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민속 악기의 현대 앙상블. 러시아 민속 악기의 혼합 앙상블과 함께 작업

체계적인 개발“연령대가 다른 앙상블을 가진 교사 음악가의 작품 특징 혼합형

(뽑아 내고 갈대 민속 악기, 보컬, 구부러진 악기) 기관에서 추가 교육»

이 개발은 추가 교육 교사, 예술 그룹 조직의 앙상블 리더에게 흥미롭고 유용할 수 있습니다.

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시사:

주 예산 비표준 교육 기관

"상트페테르부르크 시 청년창의궁전"

추가 교육 개발을위한 도심

재교육 과정

체계적인 개발

“교사 음악가의 작업 특징

다양한 연령대의 혼합 앙상블

(뽑아 낸 갈대 민속 악기,

보컬, 현악기)

추가 교육 기관에서 "

에키모바 엘레나 블라디미로브나,

블라디미로바 발렌티나 알렉세예브나

추가 교육 교사

주 예산

추가 교육 기관

어린이 창의력 궁전

Petrogradsky 지구

상트페테르부르크

상트 페테르부르크

2015-2016

	주석

	레퍼토리 선택
	점수 만들기

	에 대한 악보 구성 예 다양한 연령대의 앙상블혼합형
	결론
	서지

주석

수세기에 걸친 세계의 발전 음악 문화기악이든 보컬이든 연주는 앙상블 음악 없이는 생각할 수 없다는 것을 확인시켜줍니다.

아이들을 소개하는 효과적이고 대중적인 형태 음악 예술앙상블 음악 제작은 각 학생의 능력과 훈련 수준에 따라 공동 음악 창작에서 자신의 능력을 발휘할 수 있는 기회를 제공합니다. 앙상블 문학 연구와 함께 연주하는 기술을 습득하는 것은 교육 시스템의 필수적인 부분입니다. 젊은 음악가. 앙상블 음악 제작은 현대에 특별한 요구와 관련성을 얻었습니다. 이에 대한 증거는 특히 앙상블 공연에 전념하는 수많은 대회, 축제, 다양한 앙상블 작곡에 대한 고전 및 현대 레퍼토리의 인기 작품의 가장 다양한 편곡을 포함하는 음악 출판물입니다.

이 개발은 추가 교육 교사, 예술 그룹 조직의 앙상블 리더에게 흥미롭고 유용 할 수 있습니다.

이 방법론 개발은 Petrogradsky District의 어린이 창의력 궁전의 고르지 않은 혼합 앙상블 "4 월"의 활동을 조직 한 경험을 제공합니다. 추가 교육 교사의 아이디어에서 팀 등장 -연결하다 다른 그룹포크와 심포니 오케스트라 악기의 음색이 다른 악기.

우리 팀은 구성이 비표준이며 학생을 포함합니다. 다른 연령대다음 추가 일반 교육 프로그램에 참여:

"앙상블 민속 악기»;
"바얀과 아코디언 연주자의 앙상블";
"바이올린 연주 배우기";
"보컬 앙상블"

목표 혼합 연령의 조직 뮤지컬 그룹합동 음악 과정에 학생들을 포함시켜 학생들의 사회적, 창의적 활동을 개발하는 것입니다.

작업:

교육적인:

연령대가 다른 팀의 의사 소통 기술 개발;

파트너십 의식 고취

다른 유형의 악기, 장르 및 음악 스타일에 대한 연주자에 대한 관용 교육;

1. 연주문화교육

1. 무대행동 문화교육

2. 정서지각 교육 및 음악작품 연주

개발 중:

학생들의 분석 능력 개발 (듣고 분석하는 능력 자신의 성능, 뿐만 아니라 다른 그룹의 성과);

음악, 기억력 및 리듬 감각에 대한 학생들의 귀 발달;

음악 작품 연주에 대한 창의적인 접근 방식 개발

손과 몸의 협응 발달.

교육적인:

현악기, 민속 및 갈대 악기에 대한 지식;

학생의 앙상블 연주 능력 형성;

시트에서 읽기 능력 형성;

무대 공연 기술의 형성;

음악 소양과 기초 음악 이론에 대한 연구.

크리에이티브 팀에게 교육 프로그램 6세에서 18세 사이의 모든 참가자를 환영합니다. 첫 번째 수업에서는 오디션이 열리고 아이들의 음악 데이터가 공개되며 능력에 따라 악기 그룹으로 나뉩니다.

혼합 앙상블 구성 조건 및 리허설 작업의 특징

그러한 조직의 주요 조건 크리에이티브 팀새로운 아이디어를 찾는 것을 목표로 하는 추가 교육 교사 커뮤니티입니다.

성공적인 활동을 위한 중요한 단계는 작업 계획입니다. 교사는 각각의 작업 계획에 대해 생각 어린이회그리고 찾고 공통점연락하다. 연간 콘서트 및 경쟁 계획이 작성되고 있습니다.

연락처:

일반 레퍼토리
일반 리허설
공동 공연.

작품에 대한 작업은 각 협회에서 음악 자료를 학습하면서 시작됩니다. 개인 레슨또는 소그룹 리허설에서.

이 단계에서 중요한 역할은 반주자가 담당하며, 반주자는 음악을 완벽하게 이해하도록 도와줍니다. 학생들은 즉시 곡의 전체 소리에서 자신의 역할을 듣는 방법과 다른 목소리의 부분을 듣는 방법을 배웁니다. 음악적 재료와 획을 연구하는 것 외에도 음악의 이미지와 특성에 대한 작업이 동시에 시작됩니다. 부품은 대부분 기술적인 어려움을 마스터하기 위해 느린 속도로 학습됩니다.

