영국 극장. 런던 극장

런던은 박물관, 역사적인 건물 및 최첨단 레스토랑으로 유명합니다. 그러나 도시를 지배하는 연극적 삶만이 다른 도시와 구별됩니다. 연극이 런던에서 성공했다면 다른 곳에서도 성공을 반복할 것입니다.

브로드 웨이가있는 뉴욕은 런던의 유일한 경쟁자가 될 수 있지만 길고 풍부한 역사를 가진 극장 건물을 자랑 할 수는 없습니다. 도시의 중심부인 웨스트 엔드(West End), 사우스 뱅크(South Bank) 및 빅토리아(Victoria) 지구는 100명의 관중을 수용할 수 있는 작은 스튜디오부터 멜포메네(Melpomene)의 대형 사원에 이르기까지 극장이 집중되어 있어 놀라움을 금치 못합니다. 런던에서 가장 큰 10개 극장에 대한 개요를 제공합니다.

Holborn Street에서 멀지 않은 곳에 위치한 Shaftesbury Theatre는 건축 및 역사적 가치가 있는 영국 건물로 등재되어 있습니다. 1973년 건물 옥상에서 발생한 작은 사고 덕분에 그들은 주목했다. 1968년부터 뮤지컬 '머리카락'은 1998년까지 무대에 올랐다. 나중에 히피 운동을 홍보하는 쇼가 종료되었습니다. 뮤지컬이 웨스트 엔드 극장 무대에서 처음 상영되었을 때 연극 검열관 Lord Cameron Fromantil "Kim", Baron Cobbold가 금지했습니다. 생산자들은 의회에 도움을 요청했고 남작의 금지령을 완전히 무효화하는 법안을 발행하여 허가했습니다. 극장 역사상 유례가 없는 이 사건은 영국의 연극 검열을 종식시켰습니다. 1,400명의 관객을 수용할 수 있는 극장으로서는 나쁘지 않은 일입니다.

Shaftesbury에서 불과 몇 블록 떨어진 곳에 1,400명의 관중을 수용할 수 있는 Palace Theatre가 있습니다. 특기는 Singing in the Rain이나 Spamalot 같은 뮤지컬이다. 극장은 1891년에 문을 열었고 Richard d'Oyley Kart의 후원 아래 Royal English Opera로 알려지게 되었습니다. 최근에오페라 외에도 뮤지컬, 영화 및 기타 쇼가 무대에서 상영됩니다. 1960년대 뮤지컬 <사운드 오브 뮤직>은 극장에서 2,385회 상영되었다. 극장은 건축 및 역사적 가치가 있는 영국 건물로 등재되었습니다. 이와 함께 해당 지역의 다른 건물도 목록에 포함됐다.

Adelphi Theatre는 최근 200주년을 기념했습니다. 건물의 적당한 크기에도 불구하고 극장은 1,500명의 관객을 수용할 수 있습니다. 그는 "Chicago"와 "Joseph and His Amazing, Multicolored Dreamcoat"와 같은 작품으로 유명합니다. 1930년 아르데코 건물이 Strand Palace Hotel에 인접해 있습니다. 이것은 1809년 이후 극장의 전체 역사에서 네 번째 건물입니다. 인근 바 벽에 있는 추모 명판은 한때 위대한 Terriss의 지원을 받았던 배우의 죽음에 대해 극장을 비난합니다. 그러나 실제로 알코올 중독으로 인기와 품위를 잃은 실패한 배우 리차드 아처 왕자는 자신의 멘토인 테리스를 정신 이상 상태에서 살해한 혐의를 인정하고 강제 치료를 위해 보내졌다. 정신 병원그곳에서 그는 죽을 때까지 교도소 오케스트라를 이끌었습니다. 자신의 제자이자 살인범에게 내려진 관대한 선고에 속상해하는 복수하지 않는 테리스의 유령은 지금도 밤이면 극장 건물을 배회한다고 한다.

일부 쇼는 런던의 웨스트엔드에서 수십 년 동안 극장에서 상영되었으며 Victoria Palace는 뮤지컬 Billy Elliott와 같은 신선한 레퍼토리를 지속적으로 제공합니다. 일반 시청자에 따르면 2005 년부터 무대에 올랐지 만 많은 편이다. 극장은 1832년 작은 공연장에 불과했던 시절부터 시작된 오랜 역사를 가지고 있습니다. 1911년에 지어진 이 건물은 현재 1,517명의 관중을 수용할 수 있습니다. 홀을 환기시키기 위해 중간 휴식 시간에 열리는 개폐식 지붕이 장착되어 있습니다. 극장 무대에서 기억에 남는 공연이 많았지 만 그 중 가장 기억에 남는 것은 1934 년 애국 연극 Young England로 많은 부정적인 평가를 받았습니다. 그녀는 278회 공연만 버텼다.

프린스 에드워드 극장은 소호 지역의 중심부에 위치하고 있으며 1,618명을 수용할 수 있습니다. 영국 왕실의 왕위 계승자 에드워드 8세의 이름을 따서 지어졌다. 그는 왕위에 오른 지 불과 몇 달밖에 되지 않고 사랑의 이름으로 왕위를 버렸다. 전통적으로 "쇼 보트", "맘마미아", "웨스트 사이드 스토리", "미스 사이공"과 같은 로맨틱한 쇼와 공연이 무대에서 열립니다. 극장은 1930년 단순한 영화관과 댄스홀에서 시작된 오랜 역사를 가지고 있습니다. 1978 년에야 극장이 문을 열었고 세계에 대한 뮤지컬 "에비타"의 초연과 동시에 열렸습니다. 유명한 여자아르헨티나 대통령의 부인. 연극은 3,000회 공연을 거쳤고, 에비타 역을 맡은 배우 일레인 페이지는 연극 무대에서 화려한 출발을 하며 스타가 됐다.

더 나은 교차로를 제공하기 위해 런던의 Tottenham Court Road를 보수했음에도 불구하고 한 가지는 동일하게 유지되었습니다. Dominion Theatre 앞에서 "We Will Rock You"를 부르며 손을 들고 있는 Freddie Mercury의 거대한 동상입니다. 이 쇼는 2002년부터 극장 무대에 올랐으며 비평가들의 부정적인 평가에도 불구하고 관객들 사이에서 성공을 거두었습니다. 1929년 오래된 런던 양조장 부지에 지어진 극장은 2,000명의 관중을 수용할 수 있습니다. 건물에는 미사 중에 극장의 무대와 조명을 사용하는 호주 일요일 교회도 있습니다.

이것은 런던에서 가장 큰 극장 중 하나입니다. 정문을 장식하는 기둥은 1834년에 지어졌으며 건물 자체는 1904년 로코코 양식으로 재건되었습니다. 존재의 전체 역사에서 1765 년에 시작하여 극장을 제외한 모든 것이있었습니다. 예를 들어 50 년 동안 저녁 식사가 이곳에서 열렸습니다. 비밀 결사소고기 스테이크. 1939년에 그들은 건물을 폐쇄하기를 원했지만 도로 건설의 시작과 관련하여 저장되었습니다. 14년 동안 라이온킹은 극장 무대에서 상영되었고, 디즈니 각색은 오랫동안 이곳에 안착해 좋은 흥행 수익을 안겨준 것 같다.

2,196명의 관객을 수용할 수 있는 런던 최고의 극장으로 꼽히는 왕립극장은 그런 이유가 아니다. 1663년 이래로 이 사이트에는 여러 개의 극장이 있었고 Drury Lane 자체는 극장으로 간주됩니다. 다른 많은 극장과 마찬가지로 Royal은 뮤지컬 "Evita"와 "Cats"의 저자 인 Andrew Lloyd Webber의 지시에 따라 작업했습니다. 무대에 오른 다른 작품으로는 같은 이름의 뮤지컬 영화 올리버, 프로듀서, 슈렉, 오늘날에도 여전히 상영 중인 찰리와 초콜릿 공장 등이 있습니다. 뮤지컬과 배우 외에도 극장은 회색 양복과 모자를 쓴 남자의 유령과 같은 유령으로 유명합니다. 전설에 따르면 그는 18세기와 19세기에 극장 건물에서 살해당했습니다. 또 다른 유령은 무대에서 긴장한 배우를 돕는 광대 Joseph Grimaldi라는 이름입니다.

London Paladium 극장은 런던뿐만 아니라 전 세계적으로 알려져 있습니다. Oxford Street에서 몇 걸음 떨어져 있습니다. 그는 1955년부터 1967년까지 진행된 야간 쇼 "런던 팔라디움의 일요일 밤" 덕분에 유명해졌습니다. 수백만 명의 관중이 회전하는 무대와 다양한 무대 동작에 익숙해졌습니다. 1966 년에 건물 소유주가 추가 재건을 위해 건물을 팔려고했지만 극장 투자자와 극장 외에도 1973 년 록 밴드 "Slade"의 공연을 위해 콘서트 홀이 열렸다는 사실 덕분에 구해졌습니다. ". 끊임없는 만석과 밴드 팬들의 적극적인 행동으로 홀 발코니가 무너질 뻔했습니다. 2014년에는 대극장에서 장기자랑 '더 엑스팩터: 더 뮤지컬'이 열렸다.

Apollo Victoria 극장이 런던에서 가장 인기가 없다면 최고로 안전하게 인정받을 수 있습니다. 빅토리아 궁전에서 몇 미터 떨어져 있으며 2500명의 관중을 수용할 수 있습니다. 제시된 리뷰의 여러 극장이 근처에 있으며 일종의 "극장 국가"를 만듭니다. "Appollo Victoria"는 1930년에 문을 열었습니다. 건물은 분수와 조가비를 장식으로 한 항해 테마의 아르데코 스타일로 디자인되었습니다. 설계에 18년이 걸렸다. 철도뮤지컬 '별빛특급'을 위해 대본에 따라 열차가 객석 주변을 따라 이동하도록 했다. 극장에서 상연되는 또 다른 인기 뮤지컬은 "Wicked"입니다. 초연의 박스 오피스는 761,000 파운드에 달했고 7 년간 공연 수입은 1 억 5 천만 달러로 추산됩니다. 영화광들은 가까운 장래에 극장이 사라질 것이라고 주장하지만 각 뮤지컬의 관객 수, 흥행 규모와 관련된 통계는 그렇지 않음을 시사한다. 루즈와 화이트의 냄새, 강당의 소음은 결코 사라지지 않을 것입니다.
그러나 현대 건축은 결코 아름다움과 우아함보다 열등하지 않습니다. 역사적인 건물극장.

영국인은 연극을 사랑하는 나라이며, 셰익스피어를 탄생시킨 나라에서는 세계에서 가장 화려한 것으로 인정받는 극장에서 다양한 작품을 쉽게 관람할 수 있습니다. 아래에서 우리는 최고의 제품과 구매할 때 비용을 절약할 수 있는 몇 가지 팁을 제시했습니다 ...

런던의 웨스트엔드

40개의 극장이 관객을 위해 진지하게 싸우고 있는 런던의 역사적인 극장 지구인 시어터랜드(Theatreland)에서 놀라운 공연과 활기찬 뮤지컬을 감상할 수 있습니다. 웨스트엔드의 대부분의 문화 기관은 Shaftesbury Avenue 주변에 집중되어 있으며 남쪽으로는 Strand, 북쪽으로는 Oxford Street, 서쪽으로는 Regent Street, 동쪽으로는 Kingsway가 이 지역의 대략적인 경계입니다.
많은 West End 극장 프로덕션은 Theatreland에서 첫 상영 후 투어를 진행하며 런던 외곽의 극장에서 상영되는 공연 티켓은 훨씬 저렴합니다. 모든 런던 작품 및 공연의 전체 목록은 런던 극장 협회에서 관리하고 관리하는 공식 런던 극장 가이드에서 찾을 수 있습니다. The Society는 일부 쇼의 할인 티켓을 제공하고 티켓을 할인된 가격으로 구매할 수 있는 레스터 스퀘어와 브렌트 크로스에 위치한 키오스크를 소유하고 있습니다. 영국 전역의 많은 극장에서 학생과 18세 미만의 어린이 및 청소년에게 할인 티켓을 판매합니다.

런던의 셰익스피어 글로브 극장

유명한 Elizabethan Shakespeare Theatre의 현대적인 개방형 (지붕이없는) 건물은 16 세기에 지어지고 Southwark의 Thames 남쪽 강둑에 서있는 최초의 Globe Theatre 프로젝트에 따라 복원되었습니다. Globe에서 공연을 관람하면 잊을 수 없는 경험을 하게 될 것입니다. 극장은 자연광만을 사용하며, 입장권을 구매하면 무대에서 불과 몇 걸음 떨어진 곳에서 배우들의 연기를 볼 수 있습니다.

