lar › Motor › URSS as melhores ilustrações para crianças. Inesquecível: Ilustradores de Contos de Fadas Infantis

URSS as melhores ilustrações para crianças. Inesquecível: Ilustradores de Contos de Fadas Infantis

1.3 Ilustradores famosos

Uma ilustração não é apenas um acréscimo ao texto, mas uma obra de arte de seu tempo. A ilustração de livros infantis serve a muitos propósitos. Incorpora fantasias, revive memórias, ajuda a participar de aventuras, desenvolve a mente, o coração e a alma de uma criança. Grande responsabilidade por isso causa nobre cai sobre os ombros do ilustrador. Gostaria de recordar ilustradores nacionais e estrangeiros famosos que deram uma contribuição significativa para a arte da arte infantil ilustração de livro.

O ilustrador do conto de fadas russo foi o notável artista Ivan Yakovlevich Bilibin (1876-1942). Ele é conhecido como um dos mais idiossincráticos e mestres originais gráficos, criador de um tipo especial de livro ilustrado. Este é um livro-caderno fino de grande formato, equipado com grandes desenhos coloridos. O artista aqui não foi apenas o autor dos desenhos, mas também de todos os elementos decorativos do livro - capa, iniciais, tipo especial fonte e decorações ornamentais. Em 1901-1903, Bilibin criou ilustrações para os contos de fadas "The Frog Princess", "Vasilisa the Beautiful", "Marya Morevna", "White Duck", etc. Suas obras são conhecidas pelos contos de fadas de A. S. Pushkin "The Tale do Czar Saltan", "O Conto do Galo de Ouro", "O Conto do Pescador e do Peixe". Uma das características das ilustrações de Bilibin é o humor e aquela ironia impiedosa e afiada que é tão característica dos contos folclóricos russos. Bilibin está trabalhando com entusiasmo em esboços para a primeira produção de The Golden Cockerel, de Rimsky-Korsakov. Personagens de contos de fadas - bons e maus, bonitos e feios - nos emocionam desde a infância, nos ensinam a amar o bem e a beleza, a odiar o mal, a covardia, a injustiça.

Viktor Mikhailovich Vasnetsov (1848-1926) é um dos primeiros artistas russos que ultrapassou os limites dos gêneros usuais e mostrou mundo de fadas, iluminada pela imaginação poética do povo. Vasnetsov, um dos primeiros artistas russos, passou a recriar as imagens de contos populares e épicos na pintura. Seu destino acabou como se ele estivesse destinado a ser o cantor de um conto de fadas russo. Sua infância passou na região pitoresca de Vyatka. Uma cozinheira falante que conta contos de fadas para crianças, histórias de errantes que viram muito na vida, segundo o próprio artista, “me fez amar o passado e o presente do meu povo por toda a vida, determinou em grande parte o meu caminho”. Já no início de seu trabalho, ele criou uma série de ilustrações para o Cavalinho Corcunda e O Pássaro de Fogo. Além dos contos de fadas, tem obras dedicadas a imagens heroicasépicos. "O Cavaleiro na Encruzilhada", "Três Heróis". A famosa pintura "Ivan Tsarevich em Lobo cinza"Escrito no enredo de um dos contos de fadas mais famosos e difundidos reproduzidos em gravuras populares do século XVIII.

Yuri Alekseevich Vasnetsov (1900-1973) - ilustrou e desenhou contos folclóricos russos, canções, rimas infantis, bem como livros de autores infantis famosos: V. Bianki, K. Chukovsky, S. Marshak, etc. dos contos de fadas russos. "Três Ursos", "Cavalo Corcunda", "Teremok" e muitos outros. Paisagens fantásticas e fabulosas são baseadas nas impressões da verdadeira natureza russa. Os pássaros e animais do artista adquirem os hábitos que ele percebeu na realidade. Além dos mestres domésticos, existem maravilhosos artistas estrangeiros que criou muitas ilustrações incríveis e bonitas de contos de fadas.

Moritz von Schwyz (1804-1871) famoso pintor e ilustrador alemão. Ele criou as chamadas "ilustrações monumentais" baseadas em contos de fadas. São grandes telas de arte que podem ser vistas nos corredores da Alte Pinakothek de Munique. As onze aquarelas de Schwitz são amplamente conhecidas, são os ciclos "Cinderela", "Sete Corvos e uma Irmã Fiel", "Bela Melusina". Ele criou as famosas folhas gráficas repetidamente reproduzidas para os contos de fadas "Sete Suábios", "Gato de Botas", para a coleção "Canções, Charadas e Fábulas Infantis Antigas e Novas", "Fábulas" de La Fontaine. Incomumente emocionalmente expressivas são suas ilustrações para o conto de fadas "O Juniper", a lenda de Ryubetsal e o patriarcal de boa índole "A História da Bela Sereia" de E. Mörik.

O estilo gráfico do famoso artista e escultor francês Gustave Dore (1833-1883), combinando a leveza de um traço com uma linha tensa, a capacidade de enriquecer a essência de uma obra ilustrada com inúmeros achados originais, encontrou uma resposta entusiástica do público francês. Dore é um dos ilustradores mais famosos e prolíficos da segunda metade do século XIX. Ele é mais conhecido por suas ilustrações de livros. obras literárias: "Rabelais Ilustrado" (1854), "Dom Quixote" de Cervantes (1862), " A Divina Comédia"Dante (1861-1868), bem como ilustrações para Balzac, Milton. As ilustrações de Doré para os contos de fadas de Charles Perrault são consideradas clássicas.

Jon Bauer (1882-1917) tornou-se amplamente conhecido por suas ilustrações para o livro Between Dwarves and Trolls (sueco: Bland tomtar och troll), publicado anualmente na Suécia no Natal. Foi ele quem criou a tradição à imagem da fabulosa floresta e dos seus habitantes. personagens mágicos. Bauer se especializou em ilustrações para lendas escandinavas.

Toda uma galeria de imagens fabulosas de animais humanizados foi criada por Granville (seu nome verdadeiro é Gerard Jean-Iñas Isidore) (1803-1847) - artista francês, artista gráfico, cartunista e ilustrador. Ele teve uma grande influência no estilo dos livros ilustrados infantis. Ele ilustrou as fábulas de Lafontaine (1837), "As Aventuras de Gulliver" de J. Swift (1839-1843).

Na virada do século, novos autores talentosos apareceram na Grã-Bretanha. No início do século XX, alguns dos melhores livros de F.Kh. Burnett, E. Nesbit e R. Kipling. Poeta Extraordinário e o romancista Joseph Rudyard Kipling está sozinho na literatura inglesa desse período. Ele é uma combinação de uma visão profundamente conservadora e um brilhante talento original. Em seus contos de fadas para crianças, o bom humor e a rica imaginação triunfam. Para alguns contos de fadas, Kipling fez ilustrações como artista.

Kate Greenaway (1846-1901) foi uma artista inglesa que se tornou famosa por suas ilustrações de livros para crianças, incluindo contos de fadas. O primeiro livro de Greenway, Under the Window, foi um grande sucesso. Um dos mais trabalho famoso os artistas tornaram-se ilustrações para "Os Contos da Mamãe Ganso" e a lenda do Flautista de Hamelin.

Uma marca significativa na história da ilustração infantil foi deixada por Disney, Jonaitis, Kittelsen, Tuvi Janson (ilustrado por próprios contos de fadas sobre Mummy Trolls), O. Balovintseva, que se tornou amplamente conhecida graças às suas maravilhosas ilustrações para contos de fadas árabes.

Capítulo II. computação gráfica na ilustração do livro

Escrito por Goethe. Esses problemas estão apenas indiretamente relacionados ao nosso trabalho. No entanto, há alguma conexão aqui também. O objetivo do nosso trabalho é a automação e teste de métodos de psicodiagnóstico no trabalho de orientação profissional com alunos mais velhos. Traduzida literalmente, a palavra ecologia significa a ciência que estuda a casa, o habitar. Em outras palavras, um determinado ambiente. No nosso caso, considere...

O local experimental foi escolhido classe 9 A. Há 29 alunos nesta classe: 17 meninos e 12 meninas. Objetivo da experiência: identificar as condições psicológicas e pedagógicas para a autodeterminação profissional dos alunos no processo de ensino de biologia; bem como a formação de uma motivação positiva estável para estudar o curso de biologia e o desenvolvimento da autodeterminação profissional dos alunos ao estudar o curso "Geral ...

17.01.2012 Avaliação: 0 Votos: 0 Comentários: 23

Para que serve um livro, pensou Alice.
- se não houver fotos ou conversas nele?
"Alice no País das Maravilhas"

Surpreendentemente, a ilustração infantil da Rússia (URSS)
Há ano exato nascimento - 1925. Este ano
um departamento de literatura infantil foi criado em Leningrado
Editora Estadual (GIZ). Antes deste livro
com ilustrações especialmente para crianças não foram publicados.

Quem são eles - os autores das mais queridas e belas ilustrações que são lembradas desde a infância e que nossos filhos gostam?
Aprenda, lembre-se, compartilhe sua opinião.
O artigo foi escrito a partir de histórias de pais de crianças de hoje e resenhas de livros em sites de livrarias online.

Vladimir Grigorievich Suteev(1903-1993, Moscou) - escritor infantil, ilustrador e animador. Suas fotos gentis e engraçadas parecem molduras de um desenho animado. Os desenhos de Suteev transformaram muitos contos de fadas em obras-primas.
Assim, por exemplo, nem todos os pais consideram as obras de Korney Chukovsky um clássico necessário, e a maioria deles não considera suas obras talentosas. Mas os contos de fadas de Chukovsky, ilustrados por Vladimir Suteev, quero segurar em minhas mãos e ler para as crianças.

Boris Alexandrovich Dekhterev(1908-1993, Kaluga, Moscou) - Artista do Povo, artista gráfico soviético (acredita-se que a "Escola de Dekhterev" determinou o desenvolvimento gráficos de livros países), ilustrador. Trabalhou principalmente na técnica de desenho a lápis e aquarela. velho ilustrações gentis Dekhterev é toda uma era na história da ilustração infantil, muitos ilustradores chamam Boris Aleksandrovich de professor.

Dekhterev ilustrou contos de fadas infantis de Alexander Sergeevich Pushkin, Vasily Zhukovsky, Charles Perrault e Hans Christian Andersen. Bem como obras de outros escritores russos e clássicos mundiais, como Mikhail Lermontov, Ivan Turgenev, William Shakespeare.

Nikolay Alexandrovich Ustinov(1937, Moscou), Dekhterev foi seu professor, e muitos ilustradores modernos já consideram Ustinov seu professor.

