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문학에서 그림이란? 인테리어의 모듈화 그림

그림- 완전한 성격(스케치 및 스케치와 반대됨)과 독립적인 예술적 가치. 베이스 (캔버스, 나무 또는 금속 보드, 판지, 종이, 돌, 실크 등), 프라이머 및 페인트 레이어로 구성됩니다. 그림은 이젤 예술의 한 유형입니다. 사진은 다양한 장르로 나옵니다. 그림을 그리는 작가는 자연에 의존하지만 이 과정에서 창의적인 상상력이 중요한 역할을 한다. 19세기 말은 유럽 전역에서 새롭고 역동적인 세계관으로 특징지어졌습니다. 세기 전환기의 예술가는 끊임없이 변화하는 삶에 대응해야 했습니다. 자신을 둘러싼 세상을 보여주기 위해서가 아니라(지금은 사진과 영화가 그렇게 하고 있습니다), 그의 개성, 내면 세계, 자신의 비전. 뛰어난 화가들의 그림에서 예술의 정점에 이르렀다. 모더니즘의 다양한 흐름 속에서 플롯의 상실과 구상성의 거부로 인해 회화의 개념이 크게 수정되고 있다. 다른 화파에 속한 일부 예술가들은 우리가 보는 세상(사람, 동물, 자연)을 묘사하는 것에서 멀어졌습니다. 그들의 그림에서 세상은 기형적이고 때로는 완전히 인식할 수 없는 것처럼 보입니다. 왜냐하면 예술가들은 우리 주변의 현상에 대한 시각적 인식보다는 상상력에 더 이끌리기 때문입니다.

회화는 회화의 발전에 중요한 역할을 한다.

복제품도 회화라고 부를 수 있습니다. 원작.

비유적인 것 이상의 그림 일반적인 의미- 생활 및 생생한 묘사, 구두 또는 서면, 종류의 자연.

회화는 공간과 부피가 환상 속에서만 존재하는 평면이자 하나의 시점의 예술이다. 복잡성을 통한 페인팅 시각적 수단그런 환상적인 공간과 다차원의 깊이를 평면에 만들 수 있습니다. 예술적 현실, 다른 표현 방법이 적용되지 않습니다. 각 그림은 그림과 표현 장식의 두 가지 기능을 수행합니다. 화가의 언어는 그림 평면의 장식적 리듬 기능을 인식하는 사람들에게만 꽤 이해 가능합니다.

미적 지각에서 그림의 모든 기능(장식적, 평면적, 회화적, 공간적 기능 모두)이 동시에 참여해야 합니다. 그림을 올바르게 인식하고 이해한다는 것은 표면과 깊이와 패턴과 리듬과 이미지를 동시에 불가분하게 보는 것을 의미합니다.

그림에 대한 미적 인식은 그림을 주변 세계와 분리하는 적절한 프레임에 놓일 때 크게 향상됩니다. 동양화는 펼친 두루마리(수평 또는 수직)의 전통적인 형태를 유지하고 있다. 그림은 기념비적 회화와 달리 어떤 인테리어와 긴밀하게 연결되어 있지 않다. 벽에서 떼어내어 다르게 걸 수 있습니다.

회화의 환상적 공간의 깊이

Richard Gregory 교수는 "회화의 이상한 속성"에 대해 다음과 같이 설명했습니다. 사진은 역설적입니다. 어떤 물체도 동시에 두 곳에 있을 수 없습니다. 어떤 물체도 동시에 2차원이면서 3차원이 될 수 없습니다. 이것이 우리가 사진을 보는 방식입니다. 그림은 완벽하게 정의된 크기를 가지며 동시에 실제 크기를 보여줍니다. 인간의 얼굴, 건물 또는 선박. 그림은 불가능한 대상입니다.

그림에 제시된 부재, 상상의 상황에 반응하는 사람의 능력은 다음과 같습니다. 중요한 단계추상적 사고의 발달에.

그림은 어떻게 만들어지는가

사진은 영적 세계캔버스나 종이에 표현된 작가의 경험과 감정. 그림이 어떻게 만들어지는지 설명하기는 어렵습니다. 직접 보는 것이 좋습니다. 작가가 캔버스 위에 어떻게 칠하는지, 어떤 붓으로 캔버스를 만지는지, 어떤 페인트를 선택하는지 말로 표현하는 것은 불가능합니다. 작업하는 동안 모든 것이 하나가 됩니다. 예술가, 붓, 캔버스. 그리고 이미 작업장에서 첫 번째 브러시 스트로크 후에 페인팅의 특별한 마법이 작동하기 시작합니다.