극장 시즌은 4월부터 10월까지이지만, 연극을 관람하지 못하더라도 극장과 정보 전시를 관람할 수 있습니다.

국립극장런던의 또 다른 지역에 위치하며 템스강에 의해 웨스트엔드와 분리됩니다. 국립 극장 지붕 아래에는 셰익스피어 작품을 기반으로 한 작품을 포함하여 현대 및 고전 드라마 공연에서 국가 최고의 배우가 역할을 하는 무대에서 한 번에 3개의 강당이 있습니다. 공연당일 오전에는 극장 매표소에서 약 30장 정도의 저렴한 티켓이 판매되는데, 일찍 도착하셔야 구매가 가능합니다!
런던의 로열 오페라 하우스와 영국 국립 오페라
전통 오페라 애호가라면 코벤트 가든의 로열 오페라 하우스에서 호화로운 클래식 아리아를 즐길 수 있습니다.
보다 현대적인 영어 오페라 공연을 선호하는 분들은 인근 St. Martin's Lane에 위치한 영국 국립 오페라를 방문하실 수 있습니다.

런던의 새들러스 웰스 극장

Sadler's Wels Theatre는 춤을 전문으로 하며 영국에서 관객들이 영감을 주고 흥미롭게 즐길 수 있는 장소입니다. 댄스 쇼준비된 최고의 안무가최고의 댄서들의 참여로 이 극장의 공연장에서는 종종 " 백조의 호수 Matthew Bourne의 대담한 해석으로. Sadlers Wels의 무대에서는 플라멩코부터 힙합까지 다양한 음악과 춤 공연을 볼 수 있다.
Stratford-upon-Avon, London 및 Newcastle의 Royal Shakespeare Company 극장
Royal Shakespeare Company의 주요 극장은 고향 Stratford-upon-Avon의 William Shakespeare에서 현대 작가의 연극을 기반으로 한 공연과 위대한 극작가의 최고의 작품을 기반으로 한 공연을 방문할 수 있습니다. 유쾌한 연극 공연은 Stratford에 위치한 4개의 극장, Duke of York 극장, 런던과 뉴캐슬의 Hampstead 극장에서 볼 수 있습니다. 극장은 또한 국가의 다른 도시에서 투어를 제공합니다.

로얄 익스체인지 극장, 맨체스터

극장 로얄 익스체인지 in Manchester는 이전에 Cotton Exchange가 차지했던 웅장한 건물에 자리 잡고 있습니다. 중앙의 무대 극장 홀, 둥근 모양을 가지고 있으며 극장 방문객의 관심이 연극 활동에 계속 집중되도록 관중석이 솟아 오르는 행으로 사방이 둘러싸여 있습니다.
극장은 아방가르드 연극과 클래식 공연셰익스피어의 작품을 포함하여

에든버러

스코틀랜드의 수도는 매년 열리는 에딘버러 페스티벌 덕분에 세계적으로 유명합니다. 예술에 전념. 그러나 일년 중 언제든지 에든버러를 방문할 수 있습니다. 영국 최고의 장소에서 공연을 제공하는 국제 극장을 찾을 수 있습니다.

Edinburgh Festival Theatre는 인상적인 다양한 오페라, 발레, 무용, 음악 및 드라마 공연을 전문으로 선보입니다. 극장의 무대는 영국의 다른 어떤 극장보다 크며 가장 인기 있고 중요한 쇼가 열리는 곳입니다. 왕립 극장은 우아한 에드워디안 건물에 자리 잡고 있으며 매년 무언극 축제뿐만 아니라 양질의 드라마 제작을 위한 무대 역할을 합니다. Royal Lyceum Theatre는 빅토리아 양식으로 지어진 전통 극장으로 가장 인기있는 공연을 주로 선보입니다. Traverse Theatre는 스코틀랜드 및 국제 극작가의 흥미롭고 대담한 작품 제작을 전문으로 합니다.

글래스고

글래스고는 연극 예술의 진정한 중심지이며 스코틀랜드 오페라, 스코틀랜드 발레 및 스코틀랜드 국립 극장이 도시에 있습니다. City Theatre는 혁신적인 현대 드라마 공연을 제공하며 Tron 및 Tramway 극장은 시청자를 긴장시키고 생각하게 만드는 작품으로 유명합니다. Royal Theatre는 인기있는 드라마 작품의 팬들을 기쁘게 할 것이며 스코틀랜드 오페라도 소장하고 있습니다.

카디프의 밀레니엄 센터

카디프에 왔다면 밀레니엄 센터를 반드시 방문해야 합니다. 항상 관광 명소인 이 건물은 순회 웨스트엔드 뮤지컬부터 발레, 현대 무용 쇼에 이르기까지 모든 종류의 공연을 위한 장소를 제공합니다. 공연에 참석할 시간이 없더라도 이 현대 미술의 걸작을 확인하고 백스테이지 투어를 하거나 현지 바에서 휴식을 취해보세요. 밀레니엄 센터 로비에서 매일 무료 콘서트가 열립니다.

주제: 영어 극장

주제: 영국의 극장

영국에는 드라마, 훌륭한 극작가, 배우 및 감독의 오랜 전통이 있기 때문에 극장에 가는 것은 영국인들 사이에서 매우 인기 있는 활동입니다. 런던은 극장 생활의 중심지이지만 다른 곳에도 훌륭한 극단과 극장이 있습니다. 런던에만 50개 이상의 극장이 있으므로 전국에 그 수를 상상할 수 있습니다. 영국 최초의 극장은 1576년에 등장하여 Blackfries라고 불렸고 몇 년 후인 1599년에 유명한 Globe Theatre가 문을 열었고 William Shakespeare가 그곳에서 일했다고 믿어집니다.

요즘에는 극장이 없는 도시가 거의 없지만, 관객을 극장으로 끌어들일 때까지 배우 회사가 함께 일하기 때문에 대부분의 도시에는 정규 직원이 없습니다. 공연이 사람들의 관심을 끌지 못하면 극장은 다른 회사나 배우 그룹을 찾는다. 하나 더특이점은 두 종류의 좌석 중에서 선택할 수 있다는 것입니다. 첫번째사전에 예약할 수 있지만 예약할 수 없으므로 일찍 올수록 더 좋은 자리를 얻을 수 있습니다.

요즘에는 극장이 없는 도시가 거의 없지만, 관객을 극장으로 끌어들이는 동안 배우들이 함께 일하기 때문에 기본적으로 모든 극장에는 정규 직원이 없습니다. 공연이 사람들의 관심을 끌지 못하면 극장은 다른 회사나 배우 그룹을 찾습니다. 또 다른 기능은 두 종류의 좌석 중에서 선택할 수 있다는 것입니다. 전자는 사전예약이 가능하고 후자는 예약불가이므로 일찍 도착할수록 유리하다. 더 나은 장소당신은 얻을 것이다.

런던의 또 다른 독특한 특징은 웨스트 엔드 근처에 위치한 약 40개의 공연장이 있는 극장 지구인 시어터랜드입니다. 그들은 보통 , 그리고 뮤지컬. 대부분의 극장은 빅토리아 시대와 에드워드 시대로 거슬러 올라가며 현재는 사립입니다. 가장 오래 지속되는 쇼는 Les Misérables, Cats 및 The Phantom of the Opera입니다. 매년 Theaterland에는 천만 명이 넘는 사람들이 참석하며 매우 높은 수준의 상업 극장을 대표합니다.

또 다른 독특한 기능 극장 런던- 웨스트 엔드 근처에 위치한 약 40개의 공연장이 있는 극장 지구. 그들은 보통 코미디, 고전 또는 연극과 뮤지컬을 보여줍니다. 대부분의 극장은 빅토리아 시대와 에드워드 시대에 기원을 두고 있으며 현재는 개인 소유입니다. 가장 긴 쇼는 Les Misérables, Cats 및 The Phantom of the Opera입니다. 극장 지구에는 연간 천만 명이 넘는 방문객이 방문하며 고급 상업 극장이 있습니다.

비상업극장이라고 하면 극장가 밖에서도 볼 수 있다. 그들은 매우 권위 있고 극적이고 고전적인 연극을 보여줍니다. 현대 작품주요 극작가. 영국에는 왕립 국립극장, 왕립 셰익스피어 극장, 왕립 오페라 하우스 등 세 곳의 가장 유명한 공연장이 있습니다. 그들 모두는 그들의 웅장 함과 예술의 발전에 놀랐습니다.

왕립 국립 극장은 1963년 올드 빅 극장을 기반으로 설립되었습니다. 1976년에는 3개의 스테이지가 있는 새 건물로 이전했습니다. 각 무대에는 Olivier, Lyttelton 및 Dorfman 극장과 같은 자체 극장이 있습니다. 그들은 일반적으로 레퍼토리에서 세 가지 공연을 제안하는 다양한 프로그램을 가지고 있습니다. 기발한 '드럼 리볼브'와 다양한 '스카이 훅'으로 1000명 이상의 관객을 모은 올리비에 극장. 모든 객석에서 무대를 잘 볼 수 있으며 멋진 풍경 변화를 촉진할 수 있습니다. Lyttelton Theatre는 프로시니엄 아치 디자인으로 약 900명을 수용할 수 있는 극장입니다. Dorfman Theatre는 400명을 수용할 수 있는 가장 작은 향상된 어두운 벽 극장입니다. 국립 극장 자체는 연극 서점, 전시회, 레스토랑 및 바가 있는 백스테이지 투어로 유명한 지역입니다. 또한 학습 센터, 수많은 탈의실, 스튜디오, 개발 동 등이 있습니다.

왕립 국립 극장은 올드 빅 극장을 기반으로 1963년에 설립되었습니다. 1976년에 그는 3개의 극장이 있는 새 건물로 이사했습니다. 각 무대에는 Olivier, Lyttelton 및 Dorfman과 같은 자체 극장이 있습니다. 그들은 일반적으로 레퍼토리에 세 가지 공연이 있는 다양한 프로그램을 가지고 있습니다. The Olivier는 극장의 메인 야외 무대로 1,000명 이상의 좌석이 있으며 독창적인 '돌리는 드럼'과 '스카이 후크'가 있습니다. 이것은 모든 좌석에서 무대를 잘 볼 수 있으며 극적으로 변화하는 멋진 풍경을 만듭니다. Lyttelton은 아치 형태의 프로시니엄 디자인으로 약 900명을 수용할 수 있는 극장입니다. Dorfman은 어두운 벽과 400명을 수용할 수 있는 가장 작은 극장입니다. 국립극장 자체는 백스테이지 투어, 연극 서점, 전시회, 레스토랑, 바로 유명합니다. 트레이닝 센터, 수많은 탈의실, 스튜디오, 개발 동 등도 있습니다.

로열 셰익스피어 극장은 극단연간 약 20 회 공연. Swan Theatre와 Royal Shakespeare Theatre의 두 개의 상설 극장으로 구성되어 있습니다. 2011년 11월에 개조 공사를 마치고 문을 열었고 50주년을 맞았습니다. 셰익스피어의 출생지인 Stratford-upon-Avon에 위치하고 있으며 1961년 극작가이자 시인으로서의 그의 재능을 기념하기 위해 이름을 따왔습니다. 그는 또한 시인의 작품에 대한 긍정적인 태도를 고취하고 축제를 조직하며 다른 많은 분야에서 그의 영향력을 확장합니다.

코벤트 가든은 연극 공연과 관련된 장소이기도 합니다. 거기에서 The Royal Opera House를 찾을 수 있습니다. 발레와 오페라를 중심으로 한다. 그 건물은 참혹한 화재를 겪었고 1990년대에 마지막으로 재건축되었습니다. 2000명 이상을 수용할 수 있는 충분한 좌석이 있으며 원형 극장, 발코니 및 4단 박스로 구성되어 있습니다. 폴 햄린 홀(Paul Hamlyn Hall), 일부 행사를 주최하는 훌륭한 철 및 유리 건축물, 지하에 위치한 린베리 스튜디오 극장(Linbury Studio Theatre), 풍경을 만드는 장소, 교육 센터 및 새로운 기술 센터인 하이 하우스 프로덕션 파크(High House Production Park) 등 독특한 시설을 갖추고 있습니다. 극장.