반주자가 없는 레슨에서는 우선 파트에서 가장 어려운 부분을 식별합니다. 기술, 선율, 리듬이 있으며 어려운 부분에서 작업을 별도로 수행하여 스트로크, 핑거링, 역학.

아이들이 음악 자료를 자유롭게 마스터하면 각 악기 그룹에서 리허설이 시작됩니다. 여기에 한 가지 유형의 악기 내에서 분할이 있는 경우 한 성부 또는 여러 성부의 동시 연주의 복잡성이 나타납니다. 이 단계에서 일반적인 터치, 역학, 검색에 대한 작업이 진행 중입니다. 표현 수단, 뿐만 아니라 작품의 비 유적 및 정서적 내용에 대한 작업.

그리고 공연 준비의 다음 단계는 모든 앙상블 악기 그룹이 결합되는 통합 리허설입니다. 사용된 차별화된 접근, 다른 악기 연결의 가변성:

domra - balalaika - 갈대 민속 악기
바이올린 - 보컬
바이올린 - 보컬 - 포크 리드와 뽑아 낸 악기등

어린이와 함께 일할 때 개별 접근 방식이 각 어린이에게 적용되며 각 어린이는 달성한 연주 기술 수준에 따라 앙상블에서 역할을 합니다. 리허설에서는 예술적 이미지와 작품 형식 작업에 특별한주의를 기울입니다. 학생들은 다양한 음색으로 발생하는 멜로디를 듣기 위해 다중 음색 앙상블의 전체 사운드에 자신의 파트를 조화롭게 도입하는 어려운 작업에 직면해 있습니다.

레퍼토리 선택

콘서트 및 콩쿠르 프로그램의 요구 사항에 따라 교사는 일반 교육 프로그램에 적합한 레퍼토리를 선택합니다. 통합 콘서트 레퍼토리는 학생들의 연주 능력에 따라 모든 교사가 공동으로 선택합니다.

탄탄하고 수준 높은 레퍼토리가 기본 창의적인 활동앙상블 단원들의 연주 및 예술적 기량의 성장을 자극함과 동시에 연주자 및 대중의 예술적 취향의 발전에 기여한다. 흥미로운 내용과 형식의 완성도, 독창적이고 다양한 표현 방식이 어우러져 진정으로 관객을 사로잡을 수 있고 연주자의 예술적 재능을 드러낼 수 있는 예술적 가치가 있는 작품을 신중하게 선택해야 합니다.

점수 만들기

잘 만들어진 악기 편성은 성공적인 앙상블 연주를 위한 결정적인 요소 중 하나입니다. 악보를 올바르게 구성하기 위해 작업 범위, 다이내믹 기능, 음색 사운드 기능, 스트로크 기능 등 각 악기 그룹의 기능을 연구했습니다. 작품의 특성, 질감, 템포, 역동성에 따라 기능을 나누고 악기의 특정 품질, 각 악기를 연주하는 방식에 따라 자료를 제시합니다.

악기의 특성

우리 앙상블은 domra, balalaika, 아코디언, 버튼 아코디언, 바이올린 및 보컬과 같은 악기 그룹을 결합합니다.

개별 악기뿐만 아니라 각 그룹에는 다른 악기와의 다양한 조합으로 멜로디, 에코, 패시지 연주에 사용되는 밝고 개별적인 색상의 풍부한 팔레트가 있습니다. 우리 팀의 주요 악기의 간략한 특성에 대해 살펴 보겠습니다.

바이올린의 표준 작동 범위는 "» 작은 옥타브를 «» 네 번째 옥타브 .

바이올린 음색 - 저음이 두껍고 부드럽고 섬세합니다.– 미디엄 및 라이트, 샤이니– 맨 위에. 소리가 사람의 목소리에 가깝고 강한 소리를 내는 능력으로 인해 감정적 영향청취자에게 바이올린은 멜로디 라인을 연주하기에 가장 적합한 악기입니다. 앙상블에서도 부수적인 기능을 수행할 수 있다. 바이올린의 음색이 매우 밝기 때문에 돔라와 발랄라이카 그룹의 솔로 파트에서는 보통 피치카토 스트로크를 사용하거나, 반주 파트는 솔로 그룹보다 조용한 다이내믹으로 연주된다. 악기 음색과 목소리 음색의 유사성은 보컬 부분과 조화로운 소리의 가능성을 만듭니다. 이 기능이 주어지면 바이올린은 다성 성악 작업에서 반주 또는 음성 중 하나를 재생할 수 있습니다.

아기 노래하는 목소리 10~12세가 되면 고음(첫 번째 음표 "to"에서 두 번째 옥타브의 "la"까지의 범위, 이동성, 유성음)과 알토(음성보다 낮고 덜 움직이는 음성)으로 나누기 시작합니다. 고음, G 작은 음부터 G 두 번째 옥타브까지의 범위).

