하강, 악센트, 일시 중지가 명확하게 들립니다.
다양한 게임 및 생활 상황에서 리드미컬 한 문장과 음악 및 음성 억양을 사용할 수 있다는 사실에 아이들의 관심을 끄는 것이 좋습니다.
아이들을 지속적으로 표현력으로 이끄는 다양한 기술의 예를 들어 보겠습니다.
교사는 아이들에게 그녀가 누구라고 불렀는지 추측하도록 초대합니다-Tanya 또는 Andryusha. 아이들은 성인이 박수를 치거나 메탈로폰을 연주하는 리듬 패턴으로 이것을 인식해야 합니다.

아이들은 그 소녀의 이름이 무엇인지 알게 될 것입니다-Tanya 또는 Tanechka:

그 후, 사람들은 스스로 서로를 부를 수 있습니다. 특정 리듬이 나오면 그들은 부록에서 뮤지컬 입문서에 있는 카드를 사용하여 플라넬로그래프에 카드를 배치합니다. 넓은 카드는 4분의 1을 나타내고 좁은 카드는 8분의 1을 나타냅니다.

메탈로폰, 3극관 또는 기타 악기에서 동일한 리듬 패턴을 연주할 수 있습니다. 타악기.
리듬 패턴의 연주에서 아이들은 암송으로 이동합니다. 그들은 서로를 부르도록 초대 받았지만 서로 다른 방식으로 : 다정하게, 화를 내며, 호기심을 갖고, 초대합니다. 아이들은 노래에 가까운 표현 억양을 생각해냅니다. 정확한 음높이와 선율적인 사운드를 가진 보컬 인토네이션은 아직 아닙니다. 그들은 말한다. 억양을 높이거나 낮추면서 동시에 악기에서 들리는 비슷한 소리를 찾아 짧은 성가를 작곡합니다.
추가 교육은 다음 순서로 진행됩니다. 먼저 한 악기 연주를 마스터 한 다음 다른 악기 연주를 마스터합니다. 동시에 연주 기술의 양이 증가합니다. 첫째, 리듬 패턴; 그런 다음 좁은 간격으로 만들어진 멜로디; 스케일의 중요한 부분과 더 넓은 음정을 포함하는 후기 멜로디.
단순한 곡, 노래, 성가의 선율을 배우는 아이들은 리듬 패턴과 선율을 재현하는 두 가지 어려움에 대처해야 합니다. 첫째, 올바른 소리 추출 기술을 습득 할 때 교사는 리듬 연주, 올바른 소리 추출 기술 학습, "Musical Primer"의 초기 부분과 같은 더 쉬운 작업을 어린이에게 제공합니다. 그들의 예술적 장점은 피아노 반주와 함께 리드미컬한 농담이 주어져 더욱 표현력이 높아진다는 것입니다.
선생님의 연주가 끝나면 아이들은 쉽게 곡을 익히고 박자를 치며 노래를 부릅니다. 응용 프로그램 "Music Lotto"( "Music Primer")의 카드를 사용하는 것이 좋습니다.

카드는 flannelgraph에 배치됩니다.

아이들은 메탈로 폰의 여섯 번째 판을 세도록 제안됩니다 (처음부터)-“이것은 메모입니다 라", 그리고그런 다음 리드미컬 한 패턴을 연주합니다. "The sky is blue"라는 노래입니다. 선생님은 피아노를 동반합니다. 2차 공연은 합창으로 진행된다. 작업이 완료되고 사람들이 스스로 노래를 연주 할 수 있습니다.

하늘은 파랗다
E. Tilicheeva의 음악

[고요히]

다음 음악 수업에서 개별 설문 조사가 실시됩니다. 아이들은이 노래를 다른 소리 (음반)로 연주합니다. 이를 음표라고 합니다(레코드에서 위치는 어린이에게 친숙함). 미,메모에 전에"등 동시에, 당신은 필요합니다
그러나 메탈로 폰의 소리가 더 높고 미취학 아동의 음성 기능과 일치하지 않기 때문에 아이들은 잘 배운 노래 만 메탈로 폰에서 노래하고 반주 할 수 있음을 기억하십시오. 메탈로 폰의 동일한 음이 다른 옥타브 (높은)로 들리기 때문에 어린이가 길을 잃기 쉽습니다.

몇 가지 리드미컬한 챈트를 배운 후 다음 작업으로 진행할 수 있습니다. 먼저 가까운 간격으로 구성된 챈트를 배운 다음 더 넓은 간격에서 챈트를 배웁니다. 교육 방법은 동일하게 유지됩니다. 시적 텍스트는 암기를 용이하게 하고 아이들이 학습한 작품을 독립적인 학습에 사용할 수 있게 해준다는 점을 기억해야 합니다. 일관되게 작업을 복잡하게 만드는 것도 중요합니다. 가장 쉬운 플레이 초,그들의 소리는 나란히 있습니다. 따라서 한 소리에 대한 연습 후에는이 간격에 따라 만들어진 성가를 연주하는 것이 좋습니다 (예 : E. Tilicheeva의 "Magpie-magpie", "Accordion"등의 러시아 민속 성가).

