Vanguarda russa na literatura do século XX. Vanguarda russa na pintura - artistas, tendências, características
Vanguarda (construtivismo) na arquitetura de Leningrado - uma tendência na arquitetura russa (soviética) na segunda metade da década de 1920 e início da década de 1930 (alguns objetos foram introduzidos antes do final da década de 1930). revolução russa, construindo um novo ... ... Wikipedia
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Vanguarda (cinema)- Este termo tem outros significados, veja Vanguard. Cartaz do filme de Dziga Vertov "Um homem com uma câmera de vídeo" Av ... Wikipedia
Vanguarda (no filme)
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Arte—Vincent van Gogh. Noite Estrelada, 1889 ... Wikipedia
VANGUARDA- VANGUARD (destacamento avançado da vanguarda francesa) uma categoria que significa na estética moderna e na história da arte a totalidade dos diversos movimentos inovadores e tendências na arte do 1º andar. século 20 Na Rússia, ele o usou pela primeira vez (em negativo ... ... Enciclopédia Filosófica
livros
- A arte do livro na Rússia nas décadas de 1910-1930. Mestres da Esquerda. Materiais para o catálogo, S. V. Khachaturov. Aos leitores é oferecida a primeira tentativa de um catálogo sistemático de publicações elaboradas por artistas dos chamados movimentos de 'avant-garde' (ou 'esquerda') dos anos 1910-1930. Materiais coletados… Compre por 1078 UAH (somente na Ucrânia)
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Avant-garde - (fr. avant-garde - "vanguard") - um conjunto de diversos movimentos inovadores e direções em cultura artística modernismo do primeiro terço do século XX: futurismo, dadaísmo, surrealismo, cubismo, suprematismo, fauvismo, etc. A vanguarda é uma manifestação extrema do modernismo como um todo. A vanguarda é uma arte dinâmica e experimental. O início da vanguarda é 1905-1906, e as pessoas falam sobre sua morte já na década de 20.
A base social da vanguarda é o protesto, a inimizade com a civilização moderna. As obras de vanguarda são baseadas no jogo com a cultura clássica, combinada com a ideia de destruição. Uma característica da vanguarda é uma prática artística inovadora, tanto no campo da forma artística quanto no campo da pragmática (a interação do texto com o leitor, a inclusão daquele que percebe na estrutura do artefato ).
Vanguard, ao contrário do modernismo clássico, concentra-se conscientemente no público, influencia-o ativamente. Na vanguarda não há conceito de evolução, não se desenvolve - este é um protesto contundente contra tudo o que parece conservador para a vanguarda. Como observou o filósofo russo V.F. Petrov-Stromsky, “em suas tendências destrutivas, essa arte foi uma premonição e prenúncio da catástrofe humanitária de 1914, que expôs toda a conversa vazia da afirmação de Nietzsche-Gorky de que “o homem parece orgulhoso”.
O ano de origem é 1907, quando o jovem Pablo Picasso (1881-1973) pintou sua pintura cubista programática As Donzelas de Avignon. O cubismo surgiu como uma continuação lógica das buscas analíticas na arte dos pós-impressionistas, por exemplo, Paul Cézanne, que em 1907 recorreu aos artistas com o famoso apelo: “Interprete a natureza através de um cilindro, uma bola, um cone”.
Existem três fases na história do cubismo:
1. Cézanne (1907-1909), quando os cubistas tentaram encontrar as estruturas espaciais mais simples dos fenômenos do mundo, eles não retrataram a realidade, mas criaram uma "realidade diferente", transmitindo não a aparência do objeto, mas sua design, arquitetônica, estrutura, essência.
2. A fase analítica do cubismo (1910-1912) consistiu na aplicação de técnicas geométricas específicas e na combinação de diferentes pontos ou ângulos de visão sobre um objeto. Em uma obra cubista, todas as relações sujeito-espaciais do mundo visível são deliberadamente violadas. Objetos densos e pesados podem ficar sem peso aqui, e objetos leves podem ficar pesados. Paredes, superfícies de mesas, livros, elementos de violinos, violões flutuam em um espaço especial opticamente surreal.
3. Na última fase sintética do cubismo (1913-1914), os cubistas introduzem em suas telas elementos não pictóricos - adesivos de jornais, programas de teatro, cartazes, caixas de fósforos, retalhos de roupas, pedaços de papel de parede, misturam areia com tintas para melhorar a textura tátil, cascalho e outros itens pequenos.
N. Berdyaev viu no cubismo o horror da decadência, da morte, do "vento cósmico de inverno" varrendo a velha arte e o ser.
Representantes do cubismo: P. Picasso, J. Braque, H. Gris.
Fauvismo - (fr. Les faues - "animais selvagens; experimentos com cores abertas") a cor tornou-se o principal meio de autoexpressão emocional, mostrando simpatia pelos objetos do mundo circundante. Os fauvistas estavam preocupados com a transferência de manifestações coloridas e expressivas de objetos, a magia dos efeitos de cor em mundo interior pessoa. Em 1905, o quadro “A Alegria da Vida” de Henri Matisse (1869-1954) aparece numa exposição em Paris, na qual se identifica claramente a tendência para a beleza abstracta.
Representantes do Fauvismo: J. Rouault, R. Dufy, A. Matisse, M. Vlaminka, A. Marquet, A. Derain.
Futurismo e Cubofuturismo.
Futurismo - (lat. Futurum - "futuro") - uma das tendências mais ultrajantes da arte de vanguarda, mais plenamente realizada nas artes visuais e verbais da Itália e da Rússia. O início do futurismo - a publicação em 20 de fevereiro de 1909 no jornal parisiense "Figaro" do "Manifesto do Futurismo" do poeta italiano F.T. Marinetti (1876-1944). No centro da estética do futurismo está a admiração pela civilização moderna: intoxicados com os últimos avanços da tecnologia, os futuristas idealizaram a urbanização, o desenvolvimento da indústria e os valores materiais. O futurismo rejeitou a alta arte clássica e seus "ideais místicos".
O futurismo russo surgiu independentemente do italiano e foi mais significativo. A base do futurismo russo é a sensação de colapso, a crise de tudo o que é antigo. O mais próximo do futurismo foi a associação de cubo-futuristas "Gilea", que incluía A. Kruchenykh, V. Mayakovsky, V. Khlebnikov, irmãos V. e D. Burliuks, V. Kamensky e outros, que se autodenominavam "futuristas", "budelenami" .
Em particular, destacam-se os cubo-futuristas-artistas russos que interagem criativamente com os poetas: N. Goncharova, M. Larionov, M. Matyushin, K. Malevich.
Abstracionismo.
O abstracionismo é uma tendência geral em várias áreas de vanguarda dos anos 1910-1920. na pintura para criar composições pictórico-plásticas, combinações de cores, desprovidas de qualquer significado verbalizado. No abstracionismo, duas correntes se desenvolveram: psicológica e geométrica.
O fundador do abstracionismo psicológico foi Wassily Kandinsky (1866-1944), nas pinturas "Montanha", "Moscou" e outras, ele enfatizou o valor expressivo independente da cor. As associações musicais de combinações de cores são importantes, com a ajuda das quais arte abstrata procurou expressar as profundas "verdades do ser", o movimento das "forças cósmicas", bem como o lirismo e o drama das experiências humanas.
O abstracionismo geométrico (lógico, intelectual) é o cubismo não figurativo. Os artistas criaram um novo tipo de espaço artístico combinando várias formas geométricas, planos coloridos, linhas retas e quebradas. Por exemplo, na Rússia - Raionismo de M. Larionov (1881-1964), que surgiu como uma espécie de refração das primeiras descobertas no campo da física nuclear; "não objetividade" de O. Rozanova, L. Popova, V. Tatlin; Suprematismo de K. Malevich.
Suprematismo.
Kazimir Malevich (1878,1879-1935) descobriu o Suprematismo em 1913 com a pintura "Quadrado Negro". "O que descrevi não foi um "quadrado vazio, mas uma percepção de viés"" (K. Malevich).
Mais tarde, no ensaio "Suprematism, or the World of Non-Display" (1920), o artista formulou seus princípios estéticos: a arte é duradoura, pura sensibilidade plástica, fórmulas e composições pictóricas universais (suprematistas) - construções ideais a partir de elementos geometricamente corretos . O enredo, o desenho, a perspectiva espacial estão ausentes no Suprematismo, o principal é a forma geométrica e a cor aberta. Cuidado em formas abstratas. 3 períodos de Suprematismo: preto, colorido e branco. Branco: quando o artista começou a escrever formas brancas sobre um fundo branco.
Construtivismo.