Nikolai Ustinov - Artista do Povo, ilustrador. Contos com suas ilustrações foram publicados não apenas na Rússia (URSS), mas também no Japão, Alemanha, Coréia e outros países. Quase trezentas obras ilustradas artista famoso para editoras: "Literatura Infantil", "Criança", "Artista da RSFSR", editoras de Tula, Voronezh, São Petersburgo e outras. Ele trabalhou na revista Murzilka.
As ilustrações de Ustinov para contos folclóricos russos continuam sendo as favoritas das crianças: Três Ursos, Masha e o Urso, Irmã Chanterelle, Princesa Sapo, Gansos, Cisnes e muitos outros.

Yuri Alekseevich Vasnetsov(1900-1973, Vyatka, Leningrado) - artista popular e ilustrador. Todas as crianças gostam de suas fotos para canções folclóricas, canções de ninar e piadas (Ladushki, arco-íris). Ele ilustrou contos folclóricos, contos de Leo Tolstoi, Pyotr Ershov, Samuil Marshak, Vitaly Bianchi e outros clássicos da literatura russa.

Ao comprar livros infantis com ilustrações de Yuri Vasnetsov, certifique-se de que os desenhos sejam claros e moderadamente brilhantes. Usando o nome artista famoso, ultimamente, os livros costumam ser publicados com digitalizações difusas de desenhos ou com brilho e contraste não naturais aumentados, e isso não é muito bom para os olhos das crianças.

Leonid Viktorovich Vladimirsky(nascido em 1920, Moscou) é um artista gráfico russo e o ilustrador mais popular de livros sobre o Pinóquio de A. N. Tolstoi e a Cidade das Esmeraldas de A. M. Volkov, graças ao qual se tornou amplamente conhecido na Rússia e nos países da ex-URSS. Pintei com aquarela. São as ilustrações de Vladimirsky que muitos reconhecem como clássicas para as obras de Volkov. Pois bem, Pinóquio na forma em que foi conhecido e amado por várias gerações de crianças é sem dúvida o seu mérito.

Viktor Alexandrovich Chizhikov(nascido em 1935, Moscou) - Artista do Povo da Rússia, autor da imagem do filhote de urso Mishka, mascote dos Jogos Olímpicos de Verão de 1980 em Moscou. O ilustrador da revista "Crocodile", "Funny Pictures", "Murzilka", por muitos anos desenhou para a revista "Around the World".
Chizhikov ilustrou as obras de Sergei Mikhalkov, Nikolai Nosov (Vitya Maleev na escola e em casa), Irina Tokmakova (Alya, Klyaksich e a letra "A"), Alexander Volkov (O Mágico cidade esmeralda), poemas de Andrey Usachev, Korney Chukovsky e Agnia Barto e outros livros.

Para ser justo, deve-se notar que as ilustrações de Chizhikov são bastante específicas e caricatas. Portanto, nem todos os pais preferem comprar livros com suas ilustrações, se houver uma alternativa. Por exemplo, os livros "The Wizard of the Emerald City" são preferidos por muitos com ilustrações de Leonid Vladimirsky.

Nikolai Ernestovich Radlov(1889-1942, São Petersburgo) - artista russo, crítico de arte, professor. Ilustrador de livros infantis: Agnia Barto, Samuil Marshak, Sergei Mikhalkov, Alexander Volkov. Radlov pintou para crianças com grande prazer. o mais dele livro famoso- banda desenhada para crianças "Histórias em imagens". Este é um livro-álbum com histórias engraçadas sobre animais e pássaros. Anos se passaram, mas a coleção ainda é muito popular. Histórias em fotos foram repetidamente reimpressas não apenas na Rússia, mas também em outros países. Sobre Competição internacional livro infantil na América em 1938, o livro ganhou o segundo prêmio.

Alexey Mikhailovich Laptev(1905-1965, Moscou) - artista gráfico, ilustrador de livro, poeta. As obras do artista estão em muitos museus regionais, bem como em coleções particulares na Rússia e no exterior. Ilustrado "As aventuras de Dunno e seus amigos" de Nikolai Nosov, "Fábulas" de Ivan Krylov, revista "Funny Pictures". O livro com seus poemas e fotos “Pik, Pak, Pok” já é muito amado por qualquer geração de filhos e pais (Briff, um urso ganancioso, potros Chernysh e Ryzhik, cinquenta lebres e outros)

Ivan Yakovlevich Bilibin(1876-1942, Leningrado) - Artista russo, ilustrador de livros e designer de teatro. Bilibin ilustrou um grande número de contos de fadas, incluindo os de Alexander Sergeevich Pushkin. Ele desenvolveu seu próprio estilo - "Bilibino" - uma representação gráfica, levando em consideração as tradições da antiga arte russa e folclórica, um desenho de contorno padronizado cuidadosamente traçado e detalhado, colorido com aquarelas. O estilo de Bilibin tornou-se popular e começou a ser imitado.

Contos de fadas, épicos, imagens da antiga Rus 'para muitos, há muito estão inextricavelmente ligados às ilustrações de Bilibin.

Vladimir Mikhailovich Konashevich(1888-1963, Novocherkassk, Leningrado) - artista russo, artista gráfico, ilustrador. Comecei a ilustrar livros infantis por acaso. Em 1918, sua filha tinha três anos. Konashevich desenhou para ela cada letra do alfabeto. Um amigo meu viu esses desenhos, gostou. Assim foi impresso o “ABC in Pictures” - o primeiro livro de V. M. Konashevich. Desde então, o artista tornou-se ilustrador de livros infantis.
A partir da década de 1930, a ilustração de literatura infantil tornou-se o principal negócio de sua vida. Konashevich também ilustrou literatura adulta, se dedicou à pintura, pintou quadros em uma técnica específica de que gostava - tinta ou aquarela sobre papel chinês.

As principais obras de Vladimir Konashevich:
- ilustração de contos de fadas e canções povos diferentes, alguns dos quais foram ilustrados várias vezes;
- contos de fadas de G.Kh. Andersen, irmãos Grimm e Charles Perrault;
- "The Old Man-Year-Old" de V. I. Dahl;
- obras de Korney Chukovsky e Samuil Marshak.
O último trabalho do artista foi ilustrar todos os contos de fadas de A. S. Pushkin.

Anatoly Mikhailovich Savchenko(1924-2011, Novocherkassk, Moscou) - cartunista e ilustrador de livros infantis. Anatoly Savchenko foi o desenhista de produção dos desenhos animados "Kid and Carlson" e "Carlson return" e autor de ilustrações para livros de Astrid Lindgren. O desenho animado mais famoso funciona com sua participação direta: Moidodyr, as aventuras de Murzilka, Petya e Chapeuzinho Vermelho, Vovka em Far Far Away, O Quebra-Nozes, Fly-Tsokotukha, o papagaio de Kesha e outros.
As crianças estão familiarizadas com as ilustrações de Savchenko dos livros: "Piggy está ofendido" de Vladimir Orlov, "Kuzya Brownie" de Tatyana Alexandrova, "Contos para o menor" de Gennady Tsyferov, "Little Baba Yaga" de Preysler Otfried, bem como livros com obras semelhantes a desenhos animados.

Oleg Vladimirovich Vasiliev(nascido em 1931, Moscou). Suas obras estão nas coleções de muitos museus de arte na Rússia e nos EUA, incl. no Estado Galeria Tretyakov em Moscou. Desde os anos 60, há mais de trinta anos que desenha livros infantis em colaboração com Erik Vladimirovich Bulatov(Nasceu em 1933, Sverdlovsk, Moscou).
As mais famosas são as ilustrações dos artistas para contos de fadas de Charles Perrault e Hans Andersen, poemas de Valentin Berestov e contos de fadas de Gennady Tsyferov.

Boris Arkadyevich Diodorov(nascido em 1934, Moscou) - Artista do Povo. Técnica favorita - gravura colorida. Autor de ilustrações para muitas obras de russo e clássicos estrangeiros. Suas ilustrações mais famosas para contos de fadas são:

Jan Ekholm "Tutta Karlsson o Primeiro e Único, Ludwig o décimo quarto e outros";
- Selma Lagerlöf "A incrível jornada de Niels com Ganso selvagem»;
- Sergey Aksakov "A Flor Escarlate";
- Obras de Hans Christian Andersen.

Diodorov ilustrou mais de 300 livros. Seus trabalhos foram publicados nos EUA, França, Espanha, Finlândia, Japão, Coréia do Sul e outros países. Trabalhou como artista-chefe da editora "Literatura Infantil".

Evgeny Ivanovich Charushin(1901-1965, Vyatka, Leningrado) - artista gráfico, escultor, escritor de prosa e escritor de animais infantis. Basicamente, as ilustrações são executadas de forma livre desenho aquarela com um pouco de humor. As crianças adoram, até as crianças. Conhecido pelas ilustrações de animais que desenhou para suas próprias histórias: "Sobre Tomka", "Volchishko e outros", "Nikitka e seus amigos" e muitos outros. Ele também ilustrou outros autores: Chukovsky, Prishvin, Bianki. O livro mais famoso com suas ilustrações é "Children in a Cage", de Samuil Yakovlevich Marshak.

Evgeny Mikhailovich Rachev(1906-1997, Tomsk) - pintor de animais, artista gráfico, ilustrador. Ele ilustrou principalmente contos populares russos, fábulas e contos de fadas dos clássicos da literatura russa. Ele ilustrou principalmente obras em que os personagens principais são animais: contos de fadas russos sobre animais, fábulas.

Ivan Maksimovich Semyonov(1906-1982, Rostov-on-Don, Moscou) - Artista do Povo, artista gráfico, cartunista. Semenov trabalhou nos jornais " TVNZ”, “Pionerskaya Pravda”, as revistas “Change”, “Crocodile” e outras. Em 1956, por sua iniciativa, foi criada a primeira revista humorística para crianças da URSS, “Funny Pictures”.
Suas ilustrações mais famosas: às histórias de Nikolai Nosov sobre Kolya e Mishka (Sonhadores, chapéu vivo e outros) e desenhos "Bobik visitando Barbos".

Os nomes de alguns outros ilustradores de livros infantis russos contemporâneos famosos:

- Vyacheslav Mikhailovich Nazaruk(nascido em 1941, Moscou) - desenhista de produção de dezenas filmes de animação: Little Raccoon, Adventures of Leopold the Cat, Mom for a mamute, contos de Bazhov e ilustrador de livros com o mesmo nome.

- Nadezhda Bugoslavskaya(o autor do artigo não encontrou informações biográficas) - autor de belas ilustrações para muitos livros infantis: Poemas e canções de Mamãe Ganso, poemas de Boris Zakhoder, obras de Sergei Mikhalkov, obras de Daniil Kharms, histórias de Mikhail Zoshchenko , "Pippi meia longa» Astrid Lindgren e outros.

