런던 극장. 영국 런던 국립극장 최초 영국 배우 순회공연

런던은 박물관, 역사적인 건물 및 최첨단 레스토랑으로 유명합니다. 그러나 도시를 지배하는 연극적 삶만이 다른 도시와 구별됩니다. 연극이 런던에서 성공했다면 다른 곳에서도 성공을 반복할 것입니다.

브로드 웨이가있는 뉴욕은 런던의 유일한 경쟁자가 될 수 있지만 길고 풍부한 역사를 가진 극장 건물을 자랑 할 수는 없습니다. 도시의 중심부인 웨스트 엔드(West End), 사우스 뱅크(South Bank) 및 빅토리아(Victoria) 지구는 100명의 관중을 수용할 수 있는 작은 스튜디오부터 멜포메네(Melpomene)의 대형 사원에 이르기까지 극장이 집중되어 있어 놀라움을 금치 못합니다. 우리는 가장 열 가지에 대한 개요를 제공합니다 큰 극장런던.

Holborn Street에서 멀지 않은 곳에 위치한 Shaftesbury Theatre는 건축 및 역사적 가치가 있는 영국 건물로 등재되어 있습니다. 1973년 건물 옥상에서 발생한 작은 사고 덕분에 그들은 주목했다. 1968년부터 뮤지컬 '머리카락'은 1998년까지 무대에 올랐다. 나중에 히피 운동을 홍보하는 쇼가 종료되었습니다. 뮤지컬이 웨스트 엔드 극장 무대에서 처음 상영되었을 때 연극 검열관 Lord Cameron Fromantil "Kim", Baron Cobbold가 금지했습니다. 생산자들은 의회에 도움을 요청했고 남작의 금지령을 완전히 무효화하는 법안을 발행하여 허가했습니다. 극장 역사상 유례가 없는 이 사건은 영국의 연극 검열을 종식시켰습니다. 1,400명의 관객을 수용할 수 있는 극장으로서는 나쁘지 않은 일입니다.

Shaftesbury에서 불과 몇 블록 떨어진 곳에 1,400명의 관중을 수용할 수 있는 Palace Theatre가 있습니다. 특기는 Singing in the Rain이나 Spamalot 같은 뮤지컬이다. 이 극장은 1891년에 문을 열었고 Richard d "Oyley Kart의 후원으로 Royal English Opera로 알려지게 되었습니다. 최근에는 오페라 외에도 뮤지컬, 영화 및 기타 쇼가 무대에서 상영되었습니다. 1960년대에는 뮤지컬 The Sound가 of Music은 극장에서 2385회 공연되었습니다. 극장은 이 지역의 다른 건물과 함께 영국에서 건축 및 역사적 가치가 있는 건물로 지정되었습니다.

Adelphi Theatre는 최근 200주년을 기념했습니다. 건물의 적당한 크기에도 불구하고 극장은 1,500명의 관객을 수용할 수 있습니다. 그는 "Chicago"와 "Joseph and His Amazing, Multicolored Dreamcoat"와 같은 작품으로 유명합니다. 1930년 아르데코 건물이 Strand Palace Hotel에 인접해 있습니다. 이것은 1809년 이후 극장의 전체 역사에서 네 번째 건물입니다. 인근 바 벽에 있는 추모 명판은 한때 위대한 Terriss의 지원을 받았던 배우의 죽음에 대해 극장을 비난합니다. 그러나 사실은 알코올 중독으로 인기와 품위를 잃은 실패한 배우 리차드 아처 왕자가 테리스의 스승을 광기 상태로 살해한 혐의를 인정하고 강제 치료를 위해 정신병원에 보내져 그가 죽을 때까지 교도소 오케스트라. 자신의 제자이자 살인범에게 내려진 관대한 선고에 속상해하는 복수하지 않는 테리스의 유령은 지금도 밤이면 극장 건물을 배회한다고 한다.

일부 쇼는 런던의 웨스트엔드에서 수십 년 동안 극장에서 상영되었으며 Victoria Palace는 뮤지컬 Billy Elliott와 같은 신선한 레퍼토리를 지속적으로 제공합니다. 일반 시청자에 따르면 2005 년부터 무대에 올랐지 만 많은 편이다. 극장은 1832년에 시작된 작은 규모의 극장으로 오랜 역사를 가지고 있습니다. 콘서트홀. 1911년에 지어진 이 건물은 현재 1,517명의 관중을 수용할 수 있습니다. 홀을 환기시키기 위해 중간 휴식 시간에 열리는 개폐식 지붕이 장착되어 있습니다. 극장 무대에서 기억에 남는 공연이 많았지 만 그 중 가장 기억에 남는 것은 1934 년 애국 연극 Young England로 많은 부정적인 평가를 받았습니다. 그녀는 278회 공연만 버텼다.

프린스 에드워드 극장은 소호 지역의 중심부에 위치하고 있으며 1,618명을 수용할 수 있습니다. 영국 왕실의 왕위 계승자 에드워드 8세의 이름을 따서 지어졌다. 그는 왕위에 오른 지 불과 몇 달밖에 되지 않고 사랑의 이름으로 왕위를 버렸다. 전통적으로 무대는 로맨틱 쇼'쇼 보트', '맘마미아', '웨스트 사이드 스토리', '미스 사이공' 등의 공연을 선보였습니다. 극장은 1930년 단순한 영화관과 댄스홀에서 시작된 오랜 역사를 가지고 있습니다. 1978 년에야 극장이 문을 열었고 세계에 대한 뮤지컬 "에비타"의 초연과 동시에 열렸습니다. 유명한 여자아르헨티나 대통령의 부인. 연극은 3,000회 공연을 거쳤고, 에비타 역을 맡은 배우 일레인 페이지는 연극 무대에서 화려한 출발을 하며 스타가 됐다.

더 나은 교차로를 제공하기 위해 런던의 Tottenham Court Road를 보수했음에도 불구하고 한 가지는 동일하게 유지되었습니다. Dominion Theatre 앞에서 "We Will Rock You"를 부르며 손을 들고 있는 Freddie Mercury의 거대한 동상입니다. 이 쇼는 2002년부터 극장 무대에 올랐으며 비평가들의 부정적인 평가에도 불구하고 관객들 사이에서 성공을 거두었습니다. 1929년 오래된 런던 양조장 부지에 지어진 극장은 2,000명의 관중을 수용할 수 있습니다. 건물에는 미사 중에 극장의 무대와 조명을 사용하는 호주 일요일 교회도 있습니다.

이것은 런던에서 가장 큰 극장 중 하나입니다. 정문을 장식하는 기둥은 1834년에 지어졌으며 건물 자체는 1904년 로코코 양식으로 재건되었습니다. 존재의 전체 역사에서 1765 년에 시작하여 극장을 제외한 모든 것이있었습니다. 예를 들어 50 년 동안 저녁 식사가 이곳에서 열렸습니다. 비밀 결사소고기 스테이크. 1939년에 그들은 건물을 폐쇄하기를 원했지만 도로 건설의 시작과 관련하여 저장되었습니다. 14년 동안 라이온킹은 극장 무대에서 상영되었고, 디즈니 각색은 오랫동안 이곳에 안착해 좋은 흥행 수익을 안겨준 것 같다.

2,196명의 관객을 수용할 수 있는 런던 최고의 극장으로 꼽히는 왕립극장은 그런 이유가 아니다. 1663년 이래로 이 사이트에는 여러 개의 극장이 있었고 Drury Lane 자체는 극장으로 간주됩니다. 다른 많은 극장과 마찬가지로 Royal은 뮤지컬 "Evita"와 "Cats"의 저자 인 Andrew Lloyd Webber의 지시에 따라 작업했습니다. 무대에 오른 다른 작품으로는 같은 이름의 뮤지컬 영화 올리버, 프로듀서, 슈렉, 오늘날에도 여전히 상영 중인 찰리와 초콜릿 공장 등이 있습니다. 뮤지컬과 배우 외에도 극장은 회색 양복과 모자를 쓴 남자의 유령과 같은 유령으로 유명합니다. 전설에 따르면 그는 18세기와 19세기에 극장 건물에서 살해당했습니다. 또 다른 유령은 무대에서 긴장한 배우를 돕는 광대 Joseph Grimaldi라는 이름입니다.

London Paladium 극장은 런던뿐만 아니라 전 세계적으로 알려져 있습니다. Oxford Street에서 몇 걸음 떨어져 있습니다. 그는 1955년부터 1967년까지 진행된 야간 쇼 "런던 팔라디움의 일요일 밤" 덕분에 유명해졌습니다. 수백만 명의 관중이 회전 무대에 대해 알게 되었고 스테이지 액션다른 계획. 1966 년에 건물 소유주가 추가 재건을 위해 건물을 팔려고했지만 극장 투자자와 극장 외에도 1973 년 록 밴드 "Slade"의 공연을 위해 콘서트 홀이 열렸다는 사실 덕분에 구해졌습니다. ". 끊임없는 만석과 밴드 팬들의 적극적인 행동으로 홀 발코니가 무너질 뻔했습니다. 2014년에는 대극장에서 장기자랑 '더 엑스팩터: 더 뮤지컬'이 열렸다.

Apollo Victoria 극장이 런던에서 가장 인기가 없다면 최고로 안전하게 인정받을 수 있습니다. 빅토리아 궁전에서 몇 미터 떨어져 있으며 2500명의 관중을 수용할 수 있습니다. 제시된 리뷰의 여러 극장이 근처에 있으며 일종의 "극장 국가"를 만듭니다. "Appollo Victoria"는 1930년에 문을 열었습니다. 건물은 분수와 조가비를 장식으로 한 항해 테마의 아르데코 스타일로 디자인되었습니다. 뮤지컬 '별빛열차'의 철로를 설계하는 데 18년이 걸렸다. 극장에서 상연되는 또 다른 인기 뮤지컬은 "Wicked"입니다. 초연의 박스 오피스는 761,000 파운드에 달했고 7 년간 공연 수입은 1 억 5 천만 달러로 추산됩니다. 영화광들은 가까운 장래에 극장이 사라질 것이라고 주장하지만 각 뮤지컬의 관객 수, 흥행 규모와 관련된 통계는 그렇지 않음을 시사한다. 루즈와 화이트의 냄새, 강당의 소음은 결코 사라지지 않을 것입니다.
하지만, 현대 건축아름다움과 우아함보다 결코 열등하지 않습니다 역사적인 건물극장.

영어 극장

19세기에 연극은 영국 문화의 다른 모든 영역과 마찬가지로 새로운 발전을 이루었습니다. 가장 재능있는 비극 배우 Edmund Kean (1787-1833)은 연극 예술의 낭만적 인 경향을 의인화했습니다.

에드먼드 킨( 쌀. 58) 연기 가족에서 태어났습니다. 그의 부모는 그가 아직 어렸을 때 돌아가셨습니다. 생계를 꾸려 나가야 했던 그 청년은 유랑단과 함께 영국의 도시와 마을을 여행했습니다. 이러한 방황은 20세에 영국의 여러 지역을 방문했던 젊은 예술가에게 좋은 학교가 되었습니다. 훌륭한 배우가 되기 위해 무엇이 필요한지에 대한 질문에 이미 유명해진 킨은 "굶는 법을 알아라"라고 대답했습니다.

쌀. 58. 샤일록 역의 킨

여행하는 극장과 함께 여행하면서 Edmund는 다양한 역할과 다양한 장르의 연극을 시도했습니다.

가난 속에서 자란 배우는 자신의 국민에 대해 거의 관심이 없는 게으른 귀족과 통치자를 경멸했습니다. 젊은 Keane의 삶의 신조는 "나는 Byron 경을 제외한 모든 영주를 싫어합니다. "라는 말로 표현되었습니다. 상류 사회는 자신에 대한 그러한 태도를 용서할 수 없었고 Keane을 끊임없이 쫓아 다니며 그를 군중의 배우라고 불렀습니다.

지방 무대에서 유명해진 배우는 1914 년 런던에서 그 당시 힘든시기를 겪고 있던 Drury Lane Theatre에서 공연하라는 초청을 받았습니다. 수도 극장에서의 그의 데뷔는 셰익스피어의 The Merchant of Venice에서 Shylock의 역할이었습니다. 지방 배우에 의존하는 Drury Lane의 리더십은 실패하지 않았습니다. 그의 웅장한 공연으로 Keane은 단순히 버릇없는 런던 청중을 정복했습니다.

셰익스피어는 킨이 가장 좋아하는 극작가가 되었습니다. 배우는 자신이 소유 한 자질, 즉 비극적 인 태도, 불의의 고조, ​​일부는 비참한 삶을 살아가는 반면 다른 일부는 사치에 빠져드는 세상에 대한 거부에 매료되었습니다.

에드먼드에게 명성을 안겨준 것은 셰익스피어였습니다. 배우는 Shylock, Richard III, Romeo, Macbeth, Hamlet, Othello, Iago, Lear의 이미지를 구현했습니다. 비평가들은 그를 불렀다 좋은 게임유명한 극작가의 작품에 대한 최고의 논평이자 시인 Coleridge는 "킨의 연극을 보는 것은 번개로 셰익스피어를 읽는 것과 같다"고 주장했습니다.

Shakespeare의 The Merchant of Venice에서 Keane이 만든 Shylock의 이미지는 영국 청중에게 큰 인상을 남겼습니다. 그의 영웅은 주변 사람들에 대한 아이러니 한 태도와 외부 겸손 뒤에 숨겨진 외로움, 깊은 갈망, 영혼을 찢는 증오를 놀랍게도 결합합니다. Drury Lane에서 상연된 베니스의 상인은 영국 최고의 배우로 어제 지방의 명성을 얻었습니다.

