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학교 백과사전. 바로크

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바로크 (이탈리아어 바로크 - "기괴한", "이상한", "과도한 경향이있는", port. pérola barroca (문자 그대로 "악이있는 진주");이 단어의 기원에 대한 다른 가정이 있음)-특징 유럽 문화 XVII-XVIII 세기, 그 중심은 이탈리아였습니다. 바로크 양식은 16세기 말 르네상스 후기에 등장했습니다. 초기 XVII수세기 동안 이탈리아 도시: 로마, 만토바, 베네치아, 피렌체. 바로크 시대는 "서양 문명"의 개선 행렬의 시작으로 간주됩니다. 바로크는 고전주의와 합리주의에 반대했습니다.

바로크에 관한 최초의 모노그래프 중 하나는 Wölfflin의 Renaissance and Baroque(독일어: Renaissance und Barock, 1888)였습니다. 바로크는 르네상스와 고전주의 사이의 기간을 차지했으며 후기 버전에서는 로코코라고 불렀습니다. Wölfflin은 그림과 열정을 바로크의 특징으로 부릅니다. Dvořák는 초기 바로크에서 매너리즘을 골랐습니다. 그 후 Panofsky는 바로크에서 대립이 아니라 르네상스의 연속을 보는 경향을 설명했습니다.

XVI 세기에 르네상스 예술의 첫 번째 연결 고리 인 이탈리아는 경제적, 정치적 힘을 잃었습니다. 외국인 (스페인 인과 프랑스 인)은 이탈리아 영토에서 관리하기 시작하고 정치 조건 등을 지시합니다. 지친 이탈리아는 문화적 위치의 높이를 잃지 않았습니다. 문화 센터유럽. 천주교 세계의 중심은 로마이며, 영적인 힘이 풍부합니다.

문화의 힘은 새로운 조건에 적응할 때 나타납니다. 귀족과 교회는 모든 사람이 자신의 힘과 생존력을 볼 필요가 있지만 궁전을 지을 돈이 없었기 때문에 귀족은 권력의 환상을 만들기 위해 예술로 향했습니다. 재산. 품격을 높여줄 수 있는 스타일이 인기를 끈다. 이것이 바로크가 16세기 말 이탈리아에 나타난 방식입니다.

바로크라는 단어의 기원은 다른 모든 스타일의 이름보다 더 논란의 여지가 있습니다. 원본에는 여러 버전이 있습니다. 포루투갈 바로코 - 회전축이 없는 불규칙한 모양의 진주로, 이러한 진주는 17세기에 인기가 있었습니다. 이탈리아어 바로코에서-거짓 삼단 논법, 아시아 형식의 논리, 은유에 기반한 궤변 기법. 불규칙한 모양의 진주처럼, 은유에 의해 거짓이 가려진 바로크 삼단 논법.

비평가들과 미술사학자들이 이 용어를 사용한 것은 18세기 후반으로 거슬러 올라가며, 처음에는 구상 미술을 가리키고 결과적으로 문학도 가리킨다. 처음에는 이 용어가 부정적인 의미를 가졌습니다. Ernst Gombrich는 다음과 같이 썼습니다. 이 레이블은 건축에서 고전적 형태의 임의적 조합을 용납할 수 없다고 생각하는 사람들이 사용했습니다. "바로크"라는 단어로 그들은 고전의 엄격한 규범에서 고의적으로 벗어난 브랜드를 지정했으며 이는 그들에게 나쁜 취향에 해당했습니다. 바로크 시대와의 연관성을 강조하는 인상주의에서 상징주의에 이르는 유럽의 문화적 맥락 덕분에 바로크에 대한 재평가가 시작된 것은 19세기 말이었습니다.

논쟁의 여지가 있는 한 이론은 이 모든 유럽 단어가 라틴어 bis-roca(뒤틀린 돌)에서 유래했다고 제안합니다. 또 다른 이론은 가파른 높은 곳, 보석의 결점을 뜻하는 라틴어 verruca에서 나온 것입니다.

다른 맥락에서 바로크라는 단어는 "소박함", "부자연스러움", "불성실함", "엘리트함", "변형", "과장된 감정"을 의미할 수 있습니다. 대부분의 경우 바로크라는 단어의 이러한 모든 음영은 부정적인 것으로 인식되지 않았습니다.

