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스크리아빈 미스터리. 알렉산더 스크리아빈: "절망을 경험하고 그것을 정복한 사람은 강하고 강하다"

전기

퀘스트(계속)

삶을 변화시키는 위대하고 삶을 변화시키는 예술의 힘에 대한 Scriabin의 흔들리지 않는 확신과 합쳐진 이러한 분위기는 그를 첫 번째 교향곡의 피날레와 실현되지 않은 오페라의 아이디어를 더욱 발전시킨 아이디어로 이끌었습니다. 의도였다 미스터리”, 이제부터 그의 삶의 중심 문제가되었습니다. "미스터리"는 음악,시, 춤, 건축 등 모든 유형의 예술이 결합 된 장대 한 작품으로 Scriabin에게 제시되었습니다. 그러나 그의 생각에 따르면 순전히 예술적인 작품이 아니어야했지만 매우 모든 인류처럼 더 이상 참여하지 않을 특별한 집단 "행동"! 공연자와 청취자-관객으로 나뉘지 않습니다. "미스터리"의 실행에는 일종의 장대 한 세계 격변과 새로운 시대의 도래가 수반되어야합니다.

"미스터리"에 대한 Scriabin의 아이디어 형성은 일부 지식인 사이에 널리 퍼진 신비로운 "가르침"의 영향을 받았습니다. Scriabin은 인도를 "미스터리"공연의 장소로 상상했고, "액션"은 호수 기슭에 서서 반구 모양의 돔이있는이를 위해 특별히 지어진 사원에서 수행되었습니다. , 물에 비친 것과 함께 가장 완벽한 형태 인 공 모양이 형성되었습니다.

『미스터리』의 관념 속에는 그 극단적인 환상과 현실과의 고립에도 불구하고 기이하게 왜곡된 형태이기는 하지만 그 시대의 구체적인 역사적 상황이 나름의 방식으로 반영되어 있다. 기존 체제의 피할 수 없는 죽음의 느낌, 부르주아 사회의 양조 위기는 다가오는 혁명을 환영하는 사람들과 그것을 두려워하는 사람들에게 나름의 방식으로 느껴졌다. 이상주의적이고 신비주의적인 지식인 집단의 마음 속에는 큰 사회적 격변에 대한 기대가 "세계 재앙"과 죽음에 대한 예감의 형태를 띠고 그들을 두려움으로 가득 채우고 깊은 비관적 분위기를 불러 일으켰습니다. 이런 종류의 분위기는 일부 상징주의 시인들의 작품에서 특히 생생하게 반영되었습니다.

그러나 많은 동시대 사람들과 달리 Scriabin은 근본적으로 퇴폐적이고 비관적 인 분위기와는 거리가 멀었습니다. 반대로 "미스터리"에 대한 아이디어가 떠오른 순간부터 그는 엄청난 영적 고양에 사로 잡혔습니다. 인생의 "미션"인 것처럼 보였던 그의 주된 것을 깨달은 그는 깊은 낙관주의에 물들었습니다. "미스터리"는 그에게 인류 해방의 위대하고 즐거운 휴가처럼 보였고 양조하는 사회적 폭풍은이 휴가에 대한 점진적인 접근의 신호로 인식되었습니다. 조금 후인 1906년에 그는 전 제자 M. Morozova에게 이렇게 썼습니다. 원하는 순간의 시작."

따라서 Scriabin의 일반적인 세계관과 그의 음악적 창의성 사이에는 매우 복잡한 관계가 형성되었습니다. 미술사에서 흔히 볼 수 있듯이, 뛰어난 예술가는 자신을 둘러싼 현실의 특정 측면을 강력한 힘으로 구현하고 민감하게 느끼고 예술적으로 진실하며 자신의 한계를 뛰어 넘었습니다. 이념적 견해. 덕분에 Scriabin이 완전히 창조적 인 개화기에 만든 음악 작품은 주관적으로 자신의 예술과 연관시킨 이상 주의적 철학적 아이디어와 객관적인 내용 및 역사적 중요성을 비교할 수 없습니다.

The Mystery의 개념이 생겨난 순간부터 Scriabin은 그의 작업의 주요 목표가되었습니다. 이 아이디어는 수년에 걸쳐 성장하고 확장하면서 생애 말년까지 그에 의해 부화되었습니다. 그러나 그 웅장 함과 가장 중요한 것은 Scriabin 자신이 결국 그의 영혼의 움푹 들어간 곳 어딘가에서 깨달을 수밖에 없었던 절대적인 환상과 실제 불가능 성으로 인해 작곡가는 Mystery 계획의 직접적인 구현을 연기해야했습니다. 비록 일부 음악적 소재그럼에도 불구하고 점차적으로 그는 일어났습니다.

20세기 초 러시아 음악에서 Alexander Nikolaevich Scriabin은 특별한 위치를 차지합니다. 실버 에이지의 많은 스타들 사이에서도 그의 모습은 독특함의 후광으로 돋보인다. 풀리지 않는 많은 미스터리를 남긴 예술가는 거의 없었으며, 짧은 인생음악의 새로운 지평을 여는 획기적인 방법입니다. (…)

순도 검증 각인 창작 전기 Scriabin은 엄청난 강도를 가졌습니다. 영적 발전, 음악 언어 분야에서 심오한 변화를 수반했습니다. 안주를 모르고 새로운 미지의 세계로 도취된 그의 끊임없는 탐구와 반항 정신은 창조의 모든 영역에서 급격한 진화적 변화를 가져왔다. 따라서 확립되고 안정적인 평가 측면에서 Scriabin에 대해 이야기하는 것은 어렵습니다. 그의 경로의 역동성은 그가 이 경로를 살펴보고 궁극적인 목표와 가장 중요한 이정표를 모두 평가하도록 격려합니다.

연구자의 관점에 따라 몇 가지 접근 방식이 있습니다. 주기화 Scriabin의 작곡가 전기. 따라서 Scriabin의 작업을 "젊음의 표시 아래"로 간주한 Yavorsky는 두 기간을 구분합니다. 젊은 삶기쁨과 슬픔, 그리고 돌이킬 수 없이 떠난 자를 찾고, 갈망하는 신경질적인 안절부절의 기간과 함께. Yavorsky는 두 번째 기간을 작곡가의 육체적 젊음의 끝과 연결하고 그 안에서 타고난 정서적 충동의 점진적인 제거를 봅니다 (제 4 소나타에서 "환희의시"및 "프로 메테우스"에서 마지막 전주곡까지) . 우리는 논쟁의 여지가 있는 만큼 흥미로운 Yavorsky의 관점으로 돌아갈 것입니다. 이제 우리 음악학에 더 크게 뿌리를 둔 또 다른 전통에 대해 말할 필요가 있습니다.

이 전통에 따르면 작곡가의 작품은 세 가지 주요 시기로 분류되며, 이는 그의 양식적 진화에서 가장 주목할만한 이정표에 따라 구별됩니다. 첫 번째 기간은 1880-1890년대의 작품을 다룹니다. 두 번째는 새로운 세기의 시작과 일치하며 대규모 예술적 및 철학적 개념으로의 전환으로 표시됩니다(3개의 교향곡, 4번 및 5번 소나타, "환희의 시"). 후자의 세 번째는 Prometheus (1910)의 아이디어로 표시되며 Mystery의 표시 아래 펼쳐지는 작곡가의 모든 후속 작업을 포함합니다. 물론 모든 분류는 조건부이며 예를 들어 Prometheus 이후에 생성 된 Scriabin의 작품을 별도의 기간으로 분류하는 Zhitomirsky의 관점을 이해할 수 있습니다. 그러나 Scriabin의 작곡 경로가 지속적으로 갱신되고 있다는 사실을 고려하고 "위대한 기간"을 검토할 때 내부의 질적으로 다른 단계에 주목하면서 위의 전통적인 계획을 고수하는 것이 여전히 더 편리한 것 같습니다.

그래서, 첫 번째, 초기. 문체 개발의 최종 결과의 관점에서 볼 때 그것은 단지 전주곡, 선사 시대처럼 보입니다. 동시에 젊은 Scriabin의 작품에서 그의 창조적 성격의 유형은 이미 완전히 결정되었습니다. 정신적 이동성과 결합된 미묘한 감수성은 분명히 Scriabin의 타고난 특성이었습니다. 어린 시절의 전체 분위기에 고무되어 소년을 일찍 교체 한 할머니와 이모 L. A. Scriabina의 감동적인 보살핌 죽은 어머니, - 이러한 기능은 작곡가의 후기 생애에서 많은 것을 결정했습니다.

음악 공부에 대한 성향은 이미 아주 어린 나이에, 그리고 가족 전통에 따라 젊은 Scriabin이 보내진 생도 군단에서 공부하는 동안 나타났습니다. 그의 첫 번째 온실 전 교사는 G. E. Konyus, N. S. Zverev(피아노) 및 S. I. Taneev(음악 및 이론 분야)였습니다. 동시에 Scriabin은 자신이 사랑하는 것에 대한 흥미진진한 열정뿐만 아니라 큰 에너지와 결단력을 보여주는 글쓰기에 대한 재능을 발견했습니다. 스크리아빈은 1892년 모스크바 음악원에서 V. I. Safonov와 함께 피아노로 금메달을 획득하며 졸업했습니다(음악원에서 그는 또한 Taneyev와 함께 엄격한 대위법 수업을 들었습니다. 그리고 자유로운 작곡, 관계가 잘 풀리지 않았고 그 결과 Scriabin은 작곡 학위를 포기해야했습니다).

젊은 음악가의 내면 세계는 그의 일기장과 편지에서 판단할 수 있습니다. 특히 주목할만한 것은 N. V. Sekerina에게 보낸 편지입니다. 그들은 첫사랑 경험의 날카로움과 자연의 감동, 삶과 문화, 불멸, 영원에 대한 성찰을 담고 있습니다. 이미 여기에서 작곡가는 작사가이자 몽상가뿐만 아니라 존재의 글로벌 문제를 반영하는 철학자로도 우리 앞에 나타납니다.

어린 시절부터 형성된 세련된 정신은 Scriabin의 음악과 감정 및 행동의 본질 모두에 반영되었습니다. 그러나이 모든 것은 주관적이고 개인적인 전제 조건 만이 아닙니다. 일상 생활에 대한 적대감과 너무 거칠고 직설적 인 모든 것에 대한 고조되고 고조된 감정은 러시아 문화 엘리트의 특정 부분의 영적 성향과 완전히 일치했습니다. 이런 의미에서 스크리아빈의 낭만주의는 시대의 낭만주의 정신과 합쳐졌다. 후자는 "다른 세계"에 대한 갈증과 "10 배의 삶"(A. A. Blok)을 살고 자하는 일반적인 욕구로 그 해에 입증되었으며, 살고있는 시대의 끝이라는 느낌에 박차를가했습니다. 세기의 전환기에 러시아에서 낭만주의는 삶의 지각의 힘과 예리함 측면에서 어떤 면에서는 첫 번째보다 훨씬 뛰어난 두 번째 젊음을 경험했다고 말할 수 있습니다(우리는 19세기 러시아 작곡가들 사이에서 "새로운 러시아 학교"에 속한 사람, 낭만적 인 특징은 오늘의 주제와 새로운 현실주의의 이상에 의해 눈에 띄게 수정되었습니다).

그해의 러시아 음악에서 강렬한 서정적 경험의 숭배는 특히 모스크바 작곡가 학교의 대표자들을 특징으로했습니다. Scriabin은 Rachmaninov와 함께 여기에서 Tchaikovsky의 직접적인 추종자였습니다. Fate는 또한 뛰어난 피아노 교사이자 러시아 피아니스트와 작곡가 은하계의 교육자 인 N. S. Zverev의 뮤지컬 기숙 학교에서 젊은 Scriabin을 Rachmaninov로 데려 왔습니다. 라흐마니노프와 스크리아빈 모두에서 창조적이고 연주적인 재능이 불가분의 통일성으로 나타났고, 둘 다에서 피아노는 자기 표현의 주요 도구가 되었습니다. Scriabin의 피아노 협주곡(1897)은 그의 젊은 가사의 특징을 구현했으며, 한심한 의기양양함과 고도의 예술적 기질을 통해 여기에서 Rachmaninov의 피아노 협주곡과 직접적으로 유사함을 볼 수 있습니다.

그러나 Scriabin 음악의 뿌리는 모스크바 학교의 전통에 국한되지 않았습니다. 어린 나이부터 그는 다른 러시아 작곡가보다 서구 낭만주의에 끌 렸습니다. 처음에는 쇼팽, 그다음에는 리스트와 바그너에 끌 렸습니다. 유럽 음악 문화에 대한 지향은 토양-러시아 민속적 요소의 회피와 함께 너무 설득력이 있어서 나중에 그의 예술의 국가적 성격에 대한 심각한 논쟁을 불러일으켰습니다(이 문제는 나중에 Vyach가 가장 설득력 있고 긍정적으로 다루었습니다. . 기사 "Skryabin as 국민 작곡가"). 어쨌든 그의 "서구주의"에서 보편성, 보편주의에 대한 갈망의 표현을 본 스크리아빈의 연구자들은 분명히 옳습니다.

그러나 쇼팽과 관련하여 직접적이고 즉각적인 영향과 드문 "정신 세계의 우연의 일치"(L. L. Sabaneev)에 대해 말할 수 있습니다. 피아노 미니어처 장르에 대한 젊은 Scriabin의 선호는 쇼팽으로 거슬러 올라가 친밀한 서정적 계획의 예술가로 자신을 나타냅니다 (언급된 협주곡과 첫 번째 소나타는 그의 작품의 일반적인 실내 음색을 너무 많이 방해하지 않습니다). Scriabin은 전주곡, 에튜드, 야상곡, 소나타, 즉흥곡, 왈츠, 마주르카 등 쇼팽이 만난 피아노 음악의 거의 모든 장르를 취했습니다. 그러나 그들의 해석에서 그들 자신의 억양과 선호도를 볼 수 있습니다. (…)

스크리아빈은 1893년에 그의 첫 번째 소나타를 작곡하여 그의 작품에서 가장 중요한 라인의 토대를 마련했습니다. 텐 스크리아빈 소나타- 이것은 새로운 철학적 아이디어와 문체 발견에 집중하는 그의 작곡 활동의 일종의 핵심입니다. 동시에 일련의 소나타는 작곡가의 창의적 진화의 모든 단계에 대한 상당히 완전한 그림을 제공합니다.

초기 소나타에서 Scriabin의 개별적인 특징은 여전히 전통에 대한 명백한 의존과 결합되어 있습니다. 따라서 앞서 언급한 조형적 대비와 상태의 급격한 변화가 있는 소나타 1번은 19세기 낭만주의 미학의 경계 내에서 해결된다. 회오리바람의 스케르초와 애절한 피날레는 쇼팽의 B플랫 단조 소나타와 직접적인 유사성을 불러일으킨다. 이 에세이는 손의 질병과 관련된 심각한 영적 위기의 시기에 젊은 작가가 썼습니다. 따라서 비극적 충돌의 특별한 날카로움, "운명과 신에 대한 불평"(Scriabin의 초안 노트에서 말했듯이). 4악장 주기의 전통적인 모습에도 불구하고 소나타는 이미 크로스커팅 주제 기호의 형성 경향을 대략적으로 보여주었습니다. 이 경우그러나 이것은 "우울한" 단3도 음량에서 연주되는 레이턴토네이션만큼 주제가 아닙니다.

두 번째 소나타(1897)에서 주기의 두 부분은 "바다 요소"라는 라이트모티프에 의해 결합됩니다. 작품의 프로그램에 따라 그들은 "해변의 조용한 달밤"(Andante)과 "넓고 폭풍우가 치는 바다"(Presto)를 묘사합니다. 이 음악의 본질은 오히려 "분위기의 그림"을 말하지만 자연 사진에 대한 호소는 다시 낭만적인 전통을 상기시킵니다. 이 작품에서 즉흥적인 표현의 자유는 완전히 스크리아비니적인 방식으로 인식되며(두 번째 소나타가 "판타지 소나타"라고 불리는 것은 우연이 아닙니다) "관상-관상- 행동".

세 번째 소나타(1898)도 프로그램의 특징을 가지고 있지만 이것은 이미 스크리아빈의 사고 방식에 더 부합하는 새롭고 성찰적인 유형의 프로그램입니다. 에세이에 대한 의견은 "영혼의 상태"에 대해 말하고 "슬픔과 투쟁의 심연"으로 돌진 한 다음 덧없는 "기만적인 휴식"을 찾은 다음 "흐름에 굴복하여 바다에서 헤엄칩니다. 감정", 마침내 "폭풍 해방 요소"에서 승리를 만끽하기 위해. 이러한 상태는 작업의 네 부분으로 각각 재현되며 공통된 파토스 정신과 강한 의지의 열망으로 가득 차 있습니다. 발전의 결과는 소나타에서 마에스토소의 마지막 에피소드로, 3악장 안단테의 주제곡으로 변형된 주제가 들린다. Liszt에서 채택한 서정적 주제의 최종 변형 기술은 Scriabin의 성숙한 작곡에서 매우 중요한 역할을 할 것이므로 처음으로 명확하게 실현된 세 번째 소나타는 성숙의 직접적인 문턱으로 간주될 수 있습니다. (…)

이미 언급했듯이 Scriabin의 작곡 스타일은 초기에 주로 피아노 작곡가로 활동했습니다. 공연 스타일. 작곡가의 피아니스트적인 재능은 그의 동시대인들에게 충분히 높이 평가되었습니다. 최고의 뉘앙스, 특별한 페달링 기술로 거의 눈에 띄지 않는 사운드 색상 변화를 달성 할 수있는 그의 연주의 비할 데없는 영성에 깊은 인상을 받았습니다. V. I. Safonov에 따르면 "그는 희귀하고 뛰어난 재능을 가졌습니다. 그의 악기가 숨을 쉬었습니다." 동시에이 게임의 체력 부족과 거장의 탁월함은 청취자의 관심을 피하지 못했으며 궁극적으로 Scriabin이 대규모 예술가가되는 것을 막았습니다 (젊었을 때 작곡가도 심각한 고통을 겪었다는 것을 기억합니다. 그에게 깊은 감정적 경험의 원인이 된 오른손의 질병 ). 그러나 그 소리에 관능적인 충만함이 결여된 것은 어느 정도는 악기의 개방적이고 풀보이스적인 소리를 받아들이지 않았던 피아니스트 스크리아빈의 미학 그 자체 때문이었습니다. 하프톤, 유령 같은 무형의 이미지, "비물질화"(그가 가장 좋아하는 단어를 사용하자면)가 그를 그토록 매료시킨 것은 우연이 아닙니다.

한편, 스크리아빈의 연기가 '신경의 기술'이라고 불리는 것은 괜히 있는 일이 아니다. 우선 리듬의 유난히 느슨함을 의미했다. Scriabin은 자신의 음악의 정신과 구조와 완전히 일치하는 템포에서 크게 벗어난 루바토를 연주했습니다. 연주자로서 그는 악보에 접근할 수 있는 것보다 훨씬 더 큰 자유를 성취했다고 말할 수 있습니다. 이런 의미에서 흥미로운 것은 작가의 Poem op 공연 텍스트를 종이에서 해독하려는 나중에 시도입니다. 32 No. 1, 알려진 인쇄 텍스트와 현저하게 달랐습니다. Scriabin의 연주에 대한 몇 가지 기록 녹음(포놀 및 Welte Mignon 롤러로 제작됨)을 통해 우리는 그의 연주의 다른 특징을 기록할 수 있습니다. E-플랫 단조 op. 11 ) 등

그러한 밝은 피아니스트 성격은 Scriabin을 자신의 작곡의 이상적인 연주자로 만들었습니다. 그의 음악에 대한 다른 통역사에 대해 이야기하면 그들 중에는 그의 직접적인 학생과 추종자 또는 예를 들어 나중에 V. V. Sofronitsky와 같은 특별한 "Scriabin"역할의 아티스트가있었습니다.

여기에서 젊은 Scriabin의 서유럽 낭만적 인 음악 스타일과 무엇보다도 Chopin의 작업에 대한 방향은 이미 두 번 이상 언급되었습니다. (이 오리엔테이션은 특정 역사적 릴레이 경주의 역할을 했습니다. 예를 들어 K. Szymanowski의 피아노 음악에서 쇼팽 전통은 이미 Scriabin 정맥에서 명확하게 발전했습니다.) 그러나 낭만주의는 Scriabin의 지배적 인 성격은 순전히 언어 적 표현에 국한되지 않고 그의 창의성의 모든 발전에 방향을 제시했습니다. 여기에서 재생의 정신에 사로 잡힌 발견 자 Scriabin의 파토스가 나오며 궁극적으로 이전의 문체 지침을 포기하게되었습니다. 낭만주의는 스크리아빈의 전통이자 동시에 그것을 극복하려는 충동이었다고 말할 수 있습니다. 이와 관련하여 B. L. Pasternak의 말은 분명해집니다. 그것이 오래된 것인지 새로운 것인지 이해합니다. 따라서 옛 Mozart-Fieldian 언어로 Chopin은 음악에서 놀랍도록 새로운 것을 많이 말하여 두 번째 시작이 되었습니다. 그래서 Scriabin은 거의 전임자들을 통해 그의 경력 초기에 음악의 느낌을 땅에 새롭게했습니다 ... "

점진적인 발전에도 불구하고 공격적인 새로운 기간 Scriabin의 작업에서 다소 날카로운 경계로 표시됩니다. 새로운 세기의 시작과 상징적으로 일치하는 이 시기는 이전의 미니어처 작사가에게는 예상치 못한 주요 교향곡 아이디어로 표시되었습니다. 그러한 전환의 이유는 작곡가가 이제 그의 모든 작업을 종속시키려는 철학적 관점의 신흥 시스템에서 찾아야합니다.