코벤트 가든은 연극 공연과 관련된 장소이기도 합니다. 여기에서 Royal Opera House를 찾을 수 있습니다. 그는 발레와 오페라를 보여줍니다. 그 건물은 치명적인 화재에서 살아남았고 1990년대에 마지막으로 개조되었습니다. 2000명 이상을 수용할 수 있는 충분한 공간이 있으며 원형 극장, 발코니 및 4단 박스로 구성되어 있습니다. 각종 행사가 열리는 철과 유리 구조물인 폴 햄린 홀, 1층 아래에 ​​위치한 두 번째 무대인 린베리 씨어터 스튜디오, 세트가 만들어지는 하이하우스 프로덕션 파크, 훈련 센터와 새로운 기술 극장.

영국의 극장은 매우 다양하며 영국이 연극 국가이기 때문에 계속해서 번성하고 있으며 많은 관광객들도 멋진 공연을 놓치지 않을 수 있습니다. 그들은 로마인들 덕분에 영국에 나타났습니다. 첫 번째 주제는 설화와 종교와 관련이 있었지만 이것은 드라마가 번성했던 엘리자베스 1세의 통치 기간 동안 바뀌었습니다. 많은 재능있는 극작가영국인이었습니다. William Shakespeare, Christopher Marlowe, Bernard Shaw, Oscar Wilde 등은 말할 것도 없고 Andrew Lloyd Webber는 그의 뮤지컬이 영국 무대와 미국 브로드웨이 쇼를 지배한 다작의 영국 작곡가입니다. 따라서 이제 극장이 영국 문화의 필수적인 부분이며 영국 전체의 전통과 문화적 배경을 계속해서 발전시킬 것이라는 것은 명백합니다.

극장을 사랑한다면 - 당신은 런던에 있습니다. 여기에서 오페라와 발레의 최고의 공연을 볼 수 있습니다. 최고의 뮤지컬그리고 최고의 드라마-동일하게 모든 시대와 민족의 최고의 드라마 작품 작가 인 윌리엄 셰익스피어가 런던에서 연극을 상연했습니다.

하지만 먼저 해야 할 일이 있습니다.

Royal Opera House "Covent Garden"은 세계에서 가장 오래된 오페라 하우스 중 하나입니다. 예를 들어 밀라노의 La Scala 또는 모스크바의 볼쇼이 극장과 같은 지역 극단과 방문 예술가 모두 최고의 공연이 이곳에서 열립니다. 4~5월에 런던에 계시고 오페라를 좋아하신다면 베르디의 라 트라비아타(2014년 4월 19일~5월 20일)나 푸치니의 토스카(2014년 5월 10일~6월 26일)를 꼭 보시길 권합니다. 여름에 런던에 오셨다면 푸치니의 또 다른 오페라인 라 보엠을 보세요. 그리고 러시아 발레 애호가를 위해 마린스키 극장은 7월과 8월에 런던을 순회하며 로미오와 줄리엣, 백조의 호수, 신데렐라(7월 28일부터 8월 16일까지)의 세 가지 클래식 발레 작품을 선보입니다.

Royal Opera House "Covent Garden"은 영국인, 특히 최고층에서 매우 인기가 있습니다. 여기에서 유명한 정치인과 영국 귀족을 자주 만날 수 있습니다. 2009년 왕립 오페라 하우스에서 세르게이 디아길레프의 발레 뤼스의 100주년 공연을 상연했을 때 나는 고인이 된 마거릿 대처 옆에 앉을 수 있었습니다.

로열 오페라 하우스 입장권은 사전에 구입해야 합니다. 가급적이면 몇 달 전에 구입해야 합니다. 은행 카드로 결제하면 극장 웹사이트에서 직접 구매할 수 있습니다. 오페라 티켓은 1인당 평균 120~200파운드, 발레 티켓은 70~110파운드로 약간 저렴합니다.

모든 런던 뮤지컬의 발상지인 유명한 런던 웨스트엔드를 무시할 수 없습니다. 그것은 가장 큰 뮤지컬 중 하나입니다 뉴욕의 브로드웨이 다음으로 세계의 중심지입니다. 웨스트 엔드는 19세기에 극장의 중심지가 되었으며, 이것이 빅토리아 시대 건물의 내부에서 여전히 많은 작품이 상영되는 이유입니다. 수많은 뮤지컬이 현대(그렇지 않은) 연주자의 음악을 기반으로 합니다. 예를 들어 마이클 잭슨, 비틀즈, 퀸, 아바의 팬이라면 반드시 티켓을 구매하세요. 후회한다. 이것은 엔터테인먼트 극장입니다. 이것은 음악과 춤의 에너지로 가득 찬 당신이 떠나는 극장입니다. 나는 마이클 잭슨의 열렬한 팬이 아니어서 어떻게든 뮤지컬 스릴러를 방문하게 되었다. 대부분의 프로덕션에서 저는 의자 옆에서 춤을 췄습니다.대부분의 다른 시청자도 마찬가지입니다. 와 함께걷는 것은 불가능했다!

오랫동안 극장에서 상영되어온 인기 뮤지컬 카테고리가 있습니다. 예를 들어, 뮤지컬추방자 "("레미제라블")은 28년 동안 계속되고 "오페라의 유령 ” (“오페라의 유령”) 27년 동안. 뮤지컬 티켓 가격은 1인당 평균 50~100파운드입니다. 이 뮤지컬 및 기타 뮤지컬 티켓을 구입할 수 있습니다.

뮤지컬 '레미제라블' 런던 퀸즈 시어터

보기 드문 뮤지컬이 2년 이상 무대에 오른다. 하지만 레 미제라블의 영국 제작은 내년에 30주년을 맞이합니다....

영국 르네상스의 극장은 영국의 풍미와 민주주의를 결정짓는 시장 광장에서 태어나고 발전했습니다. 지역 무대에서 가장 인기 있는 장르는 도덕과 희극이었다. Elizabeth Tudor의 통치 기간 동안 미스터리는 금지되었습니다. 16 세기 초부터 영국 연극 예술은 왕권과 가톨릭 교회 간의 정치적 투쟁을 배경으로 형성되기 시작한 인본주의 드라마 발전의 시작 인 새로운 단계에 접근했습니다.

새로운 인본주의적 이데올로기에 대한 날카로운 비판과 선전이 습관적인 막간과 도덕의 옷을 입고 무대에서 울려 퍼졌다. 인본주의 자 John Rastell "4 가지 요소의 본질에 대한 막간"(1519)의 연극에는 도덕성에 대한 전통적인 인물 외에도 지식에 대한 갈증, 자연의 여인, 경험 및 반대되는 캐릭터가 있습니다. 그들에게-악마 무지와 쾌락에 대한 갈증의 창녀. 극중 이들 인물들의 화해할 수 없는 투쟁은 몽매주의와 무지에 대한 계몽주의의 승리로 끝난다.

존 베일은 영국 종교 개혁의 저명한 인물이었으며, 유명한 작가연극 존 왕의 저자. 도덕성에 사회적 주제를 더함으로써 그는 역사 ​​연대기 장르의 극작술의 토대를 마련했다.

새로운 극장은 중세 희극에서 태어났습니다. 궁정 시인이자 음악가이자 화려한 안경을 조직한 존 게이우드는 풍자적인 막간을 써서 희극을 발전시켰습니다. 그들에서 그는 승려의 사기와 면죄부 판매자, 성직자의 음모, 이익에 대한 탐욕, 과시적인 경건으로 죄를 덮은 사제의 교활한 속임수를 조롱했습니다. 주인공인 도적 외에도 부정적인 문자-성직자-단순하고 선량한 평민들이 짧은 일상 장면에 참여했습니다. 16세기 초의 풍자적 막간극은 중세 희극극과 신흥 극극을 연결하는 고리가 되었다.

영국인들의 소개 이탈리아 문화그리고 예술은 고대문화에 대한 적극적인 인식과 대중화, 그리고 고대문명의 성취에 기여하였다. 라틴어에 대한 집중적인 연구와 Seneca와 Plautus의 작업으로 인해 고대 비극과 희극이 영어로 번역되었습니다. 이러한 번역을 기반으로 한 공연은 귀족과 대학 환경에서 매우 인기를 얻었습니다.

동시에 귀족과 깨달은 대중은 Petrarch의 소네트와 Ariosto의시를 존경했습니다. Boccaccio와 Bandello의 소설은 raznochin 사회에서 알려졌습니다. 왕실에서는 가장 무도회가 재미있는 오락 행사로 소개되어 이탈리아 목가적 인 장면이 펼쳐졌습니다.

국가 코미디와 비극의 첫 번째 예는 16 세기 중반에 무대에 나타났습니다. 최초의 영국 희극인 Ralph Royster Doyster(c. 1551)의 저자인 Nicholas Udol은 교육받은 궁정 엔터테인먼트 조직가였으며 그의 작품을 통해 사람들에게 "좋은 삶의 규칙"을 가르치려고 했습니다.

Thomas Norton과 Thomas Sequile의 Gorboduk 연극(1562)은 엘리자베스 여왕의 궁정에서 초연되었으며 최초의 영국 비극으로 간주됩니다. 그것은 로마 비극의 모방을 분명히 보여줍니다 : 연극을 5 막으로 나누고, 합창과 메신저의 독백, 피비린내 나는 범죄, 그러나 줄거리는 사실중세 역사에서. 비극의 교훈은 우화적인 판토마임과 배우들이 연기하는 막간에 예상치 못한 줄거리 왜곡을 설명하는 막간이었습니다.

익살스러운 미스터리와 원시적 익살 이후 고대와 이탈리아의 극작술을 기반으로 구성의 기초, 부분의 비례성, 행동과 캐릭터의 발전 논리가 존재하는 새로운 영어 극작술이 탄생했습니다.

신세대 극작가들은 거의 모두가 대학 교육을 받았고 민주적인 환경에서 태어났다. "University Minds"라는 크리에이티브 그룹에 합류하여 그들의 작품에서 그들은 귀족의 높은 인본주의 문화와 민속 지혜를 민속과 합성하려고 노력했습니다.

W. 셰익스피어의 전임자 - 유명한 영국 극작가 John Lily (c. 1554-1606) - 궁정 시인이었습니다. 그리스 역사가 Pliny의 이야기에 따라 쓰여진 그의 가장 흥미로운 코미디 "Alexander and Campaspe"(1584)에서 그는 포로에 대한 친구 인 예술가 Apelles의 사랑을 본 Alexander the Great의 관대함을 보여주었습니다. Campaspe, 그녀의 친구에게 양보. 따라서 의무와 감정 사이의 투쟁에서 의무가 승리했습니다. 연극에서 알렉산더의 이상화 된 이미지는 군주와 그의 측근의 자신감과 오만함을 압도하는 민속 지혜와 상식이 승리하는 철학자 디오게네스의 회의적인 인물과 반대됩니다.

John Lily는 소위 로맨틱 코미디의 토대를 마련했습니다. 그는 서정적 요소를 극적인 행동에 도입하여 산문 연설에 밝은 시적 풍미를 부여했습니다. 그는 코미디의 두 장르인 로맨틱 코미디와 익살 코미디의 미래 융합을 위한 길을 제시했습니다.

영국 르네상스 드라마의 진정한 조상은 유명한 극작가이자 철학적이고 무신론적인 내용의 작가인 크리스토퍼 말로(Christopher Marlowe, 1564-1593)였습니다. 끈기로 이학석사 학위를 취득한 제화공의 아들인 그는 용기와 자유사상으로 두각을 나타냈다. K. Marlo는 케임브리지 대학을 졸업한 후 자신보다 앞서 열린 사제의 경력보다 극단에서 배우의 일을 선호했습니다. 그의 첫 번째 극작인 Tamerlane the Great는 무신론적 사상으로 가득 차 있었습니다. 이 기념비적인 작품은 2년에 걸쳐 두 부분으로 작성되었습니다(1587년 1부, 1588년 2부). "Tamerlane the Great"는 XIV 세기 후반의 유명한 동양 정복자 Timur의 각색 전기입니다. Marlo는 그의 영웅에게 전설적인 영웅의 힘과 모습을 부여했습니다. 그리고 특히 중요한 것은 그가 진정한 티무르였던 고귀한 봉건 영주를 자신의 의지, 에너지 및 정신의 힘으로 만 합법적 인 통치자보다 높은 "천한 목자"로 만들었다는 것입니다.

