Utenlandske kunstnere fra renessansen. Store italienske renessansekunstnere

Sandro Botticelli(1. mars 1445 -- 17. mai 1510) -- dyp religiøs mann, arbeidet i alle større kirker i Firenze og i Det sixtinske kapell i Vatikanet, men i kunsthistorien forble han først og fremst som forfatter av poetiske lerreter i storformat om emner inspirert av klassisk antikken - "Våren" og "Fødselen til Venus". .

Botticelli var lenge i skyggen av renessansegigantene som jobbet etter ham, helt til han var i midten av det nittendeårhundre gjenoppdaget av de britiske prerafaelittene, som aktet den skjøre lineariteten og vårfriskheten til sine modne lerreter som det høyeste punktet i utviklingen av verdenskunst.

Født i familien til en velstående borger Mariano di Vanni Filipepi. Fikk god utdannelse. Han studerte maleri hos munken Filippo Lippi og overtok fra ham den lidenskapen i å skildre rørende motiver som kjennetegner Lippis historiske malerier. Så jobbet han for den berømte billedhuggeren Verrocchio. I 1470 organiserte han sitt eget verksted.

Han adopterte subtiliteten og presisjonen til linjene fra sin andre bror, som var gullsmed. I noen tid studerte han med Leonardo da Vinci i verkstedet til Verrocchio. Det originale trekk ved Botticellis eget talent er hans tilbøyelighet til det fantastiske. Han var en av de første som introduserte eldgamle myter og allegori i sin tids kunst, og han arbeidet med spesiell kjærlighet med mytologiske emner. Spesielt spektakulær er Venus hans, som svømmer naken på havet i et skjell, og vindens guder overøser henne med et regn av roser, og driver skallet til land.

Den beste kreasjonen av Botticelli regnes for å være freskene han begynte i 1474 i Det sixtinske kapell i Vatikanet. Fullførte mange malerier på oppdrag fra Medici. Spesielt malte han banneret til Giuliano Medici, bror til Lorenzo the Magnificent. På 1470- og 1480-tallet blir portrettet uavhengig sjanger i arbeidet til Botticelli ("Mann med en medalje", ca. 1474; "Ung mann", 1480-årene). Botticelli ble berømt for sin delikate estetiske smak og for verk som The Annunciation (1489-1490), The Abandoned Woman (1495-1500), etc. i fjor av sitt liv, Botticelli, tilsynelatende, forlot maleriet ..

Sandro Botticelli er gravlagt i familiegraven i Ognisanti-kirken i Firenze. Ifølge testamentet ble han gravlagt nær graven til Simonetta Vespucci, som inspirerte mest vakre bilder mestere.

Leonardo di Ser Piero da Vinci(15. april 1452, landsbyen Anchiano, nær byen Vinci, nær Firenze - 2. mai 1519, - den store italienske kunstneren (maler, skulptør, arkitekt) og vitenskapsmann (anatom, naturforsker), oppfinner, forfatter, en av store representanter kunst fra høyrenessansen, et godt eksempel på det "universelle mennesket". .

Leonardo er først og fremst kjent for vår samtid som kunstner. I tillegg er det mulig at da Vinci kunne vært en skulptør: forskere fra universitetet i Perugia - Giancarlo Gentilini og Carlo Sisi - hevder at terrakottahodet de fant i 1990 er det eneste skulpturelle verket til Leonardo da Vinci som har kommet ned. til oss. Imidlertid betraktet da Vinci selv i forskjellige perioder av livet seg først og fremst som en ingeniør eller vitenskapsmann. Han viet ikke mye tid til kunsten og arbeidet ganske sakte. Derfor kunstnerisk arv Leonardo er ikke stort i antall, og en rekke av verkene hans har gått tapt eller hardt skadet. Men hans bidrag til verden kunstnerisk kultur er ekstremt viktig selv på bakgrunn av kohorten av genier som den italienske renessansen ga. Takket være hans arbeid, flyttet malerkunsten til en kvalitativ ny scene av dens utvikling. Renessansekunstnerne som gikk foran Leonardo, forlot bestemt mange av konvensjonene for middelalderkunst. Det var en bevegelse mot realisme og mye har allerede blitt oppnådd i studiet av perspektiv, anatomi, større frihet i komposisjonsbeslutninger. Men når det gjelder maleriskhet, arbeid med maling, var kunstnerne fortsatt ganske konvensjonelle og begrensede. Linjen i bildet skisserte motivet tydelig, og bildet hadde et utseende som en malt tegning. Det mest betingede var landskapet, som spilte mindre rolle. .

Leonardo innså og implementerte en ny maleteknikk. Linjen hans har rett til å bli uskarp, for det er slik vi ser det. Han innså fenomenet lysspredning i luften og utseendet til sfumato - dis mellom betrakteren og det avbildede objektet, som myker opp fargekontraster og linjer. Som et resultat flyttet realismen i maleriet til et kvalitativt nytt nivå. . renessansemaleri botticelli renessanse

Rafael Santi(28. mars 1483 - 6. april 1520) - den store italienske maleren, grafikeren og arkitekten, representant for den umbriske skolen ..

Sønnen til maleren Giovanni Santi gjennomgikk en innledende kunstnerisk opplæring i Urbino sammen med sin far Giovanni Santi, men i ung alder havnet han i atelieret fremragende kunstner Pietro Perugino. Nøyaktig kunstnerisk språk og figurativiteten til Peruginos malerier, med deres gravitasjon mot en symmetrisk balansert komposisjon, klarhet i romlig oppløsning og mykhet i løsning av farger og lyssetting, hadde en primær innflytelse på måten den unge Rafael hadde.