이 시스템은 대부분의 영향으로 형성되었습니다. 다른 출처: H. P. Blavatsky의 "Secret Doctrine" 버전에서 Fichte, Schelling, Schopenhauer 및 Nietzsche에서 동양 종교 가르침 및 현대 신지학에 이르기까지. 이러한 가지각색의 대기업은 매우 중요한 상황, 즉 명명 된 출처의 선택 및 해석, 상징주의 문화 환경. 작곡가의 철학적 견해가 1904년에 구체화되었다는 점은 주목할 만합니다. 이는 러시아 상징주의 역사의 이정표이며 후자와 많은 접촉점을 가졌습니다. 따라서 초기 독일 낭만주의자들의 사고방식에 대한 스크리아빈의 매력, 그의 소설 "하인리히 폰 오프터딩겐"에서 노발리스가 표현한 아이디어에 대한 그의 매력은 그의 동시대인들이 공언한 예술의 마법적인 힘에 대한 믿음과 일치했습니다. 젊은 상징주의자들. Nietzsche의 개인주의와 Dionysian 숭배도 시대 정신으로 인식되었습니다. 그리고 Scriabin의 아이디어 형성에 중요한 역할을 한 Schelling의 "세계 영혼"교리는 Vl에 퍼졌습니다. S. Solovyov. 또한 Scriabin의 독서 서클에는 K. D. Balmont가 번역한 Ashvaghosha의 "Life of the Buddha"가 포함되어 있습니다. 신지학에 대한 관심은 비합리적이고 신비적이며 잠재 의식에 대한 일반적인 갈망의 표현이었습니다. Scriabin은 또한 러시아 상징주의의 대표자들과 개인적인 접촉을 가졌습니다. 수년 동안 그는 시인 Y. Baltrushaitis와 친구였습니다. Balmont의 시집은 자신의 시적 텍스트를 작업할 때 참고서 역할을 했습니다. Vyach와의 통신. "예비 조치"작업 기간 동안 Ivanov는 그의 미스터리 프로젝트에 눈에 띄는 영향을 미쳤습니다.

Scriabin은 특별한 철학 교육을받지 않았지만 1900 년대 초부터 철학에 진지하게 참여했습니다. Trubetskoy 서클에 참여하고 Kant, Fichte, Schelling, Hegel의 작품을 연구하고 제네바에서 열린 철학 회의 자료를 연구했습니다. 이 모든 것이 자신의 정신 구조의 기초가되었습니다. 수년에 걸쳐 작곡가의 철학적 견해는 확장되고 변형되었지만 그 기초는 변하지 않았습니다. 이 기초는 창의성의 신성한 의미와 예술가-창조자의 치료적이고 변혁적인 사명에 대한 아이디어였습니다. 그 영향으로 Scriabin 작품의 철학적 "플롯"이 형성되어 정신의 개발 및 형성 과정을 묘사합니다. 구속 상태에서 불활성 물질에 대한 항복-자기 확인을 조화시키는 높이까지. 이 경로의 기복은 명확하게 구축된 극적인 삼위일체, 즉 나른함-비행-황홀경의 영향을 받습니다. 변형의 아이디어, 물질에 대한 영적 승리는 따라서 목표 일뿐만 아니라 Scriabin 작곡의 주제가되어 적절한 음악적 수단을 형성합니다.

새로운 아이디어의 영향으로 Scriabin 작품의 문체 범위가 눈에 띄게 확장되고 있습니다. 쇼팽의 영향은 리스트와 바그너의 영향을 받았습니다. 서정적 주제를 변형하는 방법 외에도 Liszt는 반란의 정신과 악마 이미지의 영역을 연상시키고 Wagner는 영웅적인 음악 창고와 보편적이고 모든 것을 포괄하는 예술적 작업의 본질을 연상시킵니다.

이 모든 특성은 이미 처음 두 가지를 표시했습니다. 교향곡스크리아빈. 6악장 교향곡 1번(1900)에서 "오라, 세상의 모든 민족들이여, // 예술의 영광을 노래하자"라는 말로 끝나는 합창 에필로그, 스크리아빈의 오르피즘, 예술의 전능한 힘에 대한 믿음 , 처음으로 구현되었습니다. 사실 이것은 그 당시에도 여전히 막연하게 다가오고 있던 "미스터리"의 아이디어를 실현하려는 첫 번째 시도였습니다. 교향곡은 작곡가의 세계관에서 중요한 전환점을 기록했습니다. 젊은 비관주의에서 그의 힘에 대한 강한 의지 인식과 높은 목표에 대한 소명으로. 이 시간의 일기 항목에서 우리는 놀라운 말을 읽었습니다. 강하고 강력해서 슬퍼할 것이 없는 그 패배 No! 그래서 그들은 절망을 두려워하지 않고 오직 진정한 승리를 가져올 수 있습니다. 절망을 경험하고 그것을 정복한 사람은 강하고 강하다.”

두 번째 교향곡 (1901)에는 그러한 내부 프로그램이 없으며 단어가 참여하지 않지만 피날레의 엄숙한 팡파르로 장식 된 작업의 일반적인 구조는 비슷한 톤으로 유지됩니다.

두 구성 모두 참신함에도 불구하고 언어와 아이디어 사이의 불일치가 여전히 눈에 띕니다. 미숙함은 특히 교향곡의 마지막 부분, 즉 첫 번째의 너무 선언적인 피날레와 너무 의식적이고 평범한 두 번째 부분으로 표시됩니다. 교향곡 2번의 피날레에 대해 작곡가 본인은 "어떤 강박감"이 나왔고, 빛, "빛과 기쁨"이 필요하다고 말했다.

Scriabin은 다음 작품인 4번 소나타(1903)와 3번 교향곡 "The Divine Poem"(1904)에서 이러한 "빛과 기쁨"을 발견했습니다. 네 번째 소나타에 대한 저자의 논평은 지금은 겨우 반짝거리고, "멀리서 길을 잃었다", 이제는 "반짝이는 불"로 타오르는 어떤 별에 대해 이야기합니다. 음악에 반영된 이 시적 이미지는 전체 일련의 언어적 발견으로 바뀌었습니다. "녹는 화음"으로 끝나는 초기 "별 테마"의 크리스탈 깨지기 쉬운 하모니 체인 또는 리듬과 미터의 투쟁이 느낌을주는 두 번째 악장 Prestissimo volando의 "비행 테마"입니다. 모든 장애물을 뛰어넘는 재빠른 움직임. 같은 부분에서 재현 섹션 이전에 다음 노력은 잘린 3중주(더 정확하게는 마지막 비트에서 일시 중지가 있는 4분음표)를 "질식시키는" 것으로 묘사됩니다. 그리고 코다는 이미 황홀한 형상의 모든 속성을 가진 전형적인 스크리아빈 최종 신격화입니다. fff, 오스티나토, “부글부글” 화음 배경, 메인 테마의 “트럼펫 소리”… 별 테마”, 첫 번째 부분의 나른하게 관조적인 분위기는 두 번째 부분의 효과적이고 환희에 찬 파토스로 바뀝니다.

주기를 압축하려는 동일한 경향이 교향곡 3번에서도 관찰됩니다. "투쟁", "즐거움", "신성한 게임"의 세 부분은 attacca 기술로 연결됩니다. 소나타 4번에서와 같이 교향곡은 극적 3요소인 "나른함-도주-황홀경"을 드러내지만 처음 두 연결 고리는 역전됩니다. "기쁨"(두 번째 부분)의 명상 영역과 즐겁게 기뻐하는 신성한 게임(마지막).

저자의 프로그램에 따르면 "The Divine Poem"은 "과거의 믿음과 신비에서 분리된 인간 의식의 진화 ... 범신론을 통과하여 자신의 자유와 우주의 통일성에 대한 즐겁고 도취적인 주장에 이르는 의식을 나타냅니다. ." 이 "진화"에서, 인간 신의 성장하는 자의식에서 결정적인 순간, 일종의 출발점은 영웅적이고 강한 의지의 원칙입니다. (…)

"신성한시"는 동시대 사람들에게 일종의 계시로 인식되었습니다. 새로운 것은 이미지의 창고와 일반적인 사운드 흐름의 대조와 놀라움으로 가득 찬 자유롭고 자유로운 분위기 모두에서 느껴졌습니다. “맙소사, 그 음악이 뭐였더라! - B. L. Pasternak은 그녀를 회상하며 그의 첫인상을 설명했습니다. – 교향곡은 포격을 받고있는 도시처럼 끊임없이 무너지고 무너지고 있었고 모든 것이 파편과 파괴로 지어지고 자랐습니다 ... 작곡의 비극적 인 힘은 낡아 빠진 모든 것에 엄숙하게 혀를 내밀고 장엄하게 어리 석고 휩쓸 렸습니다 광기, 소년미, 타락한 천사처럼 장난스럽고 즉흥적이고 자유로울 수 있습니다."

네 번째 소나타와 세 번째 교향곡은 Scriabin의 작업에서 순전히 중심적인 위치를 차지합니다. 발화의 집중은 특히 "신성한시"에서 다양한 사운드 팔레트와 전임자의 여전히 명확하게 느껴지는 경험 (리스트 및 바그너와 유사)과 결합됩니다. 이러한 구성의 근본적으로 새로운 품질에 대해 이야기하면 주로 엑스터시의 영역과 관련이 있습니다.

Scriabin의 음악에서 황홀 상태의 본질은 매우 복잡하며 명확하게 정의할 수 없습니다. 그들의 비밀은 작곡가의 성격 깊숙한 곳에 숨겨져 있지만 여기에는 분명히 "극단에 대한 순전히 러시아인의 갈망"(B. L. Pasternak)과 시대에 대한 "열 배의 삶"에 대한 일반적인 열망이 영향을 받았습니다. Scriabin과 가까운 곳에는 Nietzsche가 미화 한 후 그의 러시아 추종자, 주로 Vyach가 개발 한 Dionysian 숭배, 난잡한 엑스터시가 있습니다. 이바노프. 그러나 Scriabin의 "광란"과 "중독"은 또한 자신의 깊은 개별 심리적 경험을 보여줍니다. 그의 음악의 성격과 작가의 논평, 논평, 철학적 노트 및 자신의 시적 텍스트에 대한 구두 설명을 바탕으로 Scriabin의 엑스터시는 다소 뚜렷한 에로틱 한 색채를 지닌 창조적 행위라는 결론을 내릴 수 있습니다. "I"와 "not-I"의 극성, "비활성 물질"의 저항 및 변형에 대한 갈증, 달성 된 조화의 즐거운 승리-이 모든 이미지와 개념이 작곡가에게 지배적입니다. "최고의 정교함"과 "최고의 웅장함"의 조합도 이제부터 그의 모든 작곡을 물들이는 지표입니다.

최고의 완성도와 일관성으로 이러한 비 유적 구는 5 개의 파이프, 오르간 및 종으로 구성된 대규모 심포니 오케스트라를위한 작곡 인 "환희의시"(1907)에 구현되었습니다. 교향곡 3번과 비교할 때 더 이상 "투쟁"은 없지만 세계 정복이 아니라 소유의 행복이 특정 높이로 치솟습니다. 지면 위의 고양과 강렬한 감정의 강조는 더욱 주목을 끈다. 왜냐하면 시의 시적 텍스트는 여전히 "괴로움의 거친 공포", "포만감의 벌레", "단조로움의 분해 독"을 언급하기 때문이다. 동시에 이 작품의 시적 버전(1906년 Scriabin이 완성하고 출판함)은 주요 뮤지컬 버전과 가시적인 유사점을 가지고 있습니다. 시적 텍스트는 매우 자세하고 구조적으로 리드미컬합니다 (후렴구는 "노는 정신, 소원하는 정신, 꿈으로 모든 것을 창조하는 정신 ..."). 시의 대사 :“그리고 우주는“나는있다! "") 즐거운 외침으로 울려 퍼졌다.

동시에 Scriabin 자신은시의 문학적 텍스트를 음악 연주에 대한 논평으로 간주하지 않았습니다. 아마도 작곡가를 흥분시킨 이미지가 음악 언어와 철학적, 시적 은유를 통해 동시에 표현되었을 때 그의 생각의 혼합주의의 특징적인 예가 우리 앞에 있습니다.

Scriabin은 해외에 거주하는 동안 The Poem of Ecstasy를 썼는데, 이는 그가 첫 번째 러시아 혁명의 사건을 흥미롭게 따르는 것을 막지 못했습니다. Plekhanovs에 따르면 그는 "일어나, 일어나, 일하는 사람들! "이라는 비문과 함께 그의 교향곡 작품을 제공하려고했습니다. 사실, 그는 약간의 당혹감으로 이러한 의도를 표현했습니다. 그의 당혹감에 경의를 표하지 않는 것은 불가능합니다. 이런 식으로 "영혼 연주, 욕망의 영, 사랑의 행복에 굴복하는 영"의 상태를 연관시키는 것은 매우 큰 스트레칭 일뿐입니다. 동시에 그 시대의 짜릿한 분위기는 이 악보에 나름의 방식으로 반영되어 영감을 주고 부풀려진 감정적 톤까지 정의했습니다.

The Poem of Ecstasy에서 Scriabin은 먼저 복잡한 주제를 기반으로 한 한 부분 구성 유형에 도달합니다. 저자의 논평과 논평의 맥락에서 이 7가지 주제는 "꿈", "비행", "일어난 창조물", "불안", "의지", "자기 긍정", "항의"의 주제로 해독됩니다. . 그들의 상징적 해석은 구조적 불변성으로 강조됩니다. 따라서 배경, 측근-템포, 역학, 오케스트라 색상의 풍부한 진폭의 역할이 증가했습니다. 주제-기호의 구조적 정체성이 흥미롭다. 그것들은 원초적으로 낭만적인 충동과 나른함의 어휘소(반음계 미끄러짐이 뒤따르는 도약)가 대칭적인 "원형" 구조로 형성되는 간단한 구성입니다. 이러한 건설적인 원칙은 전체에 실질적인 내적 통일성을 부여합니다. (…)

따라서 전통적인 소나타 형식은 환희의 시에서 눈에 띄게 수정된 것처럼 보입니다. 우리 앞에는 다단계 나선형 구성이 있으며 그 본질은 비 유적 구체의 이원성이 아니라 계속 증가하는 황홀한 상태의 역학입니다.

환희의 시(Poem of Ecstasy)와 동반되는 소나타 5번(1908)에서 스크리아빈은 유사한 형식을 사용했습니다. 여기에서 정신의 형성에 대한 아이디어는 엑스터시시의 텍스트에서 이미 빌린 서문의 줄에서 알 수 있듯이 창조적 행위의 뚜렷한 그늘을 얻습니다.

나는 당신을 삶, 숨겨진 열망으로 부릅니다!
당신은 어두운 깊이에 익사
창조 정신, 당신은 두려운
생명의 배아들이여, 나는 너희에게 담대함을 가져다준다!

소나타의 음악에는 각각 "어두운 깊이"(개구부)의 혼돈과 "태아의 생명"(두 번째 진입 주제, 랑귀도)의 이미지, 활동적이고 강한 "대담"의 이미지가 있습니다. -의지 소리가 추측됩니다. "황홀경의시"에서와 같이 가지각색의 주제 만화경은 소나타 형식의 법칙에 따라 구성됩니다. "비행"메인 부분과 서정적 측면 부분은 명령형으로 분리되어 있으며 사탄주의의 손길, 바인더 (Misterioso의 노트); 같은 영역의 메아리가 마지막 부분의 알레그로 판타니토로 감지됩니다. 음악 개발의 새로운 단계에서 제한된 명상 상태에서 메인 이미지의 존재가 눈에 띄게 감소하고 움직임의 강도가 증가하면 코드에서 두 번째 소개 테마(estatico 에피소드)의 변형된 버전으로 이어집니다. 이 모든 것은 한 가지 중요한 터치가 아니라면 이전의 네 번째 소나타의 끝을 매우 연상시킵니다. . 전통적인 메이저 토닉을 긍정하는 대신 불안정한 하모니의 영역으로 돌파구를 만들고 소나타 개념의 틀 내에서 원래의 혼돈의 이미지로의 회귀가 있습니다 (S. I. Taneev가 비꼬는 말을 한 것은 우연이 아닙니다. "끝나지 않고 멈춘다"라는 소나타 5번).

이 작업의 매우 특징적인 순간으로 돌아갈 것입니다. 여기에서 소나타에서 두 가지 상반된 경향의 상호 작용을 주목할 가치가 있습니다. 하나는 단호하게 "목적론적"입니다. 그것은 최종 이해-변형이라는 낭만적인 아이디어에서 비롯되며 최종을 위한 꾸준한 노력과 관련이 있습니다. 다른 하나는 오히려 상징주의적 성격을 가지고 있으며 단편화, 절제, 이미지의 신비한 덧없음을 유발합니다(이러한 의미에서 소나타뿐만 아니라 개별 주제도 "끝나지 않고 멈춥니다", 바 일시 중지와 바닥이없는 공간으로 사라지는 경우). 이러한 경향의 상호 작용의 결과는 작업의 모호한 결말입니다. 그것은 창의적인 마음의 신격화와 존재의 궁극적인 불가해성을 모두 상징합니다.

소나타 5번과 "황홀경의 시"는 스크리아빈의 이데올로기적, 문체적 진화의 새로운 단계를 나타냅니다. 새로운 품질은 작곡가가 지금부터 그에게 최적이되는시 유형의 한 부분 형식에 도달하는 데 나타납니다. 이 경우 시는 특정 표현의 자유와 철학적 및 시적 프로그램의 작업, 내부 "플롯"의 존재로 이해될 수 있습니다. 한편으로 주기를 한 부분 구조로 압축하는 것은 내재적인 음악적 과정, 즉 극도로 집중된 사고 표현에 대한 Scriabin의 열망을 반영했습니다. 반면에 "형식적 일원론"(V. G. Karatygin)은 작곡가에게 더 높은 통일성의 원리를 실현하고 모든 것을 포괄하는 존재 공식을 재창조하려는 시도를 의미했습니다. Schelling과 Fichte의 작품에서 발견한 "universum", "absolute"의 철학적 개념.

어쨌든 Scriabin은 자신 만의 독창적 인 유형의시 구성을 발명했습니다. 여러 측면에서 Liszt를 지향하지만 더 엄격하고 일관성이 있다는 점에서 후자와 다릅니다. 주기를 단일 악장 구조로 압축한 결과로 나타나는 주제의 다양성은 Scriabin에서 소나타 구성의 비율을 크게 흔들지 않습니다. 형식 분야의 합리주의는 계속해서 Scriabin 스타일의 특징이 될 것입니다.

다섯 번째 소나타와 "환희의시"로 돌아가서 평균 창작 기간의 틀 내에서 이러한 작곡이 특정 결과의 역할을했다는 점을 강조해야합니다. 처음 두 교향곡에서 정신의 개념이 관념의 수준에서 확립되었고 소나타 4번과 신의 시에서 그것이 언어의 영역에서 적절하게 표현되었다면, 이 한 쌍의 작품에서 정신의 개념은 다음과 같은 수준에 도달했습니다. 형식, 작곡가의 모든 추가 주요 작품에 대한 관점을 제공합니다.

O. 만델스탐

후기 Scriabin의 작업에는 초기와 중기를 구분하는 명확한 경계가 없습니다. 그러나 그의 스타일과 아이디어가 생애 말년에 겪은 변화는 작곡가의 전기에서 질적으로 새로운 단계의 시작을 나타냅니다.

이 새로운 단계에서 Scriabin의 지난 몇 년 동안의 작품을 특징짓는 경향이 최대의 선명도에 도달합니다. 따라서 스크리아빈 세계의 영원한 이중성은 "최고의 웅장함"과 "최고의 세련미"를 지향하며 한편으로는 순전히 주관적인 감정의 영역으로 심화되고 극도로 상세하고 정교하며 다른 한편으로는 표현됩니다. , 위대하고 우주적인 범위에 대한 갈증. 한편으로 Scriabin은 "The Poem of Fire"와 "Preliminary Action"- "Mystery"의 첫 번째 행위와 같은 초 음악적, 심지어 초 예술적 규모의 대규모 작곡을 구상합니다. 한편, 그는 피아노 미니어처에 다시 주목하며 "이상함", "가면", "수수께끼" 등 흥미로운 제목으로 정교한 작품을 구성합니다.

후기 기간은 임시 배치와 관련하여 일정하지 않았습니다. 일반적으로 두 단계가 있습니다. 1900-1910년대의 전환기를 다루는 하나는 프로메테우스의 창조와 관련이 있고, 다른 하나는 프로메테우스 이후에 마지막 소나타, 전주곡 및 시를 포함하며 언어 분야에서 추가 검색으로 표시되며 미스테리의 개념.

"Prometheus"( "The Poem of Fire", 1910), 오르간, 합창단 및 가벼운 키보드가있는 대규모 심포니 오케스트라와 피아노를위한 작품은 의심 할 여지없이 "웅장 함의 극에서"Scriabin의 가장 중요한 창작물이었습니다. 작곡가의 길의 황금 구간 지점에서 발생하여 거의 모든 스크리아빈의 통찰의 초점이 되었습니다.

주목할만한 프로그램은 "Poems"입니다. 고대 신화하늘의 불을 훔쳐 사람들에게 준 프로메테우스에 대해. Bryusov 또는 Vyach의 같은 이름의 작품으로 판단되는 Prometheus의 이미지. Ivanov는 상징주의자들의 신화적 성향과 그들의 시학에서 불의 신화소에 부여된 중요성과 매우 일치했습니다. Scriabin은 또한 불 같은 요소에 지속적으로 끌립니다. 그의시 "To the Flame"과 연극 "Dark Lights"를 언급합시다. 후자에서는 마치 마법의 요소를 포함하는 것처럼 이 요소의 이중적이고 양가적인 이미지가 특히 눈에 띈다. 악마적이고 신과 싸우는 원리는 Lucifer의 특징이 추측되는 Scriabin의 "Prometheus"에도 있습니다. 이와 관련하여 우리는 작품의 아이디어에 대한 신지학 적 가르침의 영향과 무엇보다도 작곡가가 큰 관심을 가지고 연구 한 H. P. Blavatsky의 "Secret Doctrine"에 대해 이야기 할 수 있습니다. Scriabin은 그의 영웅의 악마 적 hypostasis (그의 진술은 "Satan은 우주의 효모입니다"로 알려짐)와 그의 빛나는 사명에 매료되었습니다. Blavatsky는 Lucifer를 주로 "빛의 전달자"(lux + fero)로 해석합니다. 아마도 이 상징주의는 스크리아빈의 시에서 빛 대위법의 개념을 부분적으로 미리 결정했을 것입니다.

흥미롭게도 Scriabin이 의뢰 한 벨기에 예술가 Jean Delville의 악보 초판 표지에는 "세계 거문고"에 포함되고 혜성과 나선형 성운으로 둘러싸인 Androgyn의 머리가 묘사되어 있습니다. 남성과 여자 같은, 작곡가는 고대 Luciferic 기호를 보았습니다.

그러나 기호와 엠블럼 수준이 아니라 본질적으로 예술적 이미지의 그림 아날로그에 대해 이야기하면 Scriabin의 Prometheus는 M. A. Vrubel과의 연관성을 불러 일으 킵니다. 두 작가 모두 악령과 창조령의 이중적 합일에서 악마적 원리가 나타난다. 둘 다 블루 라일락 색 구성표가 지배적입니다. Luce 라인에 고정 된 Scriabin의 조명 및 사운드 시스템에 따르면 (자세한 내용은 아래 참조) F-sharp의 키입니다. 화재 - 그에 해당합니다. Blok이 그의 "낯선 사람"을 같은 규모로 본 것이 궁금합니다. 시인에 따르면 이것은 "주로 파란색과 보라색의 많은 세계에서 온 사악한 융합"입니다 ...

