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응용 예술 및 기타 제품. 응용 예술

장식 및 응용 예술은 사람들의 실용적이고 예술적이고 미적인 요구를 충족하도록 설계된 가정 용품을 만드는 일종의 창의적인 활동입니다.

장식 및 응용 예술에는 다양한 재료와 다양한 기술을 사용하여 만든 제품이 포함됩니다. DPI 주제의 재료는 금속, 나무, 점토, 돌, 뼈가 될 수 있습니다. 제품을 제조하는 기술 및 예술적 방법은 조각, 자수, 페인팅, 쫓기 등 매우 다양합니다. DPI 개체의 주요 특징은 이미지와 장식하려는 욕구로 구성되어 더 좋고 아름답게 만드는 장식성입니다.

장식 및 응용 예술에는 국가적 특성이 있습니다. 특정 민족의 풍습, 습관, 신념에서 비롯된 것이기 때문에 생활방식에 가깝다.

장식 및 응용 예술의 중요한 구성 요소는 민속 예술 공예품입니다. 집단 창의성을 기반으로 예술 작품을 조직하고 지역 문화 전통을 개발하며 수공예품 판매에 중점을 둡니다.

예술과 공예의 종류

몇 가지 유형의 예술과 공예를 더 자세히 살펴 보겠습니다.

Bamtik - 예비 구성을 사용하여 직물에 손으로 칠했습니다. 바틱 그림은 인도네시아, 인도 등의 사람들 사이에서 오랫동안 알려져 왔습니다. 유럽에서는 20 세기부터.

패브릭 - 실크, 면화, 양모, 합성 섬유 - 패브릭에 해당하는 페인트가 적용됩니다. 페인트의 교차점에서 명확한 경계를 얻기 위해 예비 (파라핀, 가솔린, 수성- 선택한 기술, 직물 및 색상에 따라 다름).

기술: 여러 유형의 바틱이 있습니다-뜨거운, 차가운, 결절성, 무료 페인팅. 그들은 조직이 보존되는 방식이 다릅니다.

뜨거운 바틱. 왁스는 뜨거운 바틱에서 예비로 사용됩니다. 왁스는 챈팅이라는 특수 도구를 사용하여 적용됩니다. 왁스 처리된 부분은 페인트를 흡수하지 않으며 확산을 제한합니다. 핫 바틱은 왁스가 "뜨거운" 용융 상태로 사용되기 때문에 핫 바틱이라고 합니다. 이 방법은 주로 면직물의 염색에 사용됩니다. 작업이 완료되면 직물 표면에서 왁스가 제거됩니다. 페인팅 효과는 페인트를 레이어별로 적용하여 얻을 수 있습니다.

콜드 바틱은 주로 실크 염색에 사용되지만 다른 직물도 사용할 수 있습니다. 이 경우 예비의 역할은 특수 재료로 수행됩니다. 집에서 준비할 수 있지만 기성품도 준비되어 있습니다. 고무 기원의 두꺼운 덩어리입니다. 유색 매장량과 무색 매장량이 모두 있습니다. 콜드 리저브는 특수 도구(저장소가 있는 유리관)를 사용하거나 길쭉한 스파우트가 장착된 튜브에 리저브를 사용합니다.

태피스트리(fr. gobelin) - 예술과 공예의 한 유형으로 보푸라기가 없는 벽 카펫으로 줄거리나 장식용 구성이 있으며 실을 십자형으로 짜서 손으로 짠 것입니다. 태피스트리는 유색 실크 및 / 또는 모직 실로 별도의 부분으로 짜여진 다음 함께 꿰매어집니다 (종종 별도의 색 반점). Brockhaus와 Efron은 태피스트리를 "다색의 울과 부분적으로는 실크로 재현한 다소 유명한 예술가의 그림과 특별히 준비된 판지가 있는 손으로 짠 카펫"으로 정의했습니다. 무료 카펫은 태피스트리라고 불렀습니다.

목각은 일종의 예술과 공예입니다 (조각은 또한 톱질, 회전과 함께 예술적 목재 가공 유형 중 하나입니다). 현대 조각은 엄격한 분류가 없으며, 동일한 제품에 여러 유형의 조각이 결합될 수 있기 때문에 조각은 장식 예술의 한 유형입니다. 나무, 돌, 뼈, 테라코타, 옻칠 및 기타 재료를 조각하여 예술적으로 가공하는 방법 조각은 가정 용품을 장식하고 건물을 장식하며 미니어처 플라스틱 작품을 만드는 데 사용됩니다. 3차원, 고부조, 평면 부조, 노치, 윤곽, 관통 및 오버헤드 스레드가 있습니다.

도자기 (Dr. Greek kEsbmpt - 점토) - 무기물, 비금속 재료 (예 : 점토) 및 광물 첨가제와의 혼합물로 만든 제품으로 고온의 영향을 받아 후속 냉각됩니다. 좁은 의미에서 도자기라는 단어는 구워진 점토를 의미합니다. 그러나 이 용어의 현대적 사용은 모든 무기 비금속 재료를 포함하도록 의미를 확장합니다. 세라믹 재료는 투명하거나 부분적으로 투명한 구조를 가질 수 있으며 유리에서 유래할 수 있습니다. 가장 초기의 도자기는 점토 또는 다른 재료와의 혼합물로 만든 도자기로 사용되었습니다. 현재 도자기는 산업자재(기계제작, 기구제작, 항공산업 등), 건축자재, 미술재료, 의약 및 과학분야에서 널리 사용되는 재료로 사용되고 있다. 20세기에는 반도체 산업 및 기타 분야에서 사용하기 위해 새로운 세라믹 재료가 만들어졌습니다.

도자기의 종류. 구조에 따라 파인 세라믹스(유리질 또는 세립 샤드)와 거친(거친 입자 샤드)으로 구분됩니다. 고급 도자기의 주요 유형은 도자기, 반 도자기, 화약, 마졸리카입니다. 거친 도자기의 주요 유형은 도자기입니다.

도자기는 수분 흡수율이 낮은 (최대 0.2 %) 흰색의 조밀 한 소결 파편 (때로는 푸르스름한 색조가 있음)을 가지고 있으며 두드리면 높은 멜로디 사운드를 방출하며 얇은 층에서는 반투명 할 수 있습니다. 유약은 구슬의 가장자리나 도자기 조각의 바닥을 덮지 않습니다. 도자기 원료 - 카올린, 모래, 장석 및 기타 첨가제.

Faience에는 황색을 띤 다공성 흰색 파편이 있으며 파편의 다공성은 9-12%입니다. 높은 다공성으로 인해 파이앙스 제품은 내열성이 낮은 무색 유약으로 완전히 덮여 있습니다. Faience는 일상적인 식기 생산에 사용됩니다. faience 생산을위한 원료는 분필과 석영 모래가 추가 된 백색 연소 점토입니다.

반자기는 물성면에서 자기와 파양스의 중간 위치에 있으며, 조각은 백색이고 흡수율은 3~5%이며 접시 제조에 사용된다.

Majolica는 다공성 파편을 가지고 있으며 수분 흡수율은 약 15 %이며 제품은 매끄러운 표면, 광택, 작은 벽 두께를 가지고 있으며 유색 유약으로 덮여 있으며 장식용 부조 장식이있을 수 있습니다. 주조는 마졸리카를 만드는 데 사용됩니다. 원료 - 백색 연소 점토 (faience majolica) 또는 적색 연소 점토 (도자기 majolica), 범람원, 백악, 석영 모래.

도자기는 적갈색의 도기 (적색 연소 점토 사용), 높은 다공성, 최대 18 %의 수분 흡수율을 가지고 있습니다. 제품은 유색 점토 페인트로 칠한 무색 유약으로 덮을 수 있습니다-engobes (engobe 참조). 주방 및 가정 용품, 장식품.

자수는 예를 들어 천, 캔버스, 가죽, 나무 껍질과 같이 가장 거칠고 밀도가 높은 것부터 가장 좋은 직물인 cambric, 모슬린, 가스, 얇은 명주 그물 등

자수는 다양한 직물, 가죽, 펠트 및 린넨, 면, 모직, 실크(보통 유색) 실, 머리카락, 구슬, 진주, 보석, 스팽글, 동전 등

예술 형식으로서 자수의 주요 표현 수단은 다음과 같습니다. 재료의 미적 특성 (비단의 무지개 빛깔의 광택, 린넨의 반짝임, 금의 광택, 스팽글, 돌, 양모의 푹신함 및 탁함 등); 선의 속성과 자수 패턴의 색 반점을 사용하여 리드미컬하게 명확하거나 변덕스럽게 자유로운 솔기 플레이에 추가로 영향을 미칩니다. 질감과 색상의 자수와 유사하거나 대조되는 배경(패브릭 또는 기타 베이스)이 있는 패턴과 이미지의 조합에서 파생된 효과 ....

편직 - 간단한 도구(크로셰 훅, 뜨개질 바늘) 또는 특수 기계(기계 편직)를 사용하여 루프로 구부리고 루프를 서로 연결하여 연속 스레드로 제품(일반적으로 의류 항목)을 만드는 과정입니다. 4,000년 이상 된 뜨개질을 한 아동용 신발이 이집트 무덤에서 발견되었습니다.

Macrame (아랍어 - 브레이드, 프린지, 레이스 또는 터키어 - 프린지가있는 스카프 또는 냅킨) - 결절 직조 기술.

이 결절 직조 기술은 고대부터 알려져 왔습니다. 일부 보고서에 따르면 마크라메는 VIII-IX 세기에 동양에서 유럽으로 왔습니다. 이 기술은 고대 이집트, 아시리아, 이란, 페루, 중국, 고대 그리스에서 알려졌습니다.

마크라메의 발전은 항해 함대의 도움을 많이 받았습니다. 고대부터 선원들은 그물을 짜고, 매듭으로 케이블을 잇고, 다양한 구조물을 땋고, 땋은 타이어로 스티어링 휠을 장식했습니다. 약 4천 노트가 알려져 있습니다. 매듭 조합은 종종 비정상적으로 복잡했습니다. 아름다움과 독창성으로 인해 많은 바다 매듭이 예술적 공예품 인 마크라메로 전달되었습니다. 결과 패턴은 아름다울 뿐만 아니라 내구성도 뛰어납니다. 고대에 마크라메의 주요 매듭 중 하나 인 더블 플랫이 헤라클레스 매듭이라고 불리는 것은 놀라운 일이 아닙니다.

직조 재료는 대마 또는 린넨 로프, 종이 꼬기, 코드 또는 실크 낚싯줄, 린넨, 면, 실크 또는 합성 실, 플랫 브레이드, 사이 잘삼과 같이 매우 다를 수 있습니다. 가장 중요한 것은 올바른 노드를 선택하는 것입니다. 테이블에 고정하기위한 작은 크기의 장치 클램프-테이블 또는 의자 뒷면에 부착 된 폼 쿠션 또는 폼 조각 (불규칙한 모양의 제품 짜기 용)-화분 및 갓을 만들기위한 금속 링.

주얼리(Jewelry)는 주얼리(Jewelry)가 창작한 결과물과 과정, 그리고 주얼리(Jewelry)가 주로 개인의 장신구를 목적으로 귀금속(귀금속 등)을 소재로 제작한 주얼리의 오브제와 작품의 총체를 일컫는 용어이다. 그리고 보석. 장신구 또는 물체가 장신구로 명확하게 분류되려면 해당 장신구가 세 가지 조건을 충족해야 합니다. 하나 이상의 귀중한 재료가 해당 장신구에 사용되어야 하고, 해당 장신구는 예술적 가치가 있어야 하며, 그것은 독특해야 합니다, 즉 그것을 만드는 예술가-보석상에 의해 복제되어서는 안 됩니다. 예를 들어 머리카락이나 옷의 주름을 고정하는 머리핀 형태로 기능적으로 사용됩니다.

모자이크 (fr. mosapque, ital. lat. (opus) musivum - (work) muses 전용) - 다양한 장르의 장식, 응용 및 기념비적 예술, 배열, 타이핑을 통한 이미지 형성을 포함하는 작품 표면 (일반적으로 평면)에 여러 가지 색의 돌, smalt, 세라믹 타일 및 기타 재료를 고정합니다.