- Igor Egunov(o autor do artigo não encontrou informações biográficas) - um artista contemporâneo, autor de ilustrações brilhantes e bem desenhadas para livros: "As Aventuras do Barão Munchausen" de Rudolf Raspe, "O Pequeno Cavalo Corcunda" de Pyotr Ershov, fada contos dos irmãos Grimm e Hoffmann, contos de fadas sobre heróis russos.

- Evgeny Antonenkov(nascido em 1956, Moscou) - ilustrador, técnica favorita é aquarela, caneta e papel, mídia mista. As ilustrações são modernas, inusitadas, destacam-se entre outras. Alguns olham para eles com indiferença, outros se apaixonam por fotos engraçadas à primeira vista.
As ilustrações mais famosas: aos contos de Winnie the Pooh (Alan Alexandre Milne), "Contos infantis russos", poemas e contos de fadas de Samuil Marshak, Korney Chukovsky, Gianni Rodari e Yunna Moritz. Stupid Horse de Vladimir Levin (baladas folclóricas inglesas), ilustrado por Antonenkov, é um dos mais livros populares saída 2011.
Evgeny Antonenkov colabora com editoras na Alemanha, França, Bélgica, EUA, Coréia, Japão e é um participante regular em prestigiadas exposições internacionais, laureado do concurso “White Crow” (Bolonha, 2004), vencedor do diploma “Livro do Ano” (2008).

- Igor Yulievich Oleinikov(nascido em 1953, Moscou) - animador, trabalha principalmente com animação desenhada à mão, ilustrador de livros. Surpreendentemente, um artista contemporâneo tão talentoso não tem uma educação artística especial.
Na animação, Igor Oleinikov é conhecido por seus filmes: O Segredo do Terceiro Planeta, O Conto do Czar Saltan, Sherlock Holmes e Eu, entre outros. Trabalhou com as revistas infantis "Tram", "Vila Sésamo" Boa noite, crianças! e outros.
Igor Oleinikov coopera com editoras no Canadá, EUA, Bélgica, Suíça, Itália, Coréia, Taiwan e Japão, participa de prestigiosas exposições internacionais.
As ilustrações mais famosas do artista para livros: "O Hobbit, ou Lá e de Volta" de John Tolkien, "As Aventuras do Barão Munchausen" de Erich Raspe, "As Aventuras de Despero Mouse" de Kate DiCamillo, "Peter Pan" por James Barry. Livros recentes com ilustrações de Oleinikov: poemas de Daniil Kharms, Joseph Brodsky, Andrey Usachev.

Ana Agrova

" Anterior

Ilustradores de livros infantis. Quem são os autores das fotos mais favoritas? Para que serve um livro, pensou Alice, se não houver figuras ou conversas nele? "As Aventuras de Alice no País das Maravilhas"

Vladimir Grigoryevich Suteev (1903-1993, Moscou) - escritor infantil, ilustrador e diretor de animação. Suas fotos gentis e engraçadas parecem molduras de um desenho animado. Os desenhos de Suteev transformaram muitos contos de fadas em obras-primas.

Quem disse miau?

Boris Alexandrovich Dekhterev (1908-1993, Kaluga, Moscou) - Artista do Povo, artista gráfico soviético, ilustrador. Trabalhou principalmente na técnica de desenho a lápis e aquarela. As boas e velhas ilustrações de Dekhterev são uma era inteira na história da ilustração infantil, muitos ilustradores chamam Boris Aleksandrovich de professor. Dekhterev ilustrou contos de fadas infantis de A. S. Pushkin, Vasily Zhukovsky, Charles Perrault, Hans Christian Andersen, M. Lermontov, Ivan Turgenev e William Shakespeare.

Yuri Alekseevich Vasnetsov (1900-1973, Vyatka, Leningrado) - Artista do Povo e Ilustrador. Todas as crianças gostam de suas fotos para canções folclóricas, canções de ninar e piadas (Ladushki, arco-íris). Ele ilustrou contos folclóricos, contos de Leo Tolstoi, Pyotr Ershov, Samuil Marshak, Vitaly Bianchi e outros clássicos da literatura russa.

Leonid Viktorovich Vladimirsky (nascido em 1920, Moscou) é um artista gráfico russo e o ilustrador mais popular de livros sobre o Pinóquio de A. N. Tolstoi e a Cidade Esmeralda de A. M. Volkov, graças aos quais ele se tornou amplamente conhecido. Pintei com aquarela. Pinóquio na forma como foi conhecido e amado por várias gerações de crianças é sem dúvida o seu mérito.

Viktor Alexandrovich Chizhikov (nascido em 1935, Moscou) é um Artista do Povo da Rússia, autor da imagem do filhote de urso Mishka, mascote dos Jogos Olímpicos de Verão de 1980 em Moscou. O ilustrador da revista "Crocodile", "Funny Pictures", "Murzilka", por muitos anos desenhou para a revista "Around the World". Chizhikov ilustrou as obras de Sergei Mikhalkov, Nikolai Nosov (Vitya Maleev na escola e em casa), Irina Tokmakova (Alya, Klyaksich e a letra "A"), Alexander Volkov (O Mágico de Oz), poemas de Andrey Usachev, Korney Chukovsky e Agnia Barto e outros livros.

Nikolai Ernestovich Radlov (1889-1942, São Petersburgo) - artista russo, crítico de arte, professor. Ilustrador de livros infantis: Agnia Barto, Samuil Marshak, Sergei Mikhalkov, Alexander Volkov. Radlov pintou para crianças com grande prazer. Seu livro mais famoso são desenhos animados para crianças "Stories in Pictures". Este é um livro-álbum com histórias engraçadas sobre animais e pássaros. Anos se passaram, mas a coleção ainda é muito popular. Histórias em fotos foram repetidamente reimpressas não apenas na Rússia, mas também em outros países. Na competição internacional de livros infantis na América em 1938, o livro ganhou o segundo prêmio.

Alexei Mikhailovich Laptev (1905-1965, Moscou) - artista gráfico, ilustrador de livros, poeta. As obras do artista estão em muitos museus regionais, bem como em coleções particulares na Rússia e no exterior. Ilustrado "As aventuras de Dunno e seus amigos" de Nikolai Nosov, "Fábulas" de Ivan Krylov, revista "Funny Pictures". O livro com seus poemas e fotos “Pik, Pak, Pok” já é muito amado por qualquer geração de filhos e pais (Briff, um urso ganancioso, potros Chernysh e Ryzhik, cinquenta lebres e outros)

Ivan Yakovlevich Bilibin (1876-1942, Leningrado) - artista russo, ilustrador de livros e designer de teatro. Bilibin ilustrou um grande número de contos de fadas, incluindo Pushkin a. Ele desenvolveu seu próprio estilo - "Bilibino" - uma representação gráfica, levando em consideração as tradições da antiga arte russa e folclórica, um desenho de contorno padronizado cuidadosamente traçado e detalhado, colorido com aquarelas. Contos, épicos, imagens da antiga Rus' para muitos há muito estão inextricavelmente ligados às ilustrações de Bilibin.

Vladimir Mikhailovich Konashevich (1888-1963, Novocherkassk, Leningrado) - artista russo, artista gráfico, ilustrador. Comecei a ilustrar livros infantis por acaso. Em 1918, sua filha tinha três anos. Konashevich desenhou para ela cada letra do alfabeto. Assim foi impresso o “ABC in Pictures” - o primeiro livro de V. M. Konashevich. Desde então, o artista tornou-se ilustrador de livros infantis. As principais obras de Vladimir Konashevich: - ilustração de contos de fadas e canções de diferentes nações, algumas das quais foram ilustradas várias vezes; contos de fadas de G.Kh. Andersen, os irmãos Grimm e Charles Perrault; - “The Old Man-Year-Old Man” de V. I. Dahl; - obras de Korney Chukovsky e Samuil Marshak. O último trabalho do artista foi ilustrar todos os contos de fadas de A. S. Pushkin a.

Anatoly Mikhailovich Savchenko (1924-2011, Novocherkassk, Moscou) - cartunista e ilustrador de livros infantis. Anatoly Savchenko foi o desenhista de produção dos desenhos animados "Kid and Carlson" e "Carlson return" e autor de ilustrações para livros de Astrid Lindgren. O desenho animado mais famoso funciona com sua participação direta: Moidodyr, as aventuras de Murzilka, Petya e Chapeuzinho Vermelho, Vovka em Far Far Away, O Quebra-Nozes, Fly-Tsokotukha, o papagaio de Kesha e outros. As crianças estão familiarizadas com as ilustrações de Savchenko dos livros: "Piggy está ofendido" de Vladimir Orlov, "Kuzya Brownie" de Tatyana Alexandrova, "Contos para o menor" de Gennady Tsyferov, "Little Baba Yaga" de Preysler Otfried, bem como livros com obras semelhantes a desenhos animados.

Oleg Vladimirovich Vasiliev (nascido em 1931, Moscou) Suas obras estão nas coleções de muitos museus de arte na Rússia e nos EUA, incl. na Galeria Estatal Tretyakov em Moscou. Desde a década de 1960, ele desenha livros infantis há mais de trinta anos. As mais famosas são as ilustrações dos artistas para contos de fadas de Charles Perrault e Hans Andersen, poemas de Valentin Berestov e contos de fadas de Gennady Tsyferov.

Boris Arkadyevich Diodorov (nascido em 1934, Moscou) - Artista do Povo. Técnica favorita - gravura colorida. Autor de ilustrações para muitas obras de clássicos russos e estrangeiros. As mais famosas são suas ilustrações para contos de fadas: - Jan Ekholm "Tutta Karlsson, o Primeiro e Único, Ludwig, o décimo quarto e outros"; - Selma Lagerlöf "A incrível jornada de Niels com gansos selvagens"; - Sergei Aksakov "A flor escarlate"; - obras de Hans Christian Andersen. Diodorov ilustrou mais de 300 livros. Seus trabalhos foram publicados nos EUA, França, Espanha, Finlândia, Japão, Coréia do Sul e outros países. Trabalhou como artista-chefe da editora "Literatura Infantil".

Evgeny Ivanovich Charushin (1901-1965, Vyatka, Leningrado) - artista gráfico, escultor, escritor de prosa e escritor-animalista infantil. Basicamente, as ilustrações são executadas à maneira de um desenho em aquarela livre, com um pouco de humor. As crianças adoram, até as crianças. Conhecido pelas ilustrações de animais que desenhou para suas próprias histórias: "Sobre Tomka", "Volchishko e outros", "Nikitka e seus amigos" e muitos outros. Ele também ilustrou outros autores: Chukovsky, Prishvin, Bianki. O livro mais famoso com suas ilustrações é "Children in a Cage", de Samuil Yakovlevich Marshak.