O construtivismo é uma das principais vertentes da vanguarda, que colocou a categoria da construção no centro de sua estética. O construtivismo surgiu no alvorecer da revolução científica e tecnológica e idealizou as ideias do tecnicismo; valorizou as máquinas e seus produtos acima do indivíduo, conclamou a luta contra a arte. Design - a organização conveniente dos elementos estrutura artística, que tem um valor utilitário ou funcional específico. O ancestral do construtivismo na Rússia é Vladimir Tatlin (1885-1953), que criou vários dos chamados relevos de canto: trazendo imagens plásticas da imagem para o espaço real de exposição usando materiais reais: estanho, madeira, papel, pintado em as cores apropriadas. Seu famoso projeto "Monumento à Terceira Internacional Comunista", que incorporou a ideia do papel sócio-político da Terceira Internacional. O construtivismo russo estava a serviço da ideologia revolucionária dos bolcheviques.
A primeira confirmação oficial do construtivismo na Europa ocorreu em 1922 em Düsseldorf, quando foi anunciada a criação da "Fação Construtivista Internacional". De acordo com a estética construtivista, o objetivo da criatividade artística é a "construção da vida", a produção de "coisas" convenientes. Isso contribuiu para o desenvolvimento do design. Teórico e praticante do funcionalismo (construtivismo) Le Corbusier (1887-1965) procurou transformar a cidade em um parque ensolarado e ao ar livre. Ele criou um modelo de "cidade radiante" não dividida em distritos de níveis hierarquicamente diferentes. Corbusier afirmou na arquitetura as ideias de racionalismo, democracia e igualdade.
Um lugar especial na história do construtivismo foi ocupado pela "Bauhaus" (Bauhaus - "guilda de construtores") - uma escola de arte e industrial organizada pelo arquiteto W. Gropius em 1919 na Alemanha, que funcionou ativamente em Weimar, Dessau, Berlim até ser fechada pelos nazistas em 1933 O objetivo desta escola era formar designers com base na combinação das últimas conquistas da arte, ciência e tecnologia.
O dadaísmo é um movimento de vanguarda na arte e na literatura. Europa Ocidental. Formado na Suíça e desenvolvido de 1916 a 1922. O fundador da direção é o poeta romeno Tristan Tzara (1896-1963). As origens do dadaísmo remontam ao café "Voltaire", inaugurado em 1916 em Zurique, onde os dadaístas (H.Ball, R.Hülzenbeck, G.Arp) realizavam noites teatrais e musicais.
Francês "dada" - um cavalo infantil de madeira (Tzara abriu aleatoriamente o "Dicionário" de Larousse),
- "dada" - incoerente, conversa de bebê,
Dadá é vazio. Basicamente, esta palavra não significa nada. Na ausência de significado, há significado.
Um dos fundadores do dadaísmo, o poeta e músico alemão Hugo Ball (1886-1927) acreditava que para os alemães era "um indicador de ingenuidade idiota" e todo tipo de "infantil": "O que chamamos de dada é tolice extraída de o vazio em que estamos envolvidos preocupa-se cada vez mais alto; o gesto do gladiador, o jogo jogado pelo decrépito permanece... a performance pública de uma falsa moral."
Os princípios do dadaísmo eram: ruptura com as tradições da cultura mundial, fuga da cultura e da realidade, ideia do mundo como caos e loucura, na qual é lançada uma pessoa indefesa, pessimismo, descrença, negação de valores, um sentimento de perda geral e falta de sentido do ser, a destruição dos ideais e do propósito da vida . A realidade na obra dos dadaístas foi levada ao absurdo. Eles lutaram contra a sociedade com a ajuda de uma revolução na linguagem: destruindo a linguagem, eles destruíram a sociedade. Os dadaístas são conhecidos principalmente por seus slogans e comportamento chocante, e só então por seus textos artísticos. As obras dos dadaístas são projetadas para chocar e representar uma combinação irracional e anárquica de palavras e sons que à primeira vista parecem sem sentido. Ironia, erotismo, humor negro, uma mistura do inconsciente são os componentes dos artefatos do dadaísmo.
Prontos.
Ready-mades - (eng. Ready-made - "pronto") - obras - itens utilitários retirados do ambiente de seu funcionamento normal e exibidos em uma exposição de arte como obras de arte sem quaisquer alterações. Fundador Marcel Duchamp (1887-1968), que exibiu os primeiros readymades em Nova York em 1913: Bicycle Wheel (1913) montado em um banquinho branco, Bottle Dryer (1914) comprado ocasionalmente de um sucateiro, "Fountain" (1917) - um mictório, entregue diretamente da loja para a exposição.
Duchamp acreditava que nenhuma cópia pictórica pode mostrar o assunto melhor do que ele mesmo com sua aparência. É mais fácil expor o próprio objeto no original do que tentar retratá-lo. A introdução de qualquer objecto no espaço de uma exposição de arte legitimava o seu estatuto de obra de arte, desde que esta “introdução” fosse efectuada por um artista reconhecido.
Surrealismo.
Surrealismo (fr. Surrealismo - "superrealismo") apareceu na década de 1920. na França como uma direção que surgiu no solo artístico e estético das ideias do freudismo, do intuicionismo, das descobertas artísticas do dadaísmo e da pintura metafísica.
A estética do surrealismo é apresentada em 2 "Manifestos do Surrealismo" de André Breton (1896-1966). Os surrealistas clamavam pela libertação do espírito humano dos "grilhões" do cientificismo, da lógica, da razão, da estética tradicional. 2 princípios fundamentais do surrealismo: escrita automática e registro de sonhos. Agravamento de métodos de ilogicidade, paradoxo, surpresa. Uma atmosfera artística surreal (super-real) que leva o espectador a outros níveis de consciência. Para o surrealismo, o homem e o mundo, o espaço e o tempo são fluidos e relativos. O caos do mundo causa o caos pensamento artístico- este é o princípio da estética do surrealismo. O surrealismo leva uma pessoa a um encontro com um universo misterioso e incognoscível, dramaticamente tenso. Um homem solitário enfrenta um mundo misterioso.
Surrealismo na pintura: J. Miro, I. Tanguy, G. Arp, S. Dali, M. Ernst, A. Masson, P. Delvaux, F. Picabia, S. Matta.
Vasto é o cosmo da pintura do pintor, escultor e artista gráfico espanhol Salvador Dali (1904-1989), que declarou: "O surrealismo sou eu". (obras "A Persistência da Memória", "Gala", etc.). Suas telas são como um magnífico "funeral de Deus", um moribundo no peito e lágrimas frias por essa perda. O mundo irreconhecível deslocado e distorcido em suas telas congela ou convulsiona. O objetivo é mostrar que tudo no mundo é interconversível. Uma infeliz ironia.
O surrealismo no cinema é representado pela obra do diretor Luis Buñuel (1900-1983)
O cinema assemelha-se aos sonhos e está associado ao mistério. O filme de Buñuel "O Cão Andaluz" é famoso pela cena de cortar o olho - esta é a cena de um gesto surreal (ato), seus filmes "Beleza do Dia", "Mulher sem Amor" são notáveis.
O termo "pop art" (eng. Popular art - "popular, arte pública") foi introduzido pelo crítico L. Allway em 1965. arte abstrata. Os teóricos da arte pop argumentam que, em um determinado contexto, cada objeto perde seu significado original e se torna uma obra de arte. A tarefa do artista é dar qualidades artísticas a um objeto comum, organizando um determinado contexto para sua percepção. Poéticas dos rótulos e da publicidade. Pop art é uma composição de objetos do cotidiano, às vezes combinados com um modelo ou escultura.
Representantes: R. Hamilton, E. Paolozzi, L. Allway, R. Banham, P. Blake, R.B. China, D.Hockney, P.Phillips. Na América: Robert Rauschenberg (1925-2008), Jesper Johns (n.1930), Andy Warhol, R. Lichtenstein, K. Oldenburg, D. Dyne e outros.
Andy Warhol usou estênceis para produzir em massa seu trabalho na The Factory. Seu famoso díptico "Merlin", com o qual ele conheceu pessoalmente. A ideia da tinta de "fotocópia" minguante e desbotada: tornando-se uma celebridade, você se torna repetível, vulnerável e gradualmente deixa de existir, apagado na escuridão da morte. Jasper Johns pintou a bandeira americana: cortou jornais em pedaços e cobriu com tinta e cera.
Minimalismo.
O minimalismo é uma reação ao mundo heterogêneo da pop art, uma tendência da arte que proclamava os princípios da economia marginal dos "meios gráficos e expressivos", que eram detalhes técnicos e desenhos em sua quantidade mínima e com mínima intervenção do artista no organização do objeto criado. Na maioria das vezes, eram esculturas de metal, pintadas em cores discretas.
