Hva gjør en scenelyskunstner? Ny avtale

Yrket som illuminator dukket opp i Shakespeare-tiden. Spesielle tjenere sørget for at lysene ikke ble røkt eller slukket under forestillingen. Systemer for lysteatre begynte å bli utviklet i Italia under renessansen. I dag, for å bli lysdesigner, må man ikke bare være på "deg" med elektroteknikk, men også ha gode organisasjonsevner, ha en kunstnerisk smak og en velbalansert sans for lys, og man må også vite fysikk, optikk, regi og scenografi. Som du kan se, er det mange krav, og derfor er en lysdesigner i vårt land en sjelden spesialist.
Funksjonene til dette yrket deles av Konstantin Gerasimov, en belysning og administrerende direktør selskapet TDS, som spesialiserer seg på kompleks teknisk støtte for arrangementer.

TDS Konstantin Gerasimov på jobb.

"Lysdesigneren er en fantastisk kombinasjon av en av de mest tekniske og på samme tid kreative yrker. Ved hjelp av lys formidler vi generell idé vise, skape atmosfære. For hvert prosjekt utvikler vi et unikt design, velger utstyr som kan løse spesifikke problemer. Og her er det viktig ikke bare å kjenne belysningslovene, moderne enheter og teknologier, men å ha en utrettelig fantasi for å overraske seeren igjen og igjen.

I vår virksomhet, så vel som i maleri, kan du ikke bare plukke opp en pensel og umiddelbart begynne å lage mesterverk. Dette yrket er en livslang læring. Det er ikke nok bare å mestre det grunnleggende. Showindustrien utvikler seg raskt, nye teknologier dukker opp hver dag. Du må tydelig forstå hvilke av dem som er i trenden nå, og se etter hva det globale publikummet ennå ikke har sett. Og her kommer symbiosen av teknologier til unnsetning, fordi ethvert show består av et sett med elementer - landskap, videosekvens, spesialeffekter. Etter å ha jobbet i mange år i showbransjen, innså jeg at hemmeligheten bak et vellykket show ligger nettopp i en integrert tilnærming til å lage et prosjekt. Samarbeid mellom lysdesigneren og andre tekniske spesialister gjør det mulig å skape det helt eksklusive og bringer showet til et fundamentalt nytt kvalitetsnivå.
Denne ideen dannet grunnlaget for TDS-selskapet, som samlet fagfolk innen teknisk støtte for arrangementer. Teamet vårt leder prosjektet i alle stadier av livet - utvikler scene- og scenedesign, lager lys- og videoinstallasjoner og utfører et komplett spekter av teknisk administrasjon og prosjektstøtte.

Vi tror at kvaliteten på ethvert prosjekt avhenger av grundigheten i forberedelsene, så vi bruker 3D-visualisering og forhåndsprogrammeringsmetoder for å designe og iscenesette showet. Dette lar deg se hele bildet av prosjektet og utarbeide den tekniske komponenten i detalj selv før installasjonen starter.

Klikk på bildet for å se neste lysbilde.

Stillingsbeskrivelse av sjefslysdesigner[navn på firma]

Denne stillingsbeskrivelsen er utviklet og godkjent i samsvar med bestemmelsene i Unified Qualification Directory for stillingene til ledere, spesialister og ansatte, seksjonen "Kvalifikasjonskarakteristika for stillingene til arbeidere i kultur, kunst og kinematografi", godkjent. etter ordre fra departementet for helse og sosial utvikling i Den russiske føderasjonen av 30. mars 2011 N 251n, og andre regulatoriske rettsakter som regulerer arbeidsforhold.

1. Generelle bestemmelser

1.1. Sjef lysdesigner er en del av den kunstneriske staben og rapporterer direkte til [veilederstilling].

1.2. Hovedlysdesigner tilsettes i stillingen og avskjediges fra denne etter ordre fra [stillingsnavn].

1.3. En person som har høyere profesjonsutdanning (teatralsk og dekorativ, kunstnerisk, teknisk) og minst 5 års arbeidserfaring som lysdesigner aksepteres til stillingen som sjef lysdesigner.

1.4. Lead Lighting Designer bør vite:

Lover og andre normative rettsakter Den russiske føderasjonen om virksomheten til organisasjoner scenekunst;

Tekniske parametere og muligheter for scenen;

Parametre og tekniske egenskaper til belysningsutstyr;

Hovedteknikkene for kunstnerisk belysning i forhold til den scenografiske løsningen;

De siste prestasjonene innen vitenskap og teknologi innen scenebelysning;

Elektroteknikk;

elektronikk;

Datateknologi;

Fargevitenskap;

Mekaniker;

Regler for drift, lagring og transport av belysningsarmaturer;

Erfaring fra scenekunstorganisasjoner og spesialiserte organisasjoner innen scenebelysning;

Historie om materiell kultur og teater- og dekorativ kunst;

Spesifikasjonene for kreativt arbeid i scenekunstorganisasjoner;

Grunnleggende om økonomi og ledelse innen scenekunst, arbeidsrett;

Interne arbeidsbestemmelser;

Regler om arbeidsvern og brannsikkerhet.

2. Jobbansvar

Ledende lysdesigner:

2.1. Skaper, i samsvar med regissørens intensjon, lysdesign for nye og kapitalmessig fornyede produksjoner.

2.2. Sammen med produksjonsdesigneren utvikler han prinsippene og stilen til kunstneriske lysløsninger for forestillinger, gir det nødvendige nivået av kunstnerisk lysdesign.

2.3. Utvikler lyseffekter, nødvendige tekniske midler og regler for deres drift.

2.4. Deltar i aksept av utformingen av scenedesignet til forestillingen, gir spesifikke forslag til installasjon og bruk av nødvendige tekniske midler.

2.5. Gjennomfører lette øvelser av forestillinger med fiksering av den installerte kunstneriske belysningen på partiturene.

2.6. Kontrollerer den nøyaktige fremføringen av kunstnerisk belysning av fremføringer av gjeldende repertoar.

2.7. Veileder lyskunstnernes arbeid og gir dem nødvendig bistand.

2.8. Bidrar til den profesjonelle veksten av lyskunstnere.

2.9. Organiserer studiet og implementeringen av de siste prestasjonene innen teatralsk produksjonsutstyr og teknologi.

2.10. Utvikler langsiktige planer modernisering av scenebelysning.

2.11. [andre arbeidsoppgaver]

3. Rettigheter

Hovedlysdesigneren har rett til:

3.1. For alle sosiale garantier gitt av lovgivningen i Den russiske føderasjonen.

3.2. Motta informasjon om aktivitetene til organisasjonen som er nødvendig for å utføre funksjonelle oppgaver fra alle avdelinger direkte eller gjennom den nærmeste lederen.

3.3. Send inn forslag til ledelsen for å forbedre deres arbeid og arbeidet i organisasjonen.

3.4. Gjør deg kjent med utkastene til ledelsen knyttet til dens aktiviteter.

3.5. Signere og godkjenne dokumenter innenfor deres kompetanse.

3.6. Delta i møter som diskuterer problemstillinger knyttet til hans arbeid.

3.7. Kreve at ledelsen skaper normale forhold for utførelsen av offisielle oppgaver.

3.8. Forbedre dine faglige kvalifikasjoner.

3.9. [andre rettigheter gitt arbeidslov Russland].

4. Ansvar

Sjef lysdesigner er ansvarlig for:

4.1. For manglende oppfyllelse, uriktig oppfyllelse av pliktene gitt i denne instruksjonen - innenfor grensene fastsatt av arbeidslovgivningen i Den russiske føderasjonen.

4.2. For lovbrudd begått i løpet av å utføre sine aktiviteter - innenfor grensene fastsatt av gjeldende administrative, strafferettslige og sivile lovgivning i Den russiske føderasjonen.

4.3. For å forårsake materiell skade på arbeidsgiveren - innenfor grensene bestemt av gjeldende arbeids- og sivillovgivning i Den russiske føderasjonen.

Stillingsbeskrivelsen ble utviklet i samsvar med [navn, nummer og dato på dokumentet].

Leder for Human Resources

[initialer, etternavn]

[signatur]

[dag måned år]

Avtalt:

[jobbtittel]

[initialer, etternavn]

[signatur]

[dag måned år]

Kjent til instruksjonene:

[initialer, etternavn]

[signatur]

[dag måned år]

Hvem er en illuminator, lysdesigner, regulator, "gunner", "nettbrett", "elektronisk ingeniør" og tekniker?

Når oppsto disse yrkene? Hva serverer de? Hva er forskjellen? Er det mulig å mestre disse spesialitetene på egenhånd? Hvordan analysere erfaring?

Generelt, er disse spesialitetene kreative? I hvilken grad skader «tilfeldige» personer yrket?

La oss prøve sammen å forstå alle disse problemene, for å finne ut det grunnleggende om spesialiteten vår.

Hvem er lyskunstnerne?

La oss analysere situasjonen ved å bruke eksemplet på en "nabo etter sjanger".

Maler. Enig, det er ikke nok å definere en maler som "en høyt kvalifisert tegner som påfører pigmenter på et grunnet plan i en sekvens bestemt av ham," siden denne definisjonen egnet for en maler, designer og ikonmaler, og disse spesialitetene er helt forskjellige i sine oppgaver. Ikonmaleren arbeider etter visse kanoner, hans verk er først og fremst ment for Gud. Designerens oppgave er å tilfredsstille smaken til de aller fleste forbrukere. Kunstneren jobber først og fremst for seg selv og for sitt publikum, med mindre han selvfølgelig har noe å si.

Som du vet, var Ordet i begynnelsen, og vår profesjon ble fanget av dette ordet. «Kunstner» definerer hele essensen av eksistensen av vårt håndverk, gir et utgangspunkt og mening til videre eksistens. Ellers er det bedre å bli kalt en mester eller en lysdesigner. Det vil i hvert fall være ærlig og verdig respekt på sin måte.

Denne boken vil være et forsøk på å studere yrket til en lysdesigner nettopp fra et kunstnerisk synspunkt, siden det er en katastrofal mangel på relevant litteratur, i motsetning til teknisk litteratur, i Russland. Bortsett fra D. G. Ismagilava, E. P. Drivaleva og, selvfølgelig, N. P. Izvekov og V. V. Bazanov, kan jeg ikke huske forfatterne som viet seg til å lage lærebøker om lyssetting og teaterteknikk. Jeg vet ikke hvordan formatet til denne boken vil samsvare med konseptet med en lærebok. Uansett vil jeg prøve å gå med deg langs den gyldne middelvei, uten å falle inn i ytterpunktene av «svært kunstnerisk opphøyelse» og ikke overlate den kunstneriske delen til teknokratiets nåde.

I billedkunst, et stort antall sjelløse malerier laget i filigran maleteknikk, og utallige mesterverk tapt for alltid på grunn av brudd på maleteknologi. Derfor vil vi forkaste tom prat om eggets og kyllingens forrang og begynne å lære sammen.

Omfanget til lyskunstneren

Kunstnerisk belysning. Forskjellen mellom scenebelysning og husholdnings- eller interiørbelysning er at den installeres avhengig av spesifikke oppgaver. Å sette lyset er en kunstnerisk prosess som resulterer i lysinnstilling forestilling, konsert, pop el sirkusnummer, utstillingsinstallasjon eller lysperformance.

Definisjon av yrket "lyskunstner"

Følgende er skrevet i min arbeidsbok fra sovjettiden:

« En høyt kvalifisert illuminator som utvikler iscenesatte belysningsordninger for komplekse forestillinger, konserter og andre kulturelle begivenheter, velger iscenesatt belysningsutstyr, bestemmer plasseringen av disse fasilitetene og administrerer dem».

I prinsippet kan denne posten legges til grunn for å definere spesialiteten «lyskunstner».

Faktisk har vi litt kunnskap, erfaring, utvikling, et system av kunstneriske verdier - alt som kalles en kvalifikasjon.

Basert på teknisk og økonomiske muligheter opprettet forestilling, konsert eller andre installasjoner, velger han parken med utstyr som er nødvendig for en bestemt begivenhet, nekter unødvendig maskinvare og insisterer på å kjøpe nødvendig utstyr, og skaper en teknisk rytter for hver produksjon.

Lysdesigneren overvåker teknikerne (montører, planleggere, riggere) under installasjonen av lyset og komponerer lysplanleggingsøkter, gjengivelser av lysscener og annen teknisk og kunstnerisk dokumentasjon.

Ja, han styrer lysutstyrskomplekset eller styrer operatørene (regulatorer, videoingeniører, skyttere).

For en geistlig definisjon er det nok.

Hvis vi vurderer yrket som lysdesigner fra en kreativ side, så er han for det første kurator for hele den visuelle oppfatningen av verket: "I mørket vil du forstå sterkere hvem som er viktigst i teatret" (en gammelt teatralsk ordtak). For det andre er han medforfatter av et verk laget av et kreativt team (teater, musikalsk gruppe, installasjonsselskap, etc.).