보시다시피 Scriabin은 고대 음모와의 외부 연결을 통해 Prometheus를 그의 시대의 예술적 철학적 반영에 맞춰 새로운 방식으로 해석했습니다. 그에게 프로메테우스는 주로 상징이다. 저자의 프로그램에 따르면 그는 "창조적 원리", "우주의 활성 에너지"를 의인화합니다. 그것은 "불, 빛, 생명, 투쟁, 노력, 생각"입니다. 이미지에 대한 최대한 일반화 된 해석에서 혼돈에서 세계 조화가된다는 아이디어 인 정신에 대한 이미 친숙한 아이디어와의 연결을 쉽게 볼 수 있습니다. 이전 작곡, 특히 "환희의 시"와의 연속적인 관계는 일반적으로 개념의 모든 참신함과 전례가 없기 때문에이 작곡을 특징 짓습니다. 공통점은 시 유형의 다중 주제 형식과 지속적인 상승의 극작술에 대한 의존입니다. 일반적으로 경기 후퇴가 없는 파동의 스크리아빈의 논리입니다. 여기저기서 소나타 형식의 법칙과 복잡한 관계를 맺는 상징적 주제가 등장한다. (…)

참고(…) 일반 계획"환희의시": 두 작품 모두 나른함-비행의 정반대에서 시작하여 충동적이고 기복이 있습니다. 여기저기 단편적이고 만화경처럼 가지각색의 재료가 최종 신격화(두 번째 경우에는 합창단의 소리가 오케스트라 색상에 추가됨)를 향해 꾸준히 움직입니다.

그러나 이것은 아마도 Prometheus와 Scriabin의 이전 작업 간의 유사성을 종료합니다. "Poem of Fire"의 일반적인 색상은 우선 저자의 조화로운 발견으로 인해 이미 새로운 것으로 인식됩니다. 구성의 사운드 베이스는 이전에 사용된 전체 톤 콤플렉스와 비교하여 반음 및 저음 인토네이션의 표현력을 포함하여 보다 복잡한 범위의 감정적 뉘앙스를 전달하는 "Promethean Six-Tone"입니다. "Blue-lilac Twilight"는 최근까지 "황금 빛"(Blok의 잘 알려진 은유를 사용하기 위해)으로 스며든 Scriabin의 음악 세계로 실제로 흘러 들어갑니다.

그러나 여기에는 동일한 "환희의 시"와 또 다른 중요한 차이점이 있습니다. 후자가 특정 주관적인 파토스로 구별된다면 Prometheus의 세계는 더 객관적이고 보편적입니다. 이전 교향곡 작품의 "자기 긍정의 주제"와 유사한 주요 이미지도 없습니다. 솔로 피아노는 처음에는 관현악 미사에 도전하듯 오케스트라와 합창단의 전반적인 소리에 빠져든다. 일부 연구원 (A. A. Alshvang)의 관찰에 따르면 "불의시"의이 속성은 후기 Scriabin의 세계관에서 본질적인 순간, 즉 유아론에서 객관적 이상주의로의 전환을 반영했습니다.

그러나 여기에서 Scriabin의 철학적, 종교적 경험의 특성에 대해 진지한 유보가 필요합니다. 역설은 Scriabin의 객관적 이상주의 (Schelling의 아이디어였던 원동력 중 하나)가 극도의 유아론이라는 것입니다. 신을 일종의 절대적인 힘으로 인식하는 것이 그에게 자신 안에있는 신을 인식하게 되었기 때문입니다. 그러나 작곡가의 창작 활동에서 이 새로운 자기신격화 단계는 심리적 악센트에 눈에 띄는 변화를 가져왔습니다. 작가의 성격은 그림자 속으로 물러나는 것 같습니다. . B. F. Schlozer는 합리적으로 이렇게 말합니다. 같은 방식으로 자발적으로 거절할 수 있습니다. 그에게서는 이렇게 개인의 의식이 행위의식에 흡수되었다. 그리고 더 나아가 : "자기 신격화를 통한 신학에서 Scriabin은 내적 경험을 통해 신의 자기 희생으로서 그의 본성, 인간 본성을 이해하게되었습니다."

당분간 우리는 Scriabin의 영적 발전의 결과를 특징 짓고 그의 미스터리 계획과 관련된이 인용문의 마지막 줄에 대해 언급하지 않을 것입니다. 이미 "Prometheus"에서 이러한 사고 방식이 음악적 아이디어의 객관성 증가로 바뀌었다는 점에 유의하는 것이 중요합니다. 더 이상 자기 확인의 필요성을 느끼지 않는 Scriabin의 "Spirit"이 자신의 창조물, 즉 색상, 소리 및 향기에 감탄하는 세계 우주로 시선을 돌리는 것처럼. 이전의 "성향"이없는 매혹적인 광채는 "불의시"의 특징으로 작곡가의 후기 아이디어 중에서이 작품을 인식하는 이유를 제공합니다.

그러나 사운드 팔레트의 이러한 광채는 그 자체로는 결코 가치가 없습니다. 우리는 이미 보편적인 우주적 의미의 전달자(음향 등가물) 역할을 하는 프로메테우스의 음악적 주제에 대한 상징적 해석을 언급했습니다. "기호 쓰기"의 방법은 "시"에서 특별한 집중에 도달합니다. "Promethean 화음"자체 - 작품의 건전한 기초 - 충만의 상징 인 "Pleroma의 화음"으로 인식됩니다. 그리고 신비로운 존재의 힘. 여기에서 "불의시"전체의 난해한 계획이 갖는 의미에 대해 말하는 것이 적절합니다.

이 계획은 "세계 질서"의 미스터리로 직접 돌아가며 언급된 기호와 함께 다른 숨겨진 요소를 포함합니다. 불의 시에 대한 신지학적 가르침의 영향에 대해서는 이미 언급한 바 있습니다. Scriabin의 작업은 Prometheus의 이미지 자체(Blavatsky의 "Prometheus - Titan" 장 참조)와 빛과 소리의 일치 이론을 모두 Blavatsky의 "Secret Doctrine"과 연결합니다. 숫자의 상징도 이 시리즈에서 우연이 아닌 것 같습니다. Promethean 화음의 6면 "크리스탈"은 "솔로몬 인장"(또는 악보 표지 하단에 상징적으로 묘사된 6개의 뾰족한 기호)과 유사합니다. 시에는 606개의 소절이 있습니다. 성찬식 주제(그리스도의 오른쪽과 왼쪽에 있는 6명의 사도)와 관련된 중세 교회 그림의 삼원 대칭에 해당하는 신성한 숫자입니다.

물론 꼼꼼한 시간 단위 계산과 "황금 부분"(작곡가의 살아남은 작업 스케치가 이 작품에 대해 말함)의 정확하게 관찰된 비율을 포함하여 형식의 전반적인 정렬은 합리적 사고의 증거로 간주될 수 있습니다. G. E. Konius(Scriabin의 교사 중 한 명)의 메트로텍토닉 방법에 대한 친숙함도 있습니다. 그러나 Prometheus 개념의 맥락에서 이러한 기능은 추가적인 의미론적 부하를 얻습니다.

같은 맥락에서 우리는 고조파 시스템의 순전히 합리성에 주목합니다. Promethean 6 톤의 "완전한 조화"는 신지학 원칙 "Omnia ab et in uno omnia"- "모든 것의 모든 것"의 구체화로 인식 될 수 있습니다. . 작업의 다른 중요한 순간 중 합창단의 마지막 부분에 주목할 가치가 있습니다. 여기서 부르는 소리 e - a - o - 호, a - o - 호-이것은 순전히 음성 기능을 수행하는 모음의 발성이 아니라 난해한 가르침에서 의인화되는 신성한 7 모음 단어의 변형입니다. 원동력공간.

물론 "초보자"에게 전달되고 때로는 추측만 할 수 있는 이러한 모든 숨겨진 의미는 매우 구체적인 콘텐츠 계층을 형성하며 결코 직접적인 권한을 취소하지 않습니다. 감정적 영향"불의 시". 그러나 후기 Scriabin에서 그들의 존재 자체가 가장 중요한 증상으로 작용합니다. 그의 예술은 순전히 미적 작업에 점점 덜 만족하고 행동, 마법, 세계 정신과의 연결 신호가되기 위해 점점 더 노력합니다. 궁극적으로 그러한 메시지는 Mystery에 대한 그의 접근 방식에서 Scriabin에게 매우 중요해졌습니다.

그러나 순전히 예술적인 현상일지라도 Prometheus는 Scriabin의 작곡 경로에서 이정표였습니다. 여기서 혁신적인 급진주의의 정도는 그 작품이 20세기의 창조적 탐구의 일종의 상징이 될 정도입니다. "Poem of Fire"의 저자는 예술적 "한계"에 대한 연구, 예술의 가장자리와 그 너머에서 목표를 찾는 것으로 아방가르드 예술가들과 가깝습니다. 미시적 수준에서 이것은 조화적 사고의 세부 사항, 거시적 수준에서 음악을 넘어 이전에 알려지지 않은 새로운 형태의 합성("가벼운 심포니")으로 그 자체를 나타냈습니다. 이 작업의 두 측면을 자세히 살펴 보겠습니다.

Prometheus에서 Scriabin은 전체 음악 구조가 선택된 고조파 복합체에 종속될 때 언급된 피치 결정론 기술에 처음으로 도달합니다. “여기에 추가 메모가 하나도 없습니다. 이것은 엄격한 스타일입니다.”라고 작곡가 자신이시의 언어에 대해 말했습니다. 이 기술은 역사적으로 A. Schoenberg가 12음조로 도래한 것과 관련이 있으며 20세기의 가장 큰 음악적 발견 중 하나입니다. Scriabin 자신에게 그것은 음악의 절대 원리의 구체화에서 새로운 단계를 의미했습니다. "환희의시"의 "형식적 일원론"에 이어 "불의시"의 "조화적 일원론"이 이어졌습니다.

그러나 피치 조합론 외에도 Schoenberg의 12음과 달리 화음 수직을 지향하는 Scriabin의 고조파 복합체의 본질도 주목할 만합니다. 후자는 Sabaneev에 의해 "조화음-음색"의 개념과 연관되었으며 새로운 음향의 세균을 포함했습니다. 이와 관련, '불의 시'의 첫 번째 소절에서 드러나는 프로메테우스 화음의 실제적인 음의 면모가 눈길을 끈다. 이 작품을 듣고 있던 라흐마니노프는 이 조각의 특이한 음색에 흥미를 느꼈다고 알려져 있습니다. 비결은 오케스트레이션이 아니라 조화였습니다. 네 번째 편곡과 오랜 시간 지속되는 페달과 함께 요염할 정도로 다채로운 효과를 만들어내고 미래 음악에 대한 Scriabin의 또 다른 통찰력인 울리는 클러스터의 원형으로 인식됩니다.

마지막으로 "Promethean six-sound"의 구조적 특성은 암시적입니다. 지배적 인 그룹의 화음 변경으로 인해 "불의시"를 만드는 동안 전통적인 음조에서 해방되었으며 저자는 배음 기원의 독립적 인 구조로 간주합니다. Prometheus의 언급된 작업 스케치에서 Scriabin 자신이 보여주듯이, 그것은 자연 음계의 상위 배음에 의해 형성됩니다. 다음은 분기 배열의 변형입니다. 이 구조가 새로운 사운드로 보완되는 작곡가의 후기 작품은 전체 12음 음계를 커버하려는 욕구와 울트라크로매틱에 대한 잠재적인 초점을 보여줍니다. 사실, Sabaneev의 말에 따르면 Scriabin은 그의 작품에서 전통적인 기질을 넘어서지 않고 "ultrachromatic abyss"만을 들여다 보았습니다. 그러나 "중간음"에 대한 그의 주장과 심지어 4분음표 추출을 위한 특수 도구를 만들 가능성에 대한 그의 주장은 특징적입니다. Prometheus의 조화로운 혁신도 이러한 점에서 출발점이 되었습니다.

“불의 시”의 밝은 부분은 무엇이었습니까? 악보의 맨 윗줄인 Luce 라인에서 스크리아빈은 오랜 음표의 도움으로 작품의 음조-조화적 계획과 동시에 색채-빛 드라마투르기를 녹음했습니다. 작곡가가 구상한 대로 콘서트홀의 공간은 변화하는 음-화성 기반에 따라 다른 색조로 칠해져야 합니다. 동시에 특수 라이트 클라비어를 위한 Luce 부분은 스펙트럼의 색상과 4분할 원의 키 사이의 유사성을 기반으로 했습니다(그에 따르면 빨간색은 톤에 해당합니다). ~ 전에, 주황색 - 소금, 노란색 - 답장등.; 유채색 토널은 보라색에서 분홍색으로 전환되는 색상에 해당합니다.

Scriabin은 그가 수행하고 있는 실험 뒤에 있는 몇 가지 객관적인 요소, 즉 모든 것과 모든 것을 지배하는 더 높은 통일성의 법칙의 발현을 보고 싶었기 때문에 스펙트럼 계열과 음조 계열 사이의 유사 과학적 유추를 고수하려고 했습니다. 동시에 음악에 대한 그의 비전에서 그는 항상 개별적이고 독특한 소리의 색상 인식의 타고난 정신 생리 학적 능력 인 시놉시스에서 진행했습니다 (Sabaneev는 Scriabin과 Rimsky-Korsakov에서 색상 청력의 불일치를 기록했습니다. 테이블). 이것이 스크리아빈의 빛과 음악 사상의 모순이자 구현의 어려움이다. 그들은 또한 작곡가가 단순한 공간 조명으로 축소될 수 없는 더 복잡한 그림 시리즈를 상상했다는 사실에 의해 악화됩니다. 그는 움직이는 선과 형태, 거대한 "불기둥", "유체 건축" 등을 꿈꿨다.

Scriabin의 수명 동안 조명 프로젝트를 구현할 수 없었습니다. 그리고 그것은 이 실험의 기술적 준비 부족 뿐만 아니라 작곡가의 정교한 시각적 환상을 Luce의 부분에서 축소된 극도로 도식적인 관점과 비교하면 프로젝트 자체에 심각한 모순이 포함되어 있습니다. 엔지니어링 및 기술 이니셔티브에 관해서는 "가벼운 교향곡"과 일반적으로 가벼운 음악의 미래 운명에 중요한 역할을 할 운명이었습니다. 효과를 줄 수있는 움직이는 추상 회화에 대한 최신 실험까지 "유체 아키텍처" 및 "불기둥...

이와 관련하여 V. D. Baranova-Rossine(1922)의 광학 피아노, M. A. Skryabina의 컬러 조명 설치, E. A. Murzin의 전자 광학 사운드 신디사이저 ANS(Alexander Nikolaevich Skryabin)와 같은 발명품을 언급하겠습니다. A. N. Scriabin), Kazan Aviation Institute의 설계국에서 개발한 Prometheus 악기, K. N. Leontiev(1960-1970s)의 Color Music 장치 등

흥미롭게도 미적 현상으로서 눈에 보이는 음악에 대한 Scriabin의 아이디어는 러시아 아방가르드 예술가들과 매우 일치하는 것으로 밝혀졌습니다. 따라서 Prometheus와 병행하여 V. V. Kandinsky (작곡가 F. A. Hartman 및 댄서 A. Sakharov와 함께)는 "Yellow Sound"작곡을 작업하여 자신의 음악적 색상 인식을 실현했습니다. 미래형 공연 Victory over the Sun의 음악 작가 M. V. Matyushin은 시각과 청각 사이의 연결 고리를 찾고 있었습니다. 그리고 A. S. Lurie는 피아노 사이클 "Forms in the Air"에서 일종의 준 입체파 악보를 만들었습니다.

사실,이 모든 것이 20 세기에 "초록불"에 의해서만 "불의시"가 예상되었다는 의미는 아닙니다. 일반적으로 Wagnerian 또는 Symbolist 버전의 "전체 예술 작품"뿐만 아니라 Scriabin의 합성 아이디어에 대한 태도는 반 낭만주의 작곡가의 그러한 실험에 대한 회의적인 거부까지 수년에 걸쳐 변경되었습니다. I. F. Stravinsky는 그의 "Musical Poetics"에서 음악적 표현의 자급자족을 가정했습니다. 이 자급 자족은 그의 저서 The World of the Composer에서 Gesamtkunstwerk의 가성 패러디를 만든 P. Hindemith에 의해 훨씬 더 단호하게 옹호되었습니다. 낭만적 인 사고 방식의 "재활"과 함께 예술적 형태의 "복잡한 느낌"에서 공감각 문제에 대한 관심이 새롭게 시작된 세기 후반에 상황이 다소 바뀌 었습니다. 여기에서 기술 및 미적 전제 조건이 가벼운 교향곡의 부활, 즉 Poem of Fire의 지속적인 수명을 보장하는 데 기여하기 시작했습니다.

그러나 Scriabin의 작곡 경로로 돌아가 보겠습니다. Prometheus의 저술은 Scriabin이 주로 해외 (스위스, 이탈리아, 프랑스, \u200b\u200b벨기에; 미국 여행도 1906-1907에 속함)에 살았던 1904 년부터 1909 년까지 다소 오랜 기간이 선행되었습니다. 신성한 시에서 불의 시에 이르기까지 가장 근본적인 작품이 창조되거나 구상된 것이 그때였다는 사실로 판단하면, 이 시기는 창의적 강도와 영적 성장이 증가하는 해였습니다. Scriabin의 활동은 콘서트 투어에만 국한되지 않았습니다. 그의 구성 아이디어가 업데이트되었고 철학적 독서 및 접촉 범위가 확장되었습니다 (유럽 신지학 사회 대표와의 의사 소통 포함). 동시에 Scriabin의 명성은 러시아와 해외에서 성장했습니다.

그가 모스크바로 돌아 왔을 때 이미 헌신적 인 찬사와 열성적인 환경에 둘러싸인 왕관을 쓴 거장이라는 것은 놀라운 일이 아닙니다. 그의 음악은 I. Hoffman, V. I. Buyukli, M. N. Meichik, A. I. Ziloti, S. A. Koussevitzky 등 K. S. Saradzhev, B. V. Derzhanovsky, M. S. Nemenova-Lunts, A. Ya. , E. A. Beckman-Shcherbina (나중에 서클은 Scriabin Society로 변형되었습니다).

동시에 작곡가 생애의 마지막 5년(1910-1915) 동안 그의 직접적인 인간 접촉의 범위는 눈에 띄게 좁아졌습니다. Scriabin의 음악이 연주되고 그의 "미스터리"에 대한 이야기가 있었던 Nikolo-Peskovsky의 아파트에서 만장일치의 분위기가 지배했습니다 (작곡가의 두 번째 부인 T. F. Schlozer가 조심스럽게 보호 함). 그러나 Scriabin 하우스 방문객 중에는 열정적 인 청취자뿐만 아니라 진취적인 대담 자도있었습니다. N. A. Berdyaev, S. N. Bulgakov, M. O. Gershenzon, Vyach라고 말하면 충분합니다. I. 이바노프.

작곡가는 후자와 특히 친밀한 우정을 가졌습니다. 그녀는 Vyach의시 중 하나에 각인되었습니다. 예를 들어 다음 줄이 있는 Ivanov:

운명적으로 우리에게 주어진 2년의 임기.
나는 그에게 갔다 – "빛에";
그는 우리 집을 방문했습니다. 시인을 기다리며
새로운 애국가를 위해 높은 보상, –
그리고 내 가족 clavier를 기억합니다
그의 손가락은 마법의 손길입니다 ...

시인은 나중에 다음과 같이 썼습니다. 고마움." 우리는 나중에 예술의 일반적인 관점으로 돌아갈 것입니다. 또한 잘 알려진 견고 함을 가진 그러한 접촉 범위는 Scriabin이 그의 생애 말년에 부화 한 계획과 아이디어에 매우 유리하다는 점에 주목해야합니다.

사실, 그들은 모두 "미스터리"의 아이디어와 구현이라는 한 가지로 귀결되었습니다. Scriabin은 "미스터리"를 서로 다른 유형의 예술이 결합되고 마침내 보편적인 영적 변화 행위를 달성하는 웅장한 준 전례 행위로 생각했습니다. 작곡가가 매우 일관되고 의도적으로 향한이 아이디어는 자신의 "나"에 대한 과장된 감각의 결과였습니다. 그러나 Scriabin은 유아론 철학자의 길을 통해서만 온 것이 아닙니다. 그는 뛰어난 음악적 재능으로 자신의 신성한 사명에 대한 의식을 끌어냈고, 이를 통해 자신이 소리 영역의 주인, 따라서 더 높은 의지의 집행자라고 느낄 수 있었습니다. 결국, 모든 유형의 예술 및 일반의 합성 인간 활동 Scriabin과 그의 상징주의 동시대 사람들이 꿈꾸던 다가오는 "누적 예술 작품"에서 그들의 생각에 따라 "음악의 정신"의 표시 아래 그리고 최고의 음악의 후원 아래 달성되어야합니다. 기예. 이러한 관점에서 자신의 소명에 대한 Scriabin의 믿음과 그의 프로젝트를 즉시 실행하려는 의도는 심리적 동기로 보입니다.

Scriabin의 마지막 작품은 예술적 합성과 배우와 관중이없고 모든 사람이 참여자이자 입문자 일 뿐인 의식을 통해 예술의 마법의 힘을 집중시키는 것으로 가정했습니다. "신비"의 프로그램에 따라 "사제"는 일종의 우주 역사에 관여하여 발전과 죽어가는 것을 관찰합니다. 인류: 물질의 탄생부터 영성화와 창조주 하나님과의 재결합까지. 이 재회 행위는 "우주의 불" 또는 보편적 황홀경을 의미하는 것으로 추정됩니다.

Mystery 공연을위한 설정에 대한 Scriabin 자신의 설명에서 전설적인 인도와 호수의 사원이 언급됩니다. 행렬, 춤, 향; 특별하고 엄숙한 옷; 색상, 아로마, 터치의 교향곡; 속삭임, 알려지지 않은 소음, 일몰 광선 및 반짝이는 별; 주문 암송, 트럼펫 목소리, 금관 악기의 치명적인 하모니. 이 반 환상적인 꿈은 매우 세속적 인 일과 결합되었습니다. 원형 극장이있는 특별실 건설을위한 자금 찾기, 공연 음악가 돌보기, 다가오는 인도 여행 논의 ...