마지막으로, 또 다른 이론은 언급된 모든 언어에서 이 단어가 언어학의 관점에서 패러디적이며 그 단어 형성은 그 의미로 설명될 수 있다고 제안합니다: 비정상적이고 부자연스럽고 모호하고 기만적입니다.

바로크 양식의 모호함은 그 기원으로 설명됩니다. 일부 연구자들에 따르면 셀주크 투르크의 건축물에서 차용한 것이라고 합니다.

바로크는 대조, 긴장, 역동적인 이미지, 가식, 웅장함과 화려함, 현실과 환상의 결합, 예술의 융합(도시와 궁전, 공원 앙상블, 오페라, 컬트 음악, 오라토리오)이 특징입니다. 동시에-개별 장르의 자율성을 향한 경향 (콘서트 그로소, 소나타, 모음곡 기악). 스타일의 이데올로기 적 토대는 충격의 결과로 형성되었으며, 16 세기에는 개혁과 코페르니쿠스의 가르침이었습니다. 인간이 가장 합리적인 존재라는 르네상스의 생각뿐만 아니라 합리적이고 영구적인 통일체로서 고대에 확립된 세계의 개념이 바뀌었습니다. Pascal에 따르면 사람은 "모든 것과 무 사이에있는 것", "현상의 모습 만 포착하지만 그 시작이나 끝을 이해할 수없는 사람"이라는 자신을 깨닫기 시작했습니다.

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위키백과:

Caravaggio라는 별명은 16세기 말에 창작한 이탈리아 예술가 중 가장 중요한 거장으로 여겨집니다. 새로운 스타일그림에서. 종교적인 주제로 그린 그의 그림은 작가의 현대 생활의 사실적인 장면을 닮아 고대 후기와 현대 사이의 대조를 이룹니다. 영웅은 빛의 광선이 캐릭터의 표현적인 몸짓을 빼앗아 대조적으로 그들의 특이성을 작성하는 황혼에 묘사됩니다. 처음에는 카라바기스트라고 불렸던 카라바지오의 추종자들과 모방자들과 현재의 카라바기즘 자체는 카라바조의 감정의 폭동과 특징적인 방식, 그리고 사람과 사건을 묘사하는 그의 자연주의를 채택했습니다. Caravaggism에 반대하는 볼로냐 학문주의는 Annibale Carracci와 Guido Reni로 대표되었습니다.

안에 이탈리아 회화바로크 시대가 발전하다 다른 장르, 그러나 대부분은 우화, 신화 장르였습니다. Pietro da Cortona, Andrea del Pozzo, Giovanni Battista Tiepolo 및 Carracci 형제가 이 방향으로 성공했습니다. 유명 해졌다 베네치아 학교, veduta 또는 도시 풍경의 장르가 큰 인기를 얻은 곳. 그러한 작품의 가장 유명한 작가는 D. A. Canaletto입니다. 그다지 유명하지 않은 것은 Francesco Guardi와 Bernardo Bellotto입니다. Canaletto와 Guardi는 베니스의 풍경을 그렸고 Bellotto (Canaletto의 학생)는 독일에서 일했습니다. 그는 드레스덴과 다른 장소에 대한 많은 견해를 소유하고 있습니다. Salvator Rosa(나폴리 학교)와 Alessandro Magnasco는 환상적인 풍경을 그렸습니다. 건축적 관점은 후자에 속하며 매우 유사합니다. 프랑스 예술가고대에 관심이 폭발했을 때 로마 폐허에서 일했던 Hubert Robert. 그들의 작품에는 폐허, 아치, 열주, 고대 사원이 제시되지만 과장된 다소 환상적인 형태입니다. 영웅적인 캔버스는 Domenichino가 그렸고 그림 같은 비유는 Domenico Fetti가 그렸습니다.

프랑스

프랑스에서는 Iasent Rigaud의 의식 초상화에 바로크 양식이 내재되어 있습니다. 그의 가장 유명한 작품은 루이 14세의 초상이다. 의례 초상화라는 장르에서 활동한 궁정화가 시몬 부에와 샤를 르브룅의 작품은 '바로크 고전주의'로 특징지어진다. 바로크에서 고전주의로의 진정한 변형은 Nicolas Poussin의 캔버스에서 관찰됩니다.