그림은 단순한 칠한 캔버스가 아니라 감정과 생각에 영향을 미치고 영혼에 흔적을 남기고 예감을 일깨 웁니다.

그림은 어떻게 만들어지는가?

그것은 캔버스에 페인트, 브러시처럼 보일 것입니다. 또 다른 보편적인 대답이 있을 수 있습니다: 다른 방식으로.

그림 작업 방식은 미술사를 통틀어 끊임없이 변화해 왔습니다. 아티스트 이탈리아 르네상스그들은 렘브란트나 17세기의 "작은 네덜란드인"과는 완전히 다른 방식으로 작업했습니다. 예, 같은 시대, 한 방향에서도 매우 다양합니다.

과거와 현재의 사실주의 예술가(사실주의를 넓은 의미로 이해한다면)는 다음과 같이 통합됩니다.

완전한 작품의 창조 이 경우그림, 초상화 또는 풍경은 삶에 대한 깊은 연구, 작가의 적극적인 태도 없이는 불가능합니다. 삶에 대한 예술적 지식의 수단은 자연의 작업, 시각적 인상, 삶의 현상의 분석 및 합성입니다.

그림을 만드는 것은 복잡하고 시간이 많이 걸립니다 창작 과정, 그 결과는 소요 시간이 아니라 재능의 척도, 예술가의 기술, 원래 비 유적 솔루션의 강도 및 효과에 의해 결정됩니다. 이정표이 과정은 아이디어의 기원과 구체화, 직접 관찰, 스케치, 자연의 스케치, 삶의 재료에 대한 창의적이고 능동적 인 처리가 필요한 그림의 실제 그림입니다.

그리고 관객이 박물관이나 전시회에서 그림에 접근할 때, 그것에 대해 자신의 판단을 내리기 전에, 그는 항상 그 뒤에 살아있는 사람, 그의 삶, 마음, 신경의 일부를 투자한 예술가가 있다는 것을 기억해야 합니다. , 재능과 기술. 그림은 예술가의 꿈이 실현되는 것이라고 말할 수 있습니다.

G. S. 오스트로브스키

그림의 완성도

인생에서 우연히 많은 일이 발생합니다. 그림에는 그러한 사고가있을 수 없으며 그 안의 모든 것이 논리적으로 완료되어야합니다. 그림은 어느 시점에서 완성된 것으로 간주됩니까?

렘브란트의 거장 렘브란트의 임파스토 회화적 획은 이후와 우리 시대에 매우 높은 평가를 받았지만 렘브란트의 동시대인들 사이에서 당혹감을 불러일으켰고 그의 비용으로 조롱과 재담을 불러일으켰습니다. 비평가들에게 반대하면서 렘브란트는 그림의 완전성에 대한 그들의 이해의 정확성에 대해 이의를 제기하고 자신의 이해로 반대했습니다. . 그의 그림의 "불완전성"에 대해 그를 괴롭히는 질문을 듣지 않기 위해 Rembrandt는 그의 스튜디오에 순진한 방문객이 그들에게 가까이 오는 것을 허용하지 않았습니다. 페인트 냄새를 맡는 것은 건강에 해롭기 때문에 그림에 너무 가까이 접근해서는 안된다는 사실.

그림에 대한 마티스:

"저는 제 느낌을 표현하는 색들을 캔버스에 담으려고 노력할 뿐입니다. 톤의 필요한 비율은 인물의 형태를 바꾸거나 구도를 바꾸게 할 수 있습니다. 그림의 모든 부분에서 이 비율에 도달할 때까지 저는 그것을 위해 계속 작업하십시오 그런 다음 모든 부분이 최종 비율을 취하는 순간이오고 다시 다시 작업하지 않고는 그림을 만질 수 없습니다.