K. Marlo의 연극 "닥터 파우스트의 비극적 이야기"(1588) ( 쌀. 22) 반대편을 드러낸다 인간의 삶. 지식에 대한 갈증과 삶의 기쁨을 위해 금욕주의 원칙을 거부하고 최고 권위에 무조건 복종하는 것은 무신론자 파우스트 박사의 이미지로 그에게 입혔습니다. 파우스트 박사의 해방된 의식과 그에 따른 고독의 드라마는 그를 회개로 이끄는 동시에 사상의 자유를 위한 투쟁의 엄청난 에너지를 부각시킨다.

K. Marlo "Edward II"의 마지막 비극은 역사적 연대기를 소재로 작성되었으며 W. Shakespeare가 그의 작품에서 성공적으로 개발 한 영국 드라마의 기초가되었습니다.

왕과 그의 후계자는 K. Marlo와 그의 작품이 권력에 심각한 위협이 된다고 믿었습니다. 이와 관련 극작가에 대한 물리적 제거 명령이 내려졌다. 1593년 5월 30일, Marlowe는 왕실 추밀원 요원에게 암살당했습니다.

K. Marlowe의 연극과 동시에 University Minds 그룹의 다른 극작가의 연극이 무대에서 상연되었습니다. Thomas Kyd - "The Spain Tragedy"(1587) 및 Robert Greene - "Monk Bacon and Monk Bongay", "James IV " 및 "George Green, Weckfield 필드 파수꾼 "(1592).

University Minds 그룹의 창의적인 극작가 커뮤니티는 르네상스 비극과 코미디의 탄생이라는 국가 드라마 발전의 새로운 단계에 앞서 있습니다. 점차적으로 인본주의 적 이상에 전념하는 대담하고 용감한 새로운 영웅의 이미지가 나타났습니다.

16세기 말 영국에서는 민속극장그는 모든 혁명 사상을 흡수하고 투쟁에서 인간의 존엄성을 옹호하는 용감한 영웅들을 모방하면서 그의 공연을 위해 엄청난 군중을 모았습니다. 극단의 수는 꾸준히 증가했고 호텔 마당과 도시 광장의 공연은 이를 위해 특별히 지어진 극장으로 옮겨졌습니다.

1576년 런던에서 James Burbage는 "The Theatre"라고 불리는 최초의 극장을 세웠습니다. 그 후 "Curtain", "Blackfriars", "Rose"및 "Swan"과 같은 여러 극장 건물이 한 번에 건설되었습니다. 쌀. 23). 시의회가 명령에 따라 1576년 런던 자체에서 연극 공연을 금지했다는 사실에도 불구하고 극장은 시의회의 권한을 벗어난 지역인 템스 강 남쪽 제방에 위치했습니다.

공공 극장의 대형 목조 건물은 원형, 정사각형 또는 팔각형 등 다양한 모양이었습니다. 건물에는 지붕이 없었고 무대 위에는 작은 캐노피만 있었습니다. 이 극장은 최대 2,000명의 관객을 수용할 수 있습니다. 대부분의 청중은 다음과 같이 구성되었습니다. 상인, 서서 공연을 봤다. 부유 한 시민들은 극장의 둥근 벽에 3 단으로 위치한 갤러리에 자리를 잡았습니다.

1599년에는 W. 셰익스피어가 일했던 글로브 극장이 지어졌습니다. 건물은 팔각형이고 무대는 사다리꼴이며 바닥은 강당으로 돌출되어 있습니다. 기능적 공간은 세 부분으로 나뉩니다. 무대 앞 부분 - 프로 시니 엄; 초가지붕 캐노피를 들고 있는 두 개의 기둥으로 분리된 뒤쪽; 맨 위는 백 스테이지 위의 발코니입니다. 이 복잡한 구조는 공연 중에 깃발이 걸려있는 작은 포탑으로 완성되었습니다. 무대는 보통 카펫과 돗자리로 장식했고 커튼은 장르(코미디 또는 비극)에 따라 파란색 또는 검은색이 될 수 있습니다. 최초의 글로브 극장 건물은 1613년 화재로 소실되었습니다. 복원 후 1645년( 쌀. 24).

귀족의 후원을 즐겼던 유명인을 제외하고 대부분 런던 극장의 배우들은 저소득층과 소외된 사람들이었습니다. 왕실 법령은 예술가를 노숙자 방랑자와 동일시하고 부유한 후원자가 없는 극단을 처벌하도록 규정했습니다. 당국의 극장에 대한 강인한 태도에도 불구하고 해마다 인기가 높아지고 그 수가 증가했습니다.

당시 극단 조직의 형태는 배우와 자치단체가 공동으로 운영하는 형태와 소품을 소유하고 극작가로부터 연극 상연권을 사들인 기업가가 운영하는 민간기업 형태로 나뉜다. 개인 기업가는 극단을 고용하여 배우를 자신의 변덕에 속박할 수 있습니다.

W. 셰익스피어가 이끄는 극단( 쌀. 25)와 그의 친구이자 유명 배우인 Richard Burbage( 쌀. 26), "체임벌린 경의 하인"이라고 불 렸습니다. 극단의 수입은 극작가와 극장의 주요 배우들에게 그들의 몫에 따라 분배되었습니다.

극단의 양적 구성은 10-14 명을 넘지 않았으며 극장 레퍼토리에서 여러 역할을 수행해야했습니다. 여성 역할은 예쁜 청년들이 연기했으며 움직임의 가소성과 목소리의 서정성으로 안정적인 연기를 달성했습니다. 배우들의 일반적인 연기 방식은 서사적 스타일과 숭고한 파토스에서 절제된 내적 드라마로 전환되는 단계를 거치고 있었다. W. 셰익스피어 시대 비극 장르의 주역은 Richard Burbage와 Edward Alleyn( 쌀. 27).

W. 셰익스피어는 비극의 주요 역할을 친한 친구이자 조수인 Richard Burbage에게 맡겼습니다. 목소리 구사력이 뛰어난 버비지는 독백을 능숙하게 소화했을 뿐만 아니라 눈빛과 몸짓으로 역할의 감정적 색채를 높였다. 코미디 장르에서 배우 로버트 아민, 윌리엄 켐프( 쌀. 28) 및 리차드 탈튼. 가장 특징적인 코미디언은 셰익스피어의 As You Like It과 King Lear에서 광대 역할을 한 Robert Armin이었습니다. 철학적 의미그리고 드라마틱한 내용.

극작가이자 감독으로서 W. 셰익스피어는 이전에 만들어진 연극 예술의 모든 업적을 그의 작품에 종합하여 이 예술을 완성했습니다. 그는 어떤 형태로든 인간 본성의 본질을 거울로 반영하는 주요 방향을 결정했습니다.

이 시기의 공연 예술은 연기의 상당한 감정적 강렬함이 특징입니다. 큰 낭독과 능동적인 몸짓이 아닌 배우의 풍부한 상상력과 자신이 처한 상황을 전달하는 능력으로 게임의 분위기를 조성했다. W. 셰익스피어가 그의 비극에서 햄릿을 통해 표현한 배우들에 대한 조언은 사실주의 연극 예술이 살아있는 한 모든 세대의 배우들에게 영원한 지침이 된다. 위대한 영국 극작가의 작품에서 유럽 르네상스의 극적인 극장은 발전의 정점에 도달했습니다. 셰익스피어의 작품은 일반적인 한계를 뛰어 넘었고 인간의 영적 세계를 드러내는 방향으로 극 예술을 발전시키고 개선하는 방법을 차세대 배우들에게 보여주었습니다.

17세기 중반, 영국에서 긴 부르주아-청교도 혁명이 끝났고, 이로 인해 사회에 청교도주의가 확립되었습니다. 사람이 자신의 운명에 숙명적으로 굴복해서는 안 된다고 주장하는 청교도 교리 중 하나가 그의 이데올로기적 깃발이 되었습니다. 당시 나라에서는 동시대 사람들에 따르면 방탕과 도덕적 부패가 지배했습니다. 우정, 양심, 공적 의무는 그 의미를 완전히 잃었습니다. 안에 17세 말 18세기 초 자유사상(freethinking)은 영국 철학의 주도적인 방향이 되었고, 이는 드라마와 연극에 큰 영향을 미쳤다. 나중에 이 경향이 특정 형태재치로 알려지게되었습니다. 영국에서 스튜어트 왕정이 복원된 후 위트는 귀족적 환경에서 상당히 높은 평가를 받았습니다. 점차적으로 새로운 부르주아 이데올로기가 형성됨에 따라 재치에 대한 태도도 바뀌었고 점점 더 비판적이되었습니다. 이것은 예술에 반영되지 않을 수 없습니다. 재치 지지자들의 관점에서 볼 때 인생은 사람의 주의와 통찰력이 필요한 복잡한 예술입니다. 거짓말은 진실과 교묘하게 결합되어야 하며 정직과 솔직함은 교활함과 속임수와 결합되어야 합니다. 교회 결혼은 남자의 노예 제도를 증언하는 족쇄로 간주되었습니다.

부도덕한 원칙은 저명한 부르주아뿐 아니라 작가와 철학자들에게도 정당한 분노를 불러일으켰습니다. 부르주아지의 힘이 강화되고 그 영향력이 커지면서 "재치"를 공격하기 시작했습니다. 이것은 주로 영국 극장과의 투쟁에서 표현되었습니다.

영국의 군주제가 복원되기 전, 크롬웰 통치 기간 동안 극장은 특별 의회 법령에 의해 금지되었습니다. 청교도 정부는 극장을 부도덕, 죄, 악의 온상으로 여겼습니다. 시의회는 극단에 대해 수많은 비난을 제기했으며 때로는 배우나 연극과 아무 관련이 없습니다. 극장의 명성이 너무 낮아서 마을 사람들이 극장에 가는 것을 멈췄다. 굶어 죽지 않기 위해 배우들은 무언가를 벌 수 있는 외딴 지방으로 도시를 떠나야 했습니다. 극단과 학교가 해체되고 웅변과 무대 예술, 음악 및 무용 교사가 도시를 떠났습니다. 지방 당국은 성주들이 펼치는 아마추어 공연에 충실했습니다. 그리고 도시에서는 극장이 뮤지컬 및 드라마 공연(가장 무도회)으로 되살아났습니다.

영국의 스튜어트 왕조가 복원된 후 극장 부흥에 유리한 시기가 도래했습니다. 도시 극장의 관객은 독점적으로 귀족과 도시 귀족이었습니다. 극예술은 오랜 세월의 박해와 강제침묵 끝에 분출된 반청교도·반부르주아 정신을 표현했다. 수많은 풍자 코미디에서 어리석은 얼간이 또는 오만한 남편의 역할은 항상 불운 한 부르주아에게 할당되었습니다.

유신시대의 극장은 오랜 시간에 걸쳐 복원되었으며, 이 기간 동안 극장에 일어난 변화는 상당했습니다. 영국에서는 연극 독점이 형성되었습니다. 극단을 조직하고 극장을 만들 권리에 대한 왕실 특허가 발급되었습니다. 그리고 체임벌린 경은 극단의 활동까지 확대되는 검열을 담당했다. 런던의 연기 회사와 극장 건물의 수는 영국 정부에 의해 통제되고 규제되었습니다. 극장 레퍼토리에 특별한 관심을 기울였습니다.

영국의 왕정복고 기간 동안 공연을 시연하고 극단과 소품을 수용하기 위해 특별한 건물이 지어졌습니다. 상당한 크기의 장방형의 지붕이 있는 방으로, 복원 전보다 관객이 더 편안한 상태였다. 백스테이지와 프로시니엄이 극장에 등장해 가판대 안으로 튀어나와 두 줄로 늘어선 박스로 둘러싸여 있었다. 처음에는 그러한 극장에서 특히 고귀한 관중이 배우와 가까운 무대 바로 위의 안락 의자에 앉았습니다. 이로 인해 공연자들에게 약간의 불편이 생겼습니다.

무대 공연을 위해 특별히 제작된 무대는 물론, 비행과 다양한 변신을 시뮬레이션할 수 있는 다양한 장치도 마련됐다. 여배우들은 셰익스피어 극장의 청년들을 대신하여 여성 역할로 무대에 등장했습니다. 유신시대의 가장 재능 있는 여성 여배우 중 넬 귄은 눈에 띈다. 쌀. 29), 메리 냅, 엘리자베스 배리 (그림 30), Elinor Lee 및 기타 혁명적 여배우. 연극 공연 자체의 범위도 넓어졌다. 전통적인 드라마 외에도 판토마임이나 희극이 공연에 도입될 수 있습니다. 뮤지컬 댄스 휴식 시간은 매우 인기가있었습니다. 나중에 발라드 오페라가 극장의 레퍼토리에 추가되었습니다. 고전 비극은 그 시대에 큰 성공을 거두었습니다.