돔라는 작습니다. 작은 돔라의 범위는 첫 번째 옥타브의 "mi"에서 세 번째 옥타브의 "la"까지입니다. 빌드 - mi, la, re. 악기는 조옮김이 아닙니다. 낮은 음역 - 부드럽고 육즙이 많습니다. "트레몰로" 연주의 기본 테크닉. 스트로크 "스타카토"는 "P"를 아래로 치거나 "V"를 위로 치면 수행됩니다. Pizzicato (pizzicato) - 핀치 (약지 또는 엄지)로 게임 수신. Domra small은 전체 범위에 걸쳐 부드럽고 밝은 울림을 가지고 있습니다. 작은 domra의 저음 및 중간 음역에서 선율적인 멜로디가 표현력있게 들립니다. 프리마 발랄라이카의 범위는 첫 번째 옥타브의 "mi"에서 세 번째 옥타브의 "re"까지입니다. 낮은 음역에서 악기는 중간보다 더 작게 들립니다. 발랄라이카는 래틀링(rattle), 피치카토(pizzicato), 비브라토(vibrato)와 같은 기술을 사용하여 이중 및 삼중 음으로 선율적인 성격의 멜로디를 연주하는 뛰어난 능력을 가지고 있습니다.

우리 앙상블에서 돔라와 발랄라이카 부분은 멜로디 기능(주요 기술은 위아래 비트, 피치카토, 하모닉스)과 반주 기능을 모두 수행합니다. domra와 balalaika는 우리 앙상블의 다른 악기 그룹에 비해 음질이 열등하다는 점을 감안할 때 솔로 파트를 연주 할 때 동적으로 강조해야합니다.

알토 발랄라이카는 알토 돔라처럼 한 옥타브 아래로 조옮김됩니다. 발랄라이카의 음역은 작은 옥타브의 "mi"음에서 두 번째 옥타브의 "do"까지이며, 돔라는 작은 옥타브의 "mi"음에서 두 번째 옥타브의 "la"까지입니다. 발랄라이카 비올라는 주로 반주의 기능을 수행한다. 알토 발랄라이카의 저음역과 중음역이 가장 일반적입니다. Alto domra는 음색이 부드럽고 가슴이 뻥 뚫리는 소리를 냅니다. 우리 작품에서 우리는 하나의 음표에서 다양한 종류의 하모닉 형상을 연주하는 언더 보이스 성격의 알토 발랄라이카 파티에 제공합니다.

아코디언과 버튼 아코디언은 심포니 오케스트라의 관악기 부족을 보완합니다. 우리는 장조 옥타브의 "sol"에서 네 번째 옥타브의 "mi"까지 악기의 오른손 건반을 사용합니다. 또한 이러한 악기는 우리가 반주로 자주 사용하며 피아노의 기능을 수행합니다.

결론

이 방법론 개발은 Petrogradsky District의 어린이 창의력 궁전의 고르지 않은 혼합 앙상블 "4 월"의 활동을 조직 한 경험을 제공합니다.

성악 앙상블 "April"은 최근 (5 년 미만) 어린이 창의력 궁전에 존재하지만 교사와 학생이 수행 한 작업의 결과는 이미 나타났습니다 : 인증서 및 최고의 장소대회에서 (부록 3 참조). 또한 우리 앙상블과의 공동 협력에 대한 준비를 표현한 예술 그룹의 다른 책임자들에게도 우리의 경험이 흥미로 웠습니다. 그 결과 다양한 앙상블 및 합창단과 함께 콘서트, 대회 및 축제에서 공동 공연을 펼쳤습니다.

학습 과정에서 추가 일반 교육 프로그램에 따르면 어린이는 연습 음악 및 공연 기술, 초안 읽기, 팀에서 연주하는 법, 앙상블에서 서로 듣는 법을 배웠습니다.

혼합 팀에서 게임을 가르치는 방법에는 각 어린이의 능력, 성격, 신체 건강을 고려한 개별 접근 방식이 포함되며 게임 버전으로 제공됩니다. 우리는 아이들이 자신의 관점을 표현하고 찾을 수 있도록 초대합니다. 예술적 이미지결과적으로 비표준 사고, 환상, 창의성, 기억력, 주의력, 증가 사전음악 용어, 음악 및 연주 기술을 개발합니다. 집단 구성원은 다른 음악가에게 작품을 연주하고 음악적 귀를 개발하며 악기에 대한 친밀한 지식에 대한 책임을지고 자랍니다. 앙상블과 함께 작업할 때 교사는 교육 과정도 고려해야 합니다. 아이들에게 서로를 존중하도록 가르치고 집단주의, 동지애, 상호 지원을 심어 각 어린이의 성격 발달에 기여합니다.

보컬 및 기술 개발 외에도 V. Kosma "Toy"및 R. Rogers "Song of Beautiful Things"와 같은 작품에 대한 앙상블 작업은 어린이들에게 음악에 대한 사랑을 심어주는 데 기여합니다. 의견, 학생 교육에 매우 중요합니다. 음악 작품에 대한 집단의 작업, 그 공연은 다양한 것을 포함합니다. 악기, 팀의 엄청난 "성장"으로 이어집니다.

서지

Kargin, A.S 러시아 민속 악기의 아마추어 오케스트라와 함께 작업 // 제 3 판, Ed. T. Ershova, M.: "음악", 1987. - 41p.
Chulaki, M. I. 심포니 오케스트라 악기 // 제 3 판, Ed. K. Kondakhchan, M.: "음악", 1972
Lebedev, S. N. FINALE에 관한 러시아 책 // St. Petersburg : "Composer", 2003.
Raeva, OA 러시아 민속 악기 앙상블을 위한 레퍼토리 구성 문제. 체계적인 개발, 크리미아 공화국, 2014.

일반 오케스트라 리허설은 훈련의 주요 형태 중 하나이며 창의적인 작업팀. 공연자의 배치는 팀의 성공적인 작업을 위해 중요합니다. 음악을 위한 의자와 콘솔은 지휘자가 각 오케스트라 단원을 명확하게 볼 수 있고 그들에게 잘 보이도록 배치됩니다.
리허설은 항상 같은 악기(바얀 또는 오보에)로 연주되는 악기를 조심스럽게 조율하는 것으로 시작됩니다. 리허설 시간은 2 ~ 3 시간이며 45 ~ 50 분마다 휴식이 있습니다.