까치 까치
러시아 민요

고조파
E. Tilicheeva의 음악
[안에 중간 템포, 리드미컬하게]

보다 복잡한 연주 기술을 동화하면 점차 레퍼토리가 복잡해집니다. 단계적 움직임은 작은 스케일 내의 성가에 나타나고 간격이 확장됩니다. 생생하고 표현력 있게 표현되는 피아노 반주는 아이들의 흥미를 더해 줍니다. 음악적 표현력그리고 음악의 분위기를 느껴보세요. 각 예술 작품은 독창적이고 고유하며 마스터하는 방법이 달라야합니다.
어린이의 음악적 인식은 곡을 처음 들은 후 예를 들어 다음과 같은 질문을 받으면 활성화됩니다. "이 곡을 연주하는 것이 더 좋은 악기는 무엇입니까?"; "곡의 어떤 부분에서 다른 악기를 연주해야 하나요? 어떤 악기를 연주해야 하나요?" 작품의 성격이 충분히 명확하고 음악적 형식이 명확하며 성격이 대조되는 부분으로 구성되어 있으면 어린이는 일반적으로 악기를 더 쉽게 선택합니다. 물론 아이들은 곡을 오케스트레이션할 수 없습니다. 그러나 그들이 작곡을 시도하고 "결정"을 내리는 흥미로운 기술을 사용하는 것이 중요합니다. 능숙하고 재치 있는 접근 방식을 통해 적시에 제안에 영향을 미치고 응답을 지시할 수 있습니다.

개별 작품 학습 방법론

곡이 복잡할수록 곡의 피아노 반주가 더 발전하고 학습 과정이 더 여유로워야 합니다. "Rain"과 "Our Orchestra"의 두 가지 예를 고려하십시오.
첫 번째 곡은 '비'입니다. T. Popatenko의 처리에서 러시아 민요는 나란히 누워있는 두 소리를 모티브로 만들어졌습니다. (장초).이 모티프는 작은 리드미컬한 변형으로 여러 번 반복됩니다. 처음에는 챈트가 강한 비트("Rain, more rain!")로 시작하고 그 다음에는 오프 비트("Let's give you thicker")로 시작합니다. . 피아노 처리의 일반적인 특성은 움직이고 깨끗하며 가볍습니다. 텍스처가 투명합니다 - 많은 일시 중지, 주요 스트로크 - 단음.서론과 결론이 있습니다. 서론에서는 노래의 단순화 된 동기가 들리고 결론은 그대로 빗방울을 "그립니다".
곡의 투명한 성질은 악기를 연주할 때 그 매력을 잃지 않아야 한다. 도입부에서는 두 개의 레지스터의 점호를 들을 수 있습니다. 마지막으로 삼각형이 있습니다. 특히 결론의 멜로디가 어린이 메탈로 폰과 치터의 소리로 전달 될 수 없기 때문에 그들은 "물방울"의 특성을 아주 잘 재현합니다. 이 작품에서는 경쾌하고 경쾌하며 갑작스러운 소리가 특징인 소수의 악기를 사용하는 것이 바람직하다.
이 노래를 배우기 위한 레슨 순서는 다음과 같이 요약할 수 있습니다.

레슨 1.아이들은 어른이 연주하는 이 친숙한 노래를 듣습니다. 피아노 파트의 가볍고 투명한 사운드에 주목합니다. 아이들은 노래를 기억하고 부릅니다. 선생님은 어떤 악기가 자신의 소리에 가장 잘 맞는지 생각해보라고 제안합니다.
수업 2.노래가 연주된 후 악기 연주 방법에 대한 토론이 시작됩니다. 소개, 결론 및 두 번째 문구와 첫 번째 문구 사이의 차이점에 주의를 기울입니다. 아이들의 제안을 토론하고 실제로 테스트합니다. 악기의 한 버전 또는 다른 버전이 좋은 것으로 판명되면 이 단원에서 전체적으로 수행할 수 있습니다.
수업 3.교사가 제안한 옵션을 배우고있는 경우 (어린이 옵션이 허용되지 않는다고 가정) 먼저 노래의 멜로디 (메탈 폰, 치터) 만 수행하고 당분간 서론과 결론을 수행 할 수 있습니다 피아노에. 치터의 적시 입력에 주의를 기울여야 합니다.
수업 4.전체 노래를 배웁니다. 처음에는 노래하지 않고 일부 어린이는 연주하고 다른 일부는 노래하며 마지막으로 모두가 연주하고 노래합니다.

또 다른 노래-E. Tilicheeva의 "Our Orchestra"(Y. Ostrovsky의 가사)는 앙상블 공연에서 훨씬 더 어렵습니다. 멜로디가 더 다양해지고 그 범위가 이미 일곱째,또한 점프가 있고 단계별 이동이 위아래로 이동합니다. 리듬에도 어려움이 있습니다. 점이 있는 음표가 있습니다. 이 모든 것은 어린이의 특정 기술이 필요합니다. 피아노 반주와 멜로디가 주어집니다. 음악적 특성다양한 악기 그룹의 소리. 드럼을 흉내 낸 듯 선명한 리듬이 주어지는 "드럼, 드럼, 드럼, 드럼"이라는 단어가 들리는 소절을 회상하는 것으로 충분합니다. 그런 다음 더 높은 레기가 나타납니다 따라서 악기 편성은 작곡가와 시인이 촉발합니다. 하지만 아이들이 스스로 악기 선택에 참여할 수 있으려면 당연히 먼저 해결책을 제시하는 가사 없는 노래를 연주해야 합니다.
따라서 다음과 같은 클래스 순서가 적절합니다.