Representantes: S. LeWitt, D. Flavin, K. Andre, R. Morris, D. Judd, F. Stellar.
Arte da terra.
Land-art (eng. Land-art - "nature-art") é uma prática artística em que a atividade do artista é levada para a natureza e o material para objetos de arte é puramente materiais naturais ou suas combinações com um número mínimo de elementos artificiais. Nos anos 1960-1980. os artistas V. de Maria, M. Heitzer, D. Oppenheim, R. Smithson, Christo e outros realizaram grandes projetos em locais inacessíveis da paisagem natural e em desertos. Nas montanhas, no fundo de lagos secos, artistas cavaram enormes fossos e valas. várias formas, construiu montes bizarros de fragmentos de rocha, dispôs espirais de pedras em baías marítimas, pintou alguns desenhos enormes em prados com a ajuda de cal, etc. Com seus projetos, os Landaristas protestaram contra a civilização urbana moderna, a estética do metal e do plástico.
Conceitualismo.
O conceitualismo (Eng. Concept - "conceito, ideia, conceito") foi fundamentado em 1968 pelos artistas americanos T. Atkinson, D. Bainbridge, M. Baldwin, J. Kossuth, L. Weiner. Joseph Kossuth (n.1945) no artigo do programa "Art after Philosophy" (1969) chamou arte conceitual fenômeno cultural que substituiu a arte e a filosofia tradicionais. O conceito é a ideia por trás do trabalho. A obra deve ser um projeto documentado, uma fixação documental do conceito e do processo de sua materialização. Por exemplo, a composição de J. Kossuth do Museu de Arte Moderna de Nova York "One and Three Chairs" (1965), que representa três "hipóstases" de uma cadeira: a própria cadeira realmente encostada na parede, sua fotografia e uma descrição da cadeira do dicionário enciclopédico.
Modernismo no teatro e no cinema.
Um dos ideólogos do modernismo, o filósofo francês Jacques Lacan (1901-1981), acreditava que a causa de muitas neuroses, psicoses e outros transtornos que ameaçam a vida mental homem, são "os efeitos teatrais do eu humano". Envolvida no processo de identificação (busca do próprio “eu” real), a pessoa se expõe à tentação do jogo, trocando de máscara. O teatro modernista refletiu essa tragédia da cisão humana, da fragilidade do “eu”, mostrando o absurdo do mundo e, ao mesmo tempo, cumpriu uma espécie de função terapêutico-catártica de libertar a psique humana do auto-isolamento no selvagens da solidão.
Teatro da tragédia. A realização no espaço do palco não é um trabalho específico do dramaturgo, mas todo o seu trabalho, percebendo-o como um mundo holístico de imagens interativas e colisões inter-relacionadas.
Representante: Cineasta-reformista inglês Gordon Craig.
Teatro épico. Cria um sistema de novas relações baseadas na relatividade alegre e imoralidade moralizante, liberdade cínica de comunicação entre o ator e a imagem.
Representante: dramaturgo e diretor alemão Bertolt Brecht (1898-1956) - fundador do teatro "Berlin Ensemble".
Teatro da máscara social. A máscara teatral expressa um certo tipo social, sem traços individuais. Por exemplo, cada personagem nas performances de V. Meyerhold ("O Percevejo", "A Floresta", "A Dama das Camélias", etc.) estava de frente para o auditório e relatava de forma independente sobre si mesmo para o público. As relações entre as pessoas são enfraquecidas, os conflitos são obscurecidos.
Representante: diretor experimental russo Vsevolod Meyerhold (1874-1940).
"Teatro da Violência" Eles tentaram devolver o teatro à forma antiga de um santuário ritual, onde o espectador pode se juntar aos elementos originais "cósmicos" da vitalidade, caindo em um "transe transcendental".
Representante: Antonin Artaud (1896-1948).
teatro do absurdo.
O lema principal: "Não há nada para expressar, não há nada para expressar, não há poder para expressar, não há desejo de expressar, bem como a obrigação de expressar."
O principal representante: Eugene Ionesco (1909-1994), em suas obras "Careca Cantora", "Aula", "Cadeiras" e assim por diante. ao trazer a vida cotidiana para a fantasia, exagerando as relações e sentimentos humanos, ele procura mostrar o absurdo da existência humana. Por exemplo, na peça "Aula": um professor de matemática mata seu aluno, seguindo a lógica: "a aritmética leva à filosofia e a filosofia leva ao crime", "as palavras podem matar". Na peça "Cadeiras", dois velhos carregam cadeiras, esperam um orador que não vem - eles se matam. A imagem do vazio do espaço no corredor e na alma desses velhos é levada ao limite. Na tragicomédia de Ionesco "Esperando Godot", a cena é uma estrada, ao lado da qual existe uma árvore solitária, sob a qual estão sentados 2 heróis. O encontro deles é um momento, um momento. O passado não existe mais e o futuro não chegou. Os heróis não sabem de onde vêm, não fazem ideia da passagem do tempo. Eles são impotentes para fazer qualquer coisa. Eles são fracos e parecem estar doentes. Eles estão esperando por Godot - e eles próprios não percebem quem é. Na peça "Endgame" a ação ocorre em uma sala na qual o herói está confinado a uma cadeira, incapaz de se mover independentemente. Na peça "Oh dias felizes" no espaço do deserto, a heroína Vini está acorrentada a um ponto. No 1º ato, ela está coberta até a cintura com terra, no 2º ato apenas a cabeça é visível. A metáfora de um ponto no espaço, ao qual a heroína está ligada, é a morte, uma sepultura que atrai todos para si, embora nem todos percebam até o momento de sua presença.
Representantes do "teatro do absurdo": A. Adamov, J. Genet, S. Beckett.
"Fotogenia" - o estilo do diretor e teórico do cinema francês Louis Delluc (1890-1924), incluindo os métodos de filmagem rápida e lenta, edição associativa, composição dupla para enfatizar o significado interno, o mistério do assunto.
estilo monumental.
Os filmes de estilo monumental são filmes sem roteiro, o significado da obra era transmitido ao público não pelo desenvolvimento de personagens ou enredo, mas por um novo tipo de montagem - "montagem de atrações", na qual os gestos desempenhavam um papel importante papel.
Representante: o diretor de cinema russo Sergei Eisenstein (1898-1948), seus filmes "Battleship Potemkin", "Ivan, o Terrível", "Alexander Nevsky", etc.
Estilo pós-Hollywood.
Surgiu como uma reação às consequências do "milagre econômico" na Europa após a Segunda Guerra Mundial. A base filosófica são as ideias de F. Nietzsche ("sobre a morte de Deus") e O. Spengler (sobre o declínio da Europa). O herói dos filmes é uma pessoa extra na sociedade de bem-estar.
Assim, o diretor e roteirista alemão Rainer Werner Fassbinder (1945-1982) combinou os motivos das obras de T. Mann com elementos da crônica criminal, a música de L. Beethoven com os gritos dos torcedores de futebol e assim por diante.
Modernismo na música.
Filósofo e sociólogo alemão de meados do século XX. Theodor Adorno (1903-1969) acreditava que a verdadeira música é aquela que transmite o sentimento de confusão do indivíduo no mundo exterior e é completamente isenta de quaisquer tarefas sociais.
música específica.
Gravação de sons naturais ou artificiais, que depois são misturados e editados.
Representante: O acústico e compositor francês Pierre Schaeffer (1910-1995).
Aleatorica.
Na música, o principal é a aleatoriedade. Assim, uma composição musical pode ser construída com a ajuda de lotes, com base nas jogadas de um jogo de xadrez, respingos de tinta em papel de música, lançamento de dados e assim por diante.
Representantes: compositor, pianista e maestro alemão Karlheinz Stockhausen (nascido em 1928), compositor francês Pierre Vulez.
Pontilhismo.
Música na forma de sons espasmódicos cercados por pausas, bem como 2-3 sons curtos, motivos.
Representante: Compositor e maestro austríaco Anton Webern (1883-1945).
Música eletrônica.
Música criada com o auxílio de equipamentos eletroacústicos e de reprodução de som.
Representantes: H. Eimert, K. Stockhausen, W. Mayer-Epper.
NA VIRADA DOS SÉCULOS XIX-XX
Introdução
A história da cultura dos períodos marcantes do desenvolvimento humano é sempre interessante, pois é no virar do século que surgem novos fenómenos na música, novas tendências representadas por jovens compositores, artistas e escritores que não só rejeitam as técnicas e técnicas de épocas anteriores, mas também oferecem sua própria visão de mundo, preenchendo sua nova filosofia e ideologia, bem como seus próprios métodos de escrever pinturas, poesia e música.
