지베르니 그림의 클로드 모네 물 정원. 지베르니 왼쪽 메뉴 열기

우리는 그가 노래한 견해에 감탄했습니다. 존경심으로 루앙 대성당을 바라 보았다. 우리는 주인이 그의 삶의 정확히 절반 인 43 년 동안 살았던 지베르니에 들를 수 없었습니다. 후반부 - 그는 1840년에 태어나 1926년에 사망하여 1883년 지베르니에 정착했습니다.
그날 모든 자연은 우리와 함께 기뻐했습니다. 노르망디의 회색 흐린 날 이후 태양은 아티스트와 어떤 농담을했는지 기억하는 것처럼 전체 지역을 관대하게 범람하여 시리즈 중 하나에서 작업하는 데 40 분도 채 걸리지 않았습니다. 그림의. 별 주위의 지구의 순환 법칙은 짧은 시간 후에 조명을 변경하여 Monet이 매번 색상을 변경하면서 한 캔버스에서 다른 캔버스로 이동해야했습니다.

마에스트로의 집에 가려면 지베르니 마을을 통과해야 합니다. 우선, 모네의 재능을 찬양하는 사람은 광대한 정원에서 자신을 찾습니다. 그것은 지베르니에 박물관이 열렸을 때 주인이 죽은 지 수년 후에 박살났습니다. 옛날 옛적에 여기에 초원이 있었고 작은 지역이 보존되었습니다. 그 유명한 건초 더미와 함께. 이것은 우리가 지베르니에서 처음 본 것입니다.

클로드 모네 <지베르니의 건초더미>

지베르니의 정원은 작은 구역으로 나누어져 있으며, 보스케나 울타리로 서로 분리되어 있습니다.

각 부서의 식물은 주제별로 선택됩니다. 아로마 또는 색상이 서로 조화를 이룹니다. 장미가 달린 가지가 있고 다른 가지에는 흰색 꽃만 수집됩니다.

또는 파란색만 또는 빨간색만. 모든 식물은 계절에 따라 그룹화됩니다. 개화 시기에 따라 바뀌기 때문에 이른 봄~ 전에 늦가을정원은 꽃이 피고 향기롭습니다.

지베르니는 말 그대로 녹지에 빠져 있습니다. 모네의 집 박물관으로 걸어가는 동안 위대한 인상파가 그의 재능의 힘을 다해 표현한 자연과의 화합의 물결에 무의식적으로 동조합니다.

계산원의 인상적인 대기열은 몇 분 만에 사라졌습니다. 조직화 된 그룹에는 자체 입구가 있으며 우리와 같은 "야생적인"그룹은 많지 않았습니다.

집에 다가 가면 먼저 녹색 배경에 다색의 꽃 바다가 보입니다. 그것은 수영하고 목욕하고, 흡입하고, 흡수하고, 흡수하고, 지구의 은총을 끌어들이기를 원합니다. 당신은 모든 다양한 식물들이 엄격하게 정의된 방식으로 배치되고 자리잡고 있다는 것에 감탄하며 얼어붙습니다. 그것은 Claude Monet 자신의 예술적 논리에 따릅니다. 예, 이것은 그의 정원이 정확히 어떻게 생겼는지 다른 것은 아닙니다. 맞습니다. 매우 아름답습니다!

처음에는 주인의 집 자체가 자연의 순환 속에 사는 정원의 필수적인 부분으로 인식됩니다.

모네의 정원에서 "얼굴이 파랗게 될 때까지 수영"하고 정말 채우고 싶지만 하우스 박물관에 가야합니다. 일요일 아침, 파리에서 100km도 채 안되어 곧 진짜 " 데모". 우리는 예술가가 그의 두 번째 아내 앨리스와 아이들-그와 카밀의 아들, 그리고 첫 결혼에서 앨리스 오 셰데의 아이들과 함께 수년을 보냈던 집을 몇 분 동안 볼 수 있습니다. 예술가 Jean Monnet의 장남은 Alice Blanche Hoschede의 딸과 결혼했습니다.

클로드 모네 하우스 박물관

신기하게도 이 집은 모네가 살았던 녹색 덧문이 달린 두 번째 분홍색 건물이었고, 첫 번째는 아르장퇴유(Argenteuil)에 있었다. 그것은 정원이 철도로 집과 분리 된 주인의 또 다른 거주지가되었으며 Vetheuil도 마찬가지였습니다. 조르주 클레망소(Georges Clemenceau) 프랑스 총리는 “그의 정원에는 철로도 있다!”고 말한 적이 있다.

처음에 가족은 지베르니에 있는 적당한 집을 임대했습니다. 끌로드(미들네임 꼭 넣고싶어요🙂) 모네가 샀을 때 집이 달라보였어요. 부동산은 "사과 프레스의 집"이라는 매우 흥미롭게 불 렸습니다. 사과 프레스 기계가 근처에 서있었습니다. 그의 취향에 따라 주인은 필요에 맞게 집을 양방향으로 확장했습니다. 대가족그리고 당신의 전문적인 요구를 위해. 근처의 작은 헛간이 집과 연결되어 작가의 첫 작업실이 되었다. 그리고 Monet은 주로 야외에서 작업했지만 스튜디오에서 캔버스를 완성하고 심지어 보관했습니다. 이 스튜디오 위에는 그의 방이 있었다. 주인은 집의 왼쪽 절반 전체를 완전히 차지했습니다. 여기서 그는 일하고 휴식을 취하고 손님을 맞이할 수 있습니다.

좁은 테라스가 전체 정면을 따라 뻗어 있습니다. 이제 모네 시대처럼 정문을 통해 집에 들어갈 수 있습니다. 모든 가정, 친구 및 손님이 사용했습니다.

두 개의 옆문이 더 있으며 정원을 내려다보고 있습니다. 즉시 작업장에 들어가고 싶다면 왼쪽 문을 통해 집으로 들어갔다. 오른쪽 문은 하인을 위한 것으로 부엌으로 바로 연결됩니다.

Claude Monet의 집 외관은 매우 단순하지만 전망은 기만적입니다! 자주 발생하는 것처럼 우아한 외관 뒤에는 버려진 도서관, 비참한 침대보 및 영혼을 건드리지 않는 그림이 있는 매우 평범한 환경이 숨겨져 있습니다. 이것은 모네의 집과 아무 관련이 없습니다! 반대로 집의 겸손한 모습 뒤에는 놀라운 분위기가 드러나고 더 매력적인 것은 거의 상상할 수 없습니다. 우리는 계단을 올라가고 또 다른 세계, 즉 색의 세계와 단순한 편안함의 매력적인 분위기를 접할 수 있는 기회에 숨이 멎는 것을 느낍니다. 식당, 파란 거실은 당신을 영국으로 데려다 줄 것입니다. 그러면 갑자기 순전히 프랑스의 특징이 느껴지고 진짜 일본이 당신을 지배합니다! 이것은 예술가의 집일 수 있습니다! Alice는 분위기에 고전적인 노트를 가져 왔지만 색상은 Claude Monet의 장점이며 그의 말은 항상 마지막이자 결정적이었습니다. 때때로 주인이 새로운 종을 찾아 떠났을 때 Alice는 침실에서 무언가를 바꿨고 그 결과에 매우 만족한다고 편지를 썼습니다. 남편의 대답은 항상 다소 냉정했습니다. "내가 돌아올 때까지 기다리세요. 무슨 일이 있었는지 확인해야 합니다."

가정 방문은 다음으로 시작됩니다. 푸른 거실. 예전에는 퍼플(모브) 응접실 또는 블루 살롱이라고 불렀습니다. 방의 파란색은 주인이 직접 선택했습니다. 인상파는 고전적인 파란색에 자신의 구성을 추가했기 때문에 특별한 매력을 지니고 있습니다. 주인은 앨리스의 거실뿐만 아니라 집안의 모든 방에서 색상을 선택했습니다.

객실 내부는 XVIII 세기의 프랑스 스타일로 디자인되었습니다. 거실은 크기가 작으며 집의 여주인 앨리스를 위해 설계되었습니다. 그녀는 보통 여기에서 자수하는 데 시간을 보냈고 아이들과 함께 앉는 것을 좋아했습니다. 그러나 때때로 수많은 손님이 블루 살롱에 붐비는 일이 발생했습니다. 이것은 모네가 자신의 작업실에서 일하거나 침실에서 명상을 할 때, 노천에서 일하면서 석양의 마지막 햇살을 받을 때 일어났습니다. 여기서 손님들은 주인을 기다리고, 수다를 떨고, 차를 마셨다. 축축한 가을날차용 물은 큰 사모바르에서 가열되었습니다.

앨리스는 종종 이곳에서 눈을 감고 쉬곤 했습니다. Claude Monet이 스케치를 위해 떠났을 때 아내에게 보내는 편지에서 그는 자신이 기다리고 있다고 자주 언급했으며 마침내 새 캔버스를 풀고 아내와 함께 조사할 수 있을 때까지 기다릴 수 없었습니다. 벽과 가구의 밝고 채도가 높은 파란색은 놀랍게도 일본 판화와 결합됩니다. 마스터의 중요한 컬렉션의 판화 대부분이 여기에 걸려 있습니다.

모네의 집에 있는 일본 판화.

전통적인 일본 판화는 나무 판자로 만든 판화입니다. 그들의 진부한 표현은 처음에 체리나 배나무 조각에 새겨졌습니다. 상대적으로 저렴한 가격과 대량 생산으로 인해 일본에서 매우 인기가 있습니다. 19세기에는 일본 판화도 유럽으로 전해졌다.

닭 축제 기간 동안 Hiroshige Asakusa Rice Fields

모네는 50년 동안 열정적으로 수집해 231점의 판화를 모았다. 마스터가 1870년대 초 네덜란드에서 첫 판화를 구입했다고 일반적으로 받아들여지고 있습니다. 그러나 Monet이 이전에 그러한 그림을 본 적이 있다는 것도 알려져 있습니다. 그는 한번은 르아브르에서 무단 결석을 했을 때 학교 수업, 독일, 네덜란드, 영국, 미국에 이어 상선이 동양에서 가져온 일본 판화를 보았습니다. 그때 인상주의의 미래 창시자가 최초의 저품질 그림을 만났고 Monet의 고향 인 Le Havre의 해안 상점에서 판매되었습니다. 그의 컬렉션에 처음 등장한 판화는 이제 아무도 말하지 않을 것입니다.

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마에스트로는 자신의 컬렉션을 신중하게 수집했을 뿐만 아니라 기꺼이 사진을 나눠주었습니다. Monet은 지속적으로 수백 개를 구입했으며 많은 사람들과 쉽게 헤어졌습니다. “일본 판화 좋아하세요? 직접 선택하세요!” - 때때로 Monet의 집에서 듣습니다. 주인의 자녀와 의붓 아들은 일본 판화를 아낌없이 선물했습니다.

그가 수집한 그림의 주제는 자연, 연극, 음악, 전원생활, 식물학, 곤충학, 일상의 풍경 등 작가의 다양한 관심사와 일치했다. 그는 주변에서 그것들을 보는 것을 좋아했고 그 자신도 이 그림들이 그에게 많은 영감을 준다고 인정했습니다.

조각은 Monet 집의 모든 방의 벽을 장식하고 식료품 저장실 역할을하는 통로 방에도 있습니다.

파란색 거실에서 우리는 간다 식료품 저장실. 때로는 공간 조직의 논리를 이해하기 어렵습니다. 예를 들어, 왜 그들은 부엌이 아닌 거실에서 식료품 저장실에 들어가나요? 집에 모든 방을 연결하는 복도가 없기 때문에 어느 방이든 통로가 될 수 있습니다. 편의상 다른 방 사이의 연결 고리가 된 것은 식료품 저장실이었습니다.

이러한 역할에도 불구하고 식료품 저장실은 인테리어의 중요한 부분이 되었습니다. 이것은 벽에 새겨진 여러 조각으로 입증됩니다. 그들은 바람에 깃발이 펄럭이는 상선을 묘사하고 요코하마에서 동쪽 해안으로 물건을 운반합니다. 또 다른 판화에서 우리는 요코하마에 있는 외국 상인들의 가판대에서 기모노와 크리놀린을 입은 여성들을 봅니다. 블루 톤의 판화는 가구의 주요 부분 인 옷장과 잘 어울립니다.

옷장은 열쇠로 잠겨 있었고 항상 집의 여주인이 보관했습니다. 그리고 그녀는 카이엔의 버번 바닐라, 육두구 및 정향, 실론의 계피, 네덜란드 동인도 제도에서 가져온 후추와 같은 이국적인 국가의 부를 발견했습니다. 그 당시 향신료는 매우 희귀하고 매우 비쌌습니다. 대나무 스타일의 캐비닛에서 자바 커피와 실론 차의 향이 퍼졌습니다. 중국 차 XIX 후반수세기는 아직 취하지 않았으며 20 세기 초에만 유럽에 나타났습니다. 이 모든 부는 철 깡통, 상자, 최고의 파리 마스터의 관. 그들은 여기에 영국 차, Aix의 올리브 오일, 푸 아그라를 보관했습니다. 옷장에는 서랍이 있고 각각에 자물쇠도 내장되어 있습니다.

식료품 저장실은 냉장실이며 주로 계란과 차를 보관할 수 있도록 특별히 가열되지 않았습니다. 모네의 시대에는 지금보다 훨씬 더 많은 달걀을 먹었다. 벽에는 2개의 보관함이 고정되어 있으며 116개를 담을 수 있습니다. Monet 가족은 계란을 사지 않고 마당에 닭장을 가졌습니다. Alice도, 특히 Claude Monet도 지베르니의 삶을 지방으로 인식하지 못했습니다. 에서 마을 사람들그들은 넓은 정원과 높은 울타리로 분리되었습니다. 그러나 점차 그들은 여러 지역 가족을 알게되었습니다. 그러나 암탉이 누워 있기까지 많은 시간이 지났고 소는 충분한 우유를 공급하기 시작했고 건포도 덤불에 열매가 나타났습니다.