Scriabin은 그의 프로젝트를 깨닫지 못했고 그의 계획은 갑작스런 죽음으로 중단되었습니다. 그가 계획 한 것에서 그는 "미스터리"의 첫 번째 행위 인 "예비 행위"의 시적 텍스트와 단편적인 음악 스케치만을 작성했습니다.

Vyach의 영향 없이 태어난 "예비 조치"의 아이디어. Ivanov는 우연이 아니라 분명히 일어났습니다. 이 작품은 작곡가가 "미스터리"에 대한 접근 방식으로 생각했지만 실제로는 타협적이고 실현 가능한 버전이어야했습니다. 너무 웅장했습니다. 주요 아이디어, Scriabin이 아마도 무의식적으로 느꼈던 유토피아. 살아남은 스케치를 통해 우리는 세련되고 복잡하며 의미 있는 음악의 성격을 추측할 수 있습니다. Scriabin Museum에는 "예비 작업"의 초안 스케치 40장이 있습니다. 그 후 Scriabin의 운문 텍스트가 사용 된 암송 부분이있는 합창 구성 (S. V. Protopopov) 또는 교향곡 오케스트라 버전 (A. P. Nemtin)으로 재구성하려는 시도가있었습니다.

그러나 Mystery의 음악은 그가 생애 말년에 만든 Scriabin의 완성 된 작곡으로 판단 할 수도 있습니다. "프로 메테우스"이후에 등장한 소나타와 피아노 미니어처는 본질적으로 미래 뮤지컬 건물의 벽돌이되었고 동시에 "미스터리"의 청취자 참가자를위한 "입문 학교"가되었습니다.

늦은 5명 중 소나타"Preliminary Action"8th의 언급 된 스케치와 거의 텍스트로 공감합니다 (아마도 Scriabin 자신이 무대에서 연주하지 않은 이유 일 것입니다. 그 안에서 미래의 더 중요한 아이디어의 일부를 보았습니다). 전반적으로 소나타는 언어의 정교함과 이전에 Scriabin이 테스트한 단일 악장 시 구성에 대한 의존성에서 서로 가깝습니다. 동시에 후기 Scriabin의 세계가 다양한 모습으로 여기에 나타납니다.

그래서 작곡가가 '백미사'라고 부른 소나타 7번은 음악의 구조상 '불의 시'에 가깝다. 구성은 치명적인 "운명의 타격", 신속한 "우주적"회오리 바람, "종"의 끊임없는 소리-때로는 조용하고 신비롭게 분리되고 때로는 경보처럼 호황을 누리는 마법의 주문 요소로 스며 듭니다. Sixth의 음악은 "Promethean six-tones"단조의 조화에서 저주파 색상이 지배하는 더 실내적이고 우울한 집중입니다.

9번 소나타와 10번 소나타 사이의 대조는 훨씬 더 강합니다. 소나타 9번 "검은 덩어리"에서 측면 부분의 연약하고 맑은 주제는 지옥의 행진으로 변한다. "신성한 것에 대한 모독"과 만연한 악마주의(이전의 신성한 빛의 신격화 대신에)에서 아이러니, 사탄의 시 및 기타 작곡에서 이전에 언급된 스크리아빈 음악의 악마적인 라인이 절정에 이릅니다. (Sabaneev는 Ninth Sonata의 아이디어를 Scriabin 집에 걸려있는 N. Shperling의 그림과 연결합니다. “무엇보다도 A.N.은 기사가 중세 어머니의 떠오르는 환각에 키스하는 그림에 대해 불평했습니다. 신의.")

10번째 소나타는 상당히 다르게 생각됩니다. 이 마법 같은 음악의 아름다움은 마치 향기와 새소리로 가득 찬 것처럼 작곡가 자신이 숲, 지상의 자연과 관련되어 있습니다. 동시에 그는 물질의 탈체화의 마지막 행위인 "물리성의 파괴"를 그 안에서 본 신비롭고 이계적인 내용에 대해 말했습니다.

지역 내 피아노 미니어처후기 스타일의 표시는 특별히 해석된 프로그래밍입니다. 그 자체로 세기 전환기에 피아노 음악의 프로그램 원리는 참신함이 아니 었습니다. 적어도 C. Debussy의 전주곡을 기억할 수 있습니다. Scriabin은 또한 해석의 특성상 Debussy와 가깝습니다. 최소한의 외부 그림주의와 최대의 심리학입니다. 그러나이 비교에서도 Scriabin의 음악은 더 내성적으로 보입니다. 작품의 제목 측면에서 보면 Clouds 또는 Steps in the Snow가 아니라 Mask, Strangeness, Desire, Whimsical Poem ...

일반적으로 프로그래밍은 비유적 구체화의 요소를 수반하며 이 요소는 Scriabin의 희곡에 어느 정도 존재합니다. 따라서 "Garlands"는 작은 섹션들의 체인 형태를 기반으로 하며 "Fragility"는 기능적으로 불안정한 "fragile" 구조로 프레임이 구성되어 있어 전개가 없는 소나타 형식과 코다(합성 형태 유형)가 있는 부분 형태. 동시에 그러한 사양은 매우 조건적입니다. 마치 비음악적 현실에 호소하는 것처럼 스크리아빈은 내재된 음악적 표현력의 범위를 결코 넘어서지 않고 새로운 방식으로 그것을 날카롭게 하고 집중시킬 뿐입니다.

이미 언급했듯이 후기에 Scriabin의 작업은 계속해서 활발하게 발전했습니다. 사실 이것은 우리가 그 안에서 프로메테우스 이후의 마지막 단계를 골라내도록 강요합니다. 음악적 언어동시에-전체 작곡가 경로의 결과에 대해.

이러한 결과 중 하나는 조화가 절대 독점권을 향유하는 언어 시스템의 계층이 증가한 것입니다. 그것은 멜로디를 포함한 다른 모든 표현 수단을 정복합니다. 수직에 대한 수평의 의존성, 또는 시간이 지남에 따라 분해되는 하모니로서의 멜로디 아이디어, Scriabin 자신은 "하모니 멜로디"라는 개념으로 정의했습니다. "환희의 시" 전체는 이미 "하모니-멜로디"에 기반을 두고 있습니다. 전체의 완전한 피치 결정론이 작동하는 프로메테우스를 시작으로 이러한 현상은 규칙성으로 인식된다.

그러나 이와 관련하여 하모니에 의한 멜로디 원리의 완전한 흡수에 대해 말하는 것은 잘못된 것입니다. Scriabin의 멜로디에도 고유 한 진화 발전 논리가 있습니다. 그의 초기 opuses의 확장된 낭만적인 칸틸레나에서 작곡가는 격언 유형의 발화, 라인의 동기적 파편화 및 개별 억양의 증가된 암시적 표현으로 이동했습니다. 이 표현력은 성숙기 및 후기 주제의 상징적 해석에 의해 악화되었습니다 (예를 들어 "불의시"의 "의지"주제 또는 제 9 소나타의 "휴면 신사"주제라고합시다). 따라서 말년에 Scriabin은 멜로디스트는 아니지만 "주제 주의자"가된다고 언급 한 Sabaneev에 동의 할 수 있습니다.

후기 Scriabin의 적절한 조화 시스템에 대해 이야기하면 더 복잡한 경로를 따라 발전했습니다. 그것의 발전 논리는 두 가지 상반된 경향으로 구성되었습니다. 한편으로, 기능적으로 비교 가능한 요소의 범위는 점점 더 좁아져 결국 한 유형의 진정한 시퀀스로 축소되었습니다. 한편, 이러한 협소화가 진행됨에 따라 스크리아빈 화성의 바로 그 단위, 즉 코드 버티컬은 점점 더 복잡하고 다중 구성 요소가 되었습니다. 후기 작품의 구성에서 6음 "Promethean 화음" 다음에 반음 음계를 기반으로 하는 8음 및 10음 콤플렉스가 나타납니다. (…)

리듬과 질감은 일반적으로 후기 Scriabin에서 갱신된 기능으로 나타납니다. 때때로 조화의 선형 층화를 자극하는 것은 바로 그들입니다. 그러한 오스티나토의 경우에는 특별한 역할이 있습니다(방금 언급한 전주곡에서와 같이). 조화에 영향을 미치는 것 외에도 오스티나토 원리는 독립적인 의미를 지닙니다. 그와 함께, 그 기원에서 "인간 중심적"인 스크리아빈의 음악은 떨릴 정도로 변화하는 인간 감정의 순간을 배양하며 "영원의 시계" 또는 지옥 같은 무서움의 춤과 같은 일종의 초인적 힘에 의해 침범되는 것처럼 보입니다. Ninth Sonata 또는 Dark Flame에서와 같이 ". 어떤 식 으로든 우리 앞에는 최근 몇 년간의 또 다른 혁신, 진행중인 작곡가 검색의 또 다른 증거가 있습니다.

Scriabin의 작업 후기에는 많은 질문이 제기되며 그 중 하나는 그의 정성적 평가와 관련이 있습니다. 사실 소련의 공식 음악학은 오히려 그를 부정적으로 여겼다. 조화와 불협화음, 기복, 강장제 및 비강장제와 같은 대조의 후기 구성에서 사라진 것은 위기의 증상, 최종 교착 상태로 간주되었습니다. 실제로 Scriabin 음악의 비유적 문체 범위는 수년에 걸쳐 좁아졌습니다. 동일한 유형의 사운드 구조에 의존하는 "전체" 조화의 원칙에 의해 제한이 부과되었습니다. 동시에 작곡가의 언어 시스템은 완전히 밀폐되지 않았으며 이전 패턴 대신 새로운 패턴이 나타났습니다. 협소화는 심화 및 세부화, 소리 물질의 미립자 침투를 동반했습니다. 위에서 본 예와 같이 새로워지고 구체적으로 압축된 표현력은 후기 작품의 무조건적인 가치를 결정합니다.

그러나 후기를 평가하는 문제에는 또 다른 측면이 있습니다. 우리는 이미 Scriabin "영혼의 백조 노래", "사라지는 파도의 마지막 숨결"의 후기 작품에서 들었던 Yavorsky의 입장을 인용했습니다. 그는 작곡가의 창작 경로를 완전하고 지친 것으로 간주합니다. 이 접근 방식을 통해 "후기"라는 개념 자체가 연대순이 아니라 본질적인 의미를 얻습니다.

B. V. Asafiev와 V. G. Karatygin은 이 경로를 닫힌 호가 아니라 빠르게 상승하는 직선으로 다르게 보았습니다. 갑작스런 죽음은 가장 대담한 발견의 문턱에 대한 Scriabin의 작업을 중단했습니다. 이 견해는 다른 많은 Scriabin 연구원들도 가지고있었습니다. 어떤 위치가 정확합니까? 오늘날에도 이 질문에 명확한 대답을 하기는 어렵습니다. 어쨌든 Yavorsky에 따르면 감정적, 심리적 피로는 언어와 미학 측면에서 그렇지 않습니다. 후기 Scriabin의 혁신은 미래로 돌진했으며 이후에도 계속되고 개발되었습니다. 이런 의미에서 "오름차순 직선"의 개념은 이미 더 유효합니다.

그리고 Scriabin의 바로 그 길의 관점에서 볼 때 후기는 일종의 절정점, 작곡가가 평생을 향한 목표와 작업의 초점으로 밝혀졌습니다. B. F. Schlozer는 Scriabin의 신비 개념의 중요성에 대해 말하면서 그의 작품에 대한 연구는 신비로 끝나는 것이 아니라 신비로 시작해야 한다고 강조했습니다. 모든 것이 "신비"했기 때문에 모든 것이 그의 프로젝트의 빛을 반사했습니다. 밝고 접근하기 어려운 먼 별의 빛처럼 말입니다. Scriabin의 음악 철학, 그 의미 및 목적을 집중시킨 후기 전체에 대해 비슷한 말을 할 수 있습니다.

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후두가 치즈일 때, 영혼이 메마를 때, 나는 노래한다.
그리고 시선은 적당히 촉촉하고 의식은 교활하지 않다.
O. 만델스탐

자세히 살펴보겠습니다. 철학적, 미학적 원리최신 아이디어의 높이에서 그의 진화 경로의 "역 관점"에서 볼 수 있는 Scriabin의 창의성. 다음 프레젠테이션에서 우리는 작곡가의 전체 유산을 다룰 것입니다. 그러나 점진적인 연대순 측면이 아니라 특정한 일반적인 아이디어 세트를 염두에 두고 있습니다. Scriabin의 삶이 끝날 무렵 더욱 명확해진 이러한 아이디어는 그의 음악적 창의성에 깊은 영향을 미쳤습니다.

Scriabin의 철학과 음악의 상호 작용에 대한 질문은 이미 위에서 다루었습니다. 그의 예술을 철학 체계의 도구로 만든 작곡가가 자신의 음악 법칙을 타협하지 않고 그러한 경우에 가능한 엄격함과 피상적 인 문학성을 피했다는 점은 주목할 만합니다. 이것은 아마도 상징주의 문화의 영적 무기고에서 Scriabin이 수집 한 철학 이론 자체가 음악적 구체화. 따라서 세계 조화의 혼돈에서 나오는 창조적 대담함의 아이디어는 Scriabin에 의해 음악의 내부 법칙으로 이해되었습니다. ). 음악 예술에서는 다른 곳과 마찬가지로 상징주의 예술적 방법의 기초가 되는 변형, 변형의 효과를 얻을 수 있습니다. Scriabin은 프로토타입에서 의미론적 베일을 다단계로 제거하는 특정 다단계 소나타 극작법으로 그것을 구현했습니다. 그리고 예술로서의 음악의 모호함은 상징화 측면에서 작곡가에 의해 사용되었습니다. 다른 음악가와 달리 그는 "비밀 쓰기"의 선물을 가지고 있었기 때문입니다. 미니어처).

그러나 동시대 문화에 대한 Scriabin의 참여는 창의성과 예술관. 작곡가의 출발점은 예술적 창의성에 대한 낭만적인 개념이었습니다. 그에 따르면 후자는 삶에 내재하고 이 삶에 근본적으로 영향을 미칠 수 있는 것으로 이해됩니다. Scriabin의 동시대 인 Young Symbolist 시인과 철학자 (무엇보다도 Bely와 Vyach. Ivanov)는 예술의이 효과적인 힘을 개념으로 끌어 올렸습니다. 신이 이룩한 일. 그들이 꿈꾸고 상당한 수의 이론 작업을 바친 "미스터리 극장"의 주요 목표로 생각한 것은 마술 (마법, 변형)이었습니다.

일반적인 영적 격변 인 "우주의 불"- 그러한 행동의 궁극적 인 목표가 어떻게 정의 되더라도 그 아이디어는 1900 년대 묵시적 예언과 기대의 분위기에서 러시아에서만 발생할 수 있습니다. 일종의 역사적 카타르시스. Scriabin은 또한 "세계의 정화 및 재생 재앙"(Vyach. Ivanov)을 더 가까이 가져 오려고 노력했습니다. 더욱이 그는 다른 누구와도 달리 이 작업의 실제적인 구현에 관심을 가졌습니다. "보편성과 합창 활동에 대한 그의 이론적 입장"이라고 Vyach는 썼습니다. Ivanov,-본질적으로 내 열망과 달랐습니다. 직접 실무».

그들의 사회적 유토피아에서 예술 이외의 목표를 추구하는 러시아 상징 주의자들은 그럼에도 불구하고 예술에 정확하게 걸었다는 것이 특징입니다. 외과적 작업은 미적 작업과 복잡하게 얽혀 있었습니다. 실제로 예술에 대한 두 가지 접근 방식이 있었습니다. 특정 예술가가 작업에 넣는 악센트에 따라 다릅니다. 1910 년 Blok의 출판물 "러시아 상징주의의 현재 상태"에 대한 응답으로 Bryusov의 기사 "시를 옹호하는 노예의 연설"이 등장했을 때 Apollon 잡지 페이지의 논란에 반영되었습니다. Bryusov는이 분쟁에서 시인이 시인이 될 권리와 예술이 예술 일 뿐인 권리를 옹호했습니다. 이 입장을 이해하기 위해 우리는 시의 순수성, 예술적 자기 결정을 위한 투쟁이 처음에 상징주의 운동을 특징지었다는 것을 기억해야 합니다. 순수한 아름다움의 슬로건이 젊은 상징주의자들 사이에서 "아름다움이 세상을 구할 것입니다"라는 슬로건으로 대체되었을 때, 예술의 구원 사명에 대한 매우 심각한 이해 관계와 함께 미학적 과제가 다시 압박을 받을 위험이 있었습니다. 이 사실은 역사적으로 매우 특징적입니다. 세기의 전환기에 러시아 예술은 스스로를 해방하고 영원한 사회적 관심사의 부담을 떨쳐 버렸습니다. 어떤 종류의 묵시적 변형 행위에서 . Bryusov의 기사가 일종의 보호 경로와 함께 그러한 맥락에서 등장한 것은 놀라운 일이 아닙니다.

동시에 "젊은" 상징주의자와 "나이 든" 상징주의자 사이의 대립은 결코 과장되어서는 안 됩니다. 근본적으로 적대적인 진영의 깃발이 되기에는 그들의 작업에서 외과적 및 미적 원칙이 너무 밀접하게 결합되었습니다.

그들은 또한 Scriabin과 불가분의 관계였습니다. 작곡가는 그 시대의 문학적 투쟁에 참여하지 않았지만 의심할 여지 없이 자발적으로 신학적 방향을 지지했으며 그의 "신학적"의 실천적 지향에 대한 독특한 예를 제시했습니다. 이것은 고유한 미학적 문제가 그에게 낯설었다는 것을 의미하지 않습니다. Scriabin의 미학은 요염하게 세련된 사운드로 나타납니다. 특이한 하모니와 화려한 리듬의 세계에 몰입하는 것 자체가 자아실현의 유혹을 불러일으켰다. 그러나 작곡가는 자신의 발명품을 목표가 아니라 수단으로 생각했습니다. 1900년대 초부터 그의 모든 저술은 어떤 슈퍼 태스크의 존재를 드러낸다. 그들의 언어와 플롯은 심미적 사색보다는 공감에 호소한다. 마법의 의미는 오스티나토, 조화롭고 리드미컬한 "주문", 고조되고 강렬한 감정주의에 의해 획득되며, "폭과 높이를 끌어들여 열정을 엑스터시로 바꾸어 개인을 보편적으로 끌어 올립니다." 여기에는 Scriabin의 밀교, 특히 Prometheus의 신지학 적 상징도 포함됩니다. 그들은 작곡가가 그의 미스터리 계획과 관련하여 말한 참가자 및 동수에게 전달됩니다.

이미 언급한 바와 같이 정신의 급속히 성장하는 창조적 자의식에 그 본질이 있는 변혁적, 신학적 행위 역시 소나타 3번부터 시작되는 스크리아빈의 작품의 변함없는 주제였다. 앞으로는 점점 더 세계적인 규모를 획득했습니다. 이를 통해 우리는 여기에서 러시아 우주론 철학자들의 생각, 특히 지식권의 교리와 유추할 수 있습니다. V. I. Vernadsky에 따르면 noosphere는 영성의 집중이며 생물권과 병합되지 않고 변형 효과를 발휘할 수있는 지구의 특정 껍질입니다. 번역에서 "Noos"는 의지와 마음을 의미합니다. "의지"와 "마음"이라는 주제는 창조주 프로 메테우스의 주제와 함께 "불의시"의 첫 번째 마디에서도 탄생합니다. Vernadsky에게 noosphere의 영향은 엄청난 낙관적 책임을 수반합니다. Scriabin의 작곡은 또한 눈부신 결승전 승리로 끝납니다.

따라서 Mystery 버전, 즉 최종적이고 모든 것을 포괄하는 행위로서 치료가 구현되지 않았음에도 불구하고 치료의 시작은 Scriabin의 음악에 들어갔습니다.

Scriabin의 아이디어에 대해서도 비슷한 말을 할 수 있습니다. 보편성. 예술의 통일된 능력의 표현으로서의 소보노스트, 그 안에 있는 많은 사람들의 공모는 상징주의 문화 엘리트의 면밀한 관심의 대상이었습니다. Vyach는 이 아이디어를 특히 신중하게 개발했습니다. 이바노프. 미스터리 극장에 전념하는 그의 작품("바그너와 디오니소스적 행동", "예감과 예감")에서 그는 경사로의 제거, 무대와 커뮤니티의 병합과 같은 새로운 미스터리의 원칙을 다음과 같이 제시합니다. 뿐만 아니라 합창단의 특별한 역할 : Aeschylus의 비극에서와 같이 행동과 관련된 작은 것과 커뮤니티, 노래하고 움직이는 군중을 상징하는 큰 것. 이러한 합창극을 위해 저자는 특별한 건축적 설정과 일반 극장과 콘서트 홀과는 "완전히 다른 공간의 전망"을 의도했다.

Scriabin도 같은 방향으로 생각하여 먼 인도와 공의회 활동이 이루어져야 할 돔형 사원을 꿈꿨습니다. 그의 계획에는 경험의 통일성을 달성하기 위해 램프를 극복하는 것도 포함되었습니다. 램프는 연극의 의인화이며 그는 연극이 미스터리와 양립 할 수 없다고 생각하고 비용 때문에 Wagner의 뮤지컬 드라마를 비판했습니다. 따라서 공의회 행동에서 청중을 보지 않으려는 그의 의지는 "참가자와 동수"뿐입니다.

Scriabin은 공간적 및 시간적 경계에서 멈추지 않고 모든 인류의 "미스터리"에 참여하기를 원했습니다. 행동이 펼쳐지는 성전은 진정한 성전, 즉 지구 전체와 관련하여 거대한 제단으로 그에게 생각되었습니다. 그 행동 자체가 보편적인 영적 쇄신의 시작이 되어야 합니다. 작곡가는 "나는 어떤 것의 실현을 원하지 않고, 나의 예술로 인해 야기될 끝없는 창작 활동의 급증을 원한다"고 썼다.

동시에, 그러한 세계적으로 구상된 기업은 문자 그대로 전국적으로 이해되는 것과 거의 공통점이 없었습니다. 초민주적 아이디어는 처음에는 "예비 조치"의 스케치와 후기 창의성의 전체 문체 맥락에서 알 수 있듯이 매우 복잡한 구현 형태와 충돌했습니다. 그러나 이러한 모순은 스크리아빈 시대의 징후였다. 보편주의의 유토피아는 "개인주의의 질병"에 대한 인식과 그것을 극복하려는 열망의 결과로 발생했습니다. 동시에, 이 극복은 완전하고 유기적일 수 없었습니다. 새로운 신비의 이데올로기 자체가 개인주의 문화의 육체였기 때문입니다.