Keane은 Hamlet과 Othello의 역할을 그의 가장 중요한 작품으로 간주했습니다. 슬프고 우울한 그의 덴마크 왕자는 세상을 지배하는 악에 맞서 싸우는 것이 불가능하다는 것을 이해합니다. 비정상적으로 신뢰하고 성실하며 본질적인 Othello는 사랑을 무엇보다 중요시하므로 그녀의 죽음은 그에게 그의 모든 열망의 완전한 붕괴를 의미합니다.

Keane의 큰 성공은 F. Messinger의 연극 "A New Way to Pay Old Debts"에서 대금업자 Overrich의 역할을 가져 왔습니다. 배우의 열연에 사로잡힌 관객들은 눈물을 참지 못했다. 공연을 관람한 바이런은 너무 충격을 받아 기절했다고 한다.

시청자의 이해를 얻기 위해 Keane은 각 역할에 대해 신중하고 오랫동안 작업했습니다. 그는 거울 앞에서 모든 움직임과 표정을 연습하고 가장 어려운 에피소드로 몇 번이고 돌아와 자신의 역할에 대한 가장 작은 세부 사항을 연마했습니다. 스포츠를 하는 것은 그가 놀라운 가소성을 달성하는 데 도움이 되었습니다(케인은 당시 영국 최고의 펜싱 선수 중 한 명으로 여겨졌습니다).

위대한 배우의 마지막 작품은 오델로의 역할이었습니다. "오델로의 작업이 끝났습니다. "라는 문구를 말한 46 세의 배우는 의식을 잃고 쓰러졌습니다. 3주 후 그는 사라졌다. 케인의 죽음이 끝났다 로맨틱 디렉션영국 극장에서.

주로 멜로드라마에서 활약했던 에드먼드 킨의 아들 찰스 킨(1811~1868)도 배우였다.

빅토리아 시대는 영국의 문화 생활에 고유한 변화를 가져왔습니다. 문학의 경우 이 시기는 비판적 사실주의(George Eliot, William Thackeray, Charles Dickens)가 형성되는 시기였습니다.

작가 Charles Dickens(1812-1870)의 이름은 영국 연극이 고전주의에서 현대 연극으로 전환된 것과 관련이 있습니다. 멜로 드라마 연극은 극장을 위해 작성되었습니다 (Country Coquettes, 1836; The Lampmaker, 1879 년에 처음 출판됨 등).

극작가 Dickens의 큰 성공은 Boz의 Essays 에세이의 음모 중 하나를 기반으로 작성된 괴상한 코미디 The Strange Gentleman에 의해 가져 왔습니다. The Lampmaker를 제외한 모든 Dickens의 연극은 1836-1837 시즌 동안 St. James Theatre에서 상연되었습니다. 그 외에도 작가는 소설 위대한 유산을 극화했지만 연극은 상연되지 않았다.

Dickens의 연극은 영국뿐만 아니라 해외에서도 인기가 있었습니다. 그의 여러 소설의 줄거리는 여러 오페라의 기초를 형성합니다.

1951년에 작가는 클래식과 현대 작품. 많은 젊은 영국 극작가들이 이 극장에서 창작 활동을 시작했습니다. 연기력이 뛰어난 디킨스는 자신의 극장에서 <윈저의 명랑한 아내들>에서 샤로우 역을 맡았다. 작가는 또한 자신의 작품을 무대에서 공연하는 뛰어난 독자로서 폭넓은 인기를 얻었다.

영국의 시인이자 극작가인 로버트 브라우닝(1812-1889)은 디킨스와 같은 나이에 22세에 극장에서 일하기 시작했습니다. 그의 첫 희곡인 Paracelsius는 1835년에 출판되었다. 그런 다음 Covent Garden Theatre를 위해 쓰여진 역사 드라마 Strafford (1837), The Return of the Druze (1839), King Victor and King Charles (1842)가 나왔습니다. 이 작품의 주요 역할은 배우 W. Macready가 담당했습니다.

1843년 Covent Garden은 Browning의 The Spot on the Coat of Arms를 상연했습니다. 그리고 1853년에는 이 작가의 또 다른 연극인 콜럼버스의 생일이 그의 무대에서 상연되었습니다.

브라우닝의 낭만적인 작품은 그의 역사극과 마찬가지로 J. G. 바이런과 P. B. 셸리의 시극 전통에 있다. 멜로드라마가 영국 무대를 지배하던 시기에 브라우닝은 진지하고 의미 있는 공연으로 대중의 관심을 끌기 위해 노력했습니다. 동시대인들에게 오해를 받은 작가는 점차 무대극에서 이른바 독서극이라는 장르로 옮겨갔다.

영국 작가이자 극작가인 Edward Bulwer-Lytton(1803-1873)의 작품으로 정치가. 그가 가장 좋아하는 장르는 역사적 주제의 소설과 드라마였습니다. 동시에 멜로드라마적 모티프와 외적 과시의 방법은 Bulwer-Lytton의 작품에서 진정한 역사주의를 박탈했습니다.

드라마 The Beauty of Lyon (1838)과 Richelieu (1839)는 극작가의 명성을 얻었습니다. 정치적 수요가 있는 동시에 재미있고, 경치가 좋고, 역동성이 가득한 이 연극은 즉시 당시 영국의 주요 감독들의 관심을 끌었습니다. 헨리 어빙 감독의 "리슐리외" 오랫동안수도의 극장 "Lyceum"의 무대를 떠나지 않았습니다. 그리고 1840 ~ 1860 년대에 러시아 청중은 Bulwer-Litton 드라마를 볼 수있었습니다 (주인공은 배우 V. V. Samoilov와 N. K. Miloslavsky가 연기했습니다).

Edward Bulwer-Lytton은 역사 연극뿐만 아니라 빅토리아 사회의 관습을 조롱하는 코미디 인 "우리는 보이는 것만 큼 나쁘지 않습니다"와 "돈"(1840)에도 매료되었습니다. 극작가는 사회 비판을 파헤치지 않았지만 그의 작품의 사실성은 관객의 관심을 끌었다. Bulwer-Lytton 코미디는 수년 동안 영국 극장의 레퍼토리였습니다.

Bulwer-Lytton의 역사 소설 Rienzi는 1840년에 청중에게 발표된 같은 이름의 오페라를 기반으로 한 유명한 독일 작곡가 Richard Wagner의 관심을 끌었습니다.

19세기 말, 유명한 영국 작가이자 산문 작가이자 극작가인 조지 버나드 쇼(George Bernard Shaw, 1856-1950)는 창작 활동을 시작했습니다. 쌀. 59). 그는 가난한 직원의 가족으로 더블린에서 태어났습니다. 스무 살에 Shaw는 런던으로 이주하여 Fabian Society의 창립자 중 한 명이 되었습니다. 음악 활동과 연극 평론가, Bernard는 여러 모호한 소설을 썼습니다. 1892년 그의 첫 희곡 <과부의 집>이 나왔다. 이 연극은 중요한 사회적, 윤리적 문제를 다루며 빈민가에서 집을 임대하는 집주인을 날카롭게 비판했습니다. 극작가는 독자들에게 자신을 개선하고 주변 세상을 바꾸라고 촉구했습니다. 독립극장에서 상연된 연극 '과부의 집'을 관객들은 쿨하게 맞이했고 두 차례 공연을 마치고 무대에서 물러났다.

쌀. 59. 조지 버나드 쇼

그 후 6년 동안 극작가는 9개의 희곡(단막 1개 포함)을 썼습니다. 완전한 붕괴로 끝난 수익성있는 결혼에 대해 이야기하는 슬픈 드라마 "하트 브레이커"(1893)는 수도의 어떤 극장에서도 제작을 허용하지 않았습니다. 1894년 드라마 '인간과 무기'가 등장해 전쟁의 비인간성과 잔혹성을 폭로했다. 1897년에 연극 "The Devil's Disciple"이 만들어졌고, 1898년에는 여러 해의 희곡이 포함된 "Pleasant and Unpleasant" 2권 컬렉션이 출판되었습니다("Mrs. Warren's Profession", 1894; "Man and Weapon"). , "Candida", 1897; "운명의 선택자", 1897; "Wait and see", 1899 등). 매춘을 주제로 한 연극 "워렌 부인의 직업"은 검열에 의해 금지되었지만 나중에 상연이 허용되었을 때 1902 년까지 극장 무대를 떠나지 않았습니다. 칸디다는 1903년 뉴욕에서 큰 인기를 끌었습니다. 그리고 그의 고향에서 Shaw는 여전히 인기를 얻지 못했습니다. 영국 대중의 진정한 인정은 1904 년 아내와 배우이자 감독 인 Harley Grenville-Barker와 함께 Royal Court Theatre 건물을 임대했을 때 그에게 왔습니다. Shaw의 연극은 Grenville-Barker와 John Vedrenn이 감독했습니다. 1904-1907년에 왕실 무대에서 공연된 988회 공연 중 700회 이상이 쇼의 작품을 바탕으로 상연되었습니다.

극작가의 최고의 작품 중 하나는 연극 "맨과 슈퍼맨"(1905)입니다. 저자의 태도종교, 결혼, 가족. 진화 인간 사회악마와 함께 지하 세계에 갇힌 Don Juan의 분쟁을 통해 보여집니다.

쇼의 가장 유명한 희곡은 배우 패트릭 캠벨을 위해 특별히 쓴 반로맨틱 코미디 피그말리온(Pygmalion, 1913)이었다. 극작가 사망 후 Frederick Lowe와 Alan Jay Lerner는 그녀의 동기를 바탕으로 뮤지컬 My Fair Lady를 만들었습니다.

Shaw의 후기 연극에는 The Heartbreak House (1919), Back to Methuselah (1922), 역사 드라마 Saint Joan (1923), The Apple Cart (1930) 등이 있습니다.

영국 위트의 전형이 된 이 쇼는 극장을 위해 50개 이상의 작품을 만들었습니다. 위대한 극작가가 세상을 떠났을 때 세계 곳곳의 극장은 애도의 뜻으로 소등되었습니다.

작가 오스카 와일드(Oscar Wilde, 1854-1900)는 영국 극장의 발전에 크게 기여했습니다. Shaw와 마찬가지로 그는 더블린에서 유명한 외과의의 아들로 태어났습니다. 옥스퍼드 대학교에서 교육을 받았습니다. Wilde의 첫 번째 작품은 시 "Ravenna"(1878)와 컬렉션 "Poems"(1881)였습니다.

명성은 작가에게 그의 서정적 이야기와 동화 ( "스타 보이"등)를 가져 왔습니다. 철학 소설"도리안 그레이의 초상". 극장을 위해 Wilde는 사회적으로 비판적인 초점을 가진 여러 연극을 만들었습니다(Lady Windermere's Fan, 1892; An Ideal Husband, 1895; The Importance of Being Earnest, 1899). 연극 "Salome"은 프랑스어로 작성되었으며 1894 년 영국에서 출판되었으며 Alfred Douglas가 번역하여 예술가 Aubrey Beardsley의 삽화를 사용했습니다. 이 희곡은 리하르트 슈트라우스의 유명한 동명 오페라(1904)의 기초가 되었습니다.

19세기 말에 영국의 극작가 헨리 아서 존스(1851-1929)는 연극을 위해 글을 쓰기 시작했습니다. 가난한 농민 가정에서 태어나 연기로 생계를 꾸렸습니다.

배우로서 명성을 얻지 못한 Jones는 극작으로 전환했지만 그의 첫 연극도 원하는 성공을 거두지 못했습니다. 극장은 그의 작품을 거부했고 1878 년에야 지방 극장 중 한 곳에서 Jones의 연극 "It 's just around the corner"가 제작을 위해 승인되었습니다.

오랫동안 기다려온 성공은 그의 Silver King이 Princess Theatre에서 상연 된 후 극작가에게 왔습니다. 가장 중요한 작업 John은 연극 "Saints and Sinners", "The Dancer", "Rebellious Susannah", "The Triumph of the Hypnots", "Michael and His Lost Angel", "Protection of Mrs. Dane"이라고 할 수 있습니다. Jones의 많은 드라마는 빅토리아 시대 사회의 성스러운 도덕성을 비난하지만(The Liars, 1897; The Lies, 1914), 멜로드라마 기법에 대한 매혹은 그 중요성을 다소 감소시킵니다. 그러나 그럼에도 불구하고 Jones의 작업은 19 세기 말 영국 연극 예술의 현실적인 경향 형성에 영향을 미쳤다고 말하는 것이 안전합니다. Jones는 Bernard Shaw와 협력했으며 후자는 그의 작품을 높이 평가했습니다.

19세기 후반의 영국 무대 예술은 배우이자 기업가인 Arthur Voucher(1863-1927)의 이름과 관련이 있습니다. 1884년에 이튼과 나중에 옥스퍼드에서 훈련을 받은 젊은 배우는 옥스퍼드 대학교 연극 협회의 창립자 중 한 명이 되었습니다. 그의 무대에서 그는 셰익스피어의 연극 ( "Henry IV", "Twelfth Night", "The Merry Wives of Windsor", "Julius Caesar")에서 연주했습니다.

Voucher의 데뷔는 1889 년 Wolverhampton의 프로 무대에서 공연 된 Shakespeare의 코미디 As You Like It에서 Jacques의 역할이었습니다. 공연은 배우에게 명성을 가져다 주었고 1889-1894 년에 그는 다양한 영국과 미국 극장에서 연주했습니다.