이동 첫 번째 작업장,그리고 나중에 - 모네의 거실. 남쪽 창을 통해 빛이 강물처럼 주인의 거실로 흐르고 동쪽을 향한 퇴창도 좋은 채광을 돕습니다. 그러나 그러한 조명은 전혀 적합하지 않습니다. 예술가의 작업장에서 창문은 북쪽을 향해야합니다! 1층 때문에 이 방에서 북쪽으로 창문을 배치하는 것은 불가능했고 처음부터 모네는 자신의 작업실이 이곳에 오래 머물지 않고 더 나은 방을 고를 것이라는 것을 알았습니다.

그래서 나중에 그의 첫 번째 작업실이 거실이 되었습니다. 가족과 친근한 대화로 번갈아 가며 일하는 방으로 남아 있었지만 여기에서 Monet과 Alice는 수많은 방문객, 친구, 손님, 미술상, 비평가, 수집가를 맞이했습니다. 여기에 두 가지 책상- 그와 앨리스. 둘 다 활발한 서신을하고 있었고 둘 다 매일 많이 썼습니다. 큰 창 아래에는 마호가니 쿠바 비서가 있습니다. 의자, 커피 테이블, 음악 테이블, 책으로 가득 찬 르네상스 스타일의 책장, 소파, 두 개의 중국 꽃병 등 모든 것이 모네 시대부터 이곳에 보존되어 있습니다. 큰 꽃병은 일반적으로 같은 품종의 꽃으로 채워져 거실 전체에 배치되었습니다. 페르시아 양탄자는 방에 우아함을 더했습니다.

벽에 모네의 그림을 복제하면 방문자는 예술가 시대로 되돌아갑니다. 주인은 자신의 경력의 모든 단계를 상기시키는 캔버스를 보관하는 것을 좋아했기 때문입니다. 사실, 이전에 거실 벽을 장식했던 원본은 현재 파리의 Monet Marmottan Museum에 전시되어 있습니다. 이전에는 Monet이 할 수없는 작품이있었습니다. 때로는 이미 팔린 그림을 다시 사고 다시 팔고 또 교환하거나 샀다.

그는 장 밥티스트 포레(Jean-Baptiste Faure)에게 1879년에 쓰여진 "안개 속의 베퇴유(Veteuil in the Fog)" 캔버스를 50프랑에 사겠다고 제안했을 때 거의 생계를 유지하지 못했습니다. Tom에게는 그림이 너무 하얗고 색상이 너무 희소했으며 일반적으로 캔버스에 무엇이 여전히 묘사되어 있는지 판단하는 것이 불가능했습니다. 수년이 지난 어느 날, 포레는 지베르니에 와서 거장의 첫 워크숍에서 벽에 걸린 이 그림을 보고 진정한 관심을 보였습니다. Monet은 손님에게 이 그림은 더 이상 어떤 가격으로도 판매되지 않는다고 답했고 Faure에게 그가 안개 속의 Vetheuil을 이미 본 상황을 상기시켰습니다. 당황한 포레는 가능한 한 빨리 지베르니를 떠나야 할 몇 가지 좋은 이유를 찾았습니다.

여기도 집의 다른 곳과 마찬가지로 본래의 분위기를 그대로 간직하고 있어 마치 주인이 있는 듯한 느낌을 준다. 그는 여기서 정말 보이지 않습니다. 살아있는 주인 대신 Paul Paulin의 흉상이 첫 번째 스튜디오에 설치되었습니다. 이 흉상은 모네가 일생 동안 전설이 되었음을 상기시켜 줍니다. 사실, 그는 인정을 기다려야했고 50 세에야 예술가에게 왔습니다.

클로드 모네의 첫 번째 거실

주인의 예상대로 두 번째로 더 편안한 작업장이 곧 지어졌으며 정원 서쪽에 별도로 위치했습니다. 이를 위해 그들은 거기에 서있는 건물을 허물어야했고 Monet은 분홍색 집을 사 자마자 불필요한 모든 것을 주저없이 철거하고 마침내 모든 것이 작업을 위해 준비된 실제 작업장의 소유자가되었습니다. 공간과 북쪽을 향한 거대한 창문! 두 번째 작업장은 스승의 안식처가 되었고, 그곳에서 작업하는 동안 아무도 그를 방해하지 않았습니다.

이 작업장이 보존되었는지 여부는 말할 수 없으며 책은 이에 대해 아무 말도하지 않으며 관광객에게 표시되지 않습니다.

침실 K. 모네그의 첫 번째 스튜디오 거실 바로 위에 있습니다. 예술가의 침실에 가려면 식료품 저장실로 다시 돌아가야 합니다. 거기에서 매우 가파른 계단이 이어집니다. 이것이 주인의 휴게실로가는 유일한 방법입니다. 절망, 의심, 나쁜 기분과 질병의 시대에 주인은 가장 가까운 사회를 포함하여 모든 사회를 피했습니다. 때때로 그는 며칠 동안 침실을 떠나지 않고 위아래로 걷고 저녁 식사를하지 않고 음식을 가져 왔습니다. 그런 날에는 침묵이 집을 뒤덮었습니다. 식당에서도 주인이 없으면 목소리가 들리지 않았다.

침실에서 우리는 예술가가 잠을 잤고 1926년 12월 5일에 그가 Bose에서 쉬었던 다소 단순한 침대를 발견할 것입니다. 그의 방의 벽은 흰색이고 모네 시대에는 루이 14세 시대의 비서와 두 개의 서랍장이 있었습니다. 18세기 말에 제작된 가구는 주인이 살아 있는 동안 이미 100년이나 된 좋은 물건이었습니다.

각각에서 세 개의 창침실은 정원의 멋진 전망을 제공합니다. 그들 중 두 개는 남쪽을 향하고 하나는 서쪽을 향합니다.

그러나 모네 침실의 주요 보물은 그림이었습니다. 컬렉션은 또한 욕실 벽을 차지하고 Alice의 침실로 이어졌습니다. 3개의 캔버스, 12개의 작품, 9개의 캔버스, 5개의 Berthe Morisot, 여러 개의 Camille Pissarro의 그림 3개, Albert Marquet의 바다 풍경인 Alfred Sisley가 있었습니다. 컬렉션은 Morisot, Edouard Manet, Paul Signac의 파스텔과 Auguste Rodin의 조각품으로 보완되었습니다.

앨리스의 침실모네의 방 옆에 있습니다. 당시 귀족의 집에서는 남편과 아내가 별도의 침실에서 잤습니다. 그들은 욕실의 문을 통해 연결됩니다.

작가의 두 번째 부인의 매우 단순한 방은 여성을 묘사한 일본 판화로 장식되어 있습니다. 이것은 거리, 즉 북쪽을 향한 창문이있는 집안의 몇 안되는 방 중 하나입니다. 그녀의 방에서는 집이 실제로 얼마나 좁은지 상상할 수 있습니다. 침실 창문에서 모네 부인은 저택 반대편에서 아이들이 노는 모습을 볼 수 있었습니다.

메인 계단 맨 위에는 세탁을 위한 작은 창고가 있습니다. 그리고 그와 함께 우리는 식당. 아마도 이것은 Monet의 집에서 가장 흥미로운 방일 것입니다. 그녀는 평생 동안 얼마나 많은 유명인을 보았습니까!

모네 시대에 저녁 식사 초대는 손님이 집의 모든 불변의 전통에 엄격하고 무조건적으로 동의했음을 의미했습니다. 이것은 손님이 미식가가 아니라면 적어도 그는 고급 요리의 감정가임을 의미합니다. 그는 일본의 모든 것을 좋아할 것입니다. 손님은 주인의 작업 리듬에 따라 모든 것이 살았던 집의 엄격한 일상을 알고 베네딕토 회에 가까운 규칙과 규율을 존엄하게 준수해야합니다. 일상은 엄격하고 흔들리지 않았습니다. 집과 정원을 걷는 것조차 조심스럽게 만들어진 길을 따랐습니다.

Monet은 이전 주방을 희생하여 식당을 크게 확장했으며 크고 밝아졌으며 프렌치 창문이 베란다를 내려다보고 있습니다. 그 빅토리아 시대에는 어둡고 우울한 인테리어 톤이 유행했습니다. 주인은 패션에 거의 관심을 기울이지 않고 식당에 두 가지 노란색 음영을 주기로 결정했습니다. 황토색의 진동하는 색조는 찬장에 있는 루앙과 델프트의 토기의 파란색을 강조했습니다. 바닥은 체스 타일로 덮여 있습니다. 패턴은 흰색과 진한 빨간색 패널로 만들어졌으며 당시이 조합은 매우 사랑 받았습니다. 천장, 벽 및 가구는 두 가지 노란색 음영으로 칠해져 있습니다. 넓은 테이블에 12명이 자유롭게 앉았는데, 가끔은 16명이 앉기도 했다.

그 자체로 미술관처럼 보이는 식당은 구로키 하야시(Kurokis Hayashi)와 같은 일본에서 온 손님을 포함하여 온 가족, 친구 및 귀빈을 모았습니다. 노란색 리넨 식탁보가 항상 테이블 위에 놓여 있었고 일반적으로 "라고 불리는 일본식 화약 서비스를 제공했습니다. 체리 나무” 또는 파란색 테두리가 있는 넓은 노란색 테두리가 있는 백자 서비스. 마찬가지로 노란색으로 염색된 Organza 커튼은 더 나은 조명을 위해 분리되었습니다. 두 개의 거울이 서로 마주보고 배치되었습니다. 하나는 루앙의 파란색 파양스 화단으로 장식되었고, 다른 하나는 바닥에 큰 꽃병이 있는 열린 부채 형태의 회색과 파란색 일본식 화단으로 장식되었습니다.

식당의 벽은 모네가 자신의 색채 감각에 따라 선택한 일본 판화로 가득 차 있습니다. 그의 컬렉션에는 Hokusai, Hiroshige, Utamaro와 같은 일본 최고의 거장들의 작품이 포함되어 있습니다.

편의를 위해 식당 옆에는 주방- 집에서 볼 수 있는 마지막 방. Monet은 파란색으로 결정했습니다. 이 색상은 식당의 노란색 톤과 잘 어울립니다. 옆방의 문을 열면 손님들은 노란색에 잘 어울리는 파란색을 보았다.

노란색 다이닝룸에서 바라본 주방

이것은 요리사와 그의 조수만이 부엌에서 통치하고 하인이 식사를하러 온 세기 전환기에 일반적으로 받아 들여지는 규칙에 대한 또 다른 위반이었습니다. 주인이이 방의 장식을 생각할 때 한 번만 부엌에 들어가지 않은 것이 흥미 롭습니다. 그는 옅은 감청색이 풍부한 파란색과 잘 어울린다고 결정했는데, 주인은 방 내부 어디에서나 사용했습니다. 이 색 구성표는 베란다가 내려다 보이는 두 개의 창문과 집안의 대부분의 창문과 마찬가지로 정원을 바라 보는 프렌치 창문으로 방에 더 많은 빛을 더했습니다.

주방 벽면은 블루 루앙 타일로 마감하였습니다. 색상을 내기 위해 코발트를 첨가했고 생산 공정이 매우 비쌌기 때문에 많은 돈을 지불했습니다. 벽뿐 아니라 주방 바닥과 천장은 물론 테이블, 의자, 아이스박스, 소금통, 수납장까지 한 가지 색으로 칠했다. 당시 파란색은 위생을 증진하고 곤충, 특히 파리를 쫓아내는 것으로 생각되었습니다. 벽의 파란색 가구와 주방 캐비닛은 벽에 많은 컬렉션이있는 구리 도구의 광채를 강조합니다.

10인 가족에게 음식이 중요한 역할을 했고 부엌이 안식처로 여겨졌다는 것은 놀라운 일이 아닙니다. 결국 매일 가족 구성원뿐만 아니라 손님과 하인에게도 아침, 점심, 저녁을 먹일 필요가있었습니다. 여기서 모든 것은 방의 목적에 따라 달라졌습니다. 매일 더위와 추위 속에서 석탄이나 장작으로 부엌에서 거대한 난로를 지폈습니다. 그 안에는 구리 뚜껑이 있는 거대한 가마솥이 내장되어 있고 집안에는 항상 뜨거운 물이 있었습니다.

매일 한 농부가 거리가 내려다보이는 작은 창문을 두드리며 전날 받은 채소와 과일을 주문해 배달했다고 알렸다. 창문 옆의 계단은 부패하기 쉬운 음식이 저장되어 있는 광대한 지하실로 이어졌고 얼음은 인근 Vernon에서 배달되었습니다.

부엌은 간신히 요리사에게 자유 시간을 남겼습니다. 끊임없이 자르고, 부서지고, 방해하고, 자르는 것이 필요했습니다. 그런 다음-다음 번까지 결코 머뭇 거리지 않는 수많은 구리 그레이비 보트, 냄비, 찻 주전자를 씻고, 청소하고, 닦습니다.

다른 곳과 마찬가지로 여러 요리사, 때로는 전체 왕조가 Monet의 집에서 봉사했습니다. 예를 들어 Karolina와 Melanie는 그들이 발명한 조리법에 이름을 붙였습니다. 그리고 지베르니에서 가장 유명한 요리사는 마가렛이었습니다. 그녀는 소녀로 집에서 일하기 시작했습니다. 그런 다음 그녀는 약혼자 Paul에게 Monet을 소개했습니다. 그리고 Margaret이 집을 떠나지 않도록 Monet은 Paul을 직장에 데려갔습니다. 마가렛은 마에스트로가 죽은 후에도 1939년까지 그녀의 직위를 유지했습니다. 드문 휴식의 순간에 Margaret은 손잡이가없는 낮은 의자에 앉아 일본 판화의 주인처럼 영감을 얻은 요리 책을 훑어 보는 것을 좋아했습니다. 때때로 그녀는 하얀색과 부드러운 분홍색으로 피어난 두 개의 벚꽃이 있는 정원을 바라보기만 했습니다. 그녀는 지베르니를 떠나 고향인 베리로 돌아왔을 때 이렇게 회상했습니다.

집 구경은 여기서 끝. Normandy Garden 또는 Clos Normand로 이동한 다음 Water Garden으로 이동합니다.