데쿠파주. 직물에 패턴을 만드는 또 다른 장식 기법은 데쿠파주입니다. 이 방법은 이미지를 조심스럽게 잘라내어 어떤 표면에도 붙일 수 있습니다. 작업을 시작하기 전에 천을 씻어야한다는 점은 주목할 가치가 있습니다. 이렇게하면 패턴이 단단히 고정됩니다. 데쿠파주 전에 표면을 특수 접착제로 처리해야 합니다. 표면에 겹쳐진 패브릭 패턴은 동일한 접착제로 덮여 있습니다. 작업의 마지막 단계에서 제품을 반대쪽에서 다림질해야 합니다.

“플로리안 모자이크는 접착제와 다양한 나무의 잎사귀 조각, 풀잎만을 사용하는 페인팅 기법입니다. 물감은 한 획도, 연필의 가장 가는 획도 없습니다. 이 그림은 잎사귀로 그려져 있으며 응용 플로리스트 리에서 관례적인 것처럼 자연 재료로 능숙하게 구성된 것이 아닙니다.

이 기술은 아티스트 Yurkov Alexander Nikolaevich가 발명하고 명명했습니다. 그의 그림과 무지개 빛깔의 숲 개울의 시원함, 첫 눈의 참신함, 사랑하는 사람의 눈에 띄는 얼굴 특징에서 가장 미묘한 범위의 음영을 전달할 수 있습니다.

Khokhloma - 우리 시대에 Khokhloma 제품을 마무리하는 기술은 계속해서 많은 예술과 공예의 대가를 끌어들입니다. Khokhloma 제품은 린든, 아스펜, 자작 나무와 같은 현지 견목으로 만들어집니다. 마른 나무에서-작은 크기의 "변", "능선"의 두꺼운 블록으로 톱질, 블랭크 및 "churaks"를 깎습니다. 터닝 샵에서는 거대한 공작물이 구상된 제품인 "추락"으로 변형됩니다. 뒤집힌 제품은 다시 건조되고 나서야 페인팅을 위해 준비하는 피니셔에게 전달됩니다. 때로는 하나의 제품이 마스터 피니셔의 손을 최대 30번 통과하기도 합니다.

Khokhloma 그림은 "말"과 "배경"이라는 두 가지 유형의 글쓰기와 밀접하게 관련된 장식 클래스가 특징입니다. "말" 그림은 금속화된 표면에 플라스틱 스트로크로 적용되어 자유로운 투각 패턴을 형성합니다. 말 쓰기의 고전적인 예는 금색 배경에 일종의 그래픽 패턴을 만드는 빨간색과 검은색 덤불, 줄기가 있는 "잔디" 또는 "잔디 그림"입니다.

lat. - 데코레이션) : 사람들의 실용적이고 예술적이며 미적 요구를 모두 충족하도록 설계된 가정 용품을 만드는 기술. 장식 및 응용 예술은 고대에 발생하여 수세기에 걸쳐 민속 예술 공예의 형태로 발전했습니다. 사물의 미적 특성은 그 용도, 재료의 특성, 제조 기술에 따라 결정됩니다. 제품은 실용적인 목적을 가질 수 있습니다(페인트 컵, 패브릭, 상감 세공 가구). 여기에서 장식 요소가 형태와 실제 목적에 의존하는 것이 가장 분명합니다. 장식 마감, 건물 및 인테리어의 정면 페인팅은 비유적이고 표현적인 수단을 훨씬 더 자유롭게 사용할 수 있습니다. 건축 앙상블의 일부인 장식 패널, 장식 조각상도 독립적인 것으로 간주될 수 있습니다. 예술 작품. 그렇기 때문에 미학과 미술사에는 "장식 예술"이라는 개념과 함께 "기념비적인 장식 예술"이라는 개념이 있습니다. 객관적인 세계의 미적 품질을 향상시키도록 고안된 디자인의 발달로 인해 장식 및 응용 예술 제품의 생산은 점차 소규모 시리즈 또는 개별 작품 제작으로 제한되고 있습니다.

훌륭한 정의

불완전한 정의 ↓

예술 및 응용 예술

위도에서. decoro-나는 장식합니다)-사람의 일상적인 요구를 충족시키는 동시에 그의 미적 요구를 충족시켜 아름다움에 생명을 불어 넣는 예술 유형입니다. D.-p에게. 그리고. 다양한 재료(전통적으로 목재, 점토, 석재, 직물, 유리, 금속)로 만든 제품을 포함합니다. 고대부터 창조된 제품의 사람들은 긴급한 실용주의적 요구를 충족시켰을 뿐만 아니라 "그리고 미의 법칙"(마르크스). 제품의 아름다움 D.-p. 그리고. 형태의 장식성으로 인해 달성되었습니다. 고대의 장식의 한 유형은 장식품입니다 (lat. Ornamentum-decoration)-리듬 반복으로 제품에 적용되거나 구조적 기초가되는 패턴입니다. 원시 예술에서 장식된 물체의 모습은 다음과 관련이 있습니다. 노동 활동 그리고 마법의 의식. 일종의 예술가로서. 창의성 D.-p. 그리고. 공예가 독립적인 생산 분야(예술적 공예)로 선정되었을 때 마침내 형태를 갖추게 됩니다. 이미 제조 단계에 있는 추가적인 사회적 분업은 제조된 물건의 유용성과 아름다움, 기능 및 장식이 다양한 전문가의 관심사가 되었다는 사실로 이어졌습니다. 산업 혁명 이전에 전체 제품은 장인과 그의 견습생 (Gorky에 따르면 공예에서 분리되었을 때 예술의 창시자였던 대장장이, 도예가, 재봉사)이 손으로 만들었습니다. 산업 기계화 시대에 제품이 미적 가치를 잃지 않기 위해 제품 전체의 생산이 아니라 장식 만 포함하는 기능을 가진 아티스트가 초대되었습니다. 아티스트는 "적용"하기 시작했습니다. 완제품에 대한 그의 예술. 따라서 산업 생산의 확장과 함께 응용 예술의 방법이 그림, 조각, 상감 등으로 제품을 마무리하는 예술 산업이 발생합니다. 그러나 물체의 아름다움은 장식에만있는 것이 아닙니다. 이것은 또한 많은 예술이 필요합니다. 개체는 디자인, 비율 및 세부 사항에서 전체적으로 표현력이 있어야 합니다. 이것이 현대에서 "응용 예술"이라는 용어가 사용되는 이유입니다. 적용이 정확하지 않습니다. 응용 예술의 방법은 가정 용품 (예 : 컵, 천을 칠하거나 수세기 동안 작업 한 사냥 용 소총, 단검 모양의 상감)을 만드는 분야와 관련하여 만 생산적입니다. "장식 예술"이라는 용어는 예술성 측면에서 생산된 대상을 특징 짓기 때문에 범위가 넓고 정확합니다. 건축 인테리어 디자인(장식 디자인 아트)의 영역을 사인하고 포착합니다. 산업 생산 분야에서 디자인이 새로운 유형의 미적 활동으로 등장하면서 특정 미적 특성을 가진 소비재에 대한 대량 수요를 충족시키는 문제를 성공적으로 해결하면서 육체 노동과 관련된 응용 예술 방법의 적용은 일반적으로 소규모 제품 시리즈 생성으로 제한됩니다. 게다가, 이 새로운 단계에서 D.-p. 그리고. 유틸리티의 요구 사항과 관련되지 않고 사회 생활에서 영적 의미를 확장하고 심화하여 이젤 및 기념비적 예술 수준으로 올라갑니다. 이 일반적인 개발 과정 D. - 항목. 그리고. "순수한" 주장과 "적용된" 주장 사이의 오래된 격차를 극복했음을 증언합니다. 장식 예술은 건축 인테리어 디자인(장식 그림, 장식 조각, 부조, 플라폰, 꽃병 등)과 밀접한 관련이 있습니다. 디.). 이 경우 주로 기념비적 예술과 함께 다른 예술과 종합적으로 제시됩니다. 이 합성의 가장 두드러진 표현은 패널, 모자이크, 프레스코화, 스테인드 글라스 창, 태피스트리, 카펫, 치장 벽토 장식과 같은 다양한 순수 예술입니다. 일부 예술가와 예술 이론가 (예 : V. I. Mukhina, Yu. D. Kolpinsky)가 미학에 "기념물 및 장식 예술"이라는 개념을 도입 한 것은 우연이 아닙니다. 하나 더 영역 D. - 항목. 그리고. 예술가 자신의 장식과 직접 연결됩니다. 만든 옷(의상)과 보석류, D.-p. 그리고. 기능적 측면뿐만 아니라 재료(금속, 도자기, 유리 등 또는 더 차별화: 은, 청동, 도자기, 화약, 크리스탈 등) 및 기술(회화, 조각, 쫓기, 캐스팅 등). 사람들의 일상에 포함된 D.-p. 건축 및 디자인과 함께 미적 교육의 영구적인 요소입니다.

2011년 2월 15일 화요일 오전 10:20 + 인용 패드에

이 기사는 "마스터 국가"(대부분) 사이트의 자료를 기반으로 작성되었습니다.

최근에 발견된 "명인의 나라"라는 사이트를 공부하고 다양한 응용 미술 기법과 우리 민족의 재능에 놀라움과 감탄을 멈추지 않고 기법을 체계화하기로 결정했습니다.
새로운 기술이 발견되면 목록이 업데이트됩니다.

* 종이 사용과 관련된 기술:

1. 아이리스 접기("무지개 접기") - 종이 접기 기술. 네덜란드에 나타났습니다. 이 기술에는 주의와 정확성이 필요하지만 동시에 멋진 엽서를 쉽게 만들거나 흥미로운 장식 요소로 기억에 남는 앨범(스크랩북)의 페이지를 장식할 수 있습니다.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/776

2. 창의성 측면에서 종이 플라스틱은 조각과 매우 유사합니다. 그러나 종이 플라스틱에서 모든 제품은 내부가 비어 있고 모든 제품은 묘사된 대상의 껍질입니다. 그리고 조각에서는 추가 요소로 볼륨을 늘리거나 초과분을 제거(잘라내기)합니다.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/462

3. 골판지 튜브 - 골판지 튜브를 사용하여 표면을 장식하거나 3차원 형상을 만드는 제품을 만드는 기술의 이름입니다. 골판지 튜브는 막대기, 연필 또는 뜨개질 바늘에 종이 조각을 감은 다음 압축하여 얻습니다. 압축된 주름관은 모양이 잘 유지되며 다양한 실행 및 사용 옵션이 있습니다.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1492

4. Quilling (영어 quilling에서 - quil "bird feather"라는 단어에서 유래) - 종이 롤링 기술. 에서 유래 중세 유럽, 수녀들은 새의 깃털 끝에 금박을 입힌 가장자리가 있는 종이 조각을 비틀어서 금 미니어처를 모방하여 메달을 만들었습니다.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/587
http://stranamasterov.ru/node/1364

4. 종이 접기(일본 문자: "접힌 종이")는 종이 그림을 접는 고대 예술입니다. 종이 접기 기술은 종이가 발견된 고대 중국에 뿌리를 두고 있습니다.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/560
종류:
- Kirigami - 모형을 만드는 과정에서 가위와 종이 자르기를 사용할 수 있는 일종의 종이접기입니다. 이것은 kirigami와 다른 종이 접기 기술의 주요 차이점이며 kiru-cut, kami-paper라는 이름으로 강조됩니다.
팝업은 예술의 전체 트렌드입니다. 이 기술은 기술의 요소를 결합합니다.
- Kirigami 및 Cutouts를 사용하면 평평한 그림으로 접히는 3차원 디자인과 엽서를 만들 수 있습니다.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1723
- Kusudama(일본어: "약알") - 일반적으로(항상 그런 것은 아님) 많은 동일한 피라미드형 모듈(일반적으로 정사각형 종이에서 접힌 양식화된 꽃)의 끝을 함께 바느질하여 형성되는 종이 모델입니다. 구형체 형태를 얻습니다. 또는 개별 구성 요소를 함께 붙일 수 있습니다(예: kusudama on 하단 사진꿰매지 않고 완전히 접착). 때로는 장식으로 술이 아래에서 붙어 있습니다.
kusudama의 예술은 kusudama가 향과 마른 꽃잎의 혼합물에 사용되었던 고대 일본 전통에서 비롯됩니다. 이것은 꽃이나 허브의 최초의 진정한 꽃다발이었을 것입니다. 단어 자체는 두 일본어 단어 kusuri (약)와 tama (공)의 조합입니다. 현재 kusudami는 일반적으로 장식용이나 선물용으로 사용됩니다.
Kusudama는 특히 모듈식 종이접기의 선구자로서 종이접기의 중요한 부분입니다. kusudama를 구성하는 요소는 모듈식 종이접기가 제안하는 것처럼 서로 중첩되지 않고 꿰매거나 접착되기 때문에 종종 잘못된 모듈식 종이접기와 혼동됩니다.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/850
- 원에서 종이 접기 - 종이 원에서 접는 종이 접기. 일반적으로 아플리케는 접힌 부분에서 접착됩니다.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1636
- 종이접기 모듈 - 삼각형 종이접기 모듈에서 3차원 도형 생성 - 중국에서 발명됨. 전체 그림은 많은 동일한 부품(모듈)으로 조립됩니다. 각 모듈은 한 장의 종이에서 고전 종이 접기의 규칙에 따라 접힌 다음 모듈을 서로 중첩하여 연결합니다. 결과적인 마찰력은 구조가 분해되는 것을 허용하지 않습니다.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/15