Apesar de o fenômeno da vanguarda russa não existir por muito tempo, apenas algumas décadas, graças a ele "nasceram" grandes artistas como Kazimir Malevich e Wassily Kandinsky, que deixaram um grande número de obras de arte. A segunda década do século passado colocou Malevich e Kandinsky em pé de igualdade com Picasso. significado especial tem o fato de que o conceito geral de "vanguarda russa" consiste em várias tendências que eram características não só da pintura, mas de toda a arte da época, incluindo arquitetura, escultura, cinema, design e literatura. Apesar do fato de que a tendência de vanguarda na arte se desenvolveu em outros países, muitas tendências surgiram na Rússia. Eles também receberam o nome de "vanguarda russa". O legado dos artistas de vanguarda russos ainda é muito popular. São pinturas de artistas e poemas de poetas, entre os quais um lugar especial é ocupado pela obra de Vladimir Mayakovsky; e edifícios e construções insuperáveis, que em nosso tempo encantam os olhos dos moscovitas.
A relevância do projeto.
A virada dos séculos 20 e 21 é a própria época em que vivemos. É por isso que me interessou recorrer à história da cultura do século passado, quando a arte romântica e pós-romântica foi substituída por compositores, artistas e poetas que proclamavam as ideias de vanguarda em suas obras. Eu queria entender as ideias dos arautos do vanguardismo, porque ainda hoje muitas das ideias apresentadas por eles há mais de 100 anos se manifestam na arte de nosso tempo, muitos compositores ainda usam a técnica de composição proposta pelos autores da música no início do século XX, ainda pinturas de artistas de vanguarda chamam a atenção, causando polêmica em sua defesa e contra.
Etapas do trabalho em um projeto criativo.
No trabalho do projeto, você pode identificar as principais etapas do trabalho associadas à solução de determinadas tarefas.
EU. Etapa de problematização . A formulação do problema, tema do projeto, sobre o qual procuramos responder às seguintes questões.
Questão fundamental:
O que é vanguarda na arte?
Qual é a história do surgimento da vanguarda?
Como novas visões de vanguarda se manifestam na filosofia, pintura, poesia e música do início do século XX?
Que formas de transmitir conteúdo em uma obra os jovens autores oferecem?
Como as características da vanguarda se manifestam em vários tipos de arte?
Que novas técnicas de composição musical surgem no início do século XX?
Qual é o significado do vanguardismo nas primeiras décadas do século XX na história da cultura mundial?
Por isso, assunto de estudo são escritos de vanguarda e obras de música, poesia e pintura do século XX.
Resultados esperados:
1. Fazer um estudo histórico do surgimento e desenvolvimento das ideias de vanguarda ajudará a ampliar seus horizontes;
2. Expansão próprias ideias sobre fenômenos culturais ocorridos na virada dos séculos XIX-XX;
3. Desenvolvimento da capacidade analítica na reflexão e estudo da técnica dodecafónica proposta pelos compositores da escola de Novovensk;
4. Criar uma apresentação que reflita a manifestação da vanguarda em Vários tipos arte.
2. Etapa de estabelecimento de metas. O objetivo da nossa atividade é pesquisar e estudar este tema e sua implementação prática.
Objetivo do projeto: conhecimento de várias áreas da arte de vanguarda das primeiras décadas do século XX.
Objetivos do projeto:
Conhecer as várias vertentes da arte no quadro da vanguarda;
Determinar as especificidades de alguns deles, seu conteúdo ideológico;
Revelar a importância da vanguarda para o desenvolvimento da cultura mundial;
Crie uma apresentação com base em um projeto criativo que reflita o conteúdo deste tópico.
Planejamos concluir a parte de pesquisa do projeto em 2 meses (60 dias), então o seguinte plano de trabalho foi elaborado.
|
№ |
O que deveria ser feito |
Período de execução |
Desempenho |
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1. |
Pensando no propósito e nos objetivos do projeto |
1 dia |
Feito |
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2. |
Etapas de registro de trabalho e planejamento |
1 dia |
Feito |
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3. |
Elaboração de um projeto de desenvolvimento |
2 dias |
Feito |
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4. |
Seleção de material sobre variedades e especificidades linguagem artística dentro da vanguarda. |
15 dias |
Feito |
|
5. |
Trabalhando com fontes: Revisão de literatura sobre o tema; Conhecimento de obras de arte musicais, poéticas e pictóricas;
|
25 dias |
Feito |
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6. |
Criação do texto do projeto. Sistematização do material estudado. |
5 dias |
Feito |
|
7. |
Avaliação do trabalho realizado |
2 dias |
Feito |
|
8. |
Editando seu trabalho |
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Tempo de conclusão do projeto - 2 meses (60 dias)
Em nosso trabalho, utilizamos o seguinte métodos:
O método de uma análise comparativa abrangente da manifestação das características da vanguarda em obras de vários tipos de arte (pintura, música, literatura)
Pelo método da análise histórica, como nas obras de arte, manifestam-se as características de novas ideias filosóficas, novos conteúdos figurativos;
O método de descrever o material estudado.
Estudo e análise de material de pesquisa.
Produção e design do produto do projeto.
Preparação para apresentação de material de pesquisa.
Familiarização dos colegas com a história do surgimento e significado artístico da arte de vanguarda no início do século XX.
Apresentação do conteúdo do projeto e apresentação nas aulas de literatura musical na Escola de Arte Infantil, aulas do Teatro de Arte de Moscou em uma escola secundária.
Para escrever um relatório sobre o andamento do trabalho no projeto, foram utilizados os recursos do editor de texto WORD.
No desenvolvimento da apresentação, foram dominadas as seguintes tecnologias de informática: programas de escritório Microsoft Word, Microsoft PowerPoint.
Como resultado da implementação deste projeto, foram aprimoradas as habilidades de trabalhar com busca de informações, a capacidade de selecionar e avaliar o material mais significativo para a divulgação do tema.
Um relatório criativo foi realizado para os alunos na forma de uma apresentação.
O projeto foi apresentado na Competição totalmente russa projeto criativo alunos.
Preparação para a apresentação dos resultados.
Apresentação dos resultados obtidos na competição All-Russian de projetos criativos de estudantes.
Literatura
Internet
Conversas com professores da Escola de Arte Infantil sobre temas de interesse.
Trabalhar com um dicionário;
Trabalhar com sites da Internet;
Análise de obras musicais, poéticas e artísticas.
Aplicar os conhecimentos adquiridos nas aulas de história e cultura artística mundial numa escola secundária.
Use este projeto criativo como material ilustrativo nas aulas de literatura musical na Escola de Arte Infantil.
O termo "avant-garde" apareceu na década de 1920 e foi finalmente estabelecido após a Segunda Guerra Mundial. Os fenômenos da vanguarda são característicos de muitos tipos de arte - teatro, literatura, música, mas especialmente - para as artes visuais. Os vanguardistas abandonaram as técnicas tradicionais características dos movimentos artísticos realistas. Novas tendências nas artes plásticas (cubismo, suprematismo, abstracionismo, etc.) convergiram em um esforço para se libertar da objetividade e da figuratividade. O vanguardismo é caracterizado pela negação de todos os fundamentos; esta direção nega qualquer manifestação da continuidade das tradições artísticas.
Em diferentes etapas históricas, o papel da vanguarda foi desempenhado por correntes sucessivas: 1900-1910. - a época do aparecimento do fauvismo, cubismo, futurismo, expressionismo, dadaísmo, arte abstrata; nos anos 1920-1930 o surrealismo vem à tona, no pós-guerra surgem novas tendências do abstracionismo - expressionismo abstrato, tachismo, arte informal, etc .; 1960-1970 - uma era de transição da vanguarda "clássica" para a neovanguarda, ou pós-modernismo. Ao criar diversas técnicas, métodos, formas de expressão artística e antiartística, os artistas de vanguarda contribuíram para o surgimento e desenvolvimento de novos tipos de arte, como a fotografia, o cinema e a música eletrônica.
Com toda a diversidade programas criativos avant-garde, ainda é possível destacar algumas características comuns como a posição de protesto constante, a rejeição das formas clássicas de fineza e beleza em favor do foco no primitivo, a capacidade de se renovar constantemente. A imagem é submetida a deformações expressivas, articulação analítica e diversas transformações lúdicas, até o completo deslocamento da pictorialidade. Rejeitando a forma fechada, os artistas de vanguarda se esforçam para "abri-la", dinamizando a obra de várias maneiras. Tal obra "aberta" pressupõe a participação do espectador no processo de revelação do significado da obra: o espectador resolve os enigmas e paradoxos que lhe são propostos, dota os signos e símbolos de significado próprio. Um excelente exemplo tal é o “desvendar” do suprematismo na pintura. suprematismo Criado por K. Malevich em 1910. O objetivo da direção é expressar a realidade em formas simples (quadrado, círculo, triângulo, linha reta), que fundamentam outras formas do mundo físico. Nas pinturas dessa direção, não há conceitos de cima, baixo, direita, esquerda - todas as direções são iguais, como se estivessem no espaço. Um mundo autocontido emerge. O famoso "Quadrado Negro" de Malevich tornou-se o manifesto pictórico da tendência.
