정물의 장르는 무엇입니까? 정물
독립적인 그림 장르로서의 정물화는 마침내 17세기에 구체화되었습니다. 네덜란드와 플랑드르 예술가들의 작품에서.
그때까지는 독립된 장르가 아니라 다른 그림의 틀(예를 들어 화환), 가구 장식, 인테리어 등으로 다른 장르에 포함될 뿐이었다.
용어
프랑스어로 "정물"이라는 단어는 "죽은 자연"(nature morte)을 의미합니다. 꽃병에 담긴 꽃은 정물입니다. 화단이나 앞 정원의 같은 꽃-풍경. 넓은 의미에서 정물화는 식물, 게임, 요리 등 무생물을 예술적으로 묘사한 것입니다. 작가는 내부에 위치하기 때문에 "자연에서 온"물체를 묘사하지 않고 자신의 의미 론적 예술적 과제를 해결하는 방식으로 의식적으로 배열합니다.
종종 정물에는 예술가가 상징, 추가 의미 및 의미를 부여하는 평범한 물건을 사용하여 숨겨진 우화가 포함되어 있습니다. 우화적인 정물화의 예는 바니타스(라틴어 바니타스 "허영심, 허영심"에서 유래)입니다.
정물의 종류
바니타스
마이클 콘래드 허트. 바니타스
Vanitas는 우화적인 정물입니다. 일반적으로 무엇보다도 두개골이 그려져 있습니다. 이러한 정물화는 삶의 덧없음, 쾌락의 무익함, 죽음의 필연성을 일깨우기 위한 것으로 인간 존재의 의미에 대한 성찰이다. 이 용어는 성경의 한 구절에서 따온 것입니다. 라틴어에서는 다음과 같이 들렸습니다. 바니타스 vanitatum dixit 전도서 바니타스바니타툼 옴니아 바니타스". 바니타스에 대해 더 많이 읽을 수 있습니다.
네덜란드 정물화
17세기에 형태를 갖춘 네덜란드 정물화. 독립 장르로서 영향을 받은 추가 개발모두 유럽 회화. 알고 보니 평범한 물체도 살고 있지만 그들의 삶은 조용하고 인간에게는 보이지 않는다. 여기에는 약간의 미스터리가 있습니다. 분명히 이것이 정물 장르가 인기를 얻고 오늘날까지 살아남은 이유입니다. 때로는 정물이 눈을 끌고 감정을 자극하며 자신을 찢는 것이 불가능합니다. 일부 연관성, 덧없는 기억이 발생합니다 ...
꽃 정물
이러한 유형의 정물화는 아마도 가장 일반적이며 별도의 장르로 분리된 최초의 것일 것입니다.
Jan Davids de Heem(1606-1684). 꽃병이 있는 정물(1645년경). 국립 미술관예술(워싱턴)
전통적으로 네덜란드에서는 많은 꽃을 재배하고 정원을 가꾸었기 때문에 꽃 정물화는 사회의 자연스러운 연장이었습니다. 이 장르의 최초의 예술가는 Ambrosius Bosschaert the Elder(1573-1621)와 Balthasar van der Ast(1593-1657)였습니다.
Ambrosius Bosschaert the Elder "꽃병에 담긴 튤립, 장미, 흰색 및 분홍색 카네이션, 물망초 및 기타 꽃"(약 1619). 구리에 기름
과학자 정물
가장 지적인 종류의 정물. 그러한 정물화에서 묘사 된 것에 대한 반성이 가정되었으며이를 위해 성경에 대한 지식과 세계에 대한 기타 지식이 있습니다. 바니타스(Vanitas)도 이 범주에 포함될 수 있지만 과학적 정물화는 책, 악기 등을 포함하는 주제에서 더 광범위합니다.
마리아 반 우스터베이크. 정물
D. Annenkov "보들레르와의 반사"
러시아 회화의 정물화
러시아에서는 독립 장르로서의 정물이 18세기 초에 등장했습니다. 그러나 한동안(거의 XIX 후반 c.) 정물화는 하위 장르로 간주되었으며 꽃과 과일만 묘사했습니다.
XIX 세기에 이 장르의 유명한 예술가. I. Khrutsky였습니다.