스페인에서

Velasquez, Ribera 및 Zurbaran과 같은 마스터의 작품에 구현 된 스페인의 바로크 양식에 더 엄격하고 엄격한 구현이 제공되었습니다. 그들은 사실주의 원칙을 고수했습니다. 당시 스페인은 예술의 "황금기"를 경험하고 있었고 동시에 경제적, 정치적 쇠퇴를 겪고 있었습니다.

스페인의 예술은 장식성, 변덕스러움, 형태의 정교함, 이상과 현실의 이중성, 육체와 금욕, 쌓임과 인색, 숭고함과 우스꽝스러움이 특징이다. 대표자는 다음과 같습니다.

위키미디어 재단. 2010.

다른 사전에 "회화의 바로크"가 무엇인지 확인하십시오.

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- (아마도: 기괴한 모양의 진주를 의미하는 포르투갈어 perola barroca 또는 스콜라 논리학에서 삼단논법 유형 중 하나를 연상시키는 라틴어 baroco에서) 유럽 예술 16세기 후반 18세기 중반 큰 소비에트 백과사전

폴란드 스니즈네 성 보이치에흐의 은 유물함. 커먼 웰스의 바로크는 문화 발전의 한 단계로 말기부터 ... Wikipedia

바로크- (이탈리아 바로코 기발함, 아마도 불규칙한 모양의 포르투갈 페롤라 바로카 진주에서 유래) 유럽 현상. 문화 16 초기. 18 세기 B. 시대는 Vel과 관련이 있습니다. 지리적 과학적 발견. 놀라움과 기쁨과 공포 새 사진평화... ... 러시아어 인도주의 백과사전

안에 다른 시간"바로크"라는 용어에 다른 의미가 부여되었습니다. 처음에는 부조리, 부조리를 암시하는 공격적인 의미를 가졌습니다(아마도 추악한 진주에 대한 포르투갈어 단어로 되돌아갑니다). 이 스타일은 매너리즘과 로코코 사이, 즉 1600년경부터 18세기 초까지 유럽 미술을 지배했습니다. 바로크는 매너리즘의 역동성과 깊은 감성을, 르네상스의 견고함과 화려함을 물려받았습니다. 두 스타일의 특징이 조화롭게 하나의 전체로 합쳐졌습니다.

바로크 예술은 규모, 빛과 그림자, 색상의 대담한 대조, 현실과 환상의 조합이 특징입니다. 특히 주목할만한 것은 바로크 퓨전입니다. 다양한 예술단일 앙상블에서 건축, 조각, 회화 및 장식 예술. 예술의 종합에 대한 이러한 열망은 바로크 양식의 근본적인 특징입니다.

바로크 회화는 역동성, "평평함" 및 형태의 화려함이 특징이며, 바로크의 가장 특징적인 특징은 눈길을 끄는 화려함과 역동성입니다. 고조된 감성, 관능과 무성한 장식의 모순적인 조합은 바로크 거장들의 작품에 연극 적 광경을 선사합니다.

이 그림은 종교적 또는 신화적 주제, 인테리어를 장식하도록 설계된 의식 초상화.
바로크 양식의 전형적인 종교적 구성은 휘몰아치는 휘장과 소용돌이치는 구름의 회오리바람 속에서 천사들에게 둘러싸인 성인이나 마돈나를 보여줍니다. 이 시대에 유행했던 고전 신화의 장면들도 똑같이 과장되게 묘사했다. 그러나 모든 바로크 예술이 화려하고 찬란했던 것은 아닙니다. Caravaggio와 같은 예술가의 어두운 드라마도 이 스타일에 속합니다.