박물관 내에서는 사진 촬영이 금지되어 있습니다. 하지만 작가의 첫 번째 작업실-스튜디오에서는 모든 방문객들이 사진을 찍는다는 것을 알고 나도 몇 장 찍었습니다.
나머지 사진은 Claude Monet House Museum 웹 사이트에서 가져온 것입니다.
Cdaire Joyes의 책 “Claude Monet at Giverny. A Tour and History of the House and Garden”, 스티파, 몽트뢰유(세인생드니), 2010

그림 같은 장소는 파리에서 북쪽으로 80km 떨어진 곳에 있습니다. 지베르니 (지베르니). 전 세계 수십만 명의 관광객, 아름다움에 무관심하지 않은 수십만 명의 사람들이 이곳을 순례합니다. 인상파 화가가 이곳에서 43년 동안 거주하며 작업했습니다. 클로드 모네.

1883년 작가는 이 마을에 집을 사서 온 대가족과 함께 정착했다. 모네는 자연을 우상화했습니다. 그는 정원 가꾸기를 좋아했고, 책을 사고, 새 집 근처의 땅에 큰 관심을 보였습니다.

작가는 다른 원예사들과 씨앗을 교환하고 묘목장과 활발한 서신을 주고받았는데, 지역 농민들에게 '도시'의 것은 생소한 광경이었다. 작가는 정원에서 더러운 일을 피하지 않았고 현지인들은 그를 매우 존경했습니다.

정원에서 산책하는 모네 가족(오른쪽 화가)

에두아르 마네 "정원의 모네 가족"

지베르니에 있는 그의 집에서 모네

처음에는 집과 주변 땅이 1헥타르를 넘지 않았습니다. 그러나 10년 후 Monet의 재정 문제가 순조로워지자 그는 또 다른 부지를 구입했습니다. 나중에 그것은 자동차 노반으로 대체되었으므로 Monet의 영토는 계속 분할되었습니다.

예술적 재능과 부지런함 덕분에 집 근처의 채소밭이었던 것이 Monet 덕분에 색상, 빛 및 아름다움의 진정한 축제로 바뀌었습니다. 그는 온갖 종류의 꽃과 식물로 모든 것을 심었습니다.

작가는 식물과 꽃을 너무 좋아해서(즉, 꽃이 피는 동안 풍부한 색상을 의미합니다!) 방대한 꽃 씨앗 카탈로그를 받았을 때, 그는 그것을 연구하는 데 많은 시간을 할애하지 않고 모든 것을 주문했습니다! 장미, 백합, 등나무, 튤립, 데이지, 해바라기, gladioli, asters -이 모든 것이 Monet 가족과 손님의 눈을 만났습니다.

그러나 고속도로 뒤 정원의 두 번째 부분은 방문객들에게 특별한 관심과 경외심을 불러일으킵니다. 이것은 소위 물의 정원입니다. 터널을 통해 갈 수 있습니다. 여기에 오는 모든 사람들은 무의식적으로 얼어 숨을 멈추고 위대한 예술가가 만든 걸작을보고 그의 세계적으로 유명한 그림의 음모를 인식합니다.

클로드 모네 "하얀 수련"

클로드 모네 "워터스"

클로드 모네 “워터스. 녹색 반사, 왼쪽”

그는 늪지대를 배수하고 연못과 수로를 형성하여 Epte 강의 물을 능숙하게 안내했습니다.
연못 기슭은 라스베리, 홀리, 일본 사쿠라, 아네모네, 모란 등 다양한 식물로 장식되었습니다. 정원의 주요 매력은 작가의 작품을 사랑하는 사람들을 알아볼 수없는 등나무와 얽힌 일본식 다리입니다. 그리고 가장 중요한 것은 모네가 일본에서 님프(수련)의 씨앗을 주문하여 연못의 수면을 장식했다는 것입니다. 다양한 품종의 수련이 연못에 심어졌고 수양 버드 나무, 대나무, 창포, 진달래, 장미가 둑을 따라 심어졌습니다.

모네의 정원은 그의 뮤즈이자 주요 직업이 되었습니다. Claude Monet은 수련에 대해 다음과 같이 썼습니다.

“나는 글을 쓸 생각조차하지 않고 즐거움을 위해 심었습니다. 그리고 갑자기 예기치 않게 나의 멋지고 멋진 연못의 계시가 나에게 왔습니다. 나는 팔레트를 가져갔고 그 이후로 다른 모델이 거의 없었습니다.”

이 작가의 화법은 물감을 섞지 않았다는 점에서 다르다. 그리고 그는 그것들을 나란히 놓거나 별도의 스트로크로 다른 하나 위에 겹쳐 놓았습니다. Monet이 가장 좋아하는 시리즈 작업 방식은 자연 상태의 각 음영이 별도의 캔버스에 전용 될 수 있기 때문에 색상, 빛의 사소한 뉘앙스를 무시하지 않도록 허용했습니다. 일본 다리? - 18가지 옵션. 하얀 수련이 있는 연못? - 13개의 그림. 수련? - 48개의 그림. 그리고 목록은 계속 될 수 있습니다 ...

클로드 모네 "수련과 일본 다리"

1916년, 이미 76세가 되었을 때 안채 오른편에 널찍한 작업실을 지었는데, 이 작업실을 "수련 작업실"이라고 불렀습니다. 여기에서 작가는 그의 마지막 장대 한 아이디어를 실현했습니다. 그는 둘레 약 70m의 원형 파노라마를 형성하는 수련을 묘사하는 패널을 만들었습니다.

이 그림은 그가 프랑스에 기증했으며 콩코르드 광장으로 열리는 튈르리 정원 가장자리에 위치한 특별히 지어진 파빌리온에 배치되었습니다. 정자를 위에서 보면 8자 모양이다. 상인방으로 연결된 두 개의 타원형 방에는 지베르니의 연못을 묘사한 그림이 걸려 있습니다. 본질적으로 이것은 평범한 눈으로는 접근할 수 없는 하루 동안의 자연의 변화를 전달하는 하나의 그림입니다.

미술 평론가들은 이곳의 그림이 사실주의와 추상 미술의 경계를 모호하게 할 정도로 완성도에 도달했다고 말합니다. Claude Monet은 모든 것이 사라지기 때문에 순간을 멈췄지만 사라지는 것은 없으며 인생은 항상 기대입니다. 다음날. Claude Monet의 작품에 대한 평생의 승리였습니다.

클로드 모네 '수련(구름)'

클로드 모네 "수련과 붓꽃이 있는 연못"

클로드 모네는 20년 동안 물의 정원에서 영감을 얻었습니다. 모네는 이렇게 썼습니다.

“... 나의 멋지고 멋진 연못의 계시가 나에게 왔습니다. 나는 팔레트를 가져 갔고 그 이후로 다른 모델이 거의 없었습니다.

그는 먼저 현물로 그림을 만들고 연못의 수면에 반사를 준 다음 작가가 캔버스로 옮겼습니다. 그는 매일 아침 5시에 일어나 날씨와 계절에 관계없이 이곳에 와서 그림을 그렸습니다. 여기에서 그는 100점 이상의 그림을 그렸습니다. 이것은 천재에게는 매우 놀라운 일이지만 클로드 모네는 매우 행복한 사람이었습니다. 그는 평생 동안 인정을 받고 사랑하고 사랑 받았으며 사랑하는 일을했습니다.

"나는 그림과 정원 가꾸기 외에는 아무것도 할 수 없습니다."
클로드 모네

Monet은 거의 30년 동안 자신이 좋아하는 주제에 바쳤습니다. 유명한 인상파 화가는 1926년 86세의 나이로 지베르니에서 사망했습니다. 1926년 화가가 세상을 떠난 후 그의 딸 블랑쉬가 집을 관리했습니다. 그러나 제2차 세계대전 중에는 황폐화되었다. 1966년 후반에 모네의 아들이 아카데미에 재산을 넘겼습니다. 미술, 즉시 집과 정원 복원을 시작했습니다.

오랜 방치 끝에 미국과 프랑스 후원자들의 관대함으로 복원된 클로드 모네의 정원은 세기 초에 널리 알려졌습니다. 파리 카페 "Gerbois"에서 만났을 때부터 예술가를 알고 다음 중 하나를 소유 한 Georges Clemenceau 마을 집지베르니(Giverny)에서 그리 멀지 않은 곳에서 그는 이 사건에 감명을 받아 작은 팜플렛을 헌정하기까지 했습니다.

“클로드 모네의 정원은 작가가 라이트 페인팅의 법칙에 따라 자연을 변형시킨다는 아이디어를 기적적으로 실현한 그의 작품 중 하나로 볼 수 있습니다. 그의 작업실은 벽에 얽매이지 않고 야외로 나갔습니다. 거기에는 색상 팔레트가 사방에 흩어져 있어 눈을 훈련하고 만족할 줄 모르는 망막의 욕구를 만족시켜 삶의 가장 작은 설렘을 감지할 준비가 되어 있었습니다.”

이제 지베르니는 연간 50만 명이 넘는 사람들이 방문합니다. 프랑스는 클로드 모네의 집 박물관과 지베르니 정원을 유네스코 세계유산으로 등재 신청할 계획이다.

지도모네의 정원으로:

프랑스, 지베르니(A13 고속도로를 따라 파리에서 북쪽으로 80km).
정원은 월요일을 제외하고 매일 9:30부터 18:00까지 방문객에게 개방됩니다(티켓 판매는 폐장 30분 전에 종료됩니다).

입장권 비용:

성인: 9유로
7세 이상 및 학생: 5유로
7세 미만: 무료
장애인: 4유로

주차: 무료

예술가의 그림을 보고 싶다면 여기에는 예술가의 그림이 없기 때문에 Orsay Museum, Orangerie Museum 및 전 세계 100개의 다른 박물관에 가야 합니다.

지베르니에 있는 클로드 모네의 정원은 끝없이 감상할 수 있는 진정한 예술 작품이라고 할 수 있습니다. 조용한 마을 지베르니는 기차를 타고 지나가다가 그 지역의 아름다움에 반한 인상주의 화가가 아니었다면 고요하고 그림 같은 지방으로 남았을 것입니다.

Claude Monet 덕분에 위대한 천재의 재산에 대한 모든 광경을 실제로 알고 싶어하는 관광객들이 매년 이곳에옵니다.

Claude Monet은 빛, 그 음영, 그림자의 놀이, 진정으로 우상화된 자연을 매우 중요하게 생각했습니다. 그는 1883년 지베르니에서 단순한 농부 집을 샀습니다. 그의 대가족은 그곳에서 살기로 되어 있었습니다.

Monet은 꽃을 너무 좋아해서 자신의 사이트에 다양한 품종의 전체 온실을 심었습니다. 모든 색의 폭동, 빛과 그림자의 놀이, 녹지에 잠긴 독특한 풍경이 작가의 특별한 사랑으로 그린 ​​그림에 반영되었습니다. 조금 후에 집 뒤의 부지에서 Monet은 일년 내내 피는 수련이 주된 매력 인 물 ​​위에 정원을 조직했습니다. 작가는 특히 그들을 그리는 것을 좋아했습니다.

거의 매일 아침 5시에 시작하여 작가는이 정원에서 시간을 보내며 주변의 모든 아름다움을 캔버스로 옮겼습니다. 이때 Claude Monet의 창작물이 팬들의 높은 평가를 받았습니다. 미술그리고 그는 인기를 얻었다. 위대한 예술가의 많은 동료들이 꽃이 만발한 정원을 감상하러 왔고, 지베르니는 큰 이름모네.

인상파는 길고 행복한 삶을 살았고 독특한 예술 작품을 남겼습니다. 오늘날 모든 사람이 모네의 재산에 들어갈 수 있습니다. 장미는 여전히 그곳에서 자라고 신성한 향기로 매혹되고 하얀 수련은 연못에 떠 있고 불멸의 인상주의 정신이 공중에 날아갑니다.

클로드 모네의 살아있는 그림

엘레나 티야프키나

“그의 정원에서 클로드 모네를 보면 어떻게 그렇게 훌륭한 정원사가 그렇게 위대한 예술가가 될 수 있었는지 이해하기 시작합니다.
- 모네 "위대한 정원사"? 시인은 틀렸습니다. 모네는 평생 그림을 그린 위대한 인상파입니다!
하지만 아니요, Kahn이 옳았습니다. 그의 평생 – 43 년! 모네는 정원을 만들었습니다.

그는 항상 꽃을 사랑했고 항상 꽃을 그렸습니다. 그리고 1883년 지베르니에 정착한 그는 정원사가 되었습니다. 식물에 대한 사랑에 사로잡힌 그는 먼저 노르망디를 만든 다음 놀라운 수생 정원을 만듭니다. 정원은 즉시 태어나지 않습니다. Monet은 끊임없이 노력하고 검색하고 실험합니다. 여행하는 동안 그는 필요한 식물을 찾습니다. Rouen에서 그는 필드 머스타드와 두 개의 "조금 재미있는 한련"을 보내고 노르웨이에서는 아이들에게 북부 국가에서 "몇 가지 특별한 식물"을 가져 오겠다고 약속합니다.

그는 원예에 관한 책을 수집하고 있으며 무엇보다도 George Nichols의 유명한 "Illustrated History of Horticulture"의 번역을 높이 평가합니다. 꽃과 정원에 관한 거의 모든 잡지를 구독합니다. 특히 신제품에 관심이 있는 종자 카탈로그를 수집합니다.
여행 중에 작가는 생각 속에서 끊임없이 지베르니로 돌아갑니다. 그는 아내 앨리스에게 정원이 어떤지 묻고, 식물에 대해 걱정하고, 온실 애완동물을 가장 잘 돌볼 수 있는 방법에 대해 조언합니다. 정원에 꽃이 남아 있습니까? 내가 돌아올 때 국화가 거기에 보존되기를 바랍니다. 서리가 있으면 아름다운 꽃다발로 자르십시오.”(1885 년 편지에서).