Det er også nødvendig å fastsette at den kreative stilen til Raphael inkluderte en syntese av teknikker og funn fra andre mestere. Først stolte Raphael på opplevelsen til Perugino, senere på sin side - på funnene til Leonardo da Vinci, Fra Bartolomeo, Michelangelo. .

Tidlige arbeider("Madonna Conestabile" 1502-1503) er gjennomsyret av ynde, myk lyrikk. Menneskets jordiske eksistens, harmonien i åndelig og fysisk styrke glorifisert i veggmaleriene i Vatikanets rom (1509-1517), etter å ha oppnådd en upåklagelig følelse av proporsjoner, rytme, proporsjoner, eufoni av farger, enhet av figurer og majestetiske arkitektoniske bakgrunner ..

I Firenze, etter å ha kommet i kontakt med verkene til Michelangelo og Leonardo, lærte Raphael av dem det anatomisk riktige bildet av menneskekroppen. I en alder av 25 drar kunstneren til Roma, og fra det øyeblikket begynner perioden med den høyeste blomstringen av hans verk: han utfører monumentale veggmalerier i Vatikanpalasset (1509--1511), blant annet det ubestridte mesterverket til mester - fresken "The School of Athens", skriver alterkomposisjoner og staffeli-malerier, preget av harmonien mellom design og utførelse, fungerer som arkitekt (i noen tid fører Raphael til og med tilsyn med byggingen av St. Peters katedral). I den utrettelige jakten på sitt ideal, legemliggjort for kunstneren i bildet av Madonnaen, skaper han sin mest perfekte skapelse – den «sixtinske madonna» (1513), et symbol på moderskap og selvfornektelse. Maleriene og veggmaleriene til Raphael ble anerkjent av hans samtidige, og snart ble Santi en sentral skikkelse i Romas kunstneriske liv. Mange adelige mennesker i Italia ønsket å gifte seg med kunstneren, inkludert Raphaels nære venn kardinal Bibbiena. Kunstneren døde i en alder av trettisju av hjertesvikt. De uferdige maleriene av Villa Farnesina, Vatikanets loggiaer og andre arbeider ble fullført av Raphaels studenter i henhold til hans skisser og tegninger.

En av de største representantene for kunsten fra høyrenessansen, hvis malerier er preget av den vektlagte balansen og harmonien i helheten, balansen i komposisjonen, regelmessigheten i rytmen og den delikate bruken av fargemulighetene. Upåklagelig kommando over linjen og evnen til å generalisere og fremheve det viktigste gjorde Raphael til en av tidenes mest fremragende tegningsmestere. Arven etter Raphael fungerte som en av pilarene i prosessen med dannelsen av europeisk akademiskisme. Tilhengere av klassisismen - Carracci-brødrene, Poussin, Mengs, David, Ingres, Bryullov og mange andre kunstnere - fremhevet arven etter Raphael som det mest perfekte fenomenet i verdenskunsten.

Titian Vecellio(1476/1477 eller 1480-1576) - italiensk renessansemaler. Navnet Titian er på nivå med slike renessanseartister som Michelangelo, Leonardo da Vinci og Raphael. Titian malte bilder om bibelske og mytologiske emner, han ble berømt som portrettmaler. Han ble bestilt av konger og paver, kardinaler, hertuger og fyrster. Titian var ikke engang tretti år gammel da han ble anerkjent som den beste maleren i Venezia.

Fra hans fødested (Pieve di Cadore i provinsen Belluno) blir han noen ganger kalt da Cadore; også kjent som Titian the Divine.

Titian ble født inn i familien til Gregorio Vecellio, en statsmann og militærfigur. I en alder av ti ble han sendt sammen med sin bror til Venezia for å studere med den kjente mosaikeren Sebastian Zuccato. Noen år senere gikk han inn i studioet til Giovanni Bellini som lærling. Han studerte med Lorenzo Lotto, Giorgio da Castelfranco (Giorgione) og en rekke andre artister som senere ble kjent.

I 1518 maler Titian maleriet "The Ascension of the Mother of God", i 1515 - Salome med hodet til døperen Johannes. Fra 1519 til 1526 maler han en rekke altere, inkludert alteret til Pesaro-familien.

Titian levde langt liv. Før De siste dagene han sluttet ikke å jobbe. Min siste bilde, "Kristi klage", skrev Titian for sin egen gravstein. Kunstneren døde av pesten i Venezia 27. august 1576, etter å ha fått sykdommen fra sønnen mens han pleiet ham.

Keiser Charles V tilkalte Titian til seg selv og omringet ham med ære og respekt og sa mer enn en gang: «Jeg kan skape en hertug, men hvor kan jeg få tak i en ny Titian.» Da kunstneren en dag slapp børsten sin, tok Charles V den opp og sa: «Det er ærefullt å tjene Tizian selv til keiseren». Både den spanske og franske kongen inviterte Titian til sitt sted for å slå seg ned ved hoffet, men kunstneren, etter å ha fullført ordrene, returnerte alltid til hjemlandet Venezia.Et krater på Merkur ble navngitt til ære for Titian. .