O fenômeno transicional que serviu de base para muitas outras correntes da vanguarda russa foi cubo-futurismo. Essa direção combinou as tradições do futurismo italiano e do cubismo francês. O. Rozanova, L. Popova, N. Udaltsova, N. Goncharova, A. Exter, K. Malevich em um determinado período de seu trabalho trabalharam no espírito do cubo-futurismo. Essas obras eram tão abstratas quanto possível, abstraídas das formas específicas da realidade e das regras tradicionais de criação de uma pintura.
As principais características da vanguarda
1. Rejeição à divisão tradicional da literatura em profissional e não profissional, acompanhada de uma rejeição enérgica de tudo o que é rotulado como “acadêmico”, “museu” e, ao contrário, um interesse criativo pelo folclore.
2. Uma atitude consciente e às vezes chocante em relação à “incompreensibilidade” como forma de superar o automatismo da percepção estética, portanto, segundo Maxim Shapir, “o mal-entendido, total ou parcial, entra organicamente no plano do artista de vanguarda.
3. O desejo de confundir as linhas entre gêneros diferentes e, além disso, formas de arte individuais, culminando em formas híbridas como a poesia visual.
4. A procura de um género, técnica ou técnica própria e "certificada", que na memória do público e na memória da cultura passará a ser estritamente associada a este e a nenhum outro nome. Assim, o cartão de visitas de Dmitry Avaliani eram os vira-folhas, Alexander Gornon é exclusivamente interessante na fonosemântica.
5. O caráter ultrajante e escandaloso da apresentação de artistas de vanguarda de si mesmos e de suas obras.
O vanguardismo tocou muitas áreas da arte: pintura, literatura, cinema, música e muito mais. Considere vários movimentos de vanguarda. Vamos nos voltar para a literatura de vanguarda.
futurismo- um desdobramento do modernismo, movimento de vanguarda dos anos 10-30 do século XX, surgiu na Itália em 1909. O autor do primeiro manifesto dos futuristas teria sido o poeta Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944) . Futuristas se opõem tradições literárias. Eles pediram a destruição de museus e bibliotecas, para libertar a Itália de professores e arqueólogos... A velha cultura, que, segundo eles, cantava a preguiça de pensar e a inação, foi contraposta pelos futuristas à nova. Os futuristas se opuseram ao psicologismo na literatura, porque a psicologia foi esgotada ao máximo e será substituída pelas letras da matéria inanimada. Na opinião deles, uma madeira ou ferro em brasa causa sentimentos mais fortes do que o sorriso ou as lágrimas de uma mulher. Os futuristas fizeram a destruição do vocabulário, convocaram os substantivos para serem colocados à medida que vêm à mente, para cancelar o adjetivo, que retarda a dinâmica da percepção, para conectar palavras sem palavras auxiliares. Os futuristas chocaram o público com uma linguagem obscura. Nas artes plásticas, a dinâmica, o espírito da época, os futuristas transmitiam com linhas abstratas e formas incríveis, cores variadas. A música acumulou rugido, barulho.
O futurismo tinha outras características em países eslavos. Mais claramente se manifestou na Rússia. Os futuristas se declararam em 1911. Os futuristas russos criaram palavras artificiais, construções sintáticas ilógicas. O futurista russo O. Kruchenykh, por exemplo, escreveu tal poema
buraco, bul, schyl
ubeshur
skoom
você com vaia
g l ez
Ele afirmou que nessas cinco linhas há mais nacional russo do que em toda a poesia de A.S. Pushkin.
Vanguarda na pintura .
E 
expressionismo- atual em arte europeia era do modernismo, que se desenvolveu mais nas primeiras décadas do século XX, principalmente na Alemanha e na Áustria. O expressionismo busca não tanto reproduzir a realidade quanto expressar o estado emocional do autor. O expressionismo surgiu como uma reação aguda e dolorosa à Primeira Guerra Mundial e movimentos revolucionários. A geração traumatizada pelo massacre da Guerra Mundial percebeu a realidade de forma extremamente subjetiva, através do prisma de emoções como decepção, ansiedade e medo. Motivos de dor e gritos são muito comuns. Os expressionistas alemães consideravam seus predecessores os pós-impressionistas, que em final do século XIX século, abrindo novas possibilidades expressivas de cor e linha, passaram da reprodução da realidade à expressão de seus próprios estados subjetivos. As telas dramáticas de Vincent, van Gogh, Edvard Munch e James Ensor, com toda a individualidade das maneiras desses artistas, são permeadas por emoções avassaladoras de deleite, indignação, horror. Banalidade, feiúra e contradições vida moderna deu aos expressionistas sentimentos de irritação, nojo, ansiedade, que eles transmitiram com a ajuda de linhas angulares e retorcidas, pinceladas rápidas e ásperas,
Edvard Munch. gritar
cor gritante. Foi dada preferência a cores extremamente contrastantes de forma a potenciar o impacto no espectador, não o deixando indiferente. À primeira vista, imagens normais da vida nas ruas modernas recebidas sob o pincel dos expressionistas transbordam cores emocionais.
No início do século XX, uma nova direção apareceu na arte - o cubismo. Essa direção é baseada na decomposição e deformação de objetos. Os objetos representados são decompostos em planos geométricos, suas formas são deslocadas de uma certa maneira. As origens do cubismo estão intimamente ligadas ao nome do famoso Pablo Picasso. O cubismo de Picasso é causado pelo interesse do artista pelo primitivismo escultura africana. Ele se interessou por ela na virada de 1907-1908. formas picadas arte africana consolidou o desejo de Picasso por uma generalização abstrata de imagens
Cubismo na pintura - não apenas uma imagem de um objeto, é uma imagem de um objeto, 
que é mentalmente destruído e recriado na mente do artista. Na maioria das vezes, os objetos nas telas no estilo do cubismo perdem completamente o contato com seus protótipos reais e se transformam em símbolos abstratos, cujo significado está disponível apenas para um autor. O estilo do cubismo teve uma grande influência no desenvolvimento da pintura, mudou a ideia dos artistas sobre como transmitir textura, volume e espaço.
Se falamos de cubismo russo, deve-se entender que o desenvolvimento dessa direção neste país foi um pouco diferente do que nos países europeus. As obras de Chagall, Malevich, Archipenko, Altman e Lentulov são frequentemente atribuídas ao cubismo russo, no entanto, suas obras também podem ser tomadas como exemplo de outras tendências da arte. Sem dúvida, o cubismo na pintura produziu um tremendo choque. Foi ele quem abriu caminho para a criatividade abstrata, deu ao público a oportunidade de interpretar os símbolos retratados nas obras dos cubistas. O cubismo na pintura preparou a consciência de massa de espectadores e artistas, servindo de base para o desenvolvimento de movimentos de arte abstrata como futurismo, construtivismo e muito mais.
pai vanguarda teatral Alfred Jarry é considerado o autor da peça Rei Ubu, encenada pela primeira vez em 1896 no palco do teatro simbolista "Criatividade" em Paris. Os parisienses, educados no classicismo, ficaram chocados com o estilo obsceno e intrigados com a forma incomum da peça. Muitos historiadores do teatro afirmam que Alfred deu origem a todos os movimentos teatrais de vanguarda do século 20: surrealismo, absurdo e o "teatro da crueldade". Na Rússia, esta peça praticamente não foi encenada, em 2001 foi encenada por um dos teatros de Moscou.
Todos os representantes dos movimentos de vanguarda eram a favor da reforma do teatro, mas os futuristas, liderados por F.T. Suas teorias teatrais influenciaram toda a direção de palco européia subsequente no século XX. O futurismo italiano e o dadaísmo têm raízes comuns - a obra de A. Jarry. .
Futuristas e dadaístas questionaram o sistema teatral contemporâneo. Novo soluções de teatro futuristas substanciados em doze documentos de manifestos teóricos. Suas críticas começaram com a condenação da primazia da dramaturgia na arte teatral, que foi considerado uma violência contra o jogo - um elemento criativo gratuito. No Manifesto, os futuristas anunciaram a criação de um novo teatro - improvisado, dinâmico, surreal. Eles tiraram a palavra, principal elemento do teatro acadêmico, da palavra, e a deram à ação física. O lugar da dramaturgia era ocupado por peças curtas sem palavras, nas quais havia esqueletos de cenas, mas não havia lógica de ação, desenvolvimento psicológico da imagem. Posteriormente, na segunda metade do século XX. surgiu o teatro plástico do artista. Tanto o futurismo quanto o dadaísmo eram céticos sobre a principal conquista do início do século XX. - teatro do diretor. No diretor, eles viram um burguês da arte. Eles também rejeitaram a posição do ator, que era considerado nada mais do que um objeto no palco, o mesmo que uma mesa ou cadeira.