"이 얼굴 좀 봐, 예술이야
캔버스에 부주의하게 묘사
세속적인 생각의 메아리처럼,
죽은 것도 아니고 살아 있는 것도 아닌데..."
M.Yu. Lermontov. "초상화".
유럽 미술에서 16세기 말에 확립된 새로운 스타일은 바로크(이탈리아어 바로코 - 이상하고 기괴함) 화려 함, 웅장 함, 화려 함, 풍부한 외부 효과 및 세부 사항, 장식성 및 형태의 "화려함"이 특징입니다. 이것은 내가 앞서 언급한 작업("후기 르네상스" 부분에서)에 이미 반영되어 있습니다. 미켈란젤로 메리시 다 카라바조(1571-1610), 미술 평론가들은 종종 그를 다음과 같이 분류합니다. 다른 스타일, 바로크를 포함하여 가장 큰 대표자이자 회화에서 사실주의의 창시자입니다.

컬러 목판화에 사용되는 기술인 "키아로스쿠로"(이탈리아어 - 키아로스쿠로) - "동일한 색상의 다른 밝기 또는 음영의 색상을 배포하여 물체를 부피가 큰 것으로 묘사했습니다." 미술사의 언어에는 "키아로스쿠로(chiaroscuro)" 기법과 강조된 사실주의가 특징인 바로크 시대의 스타일인 "카라바지즘(caravagism)"이라는 용어도 있습니다.

시청자를 적극적으로 사로 잡는 선전가로서의 바로크 스타일의 특징은 일반적으로 반개혁과 함께 절대 군주제 강화와 관련이 있으므로 고유 한 발음이 있습니다. 국가 특성 V 다른 나라유럽. 예를 들어 개신교가 널리 퍼져 있고 이탈리아의 영향이 그다지 강하지 않은 네덜란드에서는 바로크 양식이 더 겸손한 표현을 가지고 더 친밀하고 덜 화려합니다 (초상화가 고위 귀족의 명령에 의해 만들어지지 않은 경우), 그러나 매우 삶을 긍정하는 시작. 17세기 미술 발전의 정점 네덜란드창의력은 확실히 렘브란트 반 레인(1606-1669), 화가, 드로잉 및 에칭의 대가, 탁월한 초상화 화가.

네덜란드에서 널리 퍼진 단체 초상화와 귀족의 맞춤형 초상화에서 작가는 얼굴 특징, 옷, 보석을 조심스럽게 전달한 다음 자화상과 가까운 사람들의 초상화에서 Rembrandt는 예술적 대포에서 벗어났습니다. 심리적 표현력을 찾기 위해 실험하고, 자유로운 회화 방식, 다채로운 범위 및 명암의 유희를 사용했습니다.

나는 암스테르담의 유대인 공동체와의 관계와 유대인 현인, 노인 및 어린이 ()의 수많은 초상화에 대해 썼습니다. 여기서는 세계 그림의 진주 인 초상화 중 하나를 제공하겠습니다.

렘브란트는 이미지에 매력을 느낍니다. 보통 사람들, 노인, 여성 및 어린이, 부드러운 확산 빛으로 어둠에서 빼앗긴 얼굴과 손에 점점 더 집중하고, 뜨거운 적갈색 팔레트는 정서적 표현력을 향상시켜 따뜻한 인간의 느낌으로 따뜻하게합니다.

렘브란트의 작품이 네덜란드뿐만 아니라 세계 예술거대한. 그의 탁월한 기술, 인본주의와 민주주의, 인간에 대한 관심, 그의 경험과 내면 세계모든 사실적인 예술의 후속 개발에 영향을 미쳤습니다.
살았던 렘브란트의 제자이자 추종자 짧은 인생, 그러나 예술에 그의 흔적을 남겼습니다. 카렐 파브리시우스 (1622-1654)

위대한 교사의 창의적인 방법에 깊이 동화되었지만 그의 자유로운 글쓰기 스타일, 더 차가운 색상 및 공기가 가득한 밝은 배경에 전경의 어두운 인물을 강조하는 독창적인 기술을 유지했습니다. 파브리키우스는 렘브란트의 제자들 중 가장 명석했다고 할 수 있지만, 그는 어두운 배경에 밝은 것을 쓰는 스승의 방식을 바꾸어 밝은 배경 위에 어두운 물체를 그렸습니다. 그는 초상화 중 하나를 작업하던 중 델프트에서 화약 창고 폭발로 비극적으로 사망했습니다.
이제 당신의 차례입니다 창의적인 방식파브리시우스의 영향 델프트의 얀 베르메르 (1632–1675).
"진주, 섬광, "황금 네덜란드 시대"의 드라마 및 정수. 단명, 거의 기록되지 않음, 늦게 발견됨..."(Loseva.http://www.aif.ru/culture/person/1012671)