Italia er et land som alltid har vært kjent for sine artister. De store mesterne som en gang bodde i Italia glorifiserte kunst over hele verden. Vi kan med sikkerhet si at hvis det ikke var for de italienske kunstnerne, skulptørene og arkitektene, ville verden sett veldig annerledes ut i dag. Den mest betydningsfulle i italiensk kunst, selvfølgelig, teller som . Italia i renessansen eller renessansen nådde en enestående vekst og velstand. Talentfulle artister, skulptører, oppfinnere, ekte genier som dukket opp i de dager er fortsatt kjent for hvert skolebarn. Deres kunst, kreativitet, ideer, utvikling i dag regnes som klassikere, kjernen som verdens kunst og kultur er bygget på.

En av de mest kjente genier den italienske renessansen er selvfølgelig en stor Leonardo da Vinci(1452-1519). Da Vinci var så begavet at han oppnådde stor suksess på mange aktivitetsområder, bl.a kunst og vitenskap. En annen kjent kunstner som er en anerkjent mester er Sandro Botticelli(1445-1510). Botticellis malerier er en ekte gave til menneskeheten. I dag er dens tette i de fleste kjente museer verden og er virkelig uvurderlige. Ikke mindre kjent enn Leonardo da Vinci og Botticelli er Rafael Santi(1483-1520), som levde i 38 år, og i løpet av denne tiden klarte å lage et helt lag med fantastisk maleri, som ble et av de lyseste eksemplene på den tidlige renessansen. Nok et stort geni italiensk renessanse er uten tvil Michelangelo Buonarotti(1475-1564). I tillegg til å male, var Michelangelo engasjert i skulptur, arkitektur og poesi, og oppnådde store resultater innen disse kunstene. Statuen av Michelangelo kalt "David" regnes som et uovertruffen mesterverk, et eksempel på den høyeste prestasjonen av skulpturkunsten.

I tillegg til artistene nevnt ovenfor, var de største kunstnerne i Italia i renessansen slike mestere som Antonello da Messina, Giovanni Bellini, Giorgione, Titian, Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Domenico Fetti, Bernardo Strozzi, Giovanni Battista Tiepolo, Francesco Guardi og andre.. Alle var det et godt eksempel deilig venetiansk skole maleri. Til den florentinske skolen italiensk maleri tilhører slike artister som: Masaccio, Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno, Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Fra Bartolommeo, Andrea del Sarto.

For å liste opp alle kunstnerne som arbeidet under renessansen, så vel som under senrenessansen, og århundrer senere, som ble kjent for hele verden og glorifiserte malerkunsten, utviklet de grunnleggende prinsippene og lovene som ligger til grunn for alle typer og sjangre av kunst, kanskje det vil ta flere bind å skrive, men denne listen er nok til å forstå at de store italienske kunstnerne er selve kunsten vi kjenner, som vi elsker og som vi vil sette pris på for alltid!

Malerier av store italienske kunstnere

Andrea Mantegna - Fresco in the Camera degli Sposi

Giorgione - Tre filosofer

Leonardo da Vinci - Mona Lisa

Nicolas Poussin - Scipios storsind

Paolo Veronese - Slaget ved Lepanto

Renessansen begynte i Italia. Den fikk navnet sitt på grunn av den skarpe intellektuelle og kunstneriske oppblomstringen som begynte på 1300-tallet og i stor grad påvirket det europeiske samfunnet og kulturen. Renessansen kom ikke bare til uttrykk i malerier, men også i arkitektur, skulptur og litteratur. De mest fremtredende representantene for renessansen er Leonardo da Vinci, Botticelli, Titian, Michelangelo og Raphael.

I disse tider var malernes hovedmål realistisk bilde menneskekroppen, så de malte hovedsakelig mennesker, avbildet forskjellige religiøse emner. Prinsippet om perspektiv ble også oppfunnet, noe som åpnet for nye muligheter for kunstnere.

Firenze ble sentrum for renessansen, fulgt av Venezia, og senere, nærmere 1500-tallet, Roma.

Leonardo er kjent for oss som en talentfull maler, skulptør, vitenskapsmann, ingeniør og arkitekt fra renessansen. I det meste av livet jobbet Leonardo i Firenze, hvor han skapte mange mesterverk kjent over hele verden. Blant dem: "Mona Lisa" (ellers - "Gioconda"), "Lady with an Ermine", "Madonna Benois", "John the Baptist" og "St. Anna med Maria og Kristusbarnet.

Denne artisten er gjenkjennelig på grunn av den unike stilen han utviklet gjennom årene. Han malte også veggene til Det sixtinske kapell etter personlig anmodning fra pave Sixtus IV. Botticelli malte kjente malerier på mytologiske temaer. Slike malerier inkluderer "Våren", "Pallas og kentauren", "Venus fødsel".

Titian var leder for den florentinske kunstnerskolen. Etter hans lærer Bellinis død, ble Titian den offisielle, generelt anerkjente kunstneren i den venetianske republikken. Denne maleren er kjent for sine portretter på religiøse temaer: "The Ascension of Mary", "Danae", "Earthly Love and Heavenly Love".

Den italienske poeten, skulptøren, arkitekten og kunstneren avbildet mange mesterverk, hvorav den berømte statuen av "David" laget av marmor. Denne statuen har blitt en stor attraksjon i Firenze. Michelangelo malte hvelvet til Det sixtinske kapell i Vatikanet, som var stor ordre Pave Julius II. I løpet av arbeidet hans ga han mer oppmerksomhet til arkitektur, men ga oss "Korsfestelsen av St. Peter", "Begravelsen", "Skapelsen av Adam", "Spåmannen".