Inndelingen av funksjoner og innflytelsessfærer innen teamet er en veldig individuell og spesifikk ting. Her velger alle selv hvor mye funksjoner og ansvar han kan trekke. Uansett plikter kunstneren å bidra til felles produkt deres holdning, følelser, smak, livserfaring. Et annet spørsmål er hvor organisk, passende og taktfull slik «stuffing» er. For å være ærlig, i min praksis var ikke dette alltid mulig. For forskjellige grupper og musikalske grupper møtte meg. Lederne for disse gruppene har ulik karisma. For stor forskjell i teater- og konsertspesifikasjoner ved å lage et verk og mange andre faktorer påvirker medforfatterskap.

For det tredje er ofte lysdesigneren den eksklusive forfatteren av den kunstneriske belysningen av verket. Den siste tiden har det dannet seg en jevn trend med lys- og multimediaforestillinger med lys som hovedperson.

utdanning

Juridisk sett eksisterer liksom ikke vårt yrke. I hovedsak er det en arbeidsspesialitet som ikke krever spesiell opplæring: faktisk for personalavdelingen offentlig institusjon hun er et synonym for yrket elektrisk lys. Imidlertid har mange av vennene mine forskjellige stillinger i arbeidsbøkene sine, fra operatører av lyskonsoller til ledere for belysningsavdelingen på teatret. Paradoksalt nok, i mange statlige teatre, er lysspesialister pålagt å ha et sertifikat i sin spesialitet. Det faktum at det ikke er noen videregående spesialisert utdanningsinstitusjon i Russland som utdanner spesialister i teaterbelysning er lite bekymret for tjenestemenn.

For å komme ut av situasjonen og i det minste på en eller annen måte gjennomføre et "utdanningsprogram" for personalet, opprettes det oppfriskningskurs, der en ansatt i en bedrift med en hvilken som helst videregående spesialisert utdanning kan motta et ettertraktet sertifikat. Jeg kjører også disse kursene. Problemet med slik opplæring er ikke bare at slike kurs ikke er billige, men også at de har formatet med ukentlige eller to ukers seminarer for kadetter med ulike nivåer av opplæring, erfaring og behov. Opprettelsen av en utdanningsinstitusjon der gårsdagens skoleelever kunne gå inn og mestre hele spekteret av kunnskap og ferdigheter helt fra begynnelsen for å få en fullverdig bagasje for fremtiden, er fortsatt en uløselig oppgave i dag.

Oksymoronen forverres av det faktum at det i teaterinstitutter foregår opplæring i spesialiteten til en kunstner-teknolog, som i tillegg til lysdesignere inkluderer make-up artister, kostymedesignere, scenedesignere, hodeposter, etc.

Også lærerstaben ved høyere utdanning reiser spørsmål. Faktum er at yrket vårt er veldig spesifikt og sjeldent. Eminente mestere med flott opplevelse kan ikke alltid presenteres som lærere på grunn av mange årsaker: mangelen på formell utdanning, det teknologiske etterslepet og konservatismen til "teater"-sfæren fra "konsert"-miljøet, mangelen på etablerte metoder og faktisk en integrert skole scenelys, som de kunstneriske, scenografiske eller regisserende russiske skolene. Hvis kontinuiteten til yrket eksisterer på innenlandske universiteter, så presenteres det på en veldig ensidig og monopolistisk måte.

Det mest beklagelige er at gapet mellom teater- og konsertlys er i ferd med å bli katastrofalt. Teaterkunstnere, som nettopp har begynt å mestre det moderne lysets teknologiske muligheter, gir ofte bort praksiser som har blitt utviklet gjennom årene i konsertmiljøet som sine egne åpenbaringer. Erfaringen akkumulert gjennom flere tiår i konsert- og musikalmiljøet overføres praktisk talt ikke til teaterscenen. Konsertartister har ofte ikke kunstnerisk bagasje og teatralsk metodisk base. Som et resultat, der symbiose kan oppstå, oppstår snobberi og gjensidig avvisning.

Oppgaven til lysdesigneren

Oppretting av kunstnerisk og iscenesettende belysning for en teater-, konsert-, utstillings-, arkitektonisk eller annen produksjon (installasjon).

Hierarki av yrker

Lysdesigneren er både en underordnet og en leder. Gjennomføringen av ideene hans vil avhenge av hvordan han bygger sine relasjoner med overordnede og underordnede.

Eieren av et kollektivt verk i et teater eller en gruppekonsert er en sceneregissør, i solokonsertpraksis - en gruppeleder eller produsent (for å være ærlig, i min rockerpraksis er produsenter litt mindre vanlige enn Bigfoot).

Regissøren er initiativtaker, ideolog og leder for skapelsen av hele verket som helhet. Han tar opp kreativt team er ansvarlig for alt og har vetorett.

I den visuelle delen av verket formulerer regissøren kunstneriske og utilitaristiske oppgaver for produksjonsdesigneren (scenografen). Og scenedesigneren utgjør direkte den visuelle delen av verket (kulisser, kostymer, sminke osv.).

Lysdesigneren rapporterer direkte til produksjonsdesigneren i alle kreative spørsmål. Det er scenografen som bestemmer omfanget av frihet og begrensning lysdesigneren får som en kreativ enhet.

I organisatoriske og generelle tekniske spørsmål samarbeider lysdesigneren tett med leder for produksjonsavdelingen (postsjef). I ulike organisasjoner funksjonene til postene er vesentlig forskjellige.

Lysdesigneren er underlagt:

• Teknikere (nettbrettarbeidere, gallerieiere, riggere, etc.) - de som installerer utstyret og konfigurerer det;
• Operatører (regulatorer, videoingeniører, skyttere, etc.) - direkte kontrollerende ulike enheter;
• Visualisatorer - dataspesialister som lager demonstrasjonsdatamodeller av lyset fra arbeidet og datamaskinlysresultater;
• Ingeniører - sikre jevn drift av utstyr eller lage dette utstyret på spesialbestilling.

Vær oppmerksom på at verken skuespillere eller musikere er organisatorisk inkludert i strukturen for scenebelysning, d.v.s. er verken overordnede eller underordnede av lysdesigneren.

Lysdesigneren er også til stede i organisasjoner som driver med utleie av konsertutstyr eller teknisk støtte for underholdningsarrangementer, men funksjonene hans bestemmes av organisasjonens spesifikasjoner og varierer sterkt i ulike organisasjoner.

Jeg vet ikke hvordan det er i resten av konsertfeltet, men i innenlandsk rock, ikke uten min mangeårige deltakelse, har det dukket opp en ny stilling-lysdesigner (video) av gruppen. I konsertpraksis kombineres ofte funksjonene til en scenograf og en lysdesigner, slik det skjedde med meg i mitt arbeid med DDT og Piknik, til tross for at både Yu. artisten til gruppen V. Dvornik, som etter min avgang fra gruppen, begynte å jobbe med scenografi og, ikke uten hell, med scenelys.

Funksjonene til regissør, scenograf og lysdesigner smeltet sammen til en for meg mens jeg jobbet på Aquarium og spesielt hos Alice. På Aquarium var jeg gruppens første artist, og på Alisa utviklet en lignende tradisjon under min forgjenger A. Stolypin. Nå, så vidt jeg vet, er kona til K. Kinchev engasjert i regi og scenografi, den unge kunstneren A. Lukashev er ansvarlig for lyssetting. En lignende situasjon har utviklet seg i Leningrad-gruppen, der min student D. Raidugin er lysdesigner.

Pre-elektrisk periode med iscenesatt belysningsutvikling

Historien om iscenesatt belysning. Pre-teatralske ritualer.

Faktisk har scenebelysning eksistert siden begynnelsen av Homo sapiens og er uløselig knyttet til religiøse ritualer. Så snart de første skuespillerne dukket opp på menneskehetens scene: trollmenn, prester, sjamaner, etc., ble det nødvendig å belyse dem og belyse bakgrunnen som de spilte handlingen sin mot. Skygger fra sollys, skumring av hytter eller huler, kunstig lys fra en brann og fakler, bidro til å skape en mystisk stemning av ritene. Inntil nå, i arkitekturen til tempelet til enhver kirkesamfunn, kan man finne elementer som ligner på teatrets funksjoner. Det er nok å sammenligne kanonene for å bygge et tempel med en klassisk boksscene.

gammelt teater

gammelt teater

De første skissene av scenens utseende ser vi allerede i det gamle greske teateret: opprinnelig en rund plattform for skuespilleren og koret - orkester var omringet på tre sider amfi for tilskuere. Amfiet kunne bestå av flere nivåer, atskilt med en bred passasje - diazomi. Senere, bak orkesteret var det et omkledningsrom for skuespillere - skene, plattform for koret - proscenium. Skene og amfiet delte passasjen - parod. Etter hvert som teatret utviklet seg, var dette spesielt tydelig i det gamle Roma, orkesteret mister sin scenebetydning og blir en slags stall for senatorer eller andre høytstående personer fra den tiden. Skene vokser i størrelse og høyde, og blir et fullverdig bakteppe for skuespillerne som befinner seg på det forstørrede proskenium.

Gammelt teater. Proscenium.

Fra dette øyeblikket blir det faktisk mulig å manipulere belysningen. Det er bevis på at tøymarkiser ble festet til portikoen på skene, noe som noen ganger gjorde det mulig å dekke nesten hele teatret fra dårlig vær og sol, malte markiser skapte dagsfarget belysning uvanlig for disse tider.

Det er åpenbart at, for ikke å begrense handlingstiden til dagslys, er det behov for utilitaristisk kunstig belysning av scenen.

Det er karakteristisk at det er fra Romas tid det er behov for scenografi er kunsten å designe.

Portikoer av skene er dekorert med søyler og skulpturer; flate malte skjold er installert i åpningene til søylene - pinaki. På et senere tidspunkt begynte trihedriske prismer å bli brukt for raskt å endre handlingsscene - telluria (telaria, periacts). Vises en gardin, som opprinnelig ble trukket ut av en spesiell spalte foran proskenium. Det er logisk at behovet for scenografi, og deretter for spektakulær belysning, oppsto med en endring i de estetiske kanonene til all kunst som helhet. I gammel gresk kunst er beskrivelsen av handlingsstedet ofte svært betinget og ikke uttrykt. I Roma er det mer spesifikt og, som et resultat, utseendet til kulisser og sceneeffekter.

Middelalderens teater

Den sanne utviklingen av scenografi og dens integrerte del - scenebelysning fortsatte flere århundrer etter sammenbruddet av Romerriket. Omtrent etter det tiende århundre, i kirken i middelalderen Europa begynner å utvikle seg ny form tilbe - liturgisk drama. Handling på evangeliehistorier, utspilt rett inne i kirken. Stedene for skuespillerne å spille var plassert i forskjellige deler av kirken og var dekket til de nødvendige øyeblikkene med gardiner. Dermed dukket det faktisk ikke opp én scene – men flere, senere kalt samtidig. Mangelen på dagslys ga på den ene siden behov for ekstra kunstig belysning i form av mange stearinlys, oljelamper og fakler, på den andre siden gjorde det mulig å finne opp ulike lyseffekter.

Vær oppmerksom på det faktum at i middelalderen, som i tidligere tilfeller, ga de generelle estetiske behovene for en uvanlig, mystisk beskrivelse av scenen for skjærsilden, himmelen og helvete opphav til behovet for utvikling av scenografi som helhet . Scenery for individuelle episoder, rekvisitter, flyenheter, mekaniske monstre osv. ble laget. Det var behov for effektiv belysning og kontroll av den. Så med en fickford-ledning var det mulig å tenne et stort antall lamper nesten samtidig. Og med spesielle hetter for å slukke dem eller skygge dem med spesielle gardiner. Ved hjelp av løftemekanismer og mange stearinlys skaper du en illusjon av en stjernehimmel eller himmelsk utstråling. Design med stearinlys eller lamper ble foreløpig skjult og dukket opp når det var nødvendig.

Noen deler av landskapet laget av slep og bomullsull ble dynket i alkohol, noe som gjorde det mulig å oppnå en blitzeffekt. Harpiksbiter ga vakre gnister. Blink ble laget ved å antenne en blanding av harpiks og krutt. Ved hjelp av de enkleste enhetene ble det skapt illusjoner av lynglimt og refleksjoner av branner.

Med tiden kirketeater begynte å bevege seg fra kirken til torget foran kirken, og så til torget helt, og ga etter gateteater.

gateteater

Med utgivelsen av teatret på gata blir kirkeliturgien erstattet av et mysterium, en handling om religiøse emner, ved å bruke som regel tre handlingsscener: helvete, jord og paradis.

I motsetning til kirketeateret hadde ikke gateteateret stasjonære bygninger og ble bygget på torgene for en eller annen begivenhet. Behovet for å skifte scene

nødvendiggjorde spesialutstyrte sceneplattformer. Det er logisk at det var behov for kvalifiserte håndverkere som raskt kan installere nødvendig utstyr.