대략 인상파에서 시작하여 그림, 형태 및 색상의 범주는 밀접하게 연결되고 함께 성장하며 연속적인 과정인 것 같습니다. 그림과 색상, 모델링과 구성, 색조와 선이 마치 동시에 나타나고 발전합니다. 그림을 그리는 과정은 말하자면 무한히 계속될 수 있으며 작업 완료의 순간은 다소 임의적입니다. 캔버스의 어느 곳에서나 아티스트는 비슷한 스트로크에 새로운 스트로크를 적용하지만 아래에 누워서 계속할 수 있습니다. 이 시스템의 가장 눈에 띄고 일관된 대표자는 Cezanne입니다. 편지와 녹음된 대화에서 그는 이 혼합된, 더 정확하게는 미분화된 회화 방법을 반복해서 공식화했습니다. 그림 작업은 언제든지 중단될 수 있지만 작업은 미적 가치를 잃지 않습니다. 언제든지 사진이 준비됩니다.

그림의 회화적 공간과 실제 공간의 연결

예술가이자 미술 이론가인 V. A. Favorsky는 구성 이론 과정에서 진정한 예술 작품은 태어날 때부터 주변 공간의 대상과 자체 시공간적 관계를 가진 상대적으로 닫힌 세계라는 이중 존재를 가지고 있다고 강조했습니다. . 회화에서 이 목표는 그림의 내부 구조를 프레임, 조각에서 주변 공간과 조정함으로써 달성됩니다(전형적인 예: 틈새 시장의 조각상).

회화적 공간과 관람자가 위치한 실제 공간을 연결하기 위해 액자를 사용한다. 아티스트는 또한 이미지 자체의 여러 "프레임 재생산", 시각적 운율, 수직 및 수평의 반복을 사용합니다. 직사각형 형식의 경계 내에서 이미지를 시각적으로 "강화"할 수 있는 특징적인 기술 중 하나는 "비스듬한 모서리"입니다. 회화와 건축의 분리는 이젤 회화에 대한 특정한 지각 체계를 낳았다. 그림의 주요 내용은 공간에 대한 전체적인 관점의 표현입니다. 구성은 시공간 관계의 변화된 세계를 마주하고 그 안에서 거울처럼 자신을 보는 전시로 변형됩니다. 그리하여 르네상스 시대의 투명한 유리는 고전과 바로크 시대의 거울이 되었다. 포스트 르네상스 시대의 예술은 거울에 비친 모습을 가지고 노는 것, 그림의 구성에 인물-중재자를 도입하는 것, 위치, 시선 또는 손짓으로 마치 그림 속으로 들어가도록 초대하는 것처럼 그림의 깊이. 프레임 외에도 이러한 구성에는 프로 케늄이 있습니다. 무대의 앞 부분, 무대 뒤, 주요 작업이 이루어지는 중간 지점, 배경- "배경"입니다.

작가는 주로 그림의 중심면에 주인공을 배치하여 좌대와 같은 정신적 수평선에 설정합니다. 이 참조 위치에서 수평선"공간 레이어"의 깊이는 다릅니다(평면적 측면에서 - 사진 프레임의 아래쪽 가장자리 위 또는 아래). 화가는 수평을 여러 번 위로 미루어 상상의 공간 깊숙한 곳으로 일정한 움직임의 리듬을 만들어낸다. 덕분에 작은 캔버스에서도 얼마든지 다양한 도형과 사물로 길이에 관계없이 공간을 그릴 수 있다. 그러한 설명에서 어떤 물체는 더 가깝고 다른 물체는 더 멀리 있다는 사실에 시청자의 주의를 구체적으로 끌어야 합니다. 이를 위해 "포인터"가 사용됩니다. 원근감 감소, 대규모 랜드 마크 도입 (배경에있는 작은 인물), 겹치는 계획, 색조 대비, 그림 내부 또는 외부 광원에서 떨어지는 그림자. 그림의 공간에서 보는 사람의 정신적 움직임에 대한 또 다른 기준점은 대각선이며, 주된 것은 "입구 대각선"(보통 왼쪽에서 오른쪽으로)입니다.

사진 속 사진

사진 속의 사진

Picture in Picture는 특별한 구성 기능에서 사용할 수 있습니다. 그림 안에 그림을 묘사하는 경우(벽화의 프레스코화 등)에도 유사한 계층적 조직이 제시됩니다.

"화면 속 화면" - 구성 기법, XVI-XVII 세기의 고전 회화 예술에서 발견되었습니다. 그림 속의 그림에는 특별한 숨겨진 의미가 부여될 수 있습니다.