Hans arbeid ble dannet under stor innflytelse fra Leonardo da Vinci og Michelangelo, takket være hvem han fikk uvurderlig erfaring og dyktighet. Han malte seremonihallene i Vatikanet, og representerte menneskelig aktivitet og skildrer forskjellige scener fra Bibelen. Blant kjente malerier Rafael - " sixtinske madonna”, “Three Graces”, “Saint Michael and the Devil”.

Ivan Sergeevich Tseregorodtsev

Folkene i Europa forsøkte å gjenopplive skattene og tradisjonene som gikk tapt på grunn av endeløse utryddelseskriger. Kriger tok mennesker bort fra jordens overflate, og de store tingene som mennesker skapte. Ideen om å gjenopplive høy sivilisasjon eldgamle verden levendegjort filosofi, litteratur, musikk, fremveksten av naturvitenskapene og mest av alt kunstens oppblomstring. Tiden krevde sterke, utdannede mennesker som ikke var redde for noe arbeid. Det var i deres midte at fremveksten av de få geniene som kalles "renessansens titaner" ble mulig. De vi bare kaller ved fornavn.

Renessansen var først og fremst italiensk. Derfor er det ikke overraskende at det var i Italia kunsten i denne perioden nådde sin høyeste vekst og blomstret. Det er her det er dusinvis av navn på titaner, genier, store og rett og slett talentfulle artister.

MUSIKK LEONARDO.

For en heldig mann! mange vil si om ham. Han var utstyrt med sjelden helse, kjekk, høy, blåøyd. I ungdommen hadde han blonde krøller, med en stolt statur som minner om Donatellas St. George. Han hadde uhørt og modig styrke, maskulin dyktighet. Han sang fantastisk, foran publikum komponerte han melodier og dikt. spilt på noen musikk Instrument Dessuten skapte han dem selv.

For kunsten til Leonardo da Vinci fant aldri samtidige og etterkommere andre definisjoner enn "strålende", "guddommelig", "flott". De samme ordene gjelder for hans vitenskapelige avsløringer: han oppfant en tank, en gravemaskin, et helikopter, en ubåt, en fallskjerm, et automatisk våpen, en dykkerhjelm, en heis, bestemte de tøffeste problemene akustikk, botanikk, medisin, kosmografi, laget et prosjekt for et rundt teater, oppfant en klokkependel et århundre tidligere enn Galileo, tegnet dagens vannski, utviklet teorien om mekanikk.

For en heldig mann! - mange vil si om ham og begynne å huske hans elskede prinser og konger, som lette etter bekjentskaper med ham, briller og ferier som han fant opp som kunstner, dramatiker, skuespiller, arkitekt og hadde det gøy med dem som et barn.

Men var den utrettelige langlever Leonardo lykkelig, hvis hver dag ga mennesker og verden forsyn og innsikt? Han forutså den forferdelige skjebnen til sine kreasjoner: ødeleggelsen av "Nattverden", skytingen av monumentet til Francesca Sforza, lav handel og sjofel tyveri av dagbøkene hans, arbeidsbøkene. Til sammen har bare seksten malerier overlevd frem til i dag. Få skulpturer. Men mange tegninger, kodede tegninger: som heltene i moderne science fiction, endret han detaljene i designet sitt, som om slik at den andre ikke kunne bruke den.

Leonardo da Vinci jobbet i forskjellige typer og kunstsjangre, men maleriet ga ham den største berømmelse.

Et av Leonardos tidligste malerier er Madonna med en blomst eller Benois Madonna. Allerede her fremstår kunstneren som en sann innovatør. Han overvinner grensene for det tradisjonelle plottet og gir bildet en bredere, universell betydning, som er mors glede og kjærlighet. I dette verket ble mange trekk ved kunstnerens kunst tydelig manifestert: en klar sammensetning av figurer og volum av former, et ønske om konsisitet og generalisering og psykologisk uttrykksevne.

Maleriet "Madonna Litta" var en fortsettelse av det påbegynte emnet, der et annet trekk ved kunstnerens arbeid ble tydelig manifestert - leken med kontraster. Temaet ble fullført med maleriet "Madonna i grotten", som markerer den ideelle komposisjonsløsningen, takket være hvilken de avbildede figurene til Madonna, Kristus og englene smelter sammen med landskapet til en enkelt helhet, utstyrt med rolig balanse og harmoni.

En av høydepunktene i Leonardos arbeid er fresken " siste måltid» i spisesalen til klosteret Santa Maria Della Grazie. Dette verket imponerer ikke bare med sin generelle komposisjon, men også med sin nøyaktighet. Leonardo formidler ikke bare apostlenes psykologiske tilstand, men gjør det i det øyeblikket den når kritisk punkt, blir til en psykologisk eksplosjon og konflikt. Denne eksplosjonen er forårsaket av Kristi ord: "En av dere vil forråde meg." I dette arbeidet utnyttet Leonardo metoden for konkret sammenstilling av figurer, takket være hvilken hver karakter fremstår som en unik individualitet og personlighet.

Det andre høydepunktet av Leonards arbeid var kjent portrett Mona Lisa, eller "La Gioconda". Dette verket markerte starten på sjangeren psykologisk portrett V Europeisk kunst. Da den ble opprettet Stor mester brukte briljant hele arsenalet av midler kunstnerisk uttrykksevne: skarpe kontraster og myke undertoner, frossen immobilitet og generell flyt og variasjon, de mest subtile psykologiske nyansene og overgangene. Hele genialiteten til Leonardo ligger i det utrolig livlige utseendet til Mona Lisa, hennes mystiske og gåtefulle smil, mystisk dis som dekker landskapet. Dette verket er et av de sjeldneste kunstverkene.