5. Papier-mâché(fr. papier-mâché "씹은 종이")는 접착제, 전분, 석고 등과 섬유질 재료(종이, 판지)의 혼합물로 얻은 쉽게 성형된 덩어리입니다. Papier-mâché는 인형을 만드는 데 사용됩니다. , 마스크, 교구, 장난감, 연극 소품, 상자. 어떤 경우에는 가구도.
Palekh의 Fedoskino에서는 Kholui papier-mâché가 전통적인 래커 미니어처의 기초를 만드는 데 사용됩니다.
페인트뿐만 아니라 페이퍼 마쉐 블랭크를 장식할 수 있습니다. 유명한 예술가, 그러나 decoupage 또는 assemblage를 사용합니다.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/561

7. 엠보싱(다른 이름은 "엠보싱") - 종이, 판지, 고분자 재료또는 플라스틱, 호일, 양피지("양피지"라고 하는 기술, 아래 참조), 가죽 또는 자작나무 껍질에 재료 자체가 가열 유무에 관계없이 볼록 또는 오목 스탬프로 엠보싱 처리되며 때로는 추가 사용 호일과 페인트. 엠보싱은 주로 제본 표지, 엽서, 초대장, 라벨, 소프트 포장 등
이러한 유형의 작업은 재료의 힘, 질감 및 두께, 절단 방향, 레이아웃 및 기타 요인과 같은 여러 요인에 의해 결정될 수 있습니다.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1626
종류:
- 양피지 - 양피지(두꺼운 왁스 칠한 트레이싱 페이퍼)는 엠보싱 도구로 가공되며 가공 중에 볼록해지고 하얗게 됩니다. 이 기법에서는 흥미로운 엽서를 얻을 수 있으며 스크랩 페이지를 디자인하는 데에도 이 기법을 사용할 수 있습니다.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1705
- 텍스처링 - 포일 스탬핑을 시뮬레이션하기 위해 일반적으로 금속 종이와 같은 매끄러운 재료에 상투적인 이미지를 적용합니다. 특정 품종의 가죽을 모방하는 데도 사용됨(예: 악어 가죽을 모방한 패턴의 진부한 표현 등)

* 직조 관련 기술:
인간은 도자기보다 훨씬 일찍 직조를 배웠습니다. 처음에 그는 주택 (지붕, 울타리, 가구), 다양한 필요에 맞는 모든 종류의 바구니 (요람, 투사, 마차, 거북이, 바구니) 및 길고 유연한 가지에서 신발을 엮었습니다. 남자는 머리를 땋는 법을 배웠습니다.
이러한 유형의 바느질 작업이 발전함에 따라 점점 더 다양한 적용 재료가 등장했습니다. 덩굴과 갈대, 밧줄과 실, 가죽과 자작 나무 껍질, 철사와 구슬, 신문에서 .... 직조, 자작 나무 껍질로 짜는 것과 같은 직조 기술 그리고 갈대가 나타났다. ...
결과적으로 이러한 유형의 바느질 작업은 여전히 인기가 있습니다. 그것을 사용하면 아름답고 유용한 것을 많이 짜서 우리 집을 장식 할 수 있기 때문입니다.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/302

1. 구슬 자체와 마찬가지로 구슬 장식은 오랜 역사를 가지고 있습니다. 고대 이집트인들은 구슬 실로 목걸이를 짜는 방법, 끈 팔찌, 구슬 그물로 여성용 드레스를 덮는 방법을 처음으로 배웠습니다. 그러나 19세기가 되어서야 구슬 생산이 본격적으로 번창하기 시작했습니다. 오랫동안 베네치아 사람들은 유리 기적을 만드는 비밀을 조심스럽게 지켰습니다. 장인과 공예가들은 옷과 신발, 지갑과 핸드백, 부채와 안경 케이스, 기타 우아한 구슬을 장식했습니다.
미국에서 구슬이 등장하면서 원주민들은 전통적인 인도의 친숙한 재료 대신 그것을 사용하기 시작했습니다. 의식 벨트, 요람, 머리띠, 바구니, 머리망, 귀걸이, 스너프 상자..
파 노스에서는 모피 코트, 높은 모피 부츠, 모자, 순록 마구, 가죽 선글라스를 장식하는 데 구슬 자수가 사용되었습니다.
우리 증조모는 매우 창의적이었습니다. 엄청나게 다양한 우아한 장신구 중에는 놀라운 아이템이 있습니다. 붓과 분필 케이스, 이쑤시개(!) 케이스, 잉크통, 펜과 연필, 애견 목걸이, 코스터, 레이스 목걸이, 부활절 계란, 체스 판 및 훨씬 더.
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2. Ganotel - 독점 몰타 바느질. 제단을 장식하기 위해 아름다운 꽃을 만드는 이 기술이 오늘날까지 보존된 곳은 지중해의 수도원들입니다.
가누텔은 얇은 나선형 와이어와 실크 실을 사용하여 부품과 구슬, 진주 또는 씨앗 구슬을 감습니다. 화려한 꽃은 우아하고 가볍습니다.
16세기에 금이나 은으로 만든 나선형 철사는 이탈리아어로 "canutiglia"라고 불렸고 스페인어로 "canutillo"라고 불렀는데 러시아어에서는 이 단어가 아마도 "gimp"로 변형되었을 것입니다.
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3. Macrame (아랍어 - 브레이드, 프린지, 레이스 또는 터키어 - 스카프 또는 프린지가있는 냅킨) - 결절 직조 기술.
이 결절 직조 기술은 고대부터 알려져 왔습니다. 일부 보고서에 따르면 마크라메는 VIII-IX 세기에 동양에서 유럽으로 왔습니다. 이 기술은 고대 이집트, 아시리아, 이란, 페루, 중국, 고대 그리스에서 알려졌습니다.
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4. 보빈에 레이스 짜기. 러시아에서는 Vologda, Yelets, Kirov, Belevsky, Mikhailovsky 공예품이 여전히 알려져 있습니다.
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5. 태팅은 짜여진 결절 레이스입니다. 이 레이스는 특수 셔틀로 짜여져 있기 때문에 셔틀 레이스라고도합니다.
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* 회화와 관련된 기법, 다양한 방식페인팅 및 이미징:

드로잉은 시각 예술의 한 장르이며 주로 선과 획에서 그래픽 수단, 그리기 요소(그림 요소와 반대)를 사용하여 표면 또는 개체에 시각적 이미지(이미지)를 생성하는 해당 기술입니다.
예: 목탄 그림, 연필 그림, 잉크 및 펜 그림...
페인팅 - 단단하거나 유연한 베이스에 페인트를 적용하여 시각적 이미지를 전송하는 것과 관련된 순수 예술의 한 유형입니다. 디지털 기술을 사용하여 이미지를 생성합니다. 그런 방식으로 만들어진 예술 작품도 마찬가지입니다.
회화의 가장 일반적인 작품은 들것에 늘어진 캔버스, 나무, 판지, 종이, 처리된 벽면 등과 같이 평평하거나 거의 평평한 표면에 만들어집니다. 복잡한 모양.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1218

1. 바틱 - 예비 구성을 사용하여 직물에 손으로 칠합니다.
바틱 기술은 파라핀, 고무 접착제, 일부 기타 수지 및 바니시를 직물(실크, 면, 양모, 합성 섬유)에 적용할 때 페인트가 통과하지 못하게 한다는 사실에 기반합니다. 예술가들은 직물의 개별 부분을 염색하는 것을 "보유"한다고 말합니다.
바틱에는 열, 냉, 결절, 프리 페인팅, 식염수를 사용한 프리 페인팅, 시보리 등 여러 유형이 있습니다.
바틱 - 바틱은 인도네시아어입니다. 인도네시아어에서 번역된 "ba"라는 단어는 면직물을 의미하고 "-tik"은 "점" 또는 "방울"을 의미합니다. Ambatik - 그리기, 방울로 덮기, 부화.
그림 "바틱"은 인도네시아, 인도 등의 사람들 사이에서 오랫동안 알려져 왔습니다. 유럽에서는 20 세기 이후입니다.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/916

2. 스테인드 글라스(lat. Vitrum - 유리)는 장식 예술의 한 유형입니다. 유리 또는 기타 투명 재료가 기본 재료입니다. 스테인드 글라스 창의 역사는 고대부터 시작됩니다. 처음에는 유리를 창이나 출입구에 삽입한 다음 첫 번째 모자이크 그림과 독립적인 장식 구성, 유색 유리 조각으로 만든 패널 또는 일반 유리에 특수 페인트로 칠한 패널이 나타났습니다.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/886

3. 블로잉 - 튜브를 통해 페인트를 블로잉하는 기술(종이 위에). 이 고대 기술은 고대 이미지 제작자 모두에게 전통적이었습니다 (뼈 튜브가 사용됨).
주스 용 현대식 튜브는 사용하기에 나쁘지 않습니다. 그들은 소량에서 알아볼 수 있고 독특하며 때로는 환상적인 그림을 날려 버리는 데 도움이됩니다. 액체 페인트한 장의 종이에.

4. Guilloche - 연소 장치를 사용하여 직물에 투각 패턴을 수동으로 연소하는 기술은 Zinaida Petrovna Kotenkova가 개발하고 특허를 받았습니다.
Guilloche는 정밀한 작업이 필요합니다. 1회에 실시해야 합니다. 색 구성표주어진 구성의 장식 스타일에 해당합니다.
냅킨, 아플리케가있는 패널, 책용 책갈피, 손수건, 목걸이-이 모든 것, 그리고 당신의 상상력이 당신에게 말할 훨씬 더 많은 것이 모든 집을 장식합니다!
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1342

5. Grattage (프랑스 강판에서 - 긁기, 긁기) - 긁기 기술.
그림은 잉크로 채워진 종이 또는 판지에 펜이나 날카로운 도구로 긁어서 강조 표시됩니다 (흐려지지 않도록 약간의 세제 또는 샴푸를 몇 방울 추가해야 함).
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/686

6. 모자이크는 가장 오래된 예술 중 하나입니다. 이것은 작은 요소에서 이미지를 만드는 방법입니다. 모자이크를 맞추는 것은 매우 중요합니다. 정신 발달어린이.
병 뚜껑, 구슬, 단추, 플라스틱 칩, 나뭇가지나 성냥의 나무 톱으로 자른 것, 자기 조각, 유리, 세라믹 조각, 작은 돌, 껍질, 열모자이크, 테트리스모자이크, 동전, 직물 또는 종이, 곡물, 곡물, 단풍나무 씨앗, 파스타, 모든 천연 재료(콘 비늘, 바늘, 수박 및 멜론 씨앗), 연필 부스러기, 새 깃털 등
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/438

7. 모노타입(그리스 모노 - 하나, 단일 및 투포 - 인쇄) - 가장 간단한 그래픽 기술 중 하나.
유리 또는 두꺼운 광택 용지의 매끄러운 표면 (물을 통과시키지 않아야 함)-구 아슈 페인트 또는 페인트로 그림을 그립니다. 한 장의 종이를 위에 놓고 표면에 눌렀습니다. 결과는 미러 이미지입니다.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/663