다양한 정치적 변화와 공공 생활이 시대의 영국이 경험한 것이 런던 극장의 레퍼토리에 반영되었다. 부르주아지가 자신있게 권력을 잡았고 제 3 영지의 청중이 극장에 왔습니다. 홀에서 대부분의 값싼 좌석을 차지하는 이 청중은 공연에 대한 의견을 단호하고 큰 소리로 표명하고 승인하거나 야유할 수 있습니다.

사회에서는 인간의 악덕과 부도덕을 매력적인 빛으로 표현한 공연에 대한 분노가 점점 더 자주 발생하기 시작했습니다. 반동적 인 설교자 Jeremy Collier의 저서, 영국 무대의 부도덕과 불경에 관한 간략한 에세이는 연극 환경에서 많은 반응과 분노를 불러 일으켰습니다. 이 책은 연극 인물들에 의해 날카롭게 비판 받았음에도 불구하고 눈에 띄는 긍정적 인 결과를 낳았습니다. 레퍼토리가 변경되어 이제 다음을 포함합니다. 극적인 작품부르주아적 미덕인 경건, 검소, 성실을 긍정하는 주제로.

도덕 교정을 위한 시민 사회는 런던 극장에서 상연되는 작품의 내용을 엄격하게 통제했습니다. 공연에는 공연을 지켜보고 도덕에 대한 모든 공격을 기록한 특수 요원이 참석했습니다. 검열관은 이러한 위반에 대해 기업가와 행위자를 재판에 회부했습니다. 연극의 텍스트에서 검열 측의 불신을 불러 일으키는 부분뿐만 아니라 전체 행위가 무자비하게 삭제되었습니다. 왕정복고기 영국 무대의 주연배우 토마스 베터튼( 쌀. 31부도덕한 연기에 대한 보복 위협을 받았던 )은 많은 역할에 대한 해석을 그에 맞게 수정해야 했습니다. 새로운 시스템가치.

18세기 초 영국 극장은 도덕적, 윤리적 가치를 재검토하면서 변화했습니다. 최대 세심한 주의인간의 악뿐만 아니라 그 기원과 사회적 기반을 이해하려는 시도에도 주어졌습니다. 극장에서는 어설픈 귀족과 신흥 부르주아, 궁정 위선자, 누보 부자 상인을 비웃을 수 있습니다. 무대에서 다른 사람의 삶을 보면서 시청자는 자신의 삶에 대해 생각한 다음 많은 중요한 질문에 필요한 답을 찾았습니다.

극장은 시청자가 진정한 은인과 악을 인식하는 법을 배우는 일종의 학교였습니다. 극적인 영웅의 예에서 그는 자신의 삶의 위치와 태도를 연구했습니다. 이 시대의 극장은 영국 국가 문화의 필수적인 부분이었습니다. 사회적 주제에 대한 호소, 인간과 국가의 악의 가장 작은 세부 사항에 대한 노출이 전통이 되었습니다. 영어 극장그것은 우리 시대에 왔습니다. 영국의 위대한 극작가와 연극인들이 그들의 기원과 유전적 뿌리를 본 것은 바로 이 전통에서였습니다.

영국에서는 스튜어트 군주제 복원 이후에 연극과 극작가의 작품이 여러 방향으로 발전했으며 그 주된 것은 고전주의였습니다. 고대 작품을 형식적으로 모방 한 영국 극작가는 일상적인 미묘함으로 연극을 포화시키고 국가적 특성과이 연극 영웅의 기원에 대한 불필요한 세부 사항을 강조하여 행동을보다 감정적으로 특징지었습니다. 그들의 목표, 욕망 및 기분의 변화 가능성에 대한 성찰도 여기에 주어졌습니다.

이 시대의 가장 저명한 고전주의자는 시인, 극작가 및 문학 평론가인 John Dryden(1631-1700)이라고 할 수 있습니다. 쌀. 32). 그는 비극, 희극, 비극 코미디를 포함하여 27편의 희곡을 썼습니다. 그는 또한 영웅 드라마 장르의 창시자로 간주됩니다. 그는 자신과 타인의 희곡에 대한 프롤로그와 에필로그를 중심으로 연극에 대한 비판적 견해를 표현했다.

Dryden의 연극은 폭력적인 열정, 숨쉬는 자유, 고상한 열망으로 끓었습니다. 그는 극작술을 고대 조각과 비교했다. 그의 관점에서 자연을 반영하는 극작술은 그것을 능가해야 무대 관점에서 보는 사람이 올바르게 인식할 수 있습니다.

1664-1675년에 그는 "인디언의 여왕", "인디언의 황제, 또는 스페인인의 멕시코 정복", "폭압적인 사랑", "그라나다의 정복"과 같은 영국 영웅극의 가장 좋은 예를 썼습니다. by the Spaniards"라는 텍스트와 그의 명예와 의무 개념에 대한 진술이 쫓기는 운문 형식으로 되어 있습니다. 극작가의 여러 비극은 존재의 허영심과 지상 행복의 환상이라는 주제를 다룹니다.

그의 최고의 연극 중 하나 인 "돈 세바스찬"은 사랑의 환상적 행복과 사랑의 행복의기만이라는 주제를 드러냅니다. 포로로 잡힌 젊은 포르투갈 왕 세바스찬은 야만인 여왕 알메이다와 사랑에 빠졌습니다. 사랑은 그를 모든 것을 잊게 만들었다. 곧 Sebastian은 그에게 사랑의 행복을주고 포로에서 해방시킨 사람이 자신의 누이임을 알게되었습니다. 행복의 환상은 사라지고 불행한 연인들은 자발적으로 수도원으로 은퇴했습니다.

Dryden의 연극 외에도 모든 영국 극장의 레퍼토리에는 다른 두 명의 유명한 배우와 극작가 인 Nathaniel Lee (1653-1692)와 Thomas Otway (1652-1685)의 작품이 반드시 포함되었습니다. 1698 년 런던에 머무는 동안 러시아 황제 Peter I에 대한 강한 인상은 N. ​​Lee의 연극 "Rival Queens, or the Death of Alexander the Great"에 의해 만들어졌습니다. 그의 드라마 Mithridates와 Theodosius도 인기가있었습니다.

Thomas Otway는 중산층의 삶에서 "가정 비극"의 저자로 영국 연극의 역사에서 알려져 있습니다. 그들 중 가장 유명한 것은 The Orphan, or the Unhappy Marriage and Venice Saved, 또는 The Conspiracy Revealed입니다. Otway의 기술은 열정의 힘과 사람에게 비참한 감정의 실명을 묘사하는 데 있습니다.

창의적인 듀엣 John Fletcher (1579-1625)와 Francis Beaumont (1584-1616)의 연극은 매우 유명했습니다. 1647년에 34편으로 구성된 희곡집 초판이 나왔다. 연극 "Filastre", "왕이 아닌 왕", "소녀의 비극"이 여러 번 재 인쇄되었습니다. 이 연극은 사랑과 그에 수반되는 모든 인간의 열정을 훌륭하게 묘사했습니다. 이 작가들의 코미디는 정말 웃겼고 비극은 캐릭터와 함께 저를 슬프고 걱정하게 만들었습니다.

Beaumont와 Fletcher의 작품에서 영어는 완성되었습니다. 이 극작가의 죽음 이후 일상 연설에 나오는 모든 단어가 불필요하다고 믿었던 문학 비평가들은 이것에 대해 여러 번 말했습니다. 40년 동안 그들의 연극은 영국 극장 무대에서 꾸준히 성공을 거두었습니다. 동시에 새로운 연극 시즌마다 그들의 레퍼토리에는 확실히 연극 "The Wayward Centurion", "How to Manage a Wife", "The Hunt for the Hunter", "The King and Not the King", "Filaster"가 포함되었습니다. ”, 컷이나 변경없이 원본에서 재생되었습니다.

영국의 XVIII 세기에는 W. 셰익스피어에 대한 모호한 태도가있었습니다. 저명한 교육자 Joseph Addison( 쌀. 33) 및 리처드 스타일( 쌀. 34), 국가 영국 극장의 형성을 위해 싸웠고 외국, 특히 이탈리아 오페라의 지배에 맞서 그의 창조적 유산을 옹호했습니다. 그러나 Thomas Reimer와 같은 일부 비평가들은 그의 비극을 "비꼬는 맛이 없는 희극"이라고 불렀습니다.

따라서 많은 셰익스피어 희곡이 현대적 취향에 맞게 저자에 의해 변경되었습니다. T. Otway는 셰익스피어의 연극 "로미오와 줄리엣"을 리메이크하여 제목을 "The Life and Fall of Kai Maria"로 변경하고 D. Dryden - "Antony and Cleopatra"( "All for Love")를 리메이크했습니다. 그리고 포스터에는 셰익스피어의 이름이 계속해서 올라갔지만 극의 텍스트 변경이 너무 커서 공연은 원작과 아무 상관이 없었다. 유명한 극작가의 많은 연극이 같은 시즌에 런던에서 원본과 재 작업 형식으로 상연되었으며 관객은 W. 셰익스피어의 비극적 인 끝과 함께 로미오와 줄리엣의 두 버전을 즐겁게 시청했습니다. 제임스 하워드의 해피엔딩.

사회 풍자적 매너 코미디도 영국 극장의 레퍼토리에 자리를 잡았습니다. 이러한 유형의 창의성의 초기 대표자는 George Etheridge (1634-1691)라고 할 수 있습니다. 그는 세기의 관습을 조롱하는 사람으로 간주되어 영국 연극 예술의 역사에 들어간 여러 연극을 만들었습니다. 배럴 속의 사랑', '할 수만 있다면 그녀는 원한다', '패션의 노예' 등이다. 나중에 연극 연구에서 이러한 유형의 코미디는 "복고 시대의 코미디"라고 불 렸습니다.

코미디는 그 기간 동안 매우 인기가있었습니다. 배우는 특히 William Wycherley (1640-1716)의 공연을 좋아했습니다. 쌀. 35) 유머와 생생한 무대 존재감이 돋보였다. 일부 연극 시즌에는 여러 극장에서 그의 연극 '마을 아내'를 한 번에 상연했고, 극장주들 사이에서 관객을위한 진정한 경쟁 투쟁이 벌어졌습니다. William Congreve의 희극에 관하여 ( 쌀. 36)는 대중과 함께 지속적인 성공을 거두었으며 여러 세대의 영국 배우를 위해 무대 기술을 연마했습니다. 연극 "The Old Bachelor", "Double Game", "Love for Love"에서는 잘 조준 된 일상 특성을 바탕으로 사회적 분석이 1 위를 차지합니다.

Congreve의 최신 코미디인 That's How They Do It in the World는 현대인인 Mirabella의 초상화를 보여줍니다. 영웅의 장점은 논리와 영적 친절이 결여되지 않은 그의 건전한 추론에 있습니다. 연극의 언어는 매우 우아하고 공허한 말장난과 과장된 문구가 없습니다.

18세기에는 연극 극장의 레퍼토리가 크게 확장되었습니다. 공연은 여러 막으로 구성되었으며 공연 후 희극, 판토마임, 음악적 다양성 또는 광대와 곡예사 공연으로 보완되었습니다. 공연의 결말은 인기 연극이나 오페라의 패러디로 꾸며질 수도 있습니다. 수년 동안 저녁 내내 프로그램에 관계없이 동일한 유명한 희극이 연주되었습니다. 음악적 다양화 또는 막간극은 연극 레퍼토리에서 가장 인기가 있었습니다. 기악 연주회나 성악 공연이 될 수 있었는데, 유머러스한 내용의 문학적 플롯이었으며 음악에 맞춰 장난기 가득한 이름으로 "사랑과 맥주잔", "A 부끄러운 댄디", "개그과학 교수님" 등

발라드 오페라, 희극, 막간 외에도 18 세기에는 "살아있는 그림"과 "의식 행렬"과 같은 연극 공연에 이러한 현상이 나타났습니다. 행렬 ", Anne Boleyn의 엄숙한 대관식을 묘사 한 헨리 8세의 두 번째 부인 배우들의 호화로운 의상으로 화려하게 연출된 이 쇼는 곧 독립 콘서트 넘버가 되었고, 관객들 사이에서 엄청난 인기를 얻었고, 그날 공연의 주제와 상관없이 무대에 올랐다.