Mysteriene hadde ikke en enkelt sceneløsning, bortsett fra én ting - de var alle samtidige. Et av alternativene var en to-etasjes scene utstyrt med holde, hvor kulissene ble forberedt og skuespillerne og løfteluke, ved hjelp av dette dukket det raskt opp nye kulisser på scenen. Noen ganger bestod scenen ganske enkelt av tre etasjer dekket med gardiner: underetasjen er helvete, den andre er jord eller skjærsilden, den øvre er himmelen. Ofte ble de tre scenene ikke montert vertikalt, men horisontalt. Ofte ble spesielle to-etasjers vogner brukt for å forandre landskapet - sider. Antall vogner tilsvarte antall innsatssteder. For å forandre landskapet, flyttet vognene rett og slett rundt.

Naturligvis krevde utformingen av mysteriene storslått dekorasjon og ulike effekter. Mekaniske dyr, løftemekanismer, åpenbart - pyroteknikk forbedret de mystiske følelsene til publikum, og skapte en følelse av magi.

Gradvis mister gateteater sitt utelukkende religiøse tema, og blir erstattet av gatekomedieteater - farse.

Høydepunktet i denne bevegelsen var den italienske komedien født av renessansen. del kunst, hvis opprinnelse kan spores tilbake til det gamle greske teateret med masker og gatekarneval.

Dannelse av boksscenen og grunnleggende prinsipper for iscenesatt belysning

Det er fra renessansen at leggingen av hovedkomponentene i moderne teater- og konsertkunst begynner. Hvis vi følger nøye med, ser vi hvordan arkitekturen til det gamle, spesielt det romerske teateret begynner å danne kanonene for scenekonstruksjon: amfiteateret blir hovedstedet for betrakteren, orkesteret - et sted for adelen, prosceniet blir til Et stadium.

Skene blir tilbake og ekstra (bak) bak scenen.

Handlingen begynner å finne sted på en scene. Samtidig tas også opplevelsen av middelalderens teater i betraktning: lasterommet, løfteluker, scenemekanismer, kulisser og rekvisitter er bevart. En klassisk gardin dukker opp, bak som det er et naturskifte, selv om en storstilt naturforandring vil utvikle seg noe senere.

Fra 1400-1500-tallet ble teatret gradvis dekket. Først var dette midlertidige trebygninger, deretter stasjonære teatre i stein knyttet til palasser. Naturligvis er det behov for utilitaristisk kunstig belysning for skuespillere og kulisser og lyseffekter.

I tillegg til erfaringene fra tidligere generasjoner, bør det bemerkes at renessanseteatret også introduserte nye elementer. Scenemekanismer og systemer for å endre natur har utviklet seg. De beste og mest kjente malerne inviteres til å designe forestillinger. Scenic vises perspektiv bakteppe,"ødelegge" bakveggen og skape en fullstendig illusjon av scenens dybde.

Opprettelsen av illusorisk rom ble mye utviklet i renessansemaleriet.

Oppdagelsen av perspektivets lover, mye brukt i maleriet på den tiden, fikk grobunn under teatrets spesifikke forhold.

Oppfinnelsen av perspektivlandskap tilskrives en italiensk kunstner Bramante, og videreutvikling av teatralske og dekorative maleteknikker - til kunstneren og arkitekten Sebastian Serlio. Takket være ham, en tilbøyelig tablett(scenegulv). Horisontlinjen til det pittoreske bakteppet flyttes av kunstneren fra grensen med nettbrettet mye høyere, direkte til midten av det pittoreske bakteppet, noe som i stor grad øker illusjonen av dybde. I tillegg har kunstneren tidligere laget en modell av scenen - oppsett hvor jeg sjekket beregningene mine.

I tillegg gir Serlio en klassifisering av iscenesatt belysning, og deler den inn i tre kategorier: generell belysning, dekorativ og spektakulær. Alle disse prestasjonene til den store teaterkunstneren brukes ofte av det moderne teatret.

Teateret fratok ikke oppmerksomheten til den store Leonardo da Vinci, som ikke bare malte teatre, men også forbedret oljelampen ved å plassere et tinnrør over flammen, noe som økte trekket og følgelig lysstyrken til lampen.

Utseendet til et fullverdig maleri i teatret krever belysning av høy kvalitet. vises berezhki - ugjennomsiktig, skjold som dekker lyskilden fra betrakteren. Ofte leveres berezhki reflekser som øker lysstrømmen til stearinlys og oljelamper. Lysekroner er laget for å løfte og senke for bekvemmeligheten av vedlikehold og tenning. Den første spotlights-enheter for overliggende scenebelysning. Det er åpenbart det rampe - plassering av inventar langs frontkanten av scenen - proscenium, som har eksistert siden antikken, er under forbedring, åpenbart vises skyline rampe - plasseringen av lampene langs den bakre kanten av scenen, som tjener direkte til å lyse opp bakteppet.

I renessanseteateret ble det også utviklet farget belysning: kolber-linser fylt med fargede væsker ble plassert foran lampen. Lignende lamper belyste detaljene i landskapet. Teatervinduer var ofte dekket med farget papir eller farget glass.

Det er verdt å merke seg at hoffteateret fra renessansen, som eksisterte utelukkende for adelen og på bekostning av denne adelen, en gang var en modell for luksus og fantasi.

Barokkteater

På begynnelsen av 1600-tallet dukket det opp en ny sjanger innen teaterkunsten. Sideshow- innstikksnumre som underholder publikum forvandles til selvstendige verk, opera og ballett dukker opp, som krever enda mer fortryllende, frodige og luksuriøse dekorasjoner. Renessanseteateret, med inaktive kulisser og et lite kult nettbrett, tilfredsstiller ikke de sterkt økte behovene, behovet oppstår for plassering av orkesteret. Det er behov for å endre kulissene og skjule mekanismene til scenen og foranderlige kulisser.

vises grøfter foran og bak(orkestergroper og steder for mekanismer for å endre landskap). portalbue- begrense scenen foran, bak scenen(ofte pittoreske) og padugi - som dekker taket, utvikles et system med spotlights og ramper.

Teatermaskiner nærmer seg daggry. Flyvende karakterer, fortryllende skyer på himmelen, hele gater på scenen, flytende skip, fantastiske dyr, forvandlende natur, fontener: alt dette var allerede i teatret barokk.

barokkteater

Ved midten av 1600-tallet får scenen ganske reelle trekk. klassisk boksscene, scenen som dominerer i dag, og er den vanligste sceneformen.

Men skifte av natur skjer enten på en glidende måte, eller antikk telari, som fikk sin nye utvikling. Det stadig økende behovet for raskt å endre et stort antall landskap fører til skapelsen scenen bak scenen.

Det er nødvendig å nevne flere navn knyttet til en genuin revolusjon innen teaterteknologi. Disse er: den tyske arkitekten Joseph Furtenbach, den engelske teaterteknologen Inigo Jones, den italienske «magiker og scenens magiker» Giacomo Torelli, som jobbet mye i Frankrike og selvfølgelig arkitekt, kunstner og mekaniker Giovanni Servandoni.

Samtidig med utviklingen av scenen skjer det en modifikasjon auditorium, amfiteateret fra renessansen, designet for en liten adelskrets, kunne ikke romme et stort antall brokete tilskuere, og ideen om publisitet og tilgjengelighet til teatret krevde nye konfigurasjoner. Slik oppsto det lagdelte eller rangerte teateret. Hvem vet, hvem som deltok på forestillinger, ikke krysset med resten av publikum og hadde de mest fordelaktige, sentrale, lave og isolerte stedene atskilt fra resten - loger. Publikum med beskjedne inntekter nøyde seg med de øvre sjiktene i sideboksene.

Det lagdelte systemet skilte kvaliteten på individuelle lokasjoner betydelig med hensyn til scenesynlighet.

Strukturen til auditoriet moderne teatre gir betydelig gjennomsnittlig sikt fra forskjellige punkter, men trenden fortsetter. Derfor beregnes den perspektiviske konstruksjonen av landskap og iscenesettelse av lys fortsatt fra det sentrale punktet i auditoriet.

klassisk teater

Det 18. århundre er preget av utseendet av plass over scenen, hvor den stigende kulissene til den såkalte. "dobbel dressing" skjermet gittertak på scenen - rist, utstyrt med blokker søyleaksler, med horisontale rør hengt på dem for å feste landskap - lekter. TIL XIX århundre gardinene begynte å bli utstyrt med balanser - motvekter som letter løftingen av landskapet. Faktisk fullførte epoken dannelsen av den klassiske boksscenen.

Og bare iscenesatt belysning før oppfinnelsen av elektrisitet har ikke gjennomgått noen kvalitative endringer siden barokkteatret.

Endringene gjaldt kun den kvantitative delen, ofte ble det brukt opptil 8000 lys ved spesielt storslåtte forestillinger. Lysekroner ble laget for å løfte og senke, senking av lysekronen betydde begynnelsen av pausen, spesielle ledsagere - glans, fjernet karbonavleiringer og korrigerte vekene. Lysekroner ble tent med et stearinlys på en lang pinne, slukket med en våt svamp eller spesielle hetter. På 1700-tallet begynte man å heve lysekroner for service i spesielle rom under taket. På 1800-tallet begynte stearinlys å bli erstattet av oljelamper utstyrt med brennere og reflekser.

Men stearinlys og lampebelysning tillot ikke fleksibel kontroll av lyset. Det er også verdt å vurdere kostnadene for olje og stearinlys, så vel som den allestedsnærværende soten. Først på begynnelsen av 1800-tallet i England, og deretter i hele Europa, begynte gassbelysning å spre seg.

Kontrollen ble utført fra den første prototypen av lyskonsollen - et gassbord, gassrør gikk fra det. Ved å regulere gassstrømmen med ventiler. Det var mulig å kontrollere belysningen, men å slå av brennerne helt var upraktisk, siden det var umulig å sette fyr på dem igjen under forestillingen. Det var nødvendig å forlate et minimumslys.

Med bruken av gassbrennere begynte et system av farget lys å utvikle seg, lysfiltre ble laget av farget silke dynket i lakk eller olje for å øke gjennomsiktigheten. Omtrent samtidig dukket den første RGB-prototypen opp, fargekilder ble delt inn i grupper av røde, blå og grønne farger, og "ren" farge ble ofte brukt. Endringen i lys skjedde ved å redusere intensiteten til grupper av én farge og øke intensiteten til andre grupper. Gassbelysning har imidlertid ikke vært mye brukt på grunn av de høye kostnadene, omfanget og, selvfølgelig, brannfaren.

Det skal bemerkes at ikke bare kompleksiteten ved å håndtere stearinlys, olje- eller gasslys hindret utviklingen av iscenesatt belysning. Kildenes lave lyseffekt tillot ikke bred bruk av retningsbestemt lys, og gjorde det dermed umulig å flytte lyskilden bort fra det opplyste objektet.

klassisk teater

Derfor skjedde ikke en reell revolusjon innen iscenesatt belysning med begynnelsen av bruken av elektrisitet, men litt senere med bruken av retningsbestemte spotlights og, selvfølgelig, dimmere.

Utviklingsperiode for elektrisk scenebelysning

Den endelige dannelsen av det klassiske teateret i midten av XIX-begynnelsen av XX århundre

Ved midten av 1800-tallet ble hovedtrekkene i den klassiske scenescenen på scenen, født tilbake i italiensk teater XVII århundre mottok sin fullførte form. Den klassiske scenen ble dominerende i teaterverdenen. Selvfølgelig fortsatte andre typer scener å eksistere parallelt med globale trender. Variasjonen av forskjellige typer scener har overlevd til i dag, men lovene for scenografi og scenebelysning er laget spesifikt for boksscenen og først da blir de tilpasset andre, ikke-standardiserte arenaer. Vi vil gå til en detaljert studie av arkitekturen til boks-scenen i de neste kapitlene av opplæringen.

Fremkomsten av elektrisitet. Bue lamper.

Det skal bemerkes at oppdagelsen av elektrisitet i seg selv ikke gjorde en umiddelbar revolusjon innen scenebelysning, dessuten verdens første voltaiske bue, skapt i St. Petersburg av den russiske fysikeren V.V. Petrov, tilbake i 1802, som ofte skjer i Russland, ble glemt i flere tiår. Bare 10 år senere ble det samme eksperimentet utført av den engelske vitenskapsmannen H. Davy.

Flere tiår gikk, teatret fortsatte å bruke stearinlys og gasslykter. Først i 1849, på Paris Grand Opera, ved premieren på Meyerbeers opera The Prophet, dukket det første lysbuelyset opp. Den var utstyrt med en parabolsk reflektor og simulert brann og soloppgang. Interessant nok ble det første "drivende" søkelyset noen år senere brukt i samme teater.

Opprinnelig ble voluminøse batterier brukt som strømkilde. Med fremkomsten av dynamoen begynte buebelysning å spre seg på kino. Til tross for at buekildene flimret og glitret sterkt, var effektene av lyn, sol, regnbuer skapt ved bruk av elektrisitet betydelig forskjellig i lysstyrke og farge fra stearinlys, olje og gasskilder. Når det gjelder retningsbelysningen til skuespillerne, hadde elektriske enheter ingen konkurrenter på dette området.