Evgeny Mikhailovich Rachev (1906-1997, Tomsk) - pintor de animais, artista gráfico, ilustrador. Ele ilustrou principalmente contos populares russos, fábulas e contos de fadas dos clássicos da literatura russa. Ele ilustrou principalmente obras em que os personagens principais são animais: contos de fadas russos sobre animais, fábulas.

Ilustradores de livros infantis. Quem são os autores das fotos mais favoritas

Para que serve um livro, pensou Alice.
- se não houver fotos ou conversas nele?
"Alice no País das Maravilhas"

Surpreendentemente, a ilustração infantil da Rússia (URSS)
há um ano exato de nascimento - 1925. Este ano
um departamento de literatura infantil foi criado em Leningrado
Editora Estadual (GIZ). Antes deste livro
com ilustrações especialmente para crianças não foram publicados.

Vladimir Grigorievich Suteev(1903-1993, Moscou) - escritor infantil, ilustrador e diretor de animação. Suas fotos gentis e engraçadas parecem molduras de um desenho animado. Os desenhos de Suteev transformaram muitos contos de fadas em obras-primas.
Assim, por exemplo, nem todos os pais consideram as obras de Korney Chukovsky um clássico necessário, e a maioria deles não considera suas obras talentosas. Mas os contos de fadas de Chukovsky, ilustrados por Vladimir Suteev, quero segurar em minhas mãos e ler para as crianças.

Boris Alexandrovich Dekhterev(1908-1993, Kaluga, Moscou) - Artista do Povo, artista gráfico soviético (acredita-se que a Escola Dekhterev determinou o desenvolvimento dos gráficos de livros do país), ilustrador. Trabalhou principalmente na técnica de desenho a lápis e aquarela. As boas e velhas ilustrações de Dekhterev são uma era inteira na história da ilustração infantil, muitos ilustradores chamam Boris Aleksandrovich de professor.

Nikolay Alexandrovich Ustinov(1937, Moscou), Dekhterev foi seu professor, e muitos ilustradores modernos já consideram Ustinov seu professor.

Nikolai Ustinov - Artista do Povo, ilustrador. Contos com suas ilustrações foram publicados não apenas na Rússia (URSS), mas também no Japão, Alemanha, Coréia e outros países. Quase trezentas obras foram ilustradas pelo famoso artista para editoras: "Literatura Infantil", "Criança", "Artista da RSFSR", editoras de Tula, Voronezh, São Petersburgo e outras. Ele trabalhou na revista Murzilka.
As ilustrações de Ustinov para contos folclóricos russos continuam sendo as favoritas das crianças: Três Ursos, Masha e o Urso, Irmã Chanterelle, Princesa Sapo, Gansos, Cisnes e muitos outros.

Yuri Alekseevich Vasnetsov(1900-1973, Vyatka, Leningrado) - artista popular e ilustrador. Todas as crianças gostam de suas fotos para canções folclóricas, canções de ninar e piadas (Ladushki, arco-íris). Ele ilustrou contos folclóricos, contos de Leo Tolstoi, Pyotr Ershov, Samuil Marshak, Vitaly Bianchi e outros clássicos da literatura russa.

Ao comprar livros infantis com ilustrações de Yuri Vasnetsov, certifique-se de que os desenhos sejam claros e moderadamente brilhantes. Usando o nome de um artista famoso, recentemente os livros são frequentemente publicados com digitalizações difusas de desenhos ou com brilho e contraste não naturais aumentados, e isso não é muito bom para os olhos das crianças.

Leonid Viktorovich Vladimirsky(nascido em 1920, Moscou) é um artista gráfico russo e o ilustrador mais popular de livros sobre o Pinóquio de A. N. Tolstoi e a Cidade das Esmeraldas de A. M. Volkov, graças ao qual se tornou amplamente conhecido na Rússia e nos países da ex-URSS. Pintei com aquarela. São as ilustrações de Vladimirsky que muitos reconhecem como clássicas para as obras de Volkov. Pois bem, Pinóquio na forma em que foi conhecido e amado por várias gerações de crianças é sem dúvida o seu mérito.

Viktor Alexandrovich Chizhikov(nascido em 1935, Moscou) - Artista do Povo da Rússia, autor da imagem do filhote de urso Mishka, mascote dos Jogos Olímpicos de Verão de 1980 em Moscou. O ilustrador da revista "Crocodile", "Funny Pictures", "Murzilka", por muitos anos desenhou para a revista "Around the World".
Chizhikov ilustrou as obras de Sergei Mikhalkov, Nikolai Nosov (Vitya Maleev na escola e em casa), Irina Tokmakova (Alya, Klyaksich e a letra "A"), Alexander Volkov (O Mágico de Oz), poemas de Andrey Usachev, Korney Chukovsky e Agnia Barto e outros livros.

Nikolai Ernestovich Radlov(1889-1942, São Petersburgo) - artista russo, crítico de arte, professor. Ilustrador de livros infantis: Agnia Barto, Samuil Marshak, Sergei Mikhalkov, Alexander Volkov. Radlov pintou para crianças com grande prazer. Seu livro mais famoso são desenhos animados para crianças "Stories in Pictures". Este é um livro-álbum com histórias engraçadas sobre animais e pássaros. Anos se passaram, mas a coleção ainda é muito popular. Histórias em fotos foram repetidamente reimpressas não apenas na Rússia, mas também em outros países. Na competição internacional de livros infantis na América em 1938, o livro ganhou o segundo prêmio.

Alexey Mikhailovich Laptev(1905-1965, Moscou) - artista gráfico, ilustrador de livros, poeta. As obras do artista estão em muitos museus regionais, bem como em coleções particulares na Rússia e no exterior. Ilustrado "As aventuras de Dunno e seus amigos" de Nikolai Nosov, "Fábulas" de Ivan Krylov, revista "Funny Pictures". O livro com seus poemas e fotos “Pik, Pak, Pok” já é muito amado por qualquer geração de filhos e pais (Briff, um urso ganancioso, potros Chernysh e Ryzhik, cinquenta lebres e outros)

Ivan Yakovlevich Bilibin(1876-1942, Leningrado) - Artista russo, ilustrador de livros e designer de teatro. Bilibin ilustrou um grande número de contos de fadas, incluindo os de Alexander Sergeevich Pushkin. Ele desenvolveu seu próprio estilo - "Bilibino" - uma representação gráfica, levando em consideração as tradições da antiga arte russa e folclórica, um desenho de contorno padronizado cuidadosamente traçado e detalhado, colorido com aquarelas. O estilo de Bilibin tornou-se popular e começou a ser imitado.

Contos de fadas, épicos, imagens da antiga Rus 'para muitos, há muito estão inextricavelmente ligados às ilustrações de Bilibin.

Vladimir Mikhailovich Konashevich(1888-1963, Novocherkassk, Leningrado) - artista russo, artista gráfico, ilustrador. Comecei a ilustrar livros infantis por acaso. Em 1918, sua filha tinha três anos. Konashevich desenhou para ela cada letra do alfabeto. Um amigo meu viu esses desenhos, gostou. Assim foi impresso o “ABC in Pictures” - o primeiro livro de V. M. Konashevich. Desde então, o artista tornou-se ilustrador de livros infantis.
A partir da década de 1930, a ilustração de literatura infantil tornou-se o principal negócio de sua vida. Konashevich também ilustrou literatura adulta, se dedicou à pintura, pintou quadros em uma técnica específica de que gostava - tinta ou aquarela sobre papel chinês.

As principais obras de Vladimir Konashevich:
- ilustração de contos de fadas e canções de diferentes nações, algumas das quais foram ilustradas várias vezes;
- contos de fadas de G.Kh. Andersen, irmãos Grimm e Charles Perrault;
- "The Old Man-Year-Old" de V. I. Dahl;
- obras de Korney Chukovsky e Samuil Marshak.
O último trabalho do artista foi ilustrar todos os contos de fadas de A. S. Pushkin.

Anatoly Mikhailovich Savchenko(1924-2011, Novocherkassk, Moscou) - cartunista e ilustrador de livros infantis. Anatoly Savchenko foi o desenhista de produção dos desenhos animados "Kid and Carlson" e "Carlson return" e autor de ilustrações para livros de Astrid Lindgren. O desenho animado mais famoso funciona com sua participação direta: Moidodyr, as aventuras de Murzilka, Petya e Chapeuzinho Vermelho, Vovka em Far Far Away, O Quebra-Nozes, Fly-Tsokotukha, o papagaio de Kesha e outros.
As crianças estão familiarizadas com as ilustrações de Savchenko dos livros: "Piggy está ofendido" de Vladimir Orlov, "Kuzya Brownie" de Tatyana Alexandrova, "Contos para o menor" de Gennady Tsyferov, "Little Baba Yaga" de Preysler Otfried, bem como livros com obras semelhantes a desenhos animados.

Oleg Vladimirovich Vasiliev(nascido em 1931, Moscou). Suas obras estão nas coleções de muitos museus de arte na Rússia e nos EUA, incl. na Galeria Estatal Tretyakov em Moscou. Desde a década de 1960, por mais de trinta anos, ele desenha livros infantis em colaboração com Erik Vladimirovich Bulatov (nascido em 1933, Sverdlovsk, Moscou).
As mais famosas são as ilustrações dos artistas para contos de fadas de Charles Perrault e Hans Andersen, poemas de Valentin Berestov e contos de fadas de Gennady Tsyferov.

- Jan Ekholm "Tutta Karlsson o Primeiro e Único, Ludwig o décimo quarto e outros";
- Selma Lagerlöf "A incrível jornada de Niels com gansos selvagens";
- Sergey Aksakov "A Flor Escarlate";
- Obras de Hans Christian Andersen.

Evgeny Ivanovich Charushin(1901-1965, Vyatka, Leningrado) - artista gráfico, escultor, escritor de prosa e escritor-animalista infantil. Basicamente, as ilustrações são executadas à maneira de um desenho em aquarela livre, com um pouco de humor. As crianças adoram, até as crianças. Conhecido pelas ilustrações de animais que desenhou para suas próprias histórias: "Sobre Tomka", "Volchishko e outros", "Nikitka e seus amigos" e muitos outros. Ele também ilustrou outros autores: Chukovsky, Prishvin, Bianki. O livro mais famoso com suas ilustrações é "Children in a Cage", de Samuil Yakovlevich Marshak.

Evgeny Mikhailovich Rachev(1906-1997, Tomsk) - pintor de animais, artista gráfico, ilustrador. Ele ilustrou principalmente contos populares russos, fábulas e contos de fadas dos clássicos da literatura russa. Ele ilustrou principalmente obras em que os personagens principais são animais: contos de fadas russos sobre animais, fábulas.