I. Khrutsky. 꽃병이 있는 정물(1832)
I. Khrutsky "꽃과 과일"(1838)
20세기에 러시아 정물화는 다른 장르와 동등해졌습니다. 아티스트는 색상, 형식, 구성의 완성도를 위해 작업했으며 장르가 빠르게 발전하기 시작했습니다.
유명한 러시아인과 소비에트 예술가, 정물 장르에서 일하고 작업중인 사람 : Konstantin Korovin (1861-1939), Igor Grabar (1871-1960), Pyotr Konchalovsky (1876-1956), Kuzma Petrov-Vodkin (1878-1939), Martiros Saryan ( 1880-1972), Ilya Mashkov(1881-1944), Elena Skuin(1909-1986), Peter Alberti(1913-1994), Sergei Osipov(1915-1985), Evgenia Antipova(1917-2009), Viktor Teterin(1922- 1991), Maya Kopyttseva(1924-2005), Yaroslav Krestovsky(1925-2003), Vladimir Stozharov(1926-1973), Boris Shamanov(1931-2008) 등.
E. Skuin "모란과 체리"(1956)
V. Stozharov. 마가목이 있는 정물 (1969)
다양한 스타일과 예술 방향의 정물
XIX-XX 세기의 전환기. 현장 실험으로 유명한 예술적 창의성. 정물도 이 운명을 피하지 못했다. Paul Cezanne, Paul Gauguin, Henri Matisse 등은 정물을 처음으로 실험했습니다.
P. 세잔. 커튼이 있는 정물(1889). 암자 (상트 페테르부르크)
Cubist P. Picasso는 대담하게 실험했습니다.
P. 피카소 "주전자, 유리 및 책"(1908)
J. Braque도 입체파 스타일로 작업했습니다.
J. 결혼 " 악기» (1908)
Cubofuturists는 새로운 시공간 차원을 찾기 위해 노력했습니다.
K. Malevich "암소와 바이올린"(1913). 러시아 국립 박물관(상트페테르부르크)
그의 "... 두 가지 상반된 형태의 만남에서 얻은 불협화음의 에너지를 사물에서 발견 한 직관적 인 느낌"(K. Malevich "Cubism and Futurism to Suprematism").
조르지오 모란디(Giorgio Morandi, 1890-1964)의 형이상학적인 정물화에서 물체는 서로 눌려 조밀한 그룹, 따뜻하게 유지하려는 것처럼 외부의 추위와 공격성을 두려워합니다.
조르지오 모란디. 나투라 모르타(1956)
최대 유명한 대표초현실주의 살바도르 달리 유명한 작품본질적으로 우화적인 정물화인 The Persistence of Memory는 시간의 상대성을 반영합니다.
S. Dali "기억의 지속성"(1931)
XX 세기 후반의 상업 광고. 사람들에게 사물에 대한 탐욕스러운 태도와 만족할 줄 모르는 소비를 일으켰습니다. 주제에 대한 물신화가 있습니다. 정물화 장르의 요소는 예술에서 소비의 원천으로 변모하기 시작했습니다.
앤디 워홀 캠벨의 수프 캔(1968)
Dmitry Krasnopevtsev는 러시아의 "비공식" 예술을 대표하지만 완전히 공식적인 고전을 가지고 있습니다. 예술 교육(모스크바 졸업 예술 연구소 V. I. Surikov의 이름을 따서 명명).
D. Krasnopevtsev. 정물
Krasnopevtsev의 주요 장르는 초현실주의에 가까운 "형이상학적 정물화"로, 단순하고 종종 구타당한 도자기, 마른 식물 및 조개껍질을 사용합니다. 잿빛 톤으로 칠해진 이 작품들은 세상의 나약함과 비현실성을 모티브로 전개된다.
다음은 정물화입니다. 현대 예술가 Dmitry Annenkov는 상당히 "애니메이션"입니다. 그들은 다릅니다 : 즐겁고 슬프고 재미 있지만 아주 살아 있습니다. 그들은 만지고 싶어합니다. 이 정물을 보면 친절한 미소를 참을 수 없습니다.