1895-1896년 바우처는 왕립극장을 이끌었고 그의 아내 E. 밴브루는 희극과 소극에서 주연을 맡은 주연배우였다. 1900년에서 1906년 사이에 Voucher가 그 자리를 차지했습니다. 예술 감독"가릭 티에트라". 현재 그는 Shakespeare (Shylock, Macbeth), A. Pinero, J. Gilbert, G. A. Jones의 연극에서 많은 역할을했습니다. 1910년에 배우는 Beerbom Tree(Hiz majestis tietr) 극단에 합류하여 셰익스피어의 연극 Henry VIII와 A Midsummer Night's Dream에서 Henry VIII와 Foundation의 이미지를 구현했습니다. 매우 변덕스럽고 감정적 인 예술가 인 Voucher는 특히 밝고 특징적인 역할을 성공적으로 수행했습니다 (R. L. Stevenson의 소설을 기반으로 한 "Treasure Island"의 John Silver).

19세기 말, 배우이자 기업가인 Gerald Hubert Edouard Busson Du Maurier(1873-1934)는 극장에서 경력을 쌓기 시작했습니다. 그는 1895년 Garrick Theatre에서 상연된 Grnadi의 연극 "The Old Jew"에서 Fritz로 데뷔했습니다. 같은 해 Beerbom Three 극단에 합류하여 함께 미국 투어를 떠났습니다. 1899-1901년에 그는 유명한 영국 여배우 패트릭 캠벨과 함께 이번에는 미국을 다시 방문했습니다.

당시 배우의 가장 중요한 무대 작업은 The Famous Ebbsmith 부인의 Sandford Cleave와 Pinero의 The Second Mrs. Tanqueray의 Captain Ardale의 역할이었습니다. 1902년 Du Maurier는 Ch. Froman(Duke of York Theatre) 극단의 기업가가 되어 Ernest Wooller(J. Barry의 Delightful Crichton), Hook and Darling(Peter Pan의 이미지를 성공적으로 만들었습니다. 같은 저자).).

무엇보다 Du Maurier는 코미디 역할에 성공했습니다. 자연스럽고 성실하며 소박하게 행동하는 능력은 배우가 관객의 사랑을 얻는 데 도움이 되었습니다. 그의 최고의 작품은 McCachon의 Brewster's Millions의 Montgomery Brewster와 McNeil의 소설을 각색한 Bulldog Drummond의 Hugh Drummond의 이미지였습니다.

1910년부터 1925년까지 Du Maurier는 F. Curzon과 함께 Wyndhams Theatre를 이끌었고 1925년부터 1929년까지 G. Miller와 함께 St. James Theatre를 이끌었습니다. Lonsdale의 연극 The Last Days of Mrs. Cheney (1925)의 무대 제작은 극장에 큰 성공을 가져 왔습니다. 앞으로 Du Maurier는 다양한 극장에서 여러 공연을 더 열었습니다 (Wallace 's Bell Ringer, 1926, Wyndham 's Theatre; Maugham 's Letter, 1927, Playhouse Theatre; Christie의 소설을 기반으로 한 Morton 's Alibi, 1928, Prince of Wells tietr "; "Doctor Pygmalion" Owen, 1932, "Playhouse tietr" 등).

19세기 말부터 20세기 초까지 영국 극장에서 눈에 띄는 인물은 배우이자 감독이자 유명한 교사인 프랭크 로버트 벤슨(Frank Robert Benson, 1858-1939)이었습니다. 어린 시절부터 그는 모든 종류의 아마추어 공연에 적극적으로 참여했습니다. 그의 첫 번째 전문 무대는 G. Irving이 이끄는 런던 극장 "Lyceum"이었습니다. 1 년 후 젊은 배우는 런던뿐만 아니라 Stratford 및 기타 지방 도시에서도 공연을하는 자신의 모바일 극장을 열었습니다.

Benson이 가장 좋아하는 극작가는 셰익스피어였습니다. 불과 몇 년 만에 감독은 Titus Andronicus와 Troilus 및 Cressida를 제외하고 위대한 극작가의 거의 모든 연극을 상연했습니다. 1886년부터 1919년까지 Benson이 이끄는 극단은 Stratford-on-Avon의 Shakespeare Memorial Theatre에서 공연했습니다. 셰익스피어의 고향에서 그녀의 참여로 셰익스피어 연극의 연례 축제가 열렸습니다.

훌륭한 배우이자 감독인 Benson은 또한 많은 훌륭한 아티스트를 양성한 재능 있는 교사였습니다. 그의 펜은 연기라는 작품에 속한다. Benson과 회고록을 썼습니다. 말년에 그는 영화 제작에 종사했습니다.

배우로서 유명한 영국 배우, 감독 및 극작가 Harley Grenville-Barker(1877-1946)는 연극 경력을 시작했습니다. 1891년에 그는 Marget의 S. Thorne 극단에 합류했습니다. 이듬해 Grenville-Barker는 이미 런던 코미디 극장에서 공연을 하고 있었습니다.

1904년부터 1907년까지 극작가 Bernard Shaw와 함께 Grenville-Barker는 진지한 사실주의 연극에 초점을 맞춘 자유 극장 운동의 일부인 Royal Court Theatre를 운영했습니다.

무대 리얼리즘을 표방한 그렌빌-바커는 상설 레퍼토리를 갖춘 국립극장 개관을 꿈꿨지만 아쉽게도 그의 창작 시도는 성공하지 못했다.

Grenville-Barker의 작품 중 셰익스피어의 연극을 기반으로 한 공연은 중요한 위치를 차지합니다. 감독은 무대 구현을 위해 가장 어려운 셰익스피어 연극을 자세히 분석하고 준 5 권의 작품 "셰익스피어 서문"을 출판했습니다. 실용적인 조언현대 극장에서의 제작에서. Grenville-Barker의 희곡 The Marriage of Anna Leith(1902), Voisey's Inheritance(1905), Madras House(1910), Weather in Khen 등이 널리 알려졌습니다.

제1차 세계 대전 후 영국은 여러 독일 식민지와 터키에 속한 중동 땅의 일부를 받았습니다. 전쟁으로 침체된 영국 경제가 되살아나기 시작했지만 오래가지 못했다. 이미 1921에서 인플레이션 성장과 인구 생활 수준의 하락이 시작되었습니다.

1924 년 노동당 정부가 집권했지만 모든 노력에도 불구하고 국가의 경제적, 정치적 상황은 변하지 않았고 노동당을 대체 한 보수당은 상황을 더욱 악화 시켰습니다. 1924년 5월 영국에서 총파업이 시작되었다. 공장과 공장은 완전히 멈췄고 철도와 광산은 기능을 멈췄습니다. 정부는 한동안 국가의 긴장을 완화했지만 이미 1929에서 심각한 경제 위기가 발생했습니다.

1930년대도 힘들었다. 히틀러는 독일에서 권력을 잡았고 영국에서는 그를 대신 한 볼드윈과 체임벌린의 인정으로 영국 파시스트 연합이 활동을 시작했습니다.

제2차 세계대전이 발발했을 때 영국은 전쟁에 대비할 준비가 전혀 되어 있지 않은 것으로 드러났습니다. 덩케르크 전투에서 패한 영국 원정군은 대륙을 떠났다. 프랑스를 점령 한 나치는 이미 영국 제도 침공을 준비하고 있었지만 영국 항공기가이긴 영국 전투로 막혔고 소련에 대한 적대 행위가 시작되었습니다.

1942년 5월 26일, 영국과 소련은 평시 군사동맹과 협력에 관한 협정에 서명했지만 처칠은 한동안 제2전선의 개방을 연기했다. 제2차 세계대전이 끝나자 보수당의 정책은 마침내 국민을 실망시켰고, 1945년 선거에서 노동당은 압도적인 승리를 거두었다.

그 나라의 사회적 상황은 20세기 전반의 영국 드라마에 반영되지 않을 수 없었다. 이 기간 동안 Somerset Maugham과 John Boynton Priestley와 같은 유명한 작가들이 이 나라에서 일했습니다.

쌀. 60. 서머셋 몸

영국 작가 William Somerset Maugham(1874-1965)( 쌀. 60) 영국 대사관 법률 고문의 가족으로 파리에서 태어났습니다. 열 살 때 그는 부모 없이 영국에서 친척들에 의해 자랐습니다. 결핵에 걸린 몸은 프랑스 남부에 정착한 후 독일로 이주하여 하이델베르크 대학교에서 자원 봉사자가 되었습니다. 독일에서 미래의 작가입센과 가까워졌다

그리고 바그너. Maugham에서 극작가가 되려는 열망을 일깨운 것은 Ibsen의 연극이었습니다.

영국으로 돌아온 Maugham은 의대에서 공부하기 시작했습니다. 3년 동안 그는 구급차에서 구급대원으로 일하면서 평범한 사람들의 삶에 대한 지식을 얻었습니다(직업의 일환으로 Somerset은 런던의 가장 가난한 지역을 방문했습니다). 1897년에 쓰여진 그의 소설 Lisa of Lambeth는 런던 빈민가에 대해 이야기합니다. 그는 젊은 작가에게 첫 번째 명성을 가져다주었습니다. 그 후 Maugham은 영국 사회의 삶에 대한 광범위한 파노라마를 제공하는 여러 소설을 만들었습니다(The Burden of Human Passions, 1915; Theatre, 1937).

극장은 항상 Maugham의 관심을 끌었지만 이 분야에서 성공을 거두기는 쉽지 않았습니다. 현실을 현실적으로 반영하고자 하는 열망은 때때로 기업가들을 작가로부터 멀어지게 만들었습니다. 상업 예술에서 작가의 인기와 그의 연극 "Man of Honor"(1903) 제작에 기여하지 않았습니다.

마침내 1907년에 몸은 관객들의 열광적인 반응을 얻은 희극 Lady Frederick을 무대에 올렸습니다. 그 후 런던 극장은 극작가에게 문을 열었고 같은 해인 1907년에는 그의 희곡을 바탕으로 한 세 편의 공연이 더 등장했습니다.

극작가는 그가 "스마트"라고 부르는 연극 유형을 만들었습니다. 그의 작품의 현대적 현실은 등장인물들의 충돌을 통해 보여지며, 등장인물들이 상황을 논의할 수 있도록 행동이 자주 중단된다. 연극을 만들 때 Maugham은 Shaw와 Ibsen 작품의 특징적인 기술을 자주 사용하지만 대부분 복원 시대의 영국 코미디로 전환합니다. 그것은 두 번째 드라마투르기에서 나온 것이다. XVI의 절반-XVIII 세기의 시작은 Maugham의 작품에 등장하는 성격과 음모의 예술입니다. 그의 많은 연극에서 프랑스 연극의 전통에 대한 관심도 있습니다.

1907년 런던 극장에서 상연된 Maugham의 초기 연극 "Lady Frederick", "Mrs. Dot", "Jack Straw"는 살롱 코미디 스타일로 쓰여졌습니다. 앞으로 극작가는 가벼운 풍자에서 벗어나 '모든 것을 아는 사람들'에 대한 진지한 사실적인 드라마로 눈을 돌렸다. 1913 년 가난한 소녀 노라의 운명에 대해 이야기하는 약속의 땅이 나타났습니다. 부르주아 영국 환경에서 자란 그녀는 결국 캐나다에서 농부 오빠에게로 가게 됩니다. 일에 부적합하고 아줌마처럼 굴려고 하는 그녀는 동생의 아내를 화나게 한다. 그러나 이웃 농부의 아내가 된 Nora는 점차 변하고 런던에서 이전 생활로 돌아갈 기회가 주어지면 더 이상 게으른 사람과 쓸모없는 사람들 사이에서 살 수 없다는 것을 깨닫고 거절합니다.

주제 전후 영어 생활연극 The Hearth and the Beautiful Wife (1919)가 헌정되었습니다. 제 1 차 세계 대전이 끝나고 소령은 모두가 죽은 것으로 간주하는 집으로 돌아 왔습니다. 그의 아내 빅토리아는 역시 전공인 그의 친구와 결혼했습니다. 친구들은 귀족으로 경쟁하며 아름다운 빅토리아와 함께 머물 권리를 서로에게 주지만 그녀는 둘 다 이혼하고 군수품으로 큰 돈을 벌었던 투기꾼의 아내가됩니다. 전방을 탈출한 이 돈주머니는 캐딜락을 몰고 어떤 음식이든 얻을 수 있는 기회를 얻는다. 둘 다 전남편비교할 수없는 빅토리아는 항상 그녀의 비열함과 탐욕에 대해 추측했다고 주장합니다. 이것은 영국이 전쟁에서 싸운 난로입니다.

부르주아 사회에서 결혼이라는 주제는 Maugham의 유명한 희곡 The Circle(1919)에 의해 계속됩니다. 젊은 정치인의 아내인 엘리자베스는 남편에게 실망하고 한 번도 본 적이 없는 남편의 어머니를 존경합니다. 어린 시절에 그녀는 총리에 출마한 남편의 친구 프로테우스 경과 함께 남편에게서 도망쳤습니다. 그러나 그러한 행동 후에 연인들에게 사회 입구가 닫히고 엘리자베스만이 비밀리에 그들을 그녀의 집으로 초대했습니다. 낭만적 인 커플 대신 활력이 넘치는 노파와 예의 바르지 않은 사악한 노인을 보았을 때 그녀의 실망은 무엇입니까? 젊은 여성에게 많은 것이 분명해졌지만 그녀는 사랑을 포기하지 않고 번영하는 남편의 집을 떠나 젊은 식민지 관리와 함께 먼 말라야로갔습니다.

1928년과 1933년 사이에 The Sacred Flame(1928), The Breadwinner(1930), Military Merit(1932), Sheppey(1933) 등 4개의 Maugham 연극이 더 등장했습니다. 드라마 '병역을 위하여'의 지방 변호사는 자신의 가족이 상황의 압력으로 죽어 가고 있지만 정의와 번영이 사회를 지배한다고 믿습니다.