레슨 1.선생님은 노래를 부르지 않고 피아노 파트를 연주합니다. 아이들에게는 음악적 수수께끼가 제공됩니다. 소리를 어느 정도 특징 짓는 별도의 문구를 연주합니다. 다양한 도구. 특정 악구에 적합한 악기를 추측하고 이름을 지정합니다. 그런 다음 교사는 두 번째로 노래를 연주하지만 이미 노래하고 연주합니다. 이런 식으로 아이들은 악기 이름을 올바르게 지정했는지 알아낼 것입니다.
수업 2.노래의 보컬 부분을 학습합니다. 아이들은 멜로디를 배웁니다. 그런 다음 일괄적으로 노래합니다. 세 쌍둥이의 미래 연주자는 첫 번째 구절을 부르고 두 번째는 드럼으로 노래합니다. 노래하는 동안 남자들은 하나 또는 다른 악기를 연주하는 동작을 모방합니다.
수업 3.더 복잡한 파트 학습: 트리올(첫 번째 4마디) 및 치터가 있는 메탈로폰(세 번째 4마디). 먼저, 모든 어린이들이 연주를 한 다음, 이 부분을 연주할 사람을 선택하고, 이 부분을 보여주고, 시작할 음표를 설명하고, 연주를 제안합니다. 그런 다음 모든 어린이가 가상의 드럼을 연주하고 일부 어린이는 실제 악기를 연주합니다.
수업 4.트리올과 메탈로폰의 부분 학습은 계속됩니다. 처음 배운 마지막 문구그들이 멜로디를 연주하는 메탈로 폰과 타악기 그룹이 합류합니다-드럼. 드럼 부분이 반복됩니다. 수업이 끝나면 전체 악보가 처음으로 연주되지만 노래는 없습니다.
수업 5.각 부분의 연주는 개별적으로 반복됩니다. 모두

비
T. Popatenko 편곡
[조만간 아닙니다]

득점하지만 동시에 일부 어린이는 노래하고 다른 어린이는 연주합니다. 각 악기 그룹의 적시 소개가 제어되고 동적 음영이 세련됩니다.
추가 수업에서는 전체 플레이가 반복되고 습득한 기술이 통합됩니다.

종종 교육학 실습에는 그러한 기술이 있습니다. 어린이는 악기에서 멜로디를 연주하고 성인은 피아노에서 멜로디와 반주를 연주합니다. 소리를 다양화하기 위해 다르게 할 수 있습니다. 예를 들어 전체 연극은 교사가 피아노로 연주하고 아이들은 메탈로 폰으로 멜로디를 연주하지만 그대로 반주, 즉 첫 번째 (I)와 다섯 번째 (V)에 해당하는 소리입니다. 또는 첫 번째(I), 네 번째(IV) 및 다섯 번째(V) 프렛 단계.
여기에 T. Popatenko가 편곡 한 우크라이나 민속 멜로디 "Oh bursting the hoop"의 세 가지 버전이 있습니다. 첫 번째 경우 메탈로 폰은 멜로디를 복제하고 두 번째 경우에는베이스 보이스를 복제하고 세 번째 경우에는 피아노 반주없이 연주합니다.
또 다른 작품은 N. Rimsky-Korsakov의 오페라 "The Tale of Tsar Saltan"에서 발췌 한 "Squirrel"입니다. 이 구절에서는 멋진 다람쥐의 이미지가 전달됩니다. 이미지를 특성화하기 위해 작곡가는 유명한 러시아의 멜로디를 사용했습니다. 민요"정원에서, 정원에서." 노래의 멜로디는 경쾌하고 활기차고 댄스 캐릭터이지만 적당한 속도로 연주됩니다. 악기를 연주할 때 가볍고 경쾌하며 덜컹거리는 소리가 나는 악기를 선택해야 합니다. 메탈로 폰과 삼각형이 될 수 있습니다.