D. Annenkov "커피 그라인더가있는 정물"
D. Annenkov "봄의 태양"
D. Annenkov "여름의 추억"
정물(French Nature morte - 죽은 자연), 자연의 선물(과일, 꽃, 생선, 사냥감)과 인간의 손으로 만든 것(식기, 꽃병, 시계 등)을 묘사하는 그림 장르 중 하나. 때때로 무생물은 곤충, 새, 동물 및 사람과 같은 살아있는 존재와 공존합니다.
정물 모티프는 고대 동양과 고대의 예술에서 이미 발견되었습니다. 고대 그리스 예술가 Apelles가 포도를 너무 능숙하게 묘사하여 새들이 그를 진짜 포도로 착각하고 쪼아 먹기 시작했다는 전설이 있습니다.
정물에 대한 첫 번째 언급은 다음에서 찾을 수 있습니다. XV-XVI 세기. 오랫동안정물은 종교적 그림과의 연결을 유지했습니다.
독립적인 장르로서 정물화는 17세기에 발전했습니다. 그런 다음 네덜란드, 플랑드르 및 스페인 마스터의 작업에서 밝은 전성기를 경험했습니다. 당시의 유형과 형태의 다양성은 국가적인 사실주의 회화 학교의 발전과 관련이 있습니다.
네덜란드에는 여러 종류의 정물이 있었습니다. 작가들은 마치 사람이 근처 어딘가에 있고 곧 돌아올 것 같은 방식으로 "아침 식사"와 "디저트"를 그렸습니다. 파이프가 테이블에서 담배를 피우고 냅킨이 구겨지고 잔에 담긴 와인이 완성되지 않고 레몬이 잘리고 빵이 부러집니다 (P. Klas, V. Kheda, V. Kalf).
주방 용품, 꽃이 든 화병의 이미지도 인기가 있었고 마지막으로 바니타스( "허영심의 허영심"), 삶의 연약함과 단기적 기쁨을 주제로 한 정물화, 기억을 불러 일으킴 참값그리고 영혼의 구원을 돌보십시오. "Vanitas"의 가장 좋아하는 속성은 해골과 시계입니다(J. van Strek. "Vanity of vanities").
을 위한 네덜란드 정물화, 일반적으로 17 세기 정물의 경우 숨겨진 철학적 배음, 복잡한 기독교 또는 사랑의 상징주의가 특징적입니다 (레몬은 절제의 상징, 개는 충실 함 등).
반대로 Flemings는 궁전 홀을 장식하기 위해 크고 때로는 거대한 캔버스를 그렸습니다. 그들은 축제의 다색, 풍부한 물건 및 구성의 복잡성으로 구별됩니다. 그런 정물을 불렀다 "상점"(J. 페이트, F. 스나이더스). 그들은 게임, 해산물, 빵이 흩어져있는 테이블을 묘사했으며 그 옆에는 물건을 제공하는 주인이있었습니다. 풍성한 음식은 테이블에 맞지 않는 듯 늘어져 청중에게 직접 떨어졌습니다.
안에 이탈리아와 스페인정물화의 부상은 카라바조의 작업에 크게 기여했습니다. 정물에서 가장 좋아하는 주제는 꽃, 야채 및 과일, 해산물, 주방 용품 등이었습니다. (P. P. Bonzi, M. Campidoglio, J. Recco, J. B. Ruoppolo, E. Baskenis 등).
스페인 예술가작은 항목 세트로 자신을 제한하는 것을 선호하고 신중하게 작업했습니다. 색 구성표. 형태는 단순하고 고귀합니다. 거의 눈에 띄는 chiaroscuro로 조심스럽게 성형되었으며 구성이 엄격하게 균형을 이룹니다 (F. Zurbaran. "오렌지와 레몬이있는 정물", 1633; A. Pereda. "시계가있는 정물").
러시아에서는 18세기에 최초의 정물화가 등장했습니다. 궁전 벽의 장식 그림과 물체가 너무 정확하게 재현되어 실제처럼 보이는 "더미"그림에서 (G. N. Teplov, P. G. Bogomolov, T. Ulyanov).
19세기 속임수 전통이 다시 생각되었습니다. 정물은 1 층에서 상승을 경험하고 있습니다. 19 세기 F.P. 톨스토이, "트릭"( "빨간색과 흰색 건포도의 열매", 1818)의 전통을 재고 한 예술가 베네치아 학교, I. T. Khrutsky. 일상적인 사물에서 예술가들은 아름다움과 완벽함을 보려고 노력했습니다.