En fullverdig overgang av teatre til elektrisk belysning ble mulig bare med bruk av glødelamper.

glødelampe

Som med enhver grunnleggende oppfinnelse, er det flere forfattere, og uenigheter avtar ikke om navnet på oppdageren av glødelampen. Åpenbart kom ideen til tankene uavhengig av flere forfattere. Belgiske Faubard i 1838. varmet opp en karbonplate i vakuum, engelskmannen de Moleyn fra 1841. brukte en platinatråd, hans landsmann Goebel i 1847. brukte hårene fra forkullet siv. Vår landsmann Alexander Ladygin fikk i 1874 patent på en lampe med karbonstang i vakuum. Til slutt, i 1879, mottok Thomas Edison patent på oppfinnelsen av glødelamper av karbonfilament, og et år senere begynte masseproduksjon av relativt rimelige lamper. Med opprettelsen av Edison og Swan United Electric Light Company (sammen med Joseph Swan), begynner distribusjonens æra. elektrisk belysning.

Estetiske forutsetninger for behov for elektrisk belysning i teateret

Det er viktig å merke seg at enhver teknisk, til og med revolusjonerende, innovasjon går gjennom flere stadier i teater- og konsertlivet. Dette er hva som skjedde med elektrisitet. Teater som et paradoksalt knutepunkt mellom to ytterpunkter: innovasjon og konservatisme, i lang tid enten la ikke merke til elektrisitet, eller brukte det som en effekt. Verdens praksis spredte seg først til belysning av gater, parker og forskjellige underholdningssteder, og først da begynte gradvis inntrengningen av elektrisitet inn i teatret, utelukkende som en attraksjon.
I Russland gikk de som alltid sine egne veier. Frem til 1990-tallet ble elektrisitet kun brukt sporadisk. Dette skjedde på bakgrunn av det praktiske fraværet av elektrisitet i hverdagen og offentlig liv, bruken av Yablochkov, Ladygin, Edison-lamper i teatret var beslektet med et elitemirakel. Og bare i det siste tiåret av det utgående århundre er det en "mote" for bruk av elektrisitet. Fram til slutten av 1800-tallet var elektrisitet i Russisk teater forblir en fasjonabel, kostbar attraksjon.

Teknologisk konsept for elektrisk belysning i teateret

Ved begynnelsen av 1900-tallet ble elektrisitet i hverdagen og det offentlige liv mer og mer vanlig. Teateret blir gradvis "vant" til glødelamper, deres allsidighet, lave kostnader og brukervennlighet lar deg lage en felles belysningsløsning, ved å bruke både de spektakulære mulighetene til lamper og deres utilitaristiske egenskaper. Utseendet til brytere, og deretter reostater, begynner scenen for dannelsen av moderne prinsipper for belysning av teaterrommet.

Egenskaper til elektrisk lys (i forhold til teater)

Lysstyrke og fargetemperatur

Små, mange lyskilder lyser opp skuespillerne og sceneriet med lyse stråler, emisjonsspekteret er nærmere sollys, sammenlignet med stearinlys.

Ekstern plassering av lampen i forhold til gjenstanden for belysning

Selv en vanlig lampe kan plasseres mye lenger fra gjenstanden for belysning.

retningsbestemt lys. Fremveksten av fullverdige spotlights

Ved hjelp av en reflektor, linser og andre enheter blir det mulig å rette en smal, retningsbestemt stråle mot en skuespiller eller sceneri uten å belyse nærliggende områder.

farget lys

Utseendet til billig farget glass, og deretter celluloid, gjorde det mulig å bruke lysfiltre mye. Lysets muligheter på scenen har vokst med flere størrelsesordener.

justerbart lys

Nå kan du enkelt og raskt, fra et eksternt punkt og viktigst fra ett sted, slå på og av lyset. Utseendet til reostater gjorde det mulig å jevnt endre glødelampen.

Avanserte lysplasseringsalternativer

Det er ikke nødvendig å ha direkte tilgang til inventaret. Teoretisk sett kan søkelyset plasseres på et hvilket som helst optimalt sted. Den klassiske «hengingen» av lysutstyr begynte å ta form. Til de tradisjonelle proscenium- og horisontrampene ble det lagt til lysbokser, spotlights, gallerier og sidetakverk.

Det kan sies at i første halvdel av 1900-tallet fikk plasseringen av settet med scenebelysning og prinsippene for bygningslys moderne fullførte funksjoner, og til i dag har det ikke vært noen vesentlige endringer i scenebelysningens estetikk.

I de følgende kapitlene lærer du om boksscenen, lysprinsipper osv. vi skal faktisk bli kjent med grunnlaget som ble lagt i første halvdel av 1900-tallet.

Kunstnerisk konsept for elektrisk belysning i teateret

Jeg vil bemerke at utviklingen av iscenesatt lyssetting spesielt og teaterkunst generelt ikke skjer isolert fra globale kunstneriske praksiser.

Ulike sjangre innen teaterkunst, helt fra teatrets begynnelse til i dag, har ulike krav til scenen generelt, og til lys spesielt.

I forskjellige tidsepoker Kravene til lys varierte mye: fra maksimal realisme til maksimal fantasi. Ulike sjangre innen scenekunst stilte også sine krav.

Fremkomsten av elektrisitet gjorde det mulig å betrakte lys som et universelt, men veldig fleksibelt verktøy, som enkelt kan tilpasses ulike krav.

Ved begynnelsen av 1900-tallet hadde selve kunstbegrepet endelig dukket opp som et eget område for menneskelig aktivitet. Gradvis, gjennom århundrene, begynte poeter, musikere, malere, regissører og koreografer å realisere seg selv ikke som utilitaristiske håndverkere, men som skapere. Det var begynnelsen av det tjuende århundre, da kunsten ble fullstendig klar over seg selv, som ga en kraftig, tidligere ukjent drivkraft til utviklingen de siste trendene i kunst. Kunstnere, regissører og komponister kom endelig til teatret, og visket ut, eller rettere sagt utvidet dets kunstneriske grenser, og skapte fundamentalt nye kriterier for oppfatning og konstruksjon av visuelle rom. Et stort antall moderne teknikker, ideer og konsepter ble født på denne tiden.

Første erfaringer med lys og lyd Skrjabins instrumenter, lys- og lydmalerier av komponisten Čiurlionis, Wilfrids "lysets musikk", teatralske lyseksperimenter og lysteknikker for kulisser av A. Zaltsman, A. Appia, A. E. Blumenthal-Tamarin, E. F. Bauer, projeksjonsapparatet - elektrotakoskop Ottomar Anschütz - dette er bare en håndfull eksempler.

Verdt spesiell omtale Moskva kunstteater, ledet av sjefsdirektør K. S. Stanislavsky og direktør V. I. Nemirovich-Danchenko. Kvantiteten, og viktigst av alt, kvaliteten på nye teknikker og tilnærminger til å iscenesette en forestilling, dannet faktisk den moderne teatralske klassiske skolen.

De revolusjonære omveltningene i første halvdel av det tjuende århundre i det offentlige liv ble reflektert i kunsten. Ulike teatre i forskjellige stiler setter forskjellige mål. Elektrisk lys gjorde det mulig å løse ulike kunstneriske oppgaver for så ulike teatralske karismatiske skikkelser som: Vs. Meirhold, A. Tairov, M. Reinhard og, selvfølgelig, B. Brecht.

Fra teaterkunstnere begynnelsen av det 20. århundre vil jeg bare gi selektive navn: G. Craig, K. Malevich, L. Bakst, A. Golovin, N. Sapunov, F.-T. Marinetti, E. Prampolini, I. Bilibin. Temaet for utviklingen av scenografi ligger utenfor rammen av denne læreboken, og er et spesielt lag av teaterkultur.

Det er ekstremt viktig at teknologiske fremskritt først skapte nye enheter. Deretter ble disse enhetene integrert i underholdnings- og husholdningssfæren. Og først etter en lang prosess med kunstnerisk forståelse av mulighetene som ble gitt, ble det dannet et helt lag av kunstnere som klarte å organisk anvende teknikken i det kunstneriske feltet.

Midten av det tjuende århundre. Fremveksten av yrket lysdesigner.

I det tjuende århundre oppsto en fundamentalt ny tilnærming til å løse scenerommet - opprettelsen av den faktiske scenografien i moderne mening dette ordet. Variasjonen av sjangere og ulike teaterskoler krevde fremveksten av kunstnere som visste hvordan de skulle jobbe med rommet, og i verkene sine brukte ikke lerretets plan eller bakteppet (selv om det var de som dyrket illusjonen om rommets dybde), men et virkelig tredimensjonalt rom fylt med tredimensjonalt landskap og elektrisk lys. De nye scenedesignerne krevde kunnskap om ingeniørteknologier innen mekanikk, kjemi, optikk og elektrisitet. Mengden kunnskap som kreves har økt eksponentielt hvert år. Naturligvis kunne ikke en kunstner, selv en snevert teatralsk, studere alle teknologiene grundig. Ingeniører og teknikere kunne på sin side ikke helt forstå kunstneren, siden kriteriene for kommunikasjon var forskjellige.

Som et resultat har spesialister, kunstnere-teknologer, som er i grensesnittet mellom kunst og teknologi, dukket opp. Lysspesialister begynte å bli kalt lyskunstnere. De facto lysdesigneren er en «oversetter» mellom jern og kunst.

Så vidt jeg vet, eksisterer en lignende trend den dag i dag i alle sjangre innen scenekunst, hvor det er en sceneregissør og scenograf. Unntaket er tilfeller når scenografen eller regissøren har yrket som teknolog eller regissørens funksjoner, eller lysdesigneren overtar scenografen.

Fremveksten av et nytt yrke krevde opprettelsen av en iscenesatt lysskole. På midten av 1900-tallet, nærmere bestemt på 40-tallet, kom den første sovjetiske læreboken om belysning av Nikolai Izvekov, Lys på scenen. På 60-tallet ble Vadim Bazanovs "leksikon" om teaterteknikk "Stageteknikk og teknologi" utgitt. Disse bøkene, sammen med publikasjonene til min lærer B. Sinyachevsky, grunnleggeren av de kunstneriske lystjenestene til Leningrad BDT og BKZ, har ikke mistet sin relevans og er fortsatt referansebøkene til mange kunstnere. Dessverre er det katastrofalt få bøker i verden. Bare 40 år senere, allerede i vår tid, så Russland en ny lærebok om teatralsk belysning av D. G. Ismagilov, E. P. Drewaleva "Theatrical Lighting" og mine notater. M. Kellers bok "This Fantastic Light" er veldig populær.

Fristelsen til å lese den fra perm til perm er veldig stor, men jeg ønsker å beholde ulike synsvinkler på det iscenesatte lyset, så foreløpig avstår jeg fra å lese den. Uansett anbefaler jeg sterkt at leserne leser begge lærebøkene for å finne et lykkelig medium for seg selv.

Jeg kan ikke unngå å nevne "skolen" for scenebelysning, som har overlevd til i dag i St. Petersburg Theatre of Youth Creativity og dets lærere E. Chernova og V. Bulygin.

Kino og teater

Med ankomsten av den første magisk lykt”, ble det mulig å bruke dynamisk og statisk projeksjon.

To evige rivaler og antagonister av teater og kino siden Lumiere-brødrenes fremkomst har hele tiden påvirket og supplert hverandre. Jeg er nesten sikker på at camera obscura i den før-kinematiske perioden ble brukt ikke bare av malere, men også av teatergjengere. Utseendet til projeksjonsenheter, og deretter filmprojektorer, fant umiddelbart sin anvendelse i teatret. Titler, projeksjonsbakgrunner, nærbilder, hele kinoarsenalet ble brukt i teatret lenge før videoprojektorene kom. Det er nok å gi et eksempel på et epidiaskop, som lar deg "live" vise et nærbilde av skuespillerens ansikt på skjermen. Den sanne oppblomstringen av projeksjonsteknologier og den kunstneriske forståelsen av disse teknologiene er assosiert med midten av det tjuende århundre og Praha-teatret "Laterna Magica", under ledelse av I. Svoboda. Nesten alle de kunstneriske og tekniske teknikkene som brukes i moderne videoprojeksjon har blitt testet gjentatte ganger i dette teateret. Med I. Svoboda begynner åpenbart nedtellingen av fremveksten av det faktiske lysteateret som en selvstendig kunstform.

Lys på 1900-tallet som selvstendig kunstform

Den tekniske boomen og den estetiske eklektisismen til moderne og postmoderne på 1900-tallet ga opphav til nye sjangere innen kunst:

Lett musikk. Fargemusikk.

Ideer som av og til manifesterte seg i "fargehøringen" til noen komponister, spesielt Rimsky-Korsakov, ble utviklet av to strålende komponister fra begynnelsen av slutten av 1800-tallet og begynnelsen av 1900-tallet.

Komponist og maler M. Cherlionis skapte musikkverk og malerier med samme navn.