날마다, 해마다 모네는 참을성 있게 자신의 정원을 만들었습니다. 예술가의 시선과 정원사의 손길은 그가 과일 나무가 있는 평범한 사유지를 색상 조합과 모양을 통해 자연의 아름다움과 가변성이 전달되는 살아있는 그림으로 바꾸는 데 도움이 되었습니다. 모네의 정원에는 불필요하고 우발적인 것이 없었으며 맹목적인 수집도 없었고 오직 조화만 있었습니다.

정원은 그의 작업장의 연속이 되었습니다. 끊임없이 완벽함을 추구했던 모네는 먼저 정원에서 꽃 그림을 그린 다음 캔버스에 옮겼습니다. 안에 지난 몇 년그는 더 이상 지베르니를 떠날 필요가 없었습니다. 그는 정원을 그렸습니다. 작가는 물 정원의 "골목"을 따라 작은 배를 타고 끝없이 칠하고 칠하고 칠했습니다 ... 혹등 고래 다리, 나무가있는 수면, 등나무 및 수련이 반사되었습니다.

이것이 "수련"이라는 일반적인 이름으로 서정적 인 일련의 그림이 등장한 방식입니다. Monet은 "수련을 이해하기까지 오랜 시간이 걸렸습니다. 나는 그것을 쓸 생각조차 하지 않고 즐거움을 위해 심었습니다. 그리고 갑자기 예기치 않게 나의 멋지고 멋진 연못의 계시가 나에게 왔습니다. 나는 팔레트를 가져 갔고 그 이후로 다른 모델이 거의 없었으며 살아있는 자연에 대한 인식이 즉시 오지 않습니다.

모네의 놀라운 정원

그러나 이런 일은 일어날 수 없었습니다. 당국은 그 당시 알려지지 않은 꽃인 님프가 Epte 강의 물을 독살 할까 두려워 예술가가 오랫동안 수생 정원을 마련하는 것을 허용하지 않았습니다 ...

그리고 아아, 우리는 많이 보지 못할 것입니다. 자신을 극도로 요구하는 Monet은 많은 스케치를 태우고 이미 후회없이 그림을 완성했습니다. “내가 내 일에 몰두하고 있다는 것을 알아라. 물과 반사의 풍경은 집착이되었습니다. 이것은 나의 노쇠한 힘을 넘어서지만, 내가 느끼는 것을 포착할 시간을 갖고 싶습니다. 나는 그것들을 파괴하고 다시 시작한다.

마스터의 가장 중요한 작업은 일련의 거대한 "수련 장식 패널"이었습니다. "하늘과 수평선은 반사에서만 나타납니다. 이 패널에는 끊임없이 변화하는 세상이 있습니다. 세상은 이해할 수 없지만 우리를 관통하는 것 같습니다. 그리고 이 영원하고 새로워지는 세계는 수련이 있는 연못의 표면에서 녹아 내리는 것 같았습니다.

그의 쇠퇴기에 Monet은 Georges Clemenceau에게 다음과 같이 고백했습니다. “우리 주변의 세계를 여러 번 쓰면 현실을 더 잘 인식하기 시작하거나 우리가 이해할 수있는 작은 것입니다. 나는 붓으로 본 것을 증언하기 위해 우주의 이미지를 이해한다.

작가의 죽음 이후 그의 정원은 오랫동안 잊혀졌다. 모네가 반평생을 그런 정성과 사랑으로 만들어낸 창작물은 점점 거칠어졌다. 다행히 프랑스 미술 아카데미는 정원을 복원하기로 결정했습니다. 스케치, 사진, Monet이 보육원에서 만든 주문 양식, 언론인의 에세이 등 전 세계에 흩어져있는 작은 조각에서 다시 전체 그림을 만들려고했습니다. 복원에는 3년이 걸렸고 1980년에 방문객들은 정원의 오솔길로 돌아왔습니다. 다시 말하지만 Monet은 결코 은둔자가 아니었고 어떤 손님에게도 진심으로 기뻐했습니다.

정원은 약 2에이커의 면적을 차지했으며 도로에 의해 두 부분으로 나뉩니다. 집 근처에있는 위층 또는 꽃밭은 채소밭 부지에 배치되었습니다. 이것은 전통적인 프랑스 스타일로 설계된 "노르망디의 저택"입니다. 중앙 골목은 등반 장미가 올라가는 철제 아치로 장식되어 있습니다. 장미는 집 주변의 난간을 감싸고 있습니다. 정원의 공간은 높이가 다른 꽃 덤불이 볼륨을 만드는 화단으로 나뉩니다. 골목의 엄격한 직선은 일년 내내 향기로운 꽃의 잡색 카펫과 대조됩니다. 계절마다 특별한 색 구성표가 있습니다. 봄에는 수선화와 튤립이 풍부하고 진달래, 라일락, 등나무가 피어납니다. 나중에 정원은 홍채의 진짜 바다로 변하고 예술가는 특히 그들을 사랑했습니다. 붓꽃으로 둘러싸인 길은 유명한 그림지베르니 예술가의 정원. 홍채는 모란, 옥잠화, 백합, 양귀비로 대체됩니다. 여름이 한창일 때 블루벨, 금어초, 나팔꽃, 콜럼바인, 세이지 그리고 물론 모든 색조와 모양의 장미가 피어납니다. 그리고 9 월에는 달리아, 아욱, 과꽃 및 국화를위한 시간이오고 길은 한련이 차지합니다. 이것은 진정한 꽃과 색의 왕국입니다!

지베르니에 도착한 지 10년 후인 1893년, 모네는 철도 반대편에 있는 자신의 사유지 옆에 있는 땅을 사서 연못으로 바꾸었습니다. 회화를 위한 음모." 물 정원을 계획할 때 Monet은 한동안 지베르니를 방문했던 일본 정원사의 조언을 따랐습니다. 일본의 모티프가 여실히 느껴지는데, 자연관찰이라는 전통적인 동양철학의 영향이 느껴진다. 1895년 모네는 호쿠사이의 판화에서 정원으로 옮겨온 것으로 보이는 유명한 일본 다리를 건설합니다. 좁은 골목길을 따라 빽빽한 대나무 숲이 정원의 평범한 초목 사이로 중국 은행나무와 일본 과일 나무가 눈에 띄었습니다. 연못에는 양치류, 진달래, 무성한 장미 덤불이 빽빽하게 늘어서 있었습니다. 어떤 곳에서는 물이 뜨거워지고 호화로운 열대 수련이 피었습니다. “여기저기서 물 표면에 진홍색 심장을 가진 수련 꽃, 가장자리가 흰색, 딸기처럼 붉어지는 ... 그리고 멀리서 몇 가지 유사점 팬지떠 다니는 화단처럼 뭉쳐 있고 나방처럼이 물꽃밭의 투명한 경사면에 광택이 나는 푸른 날개를 펼칩니다. 그리고 천상의 꽃밭도…” — 마르셀 프루스트가 썼다.

지베르니라는 작은 마을은 천 년 전에 지도에 등장했지만 주로 세계적으로 유명한 인상파 화가 클로드 모네가 43년 동안 살았던 곳이자 그의 그림이 엄청나게 많이 탄생한 곳으로 알려져 있습니다. 이 그림 같은 장소는 파리에서 불과 80km 떨어져 있습니다. 생전에 유명한 거장의 존재 덕분에 눈에 잘 띄지 않는 마을은 많은 예술가들의 안식처이자 안식처가 되었다.

Matisse, Cezanne, Renoir, Pissarro는 지베르니의 거리를 걷곤 했습니다.

거기에 도착하는 방법

가장 로맨틱한 것은 혼자서 지베르니로 달려가는 것입니다. Paris Saint-Lazare에서 출발하는 기차는 Vernon으로 갑니다. 여기서 보통 버스가 기다리고 있으며 나머지 6km를 Monet의 정원까지 모셔다 드립니다. 역 맞은편에 있는 Café du Chemin de Fer에서 12유로에 자전거를 빌릴 수 있습니다. 이 짧은 길은 도보로도 갈 수 있습니다. 강을 건너 D5 도로로 우회전합니다. 조심하세요: 지베르니에 도착하면 분기점에서 좌회전하세요. 그렇지 않으면 정원을 돌아야 합니다.

차로 파리에서 약 1시간이 소요됩니다. Vernon/Giverny 방면 A13을 타고 14번 출구로 나옵니다.

페이지의 가격은 2018년 8월 기준입니다.

파리행 항공편 검색(지베르니에서 가장 가까운 공항)

클로드 모네의 정원

예쁜 마을은 모네의 집이자 예술가로서의 창작 작업장일 뿐만 아니라 조경 설계자이자 원예사로서의 그의 탁월한 능력을 가장 잘 보여주는 곳이기도 합니다. 결국, 아티스트가 다양한 장미, 히아신스, 홍채, 뻣뻣한 양치류와 무성한 모란을 결합하여 실험하고 육즙이 많은 양귀비로 퇴색 한 물망초를 장식 한 빈 캔버스가 된 것은 지베르니의 확장이었습니다. 그리고 기초를 형성한 것은 이 정원의 풍경이었습니다. 최고의 작품모네.

이제 전 세계에서 모네의 작품을 좋아하는 사람들이 수련이있는 연못과 연못 위에 던져진 레이스 일본 다리를 직접 눈으로 확인합니다. 작가는 또한 자신의 손으로 정원의 이 부분을 작업하여 향후 20년 동안 자신을 위한 영감의 원천을 열심히 만들었습니다. 여기에서 그는 창조했다 유명한 작품"Aiguille 및 Porte d' Aval의 바위", "Etretat의 Mannport Gate", "Belle-Ile의 바위", "Etretat의 바위", "Giverny의 해킹", "수련".

지베르니의 모네의 저택

예술가가 죽은 후 그의 아들 Michel은 미술 아카데미에 재산을 넘겼습니다. 주인이 남긴 집과 정원의 모습을 직원들이 지금도 정성스럽게 관리하고 있어 이곳을 프랑스 인상파 화가(클로드 모네 미술관)의 집이자 박물관으로 탈바꿈시켰습니다.

내부에는 모네의 작품은 없지만 밝은 색으로 칠해진 집은 주인의 삶에 대한 일상적인 세부 사항으로 가득 차 있으며 홀은 모네 작품의 복제품으로 장식 된 유명한 수련 스튜디오입니다. 정원을 방문하기 가장 좋은 시기는 연못 주변에 등나무 진달래가 피기 시작하는 5월과 6월입니다.

실용적인 정보

주소: Giverny, Rue Claude Monet, 65-75. 부동산의 공식 웹사이트(프랑스어, 영어 및 일본어로 제공).

영업 시간: 4월부터 11월까지 매일 9:30부터 18:00까지.

입장료: 9.50유로(성인), 5.50유로(7세 이상 어린이 및 학생), 7세 미만 어린이는 무료입니다.

지베르니의 인기 호텔

지베르니의 명소

노르만 마을 주변을 걷는 것은 모네의 눈으로 세상을 바라볼 수 있는 기회입니다. 푹신한 푸른 언덕, 향기로운 숲, 잘 깎은 나무 울타리로 둘러싸인 석조 집, 용감한 홍채에 무관심할 수 없습니다. 사람의 손이 명하는 곳이 아니라 그들이 원하는 대로 길의 먼지를 뚫고 나아가라. 그리고 바로 연필, 펜, 붓, 카메라를 들고 소박한 시골 풍경의 요염한 아름다움을 포착하고 싶습니다.

인상주의 박물관

모네 가족 둥지 외에도 지베르니에는 인상파 예술가들의 임시 전시회와 설치물을 주최하기 위해 만들어진 인상파 박물관과 같은 다른 명소가 있습니다. 모네의 작품조차도 그의 홀에 전시됩니다. 그건 그렇고, 아주 최근에이 건물은 미국 미술 박물관이라고 불렸고 미국 예술가들의 작품을 전문으로했지만 전 세계를 휩쓸었던 예술의 지리적 경계를 넓히기로 결정했습니다.

박물관은 4월 초부터 10월 말까지 개장합니다. 그건 그렇고, 지베르니의 여러 명소를 방문 할 때 할인을 제공하는 통합 티켓 판매가 제공됩니다. 주소: Giverny, rue Claude Monet, 99. 개관 시간 및 티켓 할인에 대한 자세한 내용은 박물관 웹사이트(영문)를 방문하세요.

카페

클로드 모네 거리의 81번지, 옛 호텔이 쉼터로 들어선 지금의 사랑스러운 레스토랑 호텔 보디를 바라보며 기분 좋은 휴식을 취할 수 있습니다. 이곳은 진정한 전설입니다. Cezanne, Renoir, Sisley, Rodin은 한때이 카페의 테이블에서 커피를 마셨고 19 세기 말에는 예술가들만 호텔의 위층에 머물 렀습니다. "미국 예술가를위한 호텔"은 손님이 여주인에게 숙박비를 지불 한 현재 유명한 거장의 여러 그림과 스케치를 보존했습니다. 이제 점심으로 25-30유로를 지불하면 프랑스 요리를 맛볼 수 있습니다.

모네의 가족 금고

St. Radegunde 교회 옆에는 Monet의 가족 매장지가 있습니다. 오래된 교회는 고풍스럽고 특별한 분위기가 돋보이는 시골의 소박한 사원입니다. 이 교회에서 Monet은 두 번째로 결혼했고 나중에 가족의 가족 금고에 묻혔습니다. 마을에서 가장 오래된 거리인 지베르니의 중세 지역에 있는 rue aux Juifs는 고대 건물과 중세 수도원의 폐허에서 알 수 있듯이 특별한 매력으로 가득 차 있습니다.

• 머무를 곳: 출발점프랑스 수도를 여행하려면 직접 선택하는 것이 가장 좋습니다.

파리에서 북쪽으로 80km를 운전하면 그림 같은 지베르니에 도착할 수 있습니다. 이 마을은 클로드 모네(Claude Monet)가 이곳에서 43년 동안 거주하며 일했다는 사실로 유명합니다. 1883 년 마을에 정착 한 작가는 정원 가꾸기에 너무 빠져서 그가 가장 좋아하는 정원과 마을 가장자리에 위치한 양귀비 밭의 전망을 제외하고는 캔버스에 거의 아무것도 없었습니다.