18세기에 프랑스 거장 J.-B. 와 함께. 샤르댕. 소박하고 견고한 식기(그릇, 구리 수조), 채소, 소소한 음식을 그린 그의 그림은 삶의 숨결이 가득하고 난로의 시로 따뜻해지며 일상의 아름다움을 긍정한다. Chardin은 또한 우화적인 정물화를 그렸습니다(Still Life with Attributes of the Arts, 1766).
새 꽃장르는 사기꾼에 온다. 19 - 구걸. 20세기, 정물화는 창작 실험의 실험실, 작가의 개성을 표현하는 수단이 된다. 정물화 중요한 장소후기 인상파의 작품에서 - V. 반 고흐, 피. 고갱그리고 무엇보다 P. 세잔. 피. 피카소, ㅏ. 마티스
정물이란 무엇입니까?
정물화(프랑스의 자연 morte - "죽은 자연"에서 유래)는 특별히 제작된 구성으로 무생물을 묘사하는 예술 장르입니다.
정물이 무엇인지, 어떤 유형으로 나눌 수 있는지 자세히 살펴 보겠습니다.
17세기 네덜란드 정물화
이 시대의 네덜란드 정물에서는 대부분 얼어 붙은 생명처럼 측정되었습니다.
현재 네덜란드에서는 장르로서의 정물이 상당히 집중적으로 발전했으며 이는 다양한 요인에 의해 촉진되었습니다. 당시 수준이 높았다. 과학적 발전수학, 물리학, 자연 과학, 사회 과학. 네비게이터들은 해외에서 많은 새로운 아이템을 가져왔고, 다양한 물건을 제조하는 새로운 기술이 생겨났고, 창문에 다양한 아름다운 물건을 놓았습니다.
현재 인기있는 정물에는 꽃과 과학자의 두 가지 유형이 있습니다.
꽃 정물
40대부터. XVII 세기 정물은 독립적인 장르로 발전하기 시작했습니다. 그 인기는 쉽게 설명할 수 있습니다. 그 당시에는 호화로운 정원을 갖고 활발하게 꽃을 재배하는 것이 전통적인 것으로 여겨졌습니다.
대표자: Ambrosius Bosschaert the Elder, Balthasar van der Ast, Jan David de Heem.
과학자 정물
그것은 정물의 지적 유형으로 간주됩니다. 그러한 정물을 이해하려면 성경을 이해하고 종교적 상징. 이 장르에서 착시를 사용하여 착시를 일으키는 것은 드문 일이 아닙니다. 그들은 네덜란드와 해외에서 17세기 중반에 가장 큰 인기를 얻었습니다.
중에 인기 아티스트다음: Jacob de Gijn the Younger, Floris van Dijk, Hans van Essen, Amborius Bosschaert the Elder and the Younger, Clara Peters, David Bailey, Maria van Oosterwijk, Cornelis Briese, Abraham Mignon, Willem van Aelst, Jan van Huysum.
러시아 XVIII-XX 세기의 정물.
장르로서 정물화는 18세기 초 러시아에서 형성되었습니다. 19세기까지 그것은 주로 단순한 구성, 예를 들어 과일과 꽃의 생산으로 제한된 방식으로 이해되는 하위 장르로 간주되었습니다. 처음에 정물화는 바다와 땅의 선물, 다양한 것들을 묘사했습니다.
20 세기에이 장르는 한 단계 상승했으며 지금은 러시아에서 전성기입니다. 새로운 색상, 모양, 구성에 대한 검색이 시작되었습니다. 문자 그대로 15년 안에 정물화는 인상주의에서 추상 미술로 바뀌었습니다.
30-40대. 20세기 들어 장르의 발전이 조금 멈췄지만 50년대에 접어들며 새롭게 부상하면서 정물화는 다른 회화 장르들 사이에서 그 위상을 확고히 했다.
당시 작업 중인 러시아 예술가: Pyotr Konchalovsky, Viktor Teterin, Sergei Zakharov, Nikolai Pozdneev, Ilya Meshkov, Konstantin Korovin, Sergei Osipov, Maya Kopyttseva, Evgenia Antipova, Yaroslav Krestovsky, Kapitolina Rumyantseva 등
정물 XX-XXI 세기.