작품을 배울 때 다음과 같은 일련의 수업을 제공할 수 있습니다.
레슨 1.아이들은 어른이 연주하는 연극을 듣습니다. 멜로디의 경쾌한 사운드, 발랄하고 댄스적인 성격이 눈길을 끈다. A. S. Pushkin "The Tale of Tsar Saltan"의 작품에서 발췌 한 내용을 읽을 수 있습니다. 교사가 곡을 다시 연주한 후, 어린이들은 음악의 특성과 관련하여 오케스트라에서 연주하는 데 가장 적합한 악기가 무엇인지 생각하도록 요청받습니다. 아이들의 제안이 논의됩니다. 옵션 중 하나가 선택됩니다. 선생님은 메탈폰으로 멜로디를 연주합니다.
수업 2.선생님은 피아노 반주 없이 연극의 멜로디를 연주한다. 아이들은 멜로디의 리드미컬한 패턴에 박수를 칩니다. 그런 다음 삼각형의 파티가 학습됩니다. 일부는 삼각형에서 리듬 패턴을 연주하고 다른 일부는 박수를칩니다. 그런 다음 아이들의 행동이 바뀝니다. 메탈로폰 파트를 배우기 전에 교사가 먼저 멜로디를 직접 연주한 다음 파트별로 학습합니다(첫 번째 4마디, 그 다음 두 번째 4마디).
수업 3.메탈로폰 부분의 학습은 계속됩니다. 어린이들은 작품의 첫 번째 부분(첫 번째 및 두 번째 4마디)을 연주하고 전체 악보를 연주합니다. 반복하면 삼각형이 메탈로 폰에 부착됩니다.
수업 4.각 파트는 반주 없이 따로따로 연주되고 반주와 함께 연주됩니다. 그런 다음 전체 점수가 재생됩니다. 리듬 패턴의 명확한 실행에 아이들의 관심이 쏠립니다.
수업 5.각 파트는 반주와 함께 별도로 연주된 다음 전체 악보가 연주됩니다. 공연의 표현력에 아이들의 관심이 쏠린다. 반복하면 아이들은 악기를 바꿀 수 있습니다.

우리 오케스트라
작사 Y. Ostrovsky 음악 E. Tilicheeva

[여유 있는. 엄숙하게]

다람쥐(발췌)
오페라 "차르 살탄 이야기" 중에서
N. Rimsky-Korsakov의 음악
[적당히]

악기 연주를 배우는 것은 단지 레퍼토리를 배우는 것으로 제한될 수 없습니다. 이러한 활동이 창의적인 것이 중요합니다.
친숙한 멜로디를 (귀로) 재현하고, 높이가 다른 소리로 리드미컬 한 노래를 연주하고 (조옮김) 악기 연주를위한 새로운 기술을 찾는 것은 물론 어린이의 독립성과 청각 적 표현을 개발하도록 제안 된 운동입니다. 그러나 어린이 자신의 창의적 표현을 위한 전제 조건을 만드는 것도 중요합니다. 즉흥 연주를 장려하기 위해 특정 작품의 연주를 위해 악기를 선택할 수 있는 기회를 제공합니다.

음악적 창의성 개발을 위한 기술

어린이의 음악적 창의성은 악기의 음향 기능에 대한 "검사"에서 시작됩니다. 이것은 매우 귀중하지만 아이들은 종종 검색에 무력합니다. 교사는 이러한 검색을 지시하여 아이들에게 뻐꾸기, 새가 노래하는 방법, 비가 내리는 방법, 천둥 소리 등을 재생하도록 제공합니다. 그러나 메탈로폰, 실로폰에 흥미로운 집단적 창의성 방법을 적용할 수도 있습니다. 메모를 붙이면 에프그리고 시(IV 및 VII 단계) 또는 이러한 소리의 판을 제거하여 아이들이 연주하지 않도록 한 다음 동시에 모든 것을 즉석에서 할 수 있습니다. 아이들은 다섯 가지 소리로 논다 (도, 레, 미, 소금, 라).끊임없이 그리고 예기치 않게 변화하지만 항상 매우 선율적인 매우 흥미로운 고조파 조합이 얻어집니다. 동시에 아이들은 어떤 리듬으로든 놀 수 있지만 때로는 1/4과 2/8와 같은 주어진 리듬이 제공됩니다. 이 기술의 중요성은 조화로운 청력의 발달에만 있는 것이 아닙니다. 아이들은 "자신의 작곡"을 만들기 위해 처음으로 시도하기 위해 스스로 즉흥 연주를 시작합니다.
유치원에서 악기 연주를 가르치는 방법론은 실제 사례보다 더 체계적이고 일관성이 있어야 한다는 점을 강조해야 합니다. 이 교육의 성공 여부는 모든 형태의 일관성에 달려 있습니다. 음악 수업어린이들. 교실에서 그들은 일정량의 지식과 기술을 습득하고 레퍼토리를 축적합니다.
아이들은 게임에서 배운 노래와 곡을 기꺼이 사용하고, 휴일, 오락에서 연주합니다 새로운 악기를 아는 어린이, 특정 곡과 노래를 연주하기 위해 악기를 선택할 때 흥미로운 작업 수행, 습득한 능력 (귀로) 품질 연주, 즉흥 연주, 다양한 앙상블에 참여할 기회를 평가하기 위해 - 이 모든 것이 악기 연주를 어린이에게 흥미롭고 전반적인 음악적 발달에 가치 있게 만듭니다.
어린이의 창의적 발현 발달을 돌보며 교사는 예를 들어 친숙한 멜로디의 연주, 친구 또는 자신의 즉흥 연주를 평가하기 위해 다양한 작업을 제공합니다. 자신의 성능모든 악기에서; 새의 노래, 나뭇잎의 바스락 거리는 소리, 바람의 울부 짖는 소리 등을 묘사 할 수있는 제안 된 악기 중에서 선택하십시오. 하나 또는 다른 연주, 노래가 연주될 수 있는 음색에 적합한 악기를 선택하는 것; 아이가 직접 작곡한 행진곡의 리듬을 드럼이나 탬버린으로 전달한다. 댄스곡 등을 작곡해 보세요.
역할은 분명하다 음악 감독그리고 교육자. 그들은 수업을 가르치는 방법에 능숙할 뿐만 아니라 어린이 악기를 자유롭게 연주할 수 있어야 하며 연주 장치와 기술을 알아야 합니다.
악기 연주는 아이들에게 흥미롭고 유용한 음악 활동입니다. 뮤지컬 장난감과 악기를 사용하면 어린이의 삶을 장식하고 즐겁게 해주고 욕망을 불러일으킬 수 있습니다. 자신의 창의력. 악기 연주를 배우는 과정에서 청각적 표현, 리듬감, 음색, 강약이 잘 형성됩니다. 아이의 행동에서 독립성, 주의력 및 조직력이 발달합니다.
아이들에게 즐겁고 복잡한 음악 공연을 소개하는 전체 방법은 아이들이 학교에서 미래의 수업을 잘 준비할 수 있도록 합니다.