리허설의 속도가 중요합니다. 오케스트라를 약화시키고 지치게 하고 작품에 대한 창의적인 관심을 잃게 만드는 불필요한 중지를 피하는 것이 좋습니다. 리허설 중 정지는 항상 정당화되어야 합니다. 오케스트라를 멈추고 침묵을 기다린 후 지휘자는 장황한 설명을 피하면서 연주자들에게 이렇게 말합니다. 평이한 언어로그리고 상당히 활력이 넘칩니다.
어려운 부분의 분석, 기술적으로 복잡한 부분의 개발은 일반적으로 리허설 전반부에 수행됩니다. 완성된 자료, 특히 오케스트라가 사랑하는 곡을 반복하여 수업을 마무리하는 것이 좋습니다. 작품을 처음 접하는 것부터 대중 앞에서 공연하는 것까지 작품을 준비하는 과정은 복잡하고 통일된 과정입니다. 창작 과정, 모든 단계가 밀접하게 상호 연결되어 있습니다.
지휘자는 리허설이 시작되기 오래 전에 작업을 시작합니다. 첫째, 작품의 악보를 자세하고 깊게 연구하며, 풀어나가는 문제의 범위가 매우 넓다. 작곡가의 창작전기와 창작시기, 창작의 역사를 연구하는 학문이다. 이 일, 공연 전통.

피아노에서 악보를 읽거나 정신적으로 억양으로 작품을 처음 접할 때 이미 전체를 다루는 것이 매우 중요합니다. 동시에 주요 음악 이미지, 자료 개발의 구조 및 극작에 대한 일반적인 아이디어가 만들어집니다. 나아가 전체적인 이론적 분석가장 필수적인 요소 음악적 언어, 하모니, 멜로디, 템포, 메트로리듬, 다이나믹, 프레이징. 악보에 대한 포괄적인 연구와 세심한 이론적 이해를 바탕으로 지휘자는 점차 연주 계획에 대한 아이디어를 발전시킵니다.
악보의 모든 세부 사항을 연구한 후 지휘자는 작업 전체를 다시 다루지만 새롭고 더 높은 수준에서 모든 세부 사항을 하나의 조화로운 프레젠테이션으로 결합합니다. 명확한 예술적 계획이 세워진 후에야 특정 공연 계획이 세워졌을 때만 오케스트라와 함께 리허설을 진행할 수 있습니다.
리허설을 시작하기 전에 지휘자는 모든 부품의 가용성을 확인하고 악보와 비교하고 디지털 랜드마크와 역학의 올바른 배치를 명확히 해야 합니다. 각 오케스트라 파트에 대한 터치를 생각하고 예외 없이 모든 보이스에서 이를 명확히 하고 모든 기술적 어려움을 식별하고 뮤지션의 연주 수준을 고려하여 이를 극복할 방법을 개략적으로 설명해야 합니다. 때로는 부분적으로 개별 구절의 복잡한 표현, 연주자에게 불편한 점프, 너무 높은 테시 투라 등이 있습니다. 이 경우 편집 편집이 필요합니다. 물론 이러한 편집은 어떤 경우에도 작성자의 의도를 위반하지 않고 매우 신중하게 수행되어야 합니다.

경험에 따르면 잘 계획된 계획 없이는 리허설에서 유익한 작업이 불가능합니다. 지휘자의 자기 준비의 결과는 다음과 같아야 합니다. 작업에 대한 확립된 해석, 수정된 부분, 명확한 리허설 계획. 안에 일반적으로작품에 대한 리허설 작업 계획은 전체 작품 연주(오케스트라의 기술 수준이 허용하는 경우), 세부 사항 작업, 작품의 최종 마무리 단계로 요약됩니다. 악보에 대한 지휘자의 사전 리허설 작업에서와 같이 이러한 단계의 순서는 일반에서 특정으로, 일반으로 돌아가는 원칙을 따릅니다.

곡을 연주할 때 지휘자는 어려운 오케스트라 에피소드로 연주자의 관심을 끌고 오케스트라가 연주 개념을 일반적인 용어로 알릴 수 있는 기회가 있습니다. 재생하는 동안 오케스트라가 파트를 탐색하는 데 도움이 되는 번호를 호출하는 것이 유용합니다. 작품의 움직임이 차분하면 작가가 정한 속도로 읽을 수 있습니다. 오케스트라 연주자가 작품의 개별적인 세부 사항을 더 잘 이해할 수 있도록 슬로우 모션에서 기술적으로 복잡한 작품에 익숙해질 필요가 있습니다. 동시에 처음부터 잘못된 억양의 표현, 음악 텍스트의 왜곡을 지적해야합니다. 악보를 잘 아는 지휘자는 악보에서 발견할 수 있는 실수나 오케스트라 연주자의 잘못으로 우발적으로 발생할 수 있는 단 하나의 실수도 놓치지 않을 것입니다. 거짓을 듣는 것은 그리 어렵지 않고 어떤 도구를 가지고 있는지 결정하는 것이 더 어렵습니다. 지휘자가 악보의 모든 목소리를 더 명확하게 상상할수록 그는 이것을 더 빨리 결정할 것이고 결과적으로 오류를 제거하는 데 낭비되는 시간이 줄어들 것입니다.