8. 스레드 그래픽(스레드, 스레드 이미지, 스레드 디자인) - 그래픽 이미지, 골판지 또는 기타 단단한 바닥에 실을 사용하여 특별한 방식으로 제작되었습니다. 스레드 그래픽은 때때로 아이소그래피 또는 카드보드 자수라고도 합니다. 벨벳(벨벳 종이)이나 두꺼운 종이를 베이스로 사용해도 됩니다. 실은 일반 재봉, 모직, 치실 등이 될 수 있습니다. 유색 실크 실을 사용할 수도 있습니다.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/452

9. 장식품(Latin ornamentum - 장식) - 구성 요소의 반복 및 교체를 기반으로 한 패턴. 다양한 아이템(기구, 도구 및 무기, 직물, 가구, 서적 등), 건축 구조물(외부 및 내부 모두), 조형 예술 작품(주로 적용됨), 원시인과 인체 자체 (색칠, 문신). 일반적으로 장식품은 장식하고 시각적으로 구성하는 표면과 관련하여 적용 대상의 건축학을 드러내거나 강조합니다. 장식은 추상적인 형태로 작동하거나 실제 모티프를 양식화하여 종종 알아볼 수 없을 정도로 도식화합니다.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1222

10. 인쇄합니다.
종류:
- 스폰지 인쇄. 이를 위해 바다 스폰지와 설거지 용 일반 스폰지가 모두 적합합니다.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1094
나무는 보통 진부한 문양으로 각인을 할 때 출발 재료로 사용되기 때문에 손에 들고 다니기 편리하다. 한쪽이 균일하게 만들어지기 때문입니다. 판지가 붙여지고 판지에 패턴이 붙여집니다. 그것들 (패턴)은 종이, 밧줄, 오래된 지우개, 뿌리 작물에서 나올 수 있습니다 ...
- 스탬프(스탬핑). 나무는 보통 진부한 문양으로 각인을 할 때 출발 재료로 사용되기 때문에 손에 들고 다니기 편리하다. 한쪽이 균일하게 만들어지기 때문입니다. 판지가 붙여지고 판지에 패턴이 붙여집니다. 그것들 (패턴)은 종이, 밧줄, 오래된 지우개, 뿌리 작물 등에서 나올 수 있습니다.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1068

11. Pointillism (fr. Pointillisme, 말 그대로 "점선") - 팔레트에서 혼합되지 않는 순수한 페인트를 사용하는 그림의 쓰기 스타일로, 직사각형 또는 원형 모양의 작은 획으로 적용되며, 시각적 혼합을 기반으로 합니다. 팔레트에서 페인트를 혼합하는 것과 달리 보는 사람의 눈. 세 가지 기본 색상(빨간색, 파란색, 노란색)과 추가 색상 쌍(빨간색-녹색, 파란색-주황색, 노란색-보라색)의 광학적 혼합은 기계적 안료 혼합보다 훨씬 더 큰 밝기를 제공합니다. 시청자가 멀리서 또는 축소 된 형태로 그림을 인식하는 단계에서 발생합니다.
Georges Seurat는 스타일의 창시자였습니다.
점묘법의 또 다른 이름은 분할주의(라틴어 divisio - 분할, 분쇄)입니다.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/700

12. 손바닥으로 그리기. 어린 아이들은 붓을 사용하기가 어렵습니다. 아이에게 새로운 감각을 줄 매우 흥미로운 활동이 있습니다. 미세 운동 능력새로운 것을 발견할 수 있는 기회를 제공할 것입니다. 마법의 세계예술적 창의성은 손바닥 그림입니다. 손으로 그림을 그리는 작은 예술가들은 상상력과 추상적 사고력을 키웁니다.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1315

13. 잎사귀로 그림 그리기. 다양한 낙엽을 모은 후 정맥 측면에서 구 아슈로 각 잎을 닦습니다. 인쇄할 용지는 컬러 또는 흰색일 수 있습니다. 페인트면이있는 시트를 종이에 대고 "꼬리"(잎자루)를 잡고 조심스럽게 제거하십시오. 이 과정은 계속해서 반복될 수 있습니다. 이제 세부 사항을 마치면 이미 나비가 꽃 위로 날아갑니다.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/667

14. 페인팅. 수세기 동안 필수적인 부분이었던 가장 오래된 유형의 민속 공예 중 하나입니다. 일상 생활그리고 독창적인 문화사람들. 러시아 민속 예술에는 이러한 유형의 예술과 공예품이 많이 있습니다.
다음은 그 중 일부입니다.
- Zhostovo 그림 - 늙은 러시아인 민속 공예, 19 세기 초 모스크바 지역 Mytishchi 지역의 Zhostovo 마을에서 발생했습니다. 가장 중 하나입니다 알려진 종러시아 민화. Zhostovo 트레이는 손으로 칠합니다. 일반적으로 꽃다발은 검정색 배경에 그려져 있습니다.
- Gorodets 그림 - 러시아 민속 예술 공예. 19세기 중반부터 존재해왔다. Gorodets시 근처. 밝고 간결한 Gorodets 그림 (장르 장면, 말 인형, 수탉, 꽃 패턴)은 흰색과 검은 색 그래픽 스트로크가있는 자유로운 브러시 스트로크, 장식 물레, 가구, 셔터 및 문으로 만들어졌습니다.
- Khokhloma 그림 - Nizhny Novgorod 지역에서 17 세기에 태어난 오래된 러시아 민속 공예.
Khokhloma는 황금색 배경에 검은색과 빨간색(때로는 녹색)으로 만든 나무 도구와 가구의 장식 그림입니다. 나무를 칠할 때 은주석 가루를 나무에 바릅니다. 그 후 제품을 특수 구성으로 덮고 오븐에서 3 ~ 4 회 처리하여 독특한 꿀빛 황금색을 만들어 가벼운 나무 도구에 묵직한 효과를줍니다. Khokhloma의 전통적인 요소는 붉은 육즙이 많은 마가목과 딸기 열매, 꽃 및 가지입니다. 종종 새, 물고기 및 동물이 있습니다.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/301

15. Encaustic(고대 그리스어 "굽는 기술"에서 유래)은 왁스가 페인트의 바인더인 페인팅 기법입니다. 페인팅은 녹은 형태의 페인트로 이루어집니다(따라서 이름). 다양한 encaustic은 밝기와 색상의 풍부함으로 구별되는 왁스 온도입니다. 많은 초기 기독교 아이콘이 이 기법으로 그려졌습니다.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1485

*봉제, 자수, 원단 사용 관련 기술:
바느질은 "꿰매다"라는 동사의 구어체 형태입니다. 꿰매거나 꿰매는 것.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1136

2. 패치워크, 퀼팅, 퀼팅 또는 패치워크는 수세기에 걸친 전통과 양식적 특징을 지닌 민속 예술 및 공예입니다. 여러 가지 색상의 천 조각이나 니트 요소를 사용하는 기술입니다. 기하학적 모양침대보, 블라우스 또는 가방에 결합하기 위해.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1347
종류:
- 아티초크는 아티초크의 열매와 닮았기 때문에 붙여진 이름입니다. 이 기술에는 "치아", "모서리", "비늘", "깃털"이라는 다른 이름이 있습니다.
대체로이 기술에서는 잘라낸 부분을 접고 특정 순서로 바닥에 꿰매는 것입니다. 또는 종이를 사용하여 평면 또는 체적에 둥근 (또는 다면체 모양)의 다양한 패널을 구성 (접착)합니다.
바느질하는 방법에는 두 가지가 있습니다. 블랭크의 끝이 메인 파트의 중앙 또는 가장자리로 향합니다. 평평한 제품을 꿰매는 경우입니다. 부피가 큰 제품의 경우 팁이 더 좁은 부분에 있습니다. 접을 부분은 꼭 사각형으로 자르지 않아도 됩니다. 직사각형과 원이 될 수 있습니다. 어쨌든 우리는 컷 아웃 블랭크의 접기를 만납니다. 따라서 이러한 패치 워크 기술은 종이 접기 패치 워크 제품군에 속하며 볼륨을 생성하므로 "3d"기술에도 속한다고 주장 할 수 있습니다.
예: http://stranamasterov.ru/node/137446?tid=1419
- 미친 이불. 최근에 이것도 알게되었습니다. 멀티메소드라고 생각합니다.
결론은 패치워크+자수+페인팅 등 다양한 기법의 조합으로 제품이 만들어진다는 것이다.
예:

3. 쓰마미 칸자시. Tsumami는 종이접기를 기반으로 합니다. 그들은 종이가 아니라 천연 실크의 사각형을 접습니다. "Tsumami"라는 단어는 "꼬집다"를 의미합니다. 마스터는 핀셋 또는 핀셋을 사용하여 접힌 실크 조각을 가져옵니다. 그런 다음 미래 꽃의 꽃잎을 바닥에 붙입니다.
비단꽃으로 장식된 머리핀(칸자시)은 완전히 새로운 종류의 예술과 공예에 이름을 부여했습니다. 이 기술은 빗 장식, 개별 막대 장식, 다양한 액세서리로 구성된 복잡한 구조 제작에 사용되었습니다.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1724

* 뜨개질과 관련된 기술:
뜨개질이란? 간단한 수공구(코바늘, 뜨개질바늘)를 사용하여 연속된 실을 고리 모양으로 구부린 후 고리를 서로 연결하여 제품을 만드는 과정입니다.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/729

1. 포크에 뜨개질. 흥미로운 방법특수 장치를 사용하여 크로 셰 뜨개질 - 문자 U 모양으로 구부러진 포크. 결과는 가볍고 통풍이 잘되는 패턴입니다.
2. 크로 셰 뜨개질 (탬버) - 크로 셰 뜨개질 후크를 사용하여 실로 손으로 만든 천이나 레이스를 만드는 과정. 조밀하고 엠보싱 된 패턴뿐만 아니라 레이스 원단을 연상시키는 얇고 투각적인 패턴을 만듭니다. 뜨개질 패턴은 루프와 기둥의 다양한 조합으로 구성됩니다. 정확한 비율 - 후크의 두께는 실 두께의 거의 두 배 여야합니다.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/858
3. 단순(유럽) 편직을 사용하면 여러 유형의 루프를 결합하여 단순하고 복잡한 투각 패턴을 만들 수 있습니다.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1157
4. 긴 후크를 사용한 튀니지 뜨개질(하나의 루프와 여러 루프가 동시에 패턴 생성에 참여할 수 있음).
5. 자카드 뜨개질 - 패턴은 여러 색상의 실로 뜨개질 바늘에 편직됩니다.
6. 필렛 편직 - 특수 그리드에 필렛 기퓌르 자수를 모방합니다.
7. Guipure 뜨개질 (아일랜드 또는 브뤼셀 레이스) 크로 셰 뜨개질.