그러나 공의회 원칙은 Scriabin의 작업에서 자체 방식으로 실현되어 "웅장함"(작곡가 자신의 말을 사용)을 엿볼 수 있습니다. 그의 스탬프는 환희의 시로 시작하여 추가 금관, 오르간 및 종을 소개하는 교향곡 악보에 있습니다. "예비 행위"뿐만 아니라 이미 교향곡 1번과 "불의 시"에 합창단이 도입되었습니다. "Prometheus"에서 저자의 의도에 따라 그는 전례 효과를 높이기 위해 흰 옷을 입어야합니다. 대성당의 기능, 다중을 통합하는 기능, 스크리아빈의 종도 등장한다. 이 경우 오케스트라 악보에 종을 포함하는 것뿐만 아니라 예를 들어 소나타 7번에서 매우 광범위하게 표현되는 종 울림의 상징성을 의미합니다.

그러나 "미스터리"의 구성 요소를 하나 더 살펴보고 그에 따라 스크리아빈 미학의 또 다른 측면을 살펴 보겠습니다. 아이디어에 대해 이야기하겠습니다. 예술의 합성. 이 아이디어는 또한 동시대 사람들의 마음을 지배했습니다. 예술의 경계를 확장하고 그것들을 일종의 통일성으로 용해시키려는 생각은 낭만주의로부터 러시아의 상징주의자들에 의해 계승되었습니다. 바그너의 뮤지컬 드라마는 그들에게 기준점이자 긍정적인 비판의 대상이었다. 새로운 "총체적 예술 작품"에서 그들은 새로운 완성도와 종합의 새로운 질을 달성하고자 했습니다.

Scriabin은 그의 "미스터리"에서 소리, 단어, 움직임뿐만 아니라 자연의 현실도 결합할 계획이었습니다. 또한 Schlözer에 따르면 "낮은 감정의 재료에 의한 예술의 한계 확장이 그 안에서 일어났어야 했습니다. All-Art에서는 스스로 살아갈 수 없는 모든 요소가 애니메이션화되어야 했습니다." 실제로 Scriabin은 합성을 염두에 두었습니다. 감각독립 예술 시리즈보다 그의 "미스터리"는 연극 공연보다 전례에 더 끌렸다. 교회 향, 친교 의식 등을 기억한다면 아로마, 터치 및 맛의 "교향곡"에 대한 그의 환상에 대한 비유를 찾을 수있는 것은 사원 예배입니다. 그리고 그러한 "모든 예술"의 목표는 그리 많이 추구되지 않았습니다. 이미 위에서 언급했듯이 외과 적 미학.

그러나 Scriabin은 The Mystery 이전에 합성 아이디어를 키웠습니다. 그의 계획은 상징주의 시인들로부터 흥미로운 반응을 얻었다. 이것은 "Prometheus"에 헌정 된 K. D. Balmont "자연의 빛 소리와 Scriabin의 가벼운 교향곡"의 기사에 의해 입증됩니다. Vyach는 그들을 더욱 적극적으로 지원했습니다. 이바노프. 그의 기사 "Čiurlionis와 예술 종합의 문제"에서 그는 그러한 아이디어의 관련성에 대해 쓰고 설명을 제공합니다. Ivanov는 현대 예술가의 내적 경험이 예술의 제한된 가능성보다 더 넓다고 믿습니다. "인생은 이 예술을 이웃 예술로 전환함으로써 이 모순을 해결합니다. 여기서 새로운 표현 방식은 내면 경험의 표현 가능성을 향상시키는 데 적합한 혼합적 창조로 들어갑니다." 회화의 이 음악가인 Čiurlionis의 예를 사용하여 Ivanov는 개별 예술 영역 사이에서 일종의 중립적 위치를 차지하는 "축이 이동된" 예술가에 대해 말합니다. 그들의 유형은 매우 증상이 많지만 여기에서 원형은 F. Nietzsche입니다. "철학자는 철학자가 아니고 시인은 시인이 아니며 배신자 문헌 학자, 음악이없는 음악가 그리고 종교 없는 종교의 창시자."

Scriabin으로 돌아가서 음악 천재의 명백한 힘이 그를 "개별 예술 영역 사이의 중립적 위치"의 위험에서 구했다는 점에 유의해야합니다. 그녀는 그가 합성 계획에 대해 아무리 많이 이야기해도 "절대적", 순수한 음악의 길로 직관적으로 그를 끌어 들였습니다.

따라서 그의 작품에서 문학적 요소의 위치는 적어도 모순적이다. 한편으로 작곡가는 그의 작품 제목, 프로그램 논평, 산문 및시, 상세한 저자의 발언에서 알 수 있듯이 어휘 구조가 적용된 목적을 넘어서는 것처럼 보이는 단어에 집착했습니다. 마지막으로 독립적인 시적 실험입니다. 이 모든 것에 1900년대 초에 계획된 오페라의 대본, 환희의 시와 예비법의 텍스트를 추가합시다. 한편, 오페라도 '사전작업'도 하지 않은 것이 특징이다(개별 스케치 단편은 제외). 두 편의 로맨스와 첫 번째 교향곡의 젊고 불완전한 피날레를 제외하고 Scriabin이 만든 모든 것은 단어를 암시할 뿐 음악적으로 구체화하지는 않습니다. 분명히 그 단어에 끌리지만 동시에 그 단어의 거칠어지는 구체성을 두려워하여 작곡가는 궁극적으로 문학 텍스트의 무성 프로그램 버전을 선호했습니다.

이 경우 Scriabin은 색상 및 조명 효과의 비언어적 언어를 사용했기 때문에 가벼운 교향곡이라는 아이디어의 상황은 다소 달랐습니다. 이 아이디어는 진정한 발견이 되었으며 오늘날까지 광범위한 가설, 과학적 추측, 예술적 반성, 그리고 물론 저자의 의도에 더 가까운 것으로 보이는 기술적 구현 시도의 원천이 되었습니다.

그럼에도 불구하고 Prometheus의 예가 아무리 영감을 주더라도 Scriabin은 예술의 실제 종합 샘플을 거의 남기지 않았습니다. 대담한 이론가였던 그는 이 분야에서 극도로 신중한 실무자로 밝혀졌습니다. 그의 작품에서 그는 무의식적으로 상징주의 "웅변에 대한 두려움"을 반영하고 직관적으로 가능하고 따라서 세계를 적절하게 이해할 수있는 최고의 예술로서의 음악이라는 개념을 구현하는 순전히 악기 장르의 영역으로 자신을 제한했습니다.

그러나 이것은 그의 음악에서 "복잡한 느낌"의 문제를 제거하지 않습니다. 사실 소리와 단어, 색상 또는 제스처의 조합은 실제가 아니라 작곡의 "아스트랄 이미지"가 형성되는 상상의 공간에서 발생합니다 (작곡가 자신이 좋아하는 것처럼). 스크리아빈은 자신의 구두 발언에 대해 “거의 합성 작업 같다… 그들과 함께 쓰고 있어요." 물론 음악적 진술의 "자급자족"이라는 관점에서 볼 때, 악보의 가장자리 너머와 음악적 기호의 실루엣 뒤에 무엇이 있는지에 대해 이러한 보이지 않는 창의성 층에 대해 회의적일 수 있습니다. 음악가-연주자로부터 고정된 텍스트의 완전한 정체성(예를 들어, 그의 작곡과 관련하여 Stravinsky가 그랬던 것처럼). 그러나 그러한 접근 방식이 음악 B. L. Pasternak이 우연히 "슈퍼 음악"이라고 불렀던 Scriabin의 정신에있을 것 같지는 않습니다.

우리는 Scriabin의 작품에서 그의 예술관과 관련이 있고 Schlözer를 따라 "신비적"이라고 할 수 있는 특징을 조사했습니다. 이제 그의 작곡가의 사고에서 가장 중요한 몇 가지 원칙을 살펴보겠습니다. Scriabin 음악의 내부 구조, 구성 법칙, 시간과 공간, 음악적 전통, 또한 주로 철학적 아이디어연대. Scriabin에게 가장 중요한 것은 아이디어였습니다. 무한유토피아와 결합 단일성.

"별의 심연이 완전히 열렸습니다. // 별의 수는 없습니다. 바닥의 심연"-상징가들이 자주 인용하는 M. V. Lomonosov의 이러한 대사는 그 해의 감정 방식과 매우 일치했습니다. 실제, 즉 직접 경험한 무한의 원리는 태도의 유형과 상징주의의 예술적 방법을 모두 결정했습니다. 이 방법의 본질은 이미지의 깊이에 대한 끝없는 몰입, 숨겨진 의미를 가진 끝없는 게임이었습니다. 이유 없이 F. K. Sologub는 “실제 예술에서 객관적 세계의 이미지는 무한대를 향한 창에 불과하다.

세계의 무한성은 "두 번째 물결"의 러시아 상징가들에게 전 세계적으로 모든 것을 관통하는 의미를 지닌 존재의 통일성에 대한 생각이 아니라면 혼란과 두려움을 뿌릴 수 있습니다. 그들에게 그것은 기쁨, 직관, 낭만적인 꿈과 같은 철학적 교리가 아니었습니다. 이와 관련하여 Young Symbolists의 직계 전임자는 Vl이었습니다. S. Solovyov. 절대자 입문, 인간의 재탄생 완벽한 이미지하나님의 사랑의 철학과 밀접한 관련이 있습니다. 사랑은 자신보다 사람의 태도를 포용하며 혼돈, 부패, 시간의 파괴적인 작업을 극복할 수 있습니다. Solovyov와 그의 추종자들의 시적 가사에서 우주 이미지는 종종 그러한 통일되고 조화되는 원칙의 운반자 역할을합니다. 태양, 별, 달, 하늘색은 플라톤의 에로틱한 상승 신화의 정신으로 해석됩니다(플라톤에 따르면 에로스는 인간과 신 사이의 연결 고리이며, 지상 세계그리고 하늘의 평화). 그것들은 더 이상 낭만적인 시학의 전통적인 속성이 아니라 지상의 허영심을 비추는 신성한 빛의 상징입니다. 다음은 Solovyov의 시에서 발췌한 것입니다.

죽음과 시간이 지상을 지배하고,
당신은 그들을 주인이라고 부르지 않습니다.
회전하는 모든 것이 안개 속으로 사라지고
사랑의 태양만이 움직이지 않습니다.

Scriabin의 Four Sonata에서 Solovyov의 "사랑의 태양"에 대한 직접적인 비유를 찾습니다. 피날레에서 "반짝이는 불"로 타오르는 "멋진 광채"앞의 고통스러운 기쁨은 소나타의 주요 주제 인 "별의 주제"의 라이트 모티프 변형을 통해 전달됩니다. 예를 들어 "불의시"와 같은 후기 글에서는 우주 자체의 이미지가 나타납니다. 화합의 개념은 여기에서 주제별 극작술 수준이 아니라 조화 수준에서 구현됩니다. 따라서 거대한 의지의 긴장이 스며드는 것처럼 무한한 특정 구형 공간의 느낌입니다.

고려중인 평행선 측면에서 Scriabin의 음악적 계시의 에로틱 한 색채도 특징입니다. "나른함"과 "즐거움"의 모티프, "여성"과 "남성"의 극성, "애무" 제스처의 끝없는 변형, 마지막 엑스터시를 향한 멈출 수 없는 움직임 - 그의 작품의 이 모든 순간은 성적 학대에 대한 솔로비요프의 사과와 일치합니다. 사랑 (정통 기독교 신앙의 관점에서 아무리 모호하게 보일지라도). 예를 들어 D. L. Andreev는 Scriabin의 "신비한 풍만함"을 그의 어두운 전령의 선물에 기인합니다. 그러한 특성화가 공정하지 않을 것 같습니다. 발광 원리가 그의 음악에서 너무 명확하게 표현됩니다.

"모든 것의 모든 것"의 원칙은 이미 여기에서 언급되었습니다. "불의 시" 시대의 스크리아빈은 그의 신지학적 해석에 가까웠다. 이 원칙의 가장 일관된 구현, 즉 완전히 작동하는 조화 복합체를 통한 큰 형식의 준 직렬 구성이 작곡가의 가장 난해한 창작물인 프로메테우스에서 처음 수행된 것은 우연이 아닙니다. 그러나 Scriabin은 신지학 교리로 환원될 수 없는 더 넓은 기초에 대해 말하는 후기의 다른 저술에서 동일한 시스템을 고수했습니다. 어쨌든 절대자의 아이디어와 동등한 음악적 아이디어를 만들고 Balmont의 모토 인 "모든 얼굴은 하나의 hypostases, 흩어져있는 수은"을 구현 한 작곡가는 상당히 광범위하고 다양한 영적 경험을 요약했습니다 (현대 신- 셸링의 "세계 영혼" 교리에 대한 탐구와 새로운 해석).

Scriabin의 "모든 것의 모든 것" 원칙에는 공간적 및 시간적 매개 변수가 모두 있습니다. 전자가 "Prometheus"의 조화의 예에서 관찰 될 수 있다면 두 번째 경우에는 순간과 영원, 순간과 연장 사이의 불가분의 관계에 대한 아이디어가 중요한 역할을했습니다. 이 아이디어는 새로운 시의 많은 모티프를 제공했습니다(전형적인 예는 Vyach. Ivanov의 시 "Eternity and a Moment"입니다). 그것은 또한 상징주의 시인들의 미스터리한 유토피아의 밑바탕이 되었습니다. 그래서 Andrei Bely는 "음악을 통한" 세상의 변화에 대한 그의 초기 작품 중 하나에서 이 과정을 일회성 과정으로 생각했습니다. 그는 A. A. Blok에게 보낸 편지 중 하나에서 당신의 아이디어를 개발했습니다.

(인종 역사의 재구성을 통해) 인류의 전체 역사적 경험의 즉각적인 경험은 또한 그의 "미스터리"에서 Scriabin에 의해 고안되었습니다. 따라서 "스타일의 진화"라는 아이디어가 있습니다. 이 "스타일의 진화"가 무엇이었을지는 완전히 명확하지 않습니다. 다음 세대의 작곡가, 주로 Stravinsky는 다양한 스타일 모델의 작동을 통해 역사적 시간을 재생산했습니다. 아마도 Scriabin의 문체 일원론의 조건에서 작곡가 "과거의 어두운 깊이"를 의인화 한 준 Promethean 자음의 일반화 된 "고풍"이 생겼을 것입니다.

그러나 어떤 식으로든 헤아릴 수 없는 시간적 깊이를 음악으로 덮을 가능성은 오랫동안 Scriabin을 걱정했습니다. 이것에 대한 증거는 과거와 미래의 동시 경험이라는 아이디어가 라이트 모티프처럼 들리는 1900년대의 그의 철학적 노트입니다. "시간의 형태는 이와 같다"고 작곡가는 썼습니다. "나는 모든 사람을위한 것입니다. 이 순간나는 무한한 과거와 무한한 미래를 창조합니다. "깊은 영원과 무한한 공간"은 다른 곳에서 읽습니다. 이러한 생각은 "예비 작업"의 첫 줄에서 알 수 있듯이 창의적인 경로의 끝을 향해 더욱 강하게 느껴집니다. "다시 한 번 무한은 유한에서 자신을 인식합니다."

Scriabin의 시간 철학에는 현재의 범주가 거의 없다는 것이 흥미 롭습니다. Scriabin의 우주에는 실재를위한 자리가 없으며 그의 특권은 한 순간에 쏟아진 영원입니다. 반대로 "존재론적 시간"과의 평행을 통해 세워진 현재에 대한 사과가 특징인 스트라빈스키와의 또 다른 차이점이 있다. 물론 이러한 태도의 차이는 두 작가의 음악, 특히 과정으로서의 음악적 형식에 대한 이해에 반영되어 있다. 조금 앞으로 나아가면 영원과 순간의 양극화와 함께 Scriabin의 사운드 세계의 특수성이 작곡가가 "중간 형식"(V.G. Karatygin).

일반적으로 작곡가의 철학적 추론은 그의 음악 작업에 상당히 일관되게 구현되었습니다. 이것은 영원한 것과 순간적인 것 사이의 고려된 관계에도 적용됩니다. 한편으로 그의 성숙하고 후기 작곡은 지속적으로 진행되는 과정의 일부로 인식됩니다. 조화의 전체적인 불안정성은 건설적인 고립을 매우 문제로 만듭니다. 반면에 Scriabin은 시간에 따른 음악적 사건의 압축을 향해 일관되게 움직였습니다. 6악장 교향곡 1번에서 1악장 "황홀경의 시"까지의 경로가 여전히 성숙으로의 상승, 젊음의 장황함으로부터의 해방으로 간주될 수 있다면, 중기 및 후기 작곡의 음악적 과정은 다음을 드러냅니다. 전통적인 규범을 크게 초과하는 일시적인 집중.

일부 피아노 미니어처는 시간에 대한 일종의 실험으로 인식됩니다. 예를 들어 "Fancy Poem" op. "비행"과 "정신의 자기 확인"이라는 특성의 대규모 주제에 대한 45 개의 응용 프로그램은 매우 작은 크기와 빠른 속도로 결합됩니다. 결과적으로 작품의 지각 시간은 소리가 나는 시간을 초과합니다. 이러한 경우 작업 또는 해당 섹션이 끝날 때 작곡가는 막대 일시 중지를 설정하는 것을 좋아했습니다. 그들은 실제 물리적 시간의 경계를 넘어서는 초월적인 본질을 느끼기 위해 이미지에 대해 더 정확하게 생각할 수있는 기회를 제공합니다. 앞서 언급한 연극에서 op. 45 시는 미니어처와 연결되어 있습니다. 사실 이것은 제목에 기록된 주요 "특이성"입니다. 그러나 그러한 '기이함'의 속성은 스크리아빈의 다른 작품에서도 발견되는데, 시적 사건성이 순간으로 압축되어 힌트가 된다.

"사운드 침묵"은 일반적으로 작곡가의 정신에서 중요한 역할을했습니다. Sabaneev는 Scriabin의 특징적인 고백을 다음과 같이 인용합니다. ,-회고록은 이렇게 썼습니다. “그들도 비슷하게 들립니다. 또한 Sabaneev는 Scriabin이 작품을 연주 한 후 "박수 소리와 함께"무대에서 멀어지는 피아니스트를 참을 수 없다고 말합니다.

확장되고 순간적인 것을 식별하려는 Scriabin의 열망은 그의 "하모니 멜로디"로 입증됩니다. 이미 언급한 바와 같이 작곡가는 이 개념을 사용하여 수평과 수직의 구조적 동일성을 암시하였다. 선택한 사운드 콤플렉스의 완전한 독점 조건에서는 수평-수직 가역성 자체가 자연스럽습니다. 이 현상은 특히 Novovenet 작곡가의 직렬 기법에서 일반적입니다. 그러나 Scriabin에서 그러한 상호 의존성은 시간을 공간으로 특수하게 변환하는 형태를 취합니다. 이 기술은 상대적으로 작고 큰 구성 모두의 기초가 됩니다. Scriabin의 많은 테마는 멜로디 수평을 복잡한 수정과 같은 수직으로 접음으로써 구성됩니다. 이는 달성 된 통일성의 일종의 마이크로 이미지입니다. 예를 들어 피아노 곡 Desire, op. 57 - 설명된 "결정화" 방법에 의해 달성된 황홀 상태의 미니어처 버전. Garlands, op. 73, 여섯 번째 소나타 및 기타 Scriabin 작곡. 이 통합 효과가 없었다면 전통적인 마지막 경사로처럼 보였을 것입니다. 그들이 함께 모여 작업의 전체 사운드 콤플렉스를 "결정화"하는 것은 우연이 아닙니다.

우리는 스크리아빈의 음악에서 끝없는 과정의 상징화에 대해 이미 이야기했습니다. 이것의 큰 역할은 조화로운 언어의 시제 정적에 속합니다. 그러나 리듬은 음악의 시간적 과정을 직접 지휘하는 필수적인 기능도 수행합니다. 리듬과 관련하여 Scriabin은 음악이 분명히 시간을 "매혹"하고 심지어 완전히 멈출 수 있다고 주장했습니다. Scriabin 자신의 작업에서 그러한 정지 또는 사라짐의 예는 전주곡 op입니다. 전체 오스티나토 무브먼트가 포함된 74 No. 2. Sabaneev에 따르면 작곡가는 이 작품을 두 가지 방식으로 연주할 수 있는 가능성을 허용했습니다. 분명히 작곡가는이 전주곡이 "수세기 동안"지속되는 것 같고 영원히 "수백만 년"처럼 들린다 고 말했을 때 공연의 두 번째 버전을 염두에 두었습니다. 동일한 Sabaneev가 회상했듯이 Scriabin은 휴식없이이 전주곡을 여러 번 연속으로 연주하는 것을 좋아했으며 분명히 그러한 연관성을 더 깊이 경험하고 싶었습니다.

op의 전주곡이 있는 예. 74는 ostinato 원리가 이전에 Scriabin의 음악의 특징이 아니었음을 더욱 암시합니다. 작곡가의 리듬은 원래 템포 루바토의 광범위한 사용 인 낭만적 인 자유로 구별되었습니다. 후기에 이러한 배경에 대한 측정된 리듬 공식의 출현은 새로운 품질을 가져옵니다. 인간의 이중적 통일성-신성에서 Scriabin은 두 번째에 매료되어 그의 작업의 개별 페이지를 장엄하고 무감각하게 채색합니다.

그러나 리드미컬한 오스티나토 기법은 Scriabin에서 상당히 광범위한 표현 가능성을 보여줍니다. 전주곡 op. 74 No. 2는 우리를 존재의 반대편으로 데려가 "영원의 시계"를 듣도록 강요하고 다른 작품에서는이 기술의 도입이 급격히 상충됩니다. 짜임새의 충동적인 자유와 다중 조화와 결합하여 오스티나토의 "매혹적인" 힘은 악마적인 느낌을 얻습니다. 예를 들어, 아홉 번째 소나타 또는 The Dark Flame의 절정 코다에서 "시간을 멈추려는" 시도는 극적인 것 이상이며 혼란에 빠지게 됩니다. 여기 우리 앞에는 XX 세기 예술의 표현주의 경향과 접촉하는 "우울한 심연"의 이미지가 있습니다.

그러나 op의 전주곡으로 돌아가자. 74. 작곡가가 쉬지 않고 연속으로 여러 번 연주했을 때 그는 아마도 오스티나토 리듬뿐만 아니라 인도되었을 것입니다. 연극은 처음 시작했을 때와 동일한 문구로 끝나므로 반복 재생산이 가능합니다. 이것은 Scriabin의 음악에서 매우 중요한 것에 대해 이야기할 이유를 제공합니다. 원의 상징성.