아들 시드니는 맹인 전쟁에서 집으로 돌아 왔고 자매 중 한 명이 그녀를 무겁고 괴롭히지 만 그를 돌 봅니다. 그녀는 최근 전선에서 돌아온 남자와 운명을 함께하는 꿈을 꾸지 만 약혼자는이 사회에서 자신을 찾지 못하고 자살하고 불행한 소녀는 정신을 잃습니다. 그녀의 여동생은 오만하고 예의가 나쁜 사람인 동원 해제 된 장교의 아내가됩니다. 셋째 딸의 운명도 비극적이다. 암울한 상황에서 벗어나려던 그녀는 더러운 거래로 큰돈을 번 투기꾼과 함께 가출한다. 전쟁은 모든 가족의 운명을 망쳤습니다. Sidney의 말은 괴로움으로 가득 차 있습니다. 나는 우리 모두가 그들의 허영과 탐욕과 어리석음에 희생되었다는 것을 압니다. 그리고 최악의 상황은 내가 이해하는 한 그들은 아무것도 배우지 못했다는 것입니다.”

드라마 '쉐피'의 주인공 사연이 안타깝다. 중년 미용사 Sheppey는 큰 승리의 자랑스러운 소유자가되었습니다.

그는 도움이 필요한 사람들을 돕는 꿈을 꾸지만 그의 딸과 그녀의 약혼자는 이 돈이 그들이 큰 정치에 진출하고 Sheppey를 미친 사람으로 인정하는 데 도움이 될 것이라고 믿습니다.

Sheppey의 비상업적 예술 제작은 실패했고 Maugham은 극작을 그만두고 극장에서 다시 일하지 않기로 결정했습니다.

쌀. 61. 존 보인턴 프리스틀리

존 보인턴 프리스틀리(1894-1984)( 쌀. 61) 교사 가족의 Bradford (Yorkshire) 마을에서 태어났습니다. 1914년 케임브리지 대학의 학생이 되었지만 1차 세계대전이 발발하자 전선에 자원했다. Priestley는 전쟁이 끝난 후 대학에서 공부를 마쳤습니다. 그는 곧 수필 작가이자 문학 학자이자 평론가로서 명성을 얻었습니다. 1929년에 쓰여진 소설 The Good Companions는 순회 배우들의 삶을 독자들에게 소개하면서 Priestley에게 큰 성공을 가져왔습니다. 드라마에서 작가의 첫 번째이자 비정상적으로 성공적인 경험은 1932 년에 상연 된 연극 "위험한 전환"이었습니다.

Maugham과 마찬가지로 Priestley는 인간 유형을 정확하게 전달하고 음모를 만들 수 있었습니다. 동시에 그의 연극은 Maugham과 Shaw의 작품보다 더 문제적이다.

"A Dangerous Turn"에서 Priestley는 Maugham과 마찬가지로 삶의 외부 웰빙 뒤에 숨겨진 것을 드러냅니다. 거짓말과 속임수의 겹 뒤에 나타나는 것은 참으로 끔찍합니다. 극작가는 "밀실 탐정"의 원칙에 따라 연극을 만듭니다. 가까운 지인의 좁은 범위에서 살인이 저질러지고 모두가 의심을 받고 동시에 모두 아마추어 탐정이됩니다.

점차적으로 일련의 계시가 풀립니다. 게시자 Robert Kaplan의 파티에서 실수로 단어를 떨어 뜨리면서 시작되었습니다. 그는 사랑하는 형제 Martin이 공식적으로 믿었던 것처럼 섹스 미치광이이고 자살하지 않았지만 여자에 의해 살해되었다는 사실을 알게되었습니다. . 그의 거의 모든 친척이 그의 죽음에 연루되었습니다. 끔찍한 진실을 알게 된 로버트는 스스로 목숨을 끊었습니다. 그러나 이것은 사건의 가상 버전일 뿐입니다. 이어진 어둠이 걷히고 1막의 분위기가 다시 관객의 눈앞에 나타난다. 등장인물들은 같은 대화를 이어가며 노출의 시작이 된 문구가 전개되지 않는다. "위험한 차례"는 무사히 지나갔고, 파티는 계속된다. 그러나 평온한 삶의 과정 뒤에 실제로 숨겨진 것은 이미 시청자에게 알려져 있습니다.

1937년 Priestley의 희곡 Time and the Conway Family가 등장했는데, 여기에서 저자는 사건 전환 기법을 사용합니다. 행동은 1919년 가족 휴가와 함께 시작됩니다. 친절하고 부유한 가족이 케이트의 생일을 축하합니다. 그 소녀는 스물 한 살이고 행복한 미래에 대한 희망과 작가가되는 꿈으로 가득 차 있습니다.

2막은 1937년을 가리킨다. 캐릭터는 같지만 모두 불행합니다. 수년 전에 일어난 파티는 가족의 삶을 모든 구성원을 슬픈 결과로 이끄는 방향으로 바꾸는 사건이었습니다.

세 번째 막은 다시 1919년을 언급하지만, 몇 년 후 일어난 일을 알게 된 시청자에게는 가족 파티가 명랑하고 행복해 보이지 않습니다.

Priestley는 또한 "I was here before"(1937), "Music at night"(1938), "Johnson Beyond the Jordan"(1939)과 같은 추가 연극에서 시간의 동기에 대해 언급했습니다. 캐릭터의 특성을 더 깊게 만들기 위해 작가는 이전에 다른 사람뿐만 아니라 자신에게도 숨겨져 있던 것을 드러내는 특이한 환경에 캐릭터를 배치합니다.

많은 연극에서 Priestley는 대담한 실험을 사용합니다. 이처럼 유럽 여러 나라의 극장 무대에서 펼쳐졌던 드라마 '프롬 파라다이스 타임즈'(1939)에서는 배우들이 관객의 눈앞에서 캐릭터에 들어가 배역까지 바꾼다.

영국 극작가는 Chekhov의 작품을 높이 평가했습니다. 그의 영향은 연극 "Eden End"(1934)에서 가장 분명합니다. Chekhov의 The Cherry Orchard를 연상시키는 Eden End는 배우가되기 위해 수년 전 친가에서 가출 한 여성의 이야기를 들려줍니다. 이제 그녀는 다시 행복을 꿈꾸며 조용하고 안락한 아버지의 집으로 돌아갔다. 그러나 과거는 되돌릴 수 없으며 극중 인물들은 아무리 원해도 새로운 삶을 시작할 수 없다.

코미디는 Priestley의 극작에서 중요한 위치를 차지합니다. 이 장르에서 작가는 사회 생활을 비판하는 비정상적으로 재치있는 작품을 많이 만들었습니다. 그의 코미디는 유럽 국가에서 매우 인기가 있었지만 고국의 극작가에게는 큰 성공을 거두지 못했습니다.

코미디 The Rocket Grove (1933)는 널리 알려졌습니다. 눈에 띄지 않고 겸손한 작은 문구 창고 주인이 갑자기 가족에게 자신이 실제로 위조자 일당을 이끌고 있다고 고백합니다. 이것에 대해들은 친척들은 이전에 그를 경멸로 대했지만 그에게 모든 존경심을 나타냅니다. 그들은 모두 그가 경제 위기 동안 그를 파산시키고 그를 범죄자로 만든 거대 금융 거물보다 나쁘지 않다고 믿습니다.

일부 코미디는 특정 직업 대표의 삶에 대한 Priestley의 관심을 증언합니다 (Love by the Light of Jupiter, 1936; Good Night, Kids, 1941).

연극 "Bees on board a ship"(1936)은 작가 자신이 "2 막의 비극적 비극"과 "희극 형태의 정치적 풍자"라고 불렀던 다소 차이가 있습니다. 경제 위기 동안 선주가 버린 해저 정기선에 버려진 승무원들은 온갖 종류의 암살 시도로부터 배를 구하려고 노력합니다. 결승전에서 배는 정기선 소유자 인 회사가 조직 한 폭발로 사망합니다.

유토피아 소설에서 영감을 얻은 Priestley의 드라마 유토피아 "그들은 도시에 왔습니다"(1943)도 이례적입니다. 영국 예술가그리고 작가 William Morris의 아무데도 없는 뉴스 또는 행복의 시대(1891). Priestley 연극의 영웅들은 사유 재산이없는 도시에 살고 있으며 행복하고 쾌활합니다. 작가는 "시간 이동"이라는 기법을 사용하여 특이한 도시와 그 주민들을 다르게 인식하는 현대 영국 사회의 여러 계층에서 온 캐릭터를 연극에 소개합니다.

Priestley의 두 연극이 큰 관심을 받아 The Inspector Came (1945)와 The Linden Family (1947)를 받았습니다.

첫 번째 연극에서 극작가는 자신이 가장 좋아하는 "시간 이동"기법을 다시 사용합니다. 산업가인 베를링의 가족은 딸의 약혼을 축하하려고 합니다. 갑자기 경찰 조사관이 집에 나타나 Eva Smith라는 소녀의 자살을 조사합니다. 모든 가족 구성원이 그녀의 죽음에 대해 유죄임을 밝혀졌습니다. Beurling은 그녀를 사업에서 해고했고 그의 딸은 Eva가 가게에서 쫓겨 났고 그녀의 약혼자는 불행한 사람을 유혹하고 떠났습니다. 무엇보다도 자선 단체에 영향력이 있었던 Burling의 아내는 그 소녀가 도움을 거부당하도록 했습니다.

모든 것을 알게 된 검사관은 떠나고 Berling 가족은 그들의 행동이 같은 소녀를 언급한다는 사실에 놀랐고 병원과 경찰에 전화하기 시작합니다. 그들은 자살 사례가 없었고 그 이름을 가진 조사관이 경찰에서 일하지 않는다는 것을 알게 됩니다. Berlings는 진정되었지만 너무 빨리 밝혀졌습니다. 갑자기 전화벨이 울렸고 가장은 이전에 공장에서 일하던 소녀가 병원에서 사망했으며 경찰 조사관이 사망 경위를 밝히기 위해 오고 있다는 통보를 받았습니다.

1950년대에 Priestley는 계속해서 극작 작업을 했지만 더 이상 의미 있는 글을 쓸 수 없었습니다.

시인 Thomas Stearns Eliot(1888-1965)는 영국 드라마 발전에 지대한 공헌을 했다. (그림 62), 고대와 중세 예술의 전통을 바탕으로 새로운 시극 창작을 꿈꿨다.

쌀. 62. 토머스 스턴스 엘리엇

엘리엇은 미국에서 태어났습니다. 1910년에 그는 소르본에서 공부하기 위해 유럽으로 왔습니다. 작가로서의 그의 형성은 세기 초에 나타난 모더니스트 경향의 영향으로 이루어졌습니다. 현대 부르주아 문화에 불만을 품은 엘리엇은 고대와 중세의 전통을 바탕으로 한 신고전주의로 눈을 돌렸다.

엘리엇의 가사에서 드라마로의 전환은 휴머니즘의 이상인 '진정한 영성'을 더 많은 사람들에게 전하고 싶은 간절한 열망과 연결된다. 이 목표는 1930 년대와 1940 년대와 1950 년대에 등장한 그의 모든 연극에서 추구합니다 (Murder in the Cathedral, 1935; Family Reunion, 1938; Cocktail Party, 1949; Private Secretary) , 1953; "노인 정치가" , 1958).

세상에서 일어나는 모든 일에 대한 개인의 책임에 대한 질문은 Eliot의 시적 비극의 생생한 예인 연극 "Murder in the Cathedral"에서 제기됩니다. 평시에 작품을 만드는 극작가는 아직 5 년이 남은 다가오는 세계 대전을 예견하는 것 같았습니다.

"Murder in the Cathedral"은 12 세기에 살았던 캔터베리 대주교 Thomas Becket의 운명에 대한 다른 작품이 발표 된 캔터베리 페스티벌에서 상영 될 예정이었습니다. Becket은 Henry II가 중앙 집중식 군주제를 위해 싸우는 것을 도왔지만 나중에는 왕의 반대자가되어 그의 목숨을 지불했습니다. 그의 죽음 이후 대주교는 교회에서 성인으로 시성되었습니다. Becket의 성격은 여전히 ​​역사가와 작가들 사이에서 논란을 일으 킵니다. 엘리엇은 자신의 영웅을 높은 영성에 대한 열망에 의해 행동하는 사람으로 제시했으며, 이것이 그가 군주와 그의 부하들의 기본 이익에 맞서 싸운 이유입니다. 베켓은 순교를 받아들임으로써 인류의 죄를 짊어지고 사람들에게 인본주의와 진리로 가는 길을 열었습니다.

시적 언어와 산문이 결합된 연극은 역사적 자료뿐만 아니라 1930년대의 현실을 기반으로 한다. 따라서 대주교를 죽인 기사들의 연설은 자신의 생각에 동의하지 않는 모든 사람에게 "긴 칼의 밤"을 위협하는 극우의 연설과 매우 유사합니다.

영국 좌파 극작술의 가장 큰 대표자는 시인 휘스턴 휴 오든(1907-1973)과 소설가 크리스토퍼 이셔우드(1904년생)로, 영국 음악당의 전통을 바탕으로 현대 시극 창작을 시도했다. .

1933년 오든은 현대 부르주아 사회의 종말을 예언한 희곡 <죽음의 춤>을 썼다. 1936년 루퍼트 둔(Rupert Doone) 감독이 런던 그룹 극장 무대에서 상연했습니다. 앞으로 극작가는 Isherwood와 공동으로 작업했습니다.