A.Skryabin uttrykte avhandlingen om korrespondansen mellom notater og fargetone, takket være ham dukket sjangeren fargemusikk opp. Denne sjangeren fikk en kraftig utvikling på 60-70-tallet takket være I. Vanechkin og B. Galeev og deres Kazan Design Bureau "Prometheus". Videre utvikling ideene tilhører B. Sinyachevskii (Leningrad), Yu. Pravdyuk (Kharkov) og S. Zorin (Moskva).

Kunstneriske teknikker og ingeniørutviklinger skapt av disse forfatterne brukes fortsatt i dag.

"Forløperne" til datagrafikk var mange operatører av kombinert filming, spesielt en annen lærer av meg, B. Travkin (Mosfilm).

I tillegg til lett musikk dukker det opp en sjanger med lysinstallasjoner, videokunst og arkitektoniske lysforestillinger.

konsertlys

Fra det øyeblikket musikerne «forlater» orkestergraven på scenen, spesielt etter utviklingen av jazz og ulike popsjangre, er det behov for deres dekning. Musikere mister gradvis kontakten med teaterverden. Lysteknikker forblir rent teatralske eller utilitaristiske. Med inntoget av rock and roll er det behov for konsertshow. Det teatralske grunnlaget består, men musikalsk spesifisitet er lagt til. Faktisk, siden utseendet til et rockeshow, blir yrket som "lyskunstner" relativt uavhengig og får sine egne egenskaper.

Det er viktig å merke seg at grunnlaget for yrket fortsatt er teatralsk. Videreutvikling av musikalske trender: rave, rap, alternativ - gir ikke nye impulser for utviklingen av yrket, men fører til forenkling av mange funksjoner til en lyskunstner.

Trender i utviklingen av teater- og konsertteknologi fra begynnelsen av det tjuende århundre til i dag

Søk og funn av teaterkunstnere på begynnelsen av 1900-tallet avgjorde utviklingen av verdensteater i mange år fremover. Moderne teknologier utvikler bare retninger som ble fastsatt for flere tiår siden. Ideene til scenedesignere som jobbet på begynnelsen av 1900-tallet er langt fra uttømte og gir et enormt rom for eksperimentering av dagens scenekunstnere.

Etter min, kanskje kontroversielle, mening ble alle moderne metoder for kunstnerisk belysning endelig dannet i første halvdel av det 20. århundre.

De grunnleggende nyvinningene var utseendet til linseprojektorer og et flerkanals mekanisk lyskontrollsystem.

Siden den gang har det pågått en intensiv utvikling, utelukkende i teknisk retning. Den kunstneriske komponenten utviklet seg bare omfattende. Til tross for det tilsynelatende titaniske gjennombruddet innen lysteknologi, har det i hele andre halvdel av det tjuende århundre ikke dukket opp noen fundamentalt nye lysteknologier som har endret den kunstneriske prosessen vesentlig.

Jeg kan bare sitere én udiskutabel faktor som påvirket endringen i lysets estetikk. Utseendet til kraftige, små flylykter på 60-tallet gjorde det mulig å lage et helt system med bakgrunnsbelysning (baklys), noe som førte til fødselen av PAR64-enheten. Denne teknikken ble forsterket av oppfinnelsen av glyserin, og deretter "olje" "lett røyk", som erstattet den kaustiske kolofonium "paviljongrøyk" eller "tung røyk" som kryper langs bakken.

Resten av mangfoldet av teknologi tjener enten klassiske oppgaver, eller brukes som en effekt, eller venter fortsatt i kulissene.

Som nevnt ovenfor, generell utvikling teknologi gir drivkraft til utviklingen av den kunstneriske komponenten. Det er også en omvendt prosess. Den økende kompleksiteten til kunstneriske oppgaver stimulerer utviklingen av spesifikke teater- og konsertteknologier.

Utvikling av lys teaterteknologier, gikk betinget i fire retninger:

EN) Forbedring av lysstyrken(lyseffekt) av lyskilder. Økende økonomi lyskilder. Nedbemanning lyskilde. Forbedring av optiske systemer lyskilder.

Utviklingsstadier: voltaisk lysbue, glødelampe, lavspenningslampe, halogenlampe, xenonlampe, metallhalogenlampe, LED.

b) Utvide mangfoldet belysningsenheter. Høyde universalitet multifunksjonelle grupper av enheter og en økning i antallet høyt spesialisert, monofunksjonelle lysarmaturer.

Stadier av utviklingen av multifunksjonelle enheter: spotlight med linse hette, linseløs spotlight med cutoff og motreflektor, PISI linse spotlight, fargeveksler, bevegelig hode.

Stadier av utvikling av monofunksjonelle enheter: separasjon av armaturer i spotlights og flomlys.

Utviklingsstadier i søkelyset: flomlys ble delt inn i PAR64 type flomlys, profiler, projektorer, sporingslys.

Stadier av utvikling av "oversvømmende" enheter:"Fyllingen" ble delt inn i flerkammerlamper på rampen og horisonten, "hakke"-enheter og arkitektoniske fargevekslere.

V) Forbedring av lysstyringssystemer.

Fleksibel kontroll begynte med utseendet til en enkel bryter, deretter dukket det opp reostater, slik at du kunne endre spenningen og følgelig gløden til lampen. Reostater ble erstattet av autotransformatorer med variabel utgangsspenning. Fremveksten av autotransformatorer med en felles kjerne og flere kappebørster gjorde det mulig å lage et justerbart flerkanals kontrollsystem. Mekaniske belysningsregulatorer dukket opp, inndelingen av regulatorer i kraft- og betingede konsolldeler begynte. Utseendet til rørtyratroner, og deretter tyristorer, gjorde det mulig å endelig skille konsollen og kraftseksjonen. Utseendet til "kontrollspenningen" av tyristoren gjorde det mulig først å lage en fjernkontroll med "manuell programmering", deretter en fjernkontroll med elektronisk minne, og til slutt datastyrte konsoller.

G) Oppretting av effekter og fundamentalt nye belysningsenheter.

Fremkomsten av kraftige film- og lysbildefremvisere gjorde det mulig å lage projeksjonslandskap. Fremkomsten av videoprojektorer, videokameraer og datamaskiner har i stor grad forenklet opprettelsen av dynamisk innhold. Kraften og mobiliteten til videoprojektorer gjorde det mulig å bruke dem som et spesielt søkelys, og dirigerte lysstrømmen ikke bare på skjermen, men også mot ethvert nødvendig objekt. Opprettelsen av pseudo-holografiske filmer gjør det mulig å "suspendere" bildet i luften.

Utseendet på midten av 30-tallet av det tjuende århundre av paneler og kranser av "løpende" lamper gikk foran etableringen av LED-skjermer 70 år senere. Med bruken av LED økte lysstyrken på skjermbildet betydelig, LED kunne konkurrere med solcellebelysning. I tillegg kunne LED-panelene ordnes på hvilken som helst måte, noe som gjorde det mulig å "komme vekk" fra den tradisjonelle "store TV-skjermen" på scenen.

«Vi ser de smertefulle forsøkene på å bruke LED som lyskilde for tradisjonelle spotlights i vår tid. Etter å ha korrigert fargetemperaturen og utseendet til billige blå lysdioder, kan situasjonen forbedres dramatisk. Kanskje er det LED-en som vil gi impuls til en ny tilnærming til bygningslys.»

De ovennevnte linjene ble skrevet for flere år siden. Til dags dato er problemet fullstendig løst. God lystemperatur, høy lyseffektivitet og praktisk drift, setter LED-teknologi i kategorien ledende teknologier.

Midten av det tjuende århundre produserte en revolusjonerende lyskilde - laseren. Dessverre, i teater- og konsertpraksis, har bruken av laser blitt redusert til en attraksjon. En lignende skjebne hjemsøker blitslamper. Stroboskopet som bruker det har blitt en "disco"-forbannelse av teater- og konsertstedet.

Ultrafiolette lamper og selvlysende maling slo til i scenografien på 60- og 70-tallet. I dag, i teateroppsetninger, brukes de mer behersket og organisk.

"Fremveksten av intelligente dynamiske enheter av typen "skanner" og deretter enheter av typen "bevegelig hode", i motsetning til forventningene, har ennå ikke gitt betydelige forventede resultater i generell estetikk kunstnerisk lys. Kanskje er dette nettopp den russiske spesifisiteten. Faktum er at det "bevegelige hodet", opprinnelig opprettet som en universell teatralsk enhet med fjernkontroll, ikke brukes nok i teatret. Det er minst fire grunner:

1. Lav beredskap hos regissører, teaterdesignere og teaterpersonell.
2. 2. Bortskjemt av konsertmiljøet, ryktet til enheten med "bevegelig hode" (en kjøpmanns vane er å kjøpe "bevegelige hoder" og bruke dem som skannere, og urettferdig nekte sistnevnte).
3. 3. Tilstedeværelsen av en mekanisk dimmer og en halogenglødelampe, som sjelden finnes i filmhoder.
4. 4. Dyrt.

Ikke desto mindre begynner den estetiske komponenten av dynamisk intelligent lys allerede å bli polert i konsertpraksis, svingen bak teatret.»

Og disse linjene ble skrevet for 6 år siden, i forrige utgave av læreboka. I løpet av denne tiden skjedde det endelig et kvalitativt bevissthetsskifte i det teatralske miljøet, og konservative teaterkunstnere begynte endelig å bruke dette utvalget av apparater i sin praksis.

Avslutningsvis vil jeg tydeligere oppsummere det som ble sagt ovenfor:

Den endelige dannelsen av klassisk teater.

Ved midten av 1800-tallet hadde hovedtrekkene i den klassiske scenen fått sine fullførte former. Bare arkitekturen til scenen ble dannet. Iscenesatt belysning ventet på revolusjonerende endringer.

Fremkomsten av elektrisitet. Bue lamper. Glødelampe.

Med bruk av glødelamper, brytere og deretter reostater, begynner dannelsesstadiet av moderne prinsipper for iscenesatt belysning.

Egenskaper til elektrisk lys(gjelder teater) .

1. Lysstyrke og fargetemperatur.
2. Den eksterne plasseringen av lampen i forhold til gjenstanden for belysning.
3. retningsbestemt lys. Fremveksten av fullverdige spotlights.
4. Farget lys.
5. Justerbart lys.
6. Utvidede muligheter for plassering av lyskilder. Begynnelsen på dannelsen av den klassiske "hengingen" av belysningsutstyr.

I første halvdel av 1900-tallet fikk plasseringen av settet med iscenesatt belysning og prinsippene for bygningslys moderne ferdigstilte funksjoner.

Fremkomsten av elektrisitet gjorde det mulig å betrakte lys som et universelt, men svært fleksibelt verktøy, som lett kan tilpasses ulike krav.

Den teknologiske fremgangen skapte først nye enheter.

Deretter ble disse enhetene integrert i underholdnings- og husholdningssfæren. Og først etter en lang prosess med kunstnerisk forståelse av mulighetene som ble gitt, ble det dannet et helt lag av kunstnere som klarte å organisk anvende teknikken i det kunstneriske feltet.

Midten av det tjuende århundre. Fremveksten av yrket lysdesigner

Profesjonens primære nytte. Lysdesigneren er et mellomledd mellom regissør, scenograf og utstyr.

Lys på 1900-tallet som selvstendig kunstform

Fremveksten av en lysdesigner som en uavhengig kreativ enhet.

Gjensidig integrering av kino og teater

Konsertlys.

Begynnelsen på en viss adskillelse mellom konsert og teaterlys. På nåværende stadium blir situasjonen dessverre bare verre.

Scenebelysning av våre dager. Kort vurdering av dagens situasjon.

Ved slutten av det 20. århundre, konseptet med iscenesatt belysning. Det er nødvendig å vurdere moderne iscenesatt belysning fra både teknologiske og kunstneriske posisjoner. Mange komponenter eksisterer uatskillelig fra hverandre og er så sammenvevd at noen ganger vet man ikke hvor teknikken slutter og kunsten begynner.

Søk og funn av teaterkunstnere på begynnelsen av 1900-tallet avgjorde utviklingen av verdensteater i mange år fremover. Moderne teknologier utvikler bare retninger som ble fastsatt for flere tiår siden.

Den generelle utviklingen av teknologi gir drivkraft til utviklingen av den kunstneriske komponenten. Det er også en omvendt prosess. Den økende kompleksiteten til kunstneriske oppgaver stimulerer utviklingen av spesifikke teater- og konsertteknologier.

Retningen til teknologiutviklingen i det tjuende århundre går på følgende områder:

Teknologiske retninger

1. Styrking av lysstyrken (lyseffekt) til lyskilder. Øke effektiviteten til lyskilder. Redusere størrelsen på lyskilden. Forbedring av optiske systemer av lyskilder.
2. Utvidelse av variasjonen av belysningsenheter. Vekst i allsidigheten til multifunksjonelle grupper av enheter og en økning i antall høyt spesialiserte, monofunksjonelle belysningsenheter.
3. Forbedring av lysstyringssystemer.
4. Oppretting av effekter og fundamentalt nye belysningsenheter.