구성 기술 "Picture in Picture"는 다음과 같은 여러 작업을 수행할 수 있습니다.

생각을 표현하다
줄거리를 설명하다
조화를 반대하거나 창조하기 위해
상황의 세부 사항 (내부)

종종 그림 속 배경의 이미지는 일종의 그림 속 그림, 즉 자신만의 특별한 법칙에 따라 구축된 독립적인 이미지로 이해될 수 있다. 동시에 배경 이미지는 주 평면에있는 인물의 이미지보다 훨씬 더 순전히 장식적인 작업의 대상이며 여기에 묘사 된 것은 종종 세계 자체가 아니라고 말할 수 있습니다. 이 세상의 풍경, 즉 이미지 자체가 제시되는 것이 아니라 이 이미지의 이미지가 제시된다.

네덜란드인은 지도, 태피스트리, 그림, 열린 창그림에 포함된 이미지가 어떻게 세계의 경계를 확장하거나 주요 플롯의 우화적 의미를 발전시키는 데 기여하는지. 작업장의 베일을 여는 베르메르는 관객의 공간, 그의 작업실의 공간, 작품의 공간(이젤 위에 서 있는 캔버스)의 세 가지 수준의 현실을 통해 안내자가 되어 이러한 변신을 비유한다. 그려진 바다에서 수영하기 위해 지리적 지도또는 지도에 표시된 땅 위를 날 수 있습니다.

현실-예술-신화의 범람은 "Picture in Picture" 기법에 기꺼이 의지하는 Velazquez에서도 관찰할 수 있으며, 그 예로는 Meninas와 Spinners가 있습니다.

그림 속 그림'은 벨라스케스의 '거울 앞의 비너스'에도 나오는데 안개가 자욱한 거울은 사랑의 여신 그림자만 비친다.

페인팅 및 프레임

고대를 제외한 예술가가 만든 모든 이미지 암벽화, 프레임이 있습니다. 프레이밍이 필요하고 중요한 부분구성, 완성, 통일성을 부여합니다. 프레임은 그림 또는 그래픽 구성 자체와 동일한 평면에 있을 수 있습니다. 또한 장식, 조각 및 건축 요소의 도움을 받아 일종의 부조 형태로 구체적으로 만들 수도 있습니다. 대부분 직사각형 모양의 프레임이 있으며 다소 덜 자주 원형과 타원형입니다.

프레임은 그림을 강조하는 데 도움이됩니다. 환경특별하고 주목할만한 가치가 있지만 동시에 환경과 연결됩니다. 따라서 프레임의 스타일이 그림이 있는 내부의 예술적 외관, 구조 및 특성과 일치하면 앙상블의 무결성에 기여합니다. 색상, 장식 및 조각 디테일의 채도에 따라 프레임은 화보 이미지의 전반적인 인상에 큰 영향을 미칩니다. 이 모든 것을 통해 우리는 프레임이 주요 기능이 아니라 매우 필요한 기능을 수행하는 그림과 프레임의 통일성에 대해 이야기 할 수 있습니다.

이젤 그림의 발전은 복잡했습니다. 중세에서 르네상스로의 전환은 그 역사에서 얼마나 밝은 이정표였습니까! 그 안에서 가장 의미심장했던 것은 중세를 지배했던 도상 이미지의 경직성과 추상성에서 벗어나고자 하는 욕망이었다. 대략 XIV 세기에 현대적인 의미의 그림이 탄생했으며 그와 함께 여전히 고딕 풍경의 레이스로 옷을 입은 프레임이 나타났습니다.

첫 번째 프레임은 전체 이미지와 완전히 반대되지 않고 분리되지 않았습니다. 둘 다의 재료는 비슷했습니다. 예를 들어 고대 러시아 또는 비잔틴 아이콘과 같은 배경의 조건부 금박이 프레임으로 전달되었으며 이미지 자체가 종종 그 위에 "튀었습니다". 그러자 그림과 액자의 경계가 점점 더 뚜렷해졌다. 그럼에도 불구하고 이전 세기의 일종의 기억으로 프레임은 황금색을 유지했습니다. 신의 세계를 나타내는 황금색 배경이 그림에서 사라지자 프레임의 금박은 조건부로, 즉 방의 그림을 강조하는 데 도움이되는 프레임의 필수 속성으로 인식되기 시작했습니다. 보는 이의 시선을 사로잡습니다.