2. 톱질. 한 가지 유형은 직소로 톱질하는 것입니다. 일상 생활에 편리한 수공예품이나 어린이 장난감으로 삶과 집을 꾸미고 외모의 기쁨과 창작 과정의 즐거움을 경험합니다.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1418

3. 조각 - 예술과 공예의 일종. 톱질, 선삭과 함께 목재의 예술적 가공 유형 중 하나입니다.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1113

* 기타 자급자족 기술:
1. 적용(라틴어 "부착"에서 유래)은 종이, 천, 가죽, 모피, 펠트, 유색 구슬, 구슬, 모직 실, 금속 추격 판, 모든 종류의 천(벨벳) 등 다양한 재료의 유색 조각으로 작업하는 방법입니다. , 새틴, 실크), 마른 잎... 표현 가능성을 향상시키기 위해 다양한 재료와 구조를 사용하는 것은 또 다른 표현 수단인 콜라주와 매우 유사합니다.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/364
또한 존재합니다:
- plasticine의 적용 - plasticineography - 새로운 종류의 예술과 공예. 그것은 수평면에 다소 볼록하고 반 부피가 큰 물체를 묘사하는 치장 벽토 그림의 창작물입니다. 본질적으로 이것은 드물고 표현력이 풍부한 "회화"유형입니다.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1243
- "손바닥"에서 신청. 예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/612
- 이탈 아플리케는 다면 아플리케 기법의 한 유형입니다. 모자이크를 배치하는 것처럼 모든 것이 간단하고 접근 가능합니다. 베이스는 골판지 시트이고 재료는 조각으로 찢어진 색지 시트 (여러 색상)이며 도구는 접착제와 손입니다. 예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1346

2. 조립(fr. assemblage) - 콜라주와 유사한 시각 예술 기법이지만 3차원적 세부 사항 또는 전체 개체를 사용하여 그림과 같이 평면에 아플리케로 배열합니다. 금속, 목재, 직물 및 기타 구조물뿐만 아니라 페인트로 그림을 추가할 수 있습니다. 포토몽타주에서 공간구성에 이르기까지 다른 작품에 적용되는 경우도 있는데, 이는 최신 시각예술의 용어가 잘 정립되지 않았기 때문이다.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1412

3. 종이 터널. 이 기법의 원래 영어 이름은 터널북(tunnel book)으로, 책이나 종이 터널로 번역될 수 있습니다. 기술의 본질은 영어 이름 터널-터널-관통 구멍에서 잘 추적됩니다. 집필되는 '책'(책)의 중층적 특성이 터널의 느낌을 잘 전달한다. 입체 엽서가 있습니다. 그건 그렇고,이 기술은 스크랩북, 아플리케, 절단, 레이아웃 생성 및 방대한 책과 같은 다양한 유형의 기술을 성공적으로 결합합니다. 그것은 종이 접기와 다소 비슷하기 때문입니다. 특정 방식으로 종이를 접는 것을 목표로 합니다.
최초의 종이 터널은 18세기 중반으로 거슬러 올라갑니다. 연극 장면의 전형이었습니다.
전통적으로 종이 터널은 행사를 기념하기 위해 만들어지거나 관광객을 위한 기념품으로 판매됩니다.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1411

4. 절단은 매우 광범위한 용어입니다.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/701
종이, 발포 플라스틱, 발포 고무, 자작 나무 껍질, 플라스틱 병, 비누, 합판 (이미 톱질이라고 함), 과일 및 채소 및 기타 다른 재료로 잘라냅니다. 가위, 모의 칼, 메스 등 다양한 도구가 사용됩니다. 마스크, 모자, 장난감, 엽서, 패널, 꽃, 조각상 등을 잘라냅니다.
종류:
-실루엣 커팅은 곡선 윤곽 (물고기, 새, 동물 등), 복잡한 윤곽선 및 한 부분에서 다른 부분으로의 부드러운 전환으로 비대칭 구조의 물체를 눈으로 잘라내는 커팅 기술입니다. 실루엣은 쉽게 알아볼 수 있고 표현력이 풍부하며 작은 디테일 없이 움직이는 것처럼 보여야 합니다. 예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1416
- 컷은 대칭입니다. 대칭 절단을 사용하면 반으로 접힌 종이의 평면에 정확히 맞아야하는 이미지의 윤곽을 반복하여 양식화 된 응용 프로그램에서 개체의 외부 기능을 올바르게 전달하기 위해 그림의 윤곽을 일관되게 복잡하게 만듭니다. 형태.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/466
- Vytynanka - 컬러, 흰색 또는 검은색 종이에서 투각 패턴을 절단하는 기술은 중국에서 종이가 발명된 이후로 존재해 왔습니다. 그리고 이러한 유형의 조각은 건지(jianzhi)로 알려지게 되었습니다. 이 예술은 중국, 일본, 베트남, 멕시코, 덴마크, 핀란드, 독일, 우크라이나, 리투아니아 및 기타 여러 국가 등 전 세계에 퍼졌습니다.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/563
- 조각(아래 참조).

5. 데쿠파주(프랑스어 데쿠파주 - 명사, "잘라낸 것"에서 유래)는 장식, 아플리케, 컷 종이 모티프로 장식하는 기술입니다. XII 세기의 중국 농민. 이런 식으로 가구를 장식하기 시작했습니다. 그리고 얇고 다채로운 종이에서 그림을 잘라내는 것 외에도 그림처럼 보이도록 바니시로 덮기 시작했습니다! 그래서 아름다운 가구와 함께 이 기술도 유럽에 전해졌습니다.
오늘날 데쿠 파주에 가장 많이 사용되는 재료는 3 층 냅킨입니다. 따라서 다른 이름은 "냅킨 기술"입니다. 접시, 책, 상자, 양초, 그릇, 악기, 화분, 병, 가구, 신발, 심지어 옷까지 응용 프로그램은 절대적으로 무한할 수 있습니다! 가죽, 목재, 금속, 도자기, 판지, 직물, 석고 등 모든 표면은 평범하고 가벼워야 합니다. 냅킨에서 잘라낸 패턴이 선명하게 보여야 합니다.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/722

6. 조각 (영어에서. carvу-자르기, 자르기, 조각, 자르기, 조각-조각, 조각, 조각 장식, 조각 그림) 요리에서-이것은 야채와 과일 표면에 조각 또는 조각의 가장 간단한 형태입니다. 그런 단명 장식 테이블.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1339

7. 콜라주 - 창작 장르종이, 캔버스 또는 디지털 방식으로 붙여진 다양한 이미지를 잘라내어 작품을 만들 때. fr에서 온다. papier collée - 붙여넣은 종이. 매우 빠르게이 개념은 다양한 요소의 혼합, 다른 텍스트 조각의 밝고 표현적인 메시지, 동일한 평면에서 수집 된 조각과 같은 확장 된 의미로 사용되기 시작했습니다.
콜라주는 잉크, 수채화 등 다른 방법으로 완성할 수 있습니다.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/324

8. 생성자(lat. 생성자 "빌더"에서 유래) - 모호한 용어. 프로필의 경우 짝짓기 부품 세트입니다. 즉, 일부 미래 레이아웃의 세부 사항 또는 요소, 저자가 수집한 정보, 분석 및 아름답고 예술적으로 실행된 제품으로 구현됩니다.
디자이너는 금속, 목재, 플라스틱 및 종이(예: 종이 접기 모듈)와 같은 재료 유형이 다릅니다. 다양한 요소의 조합은 게임과 재미를 위한 흥미로운 디자인을 만듭니다.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/984

9. 모델링 - 손과 보조 도구를 사용하여 플라스틱 재료(플라스틱, 점토, 플라스틱, 소금 반죽, 눈덩이, 모래 등)를 성형합니다. 이것은 조각의 기본 기법 중 하나이며 이 기법의 기본 원리를 마스터하도록 설계되었습니다.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/670

10. 레이아웃은 크기 조정(일반적으로 축소)이 있는 개체의 복사본으로, 비율을 유지하면서 만들어집니다. 레이아웃은 또한 개체의 주요 기능을 전달해야 합니다.
이 독특한 작품을 만들기 위해 다양한 재료를 사용할 수 있으며 모두 기능적 목적(전시 레이아웃, 선물, 프레젠테이션 등)에 따라 다릅니다. 종이, 판지, 합판, 나무 블록, 석고 및 점토 부품, 철사가 될 수 있습니다.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1397
레이아웃 보기 - 모델은 원본의 중요한 기능을 묘사(모방)하는 유효한 레이아웃입니다. 더욱이, 모델링된 객체의 특정 측면 또는 그에 상응하는 세부 사항에 주의가 집중됩니다. 이 모델은 예를 들어 바다 또는 항공 클럽에서 수학, 물리, 화학 및 기타 학교 과목의 시각적 모델 교육에 사용하도록 만들어졌습니다. 풍선, 가볍고 플라스틱 덩어리, 왁스, 점토, 석고, 종이 반죽, 소금 반죽, 종이, 발포 플라스틱, 발포 고무, 성냥, 뜨개질 실, 직물 등 다양한 재료가 모델링에 사용됩니다.
모델링은 원본에 안정적으로 가까운 모델을 만드는 것입니다.
"모델"은 유효한 레이아웃입니다. 작동하지 않는 모델, 즉 "스트랜드" - 일반적으로 레이아웃이라고 합니다.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1353

11. 비누 만들기. 동물성 및 식물성 지방, 지방 대체물(합성 지방산, 로진, 나프텐산, 톨유)은 비누의 주성분을 얻기 위한 원료로 사용될 수 있습니다.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1631

12. 조각 (lat. sculptura, from sculpo - cut, carve) - 조각, 플라스틱 - 미술의 일종으로, 그 작품은 입체적 형태를 가지며 고체 또는 플라스틱 재료(금속, 돌, 점토)로 만들어집니다. , 나무, 석고, 얼음, 눈, 모래, 발포 고무, 비누). 가공 방법 - 성형, 조각, 주조, 단조, 체이싱, 절단 등
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1399

13. 직조 - 원사로 직물 및 직물 생산.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1318

14. 필팅 (또는 펠팅 또는 펠팅) - 펠팅 울. "습식"과 "건조"가 있습니다.
예: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/736

15. 플랫 체이싱(Flat Chasing)은 예술과 공예의 한 유형으로, 특정 장식용 구호, 그림, 비문 또는 둥근 모양의 이미지를 녹아웃한 결과, 때로는 판화에 가깝고, 새로운 예술 작품이 만들어집니다. .
재료의 가공은 망치로 치는 상단에 수직으로 배치되는 쫓는 막대의 도움으로 수행됩니다. 주화를 움직이면 점차 새로운 형태가 나타납니다. 재료는 특정 가소성과 힘의 영향으로 변경되는 능력을 가져야 합니다.
예:

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예술과 공예란 무엇인가

장식 및 응용 예술은 복잡하고 다면적인 문화 현상입니다. 창조와 관련된 많은 유형의 민속 공예품을 다룹니다. 미술품, 일상 생활에서 실용적인 목적을 갖고 실용적인 항목 (기구, 가구, 직물, 도구, 차량, 의류, 보석, 장난감 등)을 예술적으로 가공합니다. 장식 및 응용 예술은 사람들과 함께 살고 있으며, 흰 고대에 뿌리를 두고 오늘날 발전하고 있습니다.

예술과 공예 작품은 대개 건축적, 공간적 환경, 앙상블(거리에서, 공원에서, 실내에서) 서로 밀접하게 관련되어 예술 단지를 형성합니다. 고대부터 시작된 예술과 공예는 민속 예술의 가장 중요한 영역 중 하나가 되었습니다. 그 역사는 예술 공예, 예술 산업, 전문 예술가의 활동과 연결되어 있으며 민속 공예가, 그리고 20세기 초부터. - 예술적인 디자인과 디자인으로.

장식 및 응용 예술의 많은 훌륭한 예는 예술, 역사, 지역 지식 및 민족학 박물관, 뿐만 아니라 책, 앨범 및 잡지 페이지에도 있습니다. 각 민속 예술 전시회는 항상 아름다움과 지혜의 세계에 대한 발견입니다. 옛 예술가와 현대 예술가가 만든 제품은 변함없이 방문객의 감탄을 불러 일으키고 일부는 민속 공예가의 모범을 따르고 싶어합니다.

예술 및 공예 작품과 접촉하는 모든 사람은 게으른 구경꾼으로 머물지 않고 연구자가 되기 위해 노력하고 매번 마스터가 어떤 예술적 및 기술적 방법으로 완벽을 달성할 수 있었는지 이해하려고 노력하는 것이 중요합니다. 여러분 각자가 자신의 손으로 사랑스럽게 시도하는 많은 일이 주변 사람들에게 전달될 것입니다.

교과서 페이지에 있는 예술과 공예를 고려하십시오. 고대 사람들은 가정용품과 도구를 어떻게 그리고 어떤 목적으로 장식했습니까?

장신구의 상징성 분석 다양한 작품예술과 공예. 이러한 물체의 모양과 장식은 어떤 정보를 전달합니까?

포크 멜로디와 곡을 들어보세요. 스프레드에 표시되는 항목 중 스타일과 일치하는 항목은 무엇입니까?

자수

고대부터 자수는 난로의 장식이었고 옷에 풍미를 더했으며 식탁보, 냅킨, 커튼 및 수건에 사용되었으며 우크라이나와 Rus의 예술과 공예의 기초였습니다.

모든 안주인은 자수의 도움으로 집에 편안함을주고 사랑하는 사람의 옷을 장식하고 예술적 아이디어를 구현할 수 있습니다. 이러한 유형의 예술과 공예는 모든 사람이 접근 할 수 있기 때문입니다.

자수 다른 사람들그들은 수세기에 걸쳐 만들어졌으며 사람들의 역사와 문화에 의존했기 때문에 패턴과 색상의 다양성과 독창성으로 가득 차 있습니다. 그 당시에는 취향에 맞는 패턴을 찾을 수 있는 패션 잡지가 없었기 때문에 사람들은 자수에 특정한 의미를 부여했습니다.