곡에 오케스트라의 어려움이 있는 경우 그들과 함께 리허설을 시작하고 개별 그룹에게 어려운 부분을 연주하도록 요청한 다음 필요한 지침을 제공하는 것이 유용합니다. 조각이 잘 풀리지 않으면 개별 연구를 위해 개요를 작성해야 합니다. 일반 리허설에서는 팀 전체가 바쁘고 한 그룹만으로 오랫동안 작업하지 않아야합니다. 지휘자는 작업의 이 단계에서 무엇을 달성할 수 있는지, 그리고 얼마 후에 수행할 작업을 명확하게 상상해야 합니다.

이미 첫 번째 리허설부터 지휘자의 주의는 지속적으로 지각으로부터 향해야 합니다. 기술적 측면공연을 예술적으로. 연기자가 무엇을 이해하면 모든 기술적 어려움을 더 빨리 극복할 수 있습니다. 예술적 목적그는 그들을 극복해야합니다. 리허설 작업은 기술적인 문제의 해결 자체가 끝이 아니라 작업 내용을 생생하고 표현력 있게 구현하기 위한 수단이라는 것을 그에게 확신시켜야 합니다.
리허설에서의 신중한 작업은 모든 표현 수단을 다루어야 합니다. 동적 음영은 작품의 음악적 이미지를 드러내는 데 도움이 되는 표현 수단 중 하나입니다. 스타일의 요구 사항을 고려한 작품에 대한 철저한 분석을 기반으로 지휘자는 음악 내용에서 발생하는 올바른 뉘앙스를 찾습니다. 동시에 이전의 모든 개발이 노력하는 주요 절정과 개별 부분 및 에피소드의 역동적 인 긴장의 순간을 강조하는 보조 절정을 결정하는 것이 중요합니다.

예를 들어 오케스트라의 경우 잘 알려진 어려움은 음파의 긴 상승과 하강을 실행하는 것입니다. 오케스트라 연주자들은 일반적으로 너무 일찍 정상에 도달하는 크레센도를 기꺼이 연주하고 디미누엔도에서는 너무 일찍 피아니시모로 바뀝니다. 이를 방지하기 위해 예를 들어 크레센도를 사용하여 잘 알려진 기술을 따를 수 있습니다. 더 조용한 소리에서 상승을 시작한 다음 점차적으로 증폭됩니다. 각 뉘앙스의 성격과 강도는 작업 스타일의 특성에서 비롯된다는 점을 기억해야 합니다. 뉘앙스의 변화가 지휘자의 제스처에 반영되는 것이 바람직합니다. 제스처의 진폭과 강도는 첫 번째 리허설에서 오케스트라 단원이 명확하고 이해할 수 있도록 조정되어야 합니다.
지휘자는 리허설에서 연주자에게 악구의 구조를 해독하기 위해 작품의 전체 악구를 미리 자세히 생각할 의무가 있습니다. 숙련 된 음악가조차도 음악을 다른 방식으로 느끼고 지휘자의 임무는 서로 다른 성격을 통합하여 하나의 아이디어에 종속시키는 것입니다.
프레이징 리허설 작업 중에 다양한 동화 방법을 사용할 수 있습니다. 제스처 하나만으로는 충분하지 않습니다. 구문을 구두로 구문 분석하고 정의하는 것은 매우 유용합니다. 앵커 포인트. 꽤 자주 당신은 solfegge해야합니다. 그러기 위해서는 꼭 곱고 아름다운 목소리일 필요는 없지만 분명하고 깨끗하며 표현력 있게 노래를 불러야 합니다. 오케스트레이터는 모두가 구문에 대한 공통된 이해를 실현하는 경우에만 오케스트라의 유연한 사운드를 보장합니다.

성취 좋은 앙상블연주는 오케스트라와 함께 작업할 때 가장 어려운 작업 중 하나입니다. 공동 공연이 무엇보다도 작품의 예술적 의도에 대한 동일한 이해를 요구한다는 것은 잘 알려진 사실입니다. 스타일 기능, 그리고 템포, 다이나믹, 스트로크와 관련된 모든 것.
지휘자는 작품의 질감을 바탕으로 오케스트라 단원들이 각 에피소드에서 맡은 파트의 역할과 의미를 명확하게 상상할 수 있도록 도와주어야 합니다. 종종 초보 오케스트라 연주자는 전체 사운드에 어떤 영향을 미치는지 신경 쓰지 않고 불필요하게 튀어 나와 가능한 한 대담하게 자신의 역할을 수행하려고 노력합니다. 반면에 거짓된 두려움 때문에 소심한 행동을 하는 경우가 빈번하다. 이러한 단점을 극복하기 위해서는 오케스트라 단원들이 전체에서 자신의 파트 역할을 명확히 이해하는 것이 필요하다. 오케스트라 질감점수. 상당히 흔한 실수는 리드 보이스와 동반 보이스 사이의 균형 상실과 관련된 "보조" 계획의 음파를 과부하시키는 것입니다. 그러나 첫 번째 계획은 크게 재생되어야하고 두 번째 계획은 조용히 재생되어야한다는 사실로 귀결되는 사운드 관점에 대한 원시적 이해와 조화를 이룰 수 없습니다. 두 계획의 사운드는 항상 서로 연결되어 있으며 음향 강도의 과도한 차이는 바람직하지 않습니다. 사운드 밸런스는 지휘자뿐만 아니라 연주자 자신도 제어해야 합니다.