Scriabin과 그의 동시대 사람들의 세계관은 실제, 즉 직접 경험한 무한대(또는 순간적으로 본 영원)에 의해 결정되었기 때문에 그 상징이 순환의 도형인 원이라는 것은 놀라운 일이 아닙니다(수학에서, 실제 무한대는 원 위의 무한한 수의 점으로 표현되는 반면 잠재성은 직선 위의 점으로 표현됩니다.

원의 상징주의는 신시에서 꽤 흔했습니다. "Circles in the Sand"를 예로 들어 보겠습니다. 3. N. Gippius, 그녀 자신의 "Countries of Despondency"와 "그러나 대담하지 않고 반지가 닫힙니다"라는 마지막 문구가 있습니다. Blok의시 "원 주위에 부드러운 원 그리기"를 기억할 수도 있습니다. Bely가 그의 기사 "Line, Circle, Spiral-Symbolism"에서 그러한 상징주의를 이론적으로 일반화하는 것이 가능하다고 생각한 것은 아무것도 아닙니다. 명명 된시는 존재의 억압적인 예정의 느낌으로 모입니다. Scriabin에서 우리는 때때로 운명과 죽음을 묘사하는 집중되고 제한된 상태를 관찰합니다. 그러나 작곡가의 원 공식은 또한 그의 진술의 특징적인 마법 암시 원칙 자체에 집중하여 더 넓은 표현 의미를 가지고 있습니다. 예를 들어 전주곡 op입니다. 67 No. 1, 의미심장한 설명이 포함된 Misterioso: 오스티나토 조화 배경에 대한 지속적인 멜로디 소용돌이는 성례전, 점술을 의미합니다.

특징적으로, Scriabin은 음악의 형식-구성 법칙에 대해 이야기할 때 종종 "순환" 은유에 의지했습니다. 그는 잘 알려진 논문을 소유하고 있습니다. "형태는 결국 공처럼 있어야합니다." 그리고 철학적 노트에서 작곡가는 자신의 우주 개념을 설명할 때 유사한 은유를 사용합니다. “그녀(우주의 역사. - T. L.) 그것을 비추는 모든 것을 포괄하는 의식의 초점을 향한 움직임이 있고 설명이 있습니다. 그리고 다른 곳에서: "현실은 무한한 공간과 시간 속에 있는 다중으로 나에게 나타나고, 내 경험은 무한히 큰 반지름의 이 공의 중심입니다." (…)

여기에 이미 인용된 Scriabin의 노트 중에는 그가 그린 그림이 있습니다. 본문에 거의 언급되지 않았지만 이 그림은 소나타 5번의 구성과 스크리아빈의 일반적인 생각을 놀라울 정도로 정확하게 반영하고 있습니다. 음악적 과정. 다섯 번째 소나타에 대해 말하면, 그 예는 열린 형식의 경향과 관련된 작곡가의 중요한 발견을 보여주고 있음을 강조해야 합니다. 지속적인 동적 성장의 효과를 기반으로 한 음악적 창의성의 유사한 현상은 1910년대에 이미 관찰되었습니다. 특히 Stravinsky의 The Rite of Spring 또는 Prokofiev의 Scythian Suite의 마지막 에피소드입니다. 그건 그렇고, 미스터리 행위에 대한 Scriabin의 토론에서 "바로 직전의 마지막 춤"이라는 이미지가 반복적으로 떠 올랐습니다. Stravinsky의 "Great Sacred Dance"가 비슷한 역할을합니다. 동시에 Scriabin의 엑스터시는 Stravinsky의 것과 다르며 성숙하고 후기 작곡에 포착된 그의 무한에 대한 경험도 구체적입니다.

보시다시피 큰 형태의 분야에서 Scriabin은 고전적인 계획을 외적으로 고수하면서 매우 대담하고 비정상적으로 생각했습니다. "미스터리"의 꿈은 그를 이러한 계획에서 훨씬 더 멀리 데려가도록되어 있었고 예상되는 장대 한 행동은 알려진 표준에 맞지 않았습니다. 그러나 작곡가는 음악적 물질의 마이크로 단위로 미묘하게 작업했습니다. 이것은 정교한 세부 기술, 예측할 수 없는 다양한 시분할, 그리고 각 소리의 고유한 가치가 점점 더 증가하는 매우 복잡한 화음 언어로 입증됩니다.

이 마이크로 및 매크로 형태의 복잡성,이 "플러스 또는 마이너스 무한대"는 Karatygin이 Scriabin이 "한 눈으로 어떤 종류의 멋진 현미경을 보았고 다른 눈은 거대한 망원경을 보았고 알몸으로 시력을 인식하지 못했다"고 썼을 때 의미했습니다. 눈." 이 대사를 인용한 글에서 저자는 스크리아빈 음악의 미시적 수준과 거시적 수준을 "궁극적 형식"의 개념으로 연결하고, "중간 형식"을 통해 "육안으로 접근할 수 있는 문장과 마침표의 수준을 이해한다. ". 이 "중간 형태"는 Scriabin의 보수주의와 학문주의로 구별되었습니다. Sabaneev는 악보에 작곡의 주제와 섹션을 재치있게 표시하는 데 사용했던 작곡가의 "회계 신중함"에 대해 말했습니다. 아마도 Scriabin의 "중간 형식"은 학업 비용이 아니라 일종의 자기 보존 본능인 "내부 메트로놈"(V. G. Karatygin)이었을 것입니다. 구심적이고 합리적인 시작은 일반적으로 상징주의 예술가들을 역설적으로 특징짓는데, 그들은 직관적이고 신비로운 것에 대한 모든 갈망을 가지고 "이성, 질서 및 체계의 시대의 나쁜 아이들"이었습니다. 스크리아빈의 헤아릴 수 없고 무한한 것은 "유한한 것으로 자신을 인식"하는 경향이 있으며("예비 조치"의 라인을 기억하십시오) 유한 차원과 숨겨진 갈등에 있는 명확한 출발점을 가지고 있습니다.

이 갈등은 Scriabin 작품의 존재 자체로 확장됩니다. 작품의 상태를 관찰하면 내부적으로는 일정한 지속 시간을 의도한 것처럼 보이지만 작품에는 시작과 끝이 있습니다. 어떤 의미에서 그들은 전체를 모델링합니다. 창조적 인 삶다섯 번째 소나타처럼 "끝나지 않고 멈췄다"는 작곡가. 오랫동안 The Mystery를 준비해온 Scriabin은 그의 프로젝트를 수행하지 않았습니다. 일종의 슈퍼 디자인에 개별 작품을 추가하는 것은 Symbolist 시대의 예술가들의 전형이었습니다. 그들은 미스터리 극장을 메시아적 과업의 최고의 성취로 보았고, 그 원대한 목표는 그들의 마음에 명확한 윤곽이 떠오르지 않았습니다. 이미 1900 년대 말에 Bely는 그의 치료 계획에 대해 다음과 같이 썼습니다. Scriabin은 그러한 실망을 경험하지 않았으며 마지막 날까지 그의 아이디어의 기사로 남아있었습니다. 따라서 그의 "동료 점"(V. Ya. Bryusov)보다 거의 갑자기 그리고 훨씬 일찍 죽은 그는 아마도 다른 누구와도 달리 꿈의 무한 이전에 인간 존재의 유한성에 대한 드라마를 구현했을 것입니다.

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후두가 치즈일 때, 영혼이 메마를 때, 나는 노래한다.
그리고 시선은 적당히 촉촉하고 의식은 교활하지 않다.
O. 만델스탐

이미 여기에서 여러 번 언급되었습니다. 문화적, 예술적 맥락 Scriabin의 작업, 특히 상징주의와의 연결. 작곡가를 세기 초의 영적 분위기와 연관시키면 그의 많은 아이디어의 본질을 더 잘 이해하는 데 도움이 됩니다. 한편, 그러한 광범위한 배경에 대하여, 스타일 방향 Scriabin과 그의 역사적 임무의 본질은 그가 두 시대의 교차로에서 살고 일했기 때문입니다.

Scriabin이 주로 비 음악적 접촉을 통해 현대 문화에 대한 그의 참여를 느꼈다는 것이 궁금합니다. 특정한 심리적 태도에 따르면 그는 작가, 예술가 및 철학자의 사회보다 음악가의 사회를 선호하면서 동시대 음악에 대해 (적어도 말로는) 상당히 무관심하거나 비판적이었습니다. 그의 작업은 결국 절대적인 음악의 경험이었지만, 마치 음악적 매개 고리를 우회하듯이 시대의 정신적인 아우라를 흡수하려고 노력했다.

우리는 이미 세기 전환기의 문화를 구별하는 예술적 세계관의 종합적 특성에 대해 이야기했습니다. 자신의 경계를 넘어 상호 침투하려는 예술의 경향은 곳곳에서 나타났다. 이와 관련하여 음악 활동의 성격에도 영향을 미치는 뮤즈 장관의 다각적 인 교육이 특징입니다. 그래서 V. I. Rebikov는시를 좋아했고 A. V. Stanchinsky는 단편 소설을 작곡했으며 화가 M. Chiurlionis, 시인 M. A. Kuzmin 및 B. L. Pasternak이 진지한 음악 실험을 수행했습니다. 뮤지컬 "그림", 시적 "교향곡"(Andrei Bely), 그림 같은 "푸가"및 "소나타"(M. Čiurlionis)가 이러한 배경에 등장한 것은 놀라운 일이 아닙니다. "실버 에이지"의 매우 창의적인 심리학, 최대한의 완전성과 조화로 세계를 이해하려는 열망은 본질적으로 낭만적 인 다른 예술에서 영감을 얻을 수있는 능력을 자극했습니다.

음악에서 이러한 추세는 제목, 설명, 구두 설명을 선호하는 새로운 프로그램 운동으로 나타납니다. 이러한 특징은 스트라빈스키와 같은 차세대 대표들이 그러한 구두 폭로를 좋아하지 않았기 때문에 더욱 두드러진다. 그들은 일종의 "불개입" 원칙인 자율성에 대한 음악의 권리를 옹호했습니다. 이러한 현상과 관련하여 Yu.N. Tynyanov는 상호 매력의 기간이 반발의 기간으로 대체되는 예술 발전의 특정 리듬에 대해 이야기합니다. 그러나 1910 년대 후반부터 이미 관찰 된 그러한 변화는 마음을 계속 지배하면서 새로운 형태를 얻었을 뿐인 예술 종합이라는 아이디어를 의제에서 제거하는 것을 의미하지는 않았습니다.

Scriabin은 끝까지이 아이디어에 충실했습니다. 환상의 비행에 휩싸여 "미스터리"에서 All-Art의 이상을 본 그는 자신을 완전한 창조자로 생각했습니다. 예를 들어 "예비 작업"이라는 시적 텍스트를 구성할 때 결국 공동 저자라는 개념이 제외된 것으로 알려져 있습니다. 작곡가 자신이 이 텍스트를 작곡했습니다. 그래서 실제로 그런 일이 일어 났고 Scriabin의 단어 (구체화 할 시간이 없었거나 대부분의 경우 "침묵", 프로그래밍 방식, 발음 할 수 없음)의 "신비적"비 실현 만이 문제를 부분적으로 제거합니다. 그의 합성 프로젝트의 불평등에 대해.

다른 운명은 여전히 마음을 흥분시키고 새로운 기술 실험의 원동력이되는 가벼운 교향곡에 닥쳤습니다. Scriabin 시대로 돌아가서 V. V. Kandinsky와의 유사점을 다시 한 번 기억합시다. "The Poem of Fire"와 연대순으로 동기화 된 그의 작곡 "Yellow Sound"는 처음부터 발생하지 않았습니다. 그 근거는 깊이 발달된 공감각이었다. Kandinsky는 Scriabin이 소리와 음조를 "본" 것처럼 색상을 "들었습니다". 회화의 음악성에 대한 내기는 일반적으로 이 작가를 구별시켰고, 자연스럽게 그를 색에 대한 감성적이고 상징적인 인식으로 이끌었다. 이러한 미적 프로그램은 Scriabin의 Prometheus보다 1년 후에 등장한 On the Spiritual in Art라는 논문에서 가장 완벽하게 공식화되었습니다. 주목할만한 것은 Kandinsky의 색상 특성에 대한 음색 해석입니다. 주황색은 그에게 "삼종기도를 부르는 중간 크기의 교회 종이나 알토의 강한 목소리처럼" 들립니다. 플루트와 그 깊이 - 저음의 목관 악기".

그러나 Scriabin은 공감각의 아이디어를 통해서만 현대 미술과 접촉하지 않았습니다. 여기에도 더 넓은 유사점이 있습니다. Scriabin 시대는 근대성의 시대였으며 오늘날 "웅장한 스타일"의 범주에서 점점 더 실현되었습니다. 이 스타일의 특징은 Scriabin에서도 찾을 수 있습니다. 이것은 Symbolist 경향에 대한 그의 내적 참여와 전혀 모순되지 않습니다. 결국 상징주의와 근대성은 연대순으로 평행한 현상만은 아니었다. 그들은 방법과 스타일, 내용과 형식으로 서로 결합되었습니다. 그림을 다소 단순화하면 상징주의가 작품의 내적 이데올로기 및 의미 론적 계층을 결정했으며 근대성은 "구체화"의 방법이라고 말할 수 있습니다. 이러한 현상이 다양한 유형의 예술에 집중된 것은 우연이 아닙니다. 아르누보가 조형 예술, 건축 및 디자인의 주제 환경을 포용한 반면 상징주의는 시와 철학의 순전히 "영적" 영역의 본거지였습니다. 외부와 내부의 비슷한 비율로 Scriabin의 작업에 영양을 공급했습니다.

이전 섹션에서는 주로 Scriabin 음악의 시간적 매개변수를 다루었습니다. 여기서 그녀에 대해 말하는 것이 적절합니다. 공간일부 미적 태도로 인한 특이성.

그러나 먼저 세기의 전환기에 음악과 공간 예술의 융합을 불러일으킨 것은 시각적 원리에 중점을 둔 아르누보라는 점에 주목해야 합니다. 음악 형식의 그림 같은 개념은 당시 작곡가 작품의 특징이었습니다. 적어도 Diaghilev에 대해 언급합시다. 단막 발레, 그의 음악에서 절차적 원리는 색상의 밝기를 위해 중화되는 것처럼 보였습니다. 동시에 뮤지컬 시리즈의 특정 시각화는 음악 건축학의 특징, 특히 모더니스트 스타일에서 일반적인 "더블 프레임"기법에 가까운 "림"효과에서 나타났습니다. 예를 들어 N. N. Tcherepnin의 "Army Pavilion"은 "활기찬 태피스트리"라는 아이디어에서 비롯된 것입니다. A. N. Benois의 풍경을 따라, 이 음악은 귀만큼이나 눈을 위한 것이었습니다. 아름다운 순간을 멈추기 위해 디자인되었습니다.

Scriabin은 실제로 극장을 위해 글을 쓰지 않았으며 일반적으로 어떤 종류의 연극 및 그림 같은 엔터테인먼트와는 거리가 멀었습니다. 그러나 그의 작품에서는 시대적 특징인 공간 감각의 함양이 드러난다. 우주의 구형 무한대에 대한 우주에 대한 그의 철학적 토론에서 이미 분명합니다. 어떤 의미에서 작곡가는 시간적 요소를 공간적 요소에 종속시켰다. 그의 음악적 크로노스는 이 구형 무한대에서 닫힌 것처럼 보이며 벡터 방향의 속성이 손실됩니다. 따라서 악장 자체의 고유한 가치는 Scriabin이 가장 좋아하는 형식이 춤과 놀이라는 것입니다. 여기에 음악이 일시적인 특성을 잊게 만드는 것처럼 보이는 발화의 동시성에 대한 앞서 언급한 갈망을 추가합시다. 추가 - 다양한 피아노 및 오케스트라 질감 방법으로 생성 된 소리가 나는 아우라의 컬트; "모양 - 공" 등의 정신으로 기하학적 플라스틱 협회

절묘한 가소성과 장식성을 갖춘 아르누보 스타일 자체에 대해 이야기하면 작곡가의 음악적 "유전자"가 이미 접촉하고 있습니다. 그의 계보가 귀족적으로 세련된 아름다움에 대한 쇼팽의 숭배와 일반적으로 낭만주의, 현대성의 영적 토양과 연결되어 있음을 상기하십시오. 전체적으로 쇼팽의 스타일이 풍부한 장식으로 구별된다면, 스크리아빈의 멜로디는 때때로 파동의 기본 모티프를 가진 선형 장식의 기법과 유사합니다(아르누보 스타일의 "콜링 카드"인 파동 신화는 "예비 조치"의 텍스트). "프로메테우스 6음"에 수반되는 음악 구조의 테마화 증가는 배경과 부조의 상호 침투를 가져오며, 이는 또한 새로운 예술의 거장들을 특징짓습니다. Scriabin에서는 조직적으로 분해 된 조화의 경우에 특히 분명합니다. 네 번째 배열로 인해 특정 육면체의 구조를 보여주는 "Promethean 화음"자체가 "결정의 기하학"이라는 느낌을줍니다. 여기에서 "항상 그리고 모든 것에서 물질의 결정 구조를 본 새로운 러시아 그림의 매우 구체적인 대표자와 비유가 이미 가능합니다. 직물, 나무, 얼굴, 형상 등 모든 것이 결정체이며 모든 것이 재료를 형성하고 구성하는 일종의 숨겨진 기하학적 법칙의 적용을 받습니다. 짐작할 수 있듯이 위의 M. A. Voloshin의 인용문에서 우리 대화하는 중이 야 M. A. Vrubel에 대해. 우리는 이미 악마 이미지와 블루 라일락 측면에서이 아티스트와 Scriabin의 비유를 언급했습니다. 그림 물감. 예술적 문제의 "결정성"은 또한 이러한 마스터를 더 가깝게 만들어 일반적인 스타일의 아치 아래에서 볼 수 있게 합니다.

예를 들어 Mamontov Theatre에서 Vrubel이 디자인 한 오페라 Rimsky-Korsakov와 달리 Scriabin이 Vrubel과 직접 접촉하지 않았다는 점은 더욱 놀랍습니다 (작곡가의 화가에 대한 의심 할 여지없는 관심에 대해서만 이야기 할 수 있으며 또한 회상합니다. Vrubel은 스크리아빈이 1909년 해외에서 돌아와 피아노에서 많은 시간을 보냈던 Kusevitsky 저택의 음악실에 그림이 걸려 있었다). 전기 출처는 종종 다른 예술가의 이름을 언급합니다. 따라서 Prometheus의 표지를 디자인 한 벨기에 화가 J. Delville 외에도 주제의 신비로운 색상과 동양에 대한 열정으로 작곡가에게 깊은 인상을 준 모스크바 예술가 N. Shperling은 Scriabin의 서클의 일부였습니다. Scriabin이 M. Čiurlionis의 모스크바 전시회를 방문한 것으로도 알려져 있습니다. 그럼에도 불구하고 그는 Čiurlionis가 "너무 환상적"이며 "그는 진정한 힘이 없고 그의 꿈이 현실이 되는 것을 원하지 않는다"는 점을 인정하며 이 스승을 평가했습니다.

그러나이 경우 결정적인 논거가되는 것은 전기적 사실이 아니라 예술가들의 상호 미적 일치 정도입니다. 그리고 여기서 Vrubel과 함께 Scriabin과 가장 가까운 아날로그는 앞서 언급 한 V. V. Kandinsky였습니다. 예술과 색 음악적 대응의 종합면에서의 유사성은 이미 언급되었습니다. 그러나 같은 "Poem of Fire"에서 Kandinsky의 미학 프로그램과 일치하는 다른 순간을 찾을 수 있습니다. Kandinsky가 그의 "구성"과 "즉흥 연주"에서 색상의 상징적 인식과 묘사된 대상으로부터의 해방에 이르렀다면 후기 Scriabin에서도 비슷한 일이 일어났습니다. 그의 프로메테우스는 음조의 연결에서 해방된 조화로운 그림의 한 예이다. 전통적인 음조적 사고에서 새로운 소리의 세계로의 출발은 어떤 간접적인 삶의 현실도 거부하는 것을 의미했습니다. 계략, 수수께끼 같은 사운드 아라베스크. 비유적 회화와 음조 음악(역사적으로 정당하다고 생각합니다) 사이의 유추를 허용한다면, 우리는 1910년대의 회화 및 음악적 혁신에서 이러한 겉보기에 흔들리지 않는 원칙을 남긴 어떤 유사점을 볼 수 있습니다. New Viennese 악파와 관련하여 해방된 음색 현상은 Schoenberg의 Klangfaibenmelodie 개념에 의해 결정됩니다. Scriabin은 거의 유사한 과정을 관찰했으며 Kandinsky와 함께 러시아 문화적 기원의 공통성, 창의성의 낭만적 인 토대 및 일종의 합성 방법으로 모였습니다. Kandinsky가 비유와 비객관성을 결합한 것처럼 Scriabin의 정교한 플레이 준음조 선율 어휘소와 공존하는 소리 장식의

새로운 러시아 그림과의 유사점을 결론 지으면 후기에 그의 스타일이 아르누보에서 추상화로의 진화에 따라 발전했음을 알 수 있습니다. 한편으로는 그의 음악에서 숨겨진 상징적 요소의 역할이 커졌다. 이미 언급했듯이 "Prometheus 코드"자체는 성공적으로 발견 된 사운드 색상이 아니라 Scriabin의 "Pleroma 코드"였습니다. 반면에 작곡가는 때때로 이전의 색채주의와 관능적 인 충만 함을 의식적으로 포기했습니다. 상징주의적 방법의 특징인 현상의 껍데기를 꿰뚫고자 하는 욕망은 어떤 단계에서 외부와 내부, 명시적인 것과 숨겨진 것 사이의 균형의 변화로 이어졌습니다. Scriabin은 더 이상 신학적 행동, 즉 변형에 매료되지 않고 다른 세계의 현실에 매료되었습니다. "Prometheus"에서 후기 전주곡까지의 경로, op. 60 ~ op. 74는 다채로움에서 단조로움으로, 그림의 단순함과 직진성에 이르는 길입니다. 작곡가의 다음 진술은 이러한 의미에서 중요합니다. ”

이 흑백 톤은 Scriabin의 마지막 전주곡을 지배합니다. 전주곡 op. 74 No. 2 작곡가는 "더 높은 화해"와 "백색 소리"와 같은 표현을 사용하여 "아스트랄 사막"이라고 불렀습니다. 우리는 이미 무한의 개념과 관련하여 이 연극에 대해 이야기했습니다. 현대 학자들은 또한 여기에 등장한 스크리아빈 피아니즘의 새로운 자질에 대해 20세기에 부합하는 글을 쓰기도 합니다. 이 품질의 출현 과정도 설명됩니다. 음색의 리드미컬 한 장식에서 리듬없는 음악적 아이디어와 시간의 소멸에 이르기까지. 이 스타일은 이미 Kandinsky의 "즉흥 연주"가 아니라 예술가 자신이 순수한 영성의 우화로 생각한 K. S. Malevich의 Suprematist 작곡과 함께 새로운 비유를 불러일으킵니다(Scriabin의 "아스트랄 사막"의 비유).