1936년에 상연된 Auden과 Isherwood의 희곡 The Dog Under the Skin(1935)이 관심을 받았습니다. 패러디, 하이시, 아지트프롭, 동화, 표현주의의 요소를 포함하는 이 작품은 동시에 스타일의 통일성을 가졌습니다.

매년 Pressen Embo의 마을 사람들은 갑자기 사라진 영지의 상속인 Francis 경을 찾기 위해 청년 중 한 명을 보냅니다. 정직하고 단순한 사람인 Alan Norman에게 차례가 왔습니다. 그와 함께 하나 또는 다른 가족에 사는 개 프랜시스가 도중에 회복됩니다. 여행자들은 많은 나라를 방문하고 다른 사람들을 만났지만 상속인은 찾지 못했습니다. Alan은 자신의 개가 원하는 프랜시스 경이라는 사실을 발견했을 때 이미 추가 검색을 포기하기로 결정했습니다. 개 가죽은 그가 사회적 기반이 얼마나 썩었는지 이해하기 위해 많은 것을 배우는 데 도움이 되었습니다. 그의 마을로 돌아온 Francis는 파시즘의 아이디어가 다른 모든 것보다 우세하다는 것을 알았습니다. 젊은이들과 함께 상속인은 불의와 악에 맞서 싸우기 위해 떠납니다.

큰 관심은 같은 방에 사는 두 가족에 대해 이야기하는 상징으로 가득 찬 Auden과 Isherwood의 연극 On the Border (1938)입니다. 그들 사이에는 그들을 두 개의 전쟁 당사자로 만든 보이지 않는 선이 있습니다. 극의 등장인물 중에는 죽음 이후에야 하나가 된 이 가족에 속한 젊은 연인들, 파시즘의 본질을 설명하는 냉소주의자(강철 트러스트의 우두머리), 비꼬는 사람.

그 후 Auden과 Isherwood는 이전 아이디어에서 벗어났습니다. 1966 년 나치가 집권하기 전 독일에 대해 이야기하는 Isherwood의 소설 Farewell to Berlin (1939)이 뮤지컬 카바레로 상연되었고 1972 년에는 같은 이름의 유명한 영화가 상영되었습니다.

제 1 차 세계 대전과 그 이전은 배우 G. B. Tree, G. Irving, J. Alexander가 이끄는 19 세기에 형성된 연극 기업 시스템을 파괴했습니다. 웨스트 엔드의 상업 극장은 전쟁에 지친 사람들에게 명랑하고 화려한 광경을 제공하면서 영국의 연극 생활에서 전면에 등장했습니다. Farces, 멜로 드라마, 가벼운 코미디, 뮤지컬 쇼가 매우 인기가있었습니다.

의 상황 극장의 세계에서 변경되지 않았습니다 전후 년. 가벼운 장르는 여전히 무대에서 지배했으며 Strindberg, Ibsen, Chekhov의 진지한 연극은 작은 런던 극장 (Evryman, Barnes) 및 극장 클럽의 무대에서만 볼 수 있습니다. 미국 비평가 T. Dickinson은 당시 영국 극장에 대해 이렇게 썼습니다. “영국 제도는 정치적으로 고립되어 있습니다. 영국 극장도 비슷하게 고립되어 있습니다. 1920년대에 대영제국의 연극은 유럽 대륙의 연극을 이끌었던 깊은 충동에 크게 반응할 능력이 없음이 입증되었습니다.

빅토리아 시대의 전통을 거부하고 미국화된 삶의 방식을 열망했던 영국 젊은이들은 웨스트엔드 무대에서 사라진 셰익스피어에 지루함을 느꼈다.

1926-1933년 Terence Gray가 이끄는 Cambridge Festival Theatre의 공연은 위대한 셰익스피어의 진정한 패러디가 되었습니다. 그래서 The Merchant of Venice에서 Portia는 지루한 표정과 완전히 무표정한 목소리로 자비에 대한 유명한 독백을 전달했으며 그녀 앞에 앉아있는 심사 위원들은 하품을했습니다. 그레이가 연출한 헨리 8세의 귀족들은 카드 잭과 여왕의 의상을 입고 등장했고, 관객들은 일부 캐릭터 대신 플레잉 카드 모형을 보았다.

고전을 부정하면서 당시 영국 감독들이 종종 복원 시대의 코미디로 눈을 돌린 것은 흥미 롭습니다. 그 중에는 유명한 배우, 런던의 Lyric Theatre의 감독이자 소유자 인 Nigel Playfair는 여러 오래된 코미디를 상연했습니다. 리리카 무대에서는 18세기 코미디언들의 희곡을 시대정신으로 재해석한 공연도 펼쳐졌다. 예를 들어 3년 동안 리릭 무대를 떠나지 않았던 존 게이의 거지의 오페라는 풍자적 초점을 잃고 경쾌하고 경쾌한 광경으로 변모했다. Playfair의 해석에 따르면 Gay의 연극은 평온하고 쾌활한 시대를 대표했으며 그 분위기는 강당의 샹들리에에 켜진 촛불, 극장 오케스트라 뮤지션의 가발, Handel과 Purcell의 음악을 전달하는 데 도움이되었습니다. . N. Marshall은 감독으로서 Playfair의 문체 기술을 매우 정확하게 설명했습니다. "당시 스타일이없는 영국 극장에서 그는 우아하고 전체적인 무대 스타일의 예를 들었습니다."

Lyric Theatre의 스타는 여배우 Edith Evans (1888-1976)로 복원 기간 동안 젊은 코미디여 주인공의 역할을 시작했습니다. 1924년 대성공을 거둔 그녀는 Congreve의 연극을 바탕으로 한 연극 "Thus they do in the world"에서 Milliment의 이미지를 얻게 되었습니다. Farker의 "Cunning Plan of the Dandies"에 나오는 Sallen과 마찬가지로 Milliment는 삶의 모든 기쁨을 알기 위해 노력하는 비정상적으로 밝고 우아한 생물입니다.

웨스트 엔드의 무대와 실험적인 소극장에서 상연된 버나드 쇼의 연극은 1920년대 영국 관객들에게 큰 성공을 거두었습니다. New Theatre에서 상연된 St. Joan은 제작자에게 엄청난 상업적 성공을 가져왔습니다. 공연은 240 회 이상의 공연을 견디며 오랫동안 무대를 떠나지 않았습니다. Jeanne의 역할은 유명한 비극 여배우 Sybil Thorndike (1886-1976)가 담당했습니다.

Jeanne의 역할은 Bernard Shaw 자신이 Sybil Thorndike를 위해 의도했습니다. 그는 그녀와 다른 배우들과 리허설을 하면서 그들이 과거에 전념하는 의상극이 아니라 현대 연극을 하고 있다는 생각을 그들에게 심어주려고 노력했습니다. Sybil Thorndike는 주요 특징이 로맨스가 아니라 냉정한 마음과 도덕적 힘을 가진여 주인공을 연기했습니다. Zhanna를 보면서 청중은 오랜 전투에서 자신을 증명 한이 단순한 농민 소녀가 현대 1 차 세계 대전의여 주인공이 될 수 있음을 이해했습니다.

1920년대 말에 극장 동아리 Malvern이라는 작은 마을에서 Bernard Shaw 연극의 연례 축제를 개최하기 위해 아이디어가 탄생했습니다. 첫 번째 Malvern Festival은 1929년 초에 열렸으며 Shaw의 연극 The Apple Cart로 시작되었습니다. 역할 주인공이 공연에는 배우 에디스 에반스가 출연했다. 이 축제는 제2차 세계대전이 발발할 때까지 계속되었습니다.

버밍엄 레퍼토리 극장을 이끌었던 배리 잭슨(1879-1961)은 맬번 페스티벌을 조직하는 데 중요한 역할을 했습니다. 이 극장은 브리스톨, 맨체스터, 리버풀의 레퍼토리 극장과 거의 동시에 1913년에 문을 열었습니다. 상업적인 것과는 달리 그들은 영구 극단을 가지고 심각하고 문제가 많은 연극을 상연했습니다. 버밍엄 무대에서 레퍼토리 극장 D. Galsworthy, A. Strindberg, B. Frank, G. Kaiser 및 물론 B. Shaw의 작품을 기반으로 한 공연이있었습니다. 1923년 배리 잭슨은 에디스 에반스를 비롯한 유명한 런던 배우들이 버밍엄 극단의 대표들과 함께 연주한 그의 오각형 Back to Methuselah를 상연했습니다. Shaw도 리허설에 참여했습니다.

1925 년 런던에서 Barry Jackson 극단은 "Hamlet"(감독 - G. Eilif)을 보여주었습니다. 런던 청중은 결코 그렇게 놀라지 않았습니다. Hamlet은 운동복을 입고 옥스포드 바지를 입은 Laertes는 "Paris to Paris"라는 밝은 스티커가 붙은 여행 가방을 들고 무대에 올랐습니다. Polonius는 연미복을 입었고 Claudius는 진홍색 비단 가운을 입었습니다. 왕의 조신들은 다리 놀이를 하고 위스키를 마셨습니다. 덴마크 왕국은 확고한 전통을 지닌 현대 영국으로 변모했습니다. 햄릿이 제1차 세계 대전의 참호에서 가져온 진실을 가지고 들어온 곳은 바로 이 오래된 위선적인 세계였습니다.

1920년대에 체호프의 연극은 영국 극장의 레퍼토리에 등장했다. 영국 청중에게 Chekhov의 작품을 알리는 데 중요한 역할은 1925 년 기업가 Philip Ridgway가 Barnes Theatre에 초대 한 Fyodor Komissarzhevsky 감독 (1882-1954)이 담당했습니다. Barnes 무대에서 러시아 감독이 연출한 첫 번째 공연은 Ivanov ( 주연그것은 R. Farkerson에 의해 수행되었습니다). 그런 다음 Komissarzhevsky가 낭만적으로 고상하고 특별한 시적 광경으로 해석 한 Three Sisters (1926)가 상연되었습니다. 감독은 밝은 조명과 색채 효과를 사용했는데, 이는 체호프 스타일에서는 흔치 않은 일이다. 같은 해인 1926 년 "Barnes"의 청중은 "Vanya 삼촌"과 "The Cherry Orchard"라는 Chekhov의 드라마 두 개를 더 보았습니다.

그해에 체호프의 연극작은 극장에서만 상연되었고 1930년대에 와서야 거의 모든 영국 대중을 볼 수 있었습니다. 동시에 전체 은하계가 나라에 나타났습니다. 재능있는 배우. 1920년대 스타들(Sybil Thorndike, Edith Evans 등)과 함께 Laurence Olivier, John Gielgud, Peggy Ashcroft, Ralph Richardson, Alec Guinness가 영국 무대에서 빛을 발했습니다. New 및 Queens 극장의 Old Vic 및 Gielgud's entreprise에서 주로 연주하는 것을 볼 수 있습니다.

Waterloo Road에 위치한 Old Vic은 19세기에 문을 열었지만 1차 세계대전 이전에 널리 알려지게 되었습니다. 1918-1923 년에 실제 예술을 위해 웨스트 엔드의 높은 수수료를 거부 한 최고의 영국 배우가 연기 한 무대에서 셰익스피어의 연극이 공연되었습니다. Edith Evans는 West End의 모든 극장에 초대되었지만 Old Vic에서 적은 급여를 선호했습니다. 셰익스피어의 연극에서 그녀는 Katarina, Viola, Rosalind 등 많은 역할을 담당했습니다.

슈클롭스키 빅토르 보리소비치

작가 Vasiliev, (미술 평론가) Alexander Alexandrovich

책에서 일상 생활 17세기 모스크바 군주 작가 체르나야 류드밀라 알렉세예브나

영어 번역가의 서문 무사도와 관련된 기본 개념을 설명하는 역사적 문서("사무라이"와 같은 "무사도"의 개념은 "국가, 특히 군대, 일본의 정신, 전통적

Leo Tolstoy의 Moscow Addresses 책에서. 1812년 조국전쟁 200주년을 맞아 작가

영국 고전 소설 필딩이 자신의 소설을 성공적으로 마무리하기 위해 인식을 어떻게 사용했는지에 대해 설명합니다. 이 인식은 고대 드라마 인식과 어떻게 다릅니 까?세상 사람들은 평등하지 않습니다. 일부는 부자이고 다른 일부는 가난하며 모두가 이것에 익숙했습니다. 그것은 존재했다

Romanovs 아래의 모스크바 책에서. 로마노프 왕조 400주년 기념 작가 바스킨 알렉산더 아나톨리에비치

English melange 나는 1983년에 런던에 처음 왔다. 그 당시에는 첼시의 킹스 로드를 따라 멋진 펑크들이 돌아다니고, 비와 섞인 가을 단풍은 브리튼이 우리에게 노래를 불렀고, 이층 버스는 고전적인 지루한 빨간 전화기를 메아리쳤습니다.