연주의 앙상블을 달성하는 데 있어서 스트로크의 정확성과 정확도는 매우 중요합니다. 획을 선택할 때 지휘자는 때때로 자유로운 것처럼 보입니다. 모든 획이 악보에 표시되는 것은 아닙니다. 그리고 특히 현악기를 다른 획으로 연주하는 것은 음악 작문의 본질을 왜곡합니다. 리더 이후 민속 오케스트라기본 악기에 능숙해야 하며, 그가 직접 또는 그룹의 반주자와 함께 다양한 스트로크를 시도하고 가장 정확한 것을 찾아 오케스트라에 제공하는 것이 유용할 것입니다. 초기에는 도체가 일괄 작업하여 동일한 스트로크를 달성하는 것이 유용합니다. 부품에 표시된 스트로크는 일반적으로 오케스트라의 가장 평범한 연주자가 수행 할 수있는 권한 내에 있으며 지휘자의 임무는 스트로크 표현력을 완고하게 달성하는 것입니다.

실제로 지휘자는 공연에서 매우 흔한 결점과 끊임없이 씨름해야 합니다. 역학의 변화는 경험이 부족한 연주자가 템포에서 벗어나도록 부추깁니다. 일반적으로 소리가 올라가면 템포가 빨라지고 떨어지면 느려집니다. 음악과 질감의 특성이 크게 다른 프레이즈를 번갈아 가며 사용할 때도 동일한 불법적인 템포 위반을 관찰할 수 있습니다. 지휘자는 오케스트라에서 적절한 리듬 규율을 지속적으로 이끌어내야 합니다. 리허설 작업에서는 종종 경험이 부족한 오케스트라 연주자가 자신을 제어하는 방법을 모르기 때문에 사운드 품질에 상당한 주의를 기울여야 합니다. 지휘자는 현과 관련하여 피크의 정확한 각도에 따라 좋은 사운드 생성을 주의 깊게 모니터링해야 합니다. (예를 들어, domra 그룹에서 불쾌한 "개방" 사운드가 나타날 수 있습니다.) 프렛에 대한 현의 약한 압력으로 인해 음질이 좋지 않은 사운드가 자주 발생합니다. 나쁜 트레몰로를 연주하는 일부 오케스트라 연주자는 칸틸레나 장소에서 현에서 현으로 거의 이동할 수 없으며 지휘자의 임무는 오케스트라가 좋은 소리와 나쁜 소리를 구별하도록 가르치는 것입니다.
연주 앙상블 작업을 할 때 선율을 이끄는 악기가 잘 들리지 않는다면 억지로 연주해서는 안 된다는 점을 기억해야 한다. 이것은 또한 음질 저하로 이어집니다. 솔로 보이스와 겹치는 악기를 음소거하여 원하는 악기 음색을 강조하는 것이 좋습니다.

때로는 오케스트라 연주자가 지휘자의 지시를 즉시 이해하지 못하거나 기술적 복잡성으로 인해 그의 요구 사항을 이행할 수 없는 경우가 있습니다. 그런 다음 지휘자는 수행 작업을 회상하면서 필요한 만큼 악절을 반복해야 합니다. 그렇지 않으면 음악가들은 연주의 질이 그대로 유지된다는 사실에 지휘자가 응답하지 않는다고 느낄 것입니다. 그러나 어려움을 극복할 수 없고 부분에 대한 독립적인 연구가 필요한 경우 지휘자는 적절한 지침을 제공한 후 작품의 다음 부분에서 작업을 계속합니다. 연주자 개인의 작은 임의의 오류로 인해 공연을 중단할 필요가 없습니다. 연주자의 주의*를 끌기 위한 몸짓이나 말 한마디로 가능하고 오케스트라 전체의 연주를 멈추지 않고 실수를 바로잡는,
리허설 연습을 하다 보면 공연에 미흡한 부분이 있어도 그만 두는 것을 권하지 않는 경우가 있다. 예를 들어 연주자가 이미 피곤한 경우와 같은 상황이 발생합니다. 지휘자는 오케스트라의 상태를 체감해야 하며, 이 경우 어떻게 하면 더 많은 음악을 연주할 수 있는지: 팀원들에게 음악을 즐길 수 있는 기회를 주거나, 반대로 때로는 게임을 멈추고 오케스트라를 즐겁게 해주는 것이 좋습니다. 농담, 음악에 대한 재미있는 이야기, 작곡가 등
리허설은 "오케스트라의 모든 그룹이 긴 휴식 없이 작업에 참여하여 각 연주자가 언제든지 참여할 수 있도록 구성되어야 합니다. 리더가 개별 파트 작업에 너무 오래 머무르면 나머지 참가자들을 낙담시키십시오.

연극을 분석하고 세부 사항에 대한 신중한 작업을 마친 후 최종 단계가 시작됩니다. 개별 세부 사항을 하나의 전체로 다듬고 결합하여 구성을 최종 템포로 가져오고 연주에 필요한 용이성과 자유를 개발하는 것으로 구성됩니다. 리허설의 성공 여부는 팀과 소통하는 지휘자의 능력에 크게 좌우됩니다. 오케스트라와 함께 작업하려면 원칙, 인내, 정확성 및 인내를 준수해야 합니다. 리허설 중 지휘자의 행동은 연주자에게 모범이 되어야 합니다. 당신은 똑똑하고 조직적이며 수집되어야 합니다. 그는 성가심을 보여서는 안되며 오케스트라에서 오랫동안 무언가가 잘 풀리지 않을 때 긴장해야하며 참가자의 허영심을 모욕해야합니다. 팀장은 항상 정확하고 리허설을 요구하며 수업 시간 외에는 단순하고 인도적인 의사 소통을해야합니다. 여기서 인용하는 것이 적절하다. 유명한 지휘자지휘자 외모의 중요한 측면에 대해 이렇게 말한 Bruno Walther는 다음과 같이 말했습니다. 지휘자는 자신이 음악을 만드는 것이 아니라 다른 사람의 도움을 받아 음악을 만듭니다. 몸짓, 말, 성격의 영향을 통해 지휘자를 지휘할 수 있어야 합니다. 결과는 전적으로 사람들을 이끄는 그의 능력에 달려 있습니다. 여기서 타고난 재능이 결정적인 역할을 합니다. 우리 대화하는 중이 야자신의 의지를 주장하는 능력, 개성의 영향에 대해-이 특성은 일상적인 경험을 사용하여 끊임없는 작업을 통해 개발되어야 합니다. 권위가 없는 사람, 역동적인 의지가 없는 사람은 권력을 가지고 있어도 강한 자리를 차지할 수 없다. 음악적 재능, 능력과 지식. 훌륭한 기술로 그는 피아노와 바이올린에 대한 자신의 감정을 표현할 수 있지만 결코 오케스트라를 자신에게 순종하는 악기로 바꾸지 않을 것입니다.