Como se manifesta a vanguarda da música?
Voltando à discussão da música, é especialmente interessante notar como em um tempo relativamente curto essas inovações musicais surgiram na pontos diferentes do globo, entre compositores que não tiveram nenhum contato entre si, então não se pode falar aqui da “influência maliciosa de um apóstata das antigas normas musicais”, que, “violando as leis da música”, e depois convertido seus outros colegas à sua fé. Como você sabe, autores como Scriabin, Schoenberg, Stravinsky, Bartok, Ives, Roslavets, Lurie e outros agiram de forma absolutamente independente e chegaram a resultados tão contrastantes quanto semelhantes entre si em coragem, inventividade e separação. da linguagem musical do passado. Pode-se dizer que o mais importante que uniu todos esses compositores díspares é a audição de processos cósmicos invadindo o espaço daquele tempo. E foi este fator que acabou por ser decisivo na sua formação estética. O caminho do desenvolvimento da linguagem musical do final do século XIX. foi dramático e comovente. Como sempre na arte, alguns sistemas se tornam obsoletos e novos são substituídos. Essa é a essência da vanguarda. Na vanguarda musical russa, duas gerações fundamentalmente diferentes devem ser distinguidas: a vanguarda dos anos 1910-1920 e a vanguarda dos anos 1960-1980. Embora haja alguma continuidade entre eles, isso não é significativo.
Avant-garde 1910-1920
Os pesquisadores observam que a vanguarda musical inicial é um fenômeno muito heterogêneo. O principal aqui foi a busca por algum tipo de "nova visão de mundo", "visão de mundo sonora". De acordo com a "audição do novo mundo" muitas categorias musicais básicas foram repensadas - som, sistema de altura, timbre, harmonia, etc. Quase todos os primeiros artistas de vanguarda, de uma forma ou de outra, estavam atualizando o sistema de temperamento tradicional e inventando novos sistemas de divisão de tons. Em conexão com a renovação do temperamento, surgiu a questão de uma nova atitude em relação ao som. Idealmente, os vanguardistas se esforçaram para inventar novos instrumentos ou dispositivos correspondentes a essa abordagem: o famoso theremin (o primeiro instrumento eletroacústico do mundo construído pelo engenheiro L.S. ” e “Crystal”. Esses instrumentos deram uma sonoridade fundamentalmente nova, mas com a mesma frequência foram feitas tentativas de "melhorar" os pianos e órgãos tradicionais e aplicar novas técnicas de execução a eles.
Uma das criações do movimento de vanguarda na música do século XX foi a dodecafonia. O autor dessa técnica foi Arnold Schoenberg, compositor austríaco, criador da "Nova Escola de Viena", professor que ensinou alunos notáveis como Anton Webern, Alban Berg e outros.
A dodecafonia substituiu o sistema diatônico que nos é familiar. A essência do sistema diatônico é que dos 12 sons que o ouvido europeu distingue (o chamado sistema temperamental), você pode pegar apenas 7 e construir uma composição com base neles. Sete sons formavam uma tonalidade. Por exemplo, a tonalidade mais simples em Dó maior usa a conhecida escala: dó, ré, mi, fá, sal, lá, si. Simplificando, esta tecla usa apenas as teclas brancas do piano. A tonalidade de dó menor difere porque, em vez de mi, aparece mi bemol. Ou seja, na tonalidade de dó menor, não é mais possível usar um mi simples, com exceção das chamadas modulações, ou seja, transições para uma tonalidade relacionada que difere da original por uma diminuição ou aumento em meio tom. Gradualmente no final do século XIX. as modulações tornaram-se cada vez mais ousadas, os compositores, nas palavras de Webern, "começaram a se permitir demais". E agora o contraste entre maior e menor gradualmente começou a desaparecer. Começa com Chopin, já é bem visível em Brahms, e a música de Gustav Mahler é construída sobre isso. No início do século XX. Os compositores Novye que experimentaram a forma musical chegaram a um beco sem saída. Descobriu-se que você pode compor música usando todos os doze tons: era o caos - um doloroso período de atonalidade.
Havia dois caminhos opostos fora do caos musical. A primeira é a complicação do sistema diatônico através da politonalidade, ou seja, por meio da simultaneidade do som - foram Stravinsky, Hindemith, Shostakovich. O segundo caminho difícil foi percorrido pelos novos vienenses, e foi a criação de um sistema inteiro a partir de um fragmento do antigo sistema.
O fato é que até o final do século XIX. não apenas o princípio diatônico caiu em declínio, mas também a própria harmonia clássica vienense, ou seja, o princípio segundo o qual há uma voz conduzindo a melodia, mas há um acompanhamento. Na história da música, a harmonia vienense foi precedida pelo contraponto, ou polifonia, onde não havia hierarquia de melodia e acompanhamento, mas várias vozes iguais.
Os Novovenets retornaram amplamente ao sistema de contraponto estrito pré-Bach. Ao abandonar a harmonia como princípio, eles foram mais facilmente capazes de organizar a música de uma nova maneira. Sem abandonar a igualdade de 12 tons (atonalismo), Schoenberg introduziu uma regra segundo a qual, ao compor uma composição, deve passar uma sequência de todos os 12 tons não repetidos, após o que ela pode ser repetida e variada, ou seja, ser 1 ) direto; 2) rakhodnaya, isto é, ir do fim ao começo; 3) invertido, isto é, como se estivesse invertido em relação à horizontal e 4) invertido em uma concha. O compositor tinha quatro séries em seu arsenal. Claro que isso era muito pouco. Em seguida, foi introduzida uma regra segundo a qual a série poderia começar de qualquer passo, mantendo apenas a sequência original de tons e semitons. Então 4 séries, multiplicadas por 12 tons de temperamento, deram 48 possibilidades. Esta é a essência da música de 12 tons. Sua base é a igualdade de todos os sons.
Vanguarda russa como fenômeno da arte do século XX
Vanguarda russa é um termo geral para um fenômeno artístico significativo que floresceu na Rússia de 1890 a 1930, embora algumas manifestações iniciais remontem à década de 1850 e depois à década de 1960. O fenômeno da arte do século 20, definido pelo termo "vanguarda russa", não corresponde a nenhum programa ou estilo artístico particular. Este termo é finalmente atribuído às tendências inovadoras radicais que tomaram forma na arte russa nos anos pré-guerra - 1907-1914, ganhando destaque durante os anos da revolução e atingindo a maturidade na primeira década pós-revolucionária. As várias correntes da vanguarda artística estão unidas por uma ruptura decisiva não apenas com as tradições acadêmicas e a estética eclética do século XIX, mas também com a nova arte do estilo Art Nouveau - dominante naquela época em todos os lugares e em todas as formas da arte da arquitetura e pintura ao teatro e design. Comum à vanguarda russa era uma rejeição radical da herança cultural, uma negação completa da continuidade na criatividade artística e uma combinação de princípios destrutivos e criativos: o espírito de niilismo e agressão revolucionária com energia criativa destinada a criar algo fundamentalmente novo em arte e em outras esferas da vida.
Os principais representantes dessa tendência na Rússia são V. Malevich, V. Kandinsky, M. Larionov, M. Matyushin, V. Tatlin, P. Kuznetsov, G. Yakulov, A. Exter, B. Ender e outros.
Todas as correntes da arte de vanguarda são de fato caracterizadas pela substituição do conteúdo espiritual pelo pragmatismo, da emotividade pelo cálculo sóbrio, do imaginário artístico pela harmonização simples, da estética das formas, da composição pela construção, das grandes ideias pelo utilitarismo. O maximalismo russo tradicional, que se manifestou claramente no movimento dos Wanderers e nos "anos sessenta" do século 19, foi fortalecido apenas pela revolução russa e levou ao fato de que a Rússia soviética é considerada o berço da arte de vanguarda em todo o mundo o mundo.
A nova arte conquista com liberdade desenfreada, cativa e cativa, mas ao mesmo tempo testemunha a degradação, a destruição da integridade do conteúdo e da forma. A atmosfera de ironia, brincadeira, carnavalismo e mascarada inerente a algumas tendências da arte de vanguarda não apenas mascara, mas revela uma profunda discórdia interior na alma do artista. A ideologia do vanguardismo carrega em si uma força destrutiva. Na década de 1910, de acordo com N. Berdyaev, uma "geração hooligan" estava crescendo na Rússia.