책에서 중국의 민속 전통 작가 마르티아노바 루드밀라 미하일로브나

극장 1672-1676 년에 존재했던 최초의 궁정 극장은 Tsar Alexei Mikhailovich 자신과 그의 동시대 사람들에 의해 유럽 군주 극장의 이미지와 유사성에서 일종의 새로운 "재미"와 "차가움"으로 정의되었습니다. 왕실의 극장은 즉시 나타나지 않았습니다. 러시아인

책 5시와 영국의 다른 전통에서 작가 파블로프스카야 안나 발렌티노브나

저자의 책에서

시민 사회의 싹: 영국 클럽 "Concordia et laetitia" 영국 클럽이 모스크바에서 생겨난 것은 캐서린 시대 때였으며 1772년에 일어났습니다. 러시아의 사회 생활 현상으로서의 클럽은 독점적으로 서구 영향의 결과이기 때문에

Theatre라고 불리는 런던 최초의 극장은 1577년 Shoreditch에서 배우 James Burbage에 의해 문을 열었습니다. 몇 달 후 커튼이라는 두 번째 극장이 근처에 문을 열었습니다. 곧 Burbage와 그의 아버지보다 더 유명해진 그의 아들 Thomas는 오래된 수도원의 식당에 무대가 설정 되었기 때문에 수도원 도미니카 명령을 기리기 위해 Black Brothers Theatre를 조직했습니다. 그러나 모든 극장은 런던 당국에 의해 끊임없이 공격을 받았는데, 그들은 이러한 시설을 지옥의 악마이자 불행의 근원, 게으름과 방탕의 장소, 여장을 한 소년의 광경에 흥분한 악랄한 사람들의 모임이라고 저주했습니다. - 즉, 종소리에 맞춰 설교를 듣기보다 트럼펫 소리에 급히 달려가 연극을 관람하는 사람들을 위한 곳입니다.

Southwark에서 배우들은 당국이 정한 규칙에 의해 극장의 삶이 심각하게 제한되는 도시보다 더 많은 의지력을 가졌습니다. 또한 툴라는 보트나 다리로 쉽게 갈 수 있습니다. 수도원 폐쇄 당시 이전에 Bermondsey 수도원과 Blessed Virgin Mary 수도원에 속했던 Southwark의 일부가 왕의 소유가되었습니다. 1550년에 그것은 약 천 파운드에 시에 팔렸습니다. 도시 관할권 밖에 남아 있던 두 개의 플롯 만 팔리지 않았습니다. 하나는 감옥이었고 다른 하나는 ( "Paris Garden")이라고 불 렸습니다. 런던의 금지와 검열로부터 자유로운 엘리자베스 여왕 시대에 극장이 등장한 곳이 바로 이 두 곳이었습니다. 1587년에 지어진 로즈 극장에서는 처음으로 말로의 연극이 상연되었고 에드워드 앨린의 재능이 이곳 무대에서 꽃을 피웠습니다. 그런 다음 극장 "Swan"(1596), "Globe"(1599, 셰익스피어 소유) 및 1613 - "Hope"가 나왔습니다.

런던 시민들은 시끄러운 트럼펫과 깃발을 흔들며 이 극장과 다른 극장으로 유인되었습니다. 극장에서 바로 방문객들로부터 돈을 모아 특별한 상자에 넣은 다음 작은 방인 매표소 ( "현금 상자 캐비닛")에 가두 었습니다. 관객들은 무대 주변에 층층이 늘어선 안락의자나 무대 바로 위의 벤치에 앉아 큰 함성을 지르며 공연을 시작했다. 배우들이 자신의 역할을 연기했고 관객들은 분개하거나 승인하는 외침, 모욕 또는 칭찬으로 그들을 방해했습니다. 이것은 연기가 끝날 때까지 계속되었고 그 후 무대는 댄서, 저글러 및 곡예사로 가득 찼습니다. 관중석 사이의 통로를 따라 압착 된 쟁반과 바구니가있는 행상인은 파이, 과일, 약초 요법, 소책자를 판매합니다. 남자는 여자에게 친절했다. 극장 노동자들은 종종 담배를 피우고 공기는 담배 연기로 가득 차 있었고 나무 의자에는 종종 불이 붙었고 청중은 문으로 달려갔습니다. Nadezhda가 문을 연 같은 해에 불타 버렸습니다. 그 과정에서 한 사람 만 부상을 입었습니다. 그의 바지에 불이 붙었지만 병에서 맥주를 ​​부어 재빨리 불을 껐습니다.

극장 근처에는 곰이있는 정원, 묶인 황소를 개로 유인하는 경기장, 닭 싸움을위한 근거가있어 부자와 가난한 사람, 고귀하고 평범한 사람들 등 다양한 청중을 매료 시켰습니다. 오델로나 에드워드 2세의 공연을 즐긴 다음 날 관중들은 파리 정원에서 개에게 미끼를 물고 있는 곰, 박차를 푼 뒤 경기장의 모래를 피와 깃털로 뒤덮은 싸움닭, 미친 황소의 타격에서 멀리 날아가는 개 (개는 넘어져도 불구가되지 않고 계속 싸울 수 있도록 고리 버들 덫에 걸렸습니다), 칼로 해킹하는 사람들, 큰 소리로 서로의 귀와 손가락을 자르는 군중의.

웨스트 엔드 극장

웨스트엔드 거리의 모습은 극적으로 변했다. XVIII 세기의 많은 건물. 시대의 취향에 따라 외부와 내부를 모두 재구성했습니다. 그리하여 Grafton Street(현재 Helena Rubinstein의 살롱)에서 Mrs. Arthur James는 1750년대에 설계된 집을 인상적인 개조 공사로 부를 과시했습니다. 로버트 테일러 경.

그루지야어, 리젠시 및 빅토리아 스타일, Duke of York's Theatre와 같은 새로운 극장을 탄생시켰고, 새로운 극장, The Rock, Palladium, Gaiety, Her Highness Theatre, London Pavilion, Palace, Apollo, Wyndhams, Hippolrom, Strand, Aldwych, Globe”, “Queens” 및 “Coliseum”. 그들 모두는 빅토리아 여왕 통치의 마지막 10년과 에드워드 통치의 9년 동안 지어졌습니다.

수백 개의 오래된 건물이 철거되어 상점, 호화로운 판유리 창문과 황동 상감 마호가니 문이 있는 웅장한 쇼핑 아케이드가 들어섰습니다. 1901년 Brompton Road에 있는 Harrods General Store의 테라코타 벽이 솟아오르기 시작했습니다. Wearing and Gillows (1906), 특히 상인이 1909 년에 위스콘신에서 해리 셀프 리지 (Harry Selfridge)가 짓기 시작한 당당한 건물과 같은 과장된 바로크 스타일의 새로운 거리 상점 건설이 빠르게 이어졌습니다.

Selfridge의 상점이 완공되었을 때 Regent Street는 완전히 바뀌었습니다. Aldwych Loop는 Somerset House 건너편 Strand 북쪽 거리의 미로를 가로질러 기념비적인 건물이 늘어서고 Kingsway Street는 북쪽으로 Holborn까지 뻗어 있습니다.

영국의 극적인 예술은 오래 전에 나타났습니다. 교회 공휴일에 열렸던 거리 공연에서 유래하여 일종의 도덕화 역할을했습니다. 르네상스 시대에는 예술의 모든 영역이 보다 세속적인 성격을 띠고 종교적 주제에서 멀어집니다. 이때 당시 혁명적이었던 극장이 등장하여 현재 전 세계에 알려진 W. 셰익스피어가 연극을 상연했습니다.

극장의 현대적 발전은 모든 영역에서 최고의 사실주의를 위해 노력하고 있으며 고전적인 플롯까지도 재고하고 있습니다. 이제 영국의 극장은 흥미로운 공연뿐만 아니라 독창적인 건축 양식과 특이한 감독의 결정으로 놀라움을 금치 못합니다.

런던 여행을 계획 중이라면 피카딜리 극장을 꼭 방문하세요. 그것은 80년 이상 존재해 왔으며 현대뿐만 아니라 전통적인 고전 작품으로도 연극 예술 감정가를 기쁘게 합니다.

런던에서 가장 오래된 극장 중 하나인 알드위치 극장(Aldwych Theatre)은 100년 넘게 도시 전체를 하나로 모으고 있습니다. Joan Collins, Vivien Leigh, Basil Rathbone 등과 같은 저명한 배우들이 한 번 무대에서 공연했습니다.

밝은 팬 뮤지컬 공연방문할 가치가 있는 곳은 New London Theatre입니다. 지난 세기 70-80 년대에 젊은 사람들 사이에서 진정한 명성을 얻은 것은 뮤지컬이었습니다. 지금까지 그는 생생한 무대와 좋은 음악으로 세계적인 수준의 퍼포먼스로 관객들을 즐겁게 했다.

뮤지컬 및 코미디 연극 스타일의 공연으로 유명한 런던의 또 다른 극장은 Shaftesbury Theatre입니다. 얼마 전 그는 100 주년을 축하했습니다. 제 2 차 세계 대전 중에도 극장 작업은 멈추지 않았습니다. 이 극장의 건물은 독특하고 오래된 디자인으로 인해 특별한 관심을 기울일 가치가 있습니다.

중에 현대 극장런던에는 Pinkock 극장이 눈에 띕니다. 고전 극작술에 대한 혁신적인 접근 방식으로 기존 극장과의 경쟁을 충분히 견뎌냅니다. 장면은 종종 현대적인 요소를 사용합니다. 스트리트 댄스극의 효과를 높이는 곡예적인 숫자까지.

벨파스트의 그랜드 오페라 건물은 그 아름다움이 인상적입니다. 19세기에 지어진 이 극장은 오리엔탈 스타일의 건축학적 랜드마크일 뿐만 아니라 클래식 레퍼토리와 뛰어난 음향으로 극장 팬들을 즐겁게 합니다.

영국 드라마 예술의 중심지는 왕실 극장드루리 레인. 그것은 런던에 위치하고 있으며 국가 극장 발전에 중요한 역할을했습니다. 존재하는 동안 많은 저명한 배우들이 무대를 방문했습니다.

영국의 또 다른 건축 기념물은 폐하의 극장입니다. 극장은 18세기 초에 만들어졌으며 19세기 말에 큰 새 건물로 이전하여 여전히 그 자리에 있습니다. 그것은 역사적, 문화적 가치가 크며 고전적인 레퍼토리는 이 예술 형식을 사랑하는 모든 사람들에게 어필할 것입니다. 이 극장은 런던 웨스트민스터 서쪽에 있습니다.

Polysaevo 행정부 시 교육부

정보 및 방법론 센터

시립 교육 기관

"중학교 35호"

영국 연극의 역사

연구 프로젝트

폴리사에보 2007

Polysaevo 행정부 시 교육부

정보 및 방법론 센터

시립 교육 기관

"중학교 35호"

영국 연극의 역사

다리아 푸틴체바,

제안 연구영국 연극의 역사에 대한 설명이 포함되어 있습니다. 연구 프로젝트는 중세부터 현재까지 영국 연극의 방향과 경향을 특징짓는다. 이 작업은 주요 연극 경향의 형성과 발전, 역사적 발전의 여러 단계에서 연극 투쟁의 독창성을 추적합니다. 영국 극장의 국가적 특성 문제에 특별한 관심을 기울입니다.

영국 극장의 역사:연구 / . - Polysaevo: 정보 및 방법론 센터, 2007.

주석

작업의 목표:외국 문화에 대한 친숙함.

업무: 영국에 대한 문화적 지식을 확장합니다.

영어 극장은 세계 문화의 필수적인 부분입니다. 국가 영국 예술의 최고의 전통은 세계 연극 과정을 풍요롭게했습니다. 영국 배우, 감독 및 극작가의 작품은 영국 국경을 넘어 사랑과 인정을 받았습니다.

영국의 배우, 감독, 극작가의 작품은 오랫동안 러시아에서 인정과 사랑을 받아 왔습니다.

극장의 역사는 오랫동안 인류의 역사와 관련되어 왔습니다. 역사의 첫 페이지에서 인류는 자신을 기억하듯이 영원한 동반자가 된 극장도 기억합니다.

내가 좋아하는 만큼 당신도 극장을 좋아하나요? -우리의 위대한 동포 Vissarion Belinsky는 동시대 사람들에게 사람이 극장을 사랑할 수밖에 없다고 깊이 확신했습니다.

당신은 극장을 사랑합니까? 2000여 년 전 고대 극장의 위대한 아버지인 Aeschylus와 Sophocles, Euripides, Aristophanes는 같은 질문을 가지고 Hellas의 야외에 있는 거대한 원형 극장의 돌 벤치를 가득 채운 관중에게로 향할 수 있었습니다.

그들을 따라 이미 다른 세기에 다른 역사적 시대가 동시대 사람들에게 비슷한 호소력을 발휘하여 영국의 셰익스피어와 벤 존슨이 바뀔 수 있습니다. 그리고 그들 모두는 그 시대의 사람들에게 "극장을 좋아합니까? "라고 묻습니다. - 긍정적인 답변을 기대할 수 있습니다.

영국 연극, 문학, 음악은 세계 문화의 필수적인 부분입니다. 영국 문화의 최고의 전통은 세계 문화 과정을 풍요롭게 했으며 영국 국경을 넘어 사랑과 인정을 받았습니다.

영국 극작가의 작품은 오랫동안 러시아에서 인정과 사랑을 받아 왔습니다. 러시아 극장의 가장 위대한 배우들이 셰익스피어의 비극에서 연기했습니다.

영국 문화의 역사에서 중세, 르네상스, 17세기, 18세기(계몽주의), 19세기(낭만주의, 비판적 사실주의), 19세기 후반의 주요 시기로 구분됩니다. 20세기 초(1871~1917)와 20세기, 1917~1945년의 두 기간으로 구분됩니다. 그리고 1945–현재.

중세 초기( V – XI 세기)

기원전 6세기에 영국 제도는 켈트족의 침략을 받았습니다. 서기 1세기에 영국은 로마인들에게 정복당했습니다. 로마 제국의 통치는 앵글로색슨족과 주트족이 영국 영토를 침략한 5세기까지 계속되었습니다. 앵글로색슨 부족은 그들의 언어, 문화 및 생활 방식을 영국 제도에 가져왔습니다.