질문과 과제

1. 의미는 무엇입니까 뮤지컬 장난감미취학 아동의 삶의 도구?
2. 어린이 악기의 종류를 설명하십시오.
3. 어린이용 악기와 장난감의 특징에 대해 알려주세요.
4. 악기 연주는 몇 살부터 배우는 것이 좋습니까? 학습 목표를 나열합니다.
5. 악기 연주를 배우는 데 사용하기에 적합한 음악 레퍼토리는 무엇입니까?
6. 미취학 아동에게 어린이 악기 연주를 가르치는 방법론은 무엇입니까?
7. 음악의 예에서 선생님이 아이들에게 메탈로폰 연주를 가르치는 수업을 요약하십시오.
8. 어린이 악기 연주 학습의 형태를 나열하십시오.

9. 악기 연주를 마스터하는 과정에서 어린이의 음악적 창의력을 개발하는 기술을 공개합니다.

문학

유치원 교육 및 훈련의 표준 프로그램 / Ed. R.A. Kurbatova, N. N. Poddyakova.-M., 1984.
교육 및 훈련 프로그램 c. 유치원.-M., 1987. 유치원에서의 교육 및 훈련 / Ed. A. V. Zaporozhets, T. A. Markova - M., 1976.-S. 308-341.
Vetlugina N. A.유치원에서의 음악 교육.—M., 1981.
Vetlugina N. A. 5-7세 아동의 음악 및 게임 창의성. 5-7 세 어린이의 노래 독창성 // 유치원의 예술적 독창성 - M., 1974. - P. 107-120.
Dzerzhinskaya I. .L.음악 교육 어린 미취학 아동.- M., 1985.
카발레프스키 D. 비.아이들에게 음악에 대해 가르치는 방법? -M., 1982.
Kvitnitskaya E. N.음악적 귀의 발달은 음악적 귀의 형성을 위한 조건입니다. 작곡// 유치원의 예술적 창의성.-M., 1974.-S. 20-28.
루키아노바 M. B.춤을 추는 아이들의 창의성 // 유치원의 예술적 창의성 - M., 1974. - P. 29-32.
음악과 움직임 / Comp. S. I. Bekina, T. P. Lomova, E. N. Sokovnina.-M., 1981, 1983, 1984.
아이들에게 노래하는 법을 가르치십시오 / Comp. T. M. Orlova, S. I. Bekina - M., 1986, 1987, 1988.
유치원의 미적 교육 / Ed. N. A. Vetlugina.-M., 1985.

음악 및 문학 레퍼토리 컬렉션

Vetlugina N. A.어린이 orke - M., 1976.
베틀루긴 N. A. 뮤지컬 입문서 - M., 1972, 1985.
유치원 음악 / Comp. N. A. Vetlugina, I. L. Dzerzhinskaya, L. N. Komissarova.-M., 1985, 1986, 1987.
유치원 음악 / Comp. N. A. Vetlugina, I. L. Dzerzhinskaya, T. P. Lomova.-M., 1975-1980.-Iss. 1-5; .1980-1981.-호. 1-4.
썬버킷 / Comp. M. A. Medvedeva.-M., 1984.

유치원에서의 음악 교육 방법: “Doshk. 교육 "/ N.A. Vetlugin, I.L. Dzerzhinskaya, L.N. Komissarov 및 기타; 에드. 에. Vetlugina. - 3판, 목사. 추가 - M.: Enlightenment, 1989. - 270p.: 메모.

연방문화영화청

이름을 딴 사라토프 주립 음악원

특수피아노과

작업 프로그램

"게임 교육 방법

기기에서"

스페셜티 070101

"기악 연주"(피아노)

사라토프, 2006

프로그램은 다음과 같이 설계되었습니다.

작업 프로그램은 표준 프로그램을 기반으로 개발되며,

1977년 소련 문화부 승인.

작성자:

Saratov State Conservatory의 특수 피아노과 교수. , 예술사 박사,

검토자:

, 미술사 후보, 교수

, 교육학 후보, 부교수

주석

과정의 목표 및 목표

목표피아노를 연주하는 교수법에 관한 대학 과정 현대적 조건음악 학교(대학, lyceum)에서 특별 수업을 수행하도록 훈련된 일반 연주자, 성악가 및 기악 연주자를 위한 피아노 수업, 콘서트 마스터 및 실내악 수업, 방법, 교육 실습, 음악 학교 및 문화 및 교육에서 피아노 교육을 위한 교육으로 구성됩니다. 교육 기관. 이 과정은 학생들에게 이 작업에 필요한 지식, 기술 및 능력을 제공하고, 음악 및 교육 과정에 대한 통합적인 견해 시스템을 형성하고, 교육 작업에 대한 관심 개발을 촉진하고, 선진 문화 인물에 대한 현대적 요구의 관점.