Ivan Maksimovich Semyonov(1906-1982, Rostov-on-Don, Moscou) - Artista do Povo, artista gráfico, cartunista. Semenov trabalhou nos jornais Komsomolskaya Pravda, Pionerskaya Pravda, nas revistas Smena, Krokodil e outros. Em 1956, por sua iniciativa, foi criada a primeira revista humorística para crianças da URSS, “Funny Pictures”.
Suas ilustrações mais famosas são para as histórias de Nikolai Nosov sobre Kolya e Mishka (Dreamers, Living Hat e outros) e desenhos "Bobik visitando Barbos".

Os nomes de alguns outros ilustradores de livros infantis russos contemporâneos famosos:

- Vyacheslav Mikhailovich Nazaruk(nascido em 1941, Moscou) é desenhista de produção de dezenas de filmes de animação: Pequeno Guaxinim, As Aventuras de Leopoldo, o Gato, Mãe de um Mamute, Contos de Bazhov e ilustrador de livros de mesmo nome.

- Nadezhda Bugoslavskaya(o autor do artigo não encontrou informações biográficas) - autor de belas ilustrações para muitos livros infantis: Poemas e canções de Mamãe Ganso, poemas de Boris Zakhoder, obras de Sergei Mikhalkov, obras de Daniil Kharms, histórias de Mikhail Zoshchenko , "Pippi Longstocking" de Astrid Lindgren e outros.

- Igor Egunov (o autor do artigo não encontrou informações biográficas) - um artista contemporâneo, autor de ilustrações brilhantes e bem desenhadas para livros: "As Aventuras do Barão Munchausen" de Rudolf Raspe, "O Pequeno Cavalo Corcunda" de Pyotr Ershov, contos de fadas dos irmãos Grimm e Hoffmann, contos de fadas sobre heróis russos

- Evgeny Antonenkov(nascido em 1956, Moscou) - ilustrador, técnica favorita é aquarela, caneta e papel, mídia mista. As ilustrações são modernas, inusitadas, destacam-se entre outras. Alguns olham para eles com indiferença, outros se apaixonam por fotos engraçadas à primeira vista.
As ilustrações mais famosas: aos contos de fadas sobre o Ursinho Pooh (Alan Alexander Milne), "Contos infantis russos", poemas e contos de fadas de Samuil Marshak, Korney Chukovsky, Gianni Rodari, Yunna Moritz. Stupid Horse de Vladimir Levin (baladas folclóricas inglesas), ilustrado por Antonenkov, é um dos livros mais populares do final de 2011.
Evgeny Antonenkov colabora com editoras na Alemanha, França, Bélgica, EUA, Coréia, Japão, é participante regular de prestigiadas exposições internacionais, laureado com o concurso White Crow (Bolonha, 2004), detentor do diploma de Livro do Ano (2008 ).

- Igor Yulievich Oleinikov (nascido em 1953, Moscou) - animador, trabalha principalmente com animação desenhada à mão, ilustrador de livros. Surpreendentemente, um artista contemporâneo tão talentoso não tem uma educação artística especial.
Na animação, Igor Oleinikov é conhecido por seus filmes: O Segredo do Terceiro Planeta, O Conto do Czar Saltan, Sherlock Holmes e Eu, entre outros. Trabalhou com as revistas infantis "Tram", "Vila Sésamo" "Boa noite, crianças!" e outros.
Igor Oleinikov coopera com editoras no Canadá, EUA, Bélgica, Suíça, Itália, Coréia, Taiwan e Japão, participa de prestigiosas exposições internacionais.
As ilustrações mais famosas do artista para livros: "O Hobbit, ou Lá e de Volta" de John Tolkien, "As Aventuras do Barão Munchausen" de Erich Raspe, "As Aventuras de Despero Mouse" de Kate DiCamillo, "Peter Pan" por James Barry. Livros recentes com ilustrações de Oleinikov: poemas de Daniil Kharms, Joseph Brodsky, Andrey Usachev.
Sou Eu realmente não queria apresentá-lo a ilustradores, para lembrar nossa infância com você e recomendá-lo aos pais jovens.

(texto) Anna Agrova

Você também estará interessado em:

E.M. Rachev. Ilustrações para contos de fadas russos

Gatos corajosos. Artista Alexander Zavaliy

Artista Varvara Boldina

A herança artística do mestre não se limita aos gráficos do livro. A.F. Pakhomov é o autor de murais monumentais, pinturas, gráficos de cavalete: desenhos, aquarelas, inúmeras gravuras, entre as quais as emocionantes folhas de Leningrado nos dias da série de bloqueio. No entanto, aconteceu que na literatura sobre o artista havia uma ideia imprecisa de escala real e a duração de sua atividade. Às vezes, a cobertura de sua obra começou apenas com as obras de meados dos anos 30, e às vezes até mais tarde - com uma série de litografias dos anos de guerra. Essa abordagem limitada não apenas estreitou e reduziu a ideia da herança original e vibrante de A.F. Pakhomov, criada ao longo de meio século, mas também empobreceu a arte soviética como um todo.

A necessidade de estudar a obra de A.F. Pakhomov está atrasada. A primeira monografia sobre ele apareceu em meados da década de 1930. Naturalmente, apenas uma parte das obras foi considerada nele. Apesar disso e de algumas limitações na compreensão das tradições inerentes à época, a obra do primeiro biógrafo V.P. Anikieva manteve seu valor do lado factual, e também (com os ajustes necessários) conceitualmente. Nos ensaios sobre o artista publicados na década de 1950, o escopo do material das décadas de 1920 e 1930 acabou sendo mais restrito, e a cobertura da obra dos períodos subsequentes foi mais seletiva. Hoje, o lado descritivo e avaliativo das obras sobre A.F. Pakhomov, duas décadas distante de nós, parece ter perdido sua credibilidade de várias maneiras.

Nos anos 60, A.F. Pakhomov escreveu o livro original "Sobre seu trabalho". O livro mostrou claramente a falácia de uma série de ideias comuns sobre seu trabalho. As reflexões do artista sobre o tempo e a arte expressas nesta obra, bem como o extenso material das gravações das conversas com Alexei Fedorovich Pakhomov, feitas pelo autor destas linhas, ajudaram a compor a monografia oferecida aos leitores.

A.F. Pakhomov possui um número extremamente grande de pinturas e desenhos. Sem a pretensão de abordá-los exaustivamente, o autor da monografia considerou ser sua tarefa dar uma ideia dos principais aspectos atividade criativa mestres, sobre sua riqueza e originalidade, sobre professores e colegas que contribuíram para a formação da arte de A.F. Pakhomov. Cidadania, profunda vitalidade, realismo, característicos das obras do artista, permitiram mostrar o desenvolvimento de sua obra em constante e estreita ligação com a vida do povo soviético.

Como um dos maiores mestres arte soviética, A.F. Pakhomov, ao longo de sua longa vida e trajetória criativa, carregou um amor ardente pela Pátria, por seu povo. Alto humanismo, veracidade, riqueza figurativa tornam suas obras tão emocionantes, sinceras, cheias de calor e otimismo.

Na região de Vologda, perto da cidade de Kadnikov, às margens do rio Kubena, está localizada a vila de Varlamov. Lá, em 19 de setembro (2 de outubro) de 1900, nasceu um menino de uma camponesa, Efimiya Petrovna Pakhomova, que se chamava Alexei. Seu pai, Fyodor Dmitrievich, veio de fazendeiros "específicos" que não conheciam os horrores da servidão no passado. Essa circunstância desempenhou um papel importante no modo de vida e nos traços de caráter predominantes, desenvolveu a capacidade de se comportar com simplicidade, calma e dignidade. As características de otimismo especial, amplitude de pontos de vista, franqueza espiritual e capacidade de resposta também foram enraizadas aqui. Alexei foi criado em um ambiente de trabalho. Eles viviam mal. Como em toda a aldeia, não havia pão suficiente até a primavera, eles tinham que comprá-lo. Renda adicional era necessária, o que era feito por membros adultos da família. Um dos irmãos era pedreiro. Muitos dos aldeões eram carpinteiros. E ainda o tempo inicial da vida foi lembrado jovem Alexei como o mais alegre. Depois de estudar por dois anos em uma escola paroquial e depois por mais dois anos em uma escola zemstvo em um vilarejo vizinho, ele foi enviado "por conta do estado e com alimentação do estado" para uma escola primária superior na cidade de Kadnikov. O tempo das aulas ficou na memória de A.F. Pakhomov como muito difícil e faminto. "Desde então, minha infância despreocupada em casa do pai, - disse ele, - para sempre começou a me parecer a época mais feliz e poética, e essa poetização da infância mais tarde se tornou o principal motivo do meu trabalho. Habilidade artística Alexei apareceu cedo, embora onde morasse não houvesse condições para seu desenvolvimento. Mas mesmo na ausência de professores, o menino alcançou certos resultados. O proprietário de terras vizinho V. Zubov chamou a atenção para seu talento e presenteou Alyosha com lápis, papel e reproduções de pinturas de artistas russos. Os primeiros desenhos de Pakhomov, que sobreviveram até hoje, revelam o que mais tarde, enriquecido pela habilidade profissional, se tornará característico de sua obra. A pequena artista ficou fascinada com a imagem de uma pessoa e, principalmente, de uma criança. Ele desenha irmãos, irmãs, crianças da vizinhança. É interessante que o ritmo das linhas desses retratos a lápis sem arte ecoe os desenhos de seus poros maduros.

Em 1915, quando se formou na escola da cidade de Kadnikov, por sugestão do marechal distrital da nobreza Yu. Zubov, os amantes da arte local anunciaram uma assinatura e enviaram Pakhomov a Petrogrado para a escola de A. L. Stieglitz com o dinheiro arrecadado. Com a revolução, mudanças também ocorreram na vida de Alexei Pakhomov. Sob a influência de novos professores que apareceram na escola - N. A. Tyrsa, M. V. Dobuzhinsky, S. V. Chekhonin, V. I. Shukhaev - ele se esforça para entender melhor as tarefas da arte. Um curto treinamento sob a orientação de um grande mestre do desenho Shukhaev deu a ele muito valor. Essas lições lançaram as bases para a compreensão da estrutura corpo humano. Ele se esforçou para um estudo profundo da anatomia. Pakhomov estava convencido da necessidade de não copiar o ambiente, mas de representá-lo de forma significativa. Ao desenhar, habituou-se a não depender das condições de luz e sombra, mas, por assim dizer, a “iluminar” a natureza com o próprio olho, deixando claras as partes próximas do volume e escurecendo as mais distantes. “É verdade”, comentou o artista ao mesmo tempo, “não me tornei um Shukhaevite fiel, ou seja, não comecei a desenhar com sangue, untando-o com um elástico para que o corpo humano ficasse espetacular”. Pakhomov admitiu que as lições dos artistas de livros mais proeminentes, Dobuzhinsky e Chekhonin, foram úteis. Ele se lembrava especialmente do conselho deste último: alcançar a capacidade de escrever fontes na capa de um livro imediatamente com um pincel, sem alinhavar com um lápis preparatório, "como um endereço em um envelope". Segundo o artista, tal desenvolvimento do olho necessário posteriormente ajudou nos esboços da natureza, onde ele poderia, a partir de algum detalhe, colocar tudo o que está representado na folha.