르네상스 시대에 지배적 인 창을 통해 세상을 바라 보는 그림의 개념, 형태가있는 프레임은 지배적 인 아이디어를 매우 명확하게 암시하고 이에 응답했습니다. 이 웅장하고 엄숙한 프레임은 특별 워크숍에서 예술가의 그림이나 그의 작업장에서 일한 예술가의 조수에 따라 만들어졌습니다.

르네상스 시대 회화는 끊임없이 현실을 반영하는 거울에 비유되었고, 장식용 거울 액자처럼 만들어진 액자는 이러한 비교를 더욱 강하게 강조했다. 이 프레임은 나무 칸막이와 석고뿐만 아니라 은, 상아, 자개 등의 귀중한 재료로도 만들 수 있습니다. 재료의 소중함은 그림의 소중함과 맞아떨어지는 듯해 더욱 빛났다.

오래된 주인은 작업 과정에서의 영향을 고려하여 프레임에 매우 세심했으며 때로는 프레임의 특정 톤과 장식 리듬을 고려하여 완성 된 프레임에 그림을 그렸습니다. 따라서 옛 거장의 구성은 종종 원본 프레임에서 큰 이점을 얻습니다.

옛 거장들의 틀에 대한 관찰을 통해 우리는 또 다른 원칙을 세울 수 있습니다. 즉, 옆모습과 틀의 너비와 그림의 크기 사이의 일치입니다. 예를 들어, 네덜란드 화가들은 작은 그림깊고 투명한 윤곽이 있는 큰 프레임으로 시선을 그림의 중앙으로 이끌고 환경의 영향으로부터 격리합니다.

20세기 초, 너무 물질적이어서 예술의 영성을 '근거'로 삼아 프레임을 완전히 포기하라는 목소리가 들리기 시작했습니다. 이러한 부름을 받은 다양한 아방가르드 작가들이 액자 없이 작품을 전시하기 시작했다. 그러나 이러한 혁신의 결과로 그들의 작품 자체는 좁은 의미의 회화가 아니게 되었다. 이들은 종종 명확한 의미가없는 일종의 "물체", "점"이었습니다.

지금은 프레임 디자인에 예전처럼 하나의 스타일이 없지만 이전보다 프레임과 아티스트의 개별 스타일이 일치합니다.

안에 최근~에 미술 전시회과거에 우리 아티스트들이 드러냈던 프레임 디자인(그렇게 중요하지 않은 것)과 관련된 관성이 극복되기 시작하고 있음을 알 수 있습니다. 프레임은 다양한 색상으로 칠해져 있으며 작은 추가 이미지와 비문이 종종 그 위에 배치되며 조각가는 화가를 돕습니다. 풍부한 플라스틱 모티프가있는 프레임이 나타납니다.

그림 형식

그러나 동시에 그림의 현실과 허구에 속하는 형식과 프레임에 속하는 평면에서 이미지로의 전환을 만드는 것처럼 보이는 그림의 두 가지 특정 요소가 있습니다. 그림의 형식은 예술가의 도구일 뿐 그의 창작 개념을 직접적으로 표현한 것이 아닌 것처럼 보일 수 있습니다. 결국 작가는 형식을 선택할 뿐입니다. 한편, 형식의 성질은 작품의 전체적인 내부 구조와 가장 밀접하게 연결되어 있으며, 종종 작가의 의도를 이해하는 올바른 길을 가리키기도 한다. 원칙적으로 형식은 화가의 작업을 시작하기 전에 선택됩니다. 그러나 작업하는 동안 그림의 형식을 변경하거나 조각을 잘라내거나 새 조각을 추가하는 것을 좋아하는 많은 예술가가 알려져 있습니다 (Velasquez는 특히 기꺼이 이것을했습니다).