이 시대의 정물화는 실험의 넓은 영역이다. 이 장르는 다양한 영역에서 발전합니다.
이제 정물이 무엇인지 알면 원하는 경우이 장르에서 연습 할 수 있습니다. 당신은 또한 기사가 필요합니다 유용한 재료섹션에서 찾을 수 있습니다.
그것은 얼마나 이상한 그림입니까-정물: 그것은 당신이 존경하지 않는 원본의 사본을 존경하게 만듭니다.
블레즈 파스칼
실제로 식탁에서 과일을 본 적이 있습니까? 음... 배고플 때 빼고는요? 그러나 과일 구성이나 고급스러운 꽃다발이있는 그림은 몇 시간 동안 감탄할 수 있습니다. 이것은 정물의 특별한 마법입니다.
프랑스어에서 번역된 정물화는 "죽은 자연"(자연 모르테). 그러나 이것은 문자 그대로의 번역일 뿐입니다.
사실은 정물- 움직이지 않는 얼어붙은 물체(꽃, 야채, 과일, 가구, 카펫 등)의 이미지입니다. 최초의 정물화는 고대 그리스와 고대 로마의 프레스코화에서 발견됩니다.
정물(폼페이의 프레스코화) 63-79, 나폴리, 카포디몬테 국립미술관. 저자 불명.
친구가 한 로마인을 방문했을 때 예의범절에 따라 집주인은 가장 좋은 식기류를 보여주어야 했습니다. 이 전통은 폼페이에 있는 베스토리우스 프리스카의 무덤에서 나온 정물에 생생하게 반영되어 있습니다.
구성의 중심에는 다산의 신 Dionysus-Liber의 화신 인 포도주와 물을 섞는 그릇이 있습니다. 황금 테이블의 양쪽에는 주전자, 국자, 와인 뿔이 대칭으로 배치되어 있습니다.
그러나 정물은 과일, 야채, 꽃뿐만 아니라 ... 일시적인 것을 반영하도록 설계된 인간의 두개골입니다. 인간의 삶. 이것이 정물 개발의 초기 단계를 대표하는 Vanitas 장르의 지지자들이 정물을 표현한 방식입니다.
뛰어난 예는 우화적인 정물입니다. 네덜란드 예술가 윌렘 클라스 헤다, 두개골 옆에는 파이프-세속적 쾌락의 애매함을 상징, 유리 그릇-삶의 취약성을 반영, 열쇠-주식을 관리하는 주부의 힘의 상징입니다. 칼은 생명의 취약성을 상징하고 석탄이 거의 타지 않는 화로는 멸종을 의미합니다.
화장대. Willem Claesz Heda의 1628년 바니타스.
Willem Heda는 정당하게 불립니다. "아침식사의 달인"음식, 접시, 주방 용품의 흥미로운 배열 덕분에 작가는 그림의 분위기를 놀랍도록 정확하게 전달했습니다. 그리고 은 그릇과 유리 잔의 완벽하게 매끄러운 표면에 빛의 섬광을 묘사하는 그의 기술은 예술가의 저명한 동시대 사람들조차 놀라게 했습니다.
Kheda가 빛의 유희, 모양의 특징, 물체의 색상 등 모든 작은 것을 얼마나 정확하고 섬세하게 전달할 수 있었는지 놀랍습니다. Dutchman의 모든 그림에서-신비,시, 사물의 세계에 대한 진심 어린 감탄.
유명한 예술가들의 정물화
정물은 종종 좋아했습니다. 유명한 예술가. 내가 당신에게 더 말할 것은 붓의 주인과 그들의 유쾌한 작품에 관한 것입니다.
파블로 피카소는 세계에서 가장 비싼 예술가입니다
독특하고 흉내낼 수 없는 것 - 그것이 그들이 뛰어난 것이라고 부르는 것입니다. 스페인 예술가 20 세기 파블로 피카소. 저자의 각 작품은 독창적인 디자인과 천재성의 탠덤입니다.