자수는 의복의 아름다운 요소일 뿐만 아니라 부적으로도 중요한 역할을 했습니다. 자수에 관심을 가졌다면 장신구 중에서 가장 흔한 것이 기하학적 패턴. 예를 들어, 행운과 번영을 가져다주는 태양, 다산 및 여성 원리의 고대 상징은 마름모 모양의 자수로 묘사되었습니다. 물의 상징은 생명력을 의인화하여 물결선 형태로 적용하였다. 수평 장식은 지구의 상징을 담고 있으며 가족 난로의 번영을 나타냅니다.

눈치 채셨다면 일부 자수에서 장식은 원을 묘사하고 그 안에 십자가가 자수되어 있습니다. 이러한 자수 요소는 태양을 상징하고 사람에게서 악을 제거하는 부적 역할을합니다. 그러나 문양에 수놓은 십자가는 불의 상징인 만큼 영적 정화를 의미한다.

우크라이나인들은 식물의 성질을 가진 수건 장신구를 선호했고 새와 동물의 이미지도 일반적이었습니다. 색 구성표에서는 주로 빨강, 검정 및 파랑 색상을 사용하는 것을 선호했습니다.

자수의 꽃 모티프는 방금 발명된 것이 아니라 고유한 의미도 있습니다. 참나무 잎 장식의 이미지는 힘을 상징하고 viburnum은 아름다움의 상징으로 간주되었습니다. 옷에 수놓은 양귀비는 다산과 가족의 추억을 의미했고, 포도송이는 가정생활에 행복과 기쁨을 가져다주었다. 수놓은 페리윙클은 충실함의 상징이었다면 장미는 젊음과 사랑의 상징이었습니다.

또한 우크라이나 장식품에서는 종종 비둘기, 제비, 수탉, 말 및 기타 동물과 새의 이미지를 찾을 수 있습니다. 이러한 자수는 부적으로 작용하여 다양한 사람을 보호합니다. 악의 세력그리고 영혼.

우크라이나 자수

우크라이나의 남성 및 여성 옷장의 필수적인 부분은 항상 수 놓은 셔츠였습니다. 셔츠의 장식은 특정 지역을 특징으로 합니다. 이러한 패턴으로 Poltava 주민과 Podolsk 지역 인구를 구별하기 쉬웠으며 Hutsul 장식품은 Polissya 장식품과 달랐습니다. 이 수 놓은 셔츠의 특징은 패턴뿐만 아니라 실행 및 색상 기술이었습니다.

우크라이나에서는 자수가 주로 여성에 의해 이루어졌습니다. 그들은 이 공예에 모든 무료 분을 바쳤습니다. 그들은 합동 모임과 멀리 떨어져 있을 때 모두 수를 놓았습니다. 겨울 저녁, 현장 작업 후에도 짧은 휴식 시간에 자수를하는 우크라이나 여성을 자주 볼 수 있습니다.

우크라이나 소녀들은 사랑과 영혼을 담아 옷에 장식품을 만들었고 그들이 입는 자수 셔츠는 그녀의 기술과 근면함의 특징이었습니다.

우크라이나에서 독립을 획득하면서 전통에 대한 사람들의 사랑이 되살아나기 시작했습니다. 최근 우크라이나 vyshyvankas가 다시 인기를 얻기 시작했습니다. 그것은 동포들 사이에서뿐만 아니라 국경을 훨씬 넘어서는 패션 트렌드가되었습니다. 수 놓은 셔츠를 입은 사람들은 어디에서나 볼 수 있습니다. 의식 행사와 학교 졸업식, 결혼 축하 행사 또는 집회 모두에서 적절해 보입니다.

예술적 자수는 우리 민족의 최고의 전통을 구현하고 있으며 이 아름다운 유형의 예술과 공예에 대한 수천 명의 찬사를 발견했습니다.

예술적이고 창의적인 작업

유명한 민속 공예품 중 하나의 역사에 대한 정보를 수집하고 앨범을 준비하고 스탠드, 컴퓨터 프레젠테이션을하고 급우를 소개하십시오.

> Zhostovo, Gorodets, Khokhloma 등(선택 사항)과 같은 러시아 민속 공예를 기반으로 "계절", "아침", " 숲속의 동화»,
"황금 호밀"등

> 급우들과 함께 다양한 장르의 예술 및 공예품 전시회를 준비하세요. 생각하다 음악 반주, 민속 언어 창의성 샘플을 선택하십시오 (동화, 전설, 속담, 속담 등에서 발췌). 어린 학생, 학부모, 학교 손님을 위해 이 박람회를 둘러보세요.

미술 및 장식 예술

영토에서 발견 된 것 중 가장 오래된 것. U. 메모리. 무화과. 소송 - 바위 그림., 금속 플라스틱 - 원시 공동 시스템의 기간에 속합니다 : 후기 구석기 시대에서 Zhel까지. V. (바위 조각, Savromato-Sarmatian 동물 스타일, perm. 동물 스타일). 나중에 얇은 그들과 직접 연결을 찾는 것은 불법입니다. 지역의 문화. 그러나 파마의 메아리. 동물 스타일 U.-Komi, Udmurts, Mansi 및 Khanty의 원주민 장식에서 볼 수 있습니다. 대천사. 이 발견은 코미 선조들이 이미 직조 패턴과 기하학적 자수로 옷을 장식했으며, 그 전통은 현재까지 미국 원주민들 사이에서 보존되어 왔다는 것을 암시합니다.

타이가 지역에 살았던 우리는 조각 된 홍어와 닭이있는 박공 지붕으로 덮인 오두막과 헛간을 자르는 것부터 시작하여 뿌리와 자작 나무 껍질로 만든 가정 용품으로 끝나는 목공 ()에 대한 높은 기술을 오랫동안 개발했습니다 (art. 자작 나무 껍질 처리). 기독교의 채택과 함께 이교도 우상에서 드러난 U. 사람들의 플라스틱 재능은 Perm에서 완전히 나타났습니다. 원주민 전통과 러시아인을 결합한 17-19 세기의 목조 조각. 그리고 서유럽. 영향.

처음부터 러시아인 U. Novgorod의 식민지화와 기독교화가 여기에 왔습니다. 그리고 모스크바. 아이콘, 그리고 XIV 세기의 80년대부터 - 시간 선교 활동 Perm의 Stephen -이 지역에는 분명히 지역 아이콘 그림의 중심이 형성되었습니다. 그러나 기억 그 시간은 보존되지 않았습니다. 첫 번째 아이콘은 아마도 ur일 것입니다. 원산지는 XVI의 마지막 분기에 속합니다. XVII 세기, 모스크바에서 형성되고 지방 지부가있는 소위 Stroganov 학교에.

LV. 18-19 세기의 아이콘과 러시아 전체의이 기간의 아이콘은 세 방향으로 나눌 수 있습니다. 첫 번째는 정교회에서 의뢰한 작품으로 구성되어 있습니다. 정교회아트인뉴타임에 집중했다. 두 번째는 preim이 만든 도상학입니다. 그들뿐만 아니라 주요 신자들에게도. 비잔틴과 고대 우르에서. 전통. 세 번째는 민속 도상학, shir입니다. 사람들 사이에서 살았다. 후자는 고풍 예술 층과 관련되어 시간이 지남에 따라 거의 변경되지 않았으며 특정 테르가 없었습니다. 국경. 첫 번째 방향의 아이콘은 adm과 함께 Kama 및 Trans-Urals의 특징입니다. 종교 c. -공식 교회의 확고한 지위를 결정지은 토볼스크는 토볼스크 성직자의 키예프 출신과 관련된 우크라이나 취향의 침투에 기여했습니다. 최근에 호출된 두 번째 방향의 아이콘입니다. Nevyansk 학교는 주로 러시아의 거점이 된 Gornoz-dsky U.를 통해 퍼졌습니다. 옛 신자. 그녀는 후반기에 전성기를 맞았다. XVIII - 전반전. 19 세기 처음까지 일부 문체 기능을 유지했습니다. 현재 세기.

명명된 세 방향이 합류하는 지점에서 중간 현상이 발생했습니다. 따라서 민속 아이콘과 Nevyansk 학교의 연결은 후자의 하위 수준을 형성했으며 동일한 민속 아이콘이 첫 번째 방향의 아이콘에 미치는 영향으로 원시인이 생성되었으며 그중에는 대량 몬이있었습니다. Verkhoturye의 Simeon에서 Sarov의 Seraphim에 이르기까지 비교적 최근에 시성 된 성도들의 이미지를 묘사하는 아이콘.

LV. 많은 아이콘 이미지의 기본이 되었습니다. 가장자리의 주장. 의심 할 여지없이 아이콘과 Old Believer 책 미니어처의 상호 영향, 아이콘 그림 방식이 나무와 금속 그림에 미치는 영향 ( , ), 미래의 이젤 그림 마스터의 운명에서 아이콘의 역할은 종종 미술에서 첫 수업을 받았다. 아이콘 화가의 졸업장. UR의 특정 기능. Peter의 개혁 시대에 형성되기 시작한 문화는 가부장적 이상에 대한 고수와 효율성, 대담한 사고 충동, 발명 및 기술에 대한 성향을 결합한 Old Believers의 장점이 창조되었다는 사실에 의해 결정되었습니다. , 훌륭했습니다. 개량. 그래서 전통적인 얇은 유형 옆에 있습니다. 십자가와 관련된 창의성. 삶의 방식, 무도회에서 새로운 소송이 탄생했습니다. 지역, 메인 주로 금속 및 석재 가공에 사용됩니다. 이 주장은 공동 작업의 결과입니다. 자본에 대한 아이디어, 때로는 프로젝트의 현지 작성자까지 파운드리 작업자, 체이서 및 석공의 작업과 결합되었습니다. 마스터는 광업 및 특수 "중요한"(그림) 학교에서 훈련을 받았습니다. 첫 번째 UR 중. 뉴 에이지 예술 기술을 습득 한 교사 M.V. Avramov (1698-1753). XVIII 세기의 마지막 수십 년 이후. 상트페테르부르크. Acad. 얇은 제품 샘플, 방법론 지침, 그리고 그녀의 학생들을 미국 산악 공장으로 보냈습니다. 얇은 개발의 특별한 역할. W. 의 교육이 주된 역할을했습니다. 처음에. 19 세기 N.N. Demidov Nizhne-Tagil 회화 학교 및 Vyisk 학교는 부분적으로 전통을 이어갑니다.

개발 Lv. 무도회 소송은 obscheros로 정의되었습니다. 얇은 프로세스 및 현지 조건: 새로운 광물, 생산 기술의 발견 및 개발. 특정 단계 전성기에서 살아남은 otd. 클레임 유형은 배경으로 밀려나거나 사라졌습니다. 그래서 18세기에 제작된 동으로 장식된 놋그릇을 쫓았습니다. 상태에서 그리고 개인 공장 U., 이미 시작되었습니다. 다음 세기는 도자기와 화약으로 대체되었습니다.

훨씬 더 내구성이 얇은 운명이었습니다. 철 주조, Kamensky, Vyisky, Kushvinsky, Verkh-Isetsky, Chermozsky, Pozhevsky, Bilimbaevsky, Kaslinsky, Kusinsky 및 기타 공장이 Krom으로 바뀌었습니다. 권부터 시작합니다. 가장 간단한 가정 용품으로 그들은 아치 제조로 전환했습니다. ur뿐만 아니라 외관의 필수적인 부분이 된 세부 사항, 패턴 격자. gg.뿐만 아니라 모스크바와 상트 페테르부르크에서도 원형 조각품의 주물에 이르기까지 처음부터. 19 세기 구성적으로 복잡한 기념물의 생성과 동시에. 챔버 플라스틱. 주철은 바로크 양식 (모스크바에있는 N.N. Demidov의 Sloboda 집, 계절의 우화 적 동상, 저자는 분명히 ur. master T. Sizov-1760 년대)에서 고전주의 (주철 앙상블)에 대한 문체 운동을 반영했습니다. Demidov in Petrovsky-1770s, St. Petersburg의 Kissing Bridge 격자-1814-16, Kuzminki의 울타리, 다리 및 동상-1820-40s). 성공 Chug.-lit. 사건은 19세기 초 우크라이나의 발전을 자극했습니다. 얇은 Vyisky의 Verkh-Isetsky에서 제작 된 청동 주물. F. F. Zvezdin과 Zlatoust 공장이 이끌고 있습니다. 후자에서 청동은 ur의 또 다른 밝은 페이지와 관련된 차가운 무기의 칼자루를 장식하는 데 사용되었습니다. art-va - 강철에 Zlatoust 조각, I.N. Bushuev, I.P. Boyarshinov 및 V.I. Yuzhakov.