이 작품의 모든 것은 이 "최고의 화해"로 가득 차 있습니다. 처음에는 "어두운" 의미론을 가진 하강하는 목소리의 전체 오스티나토, 베이스의 빈 5도 프레임, 닫힌 공간에 계속 머무르는 것입니다. 분명히 "예비 행위"의 음악은 작곡가가 Sabaneev에서 연주 한 유사한 색상, 무형 성, 파편에 끌 렸습니다. "그는 저에게 말했습니다. "라고 회고록은 회상합니다. 음악에서 이러한 울림을 느껴보십시오. 이 놀라운 천은 인간의 목소리로 노래하지 않았고 오케스트라 색상으로 들리지 않았습니다 ... 그것은 유령 같은 울림으로 가득 찬 피아노, 세상이었습니다. 이 단편들이 실제로 얼마나 "피아노와 같았는지" 그리고 저자가 어떻게 편곡할 수 있었는지 말하기는 어렵습니다. 그는 무형의 소리, 비 물질화, 신성한 "생각의 침묵"이 필요하다는 것이 분명합니다.

옛날 옛적에 젊은 소나타 1번에서 Scriabin은 장례식 행진의 합창 에피소드에 "Quasi niente" - "아무것도 아닌 것처럼"이라는 말을 덧붙였습니다. 준로맨틱 프로그램의 틀 내에서 이 에피소드는 분명히 죽음에 대한 은유로 인식되었다. 훗날 비슷한 이미지가 타자의 섭리, 우주의 무한한 공간으로의 출구처럼 들린다. Quasi niente op. 74는 Malevich의 "검은 사각형"을 연상시킵니다. 이 모든 가능성의 한계, 무와 모든 것의 상징입니다. 아방가르드 회화의 절대주의적 실험과는 달리 이 초월적 이미지는 그의 지상 존재의 끝과 상징적으로 일치하는 스크리아빈의 마지막, 최종 이미지로 판명되었다는 점만 주목할 수 있습니다.

보시다시피 Scriabin과 낭만주의의 유전 적 연결은 20 세기 예술 및 아방가르드 예술가의 작품과 직접 접촉하는 그의 작품 측면이 나타나는 것을 막지 못했습니다. 사실 이것에서 그의 역사적 사명의 경계, 구속력이 드러났습니다. Scriabin은 Bely가 "우리는 이번 세기와 그 세기의 자녀이며 우리는 차례의 세대입니다. "라고 쓴 세대에 속했습니다. 실제로 전체 시대는 Scriabin의 작업으로 끝났습니다. 1915년, 제1차 세계대전이 발발하던 19세기의 낭만적인 이 "공식적인 장례식"에서 그가 죽었다는 사실 자체가 이미 상징적이었습니다. 그러나 작곡가의 발견은 미래를 향하여 현대 음악 예술의 많은 특징적인 경향을 정의했습니다. 그것이 그의 것과 어떻게 관련되어 있는지 봅시다. 20세기의 음악.

위에서 몇 가지 중요한 유사점을 이미 언급했습니다. 빛과 음악 합성에 대한 아이디어는 스크리아빈을 칸딘스키뿐만 아니라 쇤베르크에 더 가깝게 만들었다. "Prometheus"보다 3년 후인 Schoenberg의 모노드라마 "The Happy Hand"에서는 밝은 음색 시스템이 사용되었습니다(Scriabin은 오히려 "가벼운 하모니"를 가졌습니다). 그건 그렇고, "보이는 음악"의 세 주인공은 모두 1912 년 뮌헨 연감 "The Blue Rider"의 페이지에 발표되었습니다. Kandinsky와 Schoenberg는 자신의 이론 작품이고 Scriabin은 Sabaneev의 "Poem of Fire"에 관한 기사입니다. . 그러나 Klangfarbenmelodie 정신의 기술에서 후기 낭만주의로 거슬러 올라가는 특정 억양 조화 공식에 이르기까지 다른 측면도 후기 Scriabin의 Novy Viennese 학교의 표현주의와 통합되었습니다. 유럽 규모에서 Scriabin에 대한 일종의 공명은 이미 후기에 O. Messiaen의 작업이었습니다. 프랑스 마스터 음악의 이러한 속성은 정서적 구조의 황홀한 고양, "과도한"경향, 전례 행위로서의 창의성에 대한 태도와 같은 Scriabin에 언급됩니다. 그러나 Scriabin의 경험은 러시아 작곡가의 음악에서 가장 명확하게 굴절되었습니다. 더욱이 유사점이 아니라 직접적이고 모호하지 않은 영향의 형태입니다.

따라서 1910-1920년대 러시아 뮤지컬 아방가르드에 대한 탐색은 스크리아빈으로 거슬러 올라간다. 흥미롭게도 낭만주의 시대의 결선 진출자는 아방가르드 개념을 예견했다. 음악적 창의성그의 젊은 동시대인 반낭만주의자인 프로코피예프와 스트라빈스키보다 훨씬 더 그렇다. "Poem of Fire"와 관련하여 우리는 이미 Scriabin의 예술적 "가장자리", "한계"에 대한 탐구에 대해 이야기했습니다. ", 다른 한편. 상징주의 문화의 대표자들과 그들을 대체하기 위해 온 전위 예술가들 모두 비슷한 유토피아적 사상을 특징지었습니다. Scriabin의 후기 작업에서는 사운드 물질의 특별한 "증류", 직접적인 영향과 전통으로부터의 정화를 동반하는 혁신적인 검색의 확장 자체에도 주목합니다. 아방가르드 작곡가들은 언어 문제에 관심을 집중하고 미래 음악의 특정 모델을 만들기 위해 노력하면서 유사한 작업을 설정했습니다.

Scriabin의 후계자 중에는 혁명 후 러시아를 떠나 국경을 넘어 경험을 쌓은 사람들이 있습니다. 이들은 특히 A. S. Lurie, N. B. Obukhov, I. A. Vyshnegradsky입니다. 그들의 작업에서 "미스터리"의 창조주와의 순수한 영적 연결도 드러납니다. 예를 들어, Obukhov는 수년 동안 Scriabin의 프로젝트와 유사한 종교적이고 신비로운 성격의 작품 인 "The Book of Life"라는 아이디어를 키 웠습니다. 그러나 언어 혁신 분야의 연속성은 여전히 지배적이었습니다. 같은 Obukhov는 "두 배가되지 않는 12 톤의 조화"의 창시자였습니다. 반음계의 모든 소리의 고유한 가치와 동등성을 확인하는 이 체계는 Schoenberg의 12음법과 후기 Scriabin의 조화를 반영했습니다.

Ultrachromatics에 대한 추세는 Lurie와 Vyshnegradsky에 의해 차례로 개발되었습니다. 첫 번째가 표현에 국한된 경우 이 방법(1915년에 그는 미래지향적인 잡지 궁수자리(Sagittarius)에 짧은 이론적 서문이 선행된 4분음조 피아노의 전주곡을 출판했습니다.) 두 번째로 그것은 근본적인 성격이었습니다. Vyshnegradsky는 20세기 음악에서 마이크로 간격 기법의 지지자 중 한 명이었습니다. 이 기술의 도움으로 그는 평균율의 불연속성을 극복하여 "사운드 연속체"라는 교리를 기반으로 만들었습니다. 작곡가가 Scriabin을이 경로의 직속 전임자로 간주 한 것은 주목할 만합니다. 자신이 인정한 바에 따르면 그는 스크리아빈의 후기 작곡을 울트라크로매틱 키로 들었고 심지어 9번 소나타와 10번 소나타, 녹턴 시 op.를 4분음 녹음에 적용하려고 시도했습니다. 61. Vyshnegradsky는 Scriabin의 예언을 전체적인 방식으로 인식하고 그의 작업의 다양한 영역에서 실현하기 위해 노력했다는 점을 강조해야 합니다. 그래서 그는 톤을 리듬의 영역으로 나누는 기술을 투영하고, 빛과 소리의 조합에 대해 생각하고, 그의 계획을 이행하기 위해 특별한 돔형 방을 설계했습니다. 마지막으로 그는 "미스터리"라는 아이디어에 대한 자신의 방식으로 "존재의 날"이라는 구성을 만들었습니다.

Vyshnegradsky는 Scriabin의 경험을 유럽 공간으로 직접 가져온 인물 중 한 명입니다. 1920년 러시아를 떠난 그는 베를린에서 W. Möllendorff 및 A. Haba와 접촉했으며 4음조 작곡가 회의에 참가했습니다. 그는 인생의 대부분을 프랑스와 연결했는데, 그곳에서 30년대 말에 그는 Messiaen의 관심을 받았고 전후 몇 년 동안 P. Boulez와 그의 학교와 접촉하게 되었습니다. 그리하여 이주한 스크리아비니스트들 덕분에 유럽의 음악적 아방가르드가 스크리아빈의 발견을 동화시켰을 뿐만 아니라 두 파동 사이에 연결이 이루어졌습니다.

러시아에서 Scriabin의 유산은 어떻게 되었습니까? 작곡가의 생애 동안에도 많은 음악가, 특히 모스크바 인근 환경에서 온 많은 음악가가 그의 영향력을 경험했습니다. 그들 중 하나는 A. V. Stanchinsky로, 그의 작품에서 Taneyev의 "구성주의"(엄격한 다성적 형식을 선호하는 경향)는 Scriabin의 정서적 충동 및 고양과 결합되었습니다(어떤 의미에서 이 "이상한" 공생은 해결되지 않은 상태로 남아 있습니다. Stanchinsky의 인생 경로도 단축되었습니다. 일찍). "혁명적"인 1920년대를 포함하여 다음 몇 년 동안 거의 모든 젊은 작곡가들이 스크리아빈에 대한 열정을 겪었습니다. 이 열정의 원동력은 마스터의 시기 적절한 출발과 그의 혁신 정신, 특히 현대 음악 협회 회원 인 작곡가와 가까운 그의 혁신 정신이었습니다. Scriabin의 표시 아래 S. E. Feinberg의 작업이 펼쳐졌고 그의 스타일의 영향은 N. Ya. Myaskovsky, An의 여러 작업에 반영되었습니다. N. Aleksandrova, A. A. Kreina, D. M. Melkikh, S. V. Protopopov(우리는 이미 "예비 조치"를 재구성하려는 Protopopov의 시도를 언급했습니다).

음악가들은 Scriabin의 통찰을 이해하고 그의 비현실적이고 미래 지향적인 아이디어를 구현하려는 열망에 의해 움직였습니다. 동시에 Scriabin의 경험(이미 1916년에 ultrachromatism에 대한 논쟁으로 시작됨)에 대한 이론적 이해와 작곡가 연습에 대한 소개가 있었습니다. 이런 의미에서 N. A. Roslavets의 모습은 주목할 만합니다. 그의 작품에서 후기 Scriabin의 사운드 센터 기술과 유사한 "synthetaccord"이론을 사용했습니다.

Roslavets는 자신의 말로 Scriabin과의 친족 관계를 독점적으로 "음악 형식으로 보았지만 결코 이데올로기 적 의미는 아닙니다"라고 본 것이 특징입니다. Scriabin 전통과 관련된 이러한 기술은 일종의 "이데올로기 적 두려움"의 결과였으며 그 이유는 추측하기 어렵지 않습니다. 1920년대에 많은 사람들이 스크리아빈의 신지학적-신비적 계시에 대해 진지한 주장을 펼쳤는데, 그것은 적어도 어제만 같았고 황폐한 퇴폐에 대한 찬사였습니다. 반면에 그는 Scriabin에서 반동의 설교자만을 본 RAPM 지도자의 범주 적 허무주의를 격퇴했습니다. 이상주의 철학. 어쨌든 작곡가의 음악은 후자의 성격이 무엇이든 간에 이데올로기적 교리에 희생될 것이라고 위협했습니다.

그러나 국내 문화는 궁극적으로 Scriabin에 대한 "음악 형식"태도에 국한되지 않았습니다. 1920년대의 전반적인 분위기는 그의 저서에 담긴 영웅적 행동주의와 반항적인 파토스와 조화를 이뤘다. 작곡가의 변형적인 유토피아도 그 시대의 세계 그림에 맞습니다. 그녀는 Asafiev가 "해방 노동의 신비"(1920년 5월 페트로그라드에서 연기)와 같은 당시의 대규모 사건을 불렀던 것처럼 새로운 "합성 유형의 외부 공기 형태"로 예기치 않게 반응했습니다. 사실, 이 새로운 미스터리는 이미 완전히 소비에트였습니다. 보편성은 "대중적 성격"으로, 치료는 선전으로, 신성한 종은 공장 경적, 사이렌 및 대포로 대체되었습니다. Bely가 Vyach를 쓴 것은 당연합니다. 이바노프: "당신의 오케스트라는 같은 소비에트입니다."

일반적으로 1920 년대에 Scriabin에 대한 소비에트 신화가 탄생했으며 이는 다소 장수 할 운명이었습니다. 그는 Scriabin을 혁명의 휘발유라고 불렀던 A.V. Lunacharsky의 노력 없이는 태어났습니다. 이 신화는 다양한 형태로 표현되었습니다. 10월 사건의 뉴스 릴에 대한 대위법으로 "환희의 시" 또는 붉은 광장에서 군사 퍼레이드의 신격화로 "신성한 시"의 피날레 - 그 중 일부 . Scriabin에 대한 그러한 일방적 인 해석은 말할 것도없고 그에 대한 접근 방식으로 그의 유산의 상당 부분이 관심의 범위 밖에 남아있었습니다.

이것은 주로 소비에트 신화 나 예술의 해당 평가 태도에 맞지 않는 후기 작품에 적용됩니다. 특히 세계 악의 이미지를 구현하는 9 번째 소나타입니다. 곁부분의 재현 연주에서는 소비에트 시대의 관료적 낙관주의에 대한 자신의 설명을 가지고 있는 작곡가 D. D. 쇼스타코비치의 교향곡에 나오는 "침략 행진곡"과의 혈연 관계가 포착된다. 그 공통점은 두 작곡가의 그로테스크한 행진 에피소드가 초기에 긍정적인 이미지의 깊은 변형의 결과인 "신성에 대한 모독"의 행위로 작용한다는 사실에서도 드러난다. 이러한 리스트의 낭만주의 전통의 발전은 19세기와 20세기를 잇는 스크리아빈의 통찰의 힘을 증명한다.

스크리아빈의 영향 새로운 음악대부분의 경우 멈추지 않았습니다. 동시에 그에 대한 태도가 달랐고 관심의 조수가 썰물과 번갈아 가며 나타납니다. 조수를 염두에 둔다면 1920년대와 함께 후대에 대해서도 이야기해야 한다. Scriabinianism의 두 번째 물결은 1970 년대에 시작되었습니다. 어떤 문화적 패러다임의 변화에 따라 새로운 감정 양식이 형성되었고, 오랫동안 지배되었던 노이에 사흘리히카이트의 미학과는 대조적으로 낭만적인 바이브가 다시 힘을 얻었다. 그리고 이러한 맥락에서 Scriabin으로의 복귀는 매우 징후적이었습니다.

사실, 1920년대와 달리 이번 귀국은 노골적인 순례의 성격을 갖고 있지 않습니다. Scriabin의 경험은 새로운 심리적 분위기에 해당하는 새로운 악센트로 인식됩니다. 모든 것이 현대 작가와 가까운 것은 아닙니다. 그들은 Scriabin의 자기 중심주의와 과도한, 따라서 인위적인 행복감으로부터 스스로를 보호하려고 노력하는 것 같습니다. 이것은 특히 그의 인터뷰 중 하나에서 A. G. Schnittke에 의해 언급되었습니다. 실제로, 현대 세계 20 세기의 모든 대격변을 겪었으므로 그러한 과잉은 거의 불가능합니다. 세기의 새로운 전환은 새로운 묵시적 의식을 불러일으키지만, 더 이상 영웅적인 메시아주의가 아니라 회개하는 고백의 형태로 나타납니다. 따라서 영적 금욕주의는 "신비적 풍만함"보다 선호됩니다 (D. L. Andreev가 "환희의시"의 감정적 어조를 정의한 것처럼).

그러나 Scriabin으로부터의 반발은 종종 반대쪽그에게 매력. Scriabin과 세기 초의 낭만주의는 창의성에 대한 새로운 아이디어와 관련이 있습니다. 이와 관련하여 특징은 예술의 내재적 가치를 거부하는 것입니다. 세계를 변화시키는 유토피아의 정신이 아니라면 명상의 정신입니다. 세기 중반 문화를 나타내는 현재 순간의 물신화는 영원의 기준에 자리를 내어주고 있습니다. 공간의 벡터 감각은 다시 구체의 무한대로 닫힙니다.

이러한 의미에서 Scriabin의 형태를 구체로 이해하는 것은 예를 들어 모든 요소가 미리 제공되는 V. V. Silvestrov의 작업에서 아이콘 구성의 원리에 가깝습니다. Silvestrov를 사용하면 흔들리는 그림자, 진동, 질감이 있는 음색 에코(“호흡”)와 같은 소리가 나는 아우라의 잊혀진 효과가 되살아납니다. 이 모든 것은 Scriabin의 작품의 메아리가 들리는 "우주 목회자"(저자 자신이 자신의 작품이라고 함)의 표시입니다.

동시에 Scriabin의 "더 높은 정교함"은 "더 높은 웅장 함"보다 현대 작곡가에게 더 많은 것을 말하는 것 같습니다. 그들은 또한 20세기에 많은 파괴적 결과를 낳은 영웅적 자기 긍정의 파토스와 행동주의 정신에 가깝지 않습니다. 스크리아빈에 대한 이러한 인식이 근본적으로 그에 대한 소비에트 신화의 대안임을 쉽게 알 수 있습니다. 그러나 여기에서 최근 몇 년간의 작업을 채색 한 문화 후기 단계의 반영도 느껴집니다. 그것은 Postlude 장르에서 만들어진 동일한 Silvestrov의 작품에 반영됩니다.

최근 수십 년 동안 스크리아빈으로 전환하게 된 충동 중 하나는 러시아 철학자들의 유산을 포함하여 은 시대의 영적 부의 발전이었습니다. 작곡가들은 그 당시의 종교적 탐구와 예를 들어 N. A. Berdyaev가 Scriabin이 사망한 지 1년 후에 등장한 책인 "창의성의 의미"에서 공식화한 예술에 대한 아이디어를 모두 다시 인식하고 있습니다. 그의 시스템과의 접촉점 생각. 1920년대에 B.F. Schlözer는 "작가와 음악가는 한 지점에서 조화를 이룹니다. 은혜가 아니라 본질적으로 그의 신성한 아들됨을 확증합니다.

현 세대의 음악가 중에서 이러한 사고 방식은 Scriabin과의 연속적인 연결을 가장 공개적으로 가정하는 작곡가 V. P. Artyomov와 매우 유사합니다. 이 연결은 "영역의 음악"을 듣고자 하는 욕구와 일종의 슈퍼 사이클(4부작 "Symphony of the Way")을 형성하는 주요 작품의 철학적 및 종교적 프로그램 모두에 있습니다.

그러나 자신의 방식으로 예술 종교의 개념을 구현하는 S. A. Gubaidulina의 작품도 끝없이 지속되는 전례의 일부로 인식됩니다. Scriabin은 "절대 음악"을 통해 이러한 아이디어를 표현했으며 동시에 공감각의 형태로 보편성을 테스트했습니다. Gubaidulina에서는 기악 장르의 작품에 대한 헤게모니와 함께 "Light and Dark"(오르간용)와 같은 연극의 트랜스뮤지컬 표현력이 주목을 받고 있으며, 또한 그녀의 Mosfilm 영화에서 비롯된 색상 상징주의의 아이디어가 주목을 받고 있습니다. 그리고 음악 실험. 장군은 또한 숨겨진 기호와 의미에 호소하는 난해한 창의성 창고에서도 볼 수 있습니다. Gubaidulina의 수치적 상징주의는 특히 그녀의 작품에서 피보나치 수열을 사용하는 "불의 시"의 복잡한 조화와 도량형 조합의 메아리로 인식됩니다. 우주 리듬과 우리의 연결".

물론 현대 작가들의 음악의 이러한 특징과 다른 특징은 스크리아빈의 기원으로 축소될 수 없습니다. 그 뒤에는 러시아 음악가의 발견을 이미 승화시킨 후기 아방가르드의 실험뿐만 아니라 세계 문화에 대한 오랜 경험이 있습니다. 현재 세대의 거장들은 O. Messiaen 또는 K. Stockhausen과의 인터뷰에서 더 기꺼이 언급합니다. 이것은 후자에 대한 역사적 근접성뿐만 아니라 아마도 Scriabin의 서양 음악 혁신이 "순수한"비 이념적 발전의 전망을 가졌다는 사실로 설명 될 수 있습니다. 반면에 "Scriabin 신화"의 반발은 러시아 예술에서 Scriabin의 현재 부흥을 특징 짓습니다.

그럼에도 불구하고 1920년대의 특징인 프로그램과 선언문의 부재가 새로운 스크리아비니안주의를 덜 명백하게 만들지는 않습니다. 더욱이 오늘날 그것은 "음악-공식"(N. A. Roslavets에 따르면) 연결의 시연 일 뿐만이 아닙니다. 결국, 그 뒤에는 문화적 나선의 비슷한 지점과 "우주의 같은 부분에서"발생한 영적 경험에 대한 호소 인 세계의 일반적인 그림이 있습니다.

작곡가, 피아니스트, 교사.

고귀한 가정에서 태어났습니다. 아버지 - Nikolai Alexandrovich Skryabin - 터키에서 외교관으로 봉사했습니다. 어머니 - Lyubov Petrovna (nee Shchetinina) - 뛰어난 피아니스트였으며 T. Leshetitsky의 St.