1시간짜리 연극 공연의 핵심은 언제나 극단이 주로 선택하고 오랫동안 리허설한 연극이었다. 경쟁 심화로 인해 극장 소유주는 대중의 요구를 고려하려고 노력했습니다. 1868년까지 레퍼토리는 왕실의 집안을 책임지고 연극 제작을 허가한 시종장에 의해 극장 간에 배포되었습니다. 이 시스템을 통해 극장은 개별 스타일을 개발할 수 있었습니다. 런던의 Duke's Theatre는 혼합 레퍼토리로 유명했으며 Royal Theatre에서는 W. Shakespeare와 B. Johnson이 선호되었습니다. 쌀. 삼 7). 새로운 희곡의 작가들은 돈뿐만 아니라 연극에 대한 사랑 때문에 희곡을 쓴 직업 극작가이자 아마추어였다. 극장에서 일하지 않은 신사 극작가, 즉 "외부 작가"는 극장과의 계약에 따라 유명 연극을 재 작업하거나 공연을위한 프롤로그 및 에필로그를 구성했습니다. 각 극장에는 자체 극작가와 "외부 작가"가 있습니다. 많은 유명 배우들도 극단이 즐겁게 참여한 새로운 공연을 구성했습니다.

꽤 자주 군주는 연극을 주문하여 때로는 즉석에서, 때로는 궁정 귀족의 조언에 따라 음모를 제공했습니다. 재능 있고 진지한 연극과 함께 극장은 엄격한 선택 과정을 거쳐 많은 작가들에게 불만을 불러 일으키는 저질 극작술의 엄청난 수의 원고를 가져 왔습니다.

극단의 승인을 받은 연극이 극장에서 상연되기 위해서는 왕실 검열의 허가를 받아야 했다. 왕실에서 검열 수석의 임무는 국가 검열 기관을 이끄는 시종장과 의식의 수석 마스터에게 할당되었습니다. 군주의 폭력적인 죽음이나 성경 인용문을 부적절하게 사용하는 것을 묘사한 연극은 금지될 수 있습니다. 검열관이 허락한 궁중에서 만연했던 뇌물을 이야기하는 장면은 왕의 분노를 불러일으키고 폭동을 놓친 검열관을 투옥시킬 수도 있다. 그러한 경우는 영국 드라마의 역사에 있었습니다.

17세기 말 도덕교화를 위한 수많은 단체의 활동이 심화되면서 연극 검열도 더욱 심화되었고, 국내에서 휘그당과 토리당 사이의 정치적 투쟁이 격화되는 시기에 극단적인 형태를 띠게 되었다. . 1737년 정부는 검열법을 통과시켰다. 그것은 극장 면허에 관한 법률이 되었고, 그에 따르면 왕실 면허를 가진 극장만이 존재할 수 있었습니다. 모든 연극은 예외 없이 체임벌린 경의 검열을 받아야 했습니다. 연극에서 작가는 정치 문제를 다루고 공무원을 비판하는 것이 금지되었습니다.

그러한 법의 결과로 극장에 대한 국가 독점이 나타났습니다. 즉, 중앙 극장 인 Covent Garden과 Drury Lane을 제외하고 런던의 모든 극장이 폐쇄되었습니다. 시사적이고 비판적인 성격의 레퍼토리는 무대에서 사라졌고 외부 또는 외부의 문제를 다루는 즉흥 연극은 없었습니다. 국내 정책. 그러나 모든 검열 조치에도 불구하고 극작가와 배우는 특정 연극 기법과 우화를 사용하여 공개적으로 표현할 수 없었던 것을 시청자에게 전달했습니다.

1660년에 극장을 열 수 있는 독점권에 대한 왕실 특허를 받은 유명한 극작가이자 기업가인 William Davenant(1606-1683)와 Thomas Killigru(1612-1683) 왕 George II의 두 예술 컨설턴트는 런던 배우들을 그들 사이에 나누었습니다. . Killigru의 극단은 King의 극단으로 알려지게 되었고 Davenant의 극단은 Duke of York의 극단이 되었습니다. 이 극단은 자체 건물이 없었고 공연에 적합한 다양한 부지를 점유했습니다.

17세기 초, 레드불 극장은 런던 남동쪽 외곽의 세인트 존 스트리트에 세워졌습니다. 지붕이 없는 개방형 극장으로 기상 조건에 따라 극단의 작업이 이루어졌습니다. 이 방은 여러 극단에서 임대했으며 일부는 면허가 없었고 극장은 법을 어겨 주기적으로 폐쇄되었습니다. "Red Bull"의 연극 환경에서 무질서와 방탕이 지배했고 수백 명의 관중이 강당에 모이지 않았습니다. 가난한 의상을 입은 배우들은 평범하고 때로는 완전히 평범했습니다. 70년대에 "레드불"은 더 이상 존재하지 않았고 건물은 펜싱 클럽으로 넘어갔습니다.

콕핏 극장의 건설도 17세기 초로 거슬러 올라갑니다. 드루리 레인 중앙부에 위치한 제법 널찍한 벽돌 건물이었다. 이 극장은 1617년 화재와 빠른 복원 이후 두 번째 이름인 "Phoenix"를 얻었습니다. 극장은 약 60년 동안 존재했으며 더 이상 현대적인 요구 사항을 충족하지 못해 철거되었습니다.

왕정복고 초기, 즉 1629년에 런던의 세 번째 극장인 Salisbury Court가 세워졌습니다. 1652 년 영국의 저명한 연극 인물 인 William Beeston이 소유자가되었으며 엄격한 금지에도 불구하고 Oliver Cromwell의 가혹한 정권 기간 동안 여러 공연을 할 수 있었고 최고의 연극 교사 중 한 명으로 간주되었습니다. 그는 혁명 기간 동안 비참한 상태가 된 극장 건물의 재건을 시작했습니다. 그의 프로젝트에 따르면 지붕을 30피트 높이고 무대 위의 방에 댄스 수업을 준비했습니다. 갤러리를 둘러싼 롯지와 포장 마차가 크게 확장되었습니다. 극장 건물은 1666년 런던 화재 이후 보존되지 않았습니다.

1663년 5월 7일, 영국의 유명한 극장 "Drury Lane"이 개장했으며 오늘날 런던의 주요 극장입니다. 무대에서 첫 번째 공연은 F. Beaumont와 D. Fletcher "The Wayward Centurion"의 공연이었습니다. 극장은 Drury Lane과 Bridges Street 사이에 지어졌습니다.

건물은 동그랗게 생겼습니다. 극장에는 넓은 가판대와 화려하게 장식된 상자가 있었습니다. 프로시니엄의 아치는 절묘한 장식으로 장식되었습니다. 무대에서 상자까지 너무 먼 거리, 포장 마차의 좁은 통로 및 오케스트라의 불행한 위치에도 불구하고이 극장은 이전 극장에 비해 상당한 이점을 가졌습니다. 포장 마차에서 벤치는 원형 극장을 형성하는 동심원 반원으로 배열되었습니다. parterre는 칸막이로 분리되고 여러 줄의 편안한 의자를 포함하는 두 단의 상자로 둘러싸여 있습니다. 이때까지 여성은 남성과 함께 롯지에 머무를 수 있었습니다.

대부분의 청중은 가판대에 앉아 있었는데, 낮에는 건물 상부를 덮고 있는 거대한 유리 돔을 통해 조명이 켜졌습니다. 폭우 중 하나에서 관중의 머리에 물줄기가 떨어져 대중의 격렬한 분노를 불러 일으켰습니다. 안에 저녁 시간포장 마차는 촛불로 밝혀졌습니다. 포장 마차의 벤치는 녹색 천으로 덮여있었습니다.

포장 마차의 낮은 층 중앙에는 금박을 입힌 아폴로 인물과 영국의 국가 상징으로 장식 된 왕실 상자가있었습니다. 왕실 가족이 공연에 참석하지 않을 때 로얄 박스 티켓은 모든 사람에게 판매되었습니다.

1672년 11월 25일 극장에서 화재가 발생하여 극장 건물과 인접한 건물이 모두 완전히 파괴되었습니다. 몇 년 동안 새 건물을 위한 기금을 마련해야 했던 왕립 극장은 1674년에야 유명한 건축가 크리스토퍼 렌이 설계한 건물을 받았습니다. 방은 특별한 것이 없었고 단순하고 예술이 없었습니다. parterre는 원형 극장의 형태로 관중들은 등받이 없이 천으로 덮힌 벤치에 앉았습니다. 사람들은 모두 함께 앉았습니다. 고귀한 신사 숙녀 여러분, 공연 중에 시시덕 거리고 수다를 떨던 쉬운 미덕의 숙녀들; 일부는 배우를 무시하고 카드 놀이를했습니다. 무대 바로 앞, 하단 갤러리의 캐노피 아래에는 가장 비싼 좌석이 배치되었고 상단 갤러리에는 가장 가난한 관중이 붐볐습니다.

같은 Christopher Wren의 프로젝트에 따르면 1671 년 Duke of York 극단을 위해 드라마와 오페라 하우스가 위치한 Dorset Garden의 런던 지구에 극장이 세워졌습니다. 그것은 건축과 고급 장식으로 구별되었습니다. 극장의 외관은 템스 강둑을 내려다보고 있으며 요크 공작의 문장으로 장식되어 있습니다. 최상층은 유명한 영국 배우의 아파트를 위해 설계되었습니다.

극장은 약 1200명의 관객을 수용했으며 인테리어의 아름다움에 놀랐습니다. 프로시니엄의 아치는 유명한 목각가 Grinling Gibbons에 의해 바로크 양식으로 만들어졌으며 화려하게 도금되었습니다. 객석 내부는 프랑스 최고의 극장 인테리어보다 훨씬 아름다웠고 편안한 배치가 특징이었다. 원형 극장 모양의 포장 마차에는 소음이 거의 없었습니다. parterre는 20 명을 수용 할 수있는 7 개의 상자로 둘러싸여 있었고 첫 번째 계층의 7 개 상자와 더 높은 rayek이 이어졌습니다.

18세기 초, 1705년 런던에서 극작가 John Vanbrugh( 쌀. 38) 앤 여왕을 기리기 위해 여왕의 오페라 하우스로 알려지게 된 최초의 오페라 하우스가 지어졌습니다. 그 생각대로 거대했던 무대와 특유의 음향시설이 드라마틱한 공연에 어울리지 않아 가수와 뮤지션들이 극장에 자리를 잡았다. 이 극장은 거의 85년 동안 존재해 왔습니다. 많은 런던 극장의 운명을 피하지 못하고 1789년 6월 17일 창고에서 발생한 화재로 소실되었습니다.

복원 기간 동안 추가 개발 18세기 초 영국의 문화와 극장은 크게 변했습니다. 그들의 아키텍처는 증가된 요구 사항에 따라 더욱 복잡해졌습니다. 극장 내부와 실내 장식은 소유자의 부를 반영했습니다. 무대 디자인은 셰익스피어 무대 플랫폼과 무대 상자를 관객과 분리하는 포털과 결합했습니다. 객석으로 돌출된 무대 앞부분은 타원형이 됐다. 작가들이 그린 백스테이지와 풍경이 등장했다.

공연의 주요 부분은 프로시니엄에서 이루어졌습니다. 피날레에 가까워지면 배우들은 시청자에게 더 가깝고 훨씬 더 밝은 무대의 타원형 부분으로 앞으로 나와야했습니다. 풍경이 펼쳐지는 무대 안쪽은 어스름에 물들어 공연 내내 신비로움을 자아냈다. 충분한 조명을 위해 매우 많은 양의 양초가 필요했던 양초는 비쌌고, 극장주들이 왕실 구성원들을 위해서만 허락하는 사치품이었습니다. 희미하게 깜박이는 빛, 벽에 그림자가 흔들리는 것은 연극 활동에서 초자연적 인 느낌을 불러 일으켰습니다. 무대 자체는 옅은 부조와 조각품이 설치된 전면 조각 아치로 장식 된 프로 시니 엄쪽으로 약간의 경사가 있었고 숙련 된 장인이 복잡한 장식품을 조각했으며이 모든 것이 금으로 덮여있었습니다. 복원 시대에 영국 배우들은 공식적으로 왕실 서비스로 간주되었습니다. 궁중극장의 배우들은 붉은 천에 붉은 벨벳을 장식한 궁중의 하인복을 입었지만 실은 사회 최하층의 대표자로 여겨졌다. 그들은 열심히 일해야 하는 적은 급여를 받았습니다.