방법론 과정은 대학에서 공부하는 교육주기의 다른 분야와 연속적으로 연결되며, 이를 복제하지 않고 더 높은 수준에서 피아노 교육과 관련하여 교육 이론 및 실습 문제를 해결합니다. 과정을 읽을 때 특수반 학생들이 얻은 경험을 일반화하고 체계화하고 피아노 예술사 과정에서 얻은 역사 및 연주 이론 및 교육학 분야에 대한 지식이 계속해서 심화됩니다. 방법론 과정과 학생들의 교육적 실천 사이의 유기적 통합을 달성하는 데 특별한 관심을 기울입니다.

음악 교육학은 복잡한 분야입니다 현대 문화, 앞으로 오는 곳 공동 창작, 협력교사와 학생. 제안 된 교육 과정 구성 형식 및 방법은 학생의 독립적 위치를 식별하는 데 중점을 둡니다. 교사와 학생 간의 모바일 접촉의 효과가 강조되어 학생의 개인적 자질을 발현하고 개발할 수 있는 잠재적인 분야를 만듭니다. 세미나는 예비 인터뷰, 토론 토론, 제어 요약을 포함하여 게임 상황의 요소를 사용하여 구성됩니다. 시험 문제 시스템은 학습 과정에서 학생들이 얻은 지식의 필요성과 충분성을 찾을 수 있도록 동일한 목적을 제공합니다. 얻은 이론적 정보는 특정 구성 또는 개별 피아니스트의 레슨 과정에 투영됩니다. 학생들의 관심은 그들이 현대 용어와 개념으로 작동하는 법을 배우고 수행 및 교육 작업의 실습에 도입해야 한다는 사실로 향합니다.

교육 과정의 내용을 높이는 효과적인 수단은 방법론 강의 과정의 포화입니다. 강요 문제가 있는, 모순, 즉 "대상 자체의 모순"에 대한 연구에 기반한 문제 상황. 이는 학생들이 해결할 수 없는 문제에 직면해서는 안 된다는 사실을 고려한 것입니다. 지식과 무지 사이의 모순, 제한적일 수 있는 학생 개인의 경험과 실제에 의해 검증된 지식의 총집합인 이론 사이, 일반 지식과 과학적 지식 사이의 모순을 해결하는 방법을 찾는 것이 중요합니다. 결과적으로 학생의 생각은 작업에 적극적으로 참여하고 이미 알려진 자료의 일반화를 기반으로 새로운 지식에 도달하기 위해 기존 지식의 도움으로 생각하고 추론해야 합니다. 그 결과 학생들은 이론과 실습에서 문제를 독립적으로 보고 문제를 해결할 수 있는 충분한 준비를 할 수 있는 능력을 기릅니다.

방법론 과정의 거의 모든 주제는 뛰어난 음악가-교사의 대안적인 의견이 충돌하면서 여러 이론적 입장과 견해에 반대하여 제시될 수 있습니다. 이러한 형태의 자료 프레젠테이션은 학생들이 최적의 솔루션을 찾도록 장려하고 답변을 결정하는 개별 활동을 증가시킵니다. 이 경우 젊은 전문가들은 정보를 제공하는 바로 그 형식, 고려중인 자료의 풍부함 및 모호성에 의해 자랍니다. 미래의 교사는 "막 다른 골목"상황으로 이어질 수있는 표준적이고 고정 관념적인 길을 아무 생각없이 따라가서는 안됩니다. 음악 교육학의 결정적 요소는 개인 측면전문 기술 훈련. 이 진술은 교육학 예술의 일반 원칙을 거부하는 것이 아니라 개인 프로필, 학생 개발에 대한 개인적인 접근 방식을 강조합니다. 일반적으로 받아 들여지고 긍정적으로 입증 된 교육적 태도는 개성의 프리즘, 다른 학생의 차이점을 통해 굴절되어야합니다.

이 코스의 특징 우선 순위 스타일 측면학생들의 음악 교육에서. 여기에서 음악 대학 졸업생의 향후 교육 작업의 효율성에 유익한 영향을 미칠 수 있는 공연 활동의 결정적 중요성에 관한 조항이 업데이트됩니다. 문체 지침과 음악 예술의 문체 방향에 대한 이해를 통해 음악적 발전의 구성 방법, 공연의 표현 수단 사용에 대한 동기 및 추론을 이해하고 해독할 수 있는 가능성이 질적으로 변합니다.