Em 1918, quando vivia na fria e faminta Petrogrado sem renda permanente tornou-se impossível, Pakhomov partiu para sua terra natal, matriculando-se como professor de arte em uma escola em Kadnikovo. Esses meses foram de grande benefício para a conclusão de sua educação. Depois das aulas nas turmas do primeiro e do segundo estágio, lia vorazmente, desde que a iluminação permitisse e os olhos não cansassem. “Todo o tempo em que estive excitado, fui tomado por uma febre de conhecimento. O mundo inteiro se abriu diante de mim, o que, ao que parece, eu mal sabia - Pakhomov relembrou desta vez. - Fevereiro e revolução de outubro Aceitei com alegria, como a maioria das pessoas ao meu redor, mas só agora, lendo livros de sociologia, economia política, materialismo histórico, história, comecei a compreender verdadeiramente a essência dos acontecimentos ocorridos.

Os tesouros da ciência e da literatura se abriram diante do jovem; bastante natural era sua intenção de continuar seus estudos interrompidos em Petrogrado. Em um prédio familiar em Salt Lane, ele começou a estudar com N. A. Tyrsa, que era então o comissário da antiga escola Stieglitz. “Nós, alunos de Nikolai Andreevich, ficamos muito surpresos com seu traje”, disse Pakhomov. - Os comissários daqueles anos usavam bonés e jaquetas de couro com cinto e revólver no coldre, e Tyrsa andava com bengala e chapéu-coco. Mas suas conversas sobre arte eram ouvidas com a respiração suspensa. O chefe da oficina refutou com esperteza visões desatualizadas sobre a pintura, familiarizou os alunos com as conquistas dos impressionistas, com a experiência do pós-impressionismo, chamou discretamente a atenção para as buscas visíveis nas obras de Van Gogh e principalmente Cézanne. Tyrsa não apresentou um programa claro para o futuro da arte, exigia espontaneidade de quem trabalhava em sua oficina: escreva como você se sente. Em 1919, Pakhomov foi convocado para o Exército Vermelho. Ele reconheceu de perto o ambiente militar anteriormente desconhecido, realmente entendeu personagem popular exército da Terra dos Soviéticos, que mais tarde afetou a interpretação deste tópico em sua obra. Na primavera do ano seguinte, Pakhomov, desmobilizado após uma doença, chegou a Petrogrado, mudou-se da oficina de N. A. Tyrsa para V. V. Lebedev, decidindo ter uma ideia dos princípios do cubismo, que se refletiam em um número de obras de Lebedev e seus alunos. Das obras de Pakhomov, feitas nesta época, pouco sobreviveu. Tal é, por exemplo, "Still Life" (1921), que se distingue por um sutil senso de textura. Nela, percebe-se o desejo aprendido com Lebedev de alcançar a “madeness” nas obras, de buscar não uma completude superficial, mas uma organização pictórica construtiva da tela, sem esquecer as qualidades plásticas do retratado.

A ideia de um novo Ótimo trabalho Pakhomov - pinturas "Haymaking" - originou-se em sua aldeia natal de Varlamov. Lá, foi coletado material para isso. O artista retratou não uma cena cotidiana comum no corte, mas a ajuda de jovens camponeses aos vizinhos. Embora a transição para o trabalho coletivo na fazenda coletiva fosse então uma questão do futuro, o próprio evento, mostrando o entusiasmo da juventude e o entusiasmo pelo trabalho, já era de certa forma semelhante às novas tendências. Estudos e esboços de figuras de cortadores de grama, fragmentos da paisagem: gramíneas, arbustos, restolho atestam a incrível consistência e seriedade do conceito artístico, onde arrojadas buscas texturais se combinam com a solução de problemas plásticos. A capacidade de Pakhomov de captar o ritmo dos movimentos contribuiu para o dinamismo da composição. Para esta foto, o artista passou vários anos e completou muitos trabalhos preparatórios. Em várias delas, desenvolveu tramas próximas ou que acompanham o tema principal.

O desenho “Killing the Scythes” (1924) mostra dois jovens camponeses trabalhando. Eles foram esboçados por Pakhomov da natureza. Então ele percorreu esta folha com um pincel, generalizando a imagem sem observar seus modelos. As boas qualidades plásticas, combinadas com a transmissão de forte movimento e o pitoresco geral do uso da tinta, são visíveis na obra anterior de 1923 "Two Mowers". Com uma veracidade profunda e, digamos, austeridade do desenho, o artista interessou-se aqui pela alternância de plano e volume. A folha usou lavagem de tinta habilmente usada. Os arredores da paisagem são sugeridos. A textura da grama cortada e em pé é palpável, o que traz diversidade rítmica ao desenho.

Entre o número considerável de desenvolvimentos na cor do enredo "Haymaking", deve-se mencionar a aquarela "Mower in a pink shirt". Nele, além das lavagens pictóricas com pincel, foi utilizado o risco em uma camada de tinta úmida, que deu uma nitidez especial à imagem e foi introduzida na imagem em uma técnica diferente (na pintura a óleo). colorida folha grande"Haymaking", pintado em aquarela. Nele, a cena parece ser vista de um ponto de vista elevado. Isso possibilitou mostrar todas as figuras dos cortadores em sequência e obter uma dinâmica especial na transmissão de seus movimentos, o que é facilitado pela disposição das figuras na diagonal. Tendo apreciado esta técnica, o artista construiu o quadro da mesma forma, e depois não o esqueceu no futuro. Pakhomov alcançou o pitoresco da área geral e transmitiu a impressão de uma névoa matinal perfurada pela luz do sol. O mesmo tema é resolvido de forma diferente na pintura a óleo “On the Mowing”, retratando cortadores de grama trabalhando e um cavalo pastando perto da carroça ao lado. A paisagem aqui é diferente de outros esboços, variantes e da própria imagem. Em vez de um campo, há uma margem de um rio rápido, que é enfatizado pelos jatos da corrente e um barco com remador. A cor da paisagem é expressiva, construída em vários tons de verde frio, apenas tons mais quentes são introduzidos em primeiro plano. Um certo efeito decorativo foi encontrado na combinação das figuras com o ambiente, o que realçou o som geral da cor.

Uma das pinturas de Pakhomov sobre esportes na década de 1920 é Boys Skating. O artista construiu a composição sobre a imagem do momento de movimento mais longo e, portanto, o mais frutífero, dando uma ideia do que passou e do que será. Ao contrário, outra figura se mostra ao longe, introduzindo a diversidade rítmica e completando a ideia composicional. Nesta foto, junto com o interesse pelo esporte, pode-se ver o apelo de Pakhomov ao tema mais importante de sua obra - a vida das crianças. Anteriormente, essa tendência se refletia nos gráficos do artista. A partir de meados da década de 1920, a profunda compreensão de Pakhomov e a criação de imagens dos filhos da Terra dos Soviéticos foi a notável contribuição de Pakhomov para a arte. Estudando grandes problemas pictóricos e plásticos, o artista também os resolveu em trabalhos sobre esse novo e importante tema. Na exposição de 1927, foi exibida a tela "Camponesa", que, embora tivesse algo em comum com os retratos discutidos acima, também era de interesse independente. A atenção do artista estava voltada para a imagem da cabeça e das mãos da menina, pintadas com grande plasticidade. O tipo de rosto jovem é capturado de forma original. Perto dessa tela em termos de imediatismo de sensação está “Girl Behind Her Hair”, exibida pela primeira vez em 1929. Diferia-se da imagem do peito de 1927 por uma nova composição mais detalhada, incluindo quase toda a figura em pleno crescimento, transmitida em um movimento mais complexo. A artista mostrou a pose relaxada de uma menina arrumando o cabelo e se olhando em um pequeno espelho deitada sobre o joelho. Combinações sonoras de rosto e mãos dourados, vestido azul e banco vermelho, suéter escarlate e paredes de toras ocre-esverdeadas da cabana contribuem para a emoção da imagem. Pakhomov capturou sutilmente a expressão ingênua do rosto de uma criança, a postura tocante. Imagens brilhantes e incomuns pararam o público. Ambas as obras faziam parte de exposições estrangeiras de arte soviética.

Ao longo de sua atividade criativa de meio século, A.F. Pakhomov esteve em contato próximo com a vida do país soviético, e isso saturou suas obras com convicção inspirada e o poder da verdade vital. Sua personalidade artística se desenvolveu cedo. O conhecimento de sua obra mostra que já na década de 20 ela se distinguia pela profundidade e rigor, enriquecida pela experiência de estudar a cultura mundial. Em sua formação, o papel da arte de Giotto e do proto-renascimento é óbvio, mas a influência da pintura russa antiga não foi menos profunda. A. F. Pakhomov pertencia ao número de mestres que abordaram de forma inovadora os ricos herança clássica. Suas obras são caracterizadas por um sentimento moderno na resolução de tarefas pictóricas e gráficas.

O domínio de novos temas por Pakhomov nas telas “1905 in the Village”, “Riders”, “Spartakovka”, em um ciclo de pinturas sobre crianças é importante para o desenvolvimento da arte soviética. O artista desempenhou um papel de destaque na criação da imagem de um contemporâneo, sua série de retratos é uma clara evidência disso. Pela primeira vez, ele introduziu na arte imagens tão vívidas e vitais de jovens cidadãos da Terra dos Soviéticos. Esse lado de seu talento é excepcionalmente valioso. Suas obras enriquecem e ampliam as ideias sobre a história da pintura russa. desde os anos 20 principais museus países adquiriram as telas de Pakhomov. Seu trabalho recebeu reconhecimento internacional em grandes exposições na Europa, América, Ásia.

A.F. Pakhomov foi inspirado pela realidade socialista. Sua atenção foi atraída pelo teste de turbinas, pelo trabalho das tecelagens e pelas novidades da vida. Agricultura. Suas obras revelam temas relacionados à coletivização, à introdução de equipamentos no campo, ao uso de colheitadeiras, ao trabalho noturno dos tratores e à vida do exército e da marinha. Ressaltamos o valor especial dessas conquistas de Pakhomov, pois tudo isso foi exibido pelo artista nos anos 20 e início dos anos 30. Sua pintura “Pioneers at the Sovereign Farmer”, uma série sobre a comuna “The Sower” e retratos de “Beautiful Swords” estão entre as obras mais profundas de nossos artistas sobre as mudanças no campo, sobre a coletivização.