그의 작품의 대부분은 오히려 장르 장면이라고 할 수 있지만 그 본질은 일반화 된 장르 초상화이며 특별한 관심을 기울입니다. 마음의 상태캐릭터, 전체 장면의 일반적인 서정적 분위기, 세부 사항에 대한 세심한 쓰기, 자연광의 사용, 전체 구성의 생생한 표현력.

그의 많은 작품은 다양한 가사일을하는 여성을 묘사하고 있으며, 그는 집에서 끊임없이 바쁘고 많은 자녀를 양육하는 자신의 아내를 관찰 할 기회를 가졌습니다 (그녀는 15 명의 자녀를 낳았고 그중 4 명이 사망했습니다). 일반적으로 그의 장르 초상화의 행동은 창가에서 이루어지며 여성의 이미지는 매력과 평화로 가득 차 있으며 음영과 다채로운 하이라이트는 사람들의 세계에 영감을주고 내면의 의미를 부여합니다.

Vermeer의 작품은 그의 생애 동안 높이 평가되지 않았으며 19세기 후반까지 거의 잊혀졌습니다.
하를렘(암스테르담)에서 활동하며 후반기에 뛰어난 초상화가로 유명해진 또 다른 뛰어난 네덜란드 화가는 프란스 할스(Hals, 1581년에서 1583-1666년 사이). 그는 "그룹 초상화를 근본적으로 개혁하여 기존의 구성 시스템을 깨고 요소를 도입했습니다. 생활 상황, 사진과 시청자 사이에 직접적인 링크를 제공합니다. "(Sedova T.A. "Frans Hals". Great Soviet Encyclopedia)

Khals의 작업에서 부유 한 시민과 고위 관리부터 사회 하층 계급에 이르기까지 사회의 거의 모든 대표자를 볼 수 있습니다. 활력사람들.

종종 그의 초상화는 순간적으로 포착되고 고정된 삶의 순간이라는 인상을 주기 때문에 모델의 살아있는 자연스러움과 독특한 개성을 재현하며 때로는 예기치 않게 인상파의 스타일을 닮기도 합니다.

이 그림은 아마도 적절한 의미의 초상화가 아니라 죽음의 필연성과 삶의 덧없음을 말하는 알레고리일 것입니다. 특정 청년의 초상화에 대한 완전한 인상을 만듭니다. Hals는 덧없고 순간적인 몸짓과 얼굴 표정을 포착하기 위해 빠른 붓놀림을 사용하는 활기찬 글쓰기 스타일로 유명해졌습니다. Hals의 후기 작품은 평균적으로 만들어집니다. 색 구성표흑백 톤의 대비를 기반으로 합니다. Van Gogh는 Hals가 "27가지 검은색 음영"을 가졌다고 말했습니다.
대부분 장르의 초상화로 간주될 수 있는 대부분의 장면을 그렸던 쾌활하고 재치 있는 또 다른 네덜란드 화가에 대한 몇 마디. 얀 스틴(약 1626-1679) 중산층의 삶의 장면을 묘사하여 거친 민속 유머로 묘사하고 때로는 풍자에 이르기까지하지만 항상 성격이 좋고 훌륭하게 실행되었습니다.

전성기 플란더스 사람바로크는 1층에 떨어진다. XVII 세기, 그 뛰어난 대표자는 위대한 피터 폴 루벤스(1577-1640), 화가, 그래픽 아티스트, 건축가 장식가, 연극 공연 디자이너, 여러 언어를 구사하는 재능있는 외교관, 인문주의 과학자. 그는 일찍부터 그림에 몰두했고 어린 시절에 이탈리아를 방문했으며 Caravaggio의 방식을 여러모로 채택했지만 국가 예술 전통에 대한 사랑을 유지했습니다.