전 러시아인과 세계. U.의 영광은 대리석, 벽옥, 공작석 및 청금석 (석재 절단 예술, 보석 예술, Yekat. Lapidary workshop)으로 만든 제품으로 가져 왔습니다. 성과의 기초가 얇습니다. 미국의 석재 가공은 18세기에서 19세기 전반기에 이루어졌습니다. II Susorov (1721-60), S.S. Vaganov, I. Patrushev (1737 ~ 1742-?), M. Kolmogorov, I.A. Kokovin (Kakovin; 1760-1818), Ya.V. Kokovin, A.I. Lyutin (1814-?), G. F. Nalimov (1807-77) 및 기타 석재 절단 예술은 철 주조와 유사한 방식으로 발전했습니다. 단순한 대리석 석판 절단에서 Urals는 궁전 내부 디자인과 오벨리스크, 플로어 램프, 꽃병 및 샤르 제조에 이르렀습니다. 러시아어 사용 피렌체 모자이크, 부조 및 원형 조각 제작, 수도의 건축가 A. Rinaldi, A.N. Voronikhin, K.I. Rossi, I.I.Galberg, A.P. Bryullov, K.A. Ton 및 기타 XIX 세기의 첫 수십 년 동안. 당신에서. 돌 절단 art-ve 등장 캐릭터 특성높은 고전주의.

얇은 것과 병행합니다. 세속적인 그래픽 아트와 회화는 우크라이나에서 금속과 석재 작업을 통해 탄생했습니다. 기본 이미지가있는 Peter the Great 시대의 지형도에서 그들의 경로. M.S. Kutuzov (? -1741) 및 I. Ushakov의 삽화와 V. Gennin의 원고 "Description of the Urals and Siberian Plants"와 유사한 그림을 통한 모티프, 그리고 더 나아가 XVIII의 끝 - 전반전. 19 세기 무관심한 gg. 및 마을, 사적으로, Kama 지역 및 Nizhny Tagil (Kama 지역의 농노 아이콘 화가, 화가 및 조각가, P.P. Vedenetsky, V.E. Raev).

러시아 출발. ser의 소송. 19 세기 고전주의와 일반적으로 문체의 통일성에서 제품의 본질을 크게 바 꾸었습니다. 무도회 소송. 석재 절단 예술은 모든 기술과 함께 형태와 챔버 제품의 기념비성을 잃었습니다. 장인 정신은 종종 수공예품으로 미끄러졌습니다. 강철의 Zlatoust 조각에서도 유사한 프로세스가 발생했습니다. 대부분 만났습니다. s-dov는 문제를 거부했습니다. 얇은 주철. 그러나 Kasli(Kasli art casting)와 Kusinsky에서는 후반전이었다. XIX - 시작. 20 세기 이러한 유형의 예술은 현지 거장(V.F.Torokin)과 유명인 사이의 긴밀한 창의적 접촉으로 인해 절정에 이르렀습니다. 국내 조각가, P.K. Klodt, M.D. Kanaeva, R.N., N.R. 그리고 R.R. Bakhov, N. I. Liberikha, E.A. Lansere, A.L. 오버. Kasli와 Kusa는 틀림없이 사실주의 조각의 대중화에 기여했습니다. 동시 장식 제품에서. 당신. XIX-XX 세기 전환기의 철 주조. 절충주의에서 새로운 스타일 인 근대성으로가는 길이 있습니다.

사회의 민주화. 관계는 얇게 우랄에 들어갈 가능성을 확장했습니다. 어. 머리 상트페테르부르크, 모스크바 및 외국 도시. F.A.Bronnikov, V.P. 그리고 P.P. Vereshchagin, A.A. 및 P.A. Svedomsky, A.I. Korzukhin 및 기타 대표. 아카드 러시아 역사에서 두드러진 위치를 차지한 현실적인 경향. 일반적으로 회화는 고국과의 관계를 끊지 않았으며 문화에 큰 영향을 미쳤습니다. 2층. 19 세기 얇은 U.의 삶은 공장과 그 자선 소유주 주변에 집중되어 있지 않고 지역 지식인의 활동의 결과가 됩니다. 이와 관련하여 Izv. 기안가, 만화가 및 민족지 학자 M.S. Znamensky (1833-92)는 고대 Zaur 인 Tobolsk의 영적 문화로 들어갑니다. Anna Ioannovna의 통치 기간 동안 첫 번째 Peter의 은퇴 한 화가 I.N. 및 R.N. Nikitina (c. 1680 - 1742 이후, 1680-1753 이전). Yekaterinburgers N.A. Ivanchev (1834 - 1878 이후), N.M.Plyusnin, A.M.Pisarev (1848-1903), V.G.Kazantsev (1849-1902), N.N.Klepinin, A.K. Denisov-Uralsky, A.A. Sheremetevsky (1863-1919), L.N. Zhukov (1873-1933); Permians A.I. Shanin, A.N. Zelenin, I.P. Chirkov (1877-1920); Sarapulets A.P. Berkutov (1851-1901); Tyumen N. V. Kuzmin (1858-1910s)과 다른 사람들은 체육관과 실제 학교에서 그림을 가르치거나 예술 및 조직 활동과 함께 창의성을 결합했습니다.

컬트의 이벤트. 이 지역의 삶은 Ekat의 발견이었습니다. 모바일 학자. 전시회 (1887), 주요 러시아인의 작업에 처음으로 Urals를 소개했습니다. 19세기 화가 그리고 여러 무리를 짓는 전시회는 얇은 기초가되었습니다. otd. 음악 UOL(음악)에서. Orenb의 전시회는 성격이 비슷했습니다. (1889). ~에 XIX-XX의 차례세기 몇 년 안에 W.는 첫 번째 제품 전시회를 열었습니다. 지역 예술가. 그들은 종종 개인 소장품에서 수도의 거장들의 작품을 전시했습니다. 에카트에서. 미술 애호가 협회 (1895-1918), Perm-회화, 조각 및 건축 애호가 협회 (1909-19)에서 창설되었습니다. 1902년 에카트 개장. 얇은 무도회. Kamensky, V.P. Rupini(1867-1941), A.N. Paramonov, V.V. Almazov (1870 -?), T.E.Zalkalna 및 교수의 토대를 마련했습니다. 지역의 교육 예술과 공예와 그림. 소송. LV. 얇은 A.N. Paramonov, S.I. Yakovlev (1862-1930), 젊은 I.D. Ivanov (Shadr)는 특히 첫 번째 러시아인 기간 동안 돌아섰습니다. rev., 잡지, 특히 풍자 그래픽.

러시아의 특징인 새로운 모티프, 외광 및 장식 정복. 소송 XIX 후반- 일찍 XX 세기., 잘 알려진 작품에서 나타났습니다. M.V. Nesterov, L.V. Turzhansky, L.V. Popov와 Acad 졸업생의 그림에서. 얇은 추신 처음에 뛰었던 Evstafiev (1880-1958). 20 세기 Verkhnyaya Salda와 Nizhny Tagil에서 일한 Perm 및 V. A. Kuznetsov의 예술에서 두드러진 역할. U.와 아방가르드, 미래 지향적 인 art-va의 경향에 영향을 미쳤습니다. 그들의 항공사는 1912 생산 전시회를 조직 한 Perm V. V. Kamensky에있었습니다. 그와 가까운 주인과 Bashk에서. Ufa Art 전시회에 적극적으로 참여한 D.D. Burliuk. 머그 (1915-17).

10월이 만들어낸 민족문화의 결과가 아무리 엄중해도 노호. 사회의 환상, 그들이 이전에 소송에서 시작된 프로세스를 강화하고 지방을 강화했다는 사실을 부인할 수 없습니다. 삶. 기념비적 인 선전의 아이디어는 독학 마스터 (Motovilikha 공장 V.E. Gomzikov의 기술자)와 전문 조각가 (S.D. Erzya, P.P. Sharlaimov (1889-1920s), I. A. Kambarov)를 모두 포착하여 부흥에 자극을주었습니다. 석재 절단 및 chug.-lit의 기념비적 형태. 클레임-와. 레브의 디자인. 휴일, 이미지의 대중화. 소송, 얇은. 다양한 방향, 유형 및 예술 장르의 주인, 재능의 규모는 교육학을 좋아했습니다. 1910년 말에 결실을 맺었습니다. P.I. Subbotin-Permyak, N.M. Gushchin (1880-1965), A.V. Kaplun (1887-1974), M.B. Verigo (1892-?), V.A. Obolensky, I.I. Perm의 Turansky; A.N. Ekat.의 Paramonov 및 L. V. Turzhansky; Volodina (1886 - ?) I.A. Mochalova (1896-1940), I.K. Mrachkovsky (1889-1930s), N.A. Rusakova (1888-1941), A.N. Samokhvalova (1897-1964)-레닌 그라드 예술가 N.D. Lebedeva (1894-1927), P.S. Chelyab.의 Duplitsky (1896-1942); S.M. Karpova (1890-1929), S.V. Ryangina (1891-1955), A.F. Stepanova (1893-1965), N. V. Orenb.의 Kudasheva (1889-1966); M.I. Avilova (1892-1954), I.I. Oveshkov (1877-1944), E.L. Kropivnitsky (1893-1979), K.P. Trofimova (1885-1944), P.A. Rossomahin (1886-1956), Tyumen의 II Krotov (1897-1945); Tobolsk의 P.P. Chukomina (1874-1944). 1920년대 중반부터 U. 일어났습니다. 얇은 협회 노호. 러시아: 1925년 - 스베르들에서. (이 부서에는 Perm 및 Shadrinsk의 예술가도 포함됨) 및 1926 년 Ufa-1928 년 Orenb., Chelyab.; 그리고 1932년 이후 - 얇은 노동 조합의 조직. 소련: 동시에 부서가 열렸습니다. 미술 노동자의 전 러시아 협동 조합 ( "Vsekohudozhnik"); 지역 예술가들의 전시회가 정기적으로 열렸고 그들 중 일부는 수도의 박람회에 초대되었습니다. 1935년 Sverdl.에서, 그리고 다른 해에. 지역, 모스크바 전시회. 그리고 레닌. 마스터 "Uralo-Kuzbass in painting". 명령 및 adm의 방법에도 불구하고. 소유 문화, 이러한 이벤트는 무화과 지역의 발전에 기여했습니다. 소송, 그의 매트 강화. 기지. 그 해의 특징은 G.A. Melentiev, T.A. Partina (1893-1963), A.P. Davydov (1893-1967), M.V. (1891-1964), A.M. Sosnovsky (1902-87), E.A. Tekhmenov (1866-1934), I.A. Kambarov, I. I. Trembovler (1890-1943), T. V. Rudenko-Shchelkan (1892-1984). 망. 얇은 그들은 새로운 음모 (혁명, 내전, 일상 작업)를 진심으로 좋아했지만 기술 부족, "주제별"구성 작업 경험, 아이디어의 허위로 인해 때때로 창의적인 실패로 이어졌습니다. 1920년대와 30년대에 우랄의 덜 이데올로기적인 작품은 예술적으로 더 통합적인 것으로 판명되었습니다. 서정적 풍경 Turzhansky와 함께 K.M. Golikov (1867-1933), I.K. Slyusarev, A.M. 1972), S.A. Mikhailov, A.P. Mitinsky (1905-70), V.P. Barashev (1905-70) 등이 작성했습니다. 이젤 및 책 그래픽: A.F. Uzkikh(1889-1953), A.A. Zhukov(1901-78), V.A. Batalov(1889-1971), G.Ya D.F. Fekhner(1897-1973), A.S. A.P. Saburov (1905-83), A.A. ve: A.V. Dubrovin (1889-1975), I.M. Vakhonin (1887-1965); A.A. Kuzmin, V.A. Lyudmilin, V.L. Talalay (b. 1908), I.P. .Kotovshchikov(1905년 출생).