꽃다발이 있는 정물화, 1908
전구가 있는 정물화, 1908
전통적으로 완벽하고 사실적이고 밝고 밝은 색상으로 가득 차거나 우울한 청회색 톤의 정물화 외에도 Picasso는 다음을 좋아했습니다. 입체파. 작가는 그림의 사물이나 인물을 작은 기하학적 형태로 배치했다.
미술 평론가들은 피카소의 입체파를 인식하지 못했지만 이제 그의 작품은 잘 팔리고 세계에서 가장 부유한 수집가의 소유가 되었습니다.
기타와 악보, 1918
괴짜 빈센트 반 고흐
유명한 "별이 빛나는 밤"과 함께 해바라기가 있는 일련의 그림은 반 고흐 작품의 독특한 상징이 되었습니다. 화가는 친구 폴 고갱의 도착을 위해 아를에 있는 자신의 집을 해바라기로 장식할 계획을 세웠습니다.
“하늘은 유쾌한 파란색입니다. 태양 광선은 옅은 노란색입니다. 델프트의 베르메르의 그림에서 나오는 하늘색과 노란색 톤의 부드럽고 마법 같은 조합입니다 ... 이렇게 아름다운 것을 쓸 수 없습니다 ... "반 고흐는 운명적으로 말했다. 그래서인지 작가는 해바라기를 수없이 그렸다.
12개의 해바라기가 있는 꽃병, 1889년
불행한 사랑, 가난, 그의 작품에 대한 거부는 예술가를 미친 짓으로 이끌고 건강을 심하게 훼손합니다. 그러나 그림에 대해 재능있는 예술가완고하게 썼다 : "아흔 아홉 번 넘어져도 백 번은 일어날 것이다."
빨간 양귀비와 데이지가 있는 정물화. 오베르, 1890년 6월.
홍채. 생 레미, 1890년 5월
Paul Cezanne의 모든 것을 포괄하는 정물
"자연에 영원성을 되찾고 싶다",-위대한 프랑스 예술가 Paul Cezanne을 반복하는 것을 좋아했습니다. 작가는 빛과 그림자의 무작위적 유희, 변화하지 않는 사물의 변함없는 특성을 그렸다.
사방에서 사물을 보여주기 위해 그는 보는 사람이 마치 다른 각도에서 보는 것처럼 정물을 감상하는 방식으로 사물을 묘사합니다. 우리는 위에서 탁자를, 옆면에서 식탁보와 과일을, 아래에서 탁자 안의 상자를, 그리고 다른 측면에서 주전자를 동시에 봅니다.
복숭아와 배, 1895
체리와 복숭아가 있는 정물화, 1883-1887
현대 예술가들의 정물화
색상 팔레트와 다양한 음영을 통해 현재 정물의 주인은 놀라운 현실감과 아름다움을 얻을 수 있습니다. 재능 있는 동시대인들의 인상적인 그림을 감상하고 싶습니까?
영국인 세실 케네디
이 예술가의 그림에서 눈을 떼는 것은 불가능합니다. 그의 허브는 너무 매혹적입니다! 음... 벌써 이 놀랍도록 아름다운 꽃 냄새를 맡을 수 있을 것 같아요. 당신은요?
Cecil Kennedy는 당연히 우리 시대의 가장 뛰어난 영국 예술가로 간주됩니다. 여러 권위있는 상을 수상했으며 많은 " 세상의 강자"그럼에도 불구하고 케네디는 40세가 훨씬 넘었을 때만 유명해졌습니다.
벨기에 아티스트 Julian Stappers
벨기에 예술가 Julian Stappers의 삶에 대한 정보는 거의 없으며 그의 그림에 대해서는 말할 수 없습니다. 작가의 명랑한 정물은 세계에서 가장 부유한 사람들의 컬렉션에 있습니다.
그레고리 반 랄테
현대 미국 예술가 Gregory Van Raalte는 빛과 그림자의 유희에 특별한 관심을 기울입니다. 작가는 빛이 직접적으로 떨어지는 것이 아니라 숲, 나뭇잎, 꽃잎, 또는 수면에서 반사되는 빛을 통해 비추어야 한다고 확신한다.
재능있는 예술가는 뉴욕에 살고 있습니다. 그는 수채화 기법으로 정물을 그리는 것을 좋아합니다.