루벤스는 왕족을 비롯한 유럽 귀족들의 의뢰를 받아 의례용 초상화를 다수 그렸지만, 그 속에서도 뛰어난 솜씨와 관능적인 설득력으로 모델의 외모와 성격을 재현했다. 그러나 특히 거장, 서정적, 큰 사랑그와 가까운 사람들의 성실한 친밀한 초상화.

작가에 대한 탐색, 전하고 싶은 마음이 보이는 작품들이 흥미롭다. 다른 포즈, 감정, 표정, 감정적으로 풍부한 갈색 범위에서 유지되는 다채로운 음영의 풍부함에서 빛과 색상의 가장 미세한 그라데이션을 전달하는 데 탁월한 숙달을 달성합니다.

루벤스의 작품은 개발에 큰 영향을 미쳤습니다. 유럽 회화, 특히 플랑드르, 그리고 무엇보다도
추종자들의 전체 학교를 형성한 학생들, 그 중 가장 재능 있는 사람은 단연 그의 조수였습니다. 앤서니 반 다이크 (1599–1641).

Rubens의 "육즙이 많은"그림 스타일을 채택한 그는 이미 젊었을 때 초상화로 전환하여 그림의 영웅에게 더 세련되고 우아하며 영적이고 고상한 모습을 부여했습니다. 동시에 그는 자세, 자세, 몸짓에 큰 관심을 기울인 승마를 포함하여 많은 의식 초상화를 그렸고 의식 초상화에서 "이미지의 엄숙한 대표성과 개별 심리적 특성"을 결합했습니다.

Van Dyck은 영국에서 찰스 1세의 궁정에서 귀족, 궁중 및 그 가족들 사이에서 생애의 마지막 10년을 보냈습니다. 작가의 팔레트가 따뜻하고 발랄한 적갈색이 아닌 차디찬 청은색으로 변해가는 모습을 지켜보는 것도 흥미롭다.

반 다이크(Van Dyck)의 작품은 나중에 그가 개발하고 완성한 귀족적 지적 초상화의 유형으로 영국 초상화의 발전에 큰 영향을 미쳤습니다.
또 다른 뛰어난 예술가플랑드르 학교 제이콥 요르단스(1593-1678) 그의 작품에 플랑드르 바로크의 특징 인 신선하고 밝고 관능적 인 삶의 인식, 즐거운 낙관주의, 모델의 몸이 건강을 호흡하고 움직임이 성급하고 강력한 인물, 일반적으로 힘 내면의 에너지는 아름다움과 우아함보다 예술가에게 더 중요합니다.

Jordanes는 매우 빠르게 글을 썼고 그의 유산은 훌륭하지만 Rubens보다 적지 만 전 세계 거의 모든 박물관에 약 700 점의 그림이 있습니다. 그는 사랑했다 큰 그림, 얼굴과 인물의 결점을 숨기지 않고 사실감이 뛰어난 사람의 성장에 따라 초상화를 만드는 것을 선호했습니다.

그리고 그는 초상화 화가로서 큰 인정을 얻지 못했지만 인물을 잘 표현할 수 있었고 관찰력이 뛰어난 예술가였으며 특징적인 민속 유형의 전체 갤러리 인 그의 시대에 대한 수많은 간증을 남겼습니다.
"황금 시대" 스페인의회화는 17세기로, 회화의 개화기는 스페인의 최고 경제·정치적 권력 시기와 일치하지 않고 조금 늦게 찾아왔다. 반응성 내부 및 외교 정책스페인 왕, 파괴적인 전쟁, 끊임없는 종교적 박해, 부르주아지의 나약함으로 인해 스페인은 16세기 말에 권력을 잃었습니다. 을 위한 스페인 미술고전이 아닌 전통이 우세했지만 중세, 고딕, 스페인에서 수세기에 걸친 아랍인의 지배와 관련하여 무어 예술의 큰 영향이 특징입니다. 스페인 바로크 시대의 가장 유명한 화가는 디에고 로드리게스 데 실바 벨라스케스 (1599-1660).