20세기의 첫 10년 얇게 문화 U.는 또 다른 중요한 현상 인 교수의 출현과 발전으로 표시됩니다. 무화과. 이전에 그것을 가지고 있지 않은 사람들 사이의 소송. 바쉬크에서. 이 과정은 그것과 관련이 있습니다. K.S. Davletkildeeva, A.E. Tyulkina, M.N. Elgashtina (1873-1966) 등 예술 학생 중. 워크숍 레닌그라드. 1930년대 S.의 인타족도 대표자였다. Subpolar 및 Zapolyarny U. (K.Natuskin, Nenets K.L. Pankov 등)

제2차 세계대전은 일반적인 얇은 형태를 바꾸었습니다. 삶. 포스터가 전면에 나타났습니다. f. 그리고 가스. 그래픽: G. V. Lyakhin (1903-81), I.I. Rossik (1909-87) 및 기타. 당신. 얇은 프랑스어로 갔고 그들의 현장 스케치가 기초를 형성했습니다. 찌르다. 전쟁에 대해. U.로의 대피에는 izv가 있었습니다. 우크라이나, 발트해 연안국, 모스크바, 레닌 그라드 출신 : Yu.R. Bershadsky, V.N. Kostetsky (1905-68), M.M. Cheremnykh (1890-1962), B.V. G.G. Ryazhsky (1895-1952), V.M. Oreshnikov (1904-87), Yu.A. Vasnetsov (1900-73), S.D. Merkurov (1881-1952), Z.M. Vilensky (1899-84) 등. 긍정적인 영향 on local art., 우랄 지역 간 전시회 "U. in the fine arts"(, 1943) 및 "U. -a forge of weapons"(Sverdl., 1944)에서 나타났습니다.

전쟁이 끝나자 art-va의 삶은 평화로운 길에 들어섰습니다. 얇은 연합의 새로운 조직이있었습니다. 튜멘, Kurgan (1957). 프랑스에서 돌아온 사람들은 전쟁으로 중단된 학업을 마쳤습니다. 얇은 많은 사람들과 함께 앞에서 언급한 얼굴 ur. 소송 2층. 40-50년대는 화가 V.S. Zinov(1908-91), A.F. Burak(1921-1997), V.I. Berngard(1909-98), A.A. Zausaev(1920-1981), N.G. Chesnokov(b. 1915), B.M. Vitomsky(1918-75), I.N. Nesterov(b. 1922), B.V. Volkov(1918-79), G.P. Gaev, V.A. Neyasov(1926-1984), P.S. Bortnov(b. 1918), M.G. Gazizova(b. 1918), P.A. Oborin(1917년 출생); 조각가 G. V. Petrova (1899-1986), G.A. Petin (1909-1947), A.A. Anisimov (1910-1995), M.P. Kramskoy (1917 년생), P.A. Sazhin (1919-1999); 이젤 및 북 그래픽의 대가 L.A. Epple (1900-80), E.V. Gileva (1907-2000), M.I. Tkachev (b. 1913), B.A. Semenov (1917-91), V.N. Chelintseva (1906-81), O.D. Korovin (b. 1915), V. F. Vasiliev (1923-86); 연극 및 장식 예술: N.S. Lomonosov (1903-95), N.V. Sitnikov, M.S. Ulanovsky (1912-1982), S.N. Aleksandrov (1907-82). 테마 레벨 얇은 전후 기간에는 더 다양해졌으며 일반적으로 기술이 향상되었습니다. 그러나 전체주의 국가 이데올로기의 지시와 후반부의 리얼리즘 전통에 대한 일방적 지향. XIX 세기. 그들의 피상적 인식은 창의적인 검색을 제한하고 영적 지평을 제한했습니다.

50 년대 후반-초기. W로 돌아온 60년대. 많이들. 레닌그라드 졸업생. 그리고 모스크바. 얇은 대학. 졸업하신 분들과 함께 학교, 그들은 새로운 세대의 주인의 은하계를 구성했습니다. 이들은 화가 E.I. Gudin, G.S. Mosin, I.I. Simonov (1927 년생), M.Sh. Brusilovsky (1931년 출생), V. Z. Belyaev (1926년 출생), Yu.I. Istratov (1928년 출생), N. G. Zasypkin (1921-89년 출생), V.Ya Bushuev (1934년 출생) Sgibneva (b. 1933), N. V. Kostina (b. 1934), E.N. Shirokov (b. 1931), A.I. Repin (b. 1925), A.N. Tumbasov(1921년생), I.S. Borisov(1925-95년), T.E. Kovalenko(1930년생), R.I. Gabrielyan(1926년생), N.P. Eryshev(1936년생) , O.P.Shrub(b.1924), A.I.Murychev(1918-86), G.S.Bochanov(1922년 출생), V.P. Ovcharov(1928년 출생), A.P. Kholmogorov(1925-87), P.S. Semenov(1934년 출생), V.F. 1929); 그래픽 아티스트 V.M. Volovich(b. 1928), G.I. Ketov(b. 1922), S.S. Kiprin (1930-86), A.A. Kazantsev (1928년생), L.P. Veibert (1925년생), V.A. Novichenko (1927년생), M.V. Distergeft (1921년생), A.P. Zyryanov (b. 1928년생), L.F. Polstovalova (1929-93년생) , E.K. Koshelev (b. 1929); 조각가 V.M. Druzin, V.S. Zaikov(1924년 출생), V.E. Egorov, B.D. Fudzeev(1923년 출생), L.N. Golovnitsky, E.E. Golovnitskaya(1931년 출생) ), A.P. Sulenev(1929년생), V.A. Avakyan(1931년생), N.G. Petina(1932년생), V.M. Belov(1928년생), V.N. Murashov(1935년생) 기념비주의와 표현력을 갖춘이 시대의 "가혹한 스타일"특징은 무도회를 위해 유기적 인 것으로 판명되었습니다. 가장자리와 비교적 오랜 시간 동안 여기에 머물렀다. LV. 얇은 나는 진정한 시민적이고 비순응적인 예술에 대한 낭만적인 꿈과 헤어지고 싶지 않았습니다. 그들 중 일부에 대한 이상은 초기에 E.I. Neizvestny였습니다. Sverdl에서 생성된 50년대. 첫 번째 조각품.

60년대 예술에서 눈에 띄는 현상은 머리입니다. 회화 학교: A.Kh Sitdikova(1913년 출생), R.M. Nurmukhametov, A.F. Lutfullin, B.F. Domashnikov(1924년 출생), A.D. V. Panteleev(1932년 출생). 같은 기간에 G.S. Raishev (1933 년생)의 작업이 형성되어 나중에 얇은 것을 병합했습니다. 유럽 정복과 함께 S. 민족의 전통. 20세기 소송.

60년대 유니온 씬 내부. 소련은 예술 연합을 만들었습니다. RF, 그 구성은 얇은 것으로 판명되었습니다. 조직 지역. 및 자치 대표, ter에 통합. 정기(약 5년에 한 번) 전시회를 위한 공간. 당신에서. 구역, 포함. Sverdl., Perm., Chelyab., Orenb., Tyumen, Kurg. 지역 그리고 바쉬크. (Udmurtia는 Big Volga 지역으로 이전), 1964년부터 1985년까지 6개의 전시회 "U. socialist"가 열렸습니다. 명령과 adm의 산물입니다. 한편, 이러한 전시회는 이전에 이질적인 지방 예술을 통합하는 긍정적인 역할을 했습니다. 힘, 만들기. pl. 이름. 50 년대 후반부터 Urals는 공화당, 전체 연합 및 국제에 정기적으로 참여했습니다. 전시회. 1971년 모스크바에서 미술 전시회가 열렸습니다. 미국, 시베리아 및 극동. Urals의 그룹 및 개인 전시회가 decomp에서 열렸습니다. gg. 국내 및 해외. 이젤과 함께 ur. 기념비적 장식 및 연극 장식 예술, 책 그래픽, 예술과 공예, 예술의 역사의 부활 이전 및 신흥 새로운 유형.

60년대 이후 새로운 세대가 이 지역 예술에 뛰어들었습니다: Sverdlovsk 주민 G.S. Metelev(1938년 출생), A.I. Burlakov(1940-1999), V.A. Zolotukhin (b. 1937), N. P. Kazantseva (b. 1937), S. V. Tarasova (b. 1945), V. A. Stepanov (b. 1941), E. V. Arbenev (b. 1942) , A. A. Alekseev (1952 년생), A. V. Zolotukhin (태생) Kalashnikov(1947년생), V.D. Syskov(1943년생), Yu.N. Filonenko(1947년생), M.P. Sazhaev(1948년생), V.I. Reutov(1945년생), Z.G. Malinina (b. 1936), Yu.S.Ustinov (1954년생), A.G.Antonov (1944년생), O.N.Mudrova (1945년생), L.I.Kruzhalova (1946년생), V.G.Zhukov (1941년생), N.D. Fedoreev (1943-96), L. V. 푸자코프(1946년생), A.A. 리샤코프(1946년생); Nizhny Tagil 거주자 L.I. Perevalov(1937년 출생), V.N. Nasedkin(1954년 출생), T.V. Badanina(1955년 출생), E.A. Bortnikov(1952년 출생), A.A. Shtro(1953년 출생), S.V. Bryukhanov(1959년 출생); Permians S.E. Kovalev (b. 1935), M.V. Tarasova (b. 1933), I. V. Lavrova (b. 1944); 첼랴빈스크 시민 A.P. Kudryavtsev(1938년 출생), N.V. Fokin(1940년 출생), V.V. Kachalov(1946년 출생), P.P. Khodaev(1946년 출생), Z.N. Latfulin(1947년 출생), E.A. Shchetinkina(1950년 출생); Orenburgers Yu.P.Grigoriev (1937년생), G.A.Glakhteev (1939년생), Yu.A.Rysukhin (1947년생), V.V.Gazukin (1951년생), O.V.Okuneva (1959년생); Kurgan 주민 A.M. Petukhov, G.A. Travnikov (b. 1937), N. A. Godin (b. 1930); 우파 주민 I.K. Gazizulin (b. 1946), D.N. Ishengulov (b. 1943), N. A. Pakhomov (b. 1937); Vinogradov(1936년생), V.B. Kononov(1941년생), P.V. Elkin(1946년생), A.E. Lozhkin(1936년생), V.A. Tsibulnik(1942년생), A.E. Anikin(1947년생); 튜멘 주민 A.S. Novik(1949년생), G.A. Yurinok(1949년생), G.P. Vostretsov(1948년생) 등 Mn. 이 얇은 여러 모습을 보였다 창의성의 유형, 12월로 바뀌었습니다. 재료와 기술. 급성 사회를 키우십시오. 그리고 생태 문제얇은 종종 비유와 우화의 언어를 사용했습니다. 공식적으로 인정된 소송과 병행하여 지하가 형성되기 시작했습니다. Sverdl의 지도자. 후반에도. 60 년대는 V. F. Dyachenko (1939 년생) 및 A.A. Tarshis (pseud. Ry-Nikonova, 1942 년생)-소위 개념 주의자 향후 수십 년 동안 Naib의 "Uktus 학교". 주목할만한 인물로는 V.F. Gavrilov(1948-82)와 E.M. Malahin(가명 B.U. Kashkin, 1938년 출생)이 있습니다. Ufa에서 지하에 대한 아이디어는 나중에 "Sary Biya"( "Yellow Horse") 그룹의 조직자 중 한 명인 M.A. Nazarov (1927 년생)의 이름과 관련이 있습니다.

처음부터 페레스트로이카와 더 나아가 포스트로. 소송 전 기간 U.는 국가 전체와 마찬가지로 이전에는 상상할 수 없었던 기회, 영적 지평이 열리고 있지만 새로운 어려움도 발생합니다. 이전 형태의 조직이 얇아졌습니다. 생명이 파괴되고 새로운 생명이 막 형성되고 있습니다. 특별한 작업이 희박합니다. 높은 전문성의 전통을 보존하고 발전시키기 위해 고안된 학교. 공식 및 비공식 소송의 대안은 상업 및 비상업이라는 덜 가혹한 소송으로 대체되었습니다. 후자는 실질적이고 공식적인 검색의 어려운시기를 겪고 있습니다.

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