Kunstneriske retninger

1. Estetisk forståelse av moderne teknologier i rask utvikling. Bevissthet om tilstedeværelsen av hensiktsmessige og upassende teknikker og enheter, i motsetning til tilstedeværelsen av gode og dårlige enheter og teknikker.
2. Skapelse av en enhetlig teori om iscenesatt lys. Metodikk. Filosofier og til slutt etableringen av en enhetlig moderne skole for iscenesatt belysning med mange retninger.
3. Bygge bro mellom teater og konsert.
4. Opprettelse av et fundamentalt nytt opplegg for en enkeltfaset belysning, gjennom videoprojeksjon.

For å beskrive funksjonene til moderne iscenesatt belysning, er det nødvendig å navigere i mangfoldet av det foreslåtte arsenalet, både tekniske midler for iscenesatt belysning og kunstneriske teknikker.

Del III-V av denne læreboken vil utvide det nåværende stadiet i utviklingen av scenebelysning.

Utsikter for utvikling av lysteknologi og den kunstneriske komponenten

Fremveksten av videohoder og videoskannere, en økning i lysstrømmen til videoprojektorer, opprettelsen av LED og, i fremtiden, laservideoprojektorer koblet til et enkelt visuelt system med et videoopptak og sanntids videobehandlingssystem, lar deg allerede nå lage et fundamentalt nytt opplegg for en enkelt trinns belysning. Prinsippet for den nye tilnærmingen ligger ikke bare i mulighetene for videoprojeksjon utvidet til en rimelig grense, men også i et fundamentalt nytt videostrålekontrollsystem. Formen på fargen på strålen blir ikke bare en spesiell egenskap ved strålen, men bærer også et bilde som kan endres som du vil. Videomapping, som allerede har blitt en klassiker, har fortsatt urealiserte utsikter: så langt er det bare frontalt, men hva hindrer prinsippet om trepunktsbelysning i å bli brukt på videoprojeksjon? LED-skjermer med liten pikselbredde, fritt delt inn i klynger og, om nødvendig, gjennomsiktige, tillater selv nå å lage ikke bare scenografi, men flerlags og dynamisk scenografi. Kontroll av videostrømmer og synkronisering med lys og mekanikk lar deg lage ikke bare pseudovolumetriske bilder, men også improvisere med bilder i sanntid.

Konklusjon av første del

Scenebelysning av våre dager har følgende særegenheter:

Teknologisk: den dominerende bruken av kraftige elektriske kilder til retningsbestemt lys med økt lyseffekt og et fleksibelt kontrollsystem.

Ergonomisk: lyskilder er plassert i avstand fra gjenstanden for belysning, lokale lyskilder brukes lite.

Kunstnerisk: ca Grunnlaget for kunstnerisk belysning har vært uendret siden midten av 1900-tallet. I utgangspunktet utvikles teknologiske metoder. Unntaket er bruk av dynamisk belysning i form av bevegelige stråler og utbredt bruk av konsertvideo.

Kommende utviklingstrender: fremveksten av kraftige, små projektorer lar deg fundamentalt endre prinsippet om å danne formen og fargen på strålen. Inntil nylig ble formen på strålen dannet av et klassisk optisk system og forskjellige mekaniske enheter, og fargen ble endret, hovedsakelig av lysfiltre. Deretter med bruk av videoprojeksjon, skapes formen og fargen på strålen på matrisen til projektoren og endres umiddelbart innenfor absolutt ubegrensede grenser. En gradvis avvik fra den "klassiske sirkelen" til strålen vil føre til et kvalitativt sprang i iscenesatt belysning.

Utseendet til videoprojeksjon påvirker den grunnleggende tilnærmingen til å skape iscenesatt belysning betydelig. For det første dukker det opp en veldig sterk dominant i scenografien i form av et «selvlysende» videobilde, som dessuten ikke er statisk. Så snart scenografer og regissører forstår mulighetene for videoprojeksjon og overvinner tregheten til scenevideo, i form av en «stor TV» på scenen, vil fundamentalt nye komplekse scenografiske løsninger oppstå.

For det andre vil konvergensen av to profesjoner: en lyskunstner og en medie(video)kunstner, tillate den første å bruke mulighetene til video i direkte lys, den andre å bruke sin kunnskap og smak til å skape et felles lysrom.

Som et eksempel vil jeg nevne den såkalte "mapping" (mapping) - en videoprojeksjonsteknikk som gjorde det mulig å projisere på et objekt sitt eget bilde, redigert og dynamisk endret ved hjelp av datagrafikk. Egentlig er prosessen med kartlegging prosessen med å "strekke" en tekstur på et "glatt" tredimensjonalt objekt.

Ved å bruke kartlegging ikke bare forfra, men også fra siden og kontrollpunktene, får vi en fundamentalt ny, virkelig romlig scenografi.

Videohoder diversifiserer også mulighetene til en lyskunstner betydelig.

Den begrensende faktoren for et slikt scenario er kun den konservative tenkningen, den relative høye kostnaden for videoprojeksjonskomponenten og den relativt lave lysstrømmen med relativt store dimensjoner av utstyret.

Faktisk er vi på randen av en fundamentalt ny tilnærming til scenelys og scenografi.

fjerne prospekter sees i utviklingen av hologramteknologi. Konsekvensen, som vil være bruken av selvlysende, øyeblikkelig skiftende, ikke underlagt noen begrensning av volumetrisk dekorasjon

Fra


Lyskunstner Bill Holshevnikoff, forfatter av Arri Lighting Handbook, har laget denne serien med pedagogiske CD-er for å klargjøre vitenskapen om lys. Denne serien består av 4 deler: Ansiktsbelysning, Intervjubelysning, Fargekorreksjon og filtre, og Interiørbelysning. Hver del varer i ca. 50 minutter.

Del 1. Belysning av ansiktet.
Denne delen vil ta en omfattende titt på kunsten å belyse mennesker. Du vil lære hvordan du bruker mykt og hardt lys og enkle metoder fremheve mennesker med ulike hudfarger, personer med briller eller personer med skallet hode. Finn ut hvilken type belysning som får deg til å se slik du vil, hvordan du bestemmer mengden kontrast og mer!

1.1 Elementer i ansiktsbelysning. Lysstyring.

1.2 Ansiktsbelysning. Størrelsen på lyskilden.

1.3 Ansiktsbelysning. Avstand fra lyskilden.

1.4 Ansiktsbelysning. kontrastkontroll.

1.5 Ansiktsbelysning. Separasjon av verden.

1.6 Ansiktsbelysning. spesielle situasjoner.

Fra


I desember, på CNTI Progress i Igjen bestått
Skjult innhold
. Den ledende foreleseren, ifølge tradisjonen, var Andrey Melnik - en "legendemann", som seminardeltakerne kaller ham, en kjent lysdesigner som til forskjellige tider jobbet med gruppene "Alisa", "Aquarium", "DDT" , så vel som på teatre i St. Petersburg .

I desember var CSTI "Progress" nok en gang vertskap
Skjult innhold
Vi snakket med Andrey om seminaret, om hva og hvorfor lysdesignere trenger å lære, og hvordan lyssettingen er annerledes i teateret og på konserter.
Andrey, hvordan blir de lysdesignere i dag? Tross alt læres dette praktisk talt ikke noe sted.

Spise teaterinstitutter og spesialiteten «kunstner-teknolog». De lærer, etter min mening, så som så. Det er ingen praksis, bare teori. Derfor blir lysdesignere i teatret ofte tilfeldige.

Rockemusikk er enda morsommere. Dette er enten musikere eller lydteknikere, teknikere – som er både bra og dårlig på samme tid. Dårlig - fordi mange fagfolk kommer fra tekniske felt. Men yrket kalles "lyskunstner". Derfor er den delen som er "verden rundt" gjennomførbar, de fungerer godt med komplekst utstyr. Men den kunstneriske delen mangler. Musikere «ser med ørene». Og artisten må "lytte med øynene".

Det er bra om en person kommer med kunstutdanning. Men vi har for eksempel bare to kunstnere med kunstutdanning i rock – det er meg og Andrey Stolypin, den første kunstneren til Alisa.

Anna Pingina og Minus Trill-gruppen. Lysdesigner - Andrey Melnik

Hvor forskjellig er arbeidet til en lysdesigner i teateret og på konserter?

Det er ikke separat teaterlys og konsertlys. Lovene om kunst, kreativitet - de er like overalt. En annen ting, hvis du tar "kondovy" i kunstnerens fornærmende betydning. På konserten har han et "diskotek", konstant blinkende, og i teatret er lyset bare på skuespilleren. En kompetent spesialist har mange alternativer: et sted blinker vi, et sted ikke, et sted et hardt lys, et eller annet sted, tvert imot, myk, sjelfull.

Hva er de nye trendene i yrket ditt nå, nye teknologier?

De dukker opp hele tiden. Men tilnærmingen, etter min mening, forblir den samme. Den beste læreboken så langt er 1946-utgaven – N.P. Izvekov, Lys på scenen. Lovene forblir de samme.

Jeg kan ikke la være å spørre om seminaret. Hva er lytterne interessert i nå, hvilke spørsmål stiller de, hvilke problemer kommer de med?

Det er mange personlige spørsmål, alle har sine egne. Men så vidt jeg kan se, "hyler de ikke", de bekymrer seg ikke. På seminaret snakker jeg ikke så mye om teknologi. Teknikk er selvfølgelig en ryggrad. Men siden det er mye litteratur, artikler på Internett om teknologi og lite informasjon om den kunstneriske siden, snakker jeg hovedsakelig om den kreative komponenten. Og de ser ikke ut til å bry seg i det hele tatt.

Video fra en praktisk leksjon på Mikhailovsky Theatre

Hva trener du i praksis? For eksempel, i morgen studerer du og gruppen din på Cosmonaut-klubben - hva vil skje der?

Lysstudier, lysforestillinger. Hver gang litt forskjellig - avhengig av nettstedet, på humøret og tilpasset for publikum.

P.S. Det neste seminaret "Lighting Designer" vil bli holdt i St. Petersburg fra 10. til 14. februar. Finn ut mer og meld deg på på
Skjult innhold
Logg inn for å se. .
Se hele innlegget


Fra


CNTI "Progress" inviterer lysspesialister til å bli kjent med moderne teknologier i scenelysstyring på seminaret

Uvurderlig erfaring med iscenesettelse av scenebelysning vil bli delt av:

Melnik Andrey Vladimirovich, lysdesigner (erfaring med gruppene "Alisa", "Aquarium", "DDT", "Picnic", "Surganova and Orchestra", "Butusov og Yu-Piter", etc., samt med ledende teatre Petersburg);
Kibitkin Alexander Andreevich, leder for lystjenesten til Mikhailovsky Theatre;
Lukin Sergei Vladimirovich, sjeflysdesigner ved Mariinsky Theatre;
Pesotsky Dmitry Yuryevich, leder for belysningsavdelingen til Alexandrinsky Theatre;
Shamil Islamgazin, Ph.D., teknisk direktør for arrangementsbyrået Guild of Masters.

Seminardeltakere:
bli kjent med profesjonelle teknikker og teknikker for å sette lyset;
delta i praktiske klasser ved teatrene Mikhailovsky, Mariinsky og Alexandrinsky;
under ledelse av Andriy Melnyk vil de dekke livekonserten til Minustreli-gruppen;
besøk utstillingsrommet til Doka-selskapet, hvor de vil bli kjent med nyhetene i lysutstyrsmarkedet;

Mer informasjon og påmelding til seminaret -
Skjult innhold
Logg inn for å se. , på telefon 8-800-333-88-44 (gratis i Russland) eller pr. e-post [e-postbeskyttet]
Se hele innlegget


Fra


Hvordan få belysning til å fungere for din kreative visjon?

Se vedlegg: 3.jpg Se vedlegg: 17.jpg

Vi inviterer til seminaret
Skjult innhold
Logg inn for å se. 8. til 12. oktober 2012, St. Petersburg

Klassene undervises av ledere for lystjenester og tekniske direktører for industribedrifter, teatre og eventbyråer i St. Petersburg.

Blant lærerne er den ledende St. Petersburg-scenedesigneren og multimediagrafikeren Andrey Vladimirovich Melnik, som fungerte som lysdesigner på konsertene til gruppene Aquarium, DDT, Alisa m.fl.
I et program:
Hvordan velge riktig lysutstyr til konsert, ballett, dukketeater, dramateater osv.?
Moderne teknologier og enheter for scenebelysning. Leksjonen finner sted på grunnlag av Mikhailovsky-teatret under veiledning av sjefen for lystjenesten Alexander Andreevich Kibitkin.
Typer og teknikker for belysning. Datamodellering av lys.
Felles arbeid av lysdesigner og scenograf. Leksjonen finner sted på grunnlag av Alexandrinsky Theatre under veiledning av sjefen for belysningsavdelingen Dmitry Yuryevich Pesotsky.
Hvordan lage en rytter? Ta kontakt med verten. Utleie av lysutstyr. Leksjonen ledes av Islamgazin Shamil, teknisk direktør for Guild of Masters eventbyrå.
Lys-visuell scenografi av konserten (på eksemplet med konserten "Butusov. 50 år"). Leksjonen ledes av Andrey Vladimirovich Melnik.
Gjennomgang av nyheter i lysutstyrsmarkedet. Leksjonen ledes av spesialister fra Stage Equipment and Technology LLC.