기독교로 개종한 포르투갈계 유대인 가정에서 태어난 가장 전형적인 스페인인 벨라스케스가 종교를 주제로 한 작품이 거의 없고, 그가 선택한 작품들은 그에 의해 장르적 장면으로 해석된다는 점이 흥미롭다. 그의 초상화는 왕실 생활의 영향을 많이 받았으며 냉정한 에티켓의 가면 아래 숨어있는 인간 성격의 깊이, 옷의 풍요 로움, 포즈, 옷, 말 및 풍경의 화려 함을 드러내도록 가르쳤습니다.

큰 따뜻함, 동정심, 공평함으로 작가는 궁중 광대와 난쟁이의 전체 초상화 시리즈를 그렸습니다. 창의적인 방법- 모든 풍부함과 표현의 불일치에 대한 삶에 대한 깊은 이해.

중 하나 최근 작품 Velasquez - "Las Meninas" - 사실은 그룹 초상화. 이젤 앞에 서서 예술가 자신 (그리고 이것은 Velasquez의 유일하게 신뢰할 수있는 자화상입니다)은 청중이 거울에 비친 왕과 왕비를 그립니다. ~에 전경 Infanta Margherita가 묘사되고 예술가는 방의 출입구에 총리의 모습을 배치했습니다. 그림에서 모든 것은 공기로 스며들고 수천 가지 색조, 다른 방향의 획, 밀도, 크기 및 모양으로 모델링됩니다.

모든 후속 스페인 및 세계 예술에 대한 Velasquez의 영향은 엄청나며 낭만주의에서 Cezanne 및 Matisse에 이르기까지 여러 세대의 예술가에게 영감을주었습니다.
스페인 바로크 시대 예술에 족적을 남긴 또 다른 예술가는 프란시스코 수르바란(1598-ca. 1664)는 깊은 종교적 기반을 가진 농민 가정에서 왔습니다. 따라서 그의 작품은 대부분 종교적인 주제를 기반으로 하며 그의 작품 중에는 성도, 선지자, 승려 및 사제의 이미지가 많이 있으며 사원과 수도원을 위해 많은 글을 씁니다. 때때로 종교적 주제에서 그는 그의 친구, 지인 또는 심지어 자신을 성인이나 성서의 영웅의 형태로 묘사합니다.

17세기 중반 스페인 바로크 회화에 변화가 일어나면서 나이 든 주르바란이 더 이상 따라갈 수 없는 변화가 일어나면서 그는 인기를 잃기 시작했고 실제로는 가난하게 죽었습니다.
위에서 언급한 스페인 회화의 변화는 창의성의 영향으로 발생한다. 바르톨로메 에스테반 무리요(1618-1682), 종교를 주제로 한 가장 위대한 화가 중 한 사람으로, 그의 그림에서 정경 주제는 말하자면 가장 많은 사람들의 삶의 일상 장면입니다. 보통 사람들. 작가는 슬럼가의 세비야 아이들의 삶을 묘사하는 서정과 친절이 깃든 선량한 유머로 전체 그림 시리즈를 만들었습니다.

Murillo가 죽은 후 스페인 회화 학교는 거의 존재하지 않았고 뛰어난 거장들이 때때로 등장했지만 (다음 부분에서 이야기 할 것임) 스페인 학교를 예술의 현상으로 만 말할 수 있습니다 17세기와 관련하여.
하나 더 언급하겠습니다 이탈리아 사람아티스트 - 귀도 레니(1575-1642) 로마에서 라파엘로와 카라바조의 그림을 공부하고 성숙한 년로마 바로크 학교의 사실상의 수장. 그의 작품의 대부분은 종교적 주제에 전념하고 있으며 초상화에는 마치 그의 영웅이 바로크 멜로 드라마의 등장 인물 인 것처럼 고의적 인 우아함, 허세 한 포즈의 우아함, 세련된 아름다움이 있습니다.

그리고 바로크 시대 창조자들의 이 은하계에서 또 하나 - 프랑스 국민아티스트 마티유 레넨(1607 - 1677), 예술가 삼형제 중 막내. 많은 작품이 다른 형제에게 귀속되며 때로는 확실하게 저자를 확립하는 것이 불가능합니다. 그러나 점차 Lennenov라는 이름은 본질적으로 다른 세대에 속하고 그의 장르와 초상화 작업에서 새로운 취향에 의존하는 막내 Mathieu의 작업과 만 관련되기 시작했습니다.