이란 예술가 Ali Akbar Sadehi
Ali Akbar Sadeghi는 가장 성공적인이란 예술가 중 한 명입니다. 그의 작품에서 그는 이란 전통 회화, 페르시아 문화 신화의 구성을 도상학 및 스테인드 글라스 예술과 능숙하게 결합합니다.
현대 우크라이나 예술가들의 정물화
당신이 무엇을 말하든 우크라이나 브러시의 주인은 폐하의 정물에 대한 고유 한 비전입니다. 그리고 이제 나는 당신에게 그것을 증명할 것입니다.
세르게이 샤포발로프
Sergei Shapovalov의 그림은 햇빛. 그의 모든 걸작은 빛과 선함과 사랑으로 가득 차 있습니다. 본토. 그리고 예술가는 Kirovograd 지역의 Novgorodkovsky 지역 Ingulo-Kamenka 마을에서 태어났습니다.
Sergey Shapovalov는 National Union of Artists의 회원인 우크라이나 명예 예술가입니다.
이고르 데르카체프
우크라이나 예술가 이고르 데르카체프는 1945년 드네프로페트로프스크에서 태어나 지금까지 살고 있습니다. 25년 동안 그는 House of Culture of Students의 아트 스튜디오에 다녔습니다. Y. Gagarin, 처음에는 학생으로, 그 다음에는 교사로.
작가의 그림은 따뜻함, 원주민 전통에 대한 사랑, 자연의 선물로 가득 차 있습니다. 작가의 그림을 통한 이 특별한 따뜻함은 그의 작품을 사랑하는 모든 이들에게 전해진다.
빅토르 도브벤코
작가에 따르면 그의 정물화는 거울이다. 자신의 감정그리고 기분. 장미 부케, 수레 국화, 과꽃 및 달리아 산란, "향기로운" 숲 사진- 독특한 여름 향기와 우크라이나의 풍부한 자연의 귀중한 선물.
로저 펜튼. 과일. 1860년 그레이엄 클라크. 사진 작가. 1997년 옥스포드
Fred와 Gloria McDurr의 사진 백과사전은 "정물"이라는 단어를 다음과 같이 정의합니다. 일반 용어종종 광고에 사용되는 무생물, 제품 및 상품의 사진. 테이블 표면에 작은 물체를 놓는 경우 정물 사진을 "테이블 탑" 사진이라고도 합니다. 마지막 설명을 제외하고, 이 정의그림과 관련하여 사용되는 것과 완전히 일치합니다. 흥미롭게도 이 용어 자체는 이미지보다 훨씬 늦게 등장했으며 다음을 가리킵니다. 초기 XIX세기. 프랑스의 자연 morte(죽은 자연)는 영국의 정물화와 독일의 stilleben(고요함, 조용한 삶) 철자뿐만 아니라 의미도 마찬가지입니다. 네덜란드에서는 단일 용어가 전혀 없었습니다. 꽃다발, 물고기 정물) 자체 이름이 있습니다.
무생물은 구석기 시대부터 예술 작품에 등장했습니다. 안에 다른 시간그들만의 역할과 중요성이 있습니다. Hans Holbein, Caravaggio 또는 Jan Vermeer의 작품은 정물이 아니지만 작품에서 예술적으로나 의미 측면에서 특별한 위치를 차지합니다. 처럼 독립 장르정물은 XVII 세기에만 나타났습니다.
회화에서 거의 모든 장르를 차용한 사진도 정물화에 예외를 두지 않았다. 사진의 역사에서 알 수 있듯이 사진 예술에서 가장 적게 표현된 것은 정물화였습니다. 이 이야기는 실제로 그것으로 시작되었지만. Nicephore Niepce의 초기 회광학 실험 중에는 병, 칼, 숟가락, 그릇, 탁자 위에 놓인 빵 한 덩어리로 구성된 정물이 있었습니다. 1839 년 Hippolyte Bayard는 석고 캐스트로 구성을 만들었고 Jacques-Louis Daguerre는 석고 캐스트, 작은 조각품, 그림 및 고대 프리즈의 조각, Henry Fox Talbot-껍질과 화석으로 여러 정물을 만들었습니다. Jean Baptiste Chardin의 그림에서도 예술의 속성을 지닌 정물이 발견되었다는 점은 주목할 가치가 있습니다.