A vanguarda visava uma transformação radical da consciência humana por meio da arte, uma revolução estética que destruísse a inércia espiritual da sociedade existente, enquanto sua estratégia e tática artística utópica eram muito mais decisivas, anarquistas e rebeldes. Não satisfeita com a criação de requintados “centros” de beleza e mistério, contrapondo-se à materialidade vil do ser, a vanguarda introduziu em suas imagens a matéria bruta da vida, a “poética da rua”, o ritmo caótico do moderno cidade, natureza, dotada de uma poderosa força criativa e destrutiva. Mais de uma vez, ele enfatizou declaradamente o princípio da "anti-arte" em suas obras, rejeitando assim não apenas os estilos anteriores e mais tradicionais, mas também o conceito bem estabelecido de arte como um todo.
O espectro de tendências de vanguarda é grande. As transformações abrangeram todos os tipos de criatividade, mas as artes plásticas atuaram constantemente como iniciadoras de novos movimentos. Os mestres do pós-impressionismo predeterminaram as tendências mais importantes da vanguarda; sua frente inicial foi delineada por apresentações em grupo de representantes do fauvismo e do cubismo. O futurismo fortaleceu os contatos internacionais da vanguarda, introduziu novos princípios para a interação das artes (arte, literatura, música, teatro, fotografia e cinema). Nos anos 1900-10, novas tendências nascem uma após a outra. Expressionismo, Dadaísmo, Surrealismo com sua sensibilidade ao inconsciente em psique humana marcou a linha irracional da vanguarda, no construtivismo, ao contrário, sua vontade racional, construtiva se manifestou. Nem todas as correntes da vanguarda europeia encontraram reflexo na vanguarda russa. Correntes como dadaísmo, surrealismo, fauvismo e algumas outras eram típicas apenas da Europa.
Durante as guerras e revoluções da década de 1910, a vanguarda política e artística interagiu ativamente. As forças de esquerda na política tentaram usar a vanguarda para fins de agitação e propaganda, mais tarde os regimes totalitários (principalmente na Alemanha e na URSS) procuraram suprimi-la com censura estrita, levando a vanguarda à clandestinidade.
Nas condições do liberalismo político, desde a década de 1920, a vanguarda vem perdendo seu antigo pathos de confronto, aliando-se à modernidade, estabelecendo contato com cultura popular. A crise da vanguarda, que em meados do século XX havia esgotado em grande parte sua antiga energia "revolucionária", foi um incentivo para a formação do pós-modernismo como sua principal alternativa.
1917 mudou tudo. Não ficou óbvio de imediato. Os primeiros 5 anos - o período heróico de 5 anos 1917-1922 - ainda deixaram espaço para esperança. Mas logo as ilusões se dissiparam. Começou o drama da destruição do grandioso bastião da arte modernista, criado na Rússia por gênio e trabalho, manifestos e discussões acaloradas de mestres mundialmente famosos. Na virada das décadas de 1920 e 1930, as tendências não realistas foram completamente banidas; alguns artistas partiram para outros países; outros foram reprimidos ou, sucumbindo à cruel inevitabilidade, abandonaram a busca vanguardista. Em 1932, numerosas associações artísticas foram finalmente fechadas; as autoridades criaram um único Sindicato dos Artistas.
Pode-se concluir que a vanguarda russa é de fato um fenômeno do século XX, pois antes dela nenhum outro estilo de arte ousara desafiar tanto a arte tradicional.
Conclusão
Tendo estudado este tópico, podemos dizer com segurança que todo o desenvolvimento posterior da música do século 20 foi determinado pela explosão criativa do início do século. A manifestação de uma nova experiência estética no início do século pode ser comparada a essa passagem do mundo de duas para o mundo de três dimensões. Existem duas explicações possíveis para o fenômeno da onda artística do início do século XX - a primeira é um milagre e um fenômeno providencial, e a segunda é o acúmulo progressivo de riqueza espiritual, que um dia repentinamente se manifestou dessa forma. Afinal, a alta cultura que a precedeu foi o solo nutriente para a Nova Cultura. Schoenberg nunca poderia ter se formado como Schoenberg se não tivesse crescido nas tradições de Bach, Beethoven, Wagner e Brahms. Essa ideia é bastante relevante para a literatura e a pintura.
Hipótese que o surgimento de novas visões científicas filosóficas causa uma variedade de novas tendências na vida cultural de uma pessoa, como uma expressão da filosofia de vida, a visão de mundo de uma pessoa é verdade. Isso confirmou o conhecimento das pinturas de artistas, obras musicais e criações poéticas.
Trabalhar neste projeto me ajudou a expandir minha compreensão de vários tipos de arte, contribuiu para uma compreensão mais profunda da cultura do início do século XX. Ajudou a ver e aprender muitas coisas interessantes composições musicais, obras de literatura e pintura
Com base nos resultados do trabalho do projeto, apresentei uma apresentação e uma história sobre a vanguarda do início do século XX para os alunos do meu grupo em sala de aula literatura musical. Os caras mostraram interesse no meu projeto e ficaram muito interessados nas informações que ofereci.
Resumindo atividades do projeto foi a criação de uma apresentação de computador, que mostrou que o material sobre o estudo de obras de vanguarda contribuiu não só para o meu crescimento intelectual, mas também ativou minha imaginação, inspiração, realizando meu potencial criativo.
Bibliografia
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Site futurismo em fotos http://www.woodli.com
Site da Wikipédia http://www.wikipedia.org
Site http://www.Artonline.ru
Site http://www.krugosvet.ru
uploads -> Trabalho de pesquisa Situação ecológica nas florestas da silvicultura de Arsky no exemplo da silvicultura do distrito de Baltasinsky
Uma das principais direções da vanguarda. Diferentemente da arte tradicional, ela não imita a realidade e não reproduz seus elementos. O objeto da arte abstrata é o kit de ferramentas do artista: cor, linha e forma. As primeiras obras abstratas foram criadas por Wassily Kandinsky no final dos anos 1900 e início dos anos 1910; O primeiro trabalho abstrato é considerado sua "Picture with a Circle" (1911). Em 1912-1915, surgiram sistemas pictóricos abstratos do luquismo (Larionov, 1912) e do suprematismo (Malevich, 1915).
Vanguarda
A princípio, o termo era usado em assuntos militares e em relação a eventos políticos- até que em 1885 o crítico francês Théodore Duret a utilizou em crítica de arte. No entanto, nesse sentido, a palavra não criou raízes. Somente na década de 1950 voltou à história da arte graças ao crítico francês Michel Sefort, que pela primeira vez chamou a arte russa do início do século XX de vanguarda.
totalidade
O termo foi cunhado na primavera de 1913 por Ilya Zdanevich, um artista, escritor, editor e jornalista. As ideias artísticas e estéticas de Mikhail Larionov e dos artistas do seu círculo formaram a base da omnipotência: no catálogo da exposição "Target", reconheceu todos os estilos existentes - cubismo, futurismo, orfeísmo e outros. Em 5 de novembro do mesmo ano, Zdanevich apresentou publicamente seu conceito em Moscou no encerramento da exposição de Natalia Goncharova. A palestra foi intitulada "Natalia Goncharova e toda a felicidade". Depois disso, Zdanevich foi para São Petersburgo para propagar as idéias de onipotência em palestras e debates. Essas performances eram características do personagem ultrajante de vanguarda. Assim, no final da performance “Face Painting” em 9 de abril de 1914, Zdanevich pintou o rosto com tinta preta, e em 17 de abril do mesmo ano, na ação “Worship of the Shoe”, negou tudo o que foi considerou bonito, e cantou a beleza do sapato, “lindo, como carros e motores”.
pintura de cerca
O recurso às tramas e ao estilo das inscrições nas cercas é um dos traços mais característicos da vanguarda e do neo-primitivismo. Essa direção é especialmente perceptível nas obras de Larionov do período neoprimitivista.