As obras de A.F. Pakhomov são notáveis por suas soluções monumentais. Nas primeiras pinturas murais soviéticas, as obras do artista estão entre as mais marcantes e interessantes. Nas cartolinas Red Oath, pinturas e esboços da Dança Redonda das Crianças de Todas as Nações, pinturas sobre ceifeiros, bem como nas melhores criações da pintura de Pakhomov em geral, há uma conexão tangível com as grandes tradições do antigo patrimônio nacional , que faz parte do tesouro da arte mundial. O lado figurativo e colorístico de seus murais, pinturas, retratos, bem como gráficos de cavaletes e livros é profundamente original. Os brilhantes sucessos da pintura ao ar livre são demonstrados pela série "In the Sun" - uma espécie de hino à juventude da Terra dos Soviéticos. Aqui, na representação do corpo nu, o artista atuou como um dos grandes mestres que contribuíram para o desenvolvimento desse gênero em pintura soviética. As pesquisas de cores de Pakhomov foram combinadas com a solução de sérios problemas de plástico.

Deve-se dizer que na pessoa de A.F. Pakhomov, a arte teve um dos maiores desenhistas de nosso tempo. Mestre de propriedade magistral vários materiais. Trabalha em tinta e aquarela, caneta e pincel lado a lado com desenhos brilhantes lápis de grafite. Suas realizações vão além arte doméstica e se tornar uma das criações de destaque dos gráficos mundiais. Não é difícil encontrar exemplos disso em uma série de desenhos feitos em casa na década de 1920, e entre folhas feitas na década seguinte em viagens pelo país e em ciclos sobre acampamentos de pioneiros.

A contribuição de A.F. Pakhomov para os gráficos é enorme. As suas obras de cavalete e livro dedicadas às crianças estão entre os maiores sucessos nesta área. Um dos fundadores da literatura ilustrada soviética, ele introduziu nela uma imagem profunda e individualizada da criança. Seus desenhos cativavam os leitores com vitalidade e expressividade. Sem ensinamentos, de forma vívida e clara, o artista transmitia pensamentos às crianças, despertava seus sentimentos. E temas importantes de educação e vida escolar! Nenhum dos artistas os resolveu de forma tão profunda e verdadeira quanto Pakhomov. Pela primeira vez de forma tão figurativa e realista, ele ilustrou os poemas de V. V. Mayakovsky. Uma descoberta artística foram seus desenhos para as obras de Leo Tolstoi para crianças. O material gráfico considerado mostrou claramente que a obra de Pakhomov, ilustrador de arte moderna e literatura clássica, é errado limitá-lo apenas à área de um livro infantil. Os excelentes desenhos do artista para as obras de Pushkin, Nekrasov, Zoshchenko atestam o grande sucesso dos gráficos russos na década de 1930. Suas obras contribuíram para o estabelecimento do método do realismo socialista.

A arte de A.F. Pakhomov se distingue pela cidadania, modernidade e relevância. Durante as provas mais difíceis do bloqueio de Leningrado, o artista não interrompeu seu trabalho. Junto com os mestres da arte da cidade no Neva, ele, como uma vez em sua juventude na guerra civil, trabalhou em missões da frente. A série de litografias de Pakhomov "Leningrado nos dias do cerco", uma das obras de arte mais significativas dos anos de guerra, revela o valor e a coragem inigualáveis do povo soviético.

Autor de centenas de litografias, A.F. Pakhomov deve ser citado entre os artistas entusiastas que contribuíram para o desenvolvimento e disseminação desse tipo de impressão gráfica. A possibilidade de atrair uma ampla gama de espectadores, a massificação do endereço da impressão de circulação atraiu sua atenção.

Seu trabalho é caracterizado pela clareza clássica e concisão. meios visuais. A imagem de uma pessoa é seu principal objetivo. Uma faceta importantíssima da obra do artista, que o aproxima das tradições clássicas, é o desejo de expressividade plástica, que está bem patente nas suas pinturas, desenhos, ilustrações, gravuras, até nas suas obras mais recentes. Ele fez isso constante e consistentemente.

A.F. Pakhomov é “um grande artista russo profundamente original que está completamente imerso na reflexão da vida de seu povo, mas ao mesmo tempo absorveu as conquistas da arte mundial. A obra de A. F. Pakhomov, pintor e artista gráfico, é uma contribuição significativa para o desenvolvimento da cultura artística soviética. /V.S. Matafonov/

____________________________________________________________________________________________________________

VLADIMIR VASILIEVICH LEBEDEV

14 (26). 05.1891, São Petersburgo - 21.11.1967, Leningrado

Artista do Povo da RSFSR. Membro Correspondente da Academia de Artes da URSS

Trabalhou em São Petersburgo no estúdio de F. A. Roubaud e frequentou a escola de desenho, pintura e escultura de M. D. Bernstein e L. V. Sherwood (1910-1914), estudou em São Petersburgo na Academia de Artes (1912-1914). Membro da Four Arts Society. Colaborou nas revistas "Satyricon", "New Satyricon". um dos organizadores Windows ROSTA" em Petrogrado.

Em 1928, uma exposição pessoal de Vladimir Vasilyevich Lebedev, um dos brilhantes artistas gráficos da década de 1920, foi organizada no Museu Russo em Leningrado. Ele foi então fotografado contra o pano de fundo de suas obras. Gola e gravata brancas impecáveis, chapéu puxado até as sobrancelhas, expressão séria e um tanto arrogante no rosto, olhar correto e que não deixa chegar perto, e, ao mesmo tempo, o paletó jogado para o lado, e o as mangas da camisa, arregaçadas acima dos cotovelos, revelam braços musculosos com pincéis "inteligentes" e "nervosos". Tudo junto deixa a impressão de compostura, prontidão para o trabalho e, o mais importante - corresponde à natureza dos gráficos mostrados na exposição, internamente tensos, quase jogos de azar, às vezes irônicos e como se estivessem vestidos com uma armadura de uma técnica gráfica levemente refrescante. O artista entrou na era pós-revolucionária com cartazes para as janelas ROSTA. Como nos "Ironers" criados na mesma época (1920), eles imitavam o estilo de uma colagem colorida. Porém, nos cartazes, esta técnica, oriunda do cubismo, adquiriu um significado completamente novo, expressando-se na lapidaridade do signo e no pathos da defesa da revolução (" Em guarda para outubro ", 1920) e a vontade de trabalho dinâmico ("Demonstração", 1920). Um dos cartazes ("Você tem que trabalhar - um rifle está por perto", 1921) retrata um trabalhador com uma serra e ao mesmo tempo ele próprio é percebido como uma espécie de objeto firmemente batido. As listras laranja, amarelas e azuis que compõem a figura estão extremamente conectadas com letras maiúsculas, que, ao contrário das inscrições cubistas, têm um significado semântico específico. Com que expressividade a diagonal formada pela palavra "trabalho", a lâmina de serra e a palavra "deve", e o arco agudo das palavras "espingarda próxima" e as linhas dos ombros do trabalhador se cruzam! A mesma atmosfera de entrada direta do desenho na realidade caracterizava na época os desenhos de Lebedev para livros infantis. Em Leningrado, na década de 1920, formou-se toda uma tendência na ilustração de livros para crianças. V. Ermolaeva, N. Tyrsa trabalhou junto com Lebedev , N. Lapshin, e a parte literária era chefiada por S. Marshak, que era então próximo do grupo de poetas de Leningrado - E. Schwartz, N. Zabolotsky, D. Kharms, A. Vvedensky. Naqueles anos, afirmava-se uma imagem muito especial do livro, diferente daquela cultivada naqueles anos pelo jornal moscovita. ilustração encabeçada por V. Favorsky. Enquanto uma percepção quase romântica do livro reinava no grupo de lenhadores ou bibliófilos de Moscou, e o próprio trabalho nele continha algo "severamente ascético", os ilustradores de Leningrado criaram uma espécie de "livro de brinquedo", entregaram-no diretamente nas mãos de a criança a que se destina. O movimento da imaginação “nas profundezas da cultura” foi substituído aqui por uma eficácia alegre, quando um livro colorido podia ser girado nas mãos ou pelo menos rastejado em volta dele, deitado no chão cercado por elefantes e cubos de brinquedo. Finalmente, as xilogravuras "santo dos santos" de Favorsky - a gravitação dos elementos preto e branco da imagem na profundidade ou da profundidade da folha - deram lugar aqui a um dedilhado francamente plano, quando o desenho surgiu como se "sob o mãos de criança" de pedaços de papel recortados com tesoura. A famosa capa de "O Bebê Elefante" de R. Kipling (1926) é formada como se fosse uma pilha de remendos espalhados aleatoriamente sobre a superfície do papel. Parece que o artista (e talvez até a própria criança!) moveu essas peças sobre o papel até obter uma composição acabada, em que tudo "anda à roda" e onde, entretanto, nada pode ser movido um milímetro sequer: em no centro - um bebê elefante com nariz comprido curvo, ao redor - pirâmides e palmeiras, no topo - uma grande inscrição "Elefante", e abaixo um crocodilo que sofreu uma derrota completa.

Mas ainda mais imprudentemente preenchido com um livro"Circo"(1925) e "Como o avião fez o avião", em que os desenhos de Lebedev foram acompanhados pelos poemas de S. Marshak. Em páginas espelhadas com palhaços a apertarem as mãos ou um palhaço gordo montado num burro, o trabalho de recortar e colar peças verdes, vermelhas ou pretas é literalmente "ferver". Aqui tudo é "separado" - sapatos pretos ou narizes vermelhos de palhaços, calças verdes ou violão amarelo de um gordo com carpa cruciana - mas com que brilho incomparável tudo isso se conecta e "cola", permeado pelo espírito de vivacidade e alegre iniciativa.