그림의 가장 일반적인 형식은 사각형이며, 순수한 사각형은 위쪽으로 또는 폭이 어느 정도 길쭉한 사각형보다 훨씬 더 드뭅니다. 일부 시대는 둥근 형식(tondo) 또는 타원형을 높이 평가합니다. 형식의 선택은 무작위가 아니며 형식은 일반적으로 깊이를 감지하고 유기적 연결예술 작품의 내용, 감정적 톤, 그림의 구성 모두 예술가의 개별 기질과 전체 시대의 취향을 똑같이 명확하게 반영합니다. 형식과 작가의 의도가 그림 앞에서 숨은 인과관계를 느끼며, 진정한 작품의 매력이 나온다. 내용이 형식의 본질과 너무 융합되어 비율의 약간의 변화가 그림의 문체 및 이데올로기 균형을 뒤엎는 것처럼 보이는 그림이 있습니다.

일반적으로 가로로 길쭉한 형식은 내러티브 구성, 시청자를 지나는 움직임의 순차적 전개에 확실히 더 적합합니다. 따라서 기분이 서사적이며 활동적인 구성, 행동을 위해 노력하는 예술가, 예를 들어 14 세기와 15 세기 전반의 이탈리아 화가 (특히 프레스코 구성)와 같이 기꺼이이 형식으로 전환합니다. 반대로, 정사각형 형식 또는 높이가 너비보다 다소 우세한 형식은 마치 동작의 역학을 즉시 멈추고 컴포지션에 엄숙한 표현의 특성을 부여하는 것처럼 마스터가 선호하는 형식이었습니다. 그들의 제단 그림. 하이 르네상스 ("시스틴 마돈나"). 차례로 너비보다 높이가 훨씬 우세한 구성은 다시 역 동성과 강력한 견인력을 얻었지만 이번에는 위아래로 이러한 좁은 형식은 특히 귀족, 장식 (Crivelli) 또는 신비로운 예술가가 좋아했습니다. (매너리스트, 그레코 ) 특정 감정, 분위기를 구현하려고 합니다.

형식과 예술가의 개별 기질의 연결도 의심의 여지가 없습니다. 루벤스의 감각적이고 역동적인 환상은 렘브란트의 절제되고 영적인 환상보다 더 큰 형식이 필요합니다. 마지막으로 형식은 다음에 직접적으로 의존합니다. 회화 기법. 작가의 붓놀림이 더 넓고 자유로울수록 큰 형식에 대한 그의 욕망은 더 자연스러워집니다.

이미지, 수채화, 패널, 파스텔, 풍경, 캔버스, 스케치, 연구, 머리, 자연 morte; 모자이크. 수 . .. 이미지 보기... 러시아어 동의어 및 유사 표현 사전. 아래에. 에드. N. Abramova, M.: 러시아어 사전, 1999. 그림 ... 동의어 사전

사진, 그림, 여성. 1. 물감으로 그림을 그리는 작품. 대화 조각. 수채화. 2. 시네마틱 필름. 3. 선명도가 다르고 하나의 전체를 형성하는 여러 이미지. 자연의 그림. 먼 과거의 사진. 이것… … 사전우샤코프

독자적인 예술적 가치를 지니며 완결성을 지닌 회화 작품(습작, 스케치와는 반대). 일반적으로 그림은 프레스코 화나 책 미니어처처럼 특정 인테리어와 연결되어 있지 않습니다 ... ... 예술 백과사전

-(inosk.) 아름다운 외모. 수 "봐, 그림을 봐, 짐승을 보게 될거야." 수 아몬드 같은 이빨, 계피 같은 눈, 나이팅게일 같은 목소리, 그리고 그림. 빵 굽는 사람. (com.)수. 빌트쇤 … Michelson의 Big Explanatory Phraseological Dictionary(원본 철자)

사진, s, 여성. 1. 회화 작품. 러시아 예술가들의 사진. 사진을 끊습니다. 2. 필름과 동일(2가지 값)(구어체). 3. 무엇의 이미지 n. V 미술품. 케이.라이프. 4. 볼 수 있는 것, 조사한 것 또는 ... ... Ozhegov의 설명 사전

여성 그림, 밤 · 손상. 그림 경멸적인 그림 · 이끌려 갔다. 그림, 특히. 페인트에서; | 구두 또는 서면 생생하고 생생한 이미지; | 자연의 아름다운 전망. | 루퍼에서: 리벳으로 고정된 두 개의 철판. ... ... Dahl의 설명 사전

Repin "Pripyli". 자그. 그들은 말한다 우주선. 철. 1. 성취되지 않은 희망, 실패, 실패에 대해. 2. 내가. 터무니없는, 이해할 수 없는, 혼란스러운. BSRG, 245; Vakhitov 2003, 74. 눈물 어린 그림. 자매 너무 불쌍해서 눈물이 날 정도로 누군가에게는 안타까운 일이다. FSS, 91. 작성자 ... ... 큰 사전러시아 속담

그림- 그림, 파노라마, 캔버스, 캔버스, 열기, 경멸. 칠하다, 구어체, 경멸 더러운 ... 러시아어 음성의 동의어 사전 시소러스

- "사진", 소련, 1989, 컬러, 40분. 비극, TV 쇼. 에 의해 동명의 연극 V. 슬라브킨. 호텔 방에 사는 엔지니어는 수년 동안이 방 벽에 걸려 있던 그림의 작가이자 패배자 인 지역 예술가를 방문합니다. 언젠가…… 영화 백과사전

그림- 사진, s, f. 얼굴. 그에게 사진을 줘. 웅덩이에 있는 그림. 소유 19세기의 아르고티즘; 예를 들어 A.P. Chekhov에서 발견 ... 러시아어 아르고 사전

그림- (예: 현상) [A.S. Goldberg. 영어 러시아어 에너지 사전. 2006] 화제의 에너지 일반 EN 그림 … 기술 번역가 핸드북

서적

사진, Granin Daniil Alexandrovich. 러시아 국가 상 수상자이자 소련 국가 상 수상자 인 Daniil Granin은 소설 "The Picture"에서 다시 한 번 큰 대중 공명 문제를 언급합니다. 이 책은…

우리는 템페라, 유화, 수채화 등 다양한 색상으로 칠해진 박물관의 그림을 보는 데 익숙합니다. 그러나 우리는 그들이 어떻게 나타났는지, 그리고 그들의 창조자는 누구인지에 대해 얼마나 자주 생각합니까? 처음으로 실제로 점토 역할을 하는 페인트는 원어. 그런 다음 그는 점토, 석탄 및 기타 천연 염료를 지방과 혼합하기 시작했으며 이는 최초의 실제 페인트로 간주 될 수 있습니다. 예술가들이 모든 곳에서 사용하기 시작한 페인트가 출현하기까지 천년이 지났습니다.

계란 온도

이 페인트는 계란 온도였습니다. Raphael, Leonardo da Vinci, Michelangelo와 같은 거장들이 작업했던 르네상스 시대에 특히 인기를 얻었습니다. 템페라는 계란 노른자, 물 및 건조 안료. 그 당시 예술가들은 자신의 페인트를 만들어야 했습니다. 그들은 점토, 식물 광물, 장과, 심지어 곤충까지 고운 가루로 갈아서 물과 달걀 노른자와 섞었습니다. Tempera는 예술가의 특별한 기술이 필요했습니다. 이 묽은 레드는 놀라울 정도로 빨리 건조되었습니다. 이로 인해 마스터는 패턴의 통일성을 유지하기 위해 매우 빠른 속도로 작업해야 했습니다.

유성 페인트

15세기에 Jan van Eyck이 유성 페인트를 발명하여 회화의 진정한 혁명이 일어났습니다. 바인더로 일반적인 달걀 노른자 대신 아마인유를 사용했습니다. 엄밀히 말하면 그들은 우리 시대 이전에 알려졌습니다. 이것은 바미얀 불상이 파괴된 후 발견된 페인트 잔해로 확인됩니다. 고대 화가들도 다채로운 구성을 위해 식물성 기름을 사용한 것으로 알려져 있습니다. 8세기부터 12세기까지의 다양한 논문에서 아마인유의 사용에 대해 언급하고 있습니다. 그러나 물질적 증거는 남아 있지 않습니다. 유성 페인트여러면에서 계란 온도보다 우수합니다. 우선 예술가들은 그녀의 가소성에 매료되었습니다. 유성 페인트는 혼합하기 쉬웠고 완전히 새로운 색상을 만들 수 있었습니다. 페인트가 얇은 층으로 도포되기 시작했습니다. 이 기술은 공간, 볼륨 및 색상 깊이를 가장 잘 전달했습니다.

수채화

외관은 AD 2 세기에 기인한다는 사실에도 불구하고 18-19 세기 초에야 널리 보급되었습니다. 그것은 잘게 분쇄된 안료와 물에 쉽게 용해되는 식물 기원의 접착제로 구성됩니다. 이 페인트는 물로 희석되어 종이에 바릅니다. 특성 수채화 기법그 투명성에 있습니다. 수채화는 마치 공기를 채운 그림처럼 가볍고 섬세합니다. 그러나 문제가 있습니다. 다음과 같이 도면을 다시 실행하거나 레이어를 기록합니다. 오일 페인팅, 예를 들어 불가능합니다. 2~3가지 이상의 색상을 혼합하면 페인트의 밝기와 순도가 떨어지고 페인트 층이 씻겨 나가면 종이가 변형되어 먼지가 발생합니다.

그 먼 시대부터 식물성 기름, 목재 수지 및 천연 염료와 같은 천연 성분을 기반으로 페인트가 만들어졌습니다. 그러나 20세기 초에 주요 페인트 제조업체에서 일하는 화학자들이 새로운 페인트 공식을 발명하기 시작했습니다. 오늘날 상점에서 볼 수 있는 페인트의 역사가 시작된 것은 20세기입니다. 그들 중 다수는 합성 성분을 포함하고 있지만 결코 천연 성분보다 열등하지는 않습니다.

그림 속의 그림은 완전한 성격(스케치 및 스케치와 반대됨)과 독립적인 예술적 가치를 지닌 예술 작품입니다. 프레스코나 책 미니어처와 달리 그림은 특정 인테리어나 특정 장식 시스템과 반드시 연관되는 것은 아닙니다. 그림은 이젤 예술의 가장 전형적인 유형 중 하나입니다. 작가는 캔버스를 만드는 과정에서 자연에 의존하지만, 이 과정에서 창의적인 상상력이 중요한 역할을 한다. 회화는 회화의 발전에 주도적인 역할을 한다.
페인팅베이스 (캔버스, 나무 또는 금속 보드, 판지, 종이, 돌, 실크 등), 프라이머 및 페인트 레이어로 구성됩니다.
드라마, 오페라, 발레, 영화 예술의 그림은 불변의 행동 공간에 의해 제한되는 행위 또는 작품의 완전한 부분입니다. 상연시 원칙적으로 풍경을 바꾸지 않고 상영한다.
비유적이거나 더 일반적인 의미의 그림은 자연에 대한 생생하고 생생한 설명, 구두 또는 서면을 포함하는 완전하고 통합된 예술 작품입니다.
원본의 복제본 또는 복제본이 사본인지 원본인지 여부가 관련 맥락에서 중요하지 않은 경우 그림이라고 할 수도 있습니다. 예를 들어, "복도에 여러 그림이 걸려 있었습니다." 사용하지 않는 경우 현대 조명(전기, 양초 등) 그림 (그림) 작업을 시작하기 전에 예를 들어 13:00에 그림 그리기를 시작하고 계속하는 경우와 같이 연중 같은 날 해시계를 사용하여 시간을 표시하는 것이 좋습니다. 1979년 7월 25일 오후 2시 이전 1시간 동안 그림을 그리면 다음 쓰기 세션은 1980년 7월 25일 오후 1시부터 2시까지가 됩니다. 이 요구 사항은 태양에 대한 우리 행성의 천문학적 위치와 관련이 있습니다. 그것들을 쓰는 데 사용된 유독한 식물, 액체 및 광물이 있기 때문에 독으로 포화된 그림(특히 오래된 거장)이 있다는 것을 인식할 필요가 있습니다.
Richard Gregory 교수는 "회화의 이상한 속성"에 대해 다음과 같이 설명했습니다. 사진은 역설적입니다. 어떤 물체도 동시에 두 곳에 있을 수 없습니다. 어떤 물체도 동시에 2차원이면서 3차원이 될 수 없으며 이것이 우리가 그림을 보는 방식입니다. 그림은 매우 명확한 크기를 가지고 있으며 동시에 사람의 얼굴, 건물 또는 배의 실제 크기를 보여줍니다. 그림은 불가능한 대상입니다. 눈은 누락된 물체를 보기 때문에 사진이 중요합니다. 생물학적으로 매우 이상하다."
그림에 제시된 부재하고 상상의 상황에 반응하는 사람의 능력은 추상적 사고 발달의 중요한 단계입니다.
Johann Wolfgang Goethe는 다음과 같이 썼습니다.