Skjult innhold
Logg inn for å se.
– Seminaret er nyttig. En utmerket mulighet til å se arbeidet til verkstedene fra innsiden, lære om enhetene og teknologiene som brukes i praksis, ”- Alexander Dmitriev, leder for belysningsavdelingen til Sakhalin International Theatre Center. A.P. Tsjekhov.

--------
For de som ikke kan komme til høsten:

Seminar "Lysdesigner" vil også bli holdt 10. - 14. desember 2012
Skjult innhold
Logg inn for å se.
Se vedlegg: 12.jpg
Se vedlegg: 22.jpg

Se hele innlegget

Et av problemene til det russiske teateret lysdesigner Og illuminator, sier Vladimir Lukasevich, sjeflysdesigner ved Mariinsky Theatre.

Hva lysdesigner- Dette er ikke en person som bare vet grundig lysteknologi, forsto Vladimir Lukasevich noen år etter å ha startet arbeidet i teatret. Derfor er han og vennen Mikhail Mikler, nå den viktigste lysdesigner Maly Opera Theatre, kom til produksjonsavdelingen til Leningrad State Institute of Theatre, Music and Cinematography (LGITMiK) i 1977 og ba om å undervise dem i henhold til programmet, som de selv kompilerte for seg selv. Til de generelle fagene som er tradisjonelle for produksjonsdesignere, la de fargeteori, elektronikk, synets fysiologi, persepsjonspsykologien, som tidligere ikke eksisterte i det hele tatt på dette fakultetet. Nå skal dette og mye mer læres i det nye kurset til produksjonsavdelingen i Teaterhøgskolen. På kurset Lysdesigner”, opprettet på initiativ av Lukasevich og leder. Avdeling for produksjonsfakultetet til V. M. Shepovalov.

Andres feil

Lysdesigner skaper sin rolle Sveta” i en forestilling, som i teorien (som alle andre komponenter i «rollen») skal få tilskueren til å både gråte og le, som er det teatret som helhet serverer. Hvordan kan du virkelig få en seer til å gråte hvis du ikke vet hvordan du skal presse tårekjertlene hans, hvis du ikke kjenner persepsjonens psykologi? Det er synets fysiologi, for eksempel loven om mørk tilpasning. Hvordan gjøre en endring når man "skjærer ned" på scenen slik at seeren ikke legger merke til det? Kanskje bare betale seg lys, men det vil ikke være nok, siden det ikke er fullstendig mørke i teatret - det er tross alt en orkestergrop, lamper nødutgang osv. Kanskje i dette tilfellet vil det være mer riktig å tilpasse publikums syn til noe økt lysstyrke for å forlenge betrakterens følelse av "mørke" til mørketilpasning inntreffer. Dette er ganske reelle verktøy... Og hvis du ikke vil ha fullstendig mørke, men ønsker en tilstand der betrakteren ser det som er nødvendig for handlingen, men ikke det du ville skjule? Selvfølgelig kan du øve lenge empirisk, se etter i hvilken grad, i hvilken lysstyrke og hvor lenge du trenger for å tilpasse seerens syn, eller du kan bare vite hvordan tilpasningskurven fungerer ... Vel, psykologien av fargeoppfatning går langt inn i historien, hvis røtter du finner i tibetansk filosofi og buddhistisk kultur. Gammelt indisk teater, for eksempel. Da et bakteppe av en viss farge, for eksempel grønt, ble senket ned i et indisk teater, forsto seeren umiddelbart at det handlet om melankoli. Det var både et symbol og et tegn for betrakteren. Vel, og så videre. Slike ting må selvfølgelig være kjent og forstått i utgangspunktet. Hvorfor grunnleggende utdanning er nødvendig - for ikke å starte fra bunnen av hver gang, vår favorittmetode for vår egen prøving og feiling.

Dessverre var det ingen skole i Russland der hele mengden kunnskap som er nødvendig for utdanning, ble samlet på ett sted. moderne lysdesigner. Det har alltid vært en overføring av håndverk fra mester til lærling. Men mestere som Klimovsky, Kutikov, Diaghilev, Drapkin, Sinyachevsky, Barkov, Volkov, Simonov, som jobbet på femti- og syttitallet, sa alltid: "Se hvordan jeg gjør det - og lær." Naturligvis etterlot de derfor få disipler. Og i dag vil det nok være riktig å si at for det meste er alle nåværende russiske lyskunstnere- selvlært. Basert kun på egen erfaring og intuisjon, starter de igjen og igjen fra det samme nullpunktet som forrige generasjon startet fra. Dette er essensen av konseptet "profesjonell skole" - det akkumulerer erfaring.

På de årlige seminarene for russisk lyskunstnere Lukasevich hørte mer enn en gang om praksisen med å jobbe i noen teatre, noe som er helt utenkelig i arbeid lysdesigner: "Og i vårt teater sier regissøren:" Filtrer denne lykten med rødt! Denne - med grønn! Pek den hit, sa jeg! Og denne - der! Gjør som jeg sa ...".

Dette er hva jeg vil kalle arbeid. illuminator,- vi vil belyse hvor de sier.

Moderne teater kan ikke fungere slik. Denne typen praksis ble foreldet for hundre år siden, og dette er selvfølgelig grunnsteinene til teateret på 1800-tallet. Men overraskende nok eksisterer den på et ganske stort antall steder trygt. Kanskje skyldes dette at våre regissører og kunstnere tradisjonelt ikke får tilstrekkelig utdannelse i spørsmål om "scenografi" og Sveta og hvordan dårlig utdannede mennesker er overbevist om at de «vet alt». Problemet er selvsagt tosidig. Utilstrekkelig utdanning på begge sider gir opphav til situasjoner med gjensidig mistillit, når regissøren ikke tror på kreativitet lysdesigner, lysdesigner - skinner, hvor de sier, og dermed i utgangspunktet utarmet verket som skapes.

Selvfølgelig er det ingen som argumenterer: sceneregissøren er skaperen og generatoren av ideen og konseptet til forestillingen som helhet. Men ikke spørsmålet om regissøren - hva lommelykt hvor du skal sende. Regissøren har andre oppgaver – å forholde seg til skuespillere, mise-en-scene, og så videre. Poenget er at lysdesigneren jobber med regissøren helt fra starten, når ideen fortsatt er under dannelse, før forestillingen øves inn på scenen. Innen artisten entrer scenen skal alt være klart. Absolutt alt for prøver, der «rollen Sveta”, i samme grad som enhver skuespillerrolle. Det er for sent å tenke. Det vil si at han må føde en poengsum Sveta, som faller på forestillingens konsept, utført sammen med regissøren. Å bygge ditt eget arbeid - å lage et fargeskjema som harmonerer ikke bare med kostymer og kulisser, men også med karakterene, og med musikken og alt annet. Kort sagt, han må lage sitt eget nøyaktige og estetisk verifiserte arbeid, regne ut lysresultatet. Ellers oppnås halvferdige forestillinger - "verker". I følge Lukasevich er et av problemene med det russiske teatret at vi ofte ikke skiller: hva er lysdesigner og hva er illuminator, som etter anmodning fra direktøren belyse skuespilleren - "slik at det kan sees", og kulissene - "slik at det er vakkert."

Utdanningsstandard

Drivkraften for oppstart av arbeidet med åpningen på Teaterhøgskolen av kurset " Lysdesigner”var Vladimirs invitasjon til University of Connecticut for å holde forelesninger om emnets historie i Russland. Amerikanere drev forresten med yrkesopplæring lyskunstnere siden 1936 virket den russiske opplevelsen interessant. Og Vladimir på sin side misunnet måten treningen deres er organisert på. Tross alt har dramafakultetet ved universitetet fire egne, velutstyrte teatre, der det settes opp 6-8 fullverdige forestillinger i året, av alle fakultetsstudentene. Dermed, lyskunstnere, akkurat som imidlertid, som skuespillere med regissører, er det en mulighet - og dette er til og med nødvendig - til å jobbe og illuminatorer, og redaktører, og regissører, det vil si å mestre teatret fra alle kanter. For kurset klarer de å slippe på egenhånd som lysdesignere 5–7 stk forestillinger. Følgelig, når de er ferdige med kurset, har de allerede en anstendig portefølje og kan være noe interessant for arbeidsgivere.

Vladimir Lukasevich hadde tidligere erfaring med å undervise (12 år) i teater lysteknikk ved produksjonsavdelingen til LGITMiK, og til og med flere kurs ble utgitt i spesialiteten "Artist-technologist" med spesialisering " Lysdesigner". Til slutt ble det klart at teoretisk sett, uten en anstendig teknisk base, gir dette kanskje ikke mening.

Du skjønner, det ble så galt. Alle forsøk på å lage en normal klasse ved fakultetet og samtidig på Mariinsky Theatre var mislykket. Og det viste seg at folk kom til oss for å studere, vi lærte dem, de ble uteksaminert fra videregående skole, fikk et vitnemål " lysdesigner” og var sikre på at det som sto i vitnemålet var sant. Men det var ikke sånn, eller ikke akkurat sånn. I hvert fall fordi de ikke hadde mulighet til å lære yrket i praksis. Og det viste seg at vi sa til personen at han var rød, men han var faktisk skallet. Men juks er fortsatt ikke bra. På grunn av dette, forberedelse lyskunstnere ble stoppet, men den er lett å lese lysteknologi det var ikke særlig interessant lenger.

Og videre. Etter å ha undervist i Amerika, ble jeg plaget av misunnelse: hvorfor er det mulig å lære av dem, men ikke fra oss? Tross alt, i dag har situasjonen lenge vært annerledes, og det er muligheter for å få en viss teknisk base, du trenger bare å jobbe med det. Og vi ble enige med Teaterhøgskolen om å åpne et tilsvarende kurs ved produksjonsavdelingen.

Det er i spesialiteten Lysdesigner»?

Her ligger et annet, stort og samtidig latterlig problem begravet. Hovedtanken var at det allerede fra første kurs skulle være et kurs lyskunstnere. Uten noen spesialiseringer der, for dette er fortsatt forskjellige ting: spesialisering og yrke. Men så kom vi over noe interessant. Det viste seg at i listen over yrker tilgjengelig i vårt land, lysdesigner Ja, men ikke på Kunnskapsdepartementets liste. Det vil si at det viser seg at yrket er slik, men ingen forstår hvem og hvordan som skal utdanne spesialister. Det er fullstendig tull.

For at dette yrket skal vises i listen ovenfor, må det foreligge en godkjent utdanningsstandard. Vi skrev denne standarden, men det er nok ingen i departementet som skal forholde seg til den, til å godkjenne den (på grunn av 8-15 kandidater i året).

Hva er denne utdanningsstandarden?

En liste over alle fag og kunnskap som en student må mestre for å bli profesjonell. Jeg inviterte til dette arbeidet min venn Jim Franklin, som en gang organiserte et lignende kurs ved University of Connecticut (nå en av de ledende skolene i vårt yrke i USA). Parallelt holdt han forelesninger ved Teaterhøgskolen i et helt semester. Samtidig ble dette temaet aktivt diskutert på møter og rundebord i foreningen lyskunstnere Russland. De knuste spyd. Det begynte med tull: Og hva skal det hete? lysdesigner eller noe annet? Men hva er lysdesigner? Jeg forstår ikke hvem som er lysdesigner. Hva er design generelt i vår forståelse? Tross alt, på engelsk samsvarer ikke ordet "designer" direkte med ordet "artist". Det er mer en konstruktør. Selv om dette heller ikke er helt sant. Til syvende og sist snakker vi om et yrke som er kreativt og skaper et visst visuelt spenn, som betyr en kunstner. Tross alt, utenom våre tvister, finnes det i profesjonsregisteret. Lysdesigner- dette er riktig.

På den annen side, hvordan lære å være kunstner? Det er nok umulig, det er mer sannsynlig fra mamma og pappa. Jeg tror at på akademiet vårt (som i et hvilket som helst annet kreativt universitet) handler det først og fremst om å gi en person et håndverk. Lage eksistensmetoder i yrket. Og hva han gjør med disse teknikkene, hvordan det blir realisert, avhenger av hans kreative potensial. Men yrket må læres. Russisk og utenlandsk teaterhistorie, materiell kulturhistorie, kunsthistorie, filosofi, scenografiteori, russisk og utenlandsk litteraturhistorie, perspektiv, tegning, beregning av teatralske strukturer, maleri, tegning, psykologi og persepsjonsfysiologi, historie teatralsk lys Og teatralsk kostyme, datamodellering og teorien om forestillingens romlige løsning ... Ja, vi har tatt med mye annet i Standard of Education. Lang liste.