배우들은 오랜 시간의 리허설과 공연을 버틸 체력이 있어야 했다. 공연 사이에 여러 사람이 있었던 방은 난방이되지 않았습니다. 벽난로가 있는 별도의 방은 예외적인 경우에만 제공되었습니다. 종종 성공적인 초연 직후 연기단은 왕궁의 궁정 극장에서 저녁 늦게 공연을 반복해야했습니다. 뛰어난 기억력으로만 배우는 한 공연에서 여러 역할의 텍스트 또는 여러 공연의 다양한 역할을 짧은 시간에 외울 수 있습니다.

왕실이 런던을 떠나는 여름 동안 중단 된 연극 시즌 동안 돈을 벌 수 없었습니다. 전염병, 화재, 홍수, 종교적 휴일 또는 왕실의 애도로 인해 작업이 중단되었습니다. 검열과 관련하여 또는 단순히 왕이나 시종장의 발언으로 인해 극장도 무기한 폐쇄되었습니다.

대부분의 배우들은 여행에 돈을 쓰지 않기 위해 극장 근처에 숙소를 빌렸다. 부유한 배우들은 런던의 유명한 지역에 살 여유가 있었습니다. 극장 소유자가 특정 배우에 관심이 있다면 (대부분 배우였습니다) 아파트는 극장 건물 자체 또는 인접한 건물에있었습니다.

영국 법은 배우들과의 싸움이나 결투에서 부자들의 편에 섰지만 법원에서 다뤄진 사건은 그들의 잘못으로 인해 발생했습니다. 배우를 모욕하거나 모욕할 가치가 있는 것은 아무것도 없었습니다. 이것은 귀족 계급 사이에서 정상적인 것으로 간주되었습니다.

유신 기간 동안 여배우들은 여장을 한 여성스러운 젊은이들을 대신하여 영국 극장 무대에 등장했습니다. 젊은 남자들이 여성 역할을 하기 위해 몇 년 동안 이것을 배워야 했다. 최초의 여성 여배우는 영국과 현재와 같은 청교도 국가에서 무대에 오르기 위해 충분한 의지력과 시민적 용기를 가져야 했습니다. 여성 이미지모든 매력에서.

첫 번째 여배우는 개인 연금에서 극장에 왔습니다. 그들 모두는 겸손한 출신이었고 기숙 학교에서 문해력, 어법, 음악 및 무용을 공부했습니다. 댄스 교사와 개인 합창단 지도자의 추천으로 부르주아 계급의 소녀들이 극장에 왔습니다. 많은 훌륭한 여배우들이 연예계에서 왔습니다. 여성 교육 수준이 매우 낮았을 때 여배우의 직업은 많은 소녀들에게 유망하고 유혹적인 것처럼 보이기 시작했습니다.

극장은 그들에게 가정의 폭정이 없는 세상으로 가는 길을 열어주었고 개인적인 발전을 위한 상당한 기회를 제공했습니다. 그러나 동시에 최소한의 생활 자금을 제공 할 수없는 젊은 재능은 부유 한 신사의 영향을 받아 양육 된 여성이되었습니다. 부유 한 신사의 급여를받는 여배우 -이 현상은 매우 흔하고 완전히 합법적입니다. 젊은 여배우들은 스스로 여성이 되기를 열망했고, 종종 극장에서 몇 년 동안 연기를 배운 소녀들은 그러한 유지 관리를 위해 1~2년 동안 극장을 떠났고, 그 후 대부분의 경우 그들은 런던 매춘굴에서 피난처를 찾았습니다. 연기에 매진하는 이들만이 무대에 남았다. 대부분 그들은 배우의 아내였습니다.

영국 배우들은 종종 생계를 유지하기 위해 다른 나라로 여행을 떠나야 했습니다. 때때로 이러한 여행은 매우 생명을 위협했습니다. 배우들은 종종 굶고 온갖 고생을 해야 했다. 그들은 일반적으로 다음과 같은 광장과 시장에서 공연했습니다. 열린 하늘. 언어 차이에도 불구하고 유럽 여러 나라의 영국 배우들은 매우 호평을 받았으며 고전적인 연기 스타일과 연기 기술은 동시대 사람들에게 감탄했습니다. 르네상스 시대에 영국 배우들은 독일, 네덜란드, 덴마크, 프랑스에서 자신들의 예술을 선보였습니다.

극적인 배우 외에도 영국 곡예사, 마임 및 댄서가 프랑스를 여행했습니다. Woolton 형제는 프랑스 정부의 허가를 받아 Dijon에서 서커스를 열었습니다. 유명한 배우 Thomas Betterton이 영국 정부를 대표하여 프랑스를 방문했습니다. 그는 극장의 레퍼토리와 편곡에 익숙해져야 했다.

프랑스 배우들도 영국 순회 공연에 나섰지만, 세련된 런던 관객들은 그들의 연기를 경시했다. 연극 소품과 게스트 출연자들의 측근은 소박했고 공연은 지루하고 흥미롭지 않은 것으로 판명되었습니다. 대부분 저소득층 배우들이 투어를 했기 때문이다.

인형극 예술가는 이탈리아에서 영국으로 처음 왔습니다. 그들의 공연은 왕에게 큰 감명을 주었고, 그는 꼭두각시 극단의 주연 배우에게 메달과 금 사슬을 수여했습니다. 투어에 온 이탈리아 배우들은 왕의 특별한 호의를 누렸다. 공연을 위해 그들은 왕궁에서 화이트 홀을 받았습니다. 18세기에 이탈리아 오페라는 주로 런던 귀족들이 참석한 런던에 뿌리를 내렸습니다. 위해 설계된 그녀의 레퍼토리 세련된 맛영국 귀족은 런던의 세속적 집단을 정복했습니다.

오페라는 처음에 영어로 공연되었지만 이로 인해 공연이 어려워 음악 주제와 이탈리아어 텍스트의 영어 번역 사이에 불일치가 발생했습니다. 나중에 영어와 이탈리아어 연주자들은 자신의 언어로 아리아를 불렀고 나중에는 모든 아리아를 이탈리아어로 불렀습니다. 관객들은 내용에 대한 이해가 거의 없었고, 무대에서 벌어지는 일을 공감이나 반성을 유발하지 않는 기계적인 재미로만 인식했다. 많은 저명한 영국 교육자들은 이탈리아 오페라를 국가 문화그녀에게 심각한 피해를 입힙니다.

손으로 쓴 버전의 새 연극이 고려 및 승인을 위해 극장에 직접 전달되었습니다. 일반적으로 첫 번째 읽기는 저자가 수행했습니다. 배우들의 새로운 연극에 대한 인식은 그의 극적 능력에 크게 좌우되었습니다. 작가는 자신의 생각과 작품의 파토스를 배우들에게 전달하기 위해 일부 연극을 여러 번 읽어야했습니다. 작가의 낭독 후에 유명 배우들이 임의로 배역을 재작성하여 동지들의 매너나 성격에 맞게 조정하여 많은 연극을 편집하고 개선해야 했습니다. 때때로 이러한 편집은 연극을 크게 개선했으며 때로는 연극을 "라이브 콘텐츠"로 채우기 위해 거의 완전히 다시 작성했습니다.

역할은 일반적으로 자신이 주연 배우 중 한 명인 극장 소유자의 직접 참여로 분배되었습니다. 이 역할에 대처할 수 있는지 여부에 관계없이이 기간 동안 인기있는 여배우가 주연을 맡았습니다. 때때로 그녀의 역할에 특이한 역할의 인기 여배우의 연기는 공연의 인상을 완전히 망쳤습니다. 그러나 왕 자신이 역할 분배에 참여했습니다.

인정받은 재능있는 극작가는 자신의 공연에 참여할 배우를 선택할 권리가 있습니다. 예, 그들은 누가 정확히이 역할을 할 것인지 고려하여 이미 연극을 썼습니다. 그러나 배우의 주요 역할은 여전히 ​​이 문제에서 결정적인 역할을했습니다. 관객은 캐릭터에 대한 고정 관념을 발전 시켰고, 주연 배우가 공연에 참여하지 않고 그의 학부생이라면 관객은 극장에서 폭동을 일으킬 수 있습니다. 그런 다음 촛불을 포함하여 모든 종류의 물체가 무대 위로 날아 갔기 때문에 공연을 중단해야했습니다.

초연을 준비하는 데 최소 한 달이 걸렸습니다. 그 당시에는 그러한 지시가 아직 존재하지 않았고 리허설 중에 텍스트가 다양한 무단 변경의 대상이 될 수 있습니다. 그런 공연을 본 극작가들은 적어도 천 줄은 빼먹었다고 하소연했다. 종종 극작가가 연극 감독의 역할을 맡았습니다. 그는 역할에 대한 준비 및 조직 작업을 처리했습니다. 그는 또한 무대 공간에서 몸짓과 가소성에 이르기까지 미장센과 캐릭터의 움직임을 개발했습니다.

리허설은 아침에 시작하여 공연 전에 끝났습니다. 그들은 종종 시끄럽고 어리석게 다른 방식으로 일어 났지만 때로는 매우 전문적인 것으로 판명되었습니다. 공연이 끝난 저녁 시간은 새로운 글을 외우고 춤을 배우는 시간이었다. 극장 레퍼토리에서 이전에 플레이 한 연극을 재개하는 데 배우의 시간과 노력이 훨씬 적었습니다. 2주도 채 걸리지 않았습니다.

때때로 너무 성급한 공연 준비로 인해 배우들이 텍스트를 잘 알지 못했다는 사실이 밝혀졌습니다. 그런 다음 그들은 동지들이 큰 소리로 웃지 않을 수 없을 정도로 무대에서 그런 개그를 들고 이미지를 떠나 공연을 방해했습니다. 종종 극단에서는 엄격한 규율이 ​​부족하고 일부 배우가 자신의 사전 작업을 꺼려했습니다. 결과적으로 그들의 게임은 청중의 짜증과 불만을 불러 일으켰습니다. 홀에서는 그러한 배우가 말한 내용을 한 마디도 알아낼 수 없었기 때문입니다.

일부 배우는 자신의 구성을 화려한 표현으로 작가의 텍스트를 장식하는 데 탁월했습니다. 그러한 아마추어 작가의 전체 구절은 공연에 돌이킬 수없는 피해를 입히고 극작가의 명성을 훼손했습니다. 그러한 열성적인 배우 중 한 명인 존 레이시는 왕의 명령에 의해 체포되었습니다. 이것은 그가 Charles II가 참석 한 연극 "Change of Crowns"에서 임의로 큰 파토스로 연설을하고 도시 악의 등록을 확장했기 때문에 이루어졌습니다. 만화 장르의 일부 배우는 몇 분 동안 청중과 대화를 나눴습니다. 그들을 금지하는 것은 쓸모가 없었고, 저자는 그러한 배우의 특성을 고려하여 저자의 발언에 "같은 정신으로 계속"또는 "연기자의 재량에 따라"라고 썼습니다.

수십 년 동안 연극 준비는 영국 드라마의 약점이었습니다. 청중의 초청으로 연극의 유료 드레스 리허설은 18 세기에 실행되기 시작했습니다. 먼저 그들이 소개되었습니다. 오페라 하우스그리고 나중에 극적.

공연의 운명은 여러 가지 상황에 달려 있었지만 성공은 전적으로 초연 당일에 결정되었습니다. 극장은 11월부터 2월까지의 기간에 가장 많은 수수료를 받았습니다. 초연의 날은 특별히 선택되었습니다. 그들은 그날 런던에서 홀에 관중이 완전히 없어 극장을 망칠 수 있는 다른 공개 행사가 있는지 확인했습니다. 토요일은 시사회에 가장 좋은 날로 간주되었습니다.

프롬프터는 공연 준비에서 다소 중요한 위치를 차지했습니다. 그는 배우들을 위해 각각의 역할을 읽기 쉽게 다시 썼고 유료로 표지가 있는 책 형태로 시트를 제본했습니다. 이 책의 페이지에서 프롬프터는 배우를 위해 메모와 의견을 작성하여 공연 과정을 직접 조정했습니다. 프롬프터의 인벤토리에는 종이, 펜, 잉크 외에도 항상 종과 휘파람이 있었습니다. 휘파람 소리로 풍경이 움직이고 옮겨졌고 종은 오케스트라에게 음악 소개를 알렸다.