중세 연극의 역사는 삶에 대한 이상주의적이고 종교적인 관점과 민중의 현실적 세계관이 투쟁한 역사이다.

봉건 유럽 사람들의 삶에서 수세기 동안 이교도 의식 축제의 전통은 연극화의 요소를 포함하여 보존되었습니다. 겨울과 여름의 충돌, 왕과 5월의 여왕 등 등 극단은 유럽을 배회 민속 놀이 - 역사. 그들은 노래, 춤, 저글링, 연기 등 모든 것을 할 줄 알았습니다. 코믹한 장면을 연기하며 종종 관객을 즐겁게 할 뿐만 아니라 보통 사람들을 억압하고 탄압하는 사람들을 조롱하기도 했다. 따라서 교회는 의식 게임을 금지하고 역사를 박해했지만 연극 공연에 대한 사람들의 사랑을 파괴하는 데는 무력했습니다.

교회 예배 (전례)를보다 효과적으로 만들기 위해 성직자 자체가 연극 형식을 사용하기 시작합니다. 중세 연극의 첫 번째 장르인 전례 드라마(IX-XIII 세기)가 등장합니다. 전례 중에 사제들은 성경에 나오는 이야기를 연기했습니다. 시간이 지남에 따라 전례 드라마 공연은 교회에서 현관과 교회 마당으로 옮겨집니다.

XI – 15세 세기

11세기에 영국 제도는 노르만족에게 정복당했습니다. 이것은 국가의 문화 생활에 대한 프랑스의 영향에 기여했습니다.

XIII-XIV 세기에. 나타나고 새로운 장르중세 연극 공연 – mirakl ( "기적"). 기적의 음모는 성도들과 성모 마리아에 관한 전설에서 빌려온 것입니다.

중세 연극의 정점 – 신비 . 그것은 중세 도시의 전성기에 XIV-XV 세기에 발전합니다. 미스터리는 도시 광장에서 진행됩니다. 수수께끼의 표현은 방대했고 참가자 수에 따라 Allegory" href="/text/category/allegoriya/" rel="bookmark"> 우화적이었습니다. 도덕성 캐릭터는 일반적으로 다양한 인간 속성, 그의 악덕 및 미덕을 의인화했습니다. .

도덕의 영웅은 일반적으로 사람입니다. "모든 사람"- 그것은 15 세기 말 영국 도덕의 이름이었습니다. 이 연극에서 죽음은 각 사람에게 나타나 그를 "긴 여행"으로 불렀고, 그와 함께하는 동반자를 허용했습니다. 한 사람이 우정, 친족, 부를 의지했지만 모든 곳에서 거절당했습니다. 힘, 아름다움, 이성, 오감은 사람과 동행하기로 동의했지만 무덤 가장자리에서 모두 그를 떠났습니다. Good Deeds만이 그와 함께 무덤에 뛰어들었습니다. Moralite는 성경 주제를 포기했지만 종교적 교화는 유지했습니다.

소극 - 종교적 도덕성과 결별한 중세 연극의 첫 장르. 유쾌하고 풍자적인 장르인 소극은 봉건 사회의 사회적, 정치적, 도덕적 개념을 조롱했습니다. 어리석은 기사, 탐욕스러운 상인, 관능적인 승려들이 소극을 벌입니다. 그러나이 장르의 진정한 영웅은 그다지 품위는 없지만 항상 재미 있고 우스꽝스러운 음모는 평범한 사람들의 쾌활한 도적입니다. 희극에서 모든 사람을 능가한 사람이 옳습니다.

극적 공연의 경험은 이후 시대의 극장에서 널리 사용되었습니다. 셰익스피어의 희극은 어릿광대 같은 희극의 방법뿐만 아니라 그것을 채운 대중적인 자유사상의 정신도 채택했습니다.

르네상스

XV에서 - XVI 세기 V 유럽 ​​국가"그때까지 인류가 경험한 모든 것 중 가장 큰 점진적인 격변"이 있습니다. 초기 기간자본주의의 발전. 이 과도기 시대를 르네상스 또는 르네상스라고 불렀습니다.

고대의 이상을 되살린 예술과 문학의 급속한 발전의 시대 인 종교적 교리를 깨는 새로운 문화의 출현 시대였습니다. 활동할 수 있는 좋은 기회 창의적인 활동. 이 시대에 민족문화의 형성이 이루어진다.

16세기 영국은 드라마의 전성기였다. 영국 연극은 대중의 관심에 호응하며 전국적인 고양 분위기 속에서 유난히 인기를 끌었다. 16세기 말까지 런던에는 약 20개의 극장이 있었다. 그 중 James Burbage Theatre와 Philip Hensloe Theatre가 특히 유명했습니다. 연극 문화의 발전은 어려움없이 진행되지 않았으며 주요 장애물은 극장을 "악마"사건으로 간주하는 청교도들의 행동이었습니다.

당시 극작가로는 Robert Greene, Thomas Kidd, Christopher Marlowe 등이 있습니다.

Beaumont(1584-1616)와 Fletcher(1579-1625)의 희곡은 영국 연극 역사의 또 다른 시대를 특징짓는다. 그들은 연극을 귀족화하고 무대 공연에 어떤 정교함과 품위를 도입하고자 했습니다. 고귀한 군주제 사상은 Beaumont와 Fletcher의 극장에서 특별한 관심의 대상이 됩니다. 왕에 대한 사심없는 봉사에 대한 요구가 무대에서 끊임없이 들립니다.

윌리엄 셰익스피어

영국 르네상스 극장은 무엇보다도 윌리엄 셰익스피어에게 전성기를 빚지고 있습니다. 셰익스피어의 드라마투르기는 연극의 정점인 이전의 모든 드라마 발전의 결과이다.

"비극은 광장에서 태어났다"-그는 중세 미스터리의 민속 극장 인 셰익스피어 작품의 먼 기원을 언급하면서 썼습니다. 광장 극장의 전통-광범위한 사건 범위, 코미디와 비극적 에피소드의 교대, 행동의 역학-은 셰익스피어의 전임자 인 극작가 R. Green, K. Marlo 등에 의해 보존되었습니다. 그들은 자유를 사랑하는 아이디어를 무대로 가져와 강한 의지와 온전한 성격을 가진 새로운 영웅을 보여주었습니다.

그의 작품의 첫 번째 "낙관적"시기에 셰익스피어는 밝고 즐거운 분위기로 부채질 된 코미디를 썼습니다. 그러나 시인의 꿰뚫는 시선 앞에 '재난의 바다'가 열렸을 때, 역사의 냉혹 한 과정이 봉건주의와 신흥 자본주의의 모순을 점점 더 날카롭게 드러냈을 때 그의 작품에서 이상적인 영웅은 권력에 굶주린 사람으로 대체되었고, 이기적이고 이기적인 사람, 때로는 범죄자입니다.

이 차례는 처음으로 비극 "햄릿"에서 드러났습니다. 그러나 셰익스피어의 영웅들은 악의 세계 앞에 무릎을 꿇지 않았습니다. 셰익스피어 비극의 영웅들은 투쟁에 뛰어들어 전능한 적수들에게 희생양이 되었고, 심지어 그들의 죽음에도 불구하고 인간과 그의 밝은 운명에 대한 믿음을 확인했습니다. 셰익스피어 비극의 불멸성과 현대적 사운드가 여기에 있습니다.

셰익스피어의 글로브 극장은 다른 극장들 사이에 위치했습니다. 당국이 2018년에 안경을 금지했기 때문에 런던 외곽의 템스 강 남쪽 제방에 있었습니다.

윌리엄 셰익스피어

글로버스 극장". 모습.

도시 그 자체. 건물은 공연 중에 깃발이 펄럭이는 작은 탑으로 장식되었습니다.

행동은 야외에서 일어났습니다. 많은 사람들이 무대 앞에 서 있었고 부유 한 시민들은 극장의 둥근 벽을 3 층으로 둘러싼 갤러리에 정착했습니다. 무대는 3 부분으로 나뉩니다. 전면-프로 시니 엄, 후면, 두 개의 측면 기둥으로 분리되고 초가 캐노피로 덮여 있으며 상단-발코니 형태입니다. 무대는 카펫과 매트로 장식되었고 위에 패널이 걸려있었습니다. 검은 색-비극, 파란색-코미디. 행동 장면은 하나의 세부 사항으로 표시되었습니다 (나무는 행동이 숲에서 일어나고 왕좌는 궁전에서 일어나고 있음을 나타냅니다).

극단의 구성은 작았으며 8-12 명에 불과했습니다. 때로는 각 배우가 연극에서 최대 3개 이상의 역할을 수행해야 했습니다. 여 주인공은 예쁘고 연약한 청년들이 연기했습니다. 주요 비극 배우는 K. Marlowe의 연극에서 특히 성공한 Edward Alleyn과 Hamlet, Lear, Othello 및 Macbeth의 역할을 가장 잘 수행 한 Richard Burbage였습니다. Richard Tarlton과 William Kemp가 코미디 역할을 맡았습니다.

XVII 세기

영국 르네상스 시대에 연극과 연극이 전성기에 있었다면 당시 런던의 연극 관습은 상당히 자유롭고 무대와 강당 모두에서 완전한 편안함이 지배했으며 배우와 관중은 표현을 부끄러워하지 않았습니다. 17세기에 그들은 청교도들에게 박해를 받았습니다.

르네상스 시대에는 "영국 왕, 웨일즈 왕자, 그리고 그가 등을 대고 앉을 때 교황과 스페인 왕"을 묘사 한 무대에서 개가있는 마술사를 볼 수 있습니다. 코미디의 일부 부인은 무대에서 소변으로 추측할 수 있는 것을 알 수 있거나 신사는 그가 오줌을 싸는 곳을 기록합니다. “우리 무대는 때때로 Smithfield(박람회가 열리고 이단자들이 화형당하는 런던 교외)와 같은 오물과 악취가 납니다.”라고 Ben Jonson은 말합니다. Voltaire는 이미 18세기에 영국 무대에 대해 이렇게 썼습니다.

연극 도덕은 익명의 "배우들의 직업 억압과 여러 극장에서의 추방에 대한 항의 또는 불만"(1643)에서 추론할 수 있습니다. “우리는 미래에 우리의 6페니 롯지에는 견습생과 변호사 서기에게만 끌려가는 문란한 여성을 절대 받아들이지 않겠다고 약속합니다. 가까운 친척. 담배에 대한 태도도 바뀔 것입니다. 판매되지 않을 것입니다 ... 품위있는 사람들을 추문하고 나쁜 사람들을 방탕으로 몰아 넣을 수있는 저속한 언어와 유사한 저속함은 부도덕하고 무례한 작가 인 시인과 함께 완전히 추방 할 것입니다 .

연극을 만들고 공연하는 것은 죄악된 행위로 선언되었습니다. 극장 방문은 단호하게 비난을 받았으며 유해하고 유해한 행위로 간주되었습니다. 청교도가 집권하면서 영국에서는 연극 공연이 금지되었습니다. 1642년 9월 2일, 영국 의회는 극장을 폐쇄하고 모든 공연을 금지했으며, 안경은 "종종 억제되지 않은 유쾌함과 경박함을 표현한다"고 주장하면서 "회개, 화해, 신에게로의 돌이킴"에 대한 생각을 해야 한다고 주장했습니다. 5년 후, 의회는 이 결의안을 확인했으며, 이제 더 가혹한 용어로 불순종하는 사람(배우)을 범죄자로 감옥에 보내도록 명령했습니다. 문화는 심각한 위기를 겪었습니다. 교회는 연극적 스펙터클에 맞서 오랫동안 강력하게 싸워 왔습니다. 청교도 사제들은 “극장은 만원인데 교회는 텅 비어 있다”고 불평한다. 극장에서 "자유로운 몸짓, 느슨한 말, 웃음과 조롱, 키스, 포옹, 겸손한 시선이 지배한다"고 성직자들은 분개합니다. 시장은 “거기서 하나님의 말씀을 범하고 우리 주에 세워진 신성한 종교를 모독합니다”라고 말했습니다.

17세기의 극장은 영국의 청교도 부르주아지에게 방탕과 방탕의 극장, 귀족의 입맛에 맞고 서민을 타락시키는 극장으로 제시되었다.

수비수들도 있었다. 극작가 토머스 내쉬는 1592년에 극의 줄거리는 영국 연대기에서 차용한 것이고, 조상들의 위업은 '망각의 무덤'에서 회수한 것이므로, 연극에서 "외적인 거룩함으로 금박을 입힌 거짓말이 해부된다"는 것입니다.

문화의 특징은 부르주아 혁명의 사건에 의해 결정되었습니다. 부르주아지와 대지주 사이의 계급 모순이 악화되었고 부르주아 공화국 정부는 올리버 크롬웰이 이끌었고 스튜어트 군주제가 복원되었습니다.

권력을 되찾은 스튜어트 가문은 1660년에 극장을 다시 열었고, 화려하지만 부도덕한 왕정복고 시대의 희극은 말그대로 크롬웰 측근들이 극장에 부여한 부정적인 평가를 확인시켜 주었다.

쿠데타 이후 Orange의 William III가 권력을 잡았습니다. 대중 운동이 성장했습니다.

Wilhelm III는 극장을 폐쇄하지 않았지만 01.01.01의 법령에 따라 배우들에게“종교와 예의에 어긋나는 표현이 포함 된 연극을 계속하고 무대에서 신성 모독과 부도덕을 허용한다면 이를 위해 그들은 머리로 대답해야합니다.