Todas essas imagens de Lebedev, dirigidas a leitores infantis comuns, entre as quais obras-primas como litografias para o livro "A Caçada" (1925), foram, por um lado, o produto de uma refinada cultura gráfica capaz de satisfazer o olhar mais exigente, e do outro, a arte, revelada na realidade viva. Os gráficos pré-revolucionários não apenas de Lebedev, mas também de muitos outros artistas, ainda não conheciam um contato tão aberto com a vida (apesar do fato de Lebedev pintar para a revista Satyricon na década de 1910) - aquelas “vitaminas” ou, em vez disso, aqueles "fermentos de vitalidade" sobre os quais a própria realidade russa "vagou" na década de 1920. Os desenhos cotidianos de Lebedev revelaram esse contato com clareza incomum, não tanto invadindo a vida como ilustrações ou cartazes, mas levando-a para sua esfera figurativa. No centro disso está um interesse profundamente ganancioso em todos os novos tipos sociais que constantemente surgem ao redor. Os desenhos de 1922-1927 poderiam ser combinados com o nome "Painel da Revolução", com o qual Lebedev intitulou apenas uma série de 1922, que representava uma série de figuras de uma rua pós-revolucionária, e a palavra "painel" indicava que provavelmente era espuma levantada ao rolar por essas ruas pelo fluxo dos eventos. O artista desenha marinheiros com moças na encruzilhada de Petrogrado, mercadores com barracas ou dândis vestidos à moda da época, e principalmente Nepmen - esses representantes cômicos e ao mesmo tempo grotescos da nova "fauna de rua", que pintou com entusiasmo naqueles mesmos anos e V. Konashevich e vários outros mestres. Os dois Nepmen no desenho "Casal" da série "Nova Vida" (1924) poderiam passar pelos mesmos palhaços que Lebedev logo retratou nas páginas de "Circo", se não fosse pela atitude mais aguçada do próprio artista para com eles. A atitude de Lebedev para com esses personagens não pode ser chamada de "estigmatizante" ou, mais ainda, de "flagelação". Antes desses desenhos de Lebedev, não foi por acaso que P. Fedotov foi lembrado com seus esboços não menos característicos de tipos de ruas do século XIX. Isso significava aquela inseparabilidade viva dos princípios irônico e poético, pelos quais ambos os artistas se notavam e que, para ambos, constituíam o atrativo especial das imagens. Pode-se também lembrar os contemporâneos de Lebedev, os escritores M. Zoshchenko e Yu. Olesha. Eles têm a mesma inseparabilidade de ironia e sorrisos, ridículo e admiração. Lebedev, aparentemente, ficou de alguma forma impressionado com o chique barato da marcha de um verdadeiro marinheiro ("A Garota e o Marinheiro"), e o arrojo desafiador da garota, com a bota aprovada na caixa da faxineira ("A Garota e o Bootstrapper" ), é mesmo algo que também me atraiu aquela inocência zoológica ou puramente vegetal com que, como bardanas debaixo de uma vedação, todas estas novas personagens sobem, demonstrando milagres de adaptabilidade, como, por exemplo, senhoras de peles conversando numa loja janela (Pessoas da Sociedade, 1926) ou um bando de Nepmen na rua noturna ("Nepmen", 1926). Em particular, o início poético da mais famosa série de Lebedev "Love of the punks" (1926-1927) é impressionante. Que fascinante força vital respirando no desenho "No rinque de patinação" estão as figuras de um cara com um casaco de pele de carneiro aberto no peito e uma garota de touca com laço e pernas em forma de garrafa enfiadas em botas de cano alto agachadas em um banco. Se na série "New Life", talvez, também se possa falar de sátira, então aqui é quase imperceptível. Na foto "Rash, Semyonovna, polvilhe, Semyonovna!" - a altura da farra. No centro do lençol está um casal jovem e gostoso dançando, e o espectador parece ouvir como as palmas de suas mãos espirram ou as botas do cara estalam no ritmo, ele sente a flexibilidade serpentina de suas costas nuas, a facilidade de movimento de seu parceiro. Da série "Painel da Revolução" aos desenhos "Amor dos punks", o próprio estilo de Lebedev passou por uma evolução notável. As figuras do marinheiro e da menina no desenho de 1922 ainda são constituídas por manchas independentes - manchas de carcaça de várias texturas, semelhantes às de The Ironers, mas mais generalizadas e cativantes. Em "Nova Vida" foram adicionados adesivos aqui, transformando o desenho não mais em uma imitação de uma colagem, mas em uma colagem real. A imagem foi totalmente dominada pelo avião, até porque, segundo o próprio Lebedev, Belo desenho deve ser acima de tudo "bem ajustado ao papel". No entanto, nas folhas de 1926-1927, o avião de papel foi cada vez mais substituído pelo espaço representado com seu claro-escuro e plano de fundo do assunto. Diante de nós não há mais manchas, mas gradações graduais de luz e sombra. Ao mesmo tempo, o movimento do desenho não consistia em “recortar e colar”, como acontecia em “Nep” e “Circo”, mas no deslizar de um pincel macio ou no fluir da aquarela preta. Em meados da década de 1920, muitos outros desenhistas também avançavam no caminho do desenho cada vez mais livre, ou pictórico, como se costuma chamar. Havia também N. Kupreyanov com seus "rebanhos" de aldeia, e L. Bruni e N. Tyrsa. O desenho não se limitava mais ao efeito de "tomado", apreensão pontiaguda "na ponta da caneta" de tipos característicos sempre novos, mas como se ele próprio estivesse envolvido no fluxo vivo da realidade com todas as suas mudanças e emotividade. Em meados da década de 1920, esse fluxo refrescante varreu a esfera não apenas dos temas "rua", mas também "domésticos", e até mesmo de camadas tradicionais de desenho, como desenhar em estúdio a partir de uma figura humana nua. E que desenho novo era em toda a sua atmosfera, especialmente se o compararmos com o desenho asceticamente estrito da década pré-revolucionária. Se compararmos, por exemplo, os excelentes desenhos do modelo nu de N. Tyrsa em 1915 e os desenhos de Lebedev de 1926-1927, ficará impressionado com o imediatismo dos lençóis de Lebedev, a força de seus sentimentos.

Esse imediatismo dos esboços de Lebedev a partir do modelo fez com que outros historiadores da arte se lembrassem das técnicas do impressionismo. O próprio Lebedev estava profundamente interessado nos impressionistas. Em um de seus melhores desenhos da série "Acrobat" (1926), o pincel, saturado de aquarela preta, parece criar o vigoroso movimento do próprio modelo. Uma pincelada confiante é suficiente para um artista deixar de lado mão esquerda, ou um toque deslizante para avançar a direção do cotovelo. Na série "Dancer" (1927), onde os contrastes de luz são enfraquecidos, os elementos de luz em movimento também evocam associações com o impressionismo. "Do espaço permeado de luz", escreve V. Petrov, "como uma visão, os contornos de uma figura dançante aparecem", ela "mal é delineada por pontos borrados de luz de aquarela preta", quando "a forma se transforma em uma imagem pitoresca massa e se funde discretamente com o ambiente de ar leve."

Nem é preciso dizer que esse impressionismo de Lebedev não é mais igual ao impressionismo clássico. Atrás dele você sempre sente o "aprendizado da construtividade" recentemente concluído pelo mestre. Tanto Lebedev quanto a própria direção de desenho de Leningrado permaneceram eles mesmos, nem por um momento esquecendo o plano construído ou a textura pictórica. De fato, ao criar uma composição de desenhos, o artista não reproduz o espaço com uma figura, como fazia Degas, mas sim esta figura, como se fundisse sua forma com o formato do desenho. Corta quase imperceptivelmente o topo da cabeça e a ponta do pé, pelo que a figura não fica apoiada no chão, mas sim "enganchada" nas bordas inferior e superior da folha. O artista se esforça para aproximar o mais possível o "plano da figura" e o plano da imagem. Golpe de pérola de seu pincel molhado em igualmente portanto, pertence tanto à figura quanto ao plano. Esses traços de luz que desaparecem, que transmitem a própria figura e, por assim dizer, o calor do ar aquecido ao redor do corpo, são percebidos simultaneamente como uma textura uniforme do desenho, sendo associados a traços de desenhos a tinta da China e aparecendo para o olho como as "pétalas" mais delicadas, finamente alisadas na superfície da folha. Além disso, nos "Acrobatas" ou "Dançarinos" de Lebedev existe, afinal, o mesmo calafrio de uma abordagem artística confiante e ligeiramente desapegada do modelo, que foi notada pelos personagens das séries "Nova Vida" e "Nep". Em todos esses desenhos, é forte uma base clássica generalizada, que os distingue tão nitidamente dos esboços de Degas com sua poesia característica ou da vida cotidiana. Assim, em uma das folhas brilhantes, onde a bailarina está de costas para o espectador, com o pé direito apoiado no dedão atrás do esquerdo (1927), sua figura se assemelha a uma estatueta de porcelana com penumbra e luz deslizando sobre a superfície . Segundo N. Lunin, a artista encontrou na bailarina "uma expressão perfeita e desenvolvida do corpo humano". "Aqui está - este organismo fino e plástico - é desenvolvido, talvez um pouco artificialmente, mas é verificado e preciso em movimento, capaz de "dizer sobre a vida" mais do que qualquer outro, porque tem o menos informe, desfeito, chance instável." O artista realmente se interessou não pelo balé em si, mas pela forma mais expressiva de "contar a vida". Afinal, cada uma dessas FOLHAS é, por assim dizer, um poema lírico dedicado a um movimento poeticamente valioso. A bailarina N. Nadezhdina, que posou para o mestre em ambas as séries, obviamente o ajudou muito, parando naquelas "posições" bem estudadas por ela, nas quais a plasticidade vital do corpo se revelava de forma mais impressionante.

A excitação do artista parece romper a correção artística do artesanato confiante e, em seguida, transmitida involuntariamente ao espectador. No mesmo esboço magnífico de uma bailarina de costas, o espectador observa com entusiasmo como um pincel virtuoso não apenas retrata, mas cria uma figura instantaneamente congelada na ponta dos pés. Suas pernas, desenhadas por duas "pétalas de pinceladas", elevam-se facilmente acima do fulcro, mais alto - como uma penumbra que desaparece - uma expansão cautelosa de um pacote branco como a neve, ainda mais alto - depois de várias lacunas, dando à imagem uma brevidade aforística - uma excepcionalmente sensível, ou "muito ouvida", dançarina de costas e não menos "ouvinte" virar sua pequena cabeça sobre a ampla extensão de seus ombros.

Quando Lebedev foi fotografado na exposição de 1928, parecia ter um caminho promissor pela frente. Vários anos de trabalho árduo parecem tê-lo levado ao topo. arte gráfica. Ao mesmo tempo, tanto nos livros infantis da década de 1920 quanto em Os dançarinos, talvez tenha sido alcançado tal grau de perfeição completa que, a partir desses pontos, talvez não haja meio de desenvolvimento. E, de fato, o desenho de Lebedev e, além disso, a arte de Lebedev atingiram seu auge absoluto aqui. Nos anos seguintes, o artista se dedicou muito ativamente à pintura, muito e por muitos anos ilustrou livros infantis. E, ao mesmo tempo, tudo o que ele fez nas décadas de 1930-1950 não pode mais ser comparado com as obras-primas de 1922-1927 e, claro, o mestre não tentou repetir suas descobertas deixadas para trás. Os desenhos de Lebedev com figura feminina. Se a era subsequente não pôde ser atribuída ao declínio do desenho a partir do modelo nu, foi apenas porque ela não estava nem um pouco interessada nesses tópicos. Apenas para últimos anos como se um ponto de virada fosse planejado em relação a esta esfera de desenho mais poética e criativamente nobre, e se for assim, então V. Lebedev entre os desenhistas da nova geração, talvez, esteja destinado a outra nova glória.

Populares na categoria: