Spirit in Plastic: Tolking av japansk samtidskunst. Japansk samtidskunst

Japanerne oppdaget skjønnheten som var skjult i ting på 900-1200-tallet, i Heian-tiden (794-1185) og utpekte den til og med med det spesielle konseptet "mono no aware" (物の哀れ (もののあわれ)), som betyr " trist sjarm av ting. The Charm of Things er en av de tidligste japansk litteratur definisjoner av skjønnhet, er det assosiert med Shinto-troen på at hver ting har sin egen guddom - kami - og sin egen unike sjarm. Avare er den indre essensen av ting, det som forårsaker glede, spenning.

- Washi (wasi) eller wagami (wagami).
Manuell papirfremstilling. Middelalderjapanere verdsatte washi ikke bare for sine praktiske egenskaper, men også for sin skjønnhet. Hun var kjent for sin subtilitet, nesten gjennomsiktighet, som imidlertid ikke fratok henne styrke. Washi er laget av barken til kozo-treet (morbær) og noen andre trær.
Washi-papir har blitt bevart i århundrer, bevis på dette er albumene og bindene med gammel japansk kalligrafi, malerier, skjermer, graveringer som har kommet ned gjennom århundrene til i dag.
Vasyas papir er fibrøst, hvis du ser gjennom et mikroskop, vil du se sprekker som luft og sollys trenger gjennom. Denne kvaliteten brukes i produksjon av skjermer og tradisjonelle japanske lykter.
Washi-suvenirer er veldig populære blant europeere. Mange små og nyttige gjenstander er laget av dette papiret: lommebøker, konvolutter, vifter. De er ganske holdbare, men likevel lette.

- Gohei.
Maskot fra papirstrimler. Gohei - en rituell stab av en shintoprest, som papirsikksakkstrimler er festet til. De samme papirstrimlene henges ved inngangen til en Shinto-helligdom. Papirets rolle i Shinto har tradisjonelt vært veldig stor, og produkter laget av det har alltid vært knyttet esoterisk mening. Og troen på at hver ting, hvert fenomen, til og med ord, inneholder en kami - en guddom - forklarer fremveksten av en slik type brukskunst som gohei. Shintoismen ligner litt på vår hedenskap. For shintoister er kami spesielt villig til å ta bolig i alt som er utenom det vanlige. For eksempel på papir. Og enda mer i en gohei vridd til en intrikat sikksakk, som i dag henger foran inngangen til Shinto-helligdommene og indikerer tilstedeværelsen av en guddom i templet. Det er 20 måter å brette goheien på, og de som er spesielt uvanlig foldet tiltrekker seg kamien. Gohei er overveiende hvit i fargen, men gull, sølv og mange andre nyanser finnes også. Siden 900-tallet har det vært en skikk i Japan å styrke goheiene på beltene til sumobrytere før kampen starter.

- Anesama.
Dette er produksjon av papirdukker. På 1800-tallet laget samurai-koner papirdukker som barn lekte med, og kledde dem i forskjellige klær. I tider da det ikke var noen leker, var anesama den eneste samtalepartneren for barn, og "utførte" rollen som mor, storesøster, barn og venn.
Dukken er brettet av japansk washi-papir, håret er laget av krøllet papir, farget med blekk og dekket med lim, som gir den en glans. Et særtrekk er en fin liten nese på et langstrakt ansikt. I dag fortsetter denne enkle leken, som ikke krever annet enn dyktige hender, tradisjonell i form, å bli laget på samme måte som før.

- Origami.
Den eldgamle kunsten å brette papir (折り紙, lit.: "foldet papir"). Kunsten å origami har sine røtter i Det gamle Kina der papiret ble oppfunnet. Opprinnelig ble origami brukt i religiøse seremonier. I lang tid var denne typen kunst bare tilgjengelig for representanter for overklassen, der et tegn på god smak var besittelsen av papirbrettingsteknikker. Først etter andre verdenskrig gikk origami utover østen og kom til Amerika og Europa, hvor den umiddelbart fant fansen. Klassisk origami er brettet fra et firkantet ark papir.
Det er et visst sett med konvensjonelle symboler som er nødvendige for å skissere foldeskjemaet til selv det mest komplekse produktet. De fleste av de konvensjonelle skiltene ble tatt i bruk på midten av 1900-tallet av den berømte japanske mesteren Akira Yoshizawa.
Klassisk origami foreskriver bruk av ett firkantet jevnt farget ark uten lim og saks. Samtidskunstformer avviker noen ganger fra denne kanonen.

- Kirigami.
Kirigami er kunsten å kutte ulike former fra et ark papir brettet flere ganger ved hjelp av saks. En type origami som tillater bruk av saks og papirklipp i prosessen med å lage modellen. Dette er hovedforskjellen mellom kirigami og andre papirbrettingsteknikker, som fremheves i navnet: 切る (kiru) - klipp, 紙 (gami) - papir. Vi elsket alle å kutte snøfnugg i barndommen - en variant av kirigami, du kan kutte ikke bare snøfnugg, men også forskjellige figurer, blomster, kranser og andre søte papirting ved å bruke denne teknikken. Disse produktene kan brukes som sjablonger for utskrifter, albumdekorasjoner, postkort, fotorammer, motedesign, interiørdesign og andre forskjellige dekorasjoner.

- Ikebana.
Ikebana, (jap 生け花 eller いけばな) oversatt fra japansk - "ike" - liv, "bana" - blomster eller "blomster som lever". Den japanske kunsten å arrangere blomster er en av de vakreste tradisjonene til det japanske folket. Ved kompilering av ikebana, sammen med blomster, brukes kuttede grener, blader og skudd.Det grunnleggende prinsippet er utsøkt enkelhet, for å oppnå som de prøver å understreke den naturlige skjønnheten til planter. Ikebana er etableringen av en ny naturlig form, der skjønnheten til en blomst og skjønnheten i sjelen til mesteren som skaper komposisjonen er harmonisk kombinert.
I dag er det 4 store ikebana-skoler i Japan: Ikenobo (Ikenobo), Koryu (Koryu), Ohara (Ohara), Sogetsu (Sogetsu). I tillegg til dem er det rundt tusen forskjellige retninger og trender som holder seg til en av disse skolene.

- Oribana.
På midten av 1600-tallet gikk to skoler av ohara (hovedformen for ikebana - oribana) og koryu (hovedformen - sek) fra ikenobo. Forresten, ohara-skolen studerer fortsatt bare oribanu. Som japanerne sier, er det veldig viktig at origami ikke blir til origami. Gomi betyr søppel på japansk. Tross alt, som det skjer, brettet du et stykke papir, og hva skal du gjøre med det? Oribana tilbyr mange ideer til buketter for å dekorere interiøret. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

- Feil.
Utsikt visuell kunst, født blomsterhandel. Blomsterhandel dukket opp i landet vårt for åtte år siden, selv om det har eksistert i Japan i mer enn seks hundre år. En gang i middelalderen forsto samurai veien til en kriger. Og oshibana var en del av den veien, akkurat som å skrive hieroglyfer og bruke et sverd. Betydningen av feilen var at i tilstanden av total tilstedeværelse i øyeblikket (satori), skapte mesteren et bilde av tørkede blomster (pressede blomster). Da kunne dette bildet fungere som en nøkkel, en guide for de som var klare til å gå inn i stillheten og oppleve den samme satorien.
Essensen av kunsten "oshibana" er at ved å samle og tørke blomster, urter, blader, bark under press og feste dem på basen, skaper forfatteren ved hjelp av planter et virkelig "maleri". Det er med andre ord feil å male med planter.
Kunstnerisk kreativitet blomsterhandlere er basert på bevaring av form, farge og tekstur til tørket plantemateriale. Japanerne har utviklet en teknikk for å beskytte "oshibana"-malerier fra å falme og mørkne. Essensen er at luft pumpes ut mellom glasset og bildet og det skapes et vakuum som hindrer plantene i å bli ødelagt.
Det tiltrekker seg ikke bare ukonvensjonaliteten til denne kunsten, men også muligheten til å vise fantasi, smak, kunnskap om plantenes egenskaper. Blomsterhandlere lager ornamenter, landskap, stilleben, portretter og historiemalerier.

- Bonsai.
Bonsai, som et fenomen, dukket opp for mer enn tusen år siden i Kina, men denne kulturen nådde toppen av utviklingen bare i Japan. (bonsai - japansk 盆栽 lit. "plante i en pott") - kunsten å dyrke eksakt kopi ekte tre i miniatyr. Disse plantene ble dyrket av buddhistiske munker flere århundrer før vår tidsregning og ble deretter en av aktivitetene til den lokale adelen.
Bonsai prydet japanske hjem og hager. I Tokugawa-tiden fikk parkdesign en ny drivkraft: dyrking av asalea og lønn ble et tidsfordriv for de velstående. Dvergvekstproduksjon (hachi-no-ki - "tre i en pott") utviklet seg også, men bonsaiene på den tiden var veldig store.
Nå brukes vanlige trær til bonsai, de blir små på grunn av konstant beskjæring og diverse andre metoder. Samtidig tilsvarer forholdet mellom størrelsene på rotsystemet, begrenset av bollens volum, og den bakkede delen av bonsai proporsjonene til et voksent tre i naturen.

- Mizuhiki.
Macrame analog. Dette er en gammel japansk brukskunst for å knytte forskjellige knuter fra spesielle snorer og lage mønstre fra dem. Slike kunstverk hadde et ekstremt bredt spekter – fra gavekort og brev til frisyrer og håndvesker. For tiden er mizuhiki ekstremt mye brukt i gaveindustrien - for hver begivenhet i livet skal en gave pakkes inn og knyttes på en veldig spesifikk måte. Det er ekstremt mange knuter og komposisjoner i mizuhiki-kunsten, og ikke alle japanere kan dem alle utenat. Selvfølgelig er det de vanligste og enkle knutene som brukes oftest: for gratulasjoner med fødselen av et barn, for et bryllup eller en minnesmerke, en bursdag eller universitetsopptak.

- Kumihimo.
Kumihimo er en japansk flettet ledning. Ved veving av tråder oppnås bånd og blonder. Disse lissene er vevd på spesielle maskiner - Marudai og Takadai. Marudai-maskinen brukes til å veve runde lisser, og Takadai til flate. Kumihimo på japansk betyr "veving av tau" (kumi - veving, bretting sammen, himo - tau, blonder). Til tross for at historikere hardnakket insisterer på at slik veving kan finnes blant skandinavene og innbyggerne i Andesfjellene, japansk kunst Kumihimo er faktisk en av de eldste typer veving. Den første omtalen av det går tilbake til 550, da buddhismen spredte seg over hele Japan og spesielle seremonier krevde spesielle dekorasjoner. Senere begynte kumihimo-lisser å bli brukt som festemiddel for obi-beltet på en kimono for kvinner, som tau for å "pakke" hele samurai-arsenalet av våpen (samuraier brukte kumihimo til dekorative og funksjonelle formål for å knytte rustningene og hesterustningene deres) og også for å binde tunge gjenstander.
En rekke mønstre av moderne kumihimo veves veldig enkelt på hjemmelagde pappvevstoler.

- Komono.
Hva er det igjen av en kimono etter at den har uttjent sin tid? Tror du det blir kastet? Ingenting som dette! Japanerne vil aldri gjøre det. Kimonoer er dyre. Det er utenkelig og umulig å bare kaste det sånn... Sammen med andre typer kimono-resirkulering laget håndverker små suvenirer av små filler. Dette er små leker for barn, dukker, brosjer, girlandere, damesmykker og andre produkter, den gamle kimonoen brukes til fremstilling av små søte ting, som samlet kalles "komono". Små ting som vil få sitt eget liv, fortsetter veien til kimonoen. Dette er hva ordet "komono" betyr.

- Kanzashi.
Kunsten å dekorere hårspenner (oftest dekorert med blomster (sommerfugler osv.) laget av stoff (hovedsakelig silke). Japansk kanzashi (kanzashi) er en lang hårnål for en tradisjonell japansk kvinnefrisyre. De var laget av tre, lakk, sølv, skilpaddeskall brukt i tradisjonelle kinesiske og japanske frisyrer.For ca. 400 år siden, i Japan, endret stilen til kvinners frisyrer: kvinner sluttet å gre håret i den tradisjonelle formen - taregami (langt rett hår) og begynte å style det i intrikate og bisarre former - nihongami. brukt ulike gjenstander- hårnåler, pinner, kammer. Det var da at selv en enkel kushi-kam blir til et elegant tilbehør av ekstraordinær skjønnhet, som blir et ekte kunstverk. Japanske kvinners tradisjonelle kostyme tillot ikke håndleddssmykker og halskjeder, så hårpynt ble viktigste skjønnhet og et felt for selvuttrykk - samt demonstrere smaken og tykkelsen på eierens lommebok. På graveringene kan du se - hvis du ser nøye etter - hvordan japanske kvinner lett hengte opp til tjue dyre kanzashi i frisyrene sine.
Det er nå en gjenoppblomstring av tradisjonen med å bruke kanzashi blant unge japanske kvinner som ønsker å legge raffinement og eleganse til frisyrene sine, moderne hårspenner kan utsmykkes med bare en eller to lekre håndlagde blomster.

- Kinusaiga.
En fantastisk type håndarbeid fra Japan. Kinusaiga (絹彩画) er en krysning mellom batikk og lappeteppe. Hovedideen er at nye malerier samles fra gamle silkekimonoer bit for bit - sanne verk Kunst.
Først lager kunstneren en skisse på papir. Deretter overføres denne tegningen til en treplate. Konturen av mønsteret skjæres gjennom med riller, eller riller, og deretter kuttes små strimler, matchende i farge og tone, fra den gamle silkekimonoen, og kantene på disse strimlene fyller sporene. Når du ser på et slikt bilde, får du følelsen av at du ser på et fotografi, eller til og med bare ser på landskapet utenfor vinduet, de er så realistiske.

- Temari.
Dette er tradisjonelle japanske geometriske broderte baller laget med enkle sømmer som en gang var et barneleke og nå har blitt en kunstform med mange fans, ikke bare i Japan, men over hele verden. Det antas at for lenge siden ble disse produktene laget av samurai-koner for underholdning. Helt i begynnelsen ble de virkelig brukt som en ball for et ballspill, men gradvis begynte de å tilegne seg kunstneriske elementer, og ble senere til dekorative ornamenter. Den delikate skjønnheten til disse ballene er kjent over hele Japan. Og i dag er fargerike, nøye utformede produkter en av typene folkehåndverk i Japan.

- Yubinuki.
Japanske fingerbøl, når man syr eller broderer for hånd, settes de på den midterste falanxen av langfingeren på den arbeidende hånden, ved hjelp av fingertuppene får nålen ønsket retning, og nålen skyves gjennom ringen på midten fingeren i jobb. Til å begynne med ble japanske yubinuki fingerbøl laget ganske enkelt - en stripe av tett stoff eller lær ca. 1 cm bred i flere lag ble viklet tett rundt fingeren og festet sammen med noen enkle dekorative sømmer. Siden yubinukene var nødvendig emne i hvert hus begynte de å bli dekorert med geometriske broderier med silketråder. Fra sammenfletting av masker, fargerike og intrikate mønstre. Yubinuki fra en enkel husholdningsgjenstand har også blitt til et objekt for "beundre", dekorasjon Hverdagen.
Yubinuki brukes fortsatt til sying og broderi, men de kan også enkelt brukes på hendene på hvilken som helst finger, som dekorative ringer. Yubinuki-broderi brukes til å dekorere forskjellige gjenstander i form av en ring - serviettringer, armbånd, temari-stativ, dekorert med yubinuki-broderi, og det er også broderte nålesenger i samme stil. Yubinuki-mønstre kan være en stor inspirasjon for temai obi-broderi.

- Suibokuga eller sumie.
Japansk blekkmaleri. Dette kinesisk stil maleriet ble lånt av japanske kunstnere på 1300-tallet og på slutten av 1400-tallet. ble hovedstrømmen av maleri i Japan. Suibokuga er monokrom. Det er preget av bruken av svart blekk (sumi), en hard form for kull eller kinesisk blekk produsert av sot, som males i en blekkpotte, fortynnes med vann og pensles på papir eller silke. Monokrom gir mesteren et uendelig utvalg av tonale alternativer, som kineserne for lenge siden anerkjente som "fargene" på blekk. Suibokuga tillater noen ganger bruk av ekte farger, men begrenser det til tynne, gjennomsiktige strøk som alltid forblir underordnet blekklinjen. Blekkmaleri deler med kalligrafikunsten slike essensielle egenskaper som tett kontrollert uttrykk og teknisk formbeherskelse. Kvaliteten på blekkmaleri kommer ned, som i kalligrafi, til integriteten og motstanden mot riving av linjen tegnet med blekk, som så å si holder kunstverket på seg selv, akkurat som bein holder vev på seg selv.

- Etegami.
Tegnede postkort (e - bilde, tagget - brev). Gjør-det-selv postkort er generelt en veldig populær aktivitet i Japan, og før ferien øker populariteten enda mer. Japanerne elsker å sende postkort til vennene sine, og de elsker å motta dem også. Dette er en type hurtigbrev på spesielle emner, det kan sendes med post uten konvolutt. Det er ingen spesielle regler eller teknikker i etegami, alle kan gjøre det uten spesiell trening. Etagami hjelper til med å uttrykke stemningen, inntrykkene nøyaktig, dette er et håndlaget postkort som består av et bilde og et kort brev, som formidler følelsene til avsenderen, for eksempel varme, lidenskap, omsorg, kjærlighet, etc. De sender disse postkortene for høytidene og bare sånn, som viser årstider, aktiviteter, grønnsaker og frukt, mennesker og dyr. Jo enklere dette bildet er tegnet, jo mer interessant ser det ut.

- Furoshiki.
Japansk innpakningsteknikk eller kunsten å brette tøy. Furoshiki kom inn i japanernes liv i lang tid. Gamle ruller fra Kamakura-Muromachi-perioden (1185 - 1573) er bevart med bilder av kvinner som bærer bunter med klær pakket inn i tøy på hodet. Denne interessante teknikken oppsto så tidlig som 710 - 794 e.Kr. i Japan. Ordet "furoshiki" betyr bokstavelig talt "badeteppe" og er et firkantet stykke tøy som ble brukt til å pakke inn og bære gjenstander i alle former og størrelser.
I gamle dager var det vanlig å gå i japanske bad (furo) i lette bomullskimonoer, som besøkende hadde med seg hjemmefra. Badegjesten hadde også med seg et spesielt teppe (shiki) som han sto på mens han kledde av seg. Etter å ha skiftet til en "badende" kimono, pakket den besøkende klærne inn i et teppe, og etter badet pakket den inn en våt kimono i et teppe for å bringe den hjem. Dermed har badematten blitt en multifunksjonell veske.
Furoshiki er veldig enkel å bruke: stoffet tar form av gjenstanden du pakker inn, og håndtakene gjør det enkelt å bære lasten. I tillegg får en gave pakket inn i hardt papir, men i et mykt, flerlags stoff en spesiell uttrykksevne. Det er mange ordninger for å brette furoshiki for enhver anledning, hverdagslig eller festlig.

- Amigurumi.
Den japanske kunsten å strikke eller hekle små kosedyr og humanoide skapninger. Amigurumi (編み包み, lett.: «strikket-innpakket») er oftest søte dyr (som bjørner, kaniner, katter, hunder osv.), små menn, men de kan også være livløse gjenstander utstyrt med menneskelige egenskaper. For eksempel cupcakes, hatter, håndvesker og andre. Amigurumi er strikket eller strikket eller heklet. Nylig har heklet amigurumi blitt mer populært og mer vanlig.
strikket av garn på en enkel måte strikking - i en spiral, og i motsetning til den europeiske strikkemetoden, er sirkler vanligvis ikke koblet sammen. De er også heklet på en mindre størrelse i forhold til garntykkelsen for å lage et veldig tett stoff uten hull for at fyllet skal komme ut. Amigurumi er ofte laget av deler og deretter satt sammen, med unntak av noen amigurumi, som ikke har lemmer, men bare har hode og overkropp, som er en helhet. Lemmene er noen ganger fylt med plastbiter for å gi dem levende vekt, mens resten av kroppen er fylt med fiberfyll.
Spredningen av amigurumi-estetikk lettes av deres søthet ("kawaii").

Som dekker mange teknikker og stiler. Gjennom historien har den gjennomgått et stort antall endringer. Nye tradisjoner og sjangre ble lagt til, og de originale japanske prinsippene ble stående. Sammen med fantastisk historie Japan maleri er også klar til å presentere mange unike og interessante fakta.

gamle japan

De første stilene dukker opp i den eldste historiske perioden i landet, selv før Kristus. e. Den gang var kunsten ganske primitiv. Først i 300 f.Kr. e. forskjellige geometriske figurer dukket opp, som ble laget på keramikk ved hjelp av pinner. Et slikt funn av arkeologer som pryd på bronseklokker tilhører en senere tid.

Litt senere, allerede i 300 e.Kr. e., hulemalerier vises, som er mye mer varierte geometrisk ornament. Dette er allerede fullverdige bilder med bilder. De ble funnet inne i kryptene, og trolig ble menneskene som er malt på dem gravlagt på disse gravplassene.

På 700-tallet e.Kr. e. Japan tar i bruk manuset som kommer fra Kina. Omtrent samtidig kommer de første maleriene derfra. Da fremstår maleriet som en egen kunstsfære.

edo

Edo er langt fra det første og ikke det siste maleriet, men det var hun som brakte mye nytt til kulturen. For det første er det lysstyrken og glansen som ble lagt til den vanlige teknikken, utført i svarte og gråtoner. Mest fremragende kunstner Denne stilen regnes som Sotasu. Han skapte klassiske malerier, men karakterene hans var veldig fargerike. Senere gikk han over til naturen, og de fleste landskapene ble utført mot en bakgrunn av forgylling.

For det andre, under Edo-perioden, dukket det eksotiske, namban-sjangeren opp. Den brukte moderne europeiske og kinesiske teknikker, som var sammenvevd med tradisjonelle japanske stiler.

Og for det tredje dukker Nang-skolen opp. I den imiterer eller kopierer kunstnerne først verkene til kinesiske mestere. Da dukker det opp en ny gren, som kalles bunjing.

Moderniseringsperiode

Edo-perioden erstatter Meiji, og nå er japansk maleri tvunget til å gå inn i ny scene utvikling. På denne tiden ble sjangre som western og lignende populære over hele verden, så moderniseringen av kunsten ble en vanlig tilstand. Men i Japan, et land der alle mennesker ærer tradisjoner, i gitt tid ting var veldig annerledes enn det som skjedde i andre land. Her blusser konkurransen kraftig opp mellom europeiske og lokale teknikere.

Regjeringen gir på dette stadiet sin preferanse til unge kunstnere som viser store løfter når det gjelder å forbedre ferdighetene sine i vestlige stiler. Derfor sender de dem til skoler i Europa og Amerika.

Men dette var først i begynnelsen av perioden. Faktum er det bemerkelsesverdige kritikere ganske mye kritisert vestlig kunst. For å unngå stor oppstandelse rundt dette problemet, begynte europeiske stiler og teknikker å bli utestengt fra utstillinger, visningen deres stoppet, så vel som deres popularitet.

Fremveksten av europeiske stiler

Så kommer Taisho-perioden. På denne tiden kommer unge kunstnere som dro for å studere ved utenlandske skoler tilbake til hjemlandet. Naturligvis tar de med seg nye stiler. Japansk maleri som ligner veldig på europeiske. Impresjonisme og postimpresjonisme dukker opp.

På dette stadiet dannes det mange skoler der eldgamle japanske stiler gjenopplives. Men det er ikke mulig å bli helt kvitt vestlige tendenser. Derfor er det nødvendig å kombinere flere teknikker for å glede både elskere av klassikerne og fans av moderne europeisk maleri.

Noen skoler er finansiert av staten, takket være at mange av de nasjonale tradisjonene er bevart. Private handelsmenn er på sin side tvunget til å følge forbrukere som vil ha noe nytt, de er lei av klassikerne.

WWII maleri

Etter krigens begynnelse holdt japansk maleri seg unna hendelser i noen tid. Den utviklet seg separat og uavhengig. Men det kunne ikke fortsette slik for alltid.

Over tid, når den politiske situasjonen i landet blir verre, tiltrekker høye og respekterte tall mange artister. Noen av dem, selv i begynnelsen av krigen, begynner å skape i patriotiske stiler. Resten starter denne prosessen kun etter ordre fra myndighetene.

Følgelig var japansk kunst under andre verdenskrig ikke i stand til å utvikle seg spesielt. Derfor kan det for maling kalles stillestående.

Evig Suibokuga

Japansk sumi-e-maleri, eller suibokuga, betyr "blekktegning". Dette definerer stilen og teknikken denne kunsten. Den kom fra Kina, men japanerne bestemte seg for å gi den sitt eget navn. Og i utgangspunktet hadde ikke teknikken noen estetisk side. Den ble brukt av munkene til selvforbedring mens de studerte Zen. Dessuten tegnet de først bilder, og senere trente de opp konsentrasjonen mens de så på dem. Munkene trodde at strenge linjer, vage toner og skygger hjelper til med forbedring - alt som kalles monokrom.

Japansk blekkmaleri, til tross for det store utvalget av malerier og teknikker, er ikke så komplisert som det kan virke ved første øyekast. Den er basert på kun 4 tomter:

1. Krysantemum.
2. Orkidé.
3. Plommegren.
4. Bambus.

Et lite antall tomter gjør ikke utviklingen av teknologi rask. Noen mestere tror at læring varer hele livet.

Til tross for at sumi-e dukket opp for lenge siden, er det alltid etterspurt. Dessuten kan du i dag møte mesterne på denne skolen, ikke bare i Japan, den er også utbredt langt utenfor grensene.

Moderne periode

På slutten av andre verdenskrig blomstret kunsten i Japan bare i store byer, landsbyboerne og landsbyboerne hadde nok bekymringer. For det meste prøvde kunstnerne å vende ryggen til krigens tap og skildre det moderne urbane livet med all dens utsmykning og funksjoner på lerret. Europeiske og amerikanske ideer ble vellykket adoptert, men denne tilstanden varte ikke lenge. Mange mestere begynte gradvis å bevege seg bort fra dem mot japanske skoler.

Det har alltid vært på moten. Derfor kan moderne japansk maleri avvike bare i utførelsesteknikken eller materialene som brukes i prosessen. Men de fleste kunstnere oppfatter ulike nyvinninger dårlig.

For ikke å snakke om fasjonable moderne subkulturer som anime og lignende stiler. Mange artister prøver å viske ut grensen mellom klassikerne og det som etterspørres i dag. For det meste er denne tilstanden på grunn av handel. Klassikere og tradisjonelle sjangere kjøpes faktisk ikke, derfor er det ulønnsomt å jobbe som artist i favorittsjangeren din, du må tilpasse deg moten.

Konklusjon

Japansk maleri er utvilsomt en skattekiste av kunst. Kanskje det aktuelle landet forble det eneste som ikke fulgte vestlige trender, ikke tilpasset seg mote. Til tross for mange slag på tidspunktet for bruk av nye teknikker, klarte japanske kunstnere fortsatt å forsvare nasjonale tradisjoner i mange sjangre. Det er sannsynligvis grunnen til at malerier laget i klassisk stil i moderne tid er høyt verdsatt på utstillinger.

Dagens verden får ofte skylden for en åndelig krise, for ødeleggelsen av bånd med tradisjoner, for globaliseringen, som uunngåelig absorberer nasjonalt fundament. Alt er personlig og depersonalisert på samme tid. Hvis den såkalte klassiske kunsten vi kunne dele inn i nasjonale skoler og forestill deg det der italiensk kunst hva er tysk kunst og hva er fransk; så kan vi dele samtidskunst inn i de samme «skolene»?

Som svar på dette spørsmålet vil jeg gjerne presentere japansk samtidskunst for din oppmerksomhet. På en konferanse i Kunstmuseum Mori om temaet internasjonalisme i samtidskunst i fjor antydet professor Michio Hayashi ved University of Tokyo at den populære oppfatningen av "japanskhet" i Vesten ble sementert på 1980-tallet av treenigheten "kitsch", "naturlighet" og "teknologisk kompleksitet". ". I dag kan den populære, og spesielt den kommersielt populære samtidskunsten i Japan fortsatt plasseres i denne trekanten. For den vestlige betrakteren forblir den mystisk og original på grunn av de spesifikke egenskapene som bare er iboende i kunsten til Land of the Rising Sun. I august møttes vest og øst på tre kunststeder samtidig: frem til 8. august ble utstillingen «Duality of Existence – Post-Fukushima» holdt på Manhattan (515 W 26th Street, Chelsea, Manhattan), utstillingen «teamLab: Ultra Subjective Space” varte til 15. august er praktisk talt i nærheten (508-510 W 25th Street, Chelsea, Manhattan); og "Arhat-syklusen" av Takashi Murakami i Palazzo Reale, i Milano, fortsetter fortsatt å erobre og forbløffe besøkende.

Alle kunstverkene som ble vist ble laget etter 11. mars 2011, da tsunamien rammet Japan. Atomkatastrofen ved atomkraftverket i Fukushima samlet nasjonen, gjorde det nødvendig å revurdere prioriteringer og verdier, og igjen vende tilbake til lenge glemte tradisjoner. Kunst kunne ikke stå til side og presenterte verden for en ny type kunstner, fokusert på behovene til det moderne publikum, og samtidig hedret det historiske grunnlaget og verdiene.