음악은 공연의 중요한 구조적 요소였습니다. 그녀는 공연자와 청중을 하나로 묶는 특별한 감정적 분위기를 조성했습니다. 바꾸다 뮤지컬 테마공연 과정에서 작품에 다양한 의미론적 음영을 줄 수 있었다. 많은 극작가들이 특별히 작곡가들과 협력하여 그들의 연극을 위한 악보를 만들었고, 음악의 역할과 개인의 소리가 얼마나 중요한지 깨달았습니다. 악기.

극작가들은 특히 바이올린, 플루트, 오보에를 좋아했습니다. 런던 귀족들은 기타를 선호했는데, 기타는 세속적 환희와 여성화자들이 연주했습니다. 극장 오케스트라의 바이올린 수는 때때로 24개에 이르렀습니다. 하프시코드는 항상 존재했습니다.

극장에서 오케스트라의 위치는 여러 번 변경되었습니다. 처음에는 무대 위, 무대 공간의 깊숙한 곳에 배치되었습니다. 청중은 뮤지션을 볼 수 없었습니다. 음악가들이 있는 곳을 '음악 다락방'이라고 불렀다. 나중에 그는 무대와 포장 마차 사이에 자리를 잡고 자리를 잡았고 나중에는 무대 아래 더 낮은 수준으로 가라 앉았습니다. 극장에서 오케스트라의 위치는 하위 레벨에서 상위 레벨로 이동하면서 여러 번 변경되었습니다.

그러나 반주 없이는 단 한 번의 공연도 열리지 않았습니다. 공연에서 뮤지컬 넘버를 만들 수 있는 기회가 조금이라도 있는 곳에서는 무조건 활용했다. 뮤지컬 삽입물, 보컬 아리아 및 댄스 장면이 셰익스피어 및 기타 초기 작가의 연극에 등장했습니다. 음악을 사용하여 연극에 생명을 불어넣었습니다. 공연을 장식하기 위해 극작가들은 집시, 방황하는 가수 또는 노래하고 춤추는 쾌활한 손님의 역할을 특별히 써서 관객의 즐거운 소생을 일으켰습니다.

공연이 시작되기 전에는 항상 기분 좋은 음악이 흘러나와 관객들의 지루함을 덜어주었다. 뮤지컬 작품의 멋진 공연을 감상하기 위해 많은 관객들이 특별히 미리 찾아와 주셨습니다.

공연의 프롤로그에 앞서 뮤지컬 서곡(반드시 "프랑스 스타일")이 진행되었습니다. 커튼멜로디는 각막을 끝냈습니다. 이 멜로디는 캐릭터의 마지막 줄에서 시작되었습니다. 다음 막은 음악 소개로 시작되었습니다. 공연의 끝은 종종 영국에서 유행하는 샤콘 댄스를 추는 배우들의 일반적인 춤으로 표시되었습니다. 객석에 아무도 남지 않을 때까지 음악은 배우들의 인사와 떠나는 관중들을 동반했습니다.

공연의 뮤지컬 넘버 수는 극의 장르에 따라 달랐다. 비극은 2곡 이상, 희극은 5곡 이상을 포함할 수 있습니다. 잔치, 결혼식, 장례 장면에서는 어김없이 음악이 흘러나와야 했다. Thomas Durfey의 희극에는 20개 이상의 악보가 있었습니다. 이 시대에 우리 시대에는 "오페레타"라고 불리는 새로운 유형의 극적인 공연이 생겼습니다.

연인들은 세레나데로 고통을 겪었고, 하인들은 주인에 대한 풍자적인 시를 작곡했으며, 서사시 영웅들은 발라드를 불렀고, 거리의 소년들은 부자들을 패러디했습니다. 이 모든 것이 장르의 경계를 넓히고 새로운 세부 사항으로 프레젠테이션을 풍부하게 하여 배우의 연극에 추가 색상을 도입했습니다. 등장인물들의 대사와 기능적으로 얽힌 음악은 극의 심리적 정점을 이루는 역할을 했다. 그러한 공연은 사람의 생각을 깨우면서 사람의 가장 깊은 감정에 영향을 미칠 수밖에 없습니다.

같은 중요한 부분음악과 같은 극적인 공연은 댄스 미니어처였습니다. 그리고 그것이 비극이든 희극이든, 평범한 희극이든 패러디 연극이든 상관 없습니다. 이 댄스 미니어처는 나중에 발레로 발전하여 독립적인 유형의 극 예술이 되었습니다.

극작가와 극장 주인은 공연뿐만 아니라 중간 휴식의 댄스 레퍼토리에 큰 중요성을 부여했습니다. 쉬는 시간 동안 소이 멜로디로 청중을 끌어들이는 행정부는 극장에서 평화로운 분위기를 유지하여 가장 열렬한 관중을 피할 수없는 싸움에서 산만하게했습니다.

연극의 이름과 함께 런던 포스터에는 대중에게 제공될 춤의 이름이 표시되어 있었습니다. 국가 춤이 인기를 얻었으며 그중 스코틀랜드, 스페인, 아일랜드 지그 및 코믹 댄스가 특별한 관심을 받았습니다. 안무는 극적 배우의 기술에서 없어서는 안될 부분이었습니다. 그리고 시청자는 연극의 줄거리에 관심을 기울이지 않고 노래와 춤으로 쾌활한 뮤지컬 광경을 보는 것을 점점 더 선호했습니다. 감정을 교육하고 사고력을 개발하는 극장의 주요 목적은 재미와 오락으로 이어졌습니다.

공연이 시작되기 며칠 전인 중세에는 식별 깃발을 든 배너 맨이나 전령이 도시를 돌아 다니며 순회 극단이 보여줄 기적의 연극 이름을 외쳤다. 오랫동안 초대 발표의 구두 형식이 보존되었으며 그 텍스트는 악기 반주에 맞춰 운율이 지정되고 발음되었습니다. 런던에서는 연극 발표에 수반되는 시끄러운 음향 효과가 금지되었지만, 지방 도시에서는 트럼펫과 북을 치는 전령이 항상 극장으로 훨씬 더 많은 관객을 모았습니다. 교회 종교회의 교구민. 방황하는 배우들의 공연을 보기 위해 몇 분 만에 천 명 이상의 관객이 모일 수 있었다.

다가오는 연극 공연을 알리는 고대 전통은 18세기 말까지 보존되었습니다. 드러머와 외치는 소리는 그 시대 영국 시골의 정취에서 빼놓을 수 없는 부분이었습니다. 드러머는 복잡한 드럼 롤로 마을 주민들의 관심을 끌었고, 헤럴드는 다가오는 공연에 대한 모든 정보를 외치며 연극 이름과 공연 시작 시간을 나타내는 프로그램을 나눠주었습니다.

런던에서는 공연이 열리는 날 극장 건물 위로 깃발이 게양되었습니다. 트럼펫이 시작 시간을 알리고 극장 다락방 창에서 트럼펫이 일정한 간격으로 세 번 불었습니다.

최초의 연극 포스터는 16세기 후반 프랑스에서 등장했다. 영국에서는 포스터가 훨씬 늦게, 1564년에야 등장했습니다. 손으로 쓴 포스터는 일반적으로 인구 밀도가 높은 지역의 대학 및 교육 기관 문에있는 극장 근처의 기둥에 걸려있었습니다. 포스터에는 공연명과 공연명이 큰 글씨로 눈에 띄었다. 윗부분에는 "왕 만세! "라는 라틴어 비문이 새겨진 국가 상징이 있습니다. 18세기에 극본은 공연에 참여하는 배우의 구성과 공연 시작 시간을 나타내기 시작했습니다. 극작가의 이름은 1699년 포스터에 처음 등장했습니다. 코미디 "Double Play"William Congreve의 저자 이름이었습니다. 1700년 런던 대법원은 극장이 도시 안팎에 포스터를 게시하는 것을 금지했습니다.

다가오는 공연에 대한 발표, 작가 및 배우가 신문을 인쇄하기 시작했습니다. 같은 곳에서 광고 정보와 함께 극본을 파는 서점의 주소를 찾을 수 있었다. 1702년 일간지 The Daily Courant는 정기적으로 그러한 발표를 실었고, 이후 1920년대에는 Daily Post와 Daily Journal에 의해 인쇄되었습니다. 당시 연극 발표에는 공연 자체에 대한 정보 외에도 누구의 요청에 따라 (왕실 또는 귀족 중 한 명) 공연이 제공되었는지, 포장 마차, 상자 및 갤러리의 가격, 기타 경우에 따라 극장 소유자는 게시자에게 배우의 연기를 특징 짓거나 연극 내용과 관련된 몇 줄을 배치하도록 요청했습니다.

1702년 접착 금지 극장 포스터런던에서 취소되었습니다. 검정과 빨강 포스터가 다시 도시의 거리에 나타나기 시작했습니다. 빨간색은 비용이 더 많이 들고 원칙적으로 시사회 또는 혜택 공연 당일에 인쇄되었습니다.

거리에서는 약간의 비용으로 최신 연극 뉴스를 보도하거나 여배우 중 한 명에게 편지를 가져가는 오렌지 상인에게서 작은 포스터를 구입할 수 있습니다. 극장 주인은 쉬는 시간에 과일과 과자를 팔기 위해 이들 상인을 특별히 고용했고 이에 대해 일정 수수료를 부과했습니다. 그러한 상인들은 극장의 무대 뒤 생활에 대한 가장 귀중한 정보원이었으며, 그들 중 가장 손재주가 많고 수완이 풍부한 상인들은 무역과 신문 기사와의 거래에서 상당한 부를 축적할 수 있었습니다.

런던 극장의 연극 프로그램은 다음 프랑스 배우 투어 후 XVIII 세기의 60 년대에 나타났습니다. 다채롭게 디자인된 18페이지 분량의 프로그램은 연극의 주인공인 오르페우스가 지옥으로 내려가는 기계에 대한 자세한 설명을 제공했습니다. 표지의 텍스트에는 줄거리를 빌린 곳과이 공연을 정확히 누가, 어디서 보여줄 것인지가 나와 있습니다. 시간을 절약하기 위해 영어 프로그램에는 장문의 텍스트가 포함될 수 있으므로 관객이 미리 익숙해 질 수 있으며 이러한 방식의 연극 액션은 지루한 장면으로 관객을 귀찮게하지 않았습니다. 때때로 연극의 프롤로그와 에필로그가 별도의 시트에 인쇄되어 공연 시작 전에 판매되었습니다. 공연이 끝날 때마다 다음 공연에 대한 안내가 나왔다. 극장 행정부의 제안에 대한 대중의 반응 (승인 또는 분노)이 다가오는 공연의 운명을 결정했습니다.

연극 신문 연대기는 극장 무대와 무대 뒤에서 일어난 모든 일을 가장 작은 세부 사항까지 설명했습니다. 객석에서 펼쳐지는 이벤트, 술에 취한 흥청망청 싸움까지 이목이 집중됐다. 체임벌린 경의 칙령과 왕실 검열관의 발언도 거기에 배치되었고, 런던 극장을 자주 방문하는 고위 외국인의 극장 방문도 다루어졌습니다.

사람들로 가득 찬 극장의 객석은 영국 사회의 거울상이었다. 비즈니스 미팅과 연애 데이트의 장소였습니다. 젊은이들은 자신의 미덕과 재능을 자랑할 수 있었고, 부모는 딸에게 결혼 적령기를 보여줄 수 있었습니다. 수도의 패셔니 스타를 충분히 본 시골 부자들을 방문하여 새로운 인상과 세련된 의상을 집에 가져 왔습니다.

극장은 때때로 가장 예상치 못한 다채로운 조합으로 다양한 계층의 사람들을 모았고 극적인 예술에 대한 열정적이고 진심으로 열정적이었습니다. 포장 마차의 가장 좋은 장소는 항상 고귀한 사람들과 비평가들이 차지했습니다. 포장 마차에는 청중이 섞여 있었기 때문에 포장 마차는 종종 시끄러운 분쟁과 싸움의 장소가되었으며 종종 결투로 변했습니다.

가운데 회랑은 복덕이 순한 여자들을 위한 공간으로, 가면으로 얼굴을 가린 채 극장에 등장했다. 상단 갤러리에는 신사와 무료 관중을 동반 한 하인이 있습니다.

공연에 대한 이렇게 다양한 관객의 반응을 상상하기 어려웠고 관객의 시선을 사로 잡는 배우의 임무가 더 어려웠다. 그러나 이것은 아마도 연극 예술의 마법 같은 효과 일 것입니다. 배우의 기술과 감정이 매혹되어 때로는 열정에 구속되지 않은이 parterre와 세련된 감정과는 거리가 먼 갤러리를 공연 공간으로 끌어들일 때입니다.