러시아 민속 악기 연주 분야의 현대적 추세는 다양한 교육 기관에서 필 하모닉 및 문화 궁전에서 다양한 유형의 앙상블 기능과 함께 앙상블 음악 제작의 집중적 인 개발과 관련이 있습니다. 따라서 국가의 음악 학교 및 대학의 민속 악기 부서 및 학부에서 각 앙상블 리더의 목표 교육이 필요합니다.

그러나 앙상블 연주자의 육성은 교육 실습, 일반적으로 알려진 제한 사항과 관련이 있습니다. 교사는 일반적으로 균질 앙상블을 이끌도록 지시받습니다. 이러한 유형의 구성은 전문 공연에서 널리 사용됩니다. 바얀 트리오 A. Kuznetsov, Y. Popkov, A. Danilov, 바얀 듀엣 A. Shalaev-N. Krylov, Ural 바얀 트리오, Kiev Philharmonic 4 중주, Skaz 앙상블 등과 같은 유명한 앙상블을 회상하는 것으로 충분합니다.

의심 할 여지없이 듀엣, 트리오, 바얀 4 중주, 트리오, 돔라 4 중주 및 5 중주, 발랄라이카 유니슨 등과 같은 동종 앙상블로 작업하는 것이 매우 중요합니다. 그럼에도 불구하고 학교 및 대학 교사의 활동에 대한 설명된 제한은 실제로 졸업생이기 때문에 젊은 전문가의 완전한 교육을 방해합니다. 음악 학교혼합 앙상블을 이끌어야 할 필요성에 매우 자주 직면합니다. 대부분 후자는 현악기그리고 버튼 아코디언. 그러한 팀과 함께하는 수업은 교육 과정의 필수적인 부분이 되어야 합니다.

일을 시작하면서 현대 교사는 불가피한 어려움에 직면합니다. 첫째, 심각한 부족 방법론적 문헌러시아 민속 악기의 혼합 앙상블 전용; 둘째, 흥미로운 오리지널 작곡, 필사본, 필사본, 콘서트 연습에 의해 입증되고 고려된 레퍼토리 컬렉션의 수가 제한되어 있습니다. 다양한 수준표시된 작곡의 준비 및 창작 방향. 출판된 방법론적 문헌의 대부분은 굽은 피아노 악기가 포함된 학문적 프로필의 실내악 앙상블에 관한 것입니다. 그러한 간행물의 내용은 포크 앙상블 음악 제작의 특성을 고려하여 상당한 조정이 필요합니다(예를 들어 참조).

이 기사는 러시아 민속 악기의 혼합 5 중주로 작업하는 기본 원칙을 설명합니다. 여기서 전선 실용적인 조언아래 권장 사항은 다른 유형의 혼합 앙상블에 적용됩니다.

이 그룹과 작업하는 과정에서 해결되는 주요 문제는 현악기와 버튼 아코디언의 최적의 음색, 라우드니스 다이내믹 및 스트로크 비율을 결정하는 것입니다(음원의 불일치, 사운드 생성 방법 및 다양한 음향 환경을 기반으로 함).

음색악기는 혼성 앙상블의 무기고에서 가장 눈에 띄는 표현 수단 중 하나입니다. 연주 과정에서 발생하는 다양한 음색 관계에서 악기의 자율적 특성(순수 음색)과 함께 소리를 낼 때 발생하는 조합(혼합 음색)을 구분할 수 있습니다. 깨끗한 음색은 일반적으로 악기 중 하나에 멜로디 솔로가 지정될 때 사용됩니다.

모든 악기의 소리에는 많은 "내부" 음색이 포함되어 있다는 점을 강조해야 합니다. 현악기의 경우 각 현의 음색 "팔레트"를 고려해야 합니다. 이 음색은 테시투라(현의 특정 부분의 사운드 특징을 의미함), 다양한 접촉점에서 음색 간의 불일치, 현(곡괭이 또는 손가락), 곡괭이를 만드는 재료(카프론, 가죽, 플라스틱 등)의 특성 및 다양한 연주 기술의 해당 잠재력. Bayan은 음색의 tessitura 이질성, 오른쪽 및 왼쪽 키보드의 상관 관계, 모피 챔버의 특정 수준의 압력의 도움으로 음색 변화 및 다양한 방법큰 변화뿐만 아니라 밸브 개방.