주제 마무리 초상화 그림 16세기 말과 18세기 초 유럽의 지배적인 양식인 바로크 시대"에 대해 Somerset Maugham의 말을 인용하겠습니다. "바로크는 비극적이고 거대하며 신비로운 양식입니다. 즉흥적입니다. 깊이와 통찰력이 필요합니다 ... ". 나는 바로크가 내가 가장 좋아하는 스타일이 아니라고 감히 말할 것입니다.
다음 부분에서는 Rococo에 대해 이야기하겠습니다. 계속하려면.

그리고 언제나 그렇듯 바로크 음악이 곁들여진 영상.

진정한 숭배자와 아름다움의 감정가는 항상 거실을 장식하기 위해 그림을 사용했습니다. 잘 선택된 그들은 충분히 보여줄 수 있습니다 세련된 맛집주인, 그의 탁월한 인식과 아름다움에 대한 세련된 이해. 훌륭하게 그린 그림은 집을 꾸미는 가장 멋진 방법입니다.

인테리어 장식에 가장 적합한 그림 스타일에 대한 질문이 자연스럽게 발생합니까? 감정가들은 바로크 스타일이 가장 적합한 옵션이라고 말합니다. 회화에서 그는 거의 2세기 동안(16세기 말부터 18세기 중반까지) 유럽을 지배한 화풍 중 가장 대중적인 화풍으로 알려져 있다. 바로크의 발상지는 화창한 이탈리아입니다.

스타일의 이름은 흥미 롭습니다. 바로크 양식은 포르투갈 출신입니다. 그것이 포르투갈인들이 바다의 귀중한 선물인 진주를 불렀던 방식입니다. 불규칙한 모양, 즉-기괴합니다. 회화에서 그것은 원래 다소 조롱하는 것으로 지정되었고 그 이름은 "기괴한"이라는 단어와 정확하게 연관되었습니다. 그러나 이것은 유럽 전역에서 그의 인기가 급속히 성장하는 데 장애물이 되지 않았습니다.

그림에서 바로크를 구별하는 것은 무엇입니까?

스타일의 주요 특징은 엄숙함, 위엄, 삶의 즐거움과 충만함을 표현하는 능력을 포함합니다. 그림의 바로크 양식은 표현력, 대비 및 특별한 환상으로 구별됩니다. 바로크는 빛과 그림자, 색상과 음영의 뚜렷한 유희가 특징입니다.

이 아름답고 밝은 그림을 구별하는 또 다른 것은 무엇입니까? 바로크 양식으로 글을 쓰는 예술가들은 기념비적인 작품을 만들기 위해 노력했습니다. 그들의 창조물은 역동성으로 가득 차 있으며 세심하게 그린 풍경의 풍부함은 그림에 열성적인 감정가의 상상력을 자극합니다.

그림의 바로크는 대부분 신화적이거나 종교적인 주제를 가지고 있습니다. 그러나 놀랍도록 아름답고 웅장한 귀족 대표의 초상화를 종종 찾을 수 있습니다.

그림에서 바로크 양식의 창시자 중 한 명으로 존경받는 유명한 Caravaggio는 우울한 고요함과 깊이로 가득 찬 견고한 성격을 가진 그림을 만드는 것을 선호했습니다. 그러나 그의 추종자들은 더 밝고 색과 빛으로 채워진 작품을 만드는 것을 선호했습니다. 시간이 지남에 따라 종교적 주제와의 거리도 추적되기 시작했습니다.

플랑드르에 사는 네덜란드 인 렘브란트와 루벤스도 그림에서 바로크 양식에 자국의 국가적 색채를 더했습니다. 그들은 그들 민족의 문화와 전통이 풍부한 작품을 만들 수 있었습니다.

바로크 양식으로 글을 쓴 예술가들의 작품을 살펴보면 양식의 발전이 종교적 환경의 영향을 받았음을 알 수 있습니다. 더 화려한 성격과 뚜렷한 엄숙한 스타일은 가톨릭 국가 (이탈리아와 스페인)의 예술가들에게 내재되어 있습니다. 서포터들의 작품 개신교더 큰 감정 억제, 겸손 및 엄격함으로 구별됩니다.