Takashi Murakami - kommersiell suksessfull artist, som populariserte techno kitsch og skapte et nytt visuelt språk superflat, basert på tradisjonene til japansk nihonga-maleri og spesifikasjonene til anime og manga. Ideologien til hans replikerte skulpturer og opprørende installasjoner var å demonstrere endringen i Japan etter krigen, da forbrukerisme ble utbredt. Men 11. mars 2011 delte livet til Japan inn i «før» og «etter», som to forferdelige dager i august 1945, da atombomber ble sluppet over Hiroshima og Nagasaki. Etter det sterke jordskjelvet, som førte til forferdelige konsekvenser, gikk Murakami inn på veien for å tenke nytt om buddhismen og japansk estetikk, tok et skritt mot å vende tilbake til opprinnelsen og spiritualiteten. Det første verket som startet Arhats-syklusen er 500 Arhats, vist på Takashi Murakamis separatutstilling i Doha, Qatar, i 2012. Returen til buddhistiske temaer forklares av forfatteren som et forsøk på å innse at i denne verden er det ikke bare oss, at det er krefter som er uavhengige av oss, og at vi må forbedre oss hver gang for å slutte å være avhengige av våre egne ønsker og påvirkninger. En tett vegg av arhats, som om å beskytte publikum mot de rasende elementene gjennom hele 100 meter av lerretet, innpodet fred og ro i sjelen til alle. Men Murakami begrenset seg ikke til bare ett verk og fortsatte syklusen av malerier, supplerer og utvidet fortellingen, som om han brukte en mangateknikk og fortalte en historie i visuell design. Den andre delen av syklusen ble presentert på Blum & Poe Gallery (Los Angeles) i 2013. I dag, i Milano, reiser arhatene verden rundt for tredje gang, og sprer ideen om en retur til spiritualitet og forsakelse av lidenskaper. Til tross for oppbyggelsen og dybden av mening, er maleriene lett å oppfatte på grunn av den dristige og lyse fargebeslutningen, selve det kunstneriske språket. Manga-elementer brakte dem den nødvendige andelen av popularisering, slik at buddhismens kringkastingsideer lett ble lest og akseptert selv av den uinnvidde offentligheten.

Den neste representanten for moderne japansk maleri kan kalles Kazuki Umezawa, en elev av Murakami, som bringer oss tilbake til spørsmålet om skole og kontinuitet. Han lager digitale gjengivelser av anime-karakterer ved å tegne dem på toppen av klistremerker for å skape ekstra dybde og visuelt kaos. Fra tilfeldige og spredte bilder over hele Internett, konstruerer han collager, bryter bakgrunner, skaper mandalaer som gjenspeiler strukturen og innholdet i fantasien til otaku (anime- og manga-fans). Appellen til det buddhistiske symbolet forsterker den semantiske verdien av verkene til den unge kunstneren, og forbinder på den ene siden det hellige og det etablerte i kulturen, på den andre siden, samtidsspørsmål, men igjen med inkludering av et spesifikt japansk fenomen - anime.

Takashi Murakami og Kazuki Umezawa balanserer dyktig mellom relevans og tradisjon, kitsch og stil.

Overraskende nok, etter jordskjelvet 11. mars 2011 i Japan, svarte en 16 år gammel gutt som var fanget under ruinene av huset i ni dager og ble reddet, da han ble spurt av en journalist om fremtidsdrømmene hans: «Jeg ønsker å bli kunstner."

Den moderne japanske kunstscenen ser ut til å være fullstendig globalisert. Kunstnere reiser mellom Tokyo og New York, nesten alle fikk europeisk eller amerikansk utdanning, de snakker om arbeidet sitt på internasjonal kunstengelsk. Dette bildet er imidlertid langt fra komplett.

Nasjonale former og trender viser seg å være en av de mest ettertraktede varene Japan har å tilby til verdensmarkedet. kunstneriske ideer og fungerer.

flyoperasjon. Hvordan superflat kombinerer amerikansk geekkultur og tradisjonell japansk maleri

Takashi Murakami. "Tang Tan Bo"

Hvis i den vestlige verden for nesten alle (unntatt kanskje de mest ivrige postmoderne teoretikere) grensen mellom høy og populær kultur er fortsatt relevant, om enn problematisk, i Japan er disse verdenene totalt blandet.

Et eksempel på dette er Takashi Murakami, som med suksess kombinerer utstillinger i verdens beste gallerier og streamingproduksjon.

Opptak av omvisningen til Murakami-utstillingen "Det blir mildt regn"

Murakamis forhold til populærkulturen – og for Japan er dette først og fremst kulturen til manga- og anime-fans (otaku) – er imidlertid mer komplisert. Filosof Hiroki Azuma kritiserer forståelsen av otaku som et autentisk japansk fenomen. Otaku anser seg selv som direkte forbundet med tradisjonene fra Edo-perioden på 1600- og 1800-tallet - epoken med isolasjonisme og avvisningen av modernisering. Azuma argumenterer for at otaku-bevegelsen – basert på manga, animasjon, grafiske romaner, dataspill – kun kunne ha oppstått i sammenheng med den amerikanske okkupasjonen etter krigen som et resultat av importen av amerikansk kultur. Kunsten til Murakami og hans tilhengere gjenoppfinner otaku med popkunstteknikker og avkrefter den nasjonalistiske myten om tradisjonens autentisitet. Det representerer en "re-amerikanisering av japanskisert amerikansk kultur."

Fra et kunstnerisk synspunkt er superflat nærmest tidlig japansk ukiyo-e-maleri. Det mest kjente verket i denne tradisjonen er graveringen " En stor bølge i Kanagawa" av Katsushiki Hokusai (1823-1831).

For vestlig modernisme var oppdagelsen av japansk maleri et gjennombrudd. Det gjorde det mulig å se bildet som et fly og søker ikke å overvinne denne særegenheten ved det, men å jobbe med det.

Katsushiki Hokusai. "Den store bølgen utenfor Kanagawa"

Pionerer innen ytelse. Hva betyr japansk kunst fra 1950-tallet i dag

Dokumentasjon av den kreative prosessen til Akira Kanayama og Kazuo Shiraga

Superflat tok form først på 2000-tallet. Men de kunstneriske handlingene som er viktige for verdenskunsten begynte i Japan mye tidligere – og enda tidligere enn i Vesten.

Den performative vendingen i kunsten fant sted på begynnelsen av 60- og 70-tallet i forrige århundre. I Japan dukket forestillingen opp på femtitallet.

For første gang har Gutai-gruppen skiftet fokus fra å lage selvforsynte objekter til produksjonsprosessen. Herfra - ett skritt til å forlate kunstobjektet til fordel for en flyktig begivenhet.

Selv om individuelle kunstnere fra Gutai (og det var 59 av dem i løpet av tjue år) eksisterte aktivt i internasjonal kontekst, for å forstå hvordan deres kollektive aktivitet med japansk etterkrigskunst generelt begynte i Vesten ganske nylig. Bommen kom i 2013 med flere utstillinger i små gallerier i New York og Los Angeles, Tokyo 1955-1970: The New Avant-Garde at MoMA, og den massive historiske retrospektive Gutai: Splendid Playground på Guggenheim Museum. Moskva-importen av japansk kunst ser ut til å være en nesten forsinket fortsettelse av denne trenden.

Sadamasa Motonaga. Arbeid (vann) på Guggenheim-museet

Det er slående hvor moderne disse retrospektive utstillingene ser ut. For eksempel er det sentrale objektet for utstillingen ved Guggenheim-museet rekonstruksjonen av Work (Water) av Sadamasa Motonaga, der nivåene til museumsrotunden er forbundet med polyetylenrør med farget vann. De minner om penselstrøk som har blitt revet av lerretet og eksemplifiserer Gutais sentrale fokus på «konkrethet» (oversatt fra Japansk navn grupper), materialiteten til gjenstandene som kunstneren arbeider med.