Alle som så Gioconda hentet fra Louvre i Moskva husker minuttene av deres fullstendige døvhet nær dette lille lerretet, spenningen av alt det beste i seg selv. Gioconda så ut til å være en "marsboer", en representant for det ukjente - det må være fremtiden, og ikke fortiden til den menneskelige stammen, legemliggjørelsen av harmoni, som verden ikke har lei av og aldri vil bli lei av å drømme om .

Det er mye mer å si om ham. Overrasket over at dette ikke er fiksjon eller fantasi. Her kan vi for eksempel huske hvordan han foreslo å flytte katedralen i San Giovanni - slikt arbeid forbløffer oss, innbyggerne i det tjuende århundre.

Leonardo sa: god artist må kunne skrive to hovedting: en person og en representasjon av hans sjel. Eller sies det om "Columbine" fra St. Petersburg Eremitage? Noen forskere kaller det, og ikke Louvre-lerretet, «La Gioconda».

Gutten Nardo, det var navnet hans i Vinci: den uekte sønnen til en notarist, som anså fugler og hester for å være de beste skapningene på jorden. Elsket av alle og ensomme, bøyer stålsverd og tegner hengte menn. Oppfinner av broen over Bosporos og perfekt by, vakrere enn Corbusier og Niemeyers. Synger med en myk barytonstemme og får Mona Lisa til å smile. I en av de siste notatbøkene skrev denne heldige mannen: "Det virket for meg som om jeg lærte å leve, men jeg lærte å dø." Imidlertid oppsummerte han det så: "Et liv godt levd er et langt liv."

Er det mulig å være uenig med Leonardo?

SANDRO BOTTICELLI.

Sandro Botticelli ble født i Firenze i 1445 i familien til en skinngarver.

Det første originale verket av Botticelli regnes for å være The Adoration of the Magi (ca. 1740), hvor hovedegenskapen til hans originale måte, drømmende og subtil poesi, allerede har påvirket fullt ut. Han var begavet med en medfødt sans for poesi, men et tydelig snev av kontemplativ tristhet lyste gjennom ham bokstavelig talt i alt. Til og med den hellige Sebastian, plaget av pilene til sine plageånder, ser ettertenksomt og løsrevet på ham.

På slutten av 1470-tallet kom Botticelli nær kretsen til den faktiske herskeren i Firenze, Lorenzo Medici, med kallenavnet The Magnificent. I de luksuriøse hagene til Lorenzo samlet et samfunn av mennesker seg, sannsynligvis de mest opplyste og talentfulle i Firenze. Det var filosofer, poeter, musikere. En atmosfære av beundring for skjønnhet hersket, og ikke bare kunstens skjønnhet, men også livets skjønnhet ble verdsatt. Antikken, oppfattet imidlertid gjennom prisme av senere filosofiske lag, ble ansett som prototypen på ideell kunst og ideelt liv. Uten tvil, under påvirkning av denne atmosfæren, den første stort bilde Botticelli "Primavera (vår)". Dette er en drømmeaktig, raffinert, fantastisk vakker allegori om den evige syklus, den konstante fornyelsen av naturen. Den er gjennomsyret av den mest komplekse og lunefulle musikalske rytmen. Flora-skikkelsen, dekorert med blomster, dansende nådegaver i Edens hage, var bilder av skjønnhet som ennå ikke var sett på den tiden og derfor gjorde et spesielt fengslende inntrykk. Den unge Botticelli tok umiddelbart en fremtredende plass blant mesterne i sin tid.

Det var det høye ryktet til den unge maleren som sikret ham en ordre på bibelske fresker til Vatikanets sixtinske kapell, som han opprettet på begynnelsen av 1480-tallet i Roma. Han malte "Scener fra Moses' liv", "Straffen til Korah, Dathan og Aviron", og viste utrolig komposisjonsferdigheter. Den klassiske roen i de gamle bygningene, som Botticelli utfoldet handlingen mot, står i skarp kontrast til den dramatiske rytmen til de avbildede karakterene og lidenskapene; bevegelsen av menneskekropper er kompleks, intrikat, mettet med eksplosiv kraft; man får inntrykk av rystende harmoni, forsvarsløshet i den synlige verden før tidens og menneskelige viljes raske angrep. Freskene i Det sixtinske kapell uttrykte for første gang den dype angsten som levde i Botticellis sjel, som vokste seg sterkere over tid. Det fantastiske talentet til Botticelli som portrettmaler ble reflektert i disse freskene: hvert av de mange malte ansiktene er helt originale, unike og uforglemmelige ...

På 1480-tallet, tilbake til Firenze, fortsatte Botticelli å jobbe utrettelig, men den rolige klarheten til "Eksemplene" var allerede langt bak. I midten av tiåret skrev han sin berømte The Birth of Venus. Forskere bemerker i de senere verkene til mesteren en moralisme, en religiøs opphøyelse som var uvanlig for ham før.

Kanskje viktigere enn sent maleri, Botticellis tegninger fra 90-tallet er illustrasjoner for " Guddommelig komedie» Dante. Han malte med åpenbar og utilslørt glede; visjonene til den store poeten formidles kjærlig og omhyggelig av perfeksjonen av proporsjonene til tallrike figurer, den gjennomtenkte organiseringen av rommet, den uuttømmelige oppfinnsomheten i jakten på visuelle ekvivalenter til det poetiske ordet ...

Til tross for mentale stormer og kriser, forble Botticelli helt til slutten (han døde i 1510) en stor kunstner, mester i hans kunst. Dette er tydelig bevist av den edle skulpturen av ansiktet i "Portrettet ung mann”, en uttrykksfull karakteristikk av modellen, og etterlater ingen tvil om dens høye menneskeverd, den solide tegningen av mesteren og hans velvillige blikk.

7. august 2014

Studenter ved kunstuniversiteter og kunsthistorieinteresserte vet at ved overgangen til 1300- og 1400-tallet skjedde et skarpt vendepunkt i maleriet - renessansen. Rundt 1420-årene ble alle plutselig mye flinkere til å tegne. Hvorfor ble bildene plutselig så realistiske og detaljerte, og hvorfor fikk maleriene lys og volum? Om det i lang tid ingen trodde. Helt til David Hockney tok opp et forstørrelsesglass.

La oss finne ut hva han fant...

En dag så han på tegninger av Jean Auguste Dominique Ingres, lederen for den franske akademiske skolen på 1800-tallet. Hockney ble interessert i å se de små tegningene hans i større skala, og han forstørret dem på en kopimaskin. Det var slik han snublet over den hemmelige siden av maleriets historie siden renessansen.

Etter å ha laget fotokopier av Ingres' små (ca. 30 centimeter) tegninger, ble Hockney overrasket over hvor realistiske de var. Og det syntes også for ham at Ingres' replikker betydde noe for ham.
minne om. Det viste seg at de minner ham om arbeidet til Warhol. Og Warhol gjorde dette - han projiserte et bilde på et lerret og skisserte det.

Til venstre: detalj av en Ingres-tegning. Til høyre: Tegning av Mao Zedong Warhol

Interessante saker, sier Hockney. Tilsynelatende brukte Ingres Camera Lucida – en enhet som er en konstruksjon med prisme, som festes for eksempel til et nettbrettstativ. Dermed ser kunstneren, som ser på tegningen sin med det ene øyet, det virkelige bildet, og med det andre - selve tegningen og hånden hans. Det viser seg en optisk illusjon som lar deg overføre ekte proporsjoner til papir nøyaktig. Og dette er nettopp "garantien" for realismen i bildet.

Tegning av et portrett med et lucida-kamera, 1807

Så ble Hockney for alvor interessert i denne "optiske" typen tegninger og malerier. I atelieret sitt hang han, sammen med teamet sitt, hundrevis av reproduksjoner av malerier laget gjennom århundrene på veggene. Verk som så "ekte" ut og de som ikke gjorde det. Ordnet etter opprettelsestidspunkt og regioner - nord på toppen, sør nederst, så Hockney og teamet hans et skarpt vendepunkt i maleriet ved overgangen til 1300- og 1400-tallet. Generelt vet alle som kan i det minste litt om kunsthistorien – renessansen.

Kanskje de brukte samme kamera-lucida? Den ble patentert i 1807 av William Hyde Wollaston. Selv om en slik enhet faktisk er beskrevet av Johannes Kepler tilbake i 1611 i hans verk Dioptrice. Da brukte de kanskje en annen optisk enhet - en camera obscura? Det har tross alt vært kjent siden Aristoteles' tid og er et mørkt rom som lyset kommer inn i gjennom et lite hull og dermed får man i et mørkt rom en projeksjon av det som er foran hullet, men opp ned. Alt ville vært bra, men bildet som oppnås når du projiserer et camera obscura uten objektiv, for å si det mildt, er ikke av høy kvalitet, det er ikke klart, det krever mye sterkt lys, for ikke å nevne størrelsen på projeksjonen. Men linser av høy kvalitet var nesten umulig å lage frem til 1500-tallet, fordi det ikke var mulig å lage så høykvalitets glass på den tiden. Ting, tenkte Hockney, som da allerede slet med problemet med fysikeren Charles Falco.

Imidlertid er det et maleri av Jan van Eyck, en mester fra Brugge, en flamsk maler fra den tidlige renessansen, der en ledetråd er skjult. Maleriet heter "Portrett av Cheta Arnolfini".

Jan Van Eyck "Portrett av Arnolfini" 1434

Bildet skinner ganske enkelt med en enorm mengde detaljer, noe som er ganske interessant, fordi det ble malt først i 1434. Og et hint om hvordan forfatteren klarte å ta et så stort steg fremover i bildets realisme er speilet. Og også en lysestake - utrolig kompleks og realistisk.

Hockney var fylt med nysgjerrighet. Han fikk en kopi av en slik lysekrone og prøvde å tegne den. Kunstneren ble møtt med det faktum at en så kompleks ting er vanskelig å tegne i perspektiv. En annen viktig poeng var materialiteten til bildet av denne metallgjenstanden. Når man skal avbilde et stålobjekt er det svært viktig å plassere høydepunktene så realistisk som mulig, da dette gir en enorm realisme. Men problemet med disse høydepunktene er at de beveger seg når øyet til betrakteren eller artisten beveger seg, noe som gjør at det ikke er lett å fange dem i det hele tatt. Og et realistisk bilde av metall og gjenskinn er det også kjennetegn malerier fra renessansen, før det prøvde kunstnerne ikke engang å gjøre dette.

Ved å gjenskape en nøyaktig 3D-modell av lysekronen, sørget Hockneys team for at lysekronen i The Arnolfini ble tegnet i et sant perspektiv med et enkelt forsvinningspunkt. Men problemet var at så presise optiske instrumenter som en camera obscura med linse ikke fantes før rundt et århundre etter at maleriet ble til.

Fragment av maleriet av Jan van Eyck "Portrett av ekteparet Arnolfini" 1434

Det forstørrede fragmentet viser at speilet i maleriet "Portrett av Arnolfini" er konveks. Så det var speil tvert imot - konkave. Enda mer, i de dager ble slike speil laget på denne måten - en glasskule ble tatt, og bunnen var dekket med sølv, så ble alt bortsett fra bunnen kuttet av. Baksiden av speilet var ikke nedtonet. Så det konkave speilet til Jan van Eyck kan være det samme speilet som er vist på bildet, bare med motsatt side. Og enhver fysiker vet hva et speil er, når det reflekteres, projiserer det et bilde av det reflekterte. Det var her vennen hans, fysikeren Charles Falco, hjalp David Hockney med beregninger og forskning.

Et konkavt speil projiserer et bilde av tårnet utenfor vinduet på lerretet.

Størrelsen på den klare, fokuserte delen av projeksjonen er omtrent 30 kvadratcentimeter – og dette er bare størrelsen på hodene i mange renessanseportretter.

Hockney skisserer en projeksjon av en person på lerret

Dette er på størrelse med for eksempel portrettet av Doge Leonardo Loredan av Giovanni Bellini (1501), portrett av en mann av Robert Campin (1430), Jan van Eycks eget portrett av en "mann i rød turban" og mange andre tidlige nederlandske portretter.

Renessanseportretter

Å male var en høyt betalt jobb, og selvfølgelig ble alle hemmelighetene til virksomheten holdt i den strengeste fortrolighet. Det var fordelaktig for kunstneren at alle uinnvidde trodde at hemmelighetene var i mesterens hender og ikke kunne stjeles. Virksomheten var stengt for utenforstående – kunstnerne var i lauget, den besto også av en rekke håndverkere – fra de som laget saler til de som laget speil. Og i Saint Luke-lauget, grunnlagt i Antwerpen og først nevnt i 1382 (da åpnet lignende laug i mange nordlige byer, og en av de største var lauget i Brugge - byen der Van Eyck bodde) var det også mestere som laget speil.

Så Hockney gjenskapte måten du kan tegne en kompleks lysekrone fra et maleri av Van Eyck. Ikke overraskende stemmer størrelsen på den Hockney-projiserte lysekronen nøyaktig til størrelsen på lysekronen i maleriet "Portrait of the Arnolfini". Og selvfølgelig, høydepunktene på metallet - på projeksjonen står de stille og endres ikke når kunstneren endrer posisjon.

Men problemet er fortsatt ikke helt løst, for før utseendet til høykvalitetsoptikk, som er nødvendig for å bruke camera obscura, var det 100 år igjen, og størrelsen på projeksjonen oppnådd ved hjelp av et speil er veldig liten . Hvordan male bilder større enn 30 kvadratcentimeter? De ble skapt som en collage - fra en rekke synspunkter ble det en slik form for sfærisk visjon med mange forsvinningspunkter. Hockney innså dette fordi han selv var engasjert i slike bilder – han laget mange fotokollasjer som oppnår nøyaktig samme effekt.

Nesten et århundre senere, på 1500-tallet, ble det endelig mulig å skaffe og behandle glass godt - store linser dukket opp. Og de kunne endelig settes inn i en camera obscura, hvis virkemåte har vært kjent siden antikken. Camera obscura med en linse var en utrolig revolusjon innen billedkunst, siden nå kunne projeksjonen være av hvilken som helst størrelse. Og en ting til, nå var ikke bildet "vidvinkel", men om et normalt aspekt - altså omtrent det samme som det er i dag når man fotograferer med et objektiv med brennvidde på 35-50mm.

Problemet med å bruke et camera obscura med et objektiv er imidlertid at den direkte projeksjonen fra objektivet er speilende. Dette førte til mange venstrehendte i maleriet i de tidlige stadiene av bruken av optikk. Som i dette maleriet fra 1600-tallet fra Frans Hals-museet, hvor et venstrehendt par danser, en venstrehendt gammel mann truer dem med en finger, og en venstrehendt ape titter under kvinnens kjole.

Alle på dette bildet er venstrehendte.

Problemet løses ved å installere et speil som linsen er rettet inn i, og dermed oppnå riktig projeksjon. Men tilsynelatende kostet et godt, jevnt og stort speil mye penger, så ikke alle hadde det.

En annen sak var fokus. Faktum er at noen deler av bildet på en posisjon av lerretet under strålene fra projeksjonen var ute av fokus, ikke klart. I verkene til Jan Vermeer, hvor bruken av optikk er ganske tydelig synlig, ser verkene hans generelt ut som fotografier, du kan også legge merke til steder utenfor "fokus". Du kan til og med se mønsteret som linsen gir - den beryktede "bokehen". Som for eksempel her, i maleriet "Melkejenta" (1658), er kurven, brødet i den og den blå vasen ute av fokus. Men det menneskelige øyet kan ikke se «ute av fokus».

Noen detaljer i bildet er ute av fokus

Og i lys av alt dette er det ikke overraskende det god venn Jan Vermeer var også Anthony Phillips van Leeuwenhoek, vitenskapsmann og mikrobiolog unik mester som laget sine egne mikroskoper og linser. Forskeren ble den postume lederen av kunstneren. Og dette antyder at Vermeer avbildet nøyaktig sin venn på to lerreter - "Geographer" og "Astronomer".

For å se en del i fokus, må du endre plasseringen av lerretet under projeksjonsstrålene. Men i dette tilfellet dukket det opp feil i proporsjoner. Som sett her: den enorme skulderen til Anthea av Parmigianino (ca. 1537), det lille hodet til Anthony van Dycks «Lady Genovese» (1626), de enorme føttene til en bonde i et maleri av Georges de La Tour.

Feil i proporsjoner

Selvfølgelig brukte alle artister linser på forskjellige måter. Noen for skisser, noen laget av forskjellige deler - nå var det tross alt mulig å lage et portrett, og fullføre alt annet med en annen modell, eller til og med med en mannequin.

Det er nesten ingen tegninger igjen av Velasquez. Men mesterverket hans ble værende - et portrett av pave Innocentius den 10. (1650). På pavens mantel - åpenbart silke - er et vakkert lysspill. Blending. Og for å skrive alt dette fra ett synspunkt, var det nødvendig å prøve veldig hardt. Men hvis du lager en projeksjon, vil ikke all denne skjønnheten løpe bort noe sted - gjenskinnet beveger seg ikke lenger, du kan skrive med akkurat de brede og raske strekene som Velazquez sine.

Hockney gjengir et maleri av Velasquez

Deretter hadde mange artister råd til camera obscura, og det sluttet å være stor hemmelighet. Canaletto brukte kameraet aktivt for å skape sine syn på Venezia og la det ikke skjul på. Disse maleriene, takket være deres nøyaktighet, lar oss snakke om Canaletto som en dokumentarfilmskaper. Takket være Canaletto kan du ikke bare se vakkert bilde men også selve historien. Du kan se hva den første Westminster Bridge var i London i 1746.

Canaletto "Westminster Bridge" 1746

Den britiske artisten Sir Joshua Reynolds eide en camera obscura og fortalte tilsynelatende ikke noen om den, ettersom kameraet hans brettes sammen og ser ut som en bok. I dag er det i London Science Museum.

Camera obscura forkledd som en bok

Til slutt, på begynnelsen av 1800-tallet, forbannet William Henry Fox Talbot, ved å bruke et lucida-kamera - det du trenger å se inn i med ett øye og tegne med hendene, og bestemte seg for at en slik ulempe skulle fjernes en gang. og for alle, og ble en av oppfinnerne av kjemisk fotografi, og senere en popularisator som gjorde det masse.

Med oppfinnelsen av fotografiet forsvant monopolet til å male på bildets realisme, nå har bildet blitt et monopol. Og her, endelig, ble maleriet frigjort fra linsen, og fortsatte veien som det snudde fra på 1400-tallet, og Van Gogh ble forløperen for all kunst på 1900-tallet.

Venstre: Bysantinsk mosaikk 1100-tallet. Til høyre: Vincent van Gogh "Portrett av Mr. Trabuk" 1889

Oppfinnelsen av fotografiet er det beste som har skjedd med maleriet i hele historien. Det var ikke lenger nødvendig å lage utelukkende ekte bilder, kunstneren ble fri. Selvfølgelig tok det publikum et århundre å fange opp artister i deres forståelse av visuell musikk og slutte å tro at folk som Van Gogh var "gale". Samtidig begynte kunstnere å aktivt bruke fotografier som " referansemateriale". Så var det slike mennesker som Wassily Kandinsky, den russiske avantgarden, Mark Rothko, Jackson Pollock. Etter maleri ble arkitektur, skulptur og musikk utgitt. Riktignok sitter den russiske akademiske malerskolen fast i tid, og i dag regnes det fortsatt som en skam i akademier og skoler å bruke fotografering for å hjelpe, og den rent tekniske evnen til å tegne så realistisk som mulig med bare hender regnes som den høyeste prestasjonen .

Takket være en artikkel av journalisten Lawrence Weshler, som var til stede ved forskningen til David Hockney og Falco, en annen interessant fakta: Van Eycks portrett av Arnolfinis er et portrett av en italiensk kjøpmann i Brugge. Mr. Arnolfini er en florentiner og dessuten er han en representant for Medici-banken (praktisk talt mesterne i renessansen Firenze, ansett som beskyttere av datidens kunst i Italia). Hva står det her? Det faktum at han lett kunne ta med seg hemmeligheten til St. Lukas-lauget - et speil - til Firenze, hvor renessansen i følge tradisjonell historie begynte, og kunstnere fra Brugge (og følgelig andre mestere) er betraktet som "primitiver".

Det er mye kontrovers rundt Hockney-Falco-teorien. Men det er absolutt et korn av sannhet i det. Når det gjelder kunstkritikere, kritikere og historikere, er det til og med vanskelig å forestille seg hvor mange vitenskapelige artikler om historie og kunst viste seg faktisk å være fullstendig tull, men dette forandrer hele kunsthistorien, alle deres teorier og tekster.

Fakta om bruken av optikk trekker ikke det minste ned kunstnerens talenter – teknologi er tross alt et middel til å formidle det kunstneren ønsker. Og omvendt, det som er på disse bildene er mest ekte virkelighet, legger bare vekt på dem - det er tross alt akkurat slik menneskene på den tiden, ting, lokaler, byer så ut. Dette er de virkelige dokumentene.