처음에 모네의 정원은 집에 인접한 영토(약 1헥타르)로만 구성되었습니다. 여기에서 작가는 우선 전나무와 편백나무의 우울한 골목길을 잘랐다. 그러나 등반 장미가 올라간 높은 그루터기가 남았습니다. 그러나 곧 덩굴 식물이 너무 커져서 문을 닫고 문에서 집으로 이어지는 아치형 꽃 터널을 형성했습니다.

물론 시간이 지남에 따라 그루터기가 무너지고 이제 장미는 금속 지지대로 지원됩니다. 이 장소는 스승님의 그림에서 볼 수 있습니다. 왼쪽, 오른쪽 및 위쪽에 무성한 꽃이있는 골목의 관점과 얇은 투각 그림자 아래의 경로에 있습니다.

창문으로 보이는 집 앞 공간은 작가가 물감을 섞어 매치해 꽃 팔레트로 변신했다. 모네의 정원에는 가지각색의 향기로운 꽃 융단이 상자 속의 물감처럼 직선 경로로 나뉩니다.

모네는 꽃을 그리고 꽃으로 그렸습니다. 그는 진실하다 재능있는 사람뛰어난 예술가이자 뛰어난 조경 디자이너였습니다. 그는 원예에 매우 진지하게 관심을 갖고 특별한 책과 잡지를 구입하고 보육원과 통신하고 다른 꽃 재배자와 씨앗을 교환했습니다.

동료 예술가들은 종종 지베르니의 모네를 방문했습니다. Matisse, Cezanne, Renoir, Pissarro 등이 이곳에 왔습니다. 꽃에 대한 주인의 열정을 알고 친구들은 그에게 식물을 선물로 가져 왔습니다. 따라서 Monet은 예를 들어 일본에서 가져온 나무 모양의 모란을 얻었습니다.

이때까지 Claude Monet은 유명해졌습니다. 이 작가의 화법은 물감을 섞지 않았다는 점에서 다르다.

그리고 그는 그것들을 나란히 놓거나 별도의 스트로크로 다른 하나 위에 겹쳐 놓았습니다. Claude Monet의 삶은 차분하고 유쾌하게 흐르고 그의 가족과 사랑하는 아내가 근처에 있으며 그림은 잘 팔리고 예술가는 자신이 사랑하는 일을 열정적으로하고 있습니다.

1993년에 Monet은 자신의 옆에 있지만 철도 반대편에 위치한 습지대를 구입했습니다. 여기에 작은 개울이 있었다. 이 장소에서 작가는 지역 당국의 지원을 받아 처음에는 작은 연못을 만들었고 나중에는 확장했습니다. 다양한 품종의 수련이 연못에 심어졌고 수양 버드 나무, 대나무, 창포, 진달래, 장미가 둑을 따라 심어졌습니다.

구불구불한 해안선이 있는 연못을 가로지르는 다리가 여러 개 있습니다. 가장 유명하고 가장 큰 것은 등나무와 얽힌 일본 다리입니다.

Monet은 특히 그를 자주 그렸습니다.

모네의 수생 정원은 주변 지역과 현저하게 다르며 나무 뒤에 숨겨져 있습니다. 도로 아래에 놓인 터널을 통해서만 여기에 올 수 있습니다.

여기에 오는 모든 사람들은 무의식적으로 얼어 숨을 멈추고 위대한 예술가가 만든 걸작을보고 그의 세계적으로 유명한 그림의 음모를 인식합니다.

클로드 모네는 20년 동안 물의 정원에서 영감을 얻었습니다. Monet은 다음과 같이 썼습니다. “... 나의 멋지고 멋진 연못의 계시가 나에게 왔습니다. 나는 팔레트를 가져 갔고 그 이후로 다른 모델이 거의 없었습니다.

그는 먼저 현물로 그림을 만들고 연못의 수면에 반사를 준 다음 작가가 캔버스로 옮겼습니다. 그는 매일 아침 5시에 일어나 날씨와 계절에 관계없이 이곳에 와서 그림을 그렸습니다.

여기에서 그는 100점 이상의 그림을 그렸습니다. 이때 Monet은 시력을 잃기 시작했습니다. 작은 세부 사항을 구별하고 쓰는 것이 점점 어려워졌습니다. 작가의 그림은 점차 변화하고 있습니다. 세부 사항과 뉘앙스는 빛과 그림자의 유희를 보여주는 큰 페인트 스트로크로 대체됩니다.

그러나 이런 방식으로 그린 ​​그림에서도 우리는 틀림없이 친숙한 줄거리를 짐작하게 된다. 그림 값은 계속해서 오르고 있습니다... 클로드 모네는 1926년 지베르니에 있는 그의 집에서 사망했습니다.

그의 의붓딸 블랑쉬가 정원을 돌보았다. 불행하게도 제2차 세계 대전 중에 정원은 황폐해졌습니다. 1966년에 예술가의 아들인 미셸 모네(Michel Monet)는 즉시 집과 정원을 복원하기 시작한 미술 아카데미(Academy of Fine Arts)에 재산을 넘겼습니다. 이제 지베르니의 사유지는 매년 50만 명이 방문합니다.

클로드 모네는 아주 행복한 삶을 살았습니다. 그는 자신이 좋아하는 일을 하고, 그림과 정원 가꾸기를 결합하고, 풍요롭게 살았습니다. 그는 개인적인 삶에서 매우 행복했고 사랑했고 사랑 받았습니다. 모네는 평생 동안 유명해졌는데, 이는 예술가들에게는 드문 일입니다. 그리고 이제 전 세계에서 그는 가장 유명하고 사랑받는 예술가 중 한 명으로 남아 있습니다. 특히 이 뛰어난 인물이 위대한 화가, 뿐만 아니라 우리의 동료이자 교사인 조경 예술의 대가이기도 합니다.

클로드 모네의 캔버스 위의 지베르니

클로드 모네(1840-1926)의 전기

Claude Oscar Monet의 교육은 어린 Claude가 겨우 5살이던 1845년 가족이 파리에서 이주한 노르망디 도시 Le Havre에서 시작되었습니다. Le Havre에서 그의 아버지 Claude-Auguste는 그의 처남 Jacques Lecadre와 함께 선박 장비와 식료품을 판매하는 상점을 열었고 가족은 해변의 Faubourg Sainte-Adresse에 정착했습니다.

스스로 그림을 그리는 법을 배운 14세의 모네는 르아브르에서 가장 유명한 사람들의 재미있는 캐리커처를 그리면서 상당한 경험을 쌓았습니다. 자비로운 유머로 가득 찬이 첫 번째 작품은 연필과 목탄으로 만들어졌으며 아주 일찍 도시 주민들의 관심을 모네에게 끌었습니다. 젊은 예술가는 "고객"이 있고 모두가 캐리커처를 원하고 10 ~ 20 프랑의 가격에 판매합니다. 이 기간 동안 Monet은 자신이 공부하는 대학에서 가르치는 David Jacques-Francois Auchard의 학생지도하에 그림을 그리며 동시대 사람들과 다른 풍경화가 Eugene Boudin의 작품에 대해 알게됩니다. 그는 자연에 글을 씁니다. 처음에 Monet은 도시의 다른 많은 주민들과 마찬가지로 Boudin의 방법을 비판했지만 예술가를 개인적으로 만난 후 그와 합류하여 야외에서 그림을 그리기 시작했습니다. 그 결과 자연은 그를 평생 화가로 매료 시켰습니다.

Boudin과의 의사 소통은 회화에 진지하게 참여하려는 젊은 Monet의 결심을 확인시켜줍니다. 이를 위해 가장 중요한 미술 아카데미가 집중된 프랑스 수도로 이동하는 것이 가장 좋습니다.

Monet에게는 이해심 많은 이모가 있었고 그녀는 그의 아들이 Le Havre에 있는 가족 상점을 떠나 1859년 파리에서 시험 연도를 보낼 수 있도록 아버지를 설득했습니다. 캐리커처 판매로 인한 저축을 모은 Monet은 Boudin을 후원하고 수도에서 예술가 Constant Troyon과 관계를 맺은 수집가 및 예술 애호가로부터 여러 추천서를 확보하여 파리로갔습니다.

1859년 5월 모네는 수도로 이주하여 스위스 아카데미에서 한동안 공부하고 외젠 들라크루아와 귀스타브 쿠르베와 교류했습니다. 동시에 청년은 Camille Pissarro를 만났고 그와 함께 Courbet이 이끄는 현실 주의자들이 모이고 그가 Baudelaire를 만나는 곳인 Brassrey de Martyr ( "The Tavern of the Martyrs")를 자주 방문했습니다. 모네는 파리 살롱을 방문하고, 루브르 박물관을 방문하고 자세한 보고서와 함께 부댕에게 긴 편지를 씁니다. 살롱에서 그는 Corot, Rousseau 및 Daubigny를 포함하는 Barbizon 학교의 풍경화를 대표하는 Troyon의 작품을 배우고 감상할 기회를 가졌습니다. Monet은 Troyon과 자신의 그림에 대해 상담하고 아티스트는 Thomas Couture의 작업장에 들어가 그림을 그리는 방법을 배울 것을 권장합니다. 그러나 Monet은 Couture를 그리는 학문적 방식에 익숙하지 않았으며 Troyon의 조언과는 달리 Arno Gauthier, Charles Mongineau, Charles Jacques와 같은 예술가의 작업장에서 계속 작업하고 있습니다. 이 단계에서 Monet은 또한 자연주의가 Barbizon 학교에서 인상주의로 이어지는 다리를 던지는 Daubigny의 자연 그림에 대해 알게됩니다.

1860년 가을, 모네는 군 복무에 소집되어 알제리로 보내져 2년을 보냈습니다. 그는 인생의 이 시기가 새로운 색상과 조명 효과의 발견을 가져왔고, 이것이 그의 예술적 인식 형성에 결정적인 영향을 미쳤다고 회상합니다. 알제에서의 2년차 말에 그는 병으로 인해 프랑스로 송환됩니다. 르아브르에서 모네는 다시 부댕을 만나고 네덜란드 예술가그들은 즉시 좋은 친구가 되는 Johann Jonkind. 여름이 끝날 무렵, 모네가 이미 회복에 가까워졌을 때, 그의 아버지는 아들의 건강 상태를 두려워하여 그를 대신할 사람에게 돈을 지불하기로 결정합니다. 병역, 또한 추가 페인팅 수업을 돕는 데 동의합니다.

1862년 11월 모네는 파리로 돌아와 학자 예술가인 친척인 툴무쉬의 조언에 따라 글레르의 작업장에서 한동안 일하면서 곧 그의 화가가 된 르누아르, 바질, 시슬레를 만났습니다. 가까운 친구들.

그런 점에서 1863년 살롱 데 레 미제라블에 <잔디 위의 점심>을 출품한 마네의 작품은 그에게 큰 영향을 미쳤다. 현대 부르주아 사회에 속한 두 남자와 함께 웅장한 숲을 배경으로 벌거 벗은 젊은 여성을 묘사 한이 사진과 관련하여 언론과 학술 예술 지지자들에 의해 논쟁이 시작되었습니다. 음식 활발한 토론젊은 예술가들 사이에서: Monet도 참여했습니다. Gerbois의 카페에서 열띤 논쟁을 벌이는 동안 Manet은 그의 그림을 통해 회화 갱신의 상징이자 나중에 "인상파"로 알려진 예술가 그룹의 영적 지도자가되었습니다.

동시에 Gleyre의 작업장에 있는 Monet과 그의 동지들은 종종 Fontainebleau 숲의 자연에서 그림을 그렸고 1864년 여름에 그는 Boudin, Jonkind 및 Basil과 함께 Honfleur로 여행하여 후자와 함께 Saint-Simeon에 정착했습니다. , 예술가들이 가장 좋아하는 장소.

1865년 그는 처음으로 살롱에 출품했고, 그의 두 작품은 바다 경치겸손한 성공을 거두십시오. Monet은 Chailly로 떠나 Golden Lion Hotel에 정착하여 1863년 Salon des Les Misérables에 전시된 Manet의 유명한 그림을 변형한 잔디 위의 오찬을 위해 수많은 연구를 수행합니다. Basile과 나중에 그의 인생 파트너가 된 Camille Donsier가 사진을 위해 포즈를 취합니다. 스케치는 자연에서 만들어진 이 그림의 탄생 과정을 따르기 위해 특별히 Chailly에 온 Courbet에게 큰 관심거리입니다.

귀스타브 쿠르베와 만화가 오노레 도미에(Honore Daumier)는 공인된 회화와는 거리가 먼 예술가들의 진정한 우상이었다. Courbet의 "Artist 's Workshop"과 Daumier의 "Third Class Carriage"를 회상하기에 충분한 두 작품은 사실주의와 저속하고 캔버스에 묘사 할 가치가없는 것으로 간주되는 주제 선택으로 공식계에 충격을주었습니다. 둘 다 리얼리즘의 기원에 서 있었습니다. 자연과 외광 풍경화의 융합뿐만 아니라 사회적 지위에 관계없이 모든 사람이 역할. 모네가 쿠르베를 존경하고 그의 기술, 특히 어두운 배경의 사용을 흥미롭게 연구한 것은 이해할 만합니다.

그림 "Camille in Green"에서-모네의 친구 초상화 전체 높이, 1866년에 작성됨 - 예술가는 의심할 여지 없이 경의를 표합니다. 회화 기법쿠르베. 1866년 살롱에 전시되어 비평가들로부터 호평을 받은 것은 바로 이 작품입니다. 그는 언론에서 이야기되기 시작하고 그의 성공의 메아리가 Le Havre에 도달하여 가족의 존경을 되 찾을 수 있습니다. 그 당시 작가는 Ville d'Avre에서 일하면서 삶에서 큰 캔버스 "정원의 여성"을 그렸습니다. 4명의 여성 인물 모두를 위해 한 모델인 Camille이 포즈를 취했습니다. Basil이 구입한 이 그림은 거부되었습니다. 1867년 살롱의 심사위원단에 의해.