Mange medlemmer av Gutai fikk en utdanning relatert til klassisk nihonga-maleri, mange er biografisk knyttet til den religiøse konteksten til Zen-buddhismen, til dens karakteristiske japanske kalligrafi. Alle fant en ny, prosessuell eller deltakende tilnærming til eldgamle tradisjoner. Kazuo Shiraga har filmet hvordan han tegner sine anti-Rauschenberg monokromer med føttene, og til og med laget malerier offentlig.

Minoru Yoshida forvandlet blomster fra japanske trykk til psykedeliske objekter - et eksempel på dette er Bisexual Flower, en av de første kinetiske (bevegelige) skulpturene i verden.

Kuratorene for utstillingen på Guggenheim-museet forteller om den politiske betydningen av disse verkene:

"Gutai demonstrerte viktigheten av fri individuell handling, riving av publikumsforventninger og til og med dumhet som måter å motvirke den sosiale passiviteten og konformiteten som over flere tiår tillot en militaristisk regjering å få en kritisk masse av innflytelse, invadere Kina, og deretter bli med i andre verdenskrig."

God og klok. Hvorfor artister forlot Japan for Amerika på 1960-tallet

Gutai var unntaket fra regelen i Japan etter krigen. Avantgardegrupper forble marginale, kunstverdenen var strengt hierarkisk. Hovedveien til anerkjennelse var deltakelse i konkurranser holdt av anerkjente sammenslutninger av klassiske kunstnere. Derfor foretrakk mange å reise til Vesten og integrere seg i det engelskspråklige kunstsystemet.

Det var spesielt vanskelig for kvinner. Selv i den progressive Gutai nådde ikke andelen av deres tilstedeværelse en femtedel. Hva kan vi si om tradisjonelle institusjoner, for tilgang som det var nødvendig spesialopplæring. På sekstitallet hadde jenter allerede skaffet seg retten til det, men å lære kunst (hvis det ikke handlet om dekorativt, som var en del av ferdighetssettet ryosai kenbo- en god kone og en klok mor) var et sosialt imøtekommende yrke.

Yoko Ono. kuttet stykke

Historien om emigrasjonen av fem mektige japanske kvinnelige artister fra Tokyo til USA var tema for Midori Yoshimotos studie «Into Performance: Japanese Women Artists in New York». Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi og Shigeko Kubota bestemte seg i starten av karrieren for å reise til New York og jobbet der, inkludert modernisering av tradisjonene innen japansk kunst. Bare Yoko Ono vokste opp i USA - men hun nektet også bevisst å returnere til Japan, etter å ha blitt desillusjonert over Tokyos kunstneriske hierarki under sitt korte opphold i 1962-1964.

Ono ble den mest kjente av de fem - ikke bare som kona til John Lennon, men også som forfatter av proto-feministiske forestillinger dedikert til objektivering. kvinnekropp. Det er åpenbare paralleller mellom Cut Piece It, der publikum kunne klippe av stykker av artistens klær, og «Rhythm 0» av «prestasjonens bestemor» Marina Abramovic.

På korte ben. Hvordan bestå forfatterens skuespilleropplæring Tadashi Suzuki

Når det gjelder Ono og Gutai, ble metodene og temaene for arbeidet deres, atskilt fra forfatterne, internasjonalt betydningsfulle. Det finnes andre former for eksport - når kunstnerens verk oppfattes med interesse på den internasjonale arenaen, men lån av selve metoden skjer ikke på grunn av dens spesifisitet. Det mest slående tilfellet er Tadashi Suzukis skuespillertreningssystem.

Suzuki-teatret er elsket selv i Russland - og dette er ikke overraskende. Sist han var med oss ​​var i 2016 med fremføringen av De trojanske kvinnene basert på tekstene til Euripides, og på 2000-tallet kom han flere ganger med oppsetninger av Shakespeare og Tsjekhov. Suzuki overførte handlingen til skuespillene til den nåværende japanske konteksten og tilbød ikke-opplagte tolkninger av tekstene: han oppdaget antisemittisme i Ivanov og sammenlignet den med japanernes foraktelige holdning til kineserne, overførte handlingen til kong Lear til et japansk galeasyl.

Suzuki bygde systemet sitt i opposisjon til den russiske teaterskolen. På slutten av 1800-tallet, under den såkalte Meiji-perioden, opplevde det moderniserende keiserlige Japan fremveksten av opposisjonsbevegelser. Resultatet ble en storstilt vestliggjøring av en tidligere ekstremt lukket kultur. Blant de importerte formene var Stanislavsky-systemet, som fortsatt er en av de viktigste regimetodene i Japan (og i Russland).

Suzuki øvelser

På sekstitallet, da Suzuki begynte sin karriere, spredte tesen seg mer og mer om at japanske skuespillere på grunn av deres kroppslige egenskaper ikke kunne venne seg til roller fra vestlige tekster som fylte det daværende repertoaret. Den unge regissøren klarte å tilby det mest overbevisende alternativet.

Suzukis øvelsessystem, kalt bengrammatikk, inkluderer dusinvis av måter å sitte på, og enda flere måter å stå og gå på.

Skuespillerne hans spiller vanligvis barbeint og virker, ved å senke tyngdepunktet, så tett bundet til bakken som mulig, tunge. Suzuki lærer dem og utenlandske utøvere sin teknikk i landsbyen Toga, i eldgamle japanske hus fylt med moderne utstyr. Troppen hans gir bare rundt 70 forestillinger i året, og resten av tiden lever han, nesten uten å forlate landsbyen og ikke ha tid til personlige anliggender – kun jobb.

Toga-senteret dukket opp på 1970-tallet og ble designet på forespørsel fra direktøren av den verdensberømte arkitekten Arata Isozaka. Suzukis system kan virke patriarkalsk og konservativt, men han snakker selv om Toga i moderne termer av desentralisering. Selv på midten av 2000-tallet forsto Suzuki viktigheten av å eksportere kunst fra hovedstaden til regionene og organisere lokale produksjonssteder. Ifølge regissøren ligner det teatralske kartet over Japan på mange måter det russiske - kunsten er konsentrert i Tokyo og noen få mindre. store sentre. Russisk teater et selskap som jevnlig drar på tur i små byer og holder til langt fra hovedstaden ville heller ikke skade.

SCOT Company Center i Toga

Blomsterstier. Hvilken ressurs oppdaget moderne teater i noh og kabuki-systemer

Suzuki-metoden vokser ut av to eldgamle japanske tradisjoner – men også kabuki. Det er ikke bare at disse typer teater ofte karakteriseres som kunsten å gå, men også i mer åpenbare detaljer. Suzuki følger ofte regelen om utførelse av alle roller av menn, bruker karakteristiske romlige løsninger, for eksempel hanamichi ("blomstenes vei") av kabuki-prøven - en plattform som strekker seg fra scenen og inn i dypet av auditoriet. Han utnytter også ganske gjenkjennelige symboler som blomster og ruller.

Selvfølgelig, i globale verden det er ikke snakk om japanernes privilegium til å bruke sine nasjonale former.

Teateret til en av vår tids mest betydningsfulle regissører, amerikaneren Robert Wilson, ble bygget på lån fra men.

Han bruker ikke bare masker og sminke som minner massepublikummet om Japan, men låner også måtene å handle på basert på maksimal nedbremsing av bevegelse og selvforsynt uttrykksevne til gesten. Kombinerer tradisjonelle og rituelle former med banebrytende lysscore og minimalistisk musikk (en av de mest kjente verk Wilson – en produksjon av Philip Glass sin opera «Einstein on the Beach»), produserer Wilson i hovedsak syntesen av opprinnelse og relevans som mye av moderne kunst streber etter.

Robert Wilson. "Einstein på stranden"

Fra noh og kabuki har en av grunnpilarene i moderne dans vokst frem – butoh, bokstavelig talt oversatt – mørkets dans. Butoh ble oppfunnet i 1959 av koreografene Kazuo Ono og Tatsumi Hijikata, som også trakk på et lavt tyngdepunkt og konsentrasjon på føttene, og handlet om å bringe refleksjoner fra traumatiske krigsopplevelser inn i den kroppslige dimensjonen.

«De viste kroppen syk, kollapset, til og med monstrøs, monstrøs.<…>Bevegelsene er enten sakte, eller bevisst skarpe, eksplosive. For dette brukes en spesiell teknikk, når bevegelsen utføres som uten å involvere hovedmusklene, på grunn av skjelettets beinspaker,» skriver dansehistoriker Irina Sirotkina inn butoh i historien om frigjøring av kroppen, kobler det med avgangen fra ballettnormativiteten. Hun sammenligner butoh med praksisen til dansere og koreografer fra det tidlige 20. århundre - Isadora Duncan, Martha Graham, Mary Wigman snakker om innflytelsen på senere "postmoderne" dans.

Et fragment av dansen til Katsura Kana, den moderne etterfølgeren til butoh-tradisjonen

I dag er butoh i sin opprinnelige form ikke lenger en avantgarde-praksis, men en historisk rekonstruksjon.

Imidlertid er bevegelsesvokabularet utviklet av Ono, Hijikata og deres tilhengere fortsatt en betydelig ressurs for moderne koreografer. I Vesten brukes den av Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky og til og med i videoen til «Belong To The World» av The Weekend. I Japan er etterfølgeren til butoh-tradisjonen for eksempel Saburo Teshigawara, som kommer til Russland i oktober. Selv om han selv benekter paralleller med mørkets dans, finner kritikere ganske gjenkjennelige tegn: en tilsynelatende benløs kropp, skjørhet, lydløst steg. Riktignok er de allerede plassert i sammenheng med postmodernistisk koreografi – med sitt høye tempo, løp, arbeid med postindustriell støymusikk.

Saburo Teshigawara. metamorfose

Lokalt globalt. Hvordan ligner japansk samtidskunst på vestlig kunst?

Verkene til Teshigawara og mange av hans kolleger passer organisk inn i programmene til de beste vestlige samtidsdansfestivalene. Hvis du skumles gjennom beskrivelser av forestillinger og forestillinger som ble vist på Festival/Tokyo, den største årlige forestillingen av japansk teater, vil det være vanskelig å merke grunnleggende forskjeller fra europeiske trender.

Et av de sentrale temaene er stedsspesifisitet – japanske kunstnere utforsker Tokyos rom, alt fra klumper av kapitalisme i form av skyskrapere til marginale områder med otaku-konsentrasjon.

Et annet tema er studiet av intergenerasjonell misforståelse, teatret som et sted for levende møte og organisert kommunikasjon av mennesker i ulike aldre. Prosjekter dedikert til henne av Toshika Okada og Akira Tanayama ble brakt til Wien flere år på rad til en av de viktigste europeiske scenekunstfestivalene. Det var ikke noe nytt i overføringen av dokumentarmateriale og personlige historier til scenen på slutten av 2000-tallet, men kuratoren for Wienfestivalen presenterte disse prosjektene for publikum som en mulighet for live, punkt-til-punkt-kontakt med en annen. kultur.

En annen hovedlinje er å jobbe gjennom den traumatiske opplevelsen. For japanerne er det ikke assosiert med Gulag eller Holocaust, men med bombingen av Hiroshima og Nagasaki. Teateret refererer til ham konstant, men den kraftigste uttalelsen om atomeksplosjoner som øyeblikket for opprinnelsen til all moderne japansk kultur tilhører fortsatt Takashi Murakami.

til utstillingen "Little Boy: The Arts of Japan's Exploding Subculture"

"Little Boy: The Arts of Japan's Exploding Subculture" er tittelen på hans kuraterte prosjekt som ble vist i New York i 2005. "Little Boy" - "baby" på russisk - navnet på en av bombene som ble sluppet over Japan i 1945. Ved å samle hundrevis av manga-tegneserier fra ledende illustratører, karakteristiske vintageleker, varer inspirert av kjent anime fra Godzilla til Hello Kitty, har Murakami presset konsentrasjonen av søthet - kawaii - til det ytterste i museumsrommet. Parallelt lanserte han et utvalg animasjoner der sentrale bilder det var bilder av eksplosjoner, bar jord, ødelagte byer.

Denne motstanden var den første store uttalelsen om infantiliseringen av japansk kultur som en måte å takle posttraumatisk stresslidelse på.

Nå virker denne konklusjonen allerede åpenbar. En akademisk studie av kawaii av Inuhiko Yomota er bygget på den.

Det er også senere traumatiske triggere. Av de viktigste - hendelsene 11. mars 2011, jordskjelvet og tsunamien som førte til en storulykke ved atomkraftverket i Fukushima. På Festival/Tokyo-2018 ble et helt program på seks forestillinger viet til å forstå konsekvensene av en natur- og teknologikatastrofe; de ble også tema for et av verkene som ble presentert på Solyanka. Dette eksemplet viser tydelig at arsenalet kritiske metoder Vestlig og japansk kunst er ikke fundamentalt forskjellig. Haruyuki Ishii lager en installasjon av tre TV-apparater som går gjennom høyhastighetsredigerte og loopede opptak fra TV-programmer om jordskjelvet.

"Verket består av 111 videoer som kunstneren så hver dag i nyhetene til det øyeblikket da alt han så ikke lenger ble oppfattet som fiksjon," forklarer kuratorene. «New Japan» er et uttrykksfullt eksempel på hvordan kunst ikke motsetter seg tolkning basert på nasjonale myter, men samtidig kritisk øye finner at den samme tolkningen kan være relevant for kunst av enhver opprinnelse. Kuratorene snakker om kontemplasjon som grunnlaget for den japanske tradisjonen, med utgangspunkt i sitater fra Lao Tzu. Samtidig, som om man utelater fra parentesen at nesten all samtidskunst er fokusert på «observatøreffekten» (som utstillingen heter) – enten det er i form av å skape nye kontekster for oppfatningen av kjente fenomener eller i å heve spørsmålet om muligheten for adekvat persepsjon som sådan.

Imagined Communities - nok et verk av videokunstneren Haruyuki Ishii

Spill

Man skal imidlertid ikke tro at Japan på 2010-tallet er en konsentrasjon av progressivitet.

Vanene til den gode gamle tradisjonalismen og kjærligheten til orientalistisk eksotisme har ennå ikke blitt overlevd. "The Theatre of Virgins" er tittelen på en ganske beundrende artikkel om det japanske teatret "Takarazuka" i det russiske konservative magasinet "PTJ". Takarazuka dukket opp på slutten av 1800-tallet som et forretningsprosjekt for å tiltrekke turister til en avsidesliggende by med samme navn, som ved et uhell ble endestasjonen til en privat jernbane. Bare ugifte jenter spiller i teatret, som ifølge eieren av jernbanen skulle lokke mannlige tilskuere til byen. I dag fungerer Takarazuka som en industri – med egen TV-kanal, tett konsertprogram, til og med den lokale fornøyelsesparken. Men det er fortsatt kun ugifte jenter som har rett til å være med i troppen – la oss håpe de ikke sjekker jomfrudommen i det minste.

Takarazuka blekner imidlertid i forhold til Toji Deluxe-klubben i Kyoto, som japanerne også kaller teater. De viser helt vilt, skal man dømme etter beskrivelse New Yorker-spaltist Ian Buruma, stripteaseshow: flere nakne jenter på scenen gjør demonstrasjonen av kjønnsorganer til et offentlig ritual.

Som mange andre kunstneriske praksiser er dette showet basert på eldgamle legender (ved hjelp av et stearinlys og et forstørrelsesglass kunne mennene fra publikum byttet på å utforske "hemmelighetene til morgudinnen Amaterasu"), og forfatteren selv ble minnet på av noh-tradisjonen.

Søk Vestlige kolleger for "Takarazuki" og Toji vil vi overlate det til leseren - det er ikke vanskelig å finne dem. Vi bemerker bare at en betydelig del av moderne kunst er rettet nettopp mot å bekjempe slike undertrykkelsesmetoder – både vestlig og japansk, alt fra superflat til butoh-dans.

Til tross for at Japan anses for å være et land med stigende teknologier over hele verden, har samtidskunst ikke hastverk med å bryte bånd med tradisjon. Utstillingen «Mono no Avare. The Charm of Things» er en trist historie om menneskets tilstand i plastalderen.

Mono no aware - et estetisk prinsipp som er karakteristisk for japansk kultur, som ga navnet til utstillingen, betyr den triste sjarmen til ting, en følelse av fascinasjon for den åpenbare og implisitte skjønnheten til ting og fenomener, med en obligatorisk nyanse av årsaksløs tristhet forårsaket av en følelse av den illusoriske natur og skrøpelighet av alt synlig. Det er uløselig knyttet til den tradisjonelle japanske religionen shintoisme. Shintoister tror at alle ting er utstyrt med den åndelige essensen "kami". Det finnes i alle gjenstander: både i tre og stein. "Kami" er udødelige og er inkludert i syklusen av liv og død, der alt i verden hele tiden oppdateres.

Og selv om samtidskunst snakker et internasjonalt språk, er den japanske samtidskunsten som presenteres i denne utstillingen bedre sett fra deres tradisjoner.

Den innledende installasjonen av kunstneren Hiraki Sawa tok et helt rom, og er et skyggeteater hvor skuespillerne er husgeråd. Den ble bygget etter prinsippet om en barnejernbane. Et tog med lommelykt passerer gjennom landskapet skapt av kunstneren, en lysstråle føder en makroverden fra tingenes mikroverden. Og nå er det allerede Birch Grove og ikke vertikalt stående blyanter; og dette er kraftledninger på markene, og ikke hengende klesklyper; og en omvendt plastkum med håndtak er en tunnel. Verket heter «Inside», det ble vist på Veneziabiennalen tidligere.

Maleriet av Shinishiro Kano kan kalles primitiv surrealisme. I Kanos stilleben er en basketball, planeten Jorden og frukt i én tallerken.

Det er ikke selve maleriet i maleriet, men kun en ramme malt i olje. På det ene lerretet er en figur av en guddom i en rød kimono kombinert med et rødt håndkle hengt på en krok på den andre. Handler ikke denne billedserien om verdens illusoriske natur? Eller kanskje at hver ting har en kami.

I maleriet av Masaya Chiba, på bakgrunn av en vakker jungel, er det to skikkelser: antropomorfe skapninger som er avfeldige fra hvit materie, som knapt ligner en mann og en kvinne. De er festet på pinner som orientalske teaterdukker. Materien er dødelig, den er bare et skall – som om forfatteren vil fortelle oss det. Hans andre maleri "Sleeping Man" er omtrent det samme. Det er ingen person på bildet, bare en håndfull ting på ottomanen: gamle fotografier og postkort, dyrkede kaktuser, hansker, favorittbånd, en krukke med krydder og et sett med verktøy.

Kunstneren Teppei Kanueji "skulpturer" (bygget objekt) sin person etter samme prinsipp: han limer husholdningsavfall i form av en antropomorf skapning og dekker den med hvit maling.

En enorm mandala er foret med salt på gulvet; dette er et tradisjonelt tempelritual for Japan, som tilsynelatende kommer fra buddhismen. Et slikt smykke fanger ånden til enten en labyrint eller et kart over et mystisk land, og hvor godt det er at det ikke er vind i museet. Denne installasjonen er unik, kunstneren har laget den i flere dager innenfor museets vegger. Det er også en interessant japansk tradisjon: før kampen drysser sumobrytere salt på bakken.

Hiroaki Moritas installasjon "From Evian to Volvik" åpner ganske mye interessant emne moderne for Japan - plastbehandling. På glasshyllen ligger en flaske Evian-vann, skyggen fra den faller nøyaktig inn i halsen på en annen flaske Volvik som står på gulvet. Det skaper en illusjon om at vann renner fra flaske til flaske. Absurd ved første blikk. For japanerne symboliserer dette konseptuelle verket ikke bare syklusen til "kami", det vil si den åndelige essensen, men også i bokstavelig prinsippet om resirkulering - resirkulering. Som en øynasjon var Japan en av de første som lærte å samle inn, sortere og resirkulere plastavfall. Fra det resulterende materialet blir ikke bare nye flasker og joggesko reprodusert, men til og med kunstige øyer blir laget.

Teppei Kuneujis installasjon ligner ved første øyekast en søppelsorteringsstasjon. Plastgjenstander er lagt ut her i forskjellige rekkefølger: scoops, former, ulike leker, kleshengere, fargede tannbørster, slanger, glass og andre. Strødd med hvitt pulver ser det ut til at de ligger her i en evighet. Når du går blant disse kjente gjenstandene, men som nå ikke er i bruk, og betrakter dem allerede løsrevet, får du en følelse som ligner meditasjon i en steinhage. I sine fotokollasjer bygger Teppei Kuneuji "mentalt" tårn av konstruksjonsrester. Men dette er ikke slike kinetiske kjeder som den kunstneriske duoen Fishli og Weiss, men som en buddhistisk hellig bygning der stein hviler på stein uten bindemateriale.

Kunstneren Suda Yoshihiro plasserte en dyktig laget rosa trerose med ett nedfallent kronblad mellom rutene i museumsvinduet med utsikt over Moikaen. Når jeg ser på denne svært subtile og poetiske intervensjonen i museet, vil jeg begynne å snakke i japanske vers i haiku-sjangeren, som: "Vinter. Selv en rose i et museum blomstrer for alltid.»

Et annet ikke mindre poetisk verk, The Opposite of Volume, av Onishi Yasuaki viser til arbeidet til middelaldermaleren og zen-munken Toyo Sesshu. Denne japanske klassikeren er kjent for å bringe til landet stigende sol Kinesisk monokrom blekktegning.

Yasuakis installasjon er en grå polyetylen tredimensjonal silhuett av et fjell, med stråler (som regn) av frossen flytende plast som faller på den fra taket. De sier å lage et "tomt" fjell under en regnskyll, som med en monokrom Toyo malerier Sessu, kunstneren måtte bygge et fjell av bokser, dekke det med tynt polyetylen og deretter dryppe varm plast fra taket.

Til slutt, Kengo Kito-installasjonen: kranser av fargede sportsbøyler i plast som henger ned, som om "japanske hilsener", brakt til Russland for å olympiske leker. Det er merkelig at utstillingen «The Charm of Things» bruker plast som et materiale som japanske kunstnere berører ikke bare miljømessige, men også åndelige spørsmål.