젊은 음악가를 교육하는 교육 과정에 주목하고, 작가의 스타일을 이해하고 재현하는 문제, 작가의 텍스트 작업, 악보 읽기 수행, 편집 및 해석의 비교 분석을 강조하여 학생들이 의도적으로 개발 작업을 할 수 있도록 합니다. "스타일 교육"과 일반적인 음악적 수준을 동시에 향상시키는 동시에 전문적인 기술을 습득합니다. 경우에 따라 예술적 직관을 가진 영재 학생들은 잠재 의식, 정신적 수준에서 작가의 스타일의 특성을 느낍니다. 일반적으로 이들은 특정 작가의 음악을 잘 알고 충분한 수의 작곡을 "재생"한 광범위한 음악 학식을 가진 피아니스트입니다. 그러나 라이브 음악에 대한 학생의 인식 속성은 드뭅니다. 반대로, 연주자가 텍스트에 쓰여진 모든 것을 연주하고 저자 또는 (더 자주) 편집자의 템포, 역동적, 조음 처방을 이행하고 그가 어떤 질문을 이해하지 못한다고 생각할 때 더 자주 오해가 있습니다. 작곡가의 스타일이나 스타일에 대해 가질 수 있습니다. 방법론의 과정은 이러한 오해를 극복하고 젊은 음악가들의 사고의 의존적 관성을 극복하기 위해 설계되었습니다.

안에 최근에전문 문헌에서 강조 아르 자형올 직관적 시작공연 및 교육 예술 분야에서. 참으로 어떤 종류의 창작 활동이든 개인적 측면은 예정되어 있습니다. 한편으로 교육적 기술의 영향의 특별한 힘은 과정의 독창성에 있다는 것을 이해합니다. 수업에 참석한 사람들에게 특별한 "과학적 방법"없이 눈앞에서 작업이 "생생하게"되는 것처럼 보입니다. ” 노력, 예술적 학식, 감성, 직관, 기질만으로 음악 작품의 의미를 전달하기에 충분하다고 생각하는 것은 잘못된 것입니다. 예술적 창의성의 다양한 분야에 대한 진지하고 철저한 지식뿐만 아니라 특정 방법, 교육 및 육성 시스템을 습득하여 수행 또는 교육적 창의성 과정에서 발생하는 문제를 최적으로 해결할 수 있어야합니다. .

음악 예술은 직접적인 감성과 비합리성으로 인해 엄격한 언어적 등가물이 적용되는 것을 허용하지 않습니다. 올바르게 언급된 바와 같이, "음악은 무엇보다도 먼저 완전히 설계된 "순수한 케이스"입니다. 직관적 이해력” 그리고 “음악으로 의사소통하는 사람들은 소리의 다양한 특성에 적절하게 반응할 뿐만 아니라 언어를 해독할 수 있을 뿐만 아니라 그것이 말하는 내용을 이해할 수 있는 특별한 "기관"을 개발합니다. 운영 개념이 없는 강요» . 이 경우 음악가의 예술적, 상상적 사고 분야에서 직관이 형성되고, 전통적이고 특이한 기억에 남는 해석의 기억과 음악적 지식의 총량으로 구성된 청각적 표현에 의해 공급되며, 자신의 결과를 기반으로 합니다. 자신의 창의적인 검색, 정서적 및 정신 생리 학적 인상이 풍부합니다.

음악을 작업하면서 교사는 작곡의 저자와 관련하여 완전히 다른 문화적, 역사적 맥락에서 학생과 의사 소통합니다. 그들은 다른 가치 체계를 지향하고 있으며 일반적인 예술 및 음악 교육이 다릅니다. 한 시대에 작가가 만들었지 만 다른 시대에 공연 된 작품은 현대 음악가가 다른 연관 후광으로 인식합니다. 방법론에 대한 수업에서 작곡가의 정체성이나 타당성에 대해 이야기하는 것은 거의 적절하지 않다. 예술적 이미지음악 작곡. 이 과정의 목표는 작가 스타일의 좌표를 전송하고 현대 피아니스트의 개별 스타일을 형성하는 이중 문제의 해결을 위해 미래의 교사를 준비하고 방향을 잡는 것입니다.

분석 및 어울리는 새로운 실행할 수 있는 전통이것은 또한 방법론 과정의 과제이며 따라서 현대 교사의 과제이기도 합니다. 학생들의 전문 기술을 향상시키기 위해 노력하면서 교사는 이 과정을 지시하고 수정합니다. 안에 어떤 의미에서그것은 작가의 텍스트 이해의 경계를 넓히고 다재다능 함을 보여 주며 현대 세계에서 그 존재의 점점 더 많은 새로운 의미를 드러냅니다. 피아노 수업의 주요 임무 중 하나는 젊은 음악가들이 현대 문화의 비 유적 의미 론적 맥락의 특징과 연주 방식 자체의 독창성을 작가의 텍스트에 가져와야한다는 것입니다. 결과적으로 먼 과거 또는 가까운 과거에 만들어진 음악 구성은 현대 청취자가 이해할 수 있게 되고 새로운 정보 계층이 풍부해져 진정한 예술적 불멸성을 제공합니다.

음악 구성을 가장 깊이 이해하는 길은 음악 이해의 역사에서 축적된 가치 있는 모든 것, 즉 원문과 편집본, 다양한 공연 읽기, 즉 "사운딩 에디션"으로 전환하는 데 있습니다. 자신의 해석을 만들거나 피아노 수업에서 학생과 함께 작업 할 때 한 가지 관점이 우세한 것은 비생산적입니다. 문제에 대한 자신의 이해를 반영하려는 뛰어난 음악가 개인의 욕구에 대해 바람직하지 않고 지나치게 비판적인 태도 피아노 독창성다른 작곡가. 다양한 역사적 시대의 일반적인 문화적 전통과 공연에 대한 지식으로 작업을 보완할 실질적인 필요성이 있습니다("구두판").

공개 수업에 대한 집단 토론 기술을 습득합니다.

특수 문헌 작업 방법, 초록, 계획 개요 작성, 필요한 문서 작성 방법을 배우십시오.

수업의 형태와 종류

방법론 과정은 강의와 세미나 형식으로 진행된다. 그들 중 첫 번째는 주로 교육의 이론적 문제를 고려하는 데 전념하고 두 번째는 학습 과정에서 실제 연구 및 해결에 전념합니다. 처럼 활성 형태학습은 열린 수업과 토론을 사용합니다. 독립적인 유형의 수업: 레퍼토리 분석, 과학 및 추상화 체계적인 문헌, 학생의 발달 수준에 따른 레퍼토리 계획을 포함한 다양한 유형의 문서 작성, 수업 과정 "모델링", 계획 개요 작성, 나만의 에디션 만들기, 특수 피아노과 교사의 수업 참석

현재, 중간 및 최종 조직

지식 통제.

1년 동안각 학생은 이론적 지식이 자신의 수행 및 교육학적 경험과 유기적으로 결합되어야 하는 기말 보고서를 작성해야 합니다. 초록의 주제로 다음을 추천할 수 있습니다. 음악 작품의 연주 및 방법론적 분석; 방법 론적 의견 및 일반화와 함께 전문 분야의 수업 기록. 학생들의 지식의 강점을 결정하고 교육 및 방법론 기술을 통합하고 교육 문헌과 독립적으로 작업하는 능력을 테스트하기 위해 관련 주제에 대한 세미나가 열립니다. 세미나 기간은 주제 커리큘럼에 따라 결정됩니다. 교사 또는 학생의 요청에 따라 과정 초록을 보고서 형식으로 제시하고 세미나 중 하나에서 읽을 수 있습니다.

첫 학기 말, 제어 수업, 교사는 6개월 동안 학생 작업의 활동 또는 수동성을 기반으로 "예비" 평가를 제공하며, 이는 학생들의 후속 작업에 대한 지침 및 인센티브 역할을 합니다.

결과학생들의 연간 작업은 시험에 요약되어 있습니다. 학생들은 두 가지 질문이 포함된 시험 티켓에 답합니다. 첫 번째는 전용 이론적 문제과정, 두 번째 - 교육학 레퍼토리 및 방법론 문헌의 실제 개발과 관련된 주제. 두 번째 질문에 답할 때 학생은 음악 학교의 교육 레퍼토리 작품 중 하나를 수행 및 방법론적으로 분석해야 합니다. 음악 학교또는 대학, 에세이의 일부 또는 전체 연극을 수행하여 말한 내용을 설명합니다.

최종 성적을 산출할 때 작업의 질과 해당 학년도의 교실에서의 학생 활동 정도가 고려됩니다.

학문 분야의 주제별 계획의 구조

나메노바 부분 낚시와 주제	학생	풀 타임 수업 시간 교육의 형태	자급 자족 학생
		세미나		그룹. 클래스	잘. 일하다

방법론 학습 피아노

주제별 과정 개요

순서대로	주제 이름	시간
	세미나	학생들의 독립적인 작업
	소개: 피아노 기술, 역사와 발전 단계: 현대 음악 교육학의 주요 경향
	음악적 능력: 일반, 음악 및 특수 (피아니스트): 성격의 심리적 특성, 필요한 것 피아니스트 활동을 위해
	작업의 가장 중요한 문제 어린이집 피아니스트 선생님 음악 학교 : 첫 수업 : 작업의 어려움과 특징 초보자와 함께: 게임 동작 구성: 및 스테이징 원칙
	"개별 피아노 기법을 기반으로 소리를 만드는 의지" (신동 콤플렉스)
	공개 수업: 초보 피아니스트, 음악 학교 주니어 및 시니어 클래스 학생들과 함께
	학습 과정을 계획하고, 개별 계획 작성, 특성 : 중요한 구성 요소로서의 레퍼토리 정책 교육적 기술: 가르치고 조직하기 학생 숙제
	뮤지컬 작업 일하다
	성능 판독

	피아노 기술: 예술적 사고 그리고 피아니스트의 운동 형태
	장비 유형 분류: 스케일, 아르페지오, 옥타브, 코드, 트레몰로 및 트릴, 점프: 일일 기술 작업 피아니스트
	토론: 수행 기술을 달성하기 위한 작업 과정으로서의 운동 기술
	E. Timakin "기술 작업" E. Lieberman "기술 작업"
	구성 요소 성능 기술 음악 작업을 하는 과정에서: 건전한 작업; 장식
	운지법
	다루는 자료에 대한 제어 수업
	페달: 의미와 종류; 스타일과 페달
	리듬, 미터, 템포, 폴리리듬, Agogics, 복잡한 리듬: 주요 리듬 장애 및 오류, 제거 방법