5 살 때 Scriabin은 피아노에서 들었던 음악을 즉석에서 쉽게 재현했으며 8 살 때 클래식 샘플을 모방하여 오페라 "Lisa"를 작곡하려고했습니다. 젊은 음악가의 뛰어난 음악적 재능을 알아 차린 S. I. Taneyev는 그와 함께 공부하기 시작했습니다 (본질적으로 그는 Scriabin의 작곡 기술의 토대를 마련했습니다). 나중에 그는 Scriabin을 G. E. Konyus에게 보냈습니다. 추가 수업“음악가에게 필요한 모든 것 ... Scriabin에서 자연스러운 삶으로 살았으며 자연 자체가 준비했습니다. 대부분의 경우 이론적 레이블 (이름, 용어 등)을 이미 배운 것으로 밝혀진 것에 이론적 레이블 (이름, 용어 등)을 부착하는 것이 저에게 남아있었습니다.”(Engel Yu. A. N. Skryabin. 전기 에세이. P. 21-22) . 가족 전통에 따라 11 세에 그는 제 2 모스크바 생도 군단에 입대하여 공부 첫해에 피아니스트로 콘서트에서 공연했습니다. 아버지의 여동생 Lyubov Alexandrovna의지도하에 집에서 공부 한 후 1885 년에 그는 N. S. Zverev와 피아노 레슨을 시작했습니다. 생도 군단을 졸업하기 1 년 전인 1888 년에 그는 피아노와 자유 작곡의 두 가지 전문 분야에서 모스크바 음악원에 입학했습니다. 1892 년에 그는 최종 시험에서 "5 플러스"등급을받은 V. I. Safonov 클래스에서 작은 금메달로 음악원을 졸업했습니다 (Scriabin의 이름은 모스크바 음악원의 뛰어난 졸업생의 대리석 명판에 나와 있습니다). 그는 또한 Taneyev (엄격한 스타일의 대위법) 및 A. S. Arensky (푸가, 자유 작곡)와 함께 공부했습니다. 그러나 Arensky와의 관계는 잘 풀리지 않았습니다 ( "canon and fugue"마크 "three"의 재검토를 위해 학생을 배치). 그는 또한 작곡가를 위한 온실 교육 프로그램에 적합하지 않아 Arensky를 더욱 짜증나게 했습니다. .327). 결과적으로 Scriabin은 작곡가 졸업장 시험에 응시할 수있는 허가를받지 못했지만 모스크바 음악원에 입학했을 때 mazurkas op. 3, 전주곡 op. 열하나.

모스크바 음악원을 졸업 한 후 공부하는 동안 되풀이 된 오른손 질병의 악화로 인해 그는 인생에서 어려운시기를 보냈고 유명한 St. , Scriabin을 보냈습니다. 유럽 여행. 역시 Safonov가 조직한 2차 투어에서 Scriabin은 일련의 콘서트를 수행하여 뛰어난 작곡가이자 피아니스트로 인정받았습니다. 그는 거의 자신의 작곡만을 연주했으며, 피아니스트 스타일의 낭만적인 세련미와 영성으로 청중을 사로잡았습니다.

1898 년에 Safonov는 여러 형식과 일부 교사의 불만을 우회하여 Scriabin을 초대하여 모스크바 음악원에서 특수 피아노를 가르쳤습니다. 리뷰에 따르면 그는 뛰어난 교사였습니다. 탄탄한 교사이며 훌륭한 지식과 사랑으로 사업을 수행합니다. 나는 그가 모스크바 음악원 최고의 교수라고 거의 확신합니다.”(인용: Skryabin A.N. Letters. M., 1965. P. 217). Scriabin은 주로 교육적이고 교육적인 자료로 젊은 피아니스트를 가르치는 전통을 깨뜨린 최초의 사람 중 한 명이었습니다. 기술력에 따라 예술성이 높은 레퍼토리를 학생들에게 선곡했다. M. S. Nemenova-Lunts의 회고록에 따르면 동시에 그는“때때로 확실히 실현할 수없는 것처럼 보였던 힘들고 냉혹 한 기술 요구 사항을 제시했습니다. 그의 관심의 초점은 그가 마술사이자 마술사로 소유 한 "소리"였습니다.”(Nemenova-Lunts M.S. Skryabin - 교사 // 소비에트 음악. 1948. No. 5. S. 59). 그는 특별한 기술 연습을 발명했지만 학생의 창의적 개발도 담당했습니다. 주로 Scriabin이 매우 높고 책임이 있다고 생각하는 "예술가의 직함"에 대해 수업에서 자주 토론했습니다 (Ibid.). 짧은 작업 시간(1904년까지) 동안 그는 Nemenova-Lunts, E. Beckman-Shcherbina 등과 같은 뛰어난 피아니스트를 훈련했습니다.

Scriabin은 그의 교육 활동을 강렬한 작곡가 창의성과 결합했습니다. 그는 상징주의 시인들의 작품을 좋아했습니다. 그는 철학계 (V. S. Solovyov의 철학은 Scriabin에 특별한 영향을 미쳤으며 철학자 S.N. Trubetskoy의 친구이기도 함)와 문학적 논쟁에 참석하여 "창조적 정신"에 대한 철학적, 예술적 개념을 탄생 시켰습니다. (Third Symphony “Divine Poem” , 1903-04; “The Poem of Ecstasy”, 1905-07; “Prometheus”, 1911), 피아노 작품. 나중에 H. P. Blavatsky의 The Secret Doctrine이라는 책을 알게 된 그는 동양의 종교 가르침에 관심을 갖게 되었고 음악과 다른 형태의 예술을 종합하여 고대 미스터리 장르를 되살리는 아이디어를 내놓았습니다.

1904-09년에 그는 해외에서 살았다. 그는 A. Nikish가 지휘하는 오케스트라와 함께 미국에서 콘서트를 열었고 S. A. Koussevitzky를 만났습니다. 1909년 그는 모스크바에서 성공적으로 공연했다. 1910년 마침내 그는 고국으로 돌아갔다. 생애의 마지막 몇 년 동안 그는 주로 피아노 작곡에 전념했습니다. 동시에 그는 20 세기 예술에서 개발 된 새로운 음악적 사고 시스템을 형성했습니다 (불협화음을 해결할 필요가없는 고조파 수직의 합병증, 불협화음의 출현, 음조의 확장 , 12 단계 모두를 포함, 새로운 모달 구조의 형성, "하모니 멜로디"의 출현-소위 프로 메테우스 코드 고조파 복합체가 수직으로 접힌 스케일이 됨). 1910년 젊은 S. S. Prokofiev는 교향시 "Dreams"를 Scriabin에게 헌정했습니다.

스크리아빈의 죽음은 갑작스러운 패혈증으로 인해 발생했고 러시아 사회에 큰 격변을 불러일으켰다.

그의 첫 번째 아내는 V. I. Skryabina (née Isakovich)입니다. 그의 두 번째 아내는 Tatyana Fedorovna Scriabina (nee Schlozer), P. Yu Schlozer의 조카입니다. 그들의 아들 Julian Scriabin (1908-1919)은 어린 나이에도 불구하고 R. M. Glier의 작곡 수업에서 Kyiv Conservatory에서 공부했습니다. 비극적으로 사망(익사).

A.N. Scriabin의 작품은 음악 문화, 직계 전임자 (영향력이있는 경우)도 후계자도 없었습니다. 작곡가의 성격 특성의 개별화는 음악적 표현 수단 분야뿐만 아니라 음악을 이해하는 본질적인 혁신으로 이어졌습니다.

한 사람의 Scriabin은 마음에서 복잡하게 굴절되는 음악적 영향과 철학적 가르침의 전체 복합체를 기반으로 한 방향을 나타냅니다.

예술의 종합에 대한 낭만적인 생각(상징주의의 미학에서도 받아들여짐);
슈퍼맨에 대한 Nietzsche의 아이디어는 자신에게 투영되어 세계 창조 가능성에 대한 신념을 표현합니다 ( "... 내 욕망이 있습니다 ...,"나는 내 기분에 따라 세상을 창조합니다 ... ");
아이디어에 대한 근접성 (감정을 반영하는 상징의 도움으로 영적 지식, 신비로운 음모로 표현, 예를 들어 "To the Flame"시에서와 같이 때때로 2-3 개의 음표로 실현됨) 칸트의 이원론;
유아론 철학의 영향을 반영하는 인간 창조자, 천재의 독창성에 대한 아이디어 ( "나는 강력한 신이 아니라 사랑 만 ...");
범신론적 사상;
과학적 사회주의 철학의 영향 (혁명 이전의 분위기를 표현하는 웅장한 음악).

이 목록은 Schopenhauer, Schelling에서 Platonic Eros, 동양 불교 가르침 및 E. Blavatsky의 신지학 이론까지의 범위를 포함하여 완전하지 않습니다.

스크리아빈의 피아노 작품

알렉산더 니콜라예비치 스크랴빈

작곡가의 피아노 작품은 실질적으로 그의 창조적 유산의 기초를 형성합니다. 그의 피아노 스타일의 주요 특징은 비유적이고 감정적인 영역에 포함되어 있으며 각 영역에는 고유한 표현 수단이 있습니다.

"최고의 세련미"로 해석되는 가사;
움직임의 이미지;
의지의 이미지.

초기 작품에서 쇼팽, 리스트, 바그너의 영향을 추적할 수 있습니다. 미니어처 장르(전주곡, 야상곡, 즉흥곡)에 대한 전형적인 매력; 소나타 장르의 형성 경로를 시작합니다. 성숙하고 후기 작품에서 Scriabin의 음악은 새롭고 개별적인 작가의 스타일을 보여줍니다 (비 유적 표현 수단이 연마되고 형식이 결정화됨).

Scriabin의 전주곡

이 장르(89개의 전주곡)에 큰 관심을 기울입니다. 작가의 손글씨의 개성은 음악가를 전주곡 장르 해석의 혁신가로 만듭니다. 일반적으로 멜로디와 음색 연결의 선명도, 피아노 사운드 리소스 사용의 세련미가 특징입니다. 초기 전주곡은 온음계와 서정적 이미지가 우세한 정서적 개방성과 명료성으로 구별됩니다. 다양한 표현의 가사(어둡게 심각하고 극적인 이미지까지)도 성숙한 구성을 나타냅니다. 넓은 레지스터 범위가 사용되며 종종 극단적인 레지스터의 조합이 사용됩니다. 많은 전주곡의 질감이 하모니의 날카로움을 부드럽게 합니다.

A.N. Scriabin의 시

미니어처와 주요 작품 사이에서 시의 장르는 작곡가의 작품에서 이정표 역할을 합니다. 혁신가로 활동하는 뮤지션은 처음으로 이 장르를 피아노 음악; 시에 대한 중력은 또한 교향곡 창조성의 특징입니다. 제목이 없는 시와 함께 많은 시가 프로그래밍 방식입니다(예: Tragic, Bizarre, Satanic, Inspired, Mask). 작곡가의 시에는 여러 가지 특징이 있습니다.

피 oema는 "한숨에"인식되는 하나의 이미지 형성에 전념하고 일반적으로 하나의 짧은 주제에서 자랍니다.
각 작업은 감정과 생각의 형성 과정, 창의성의 과정입니다. 이미지는 작업 전반에 걸쳐 활발하게 발전하고 있으며 주제를 변형하는 Lisztian 방법을 실현합니다.
마에스트로는 대조되는 이미지의 원칙에 따라 작품을 그룹화합니다.

스크리아빈의 소나타

작곡가의 소나타 장르는 4부 사이클에서 1부 사이클로 진화하고 있다(이 과정에서 시 "To the Flame"이 이정표 역할을 함). 단일 주제를 향한 경향은 또한 소나타를 시의 장르에 더 가깝게 만듭니다. 10개의 소나타 중 1번과 3번은 4부, 2번과 4번은 2부, 나머지는 1부이다.

그의 소나타는 프로그램의 존재가 특징이다(작품 자체 이후에 등장한 소나타 4번의 프로그램적 아이디어는 나른함, 비행, 황홀경의 이미지를 통해 흐르는 먼 별에 대한 욕망, 도달의 길을 표현한다) ). 소나타 7번 - "밝은 미사", 9번 - "검은 미사" 등

A.N. Scriabin의 1악장 소나타의 일부 특징:

주당과 부당 사이에는 비유적인 차이가 거의 없습니다 (부당의 영역은 주로 가사로 표현되고 주당은 결단력, 의지의 이미지로 표현됨).
일반적으로 주요 절정은 개발에서 재현으로의 전환 영역에 해당합니다 (Sonata No. 6은 예외입니다).

A.N. Scriabin의 교향곡 작품

그의 정의 교향곡의 창의성어떤 작품에서든 어떤 식으로든 변함없이 나타나는 3가지 주제가 있습니다.

극복의 주제 (작곡가가 말했다 세상은 그가 원했던 저항에 의해 생성됩니다. 인생은 저항을 극복하는 것입니다);
의지의 주제, 자기 확인;
황홀한 테마와 비행 이미지.

A.N. Scriabin의 교향곡 작품에서 Wagner와의 연결은 주제, 유형 및 성격의 leitmotif 의미에서 추적됩니다. Liszt와 함께 - 한 부분을 추구합니다. 에서 및-서사시 시작 (그러나 과거의 신화와 역사적 사건을 기반으로 한 서사시와 달리 작곡가는 미래의 위치에서 현재를 바라보고 이미 현재는 폭풍우 전입니다).

작곡가의 교향곡 작품은 다음과 같은 특징이 있습니다.

한 부분을 위해 노력합니다 (교향곡 1 번은 6 부분, 2 번 - 5 시간, 3 번 - 3 시간). "The Poem of Ecstasy"와 "Prometheus"는 이미 한 부분으로 구성되어 있습니다. 시와의 화해가 있습니다.
부분의 수에도 불구하고 신격화는 항상 최종에서 발생하여 모든 주요 주제에 집중합니다.
소개부터 피날레까지 주제별 아치의 의무적 존재.

오케스트라

Scriabin의 오케스트레이션은 기념비, 웅장 함 및 우아한 세련미의 복잡한 조합이 특징입니다. 작곡가의 관현악 작문의 독창성은 연속적으로 상승합니다.

다성 성악 작업 방법과 관련된 스타일;
힘과 탁월함 - Wagner에게;
오케스트라 작문의 미묘함과 설명 - Rimsky-Korsakov에게;
인상주의 오케스트레이션의 특징

오르간 인 "환희의시"와 함께 오케스트라에 종소리가 도입되고 파이프의 구성이 증가합니다.

A.N.Scriabin의 음악적 언어

자신의 음악적 사고 체계를 창시한 가장 뛰어난 혁신가 스크리아빈 . 복잡하고 비범한 하모닉 컴플렉스, 정교한 리듬 구조는 창의성의 미적 측면을 나타냅니다. 동시에 그에게는 기능적 조화의 기본 원리인 조형법칙이 중요하다.

연주자로서 Alexander Nikolayevich는 위대한 피아니스트 중 한 명입니다. 자신의 피아노 학교 설립). 종종 다음과 비교됩니다.

Rachmaninov가 콘서트 연주자라면 Scriabin은 실내 연주자에 가깝습니다.
작곡가가 재능과 예술성 측면에서 경쟁 할 수 있다면 작곡가 혁신 측면에서 첫 번째 마스터의 음악은 두 번째 마스터와 달리 전통에 반대하지 않았습니다.

작곡가의 혁신적인 발견에는 음악, 빛 및 색상 분야에서의 발견이 포함됩니다. 그는 음악과 빛의 공동 사용을 발견하여 가벼운 음악의 아버지가 되었습니다. 이 분야의 현대적 성과는 그 때까지 거슬러 올라갑니다. 각 사운드에 대해 그는 "Prometheus"에서 빛의 파티로 구현되고 "Mystery"에서 잉태된 특정 색상을 선택했습니다. "예비 조치"라는 구성은 모든 인류의 "미스터리"를 위한 준비였습니다.

Scriabin의 창의성의 비 유적 세계

예술을 통한 보편적인 변형의 힘에 대한 생각과 파괴를 통해 세상을 창조할 수 있는 인간의 엄청난 가능성에 대한 믿음은 작곡가의 작품에서 중심적인 것입니다. 그의 음악의 신비주의는 이중성으로 가득 차 있습니다. 많은 연구자들이 의도에 대해 G. Florovsky의 말로 표현할 수있는 순간에 주목합니다.

"... 일종의 마법 행위", "... 예술적 천재의 어두운 심연"을 폭로,

네가 느끼는 곳

"루체피르의 통치 의지, 마법과 마법으로 장악",

세상을 묵시적인 결과로 이끕니다.

따라서 실현되지 않은 A.N. Scriabin의 마지막 장대 한 작업 인 "미스터리"에 대한 아이디어는 다음을 통한 세계의 비 물질화를 포함합니다.

"... 숭고한 에로티시즘으로 스며든 보편적인 축제 - ... 물리적 세계를 순전히 영적 세계로 변화시키는 디오니소스적 축하", 여기서 "신성한 합성 ... 세계 조화의 회복, 엑스터시"가 일어날 것입니다( 노트 B. Katz).

Scriabin의 음악은 비유적인 측면에서 날카롭게 충돌하는 것이 아니라 오히려 극적이며 모순적인 영적 열망의 세계를 구현합니다.

일반적으로 작곡가의 작품은 다음 경로를 따릅니다.

1.어둠에서 빛으로(후기 소나타, 피아노 시 "To the Flame", 교향시"Prometheus", 그녀는 또한- "The Poem of Fire");

2. 꿈, 비행, 엑스터시( "환희의시", 소나타 4 번). 여기에는 두 가지 이미지 세트가 있습니다. "최고의 정교함"(서정적 이미지, 정교하고 우아한) 및 "최고의 웅장함"(승리와 위대함의 기념비적 이미지).

작품에서 투쟁의 사상이 중요한 다른 작곡가들과 달리 스크리아빈의 드라마는 감정을 통해 전진하고 결과를 성취하는 것으로 표현된다(예를 들어, 교향곡 3번 "신성한 시"는 각 부분의 이름이 Struggle, Pleasure이다). , 신성한 게임).

동시에 그의 작품에는 예술의 변형이라는 아이디어가 스며든다.

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러시아 작곡가이자 피아니스트 Alexander Nikolaevich Skryabin은 1872 년 1 월 6 일 (구 스타일에 따라 1871 년 12 월 25 일) 모스크바에서 태어났습니다. 그의 가족은 오래된 귀족 가문에서 왔습니다. 아버지는 터키에서 외교관으로 재직했습니다. 어머니-Lyubov Shchetinina는 뛰어난 피아니스트였으며 폴란드 피아니스트 Teodor Leshetitsky, 작곡가 Anton Rubinstein, Alexander Borodin, Pyotr Tchaikovsky와 함께 상트 페테르부르크 음악원을 졸업했습니다. 그녀는 아들이 한 살 반도 되지 않았을 때 결핵으로 사망했습니다. Alexander는 피아노 연주에 매료된 이모 Lyubov Scriabina에 의해 자랐습니다. 5 살 때 그는 멜로디뿐만 아니라 간단한 곡도 들었고 8 살 때 작곡을 시작했고시와 다막 비극도 썼습니다.

가족 전통에 따르면 1882 년부터 Alexander Scriabin은 Second Moscow Cadet Corps에서 공부했습니다. 그는 Georgy Konyus와 Nikolai Zverev에게서 피아노 레슨을 받았고 Sergey Taneyev의 지도 아래 음악 이론을 공부했으며 콘서트에서 공연했습니다.

생도 군단을 졸업하기 1년 전인 1888년에 그는 모스크바 음악원에 피아노와 자유 작곡이라는 두 가지 전문 분야에 입학했습니다. 1892 년에 그는 최종 시험에서 "5 플러스"등급을받은 Vasily Safonov (피아노) 수업에서 작은 금메달로 음악원을 졸업했습니다. 작곡에서 Scriabin은 음악원에 들어갈 때까지 70 개 이상의 작곡을 썼지 만 졸업장 시험에 응시할 수있는 허가를받지 못했습니다.

공부하는 동안 되풀이 한 오른손 질병의 악화로 모스크바 음악원을 졸업 한 후 Alexander Scriabin은 어려운시기를 겪었고 그로부터 유명한 성의 도움을 받았습니다. 1896 유럽.

1898-1904년 스크리아빈은 모스크바 음악원에서 특별 피아노를 가르쳤습니다.

그는 그의 교육 활동과 강렬한 작곡 작업을 결합했습니다. 그는 상징주의 시인들의 작품을 좋아했습니다. Vladimir Solovyov의 철학은 Scriabin에 특별한 영향을 미쳤으며 철학자 Sergei Trubetskoy의 친구이기도했습니다. 그는 철학계와 문학적 논쟁에 참석했고, 이는 "창조적 정신"이라는 자신의 철학적, 예술적 개념의 탄생으로 이어졌고, 교향곡 3번 "The Divine Poem"(1903-1904), "The Poem of Ecstasy"( 1905-1907), "Prometheus"(1911).), 피아노 작품. 나중에 Helena Blavatsky의 가르침에 대해 알게 된 Scriabin은 동양 종교 가르침에 관심을 갖게되었고 음악과 다른 형태의 예술을 종합하여 고대 미스터리 장르를 되살리는 아이디어를 내놓았습니다.

1904-1909 년에 Scriabin은 해외에 살았고 유명한 헝가리 지휘자 Artur Nikish가 지휘하는 오케스트라와 함께 미국에서 콘서트를 열었습니다. 1909년 그는 모스크바에서 성공적으로 공연했다. 1910년 스크리아빈은 마침내 고국으로 돌아갔다.

생애의 마지막 몇 년 동안 그는 주로 피아노 작곡에 전념했습니다. Scriabin의 후기 작품-소나타 7-10 번, 피아노시 "Mask", "Strangeness", "To the Flame"은 어떻게 든 "미스터리"라는 아이디어와 연결되어 있습니다. 동시에 그는 20세기 예술에서 발전된 새로운 음악적 사고 체계를 형성했습니다.

Scriabin은 작품을 만들 때 색상과 가벼운 음악을 사용한 최초의 작곡가이며 특정 키에 대한 색상의 대응 표를 만들었습니다. 1910년 확장된 심포니 오케스트라, 피아노, 오르간, 합창단, 조명을 위해 Scriabin은 그의 가장 중요한 작품 중 하나로 간주되는 "The Poem of Fire"( "Prometheus")를 썼습니다. 1911년 상트페테르부르크에서 초연되었으며 피아노 부분은 작가가 직접 연주했다.

1914년 제1차 세계대전이 발발하자 스크리아빈은 전쟁 희생자들을 위한 콘서트를 열었습니다.

작곡가의 작품 중에는 세 개의 교향곡 (1900, 1901, 1903-1904)이 있습니다. 교향시 "꿈"(1898); 피아노를 위한 - 소나타 10개, 시 9개, 연습곡 26개, 전주곡 90개, 마주르카 21개, 즉흥곡 11개, 왈츠.

1915년 4월 27일(구식 4월 14일) 알렉산더 스크리아빈은 모스크바에서 패혈증으로 갑자기 사망했다.
1916 년 City Duma의 명령에 따라 Scriabin의 집에 기념패가 설치되었습니다. 1922년 작곡가가 1912년부터 사망할 때까지 살았던 아파트에 스크리아빈 박물관이 문을 열었습니다.