이번에는 돈이 극도로 부족하고 채권자들에게 끊임없이 쫓기고 심지어 자살을 시도한 모네에게 매우 어려웠습니다. 예술가는 Le Havre, Sainte-Adresse, 그리고 멋진 도시 풍경을 그리는 파리로 항상 장소를 이동해야합니다. 그런 다음 그는 다시 노르망디의 Etretat로 가서 상인 Godibert의 도움을 받아 그를 믿고 여러 그림을 구입하고 1869 년 강둑에있는 마을 인 Saint-Michel de Bougival에 집을 제공합니다. 세느 강은 파리에서 북서쪽으로 몇 킬로미터 떨어져 있습니다.

Auguste Renoir는 종종 Saint-Michel에서 그를 방문하고 예술가들은 같은 주제에 대해 함께 작업하기 시작합니다. 이 단계에서 자연은 실제 연구 대상이 됩니다. 파리에서 멀지 않은 여기, Chatou와 Bougival 사이, 세느 강 가지 중 하나의 은행에서 예술가들은 눈부심과 물에 대한 반사를 연구하는 데 가장 적합한 가장 다채로운 코너를 찾습니다. 목욕장, 부유한 파리지앵들의 일요일 휴식처. 예술가의 관심은 주로 끊임없이 변화하는 자연의 덧없는 효과에 끌립니다. 이 방향 자체가 모네의 창조적 신조가 되었고, 그는 이후 몇 년 동안 충실하게 남아 있습니다.

그들의 공동 창작 활동에서 탄생 유명한 전망목욕과 "개구리"로 알려진 레스토랑. 이 그림은 2년 전에 그린 생트 아드레스의 테라스처럼 그림에 대한 모네의 영향을 증언합니다. 동양 미술, 일본 그래픽 수집의 시작과 관련하여 세기 후반 프랑스에 퍼졌습니다. 일본 미술에서 모네와 그의 동시대인들은 "분위기"와 조화를 이루어 주변 세계를 재현할 수 있는 유망한 새로운 가능성을 발견했습니다.

인상주의와 일본의 영향 사이의 관계의 모든 복잡성을 가장 효과적으로 탐구할 수 있는 것은 모네의 그림을 기반으로 합니다. 내 평생 열렬한 팬이었어 일본 미술. 그가 70년대에 살던 아르장퇴유에 있는 그의 집 벽에는 일본 부채가 걸려 있었다고 한다. 그의 마지막 집인 지베르니에는 그의 작업 기간 동안 수집한 광범위한 일본 조각 컬렉션이 여전히 보관되어 있습니다. 그리고 1892년 에드몽 드 공쿠르는 일기에 동양 작품 무역의 중심지인 빈트 갤러리에서 모네를 자주 만났다고 썼습니다.

일본 목판화에서 그는 날카로운 단축법과 프레임이 있는 구성의 극적인 가장자리로 달성되는 구성 효과를 발견했습니다. 쇠퇴기에 그는 Duke de Trevize에게 이렇게 말했습니다. 이 사람들은 우리에게 새로운 작곡을 가르쳤습니다. 의심의 여지가 없습니다." 그의 작품은 정말 새로운 유형의 구성에 속합니다. 1867년에 그는 Sainte-Adresse의 The Terrace를 그렸습니다. 중국화플래그와 함께. 그것은 참으로 눈에 띄는 구성입니다. 위쪽 각도가 있고 중심이 없습니다. 넓은 바다에는 다양한 크기의 범선이 흩어져 있습니다. 약 30 척이 있습니다. 흐린 부분과 구름이없는 부분으로 나뉘어 진 하늘 조각과 함께 구성의 절반은 테라스 자체가 차지하며 밝은 글라디올러스와 한련이 많이 볼 수 있으며 약간 비대칭으로 배치 된 두 개의 깃발로 다양한 색상이 향상됩니다. 양쪽 테라스.

새로운 예술적 언어를 형성하는 과정도 그 진행과 관련하여 고려되어야 한다. 과학 XIX세기와 그 최신 업적, 특히 세기 후반에 프랑스에서 널리 퍼진 광학 및 색상 대비 분야의 Eugène Chevreul과 같은 과학자의 연구. 지각의 물리적 현상에 대한 관찰을 바탕으로 과학자들은 시각이 눈으로 지각되는 요소들의 상호 작용의 결과이며 물체의 색상은 물체가 만들어지는 재료, 다른 물체와 빛의 품질. 이러한 원칙은 일본 예술의 계시와 함께 모네, 르누아르 및 야외에서 그림을 그리는 것을 선호하는 모든 예술가에게 강한 영향을 미쳤습니다. 우리는 인상파 회화 기법에서 이러한 원칙의 흔적을 봅니다. 태양 스펙트럼의 순수한 색상이 팔레트에서 혼합되지 않고 캔버스에 직접 중첩됩니다.

1870년 6월, Gustave Courbet이 참석한 Monet과 Camille Donsier의 결혼이 이루어졌습니다. 젊은이들은 노르망디, 트루 빌로 이동하여 프랑스-프로이센 전쟁이 시작될 때 잡혔습니다. 공화당 원 인 모네는 제국을 위해 싸우고 싶지 않으며이 구실로 영국으로 피신합니다.

런던에서 그는 도비니(Daubigny)와 피사로(Pissarro)를 만나 템스 강과 하이드 파크(Hyde Park)의 안개를 함께 작업합니다. 안개 효과의 경우 적절한 시간을 선택하기가 어려웠습니다. 1870~1871년 런던의 겨울은 한 세기 만에 최악이었다. 안개의 존재는 특히 불과 1년 전에 개장한 의회, 그린 파크, 하이드 파크, 런던 풀에 대한 모네의 견해에서 느껴집니다. 그 자신도 런던 안개를 사랑했고, 르네 김펠에게 이렇게 고백했습니다. “저는 영국 시골보다 런던이 더 좋아요. 네, 저는 런던을 좋아합니다. 그것은 하나의 덩어리 같고, 앙상블 같으면서도 매우 단순하다. 내가 가장 좋아하는 것은 런던 안개입니다. 19세기 영국 예술가들은 어떻게 집을 벽돌 하나하나 칠할 수 있었을까요? 그들의 그림에는 보이지도 않는 벽돌까지 그려져 있었다. 나는 겨울에만 런던을 좋아합니다. 여름에는 도시가 공원으로 좋지만 이것은 겨울과 겨울 안개에 비하면 아무것도 아닙니다. 안개가 없으면 런던은 아름다운 도시가 아닐 것입니다. 안개는 놀라운 규모를 제공합니다. 신비한 표지 아래 단조롭고 거대한 구역이 웅장해집니다. 그 후 그는 반복적으로 런던에 와서 어떤 유명한 예술가보다 더 많은 런던 풍경을 그렸습니다.

런던에서 Monet과 Pissarro는 모두 열심히 일했습니다. 몇 년 후(1906년) Pissarro는 영국 비평가 Winford Dew-Hirst(당시 인상파에 관한 책 작업 중)에게 이렇게 썼습니다. “Monet과 나는 런던 풍경을 좋아했습니다. Monet은 공원에서 일했고 당시 매력적인 교외였던 Lower Norwood에 살면서 안개, 눈, 봄의 효과를 연구했습니다. 우리는 자연에서 썼습니다. 우리는 또한 박물관을 방문했습니다. 물론 Old Crome의 캔버스 인 Turner와 Constable의 수채화와 그림에 깊은 인상을 받았습니다. 우리는 게인즈버러, 로렌스, 레이놀즈 등을 존경했지만 특히 외광, 빛, 덧없는 효과에 대한 우리의 견해를 공유한 풍경화가들에게 깊은 인상을 받았습니다. 중에 현대 예술가우리는 Watts와 Rossetti에 관심이 있었습니다.

Daubigny는 프랑스 미술상 Paul Durand-Ruel에게 Monet을 소개합니다. 런던에 거주하는 동안 Durand-Ruel은 Bond Street에 갤러리를 열었습니다. 이 만남은 모네를 비롯한 미래 인상파 화가들의 작품을 신뢰와 관심으로 대하고 전시회 기획과 그림 판매를 도운 뒤랑 뤼엘이었기에 매우 중요한 의미를 지닌 것으로 드러났다. 1871년 두 번째 전시회를 제외하고 뒤랑-뤼엘은 프랑스 예술가 협회의 모든 전시회에서 인상파를 대표했습니다. Pissarro와 Monet의 작품은 자주 전시되었으며 이들에 대한 요구 가격은 Durand-Ruel 자신이 그 작품을 얼마나 평가했는지를 나타냅니다. 1872년 한 전시회에서 노우드와 시덴햄에 대한 피사로의 견해는 25기니에 평가되었고, 이듬해 모네의 "의회 의사당"은 30기니에 팔렸습니다.

Monet과 Pissarro는 그들의 작품을 Royal Academy 여름 전시회에 제출했지만 Pissarro가 유감스럽게 언급했듯이 "물론 우리는 거절당했습니다." 그들의 그림이 1871년 사우스 켄싱턴에서 열린 국제 전시회의 프랑스 섹션에 전시된 것은 뒤랑 뤼엘 덕분이었겠지만, 언론에서 전시회에 대한 많은 언급에도 불구하고 그들은 주목받지 못했습니다.

1871년 모네는 아버지의 사망 소식을 듣고 프랑스로 떠난다. 도중에 그는 네덜란드를 방문하여 풍경의 화려함에 놀랐고 잠시 멈추고 고요한 운하의 물에 풍차가 반영된 여러 그림을 그립니다.

이제 강한 우정을 쌓은 Manet 덕분에 그는 Seine 강둑에있는 Argenteuil에서 꽃을 키울 수있는 정원이있는 집을 찾았고 결국 예술가의 진정한 열정이되었습니다.

Renoir는 종종 그를 방문했습니다. 그 당시 그들은 매우 가까워졌고 공동 그림 경험은 개별 그림 스타일의 발전뿐만 아니라 일반적으로 인상주의의 형성에도 영향을 미쳤습니다. 1873년 여름은 호화로웠다. 그들은 종종 스프레이 건에서 캔버스에 적용되는 것처럼 작고 맥동하는 스트로크로 놀라운 빛과 색상 효과를 달성하면서 동일한 풍경을 그렸습니다. 다시는 그들의 작업이 그렇게 유사하지 않을 것입니다. 1913년, 동일한 주제에 대한 두 작품(연못에서 수영하는 오리)이 뒤랑-뤼엘 갤러리에 전시되었을 때, 둘 다 그의 그림을 식별할 수 없었습니다. Argenteuil에있는 Monet의 집 정원에서 그들은 직장에서 서로를 그렸습니다. Renoir는 배경에있는 집의 노란색과 회색으로 인해 밝은 색상이 강화 된 다색 달리아 덩어리를 배경으로 그의 친구를 묘사했습니다. 집은 또한 저녁 태양의 노란 빛에 거의 닿지 않는 가벼운 구름의 빛으로 시작됩니다. 빛에 대한 공동 열정의 목가적 인시기 색상 효과 Monet은 그의 집 외관을 묘사 한 그림에서 특별한 광채를 전달했습니다. Camille은 문 앞에 서 있고 플랫폼에는 손에 후프가 달린 밀짚 모자를 쓴 Jean의 작은 모습이 있습니다. 르느와르의 그림처럼 가볍고 떨리는 획으로 그려져 있지만 세부적인 나뭇잎과 다른 세부 사항에 대한 거의 피상적인 해석 사이에는 뚜렷한 차이가 있습니다. 카미유의 모습과 집 앞에 놓인 파란색 화분입니다.

그해 여름은 두 예술가 모두에게 유난히 결실을 맺었고, 모네에게도 그 뒤를 이은 겨울은 그에 못지않게 결실을 맺었습니다. 그들은 지금 본 것을 예술적 용어로 표현하고 시각적 경험의 현실을 밝고 순수한 색상으로 변환하려는 강한 욕구에 사로잡힌 적이 없었습니다.

그 당시 예술가의 재정 상황도 크게 개선되었습니다. 부계 상속과 Camille 아내의 지참금은 Monet의 가족에게 약간의 번영을 제공합니다. 이전과 마찬가지로 때때로 그는 노르망디로 계속 여행합니다.

1872년 르아브르에서 모네는 “인상. Sunrise”-나중에 인상파의 첫 번째 전시회에서 발표 된 Le Havre 항구의 전망. 여기서 작가는 마침내 일반적으로 통용되는 이미지 오브제라는 일정한 부피의 관념에서 벗어나 블루와 핑크-오렌지 톤으로 분위기의 순간적인 상태를 전달하는 데 온 힘을 쏟은 듯하다. 사실 모든 것이 보이지 않는 것처럼 보입니다. Le Havre 부두와 배는 하늘의 얼룩과 물의 반사와 합쳐지고 전경의 어부와 보트의 실루엣은 몇 번의 강렬한 스트로크로 만들어진 어두운 점일뿐입니다. 학문적 기술의 거부, 야외에서의 그림 그리기, 특이한 주제의 선택은 당시 비평가들에게 적대감으로 인식되었습니다. Sharivari 잡지에 실린 분노한 기사의 저자 Louis Leroy는이 특정 그림과 관련하여 처음으로 "인상주의"라는 용어를 그림의 새로운 경향의 정의로 사용했습니다.

그러나 인상파의 작품을 구매하는 "선택되고 박식한 감정가"는 누구입니까? 첫 번째는 Tintoretto를 연상시키는 그의 친구 Degas에 따르면 기능과 매너리즘에서 이탈리아 백작 Armand Doria (1824-1896)였습니다. 전시회에서 그는 Cezanne의 House of the Hanged Man을 300프랑에 구입했습니다. 그는 르누아르의 변함없는 후원자였습니다. 그의 죽음 이후 컬렉션이 팔렸을 때 10 개의 르누아르 그림이 그 안에 있음이 밝혀졌습니다. "인상. Sunrise”는 원래 루마니아 출신의 동종 요법 의사 인 Georges de Bellio가 구입했습니다. 피사로는 아이들이 아플 때 조언을 구하거나 필요할 때 그림을 사달라고 부탁했습니다. Monet은 또한 특히 다음 편지에서 끊임없이 그에게 도움을 요청했습니다. “내가 얼마나 불행한지 상상할 수 없습니다. 언제든지 그들은 내 물건을 설명하기 위해 올 수 있습니다. 그리고 이것은 내 일을 개선할 희망이 있었던 바로 그 때입니다. 아무 수단도 없이 거리에 내던져진 나는 어떤 직업이든 기꺼이 찾아낼 것이다. 이것은 끔찍한 타격이 될 것입니다. 나는 그것에 대해 생각하고 싶지도 않습니다. 나는 마지막 시도를 하고 있다. 나에게 500프랑이 있었다면 나는 구원받았을 것이다. 25개의 그림이 남아 있습니다. 이 금액이면 기꺼이 드릴 수 있습니다. 이 캔버스를 가져가면 저장할 수 있습니다.” 또한 De Bellio는 Renoir의 그림 8점과 Sisley, Morisot, Pissarro 및 Degas의 그림 몇 점을 구입했습니다.