사진가들은 종종 구성을 반복하고 예술가와 동일한 주제를 사용했습니다. 예를 들어 Roger Fenton, William Lake의 작품에서 알 수 있듯이 "네덜란드 회화 학교는 일상 생활의 대상을 묘사하는 권위있는 출처 역할을합니다"라는 Henry Fox Talbot의 진술은 눈에 띄지 않는 것 같습니다. 프라이스와 드류 다이아몬드. 그러한 정물화의 주요 대상은 꽃, 과일 또는 죽은 사냥감이었습니다. 프랑스에서 아돌프 브라운의 작품은 19세기 루이 15세의 궁정화가인 장 밥티스트 오드리 작품의 사진판과 유사했다.
정물화는 보통 실내에서 촬영되지만 예외도 있었습니다. 초기 사진 자료의 열악한 빛 감도로 인해 많은 사진가들이 정원이나 앞 정원에서 작업하는 것을 선호했습니다. 모든 즉석 재료 (사다리, 갈퀴, 수레, 양동이 등)가 사용되었으며 종종 가져온 가정 용품, 신선한 꽃, 나무가 무생물과 나란히 혼합되었습니다. 예를 들어 Louis-Remy Robert, Hippolyte Bayard 및 Richard Jones의 정물이 있습니다.
Vanitas(lat. "ghostly", "vanity")의 주제에 대한 사진 정물화는 두개골이 필수적인 속성으로 나타납니다. 19세기 중반예를 들어 Louis Jules Duboc-Soleil의 세기와 때때로 20 세기에 Alfred Stieglitz, Irving Penn, Robert Mapplethorpe 등이 발생합니다.
20세기 초 사진은 정물이라는 장르를 구현하기 위한 새로운 방식과 오브제를 찾고 있었습니다. 단순히 함께 배열된 개체를 캡처하는 것만으로는 더 이상 충분하지 않습니다. 복잡한 앵글, 클로즈업, 포토그램, 물체의 모양과 질감에 대한 열정 - 이 모든 것이 오래된 장르에 새로운 모습을 선사합니다. 사물의 범위가 확장되고 있습니다. 포크나 유리잔과 같은 진부한 일상용품과 함께 산업용 사물(공구, 기계 부품 및 공작 기계)이 등장합니다. Alfred Renger-Patch, Alexander Rodchenko, Andre Kertets, Edward Steichen, Boris Ignatovich, Arkady Shaikhet, Bauhaus 사진가, Edward Weston, William Underhill 등이 유사한 검색에 참여했습니다.
평범한 것들의 세계는 세기 중반에 Josef Sudek의 정물화와 함께 다시 꽃을 피웁니다. 은은하게 확산된 빛은 유리잔 속의 평범한 꽃에 서정적이고 우울한 분위기를 선사합니다.
지난 세기 후반에 광고 산업에서 정물에 대한 수요가 점점 더 높아지고 있습니다. 상업과 예술의 행복한 결합은 Irwin Pena의 정물화에 구현되어 있습니다. 클래식하고 스타일리시하며 아이러니하지만 항상 단순하고 정교합니다. 이 대가 덕분에 1944년 처음으로 패션 잡지의 표지가 사진 정물화로 장식되었습니다.
이 장르에서 활동한 20세기 후반의 러시아 사진가들 중 보리스 스멜로프는 특별한 장소에 속한다. 오래된 상트 페테르부르크 일상 생활의 그의 고전적인 정물은 완벽한 구성과 완벽한 기술로 구별되었습니다. Joel-Peter Witkin은 "충격적인" 정물화의 탁월한 대가입니다. 프랑스어 "죽은 자연"에서 번역 이 경우작가의 열정을 정확하게 반영 - 다양한 부분 인간의 몸스스로 ( "몸통") 또는 꽃과 과일로 액자 ( "여자의 머리", "만우절"등).
양적 측면에서 사진 정물은 다른 장르보다 훨씬 열등하며 한 작가 또는 다른 작가의 작품에 가끔 나타납니다. 사진 역사 책과 컬렉션 카탈로그 넘기기 주요 박물관, 정물 전용 섹션을 찾을 기회는 거의 없습니다.