For hva lysdesigner studere så mange humaniora?

Å bli utdannet, moderne. Hvordan foreslår du å jobbe med et skuespill, la oss si, eller en opera, uten å kjenne til historien, den materielle kulturen i epoken som forestillingen din handler om? Smal fagkunnskap kalte Karl Marx etter min mening «profesjonell kretinisme». For den brede kunnskapens skyld, selvfølgelig! Senere presenterte Jim (jeg var på turné på den tiden) programmet vårt i München på et seminar lyskunstnere hvor monstre av vårt yrke fra Europa og Amerika tradisjonelt samles. Og ifølge Jim ble kollegene litt overrasket: programmet ser enda mer seriøst ut enn det som finnes i USA i dag. Faktum er at det av en rekke grunner, for eksempel i USA, ikke er mulig å tilby et så bredt spekter av varer. Og St. Petersburg Theatre Academy har en enorm ressurs i denne forbindelse. Og jeg gikk for det bevisst, for i den amerikanske skolen var jeg veldig flau nettopp over begrensningene i form av kunnskap om historie, verdenserfaring, Europeisk teater, generelle utsikter. De vet kanskje ingenting om det russiske teatret, bortsett fra navnet Stanislavsky. Der, på universitetet, kom studenter til meg og fortalte om sprø ideer som de selv kom på. Og jeg måtte holde et foredrag om vår landsmann som jobbet for Dalcroze i Hellerau i 1912. «... Dette har allerede skjedd. I det fjortende året gjorde Nikolai Saltsman allerede alt dette ... ". Så lysdesigner er ikke bare kunnskap lommelykter. Dette er en detaljert kunnskap om emnet fra alle kanter.

Hva er kravene til opptaksprøver?

På grunn av at kurset er åpent spesifikt på Teaterhøgskolen, har vi, som på alle kreative universiteter, mulighet til å arrangere et utvalg studenter i to og en halv runde. Etter måten du ønsker.

Så for hva?

Jeg vil at studenten skal være smart og talentfull. Første kvalifiseringsrunde gikk slik. Hver søker mottok en reproduksjon av et maleri - et klassisk maleri. Basert på dette bildet var det nødvendig å tegne en plan, et sidesnitt - for å lage en angivelig teatralsk scene - og sette lys. I hendene på bare en blyant og papir. Det spilte ingen rolle for meg hvordan de kan tegne oppsett - de vil bli lært å tegne dem i fire år senere - det er viktig å forstå for det første hvor mye en person ser plass og for det andre hvor mye han ser lys i dette rommet. Dette er jesuittoppgaven jeg satte dem. Og til andre runde måtte du enten ta et bilde selv, eller finne utklipp fra blader med bilder der lys spilte en viss rolle. Og snakk om det. Og ikke de enkleste spektakulære bildene, der for eksempel solen står opp bak skogen og et kraftig "baklys" lys er synlig, men noe mer komplekst, mangefasettert. Det var et par problemer til fra skolens fysikk og tegning. Deretter - et intervju, da alle lærerne på avdelingen spurte søkerne om teater, litteratur, musikk. For å forstå hvor teatralsk person er og fra teamet vårt. Dermed ble åtte personer valgt ut (selv om jeg i utgangspunktet antok et kurs på seks). Vi håper virkelig at de kommer ut av det.

Og nyutdannede vil sette lys på de beste kinoene i verden?

Jeg vil selvfølgelig gjerne. Jeg tror det først og fremst avhenger av dem. Det som avhenger av oss på fakultetet, tror jeg vi kommer til å gjøre. Og så - hvordan livet vil føre. Kanskje ikke teater, hvem vet. Det handler om det faktum at lysdesigner- Dette lysdesigner. OG lys han kan sette den opp hvor som helst: i et kasino, i et teater ... Lys opp Kazan-katedralen eller museumsutstillinger. Dette er et yrke. Og hun kan søke på hva som helst. Spørsmålet er at en person forstår hva han gjør. Selvfølgelig er det en spesialisering - arkitektonisk belysning, teaterlys, konsertlys. Men dette er alle forskjellige emner i kurset. EN lysdesigner må finne ut hvordan den beste måten belyse dette eller det. Jeg vil for eksempel gjerne se arkitektonisk belysning Petersburg er ikke hva det er i dag. Tross alt er St. Petersburg et fantastisk dramatisk miljø. Vel, kanskje Dostojevskijs Petersburg være opplyst akkurat som Pushkins Petersburg - dette er forskjellige byer! OG lys, og miljøet i disse forskjellige byene bør gjøres annerledes. Vel, i det minste av estetiske grunner. Og vi har all belysningen - lommelykter: det var mørkt, det ble lyst - det er hele fremgangen. Det er det samme med teater – problemer med samme rot. Men denne perioden vil til slutt gå over. Forhåpentligvis ikke uten vår hjelp.

Vladimir Lukasevich ble født i Odessa i 1956. I en alder av femten år gikk han inn på Leningrad Film Technology School med en grad i teaterlysdesigner. I en alder av sytten år gjorde han sin første forestilling som lysdesigner ved Ryazan Regional Drama Theatre. Uteksaminert fra Leningrad Institute of Theatre, Music and Cinematography. Iscenesatte forestillinger i mange dramateatre Russland. Jobbet i teateret. V. F. Komissarzhevskaya med folks artist USSR R.S. Agamirzyan. Han underviste ved LGITMiK i faget "Artist-Technologist" med fordypning "Artist in Lighting". Siden 1985 har han jobbet ved Mariinsky Theatre som sjef for lysdesigner. Han underviser ved University of Connecticut. Han setter på lys i forestillinger ikke bare i St. Petersburg, men også på scenene til opera- og ballettteatre rundt om i verden. Han har mer enn 300 forestillinger, klassiske og avantgarde produksjoner: Boris Godunov, Nøtteknekkeren, Lohengrin, Parsifal, Tornerose, Samson og Delilah, Corsair, Firebird, "Parsley", "La Traviata", "Copelia" , "Carmen", "Theme with Variations", "Manon", "The Tale of Tsar Saltan", "Ariadne auf Naxos" og andre ... Forestillingene designet av ham gikk og gikk på mange arenaer rundt om i verden - Spoletto Festival USA, La Scala, Opera Bordeaux, Royal Opera Covent Garden, Opera Marseille, New Israeli Opera, New National Opera in Tokyo. For åtte år siden, ifølge prosjektet hans, ble det laget en unik rekonstruksjon av lysutstyret til spotlightene ved Mariinsky Theatre, og en lysteknologi med helautomatisk kontroll. Vladimir Lukasevich er et av medlemmene i styret til Association of Lighting Artists of Russia og i regi av denne foreningen og Theatre Academy of St. Petersburg gjennomfører årlige seminarer for avansert opplæring av lyskunstnere. Og i år holdt iscenesettelsen ved Teaterhøgskolen på hans initiativ for første gang et sett for kurset «Lysdesigner».

Liste over emner for det 5-årige studiet i spesialiteten "Lighting Designer"
Fremmed språk
Fysisk kultur
Nasjonal historie:
Verden historisk prosess i Russland
Hjemlandets historie
Filosofi:
Grunnleggende om filosofisk kunnskap
Kunstfilosofi (estetikk)
Kulturologi
Psykologi og pedagogikk
Russisk språk og talekultur
Sosiologi
Historien om russisk litteratur
Historie om utenlandsk litteratur
Historie om utenlandsk dramaturgi
Teaterhistorie
Historie om utenlandsk teater
Historien om det russiske teateret
Fin kunsthistorie
Historie om utenlandsk kunst
Historien om russisk kunst
Historie om materiell kultur og liv
Tegning og maling
Teaterbygninger og strukturer
Organisering av teatervirksomhet i Russland
Teatersminke og pastige
Livssikkerhet
Historien om russisk musikk og musikkteater
Historie om utenlandsk musikk og musikk. teater
St. Petersburgs historie
Teatersikkerhet
Sceneutstyr (lys)
Dramaturgisk analyse
Teori om scenografi
Teaterlysets historie
Scenografisk komposisjon
Kunstnerisk teknologi
Teaterproduksjonsteknologi
Sceneapparat og utstyr
Grunnleggende om perspektiv og layout
Beregning av teatralske strukturer
Scenekostymeteknologi
Kunstnerisk lysteknologi
Historie om teater- og dekorativ kunst
Kostymehistorie
Grunnleggende om arkitektur
Tegning og beskrivende geometri
Teaterlysutstyr
lys og farge
Lett poengsum, grafikk
Persepsjonspsykologi
Teaterlysteknologi
Elektronikk
Lysets estetikk
Datasimulering av lys
Spesialisert programvare
Lys i musikkteater
Lys i Dramataten
Arkitektonisk lysdesign
Lys til konsertprogrammer

Bøker

Oppslagsbok om lysteknikk

Moskva hus Sveta og Znak forlag forbereder den tredje utgaven av Reference Book på slutten av 2005. lysteknikk».
De to første utgavene ble utgitt i 1983 og 1995. I løpet av denne tiden har Lighting Engineering Reference Book, utgitt i et opplag på 65 000 eksemplarer, blitt en oppslagsbok for de fleste spesialister og samtidig en lærebok innen mange områder innen lysteknikk.
Den nye utgaven utmerker seg ved en mye større fullstendighet av materialer, presentasjon av de nyeste regulatoriske data, metoder og metoder for beregning, design og lysdesign, fullfargedesign og trykk på papir av høy kvalitet. I den nye, tredje utgaven, seksjonene " Kilder til lys"," Forkoblinger og lysstyringssystemer", metoder for beregning og design ble revidert på grunnlag av bred bruk datateknologi. Nye kapitler i boken: Lett design», « Lys og helse", "Energisparing i lysinstallasjoner", " undervannsbelysning", "Lysteknikkens historie".
"Håndbok for lysteknikk" ment for et stort spekter lysspesialister, elektrikere, arkitekter, hygienikere, leger, arbeidsvernarbeidere knyttet til bruk av natur- og kunstig belysning, utvikling og produksjon belysningsprodukter, design, installasjon og drift av lysinstallasjoner.
"Håndbok for lysteknikk vil også bli gitt ut på CD.
Du kan bestille referanseboken om lysteknikk på House of Light. Adressen hans:
Russland, 129626, Moskva, Prospect Mira, 106, av. 346
Tlf./Faks: (095) 682–19–04, tlf. (095) 682–26–54
E-post: Lys- [e-postbeskyttet]

Ballade av lys

«Hun er over 120 år gammel, men hun ser ikke ut som hennes alder. Uansett hvor mange nye lyskilder som konkurrerer med den, forblir den den vakreste av alle. En ting som forblir uendret i sin klassiske form, et eksempel på perfekt design, som det ikke er noe å legge til og ingenting å ta fra. I mange tilfeller mye vakrere enn alle lampeskjermene og lamper som de nå pryder og dekker det med.
Slik begynner en ny, nettopp utgitt bok dedikert til historiens første mye brukte elektriske apparat. Boken har over 200 illustrasjoner. Teksten er strukturert rundt tre hovedtemaer: de tekniske aspektene ved introduksjonen av lyspærer, reklame og grafikk fra mange tidligere upubliserte dokumenter, og til slutt, "ord om lys» - poeters og forfatteres syn på studieobjektet.
Denne boken er en 144-siders langstemmet bønn til lyspæren, med et ypperlig minimalistisk omslag som gjenskaper en plakat fra 1912 bestilt av AEG av Peter Beechrens. Boken gir seg ikke ut for å være en teknisk avhandling eller en lærebok i lysteknologi, den er et «illustrert atlas» som er en fornøyelse å lese. Til og med tittelen minner om Sveta bringe glede og lykke.
Teksten åpner med dikt av den russiske poeten Vladimir Majakovskij dedikert til den elektriske lyspæren og dens brennende hjerte. Boken avsluttes med replikkene til den store amerikanske nevrologen Oliver Sacks: et fragment av selvbiografisk prosa om favorittmetallene hans - osmium, wolfram og tantal, som filamenter i lamper er laget av. Mellom disse to lysende stengene strekker seg fem deler av boken: «Myth and Beauty», «Edison and his kind», «War against gas», «Workshops of Light», «Our Time». Workshops of Light inneholder seks biografier om de viktigste selskapene og uttømmende beskrivelser av utallige kommersielle merkevarer. Forfatteren er ikke ny for slike publikasjoner. I 1995 publiserte Lupetti sin "Signs of Light", nå så godt som utsolgt. Akkompagnert av illustrasjoner er det enkelt og hyggelig å navigere gjennom lyspærereklamens historie med litt tekniske detaljer og kulturelle digresjoner. Faktisk løfter en tredjedel av volumet - dens siste del - sjarmen Sveta på en høy pidestall skapt av dikternes ord.
Materialer levert av portalen Sveta
www.lightingacademy.org

Finn ut hvor du kan få tak i bladet, du kan ...