Monet은 또한 Montivilliers에 새로 지어진성에 살았던 Havre 사업가이자 아마추어 예술가 인 Louis-Joachim Godiber (1812-1878)라는 또 다른 부유 한 후원자가있었습니다. 1868년 그는 채권자들로부터 화가의 그림 몇 점을 사들였고, 같은 해와 이듬해에는 모네 유지비를 지불했습니다. 그는 또한 가족의 여러 초상화를 그에게 의뢰했습니다. Monet과 또 다른 지역 거물 Oscar Schmitz의 그림을 구입했습니다. 원래 스위스 출신인 그는 르아브르에서 대규모 면화 기업을 운영했습니다. 그러나 생애 전반기에 모네의 가장 중요한 후원자는 에르네스트 고슈드(Ernest Gausched, 1838-1890)였으며, 나중에 모네와 밀접하게 연결되었습니다. 제2제정 때 파리에 생겨난 위대한 백화점 중 한 곳의 이 이사는 모제론의 인상적인 르네상스 맨션에 살았습니다. 그곳에서 그는 Manet의 6점, Sisley의 13점, Pissarro의 9점, Degas의 6점, Monet의 최소 16점의 작품을 포함하는 그림 컬렉션을 보관했으며, 1876년에 그는 자신의 집을 위한 일련의 장식 그림을 의뢰했습니다.

다시 네덜란드로 여행을 떠난 Monet은 Argenteuil로 돌아갑니다. 그곳에서 Monet은 예술가이자 수집가인 Gustave Caillebotte를 만나 좋은 친구가 됩니다. Argenteuil에서 Monet은 Daubigny의 예를 따라 Seine에 직접 글을 쓰기 위해 떠 다니는 작업장을 갖추고 있습니다. 그는 여전히 물 위의 눈부심에 열정적이며 Renoir, Sisley 및 Manet과 함께 작업하면서 조명 변화보다 조명 효과를 더 빨리 파악할 수 있는 기술을 개발하고 개선합니다. 1874년 4월 24일 파리 카푸친 대로에 있는 사진작가 나다르의 스튜디오에서 화가, 조각가, 조각가의 익명 예술가 협회 전시회가 열립니다. Monet, Degas, Cezanne, Berthe Morisot, Renoir, Pissarro 및 다양한 문체 경향의 다른 많은 예술가들이 Salons에서 발표 된 공식 그림과 분리하려는 열정적 인 열망으로 통합되어 전시됩니다. 전시회는 언론에서 비판을 받았으며 대중은 이에 대해 부정적인 반응을 보였습니다. 전시된 작품, 특히 모네와 가까운 예술가 그룹의 그림은 항상 워크숍에서 만들어지고 예술이 현실을 이상화하고 개선하려는 욕망에 지나지 않는다고 가정하는 학술 회화의 찬사에게는 너무 새롭고 이해할 수 없었습니다. 고전 문화의 대포의 이름으로.

1876년 Durand-Ruel의 워크샵에서 조직된 그룹의 두 번째 전시회도 비판적 이해를 충족시키지 못했습니다. Monet은 "Japanese Woman"이라는 그림을 포함하여 그의 작품 18점을 전시했습니다. 항상 인상파에 공감했던 에밀 졸라는 이번 전시회 이후 모네를 반박의 여지가 없는 그룹의 리더로 인정했습니다. 전시회 실패 후 큰 어려움을 겪고 그림을 팔 수 있었고 가격은 극도로 낮았으며 Monet에게는 물질적 어려움의 기간이 다시 시작되었습니다. 여름에 Argenteuil로 돌아온 그는 금융가이자 수집가 인 Ernest Goshede를 만났습니다.

늦가을, 모네는 안개의 장막 사이로 겨울 도시의 풍경을 그리고 싶다는 열망을 안고 파리로 돌아와 생 라자르역을 대상으로 삼기로 결심합니다. 감독의 허락하에 철도그는 역에 있고 하루 종일 일하며 그 결과 그는 상인 Paul Durand-Ruel이 인수 한 6 개의 캔버스를 만듭니다.

한편, 지금은 인상파로 알려진 일단의 예술가들의 전시회가 상당히 정기적으로 열리고 있습니다. 세 번째는 1877 년, 네 번째는 1879 년에 발생했지만 대중은 여전히 ​​이 방향에 적대적이며 다시 채권자들에게 포위 된 모네의 재정 상황은 절망적입니다. 이 때문에 그는 가족을 Argenteuil에서 Vetheuil로 옮겨 Goshede 부부와 함께 살고 주변 경관이 보이는 멋진 풍경을 그립니다.

1879년 카밀라는 오랜 투병 끝에 불과 32세의 나이로 세상을 떠납니다. “오늘 아침 10시 반에 참을 수 없는 고통 끝에 불쌍한 아내가 진정되었습니다. 나는 불행한 아이들과 완전히 외롭고 몹시 우울한 상태에 있습니다. 한 가지 부탁이 더 있습니다. Mont des Pitiers(파리 ​​시 전당포)에서 보증금을 보내드릴 메달을 교환해 주시겠습니까? 이것은 아내에게 소중했고 그녀에게 작별 인사를하면서이 메달을 그녀의 목에 걸고 싶습니다.”라고 Monet은 그의 후원자 인 Georges de Bellio에게 썼습니다.

1879년 모네는 사랑하는 여인의 아름다운 초상화를 그립니다. 1년 후 모네는 두 개의 캔버스를 살롱에 보냈지만 그 중 하나만 심사위원단에 의해 승인되었습니다. 이것은 모네가 참여하는 마지막 공식 전시회입니다.

같은 해 6 월, 발행인이자 수집가 인 Georges Charpentier가 소유 한 잡지 "Vi Modern"( "Modern Life") 홀에서 Monet의 18 개 그림 전시회가 열립니다. 그것은 언론에서 오랫동안 기다려온 아티스트의 성공을 가져옵니다. 그리고 이번 전시회의 그림 판매로 Monet은 재정 상황을 개선할 수 있습니다.

그는 결국 자신의 그림을 팔 생각을 하지 않고 원하는 것은 무엇이든 할 수 있다는 것을 성취했습니다. 1880년 Georges Petit에서 개인전을 시작으로 후원자의 범위가 확장되었습니다. 1881년 Durand-Ruel에서 얻은 그의 수입은 20,000프랑이었다. 또한 그는 개인 및 다른 딜러를 통해 자신의 작품을 판매하여 이익을 얻었습니다.

그는 자연과 바다, 그리고 이 땅의 특별한 분위기가 그를 매료시키는 노르망디의 페캉으로 글을 쓰기 위해 갑니다. 그곳에서 그는 Dieppe, Pourville 또는 Etretat에 거주하며 수많은 멋진 풍경을 만듭니다.

한편, 인상파 그룹에서 어떤 변화가 일어나고 있으며 분열이 일어나고 있습니다. Renoir는 이미 1878 년에 인상파의 네 번째 전시회에 참여하지 않았으며 공식 경로로 돌아가서 Salon에서 그의 작품을 전시해야한다고 믿었습니다. 모네 자신도 1880년에 같은 일을 시도했고, 1881년에는 그룹의 여섯 번째 전시회에 참가하지 않고 대신 1882년에 열린 일곱 번째 전시회에 참가합니다.

1883년 마네가 죽고 그의 죽음은 그룹의 해체와 상징적으로 일치한다. 1886년 인상파의 여덟 번째이자 마지막 전시회가 공식적으로 열렸지만 Renoir, Monet, Sisley는 참가하지 않았습니다. 그러나 Georges Seurat와 Paul Signac은 스스로를 선언했습니다. 새로운 추세의 대표자 - 소위 점묘법. 이 기간 동안 Gauchede 가족과 함께 1883 년 작은 마을 지베르니로 이사 한 Monet은 이탈리아, Bordighera로 여행하여 빛의 화려함에 감탄하고 상인 Georges Petit이 파리에서 주최 한 전시회에 참여합니다. 노르망디, Etretat로의 그의 여행은 멈추지 않습니다. 그곳에서 그는 Guy de Maupassant를 만납니다. 1888년 모네는 앙티브에서 작업을 합니다. 갤러리 소유자이자 예술가의 형제 인 Theo van Gogh의 관심 덕분에 그는 비평가들의 절제된 지원을 받아 두 개의 파리 갤러리에서 전시했습니다.

이듬해 Monet은 마침내 실질적이고 지속적인 성공을 거두었습니다. Petit Gallery에서 조각가 Auguste Rodin의 작품 전시와 동시에 Monet의 회고전 전시회가 조직되어 1864년부터 그의 작품 145점을 선보입니다. 1889년. 모네는 유명하고 존경받는 화가가 됩니다.

1886년 뉴욕에서 Durand-Ruel이 주최한 박람회 이후 미국인들은 Monet의 작품에 관심을 갖게 되었습니다. 결과는 훌륭했습니다. 1887년에 모네의 총수입은 44,000에 이르렀고 1891년에는 Durand-Ruel과 회사 "Busso and Valadon"이 약 10만 프랑을 벌어들였습니다. 1898년부터 1912년까지 그의 수입은 대략 20만 달러에 달했다.

그가 젊었을 때 그토록 간절히 꿈꾸던 번영은 마침내 이루어졌고, 이를 잘 활용하여 경제적, 정신적 평화의 성채를 스스로 만들어냈다. 예술의 역사에서 이전에는 예술가의 이름이 그의 집과 그렇게 밀접하게 연관되어 있지 않았습니다. 이 성채에는 물리적 매개변수도 있습니다. 1883 년에 그는 Norman 지주 (주인 자신이 Vernoy 마을로 이사했습니다)로부터 지베르니에있는 집을 임대하기 시작했고 Monet은 1926 년 사망 할 때까지 43 년 동안이 집에서 살았습니다. 예술의 세계에서 지베르니의 집과 정원은 당시와 오늘날까지도 성 프란치스코 추종자들에게 아시시와 같은 의미를 지닙니다. 시끄러운 입양아 군중과 사랑 스럽지만 심술 궂은 아내의 보살핌으로 끊임없이 둘러싸인 Monet은 예술가 및 작가와 같은 수많은 친구와 관계를 유지했습니다.

Traveler Monet은 다른 인상파와 달리 열렬한 사람이었습니다. 그는 양아들 Jacques가 살았던 노르웨이로 여행했습니다. 베니스, 앙티브, 네덜란드, 스위스, 런던을 여러 번 여행했습니다. 프랑스에서 그는 그의 형이 집이 있는 노르망디 해안의 Petit-Dal을 방문했습니다. Belle-Ile, Noirmoutier, Massif Central의 Creuse 계곡; 마지막으로 Rouen에서 며칠을 보냈습니다. 이 모든 곳에서 그는 스케치 더미를 가져와 지베르니에서 완성했습니다. 그는 파리를 꽤 자주 여행했습니다. 멀지 않은 곳으로 여행하는 것이 좋았습니다. 극장이나 오페라로 가서 Boris Godunov를 즐겁게 듣고 나중에 Diaghilev의 러시아 발레에 감탄했습니다. 그는 진행중인 전시회, 특히 Van Gon, Seurat, Gauguin이 참여한 전시회와 Giverny에서 그에게 온 Vuillard 및 Bonnard를 면밀히 따랐습니다. Monet은 특히 어린 시절부터 그에게 알려진 Michelet의 거대한 "프랑스의 역사"에 큰 관심을 가지고 많이 읽었습니다. 강한 느낌그의 많은 작품에서 애국심. 그는 Flaubert, Ibsen, Goncourt, Mallarme, Tolstoy, Ruskin과 같은 현대 작가들의 작품을 부지런히 읽었으며 원예에 관한 방대한 책을 소장하고 있었습니다.

Monet은 낡은 Norman 집을 살기에 이상적인 곳으로 바꾸면서 환경에 많은 노력을 기울였습니다. Berthe Morisot와 Eugène Manet의 딸인 Julie Manet은 Monet이 변경한 직후인 1893년에 그곳을 방문하여 그녀의 매력적인 인상 일기에 다음과 같이 썼습니다. 워크샵 위에 M. Monet은 수지 소나무 쪽모이 세공 마루로 된 큰 창문과 문이있는 침실을 마련했습니다. Isabelle Combing Her Hair, Gabriel at the Basin, Cocotte in a Hat, 마만을 묘사한 파스텔, 에드워드 삼촌의 파스텔, 르누아르 씨의 매우 매력적인 누드, 피사로의 그림 등 많은 그림이 이 방에 걸려 있습니다.

그러나 정원은 훨씬 더 놀라운 것 같았습니다. 그것은 모네의 개성을 표현했을 뿐만 아니라 그 자체로 랜드마크이기도 했습니다. 거의 평생 동안 Monet은 정원이있는 집, Argenteille 및 Veteil에서 살았으며 확실히 그의 그림에서 그들을 포착했습니다. 그는 Petit-Genville에 멋진 정원이 있고 특별한 문제에 대해 그와 서신을 주고받은 Caillebotte로부터 정원 가꾸기를 시작하도록 격려 받았습니다. 정원사에게는 비옥한 시기였습니다. 새로운 식물은 미국과 극동에서 유럽으로 수입되었습니다. 1880년대에 종묘장에 접근할 수 없는 사람들이 우편으로 종자를 주문할 수 있는 새로운 기회가 생겼습니다. 이 새로운 사업은 호황을 누렸습니다. 모네는 열렬히 씨앗 목록을 수집했고 그의 정원을 그림 같은 그림처럼 "배치"했습니다. 예를 들어 Argenteuil에서 작성한 그의 노트에는 보라색, 흰색, 빨간색, 보라색, 노란색, 크림색, 분홍색의 일곱 줄의 장미 색상 분포에 대한 스냅샷이 제공됩니다.