같은 해인 1698년, 제레미 콜리어라는 청교도 신학자가 매우 다채로운 제목으로 논문을 발표했습니다. 짧은 리뷰영어 무대의 부도덕과 불경. 신학자는 기존의 연극 관행을 심각하게 비난했습니다. 그는 무대에 분노와 분노가 있다고 썼습니다. "피와 야만은 거의 신격화된다", "명예의 개념이 왜곡되고, 기독교 원칙이 굴욕을 당한다", "악마와 영웅은 같은 금속으로 만들어졌다", 극장의 급진적 구조 조정을 요구하여 극장을 극장으로 만들 것을 요구했습니다. 미덕, 예의범절 및 품위의 학교: “ 연극의 목적은 미덕을 장려하고 악을 폭로하고, 인간의 위대함의 연약함, 운명의 갑작스러운 변덕, 폭력과 불의의 해로운 결과를 보여주는 것입니다.

영국 부르주아지는 예전처럼 더 이상 극장 폐쇄를 원하지 않고 계급의 요구에 적응하기를 원했습니다. 1688년의 "영광스러운 혁명"이 부르주아지와 새로운 귀족 사이의 동맹을 가져왔지만 적대감은 여전히 ​​지속되었습니다. 집주인의 입장은 여전히 ​​강했지만 귀족들은 정세에 복종했지만 결코 완전히 화해하지는 않았습니다. 귀족에 대한 공격은 연극 공연에서도 들렸습니다.

1713년 Joseph Addison(1672-1719)은 영국 무대에서 고전 비극을 확립하려고 노력했습니다.

이때 드라마라는 새로운 장르가 등장했지만 코미디는 그 자리를 포기하고 싶지 않았다. The London Merchant의 공연에서 많은 눈물을 흘리고 연극의 우울한 피날레에서 공포에 휩싸인 관중들은 때때로 웃고 싶었습니다. 이 기회는 Fielding과 나중에 Oliver Goldsmith와 Richard Brinsley Sheridan에 의해 그들에게 주어졌습니다.

Goldsmith는 셰익스피어와 Ben Jonson의 "게이 코미디"를 되살리기를 원했습니다. 그의 논문 An Essay on the Theatre, or a Comparison of Jolly와 감성 코미디”(1733), 그는 이것에 대해 직접적으로 말하고 많은 경향없이 도덕화하지 않고 여러 코미디 연극을 썼으며 쉽게 속는 젊은이들의 미숙함을 즐겁게 조롱했습니다. 연극은 재미있는 실수로 가득 차 있으며 캐릭터는 아주 자연스럽게 묘사됩니다.

그러나 Richard Brinsley Sheridan(1751-1816)은 이 시기 영국 드라마의 역사에 가장 큰 족적을 남겼습니다. 그는 짧은 시간 동안 썼습니다. 그의 최고의 연극은 모두 5년 안에 만들어졌습니다. Drury Lane에있는 그의 극장 화재는 작가에게 마지막 타격을 입혔습니다.

고전적 형태의 고전주의는 영국에서 확고한 기반을 찾을 수 없었습니다. 여기에는 국가의 정치 상태와 셰익스피어 극장의 권위라는 두 가지 이유가 있습니다.

셰익스피어에 관해서는, 그는 고대 그리스 작가의 예에 전적으로 의존하는 것은 상상할 수 없을 정도로 고대 드라마의 업적을 너무 가렸습니다. 극장에서 일했던 영국 극작가들은 프랑스 극작가들이 그랬던 것처럼 아이스킬로스, 소포클레스, 에우리피데스를 무조건 따를 수는 없었다. 그들 앞에는 완전히 다른 시스템에 따라 작업하고 전례없는 결과를 얻은 셰익스피어의 예가 있습니다.

1644 년 셰익스피어의 글로브 극장은 철거되어 1613 년 화재 후 재건되었으며 1649 년에는 Fortune 및 Phoenix 극장, 1655 년에는 Blackfriars가 재건되었습니다. 익명의 17세기 작가(Historia histrionica)에 따르면 전국에 흩어져 있는 배우들은 병사들에게 들어가 흔적도 없이 사라졌다.

1643년 배우들은 감동적인 익명의 문서를 작성했습니다. "우리는 당신에게로 향합니다, 위대한 Phoebus, 그리고 아홉 자매-뮤즈, 마음의 후원자, 우리의 보호자, 불쌍한 굴욕적인 배우"라고 그들은 썼습니다. “당신의 전능하신 개입의 도움으로 우리가 이전 극장에 다시 설치되고 다시 직업으로 돌아갈 수 있다면 ...”배우들은 그들이 공연 한 코미디와 비극이“사람들의 행동을 생생하게 재현했다고 썼습니다. , "그들의 악은 벌을 받고 미덕은 보상을 받았다. "영어 연설이 가장 정확하고 자연스럽게 표현되었습니다." Phoebus와 아홉 자매-예술 후원자 인 뮤즈는 응답하지 않았습니다. 극장은 돌이킬 수 없는 피해를 입었습니다.

17세기 영국의 가장 위대한 시인인 존 밀턴은 연극 공연에 대한 청교도의 부정적인 태도를 공유하지 않았습니다. 밀턴은 극작가들과 유신 시대의 극작가들에 대해 단호하게 반대했습니다. 밀턴은 극예술에서 비극이 가장 중요한 것이라고 생각했습니다. 클래식 샘플고대 그리스 미술. 그들을 모방하면서 그는 무슨 일이 일어나고 있는지에 대해 언급하는 합창단을 소개하고 시간의 통일성을 확립했습니다. 비극의 사건 기간은 24 시간을 초과하지 않습니다. 장소와 행동의 통일성은 엄격하게 유지됩니다.

복원기간

복원 기간은 크롬웰이 죽은 직후 영국에서 시작되었습니다.

연극 공연과 다양한 종류의 오락에 대한 청교도의 금지령이 해제되었습니다. 극장은 다시 문을 열었지만 16~17세기 초의 영국 극장과는 매우 달랐고 외부 디자인, 그리고 연극의 성격. 무대 위에서는 풍성한 풍경과 화려한 의상이 사용됐다.

William Wycherley (1640-1716)와 William Congreve (1670-1729)의 코미디는 특히 성공했습니다.

영어 극장 "Drury Lane" 및 "Covent Garden"

이제 런던의 극장을 방문합시다. 1663 년 런던에 Drury Lane Theatre가 세워져 레퍼토리 선택에 대한 독점권을 얻었습니다. 1732년에 또 다른 주요 극장인 코벤트 가든이 등장했습니다. 런던 극장에는 질서가 거의 없었다. 객석으로 몰려든 관객들은 무대에 더 가까운 자리를 차지하기 위해 가판대 벤치를 따라 곧장 앞으로 돌진했다. 때때로 독특한 "극장 폭동"이있었습니다. 청중, 공연에 불만, 가격 인상, 모든 연기자가 배우의 목소리를 익사시키고 과일을 던지고 때로는 무대에 터졌습니다.

18세기의 소란스러운 런던에서 배우들은 예의 바르게 행동하고 절제된 목소리로 말하려고 노력했습니다. 그러나 영국 고전주의는 완전하고 통합적이지 않았습니다. 셰익스피어에서 나온 현실적인 전통에 의해 지속적으로 "수정"되었습니다.

배우 Thomas Betterton(1635 - 1710)은 한때 Burbage가 셰익스피어로부터 직접 지시를 받아 햄릿 역을 연기했습니다. 영국인에게 너무 고전적인 것처럼 보였던 배우 James Quinn (1693-1766)은 Falstaff의 역할을 매우 현실적으로 연기했습니다. 1741년 Charles Maclean(1697-1797)은 셰익스피어의 The Merchant of Venice에서 샤일록을 사실적으로 연기했습니다. 같은 해에 18세기의 가장 중요한 사실주의 배우가 된 데이비드 개릭(1717-1779)이 리처드 3세 역을 맡았다. Garrick은 코믹한 역할과 비극적인 역할을 똑같이 잘 연기했습니다. 흉내 내기 Garrick은 평등을 알지 못했습니다. 그의 얼굴은 감정의 모든 음영과 전환을 일관되게 묘사할 수 있었습니다. 그는 웃기고, 한심하고, 장엄하고, 무섭게 되는 방법을 알고 있었습니다. Garrick은 풍부하고 정교한 기술을 가진 매우 지능적인 배우이자 동시에 감정의 배우였습니다. 한 번은 셰익스피어의 비극에서 리어 왕을 연기하는 동안 Garrick은 너무 흥분하여 가발을 찢고 옆으로 버렸습니다.

Garrick은 수년 동안 Drury Lane Theatre를 감독했으며 그곳에서 놀라운 회사를 구성하고 25개의 셰익스피어 연극을 상연했습니다. 그 전에는 셰익스피어 연극 제작에 그렇게 성실하고 완고하게 일한 사람이 없었습니다. Garrick 이후, 그들은 이전보다 훨씬 더 셰익스피어를 감상하는 법을 배웠습니다. 이 배우의 명성은 유럽 전역에 퍼졌습니다.

창의성 Garrick은 고전주의에서 사실주의에 이르기까지 XVIII 세기 극장의 발전을 요약했습니다.

18 세기

계몽의 시대

18세기에 과도기적 시대가 시작되어 프랑스 부르주아 혁명이 절정에 달했습니다. 해방 운동이 발전하여 봉건제를 파괴하고 자본주의로 대체해야 했습니다.

영문학

격동의 시대는 민주주의 문화의 꽃을 피웠습니다. 연극적 창의성.

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20 세기

1945년~현재

제2차 세계대전 이후 세계사회주의 체제의 형성과 민족해방전쟁의 성장과 관련하여 대영제국의 몰락은 불가피하고 당연해졌다. 극장은 격동의 분수령 사건과 사회적 격변을 나타냅니다.

제2차 세계대전 후 처음 몇 년 동안 영국에서 가장 인기 있는 작가는 John Boynton Priestley였습니다. 그는 40편이 넘는 희곡을 썼다. 그중 가장 중요한 것은 "Dangerous Corner"(Dangerous Corner, 1932), "Time and the Conway Family"( "Time and the Conway Family")입니다. 그리고콘웨이, 1937).

Priestley의 연극에서 Chekhov의 극작술의 영향은 눈에 띕니다. Priestley는 일상의 드라마를 전달하고 모든 하프 톤으로 삶을 보여주기 위해 주인공뿐만 아니라 보조 캐릭터도 공개하기 위해 노력합니다.

John Osborne(1929)의 연극은 영국 문화에서 중요한 역할을 했습니다. 존 오스본의 희곡은 60년대 영국 희곡 발전의 급증을 자극했습니다.

1956년에 John Osborne의 희곡 Look Back in Anger가 Royal Court Theatre에서 상연되어 큰 성공을 거두었습니다. 극작가는 당시 영국 청년들의 분위기를 매우 정확하게 전달했습니다. 비평가들이 그를 불렀던 젊은 "화난"영웅 인 Jimmy Porter가 현장에 들어갔습니다. 적군으로 들어간 밑바닥에서 온 이 청년 사회적 환경, 가치있는 존재가 무엇인지 제대로 상상하지 못했습니다. 그는 힘을 아끼지 않고 무기를 들고 기존의 도덕적 가치, 공공 생활의 전통적인 방식, 부분적으로 반대 사회법. 이러한 동일한 특성은 John Arden, Sheila Delaney 등의 연극에서 현대 및 역사적 캐릭터 중 일부를 구별합니다.

일부 국가의 진보적인 배우와 감독의 기술은 고전적인 극적 소재와 사실적인 문학의 가장 좋은 예를 바탕으로 완성됩니다. 그들은 고전을 사용하여 심각한 현대 문제를 제기합니다. 오셀로의 모습을 한 영국 배우 로렌스 올리비에(Laurence Olivier)는 신흥 부르주아 문명에 대한 분노한 항의를 전달했습니다. 햄릿은 폴 스코필드에게 세상에서 자행된 범죄에 책임을 느꼈던 전후 젊은 유럽 지식인 세대의 슬프고 어려운 생각을 표현하도록 도왔습니다.

영국 감독 Peter Brook의 셰익스피어 연극 제작은 관객들에게 큰 성공을 거두었습니다.

최근의 연극 예술은 한 지역에서 다른 지역으로 방황하는 많은 소규모 전문, 준 전문 및 비전문 극단이 특징입니다. 학생 극장 활성화; 예술 상업에 대한 배우와 감독의 항의가 커지고 있습니다. 젊은이들은 날카로운 정치적 토론을 위해 종종 무대를 사용합니다. 극장은 반 즉흥 공연이 펼쳐지는 거리로 나갑니다.

영국의 연극적 창의성의 거의 모든 현상은 반대되는 이데올로기적, 미학적 경향의 충돌로 가득 찬 잔인한 내부 모순으로 가득 차 있습니다.

존 오스본은 당시 가장 설득력 있는 무기인 자본주의 세계의 사회질서를 비판하는 연극의 지지자다.

존 오스본의 연극은 1960년대 영국 드라마의 발전을 결정지었다.

앵글로-아일랜드의 뛰어난 극작가인 션 오케이시의 극작술의 독창성은 아일랜드 민속 전통과의 연관성에서 결정된다. 그의 희곡은 비극과 비극의 기묘한 결합이 특징이다.

로렌스 올리비에 Laurence Olivier Richard III 역

"리처드 3세" W. 셰익스피어

코믹하고 현실적이고 환상적이며 일상적이고 한심합니다. O'Casey의 드라마는 표현주의 연극의 관습을 사용합니다.

주로 교육적 목표를 추구하는 민속 극장의 움직임은 유럽 전역을 휩쓸었습니다. 영국에서는 Joan Littlewood의 지시에 따라 Workshop Theatre가 생겨 큰 명성을 얻었습니다.