현악기 중 하나(앙상블 멤버)의 음색을 강조하려면 바로 선택할 수 있는 최신 다중 음색 버튼 아코디언에서 사용할 수 있는 레지스터 조합을 사용하는 것이 좋습니다. 버튼 아코디언과 반주 악기의 음색 융합은 1음성 및 2음성 레지스터에 의해 제공됩니다. 텍스처의 특성에 따라 동일한 바얀 음색을 "강조"하는 것은 현과 함께 필요한 음색 릴리프를 제공하는 모든 다성음 레지스터 조합에 의해 촉진됩니다.

민속 악기의 혼합 앙상블 작업

앙상블은 15-20명 규모의 10-14세 학생으로 구성됩니다. 또한 특수 악기를 마스터하는 데 진전이 있고 앙상블에 참여하고 싶은 의향을 보이는 초등학생도 허용됩니다. 이 앙상블에 포함된 악기: 버튼 아코디언, 프리마 발랄라이카, 베이스 돔라; 오카리나, 리코더, 쿠기클; 숟가락, 래칫, 루벨, 삼각형, kokoshnik 등
이 그룹의 수장은 앙상블을 구성하는 모든 악기를 연주하는 기본 기술과 오케스트라 악보를 쓰고 읽는 기술을 숙달해야 합니다.
악기별로 학생을 배분할 때는 학생의 능력과 의욕, 기질 등을 고려하는 것이 필요하다. 버튼 아코디언, prima balalaika, bass balalaika, bass domra, horn 및 zhaleyka와 같은 악기는 남학생이 마스터하기에 더 좋고 여학생은 플루트, 오카리나, 리코더 및 kugikly에 더 적합합니다. 타악기는 미학과 학생들이 마스터합니다. 이 악기 그룹은 배우기가 매우 쉽고 필요하지 않기 때문입니다. 추가 수업. 다양성 타악기, 연주를위한 다양한 다채로운 기술은 다른 학생들 사이에서도 앙상블 수업에 대한 관심을 불러 일으 킵니다. 음악적 능력. 미학과 학생들을위한 전문 오리엔테이션 팀의 이러한 수업은 수업, 콘서트 공연을위한 추가 조건을 만들어 음악을 만들고자하는 욕구를 자극하고 민속에 대한 관심을 높입니다. 음악적 창의성.
작품을 배우는 초기 단계에서 소그룹 수업(2명에서 6명까지)을 할 수 있으며, 동종 악기(발랄라이카 그룹, 버튼 아코디언, zhaleika, 플루트 그룹)를 연주하는 학생들을 통합하는 동시에 철저한 연습이 가능합니다. 부품에 대한 자세한 분석 개인 작업학생과 함께. 그러한 수업 과정에서 교사는 학생들에게 악기, 착지의 기본, 대형 및 게임의 기본 기술을 소개해야 합니다. 앙상블의 리듬 기반이기 때문에 타악기 그룹에 특별한주의를 기울이는 것이 매우 중요합니다. 타악기 그룹의 경우 다양한 리듬 패턴을 마스터하기 위한 연습 작업에 유용합니다.
소그룹 리허설을 한 후 리더는 전체 앙상블의 통합 리허설을 조직하여 모든 참가자가 자신의 파트를 수행합니다. 앙상블과의 첫 번째 통합 리허설에서는 악기 마스터링을 위한 간단한 연습부터 작업을 시작하는 것이 좋습니다. 다양한 스트로크를 사용합니다. 첫 번째 리허설부터 올바른 스트로크 실행에주의를 기울여야하며 그룹으로 작업하여 성능의 통일성을 달성해야합니다. 연습은 특정 연주 기술을 연구하는 것을 목표로 각 악기에 대해 별도로 선택해야 합니다. 편의상 작업을 작은 부분으로 나누는 것이 좋습니다. 대부분 기간이며 연구중인 연극의 별도 부분에서 작업 할 때 혼동이 없도록 숫자로 지정합니다.
각 리허설 과정에서 리더는 작업 단계에 따라 특정 목표를 설정하고 다른 작업 방법을 사용해야 합니다. 음악.
악보 작업은 악보 읽기, 분석, 어려운 곳 작업, 학습 및 콘서트 공연 등 여러 단계로 나누어야 합니다. 또한 앙상블 연주의 특성을 기억해야 합니다. 기술과 스트로크의 정확한 실행, 리드미컬한 균일성, 동시 사운드 캡처, 악기 간 또는 솔리스트와 앙상블 간의 균형.
교육 과정을 제대로 구축하려면 교육 자료 선택에 책임감을 가지고 접근해야 합니다.
작품을 선택할 때 학생들의 접근성, 흥미로운 콘텐츠 및 새로운 연주 기법에 주의를 기울여야 하며, 프로그램에 독주자가 있는 작품을 포함하는 것이 좋습니다. 덕분에 성악 및 기악 앙상블 연주 기술은 개발. 다양한 장르의 작품을 활용하는 것이 바람직하다.
레퍼토리 목록은 완전하지 않습니다. 관리자가 추가할 수 있습니다. 민속 치료, 다양한 장르의 작품을 자체적으로 편곡합니다.
~에 작년러시아 민속 악기 연주의 역사에 대한 짧은 이론 과정이 도입되었으며 0.25 시간이 할당됩니다 (이 시간은 교사의 재량에 따라 변경 가능).
본격적인 음악가 육성에 없어서는 안될 부분은 콘서트 공연입니다. 이러한 이벤트는 팀을 더욱 통합하고 어린이에게 책임감을 심어줍니다.
이러한 유형의 음악 제작은 어린이들에게 흥미롭고 러시아 문화의 정신을 느끼고 조국을 사랑하고 존중할 수 있습니다.