지베르니에 처음 도착한 그는 집에서 프랑스 마을의 전형적인 평범한 정원만을 보았습니다. Monet은 즉시 그것을 리메이크하기 시작했습니다. 우선 그는 마시멜로, 달리아, 장미, 한련, 글라디올러스와 같은 특정 "정원"꽃을 심어 기하학을 부여했습니다. 그는 꽃이 거의 일년 내내 계속되는 순서로 심었습니다. 정원은 약 2에이커에 달했고 일부는 도로 반대편에 있었습니다. 근처에는 작은 연못이 있었다. Monet은 1893년에 주변 땅과 함께 이곳을 구입했습니다. 지방 당국의 허가를 받은 그는 인근 엡테 강에서 수문을 통해 물을 끌어와 수생 정원으로 개조했습니다. 연못 주변에 그는 꽃과 관목을 심었습니다. 지역 원산지 중 일부-라스베리, 모란, 홀리, 포플러; 이국적인 식물의 일부 - 일본 체리, 분홍색 및 흰색 말미잘. 두 정원은 의도적으로 서로 반대되었습니다. 집에 있던 것은 전통적인 프랑스 모습을 유지했습니다. 정원의 한 부분에서 다른 부분으로 이어지는 계단과 함께 서로 직각으로 이어지는 경로. 길 건너편과 연못 주변에 펼쳐진 정원은 의도적으로 이국적이고 낭만적이었습니다. 계획할 때 Monet은 한동안 지베르니를 방문한 일본 정원사의 조언을 따랐습니다. 호쿠사이의 판화에서 여기로 이주한 것처럼 중국 은행 나무, 일본 과일 나무, 대나무, 일본 다리가 겸손한 습관적인 초목 사이에서 두드러졌습니다. 연못에는 수련이 떠 있었고 정원에는 구불 구불하고 교차하는 길의 미로가 점재했습니다.

"나의 가장 아름다운 작품은 나의 정원입니다." 모네가 말했습니다. 그리고 동시대 사람들은 그와 동의했습니다. Proust는 이 정원을 매우 정확하게 묘사했습니다. 조화로운 색조의 꽃만 동시에 피도록 심었습니다. , 파란색 또는 분홍색의 끝없는 들판을 만듭니다.

별칭을 결코 아끼지 않은 작가이자 비평가인 옥타브 미르보(Octave Mirbeau)는 전체 설명: “봄에는 꽃이 만발한 과일 나무를 배경으로 홍채가 소용돌이치는 꽃잎을 치켜들고 흰색, 분홍색, 보라색, 노란색, 파란색 프릴과 갈색 줄무늬와 보라색 반점으로 장식됩니다. 여름에는 모래가 깔린 길 양쪽에 다양한 색조의 한련과 사프란 색의 캘리포니아 양귀비가 눈부신 무리를 지어 떨어집니다. 마술처럼 놀랍고 멋진 양귀비는 넓은 화단에서 자라 시들어가는 홍채를 막습니다. 놀라운 색상 조합, 많은 옅은 색조; 흰색, 분홍색, 노란색, 라일락의 웅장한 교향곡, 오렌지가 폭발하는 밝은 살색의 샷, 구리 불꽃이 튀어 나오고 붉은 반점이 피와 반짝임, 라일락의 분노, 검은 색과 보라색의 혀가 탈출합니다.

모네는 수입의 대부분을 정원에 썼다고 말했습니다. 그러나 이것은 약간의 과장일 뿐입니다. 그는 정원사 한 명과 일꾼 다섯 명을 두었고, 자신도 정원을 개량하고 확장하는 일에 끊임없이 몰두했습니다.

Monet은 연못 재건 허가를 위해 현에 문의하면서 이것이 "눈의 향연과 그림 동기를 위해"필요하다고 썼습니다. 사실, 지베르니와 그 정원은 그의 그림의 동기가 되었을 뿐만 아니라; 그들은 그에게 그의 평생의 작업이 될 프로젝트를 수행하기 위한 일종의 기반을 제공했으며 이 정원은 그 정점으로 판명되었습니다.

1892년 모네는 오랫동안 사랑해 온 앨리스와 마침내 결혼합니다. 동시에 Monet은 작가가 조명 건초 더미의 뉘앙스를 캔버스에 포착하려고 시도하는 첫 번째 대규모 그림 시리즈 인 "Hacks"를 썼습니다. 하루 중 시간과 날씨에 따라 변경됩니다. 그는 떠오르는 조명 효과에 따라 한 캔버스에서 다른 캔버스로 이동하면서 여러 캔버스에서 동시에 작업합니다. 이 시리즈는 큰 성공을 거두었으며 당시 많은 아티스트에게 큰 영향을 미쳤습니다.

Monet은 Epte River 유역의 나무도 하루 중 다른 시간에 묘사되는 새로운 시리즈 인 Poplars에서 Haystacks의 경험으로 돌아갑니다. Poplars에서 작업하는 동안 Monet은 매번 여러 이젤을 들고 현장으로 이동하여 조명에 따라 빠르게 이동할 수 있도록 일렬로 정렬합니다. 또한 이번에는 그림으로 자신의 비전을 표현하고 싶어하며 자연과 속도 경쟁을 벌이며 몇 분 만에 해냅니다.

시리즈를 마치기 전에 Monet은 포플러가 잘려서 팔릴 것이라는 사실을 알게 됩니다. 작업을 완료하기 위해 그는 구매자에게 연락하여 벌목 연기에 대한 금전적 환불을 제안합니다. 1892년 Galerie Durand-Ruel에서 전시된 이 시리즈도 큰 성공을 거두었지만 Monet이 1892년부터 1894년까지 작업한 대형 시리즈인 "Rouen Cathedral"은 더욱 열광적이었습니다. 새벽부터 저녁 황혼까지 조명의 변화를 일관되게 보여주면서 그는 장엄한 고딕 양식의 정면이 빛에 용해되고 비물질화되는 50개의 뷰를 그렸습니다. 그는 점점 더 빠르게 글을 쓰며 서둘러 캔버스에 점선을 그립니다.

1895년 2월에 그는 노르웨이 오슬로 근처의 산드비켄으로 여행을 떠났고 그곳에서 피요르드, 콜사스 산, 자신이 살고 있는 마을의 풍경을 그렸습니다. 이 겨울 풍경의 순환은 양식적으로 1870년경에 그려진 작품을 연상시킵니다. 이듬해 Monet은 그가 지난 몇 년 동안 그림을 그렸던 장소로 진정한 순례를 떠납니다. 그리고 Pourville, Dieppe, Varezhenville은 다시 그의 캔버스로 돌아갑니다.

1897년, 1894년에 사망한 Gustave Caillebotte의 컬렉션은 국립 박물관의 소유가 되었고, 인상파의 많은 작품은 마침내 국가 컬렉션으로 귀결되었습니다. 여름에는 두 번째 베니스 비엔날레에서 모네의 그림 20점이 전시됩니다.

1899년 가을, 지베르니에서 그는 죽을 때까지 작업할 수련 사이클을 시작합니다. 새로운 세기의 시작은 런던에서 모네를 찾습니다. 작가는 다시 의회와 안개라는 하나의 주제로 통합된 여러 그림을 그립니다. 1900년부터 1904년까지 모네는 영국을 자주 여행했으며 1904년에는 뒤랑-뤼엘 갤러리에서 템스 강의 37점을 전시했습니다. 여름에 그는 수련으로 돌아가 이듬해 2월 런던에서 Durand-Ruel이 조직한 인상파의 대규모 전시회에 55점의 작품으로 참가합니다.

1908년 모네는 두 번째 여정을 시작합니다. 그는 예술가 존 싱어 사전트의 미국인 친구인 커티스 가족의 초청으로 아내와 함께 베니스로 여행을 떠납니다. Monet은 일하기 위해 더 오래 도시에 머물기로 결정하고 두 달 동안 Britannia Hotel에 정착합니다. 그는 베니스의 분위기, 조명 효과, 물의 반사, 그 안에 있는 기념물의 반사에 매료되어 이듬해에 다시 그곳을 찾습니다. 한 건축가는 인터뷰에서 "두칼레 궁전은 인상파의 예라기보다는 인상파의 예라고 정의할 수 있다. 고딕 건축”,-Monet은 다음과 같이 대답했습니다. “이 궁전을 구상 한 건축가는 첫 번째 인상파였습니다. 마치 인상파 화가가 캔버스에 반짝이는 선을 그어 분위기를 전달하듯이 그는 물 위에 떠서 물에서 솟아올라 베니스의 공기 속에서 빛나도록 창조했습니다. 이 그림을 작업하면서 베니스의 분위기를 정확하게 그리고 싶었습니다. 내 구도에 등장하는 궁전은 분위기를 표현하기 위한 구실일 뿐이었다. 결국 베니스 전체가이 분위기에 빠져 있습니다. 이 분위기에 떠 있습니다. 이것은 돌로 된 인상주의입니다.” 프랑스로 돌아온 그는 베네치안 시대의 그림 작업장에서 계속 작업하고 있으며, 이 작업은 베른하임 주니어 갤러리에서 아내 앨리스가 사망한 지 1년 후인 1912년에만 ​​전시될 예정입니다. 전시에 앞서 Octave Mirbeau의 글이 있었습니다.

1908년부터 화가의 시력은 나빠지기 시작했다. 이제 그는 정원에 모든 관심을 기울이고 1890년에 시작된 수련 시리즈 작업을 계속하고 있습니다. Monet은 자신의 땅을 흐르는 Epte 강의 작은 지류인 Rue의 물을 우회하여 지베르니에 작은 연못을 만들었습니다. 이렇게 얻은 저수지의 거울면에 수련을 키우고 주변에 버드나무와 각종 이국적인 식물을 심었다. 프로젝트를 완료하기 위해 동양 조각에서 영감을 얻은 아이디어로 연못 위에 나무 다리가 세워졌습니다. 작가는 항상 꽃과 물에 반사되는 것에 매료되었지만 이 프로젝트는 의심할 여지 없이 영향을 미쳤습니다. 일본 문화, 세기 중반부터 유럽에 퍼졌고 Monet과 그의 동시대 사람들에게 큰 관심을 보였습니다. 정원의 이 멋진 코너는 수년에 걸쳐 시력 문제가 점점 더 심각해지는 지친 예술가 모네의 마지막 위대한 작품에 헌정되었습니다.

1914년 그의 장남 장이 사망했다. 모네는 점점 더 외로움을 느끼고 있습니다. 그러나 종종 친구를 방문하는 Georges Clemenceau와 Octave Mirbeau의 격려로 계속 일하고 있습니다.

Monet의 존재 덕분에 Giverny는 주로 미국인과 같은 일종의 예술가 식민지로 변모했지만 Monet 자신이 주도하는 것을 선호합니다. 닫힌 이미지인생, 그는 젊은이들을위한 "레시피"가 없다는 것을 확신합니다. 즉, 아무에게도 가르 칠 수 없다는 의미입니다. 그는 정원에서 모든 시간을 보내고 글을 씁니다. 그의 시력이 점차적으로 저하되어 더 이상 이전과 동일한 정확도로 조명 효과를 전송할 수 없습니다. 때때로 캔버스가 그에게 실패한 것처럼 보이면 Monet은 분노하여 그의 작품을 파괴합니다. 그럼에도 불구하고 그는 계속해서 그림을 그리고 있으며, 시력 문제 때문에 스스로 그림에 대한 새로운 접근 방식을 개발합니다.

지베르니에서 오랜 세월 일하면서 하루 중 언제라도 정원 구석구석이 그의 마음에 각인되었습니다. 그리고 Monet은 삶이 아니라 작업장에서 전체에 대한 일련의 인상을 쓰는 것이 흥미로울 것이라고 생각했습니다. 이와 관련하여 그는 자신의 사유지에 새로운 대형 작업장을 짓기로 결정했습니다. 새 건물의 건설은 1916년에 완료되었습니다. 작업장은 길이 25m, 너비 15m, 천장의 2/3가 유리로 되어 있었습니다. 그곳에서 모네는 일을 시작합니다. 그는 4m x 2m 크기의 캔버스에 그림을 그리며 자신이 만든 왕국의 인상을 복합적으로 전달하는 놀라운 작품을 만들어 아침 안개, 일몰, 황혼, 밤의 어둠을 캔버스에 반복해서 포착합니다.

1918년 휴전을 계기로 그는 새로운 시리즈를 국가에 기증하기로 결정합니다. 당시 총리였던 그의 친구 조르주 클레망소는 모네에게 권위 있는 건물, 즉 튈르리 정원의 오랑제리 파빌리온을 제공하기를 원했습니다. 그러나 모네는 여전히 자신의 작업에 만족하지 못하고, 그림에 대한 그의 끈질긴 태도로 그가 사망한 해인 1926년까지 작업을 계속합니다. 1927년 오랑제리의 타원형 홀에 배치된 8개의 패널 시리즈 외에도 모네는 이 기간 동안 많은 다른 작품을 그렸습니다. 파리 마르모탕 박물관에서 그들 중 일부는 구식이 아니지만 의심 할 여지없이 세기 초의 아방가르드 미적 흐름, 특히 표현주의에 접근하는 방식으로 창의성의 마지막 기간과 관련이 있습니다.

사실 모네는 이미 일련의 대성당에서 윤곽이 드러난 탈물질화 과정을 극단적으로 취한다. 그것은 인상주의의 문체를 넘어설 뿐만 아니라 어떤 면에서는 제2차 세계대전 이후의 비구상 회화의 예술적 언어를 예견하고 있습니다.

전기는 www.centre.smr.ru 사이트를 기반으로 합니다.