Construtivismo
El Lissitzky. Projeto de um arranha-céu perto do Nikitsky Gates, vista do Tverskoy Boulevard charnelhouse.org Do latim constructio - "construção". As principais características do construtivismo são rigor, concisão e formas geométricas. O estilo foi designado oficialmente em 1922 no livro de mesmo nome do artista e teórico da arte Alexei Gan. Entre os construtivistas mais famosos estão Vladimir Tatlin, Alexander Rodchenko, Varvara Stepanova, os arquitetos Moses Ginzburg, Konstantin Melnikov e os irmãos Vesnin. O construtivismo se espalhou nas mais Áreas diferentes criatividade artística: cenários e figurinos teatrais, design de livros, arquitetura, etc.
cosmismo
Lázar Khidekel. Cidades do futuro. Cidade acima do solo. 1927 newsfeed.kosmograd.com Um conceito filosófico que se originou na década de 1870 e se refere a filósofos e cientistas que pensaram sobre o espaço extraterrestre e o cosmos. A arte não objetiva, ou abstrata, contribuiu para o desenvolvimento do cosmismo, enquanto os alunos de Malevich – o artista Ivan Kudryashov e o arquiteto Lazar Khidekel – desenvolveram o aspecto cósmico da não-objetividade geométrica e as ideias do cosmismo.
Cubismo
Jorge Braque. Violino e castiçal. 1910 Museu de Arte Moderna de São Francisco O cubismo foi formado na França no outono de 1908 nas obras de Georges Braque e Pablo Picasso. Ele penetra na Rússia de maneiras diferentes. Assim, a artista Alexandra Exter traz regularmente várias informações sobre o novo estilo da moda de Paris e, em 1908, o colecionador Sergei Ivanovich Shchukin abre para todos sua mansão na Bolshoy Znamensky Lane. Entre outras coisas, a coleção contém obras dos cubistas, e futuros pandeiros visitam regularmente a galeria. Em 1912, um artigo do artista e poeta David Burliuk "Cubismo" foi publicado na coleção "Um tapa na cara do gosto público". O cubismo, ele escreve, implica uma compreensão plana do mundo ou um cânone de uma construção deslocada, e sua técnica mais importante é a representação de um objeto de vários pontos de vista. Três anos depois, no manifesto “Do cubismo ao suprematismo”, Kazimir Malevich define a essência do movimento como “dissonância” resultante do “encontro de duas formas”: “No princípio do cubismo, ainda há uma tarefa muito valiosa , não para transferir objetos, mas para fazer uma foto.<...>Em nossa era do cubismo, o artista destruiu a coisa como tal, com seu significado, essência e propósito.
cubofuturismo
Natália Goncharova. Fábrica. 1912 Museu Estatal Russo Pela primeira vez, esse conceito foi usado em 1912 pelo crítico francês Marcel Boulanger, e no ano seguinte o termo se difundiu na cultura russa. O grupo poético-artístico "Gileya", assim como os artistas do círculo da "União da Juventude" consideram-se Cubo-Futuristas. Nas obras cubo-futuristas, o mundo aparece fragmentado em fragmentos ou desmontado em elementos. Em novembro de 1913, Malevich chama suas obras de cubo-futuristas no catálogo da exposição União da Juventude. Em 1912-1913, apareceu a pintura cubo-futurista de Natalia Goncharova ("Fábrica").
arte esquerda
Alexandre Rodchenko. Opção de capa de revista "Esquerda" "Esquerda"- "Left Front", uma revista publicada em Moscou em 1923-1925, editor-chefe - Vladimir Mayakovsky. Vários quartos são decorados por Alexander Rodchenko.(desenho animado de O. Brik). 1924 Museu do Estado belas-Artes eles. A. S. Pushkin
Na primavera de 1915, após a Exposição de pinturas de correntes de esquerda em Petrogrado, o termo "arte de esquerda" junto com o conceito de "futurismo" começaram a ser aplicados à arte inovadora. Três federações foram criadas em 1917; um deles foi chamado de "esquerda" e reuniu a maioria dos artistas de vanguarda. Em 1919, o termo mudou de significado: agora é chamado de artistas não-objetivos e proletários. No início dos anos 1920, este último formou um grupo em torno da revista Lef.
Lineismo
Alexandre Rodchenko. Projeto linear nº 108. 1920 monoskop.org Em 1919, o termo foi inventado por Alexander Rodchenko, denotando uma das correntes da arte não objetiva. “Apresentou e anunciou a linha como elemento de construção e como forma independente de pintura”, escreveu ele no Manifesto do Construtivismo Primitivo.
rayismo
Mikhail Larionov. Galo (estudo radiante). 1912Um dos primeiros sistemas de pintura não objetiva desenvolvidos por Mikhail Larionov. O raionismo, acreditava Larionov, deveria conectar o mundo material visível e o mundo espiritual em uma única harmonia. O artista criou as primeiras obras lucistas em 1912, ao mesmo tempo que foram exibidas nas exposições do Mundo da Arte. Em 1913 e 1914, a pintura luchista de Larionov foi exibida nas exposições Target e Number 4. O raionismo realista é caracterizado por tramas animalescas. Para a próxima etapa do rayonismo - pneumoraismo - o uso de outras técnicas (por exemplo, inserções de papel machê, sinais como notas, cruzes, etc.).
Orientalismo
Uma parte importante do programa de artistas vanguarda precoce. A influência da arte oriental refletiu-se principalmente em teorias e manifestos e atraiu artistas de vanguarda mais com enredos e temas do que com técnicas. O importante era a própria imersão na atmosfera do Oriente, e não o estudo das características da arte. A justificativa teórica para o orientalismo foi desenvolvida por Mikhail Larionov e Ilya Zdanevich. E foi precisamente o amor pelo Oriente que se tornou o motivo do rompimento de Larionov com o “Valete de Ouros” - o artista acusou seus membros de ocidentalismo imitativo. No entanto, em meados da década de 1910, o tema do Oriente foi esquecido e o orientalismo se esgotou.
primitivismo
Mikhail Larionov. Primavera. Estações (Novo primitivo). 1912 Galeria Estatal Tretyakov A direção da vanguarda russa inicial (final dos anos 1900 - início dos anos 1910). Entre as características do primitivismo estão formas infantis e proporções infantis de figuras, plasticidade desajeitada, imitação de desenho amador e fabulosidade ingênua. O papel fundamental aqui foi desempenhado pela confiança na tradição nacional, em amostras de antigas e Arte folclórica, antes de tudo, o ícone, tala, arcaico escultórico. Pela primeira vez, a palavra foi usada pelo poeta e crítico Sergei Makovsky em um artigo sobre a exposição Blue Rose: “Eles são arautos do primitivismo a que chegou a pintura moderna, buscando o renascimento nas próprias fontes - na criatividade direta, não esgotada pelo peso da experiência histórica.<...>O primitivismo consciente moderno, entendido como a tarefa principal, é a última vitória da libertação artística. No verão de 1907, o termo também foi usado no anúncio da exposição Burliuk em Kherson.
suprematismo
Kazimir Malevich. Sem título. Por volta de 1916 Fundação Solomon R. Guggenheim Coleção Peggy Guggenheim, Veneza Assim, em dezembro de 1915, Malevich descreveu suas obras exibidas na "Última Exposição Futurista" 0,10 "". Seu "quadrado preto" abriu um novo campo de experimentos - uma forma não objetiva puramente geométrica. No início de 1920, Malevich partiu para lecionar em Vitebsk, e lá o Suprematismo se tornou a base da nova pedagogia da Unovis - "Afirmações da Nova Arte".
futurismo
Giacomo Balla. Velocidade + som. 1913-1914 Fundação Solomon R. Guggenheim Coleção Peggy Guggenheim, Veneza, 1976 Do futuro italiano - "futuro". O futurismo se originou na Itália em 1909 graças a Filippo Tommaso Marinetti e se espalhou por todas as áreas da criatividade artística. A base do futurismo é uma nova linguagem de arte, correspondente ao mundo mudado. De acordo com David Burliuk, artistas e escritores russos começaram a usar o termo em 1911. Os próprios futuristas, no entanto, naquela época se autodenominavam futuristas ou pessoas do futuro. Os grupos mais próximos do futurismo foram o Rabo de Burro e a União da Juventude. O futurismo foi especialmente popular na pintura russa até 1914.
A própria palavra avant-garde veio do vocabulário militar, onde denota um pequeno destacamento de elite que invade o território inimigo à frente do exército principal e abre caminho para ele, e o significado histórico da arte desse termo, como neologismo, é usado Alexandre Benois(1910), adquirida nas primeiras décadas do século XX. Desde então, a vanguarda clássica tem sido chamada de totalidade de movimentos, tendências e escolas artísticas heterogêneas e com significados diferentes que nasceram no seio do clássico ou, em outras palavras, do Primeiro Modernismo e manifestaram sua oposição rebelde tanto ao modernismo contemporâneo norma e, em particular, a ideia tradicional de arte. , suas tarefas e formas. “O modernismo”, observa Lev Rubinshtein hoje, “como se aceitasse os valores básicos da arte tradicional, mas estivesse engajado na renovação dos meios artísticos para resolver as chamadas tarefas eternas da arte. Nesse sentido, é o mesmo arte tradicional, mas tomado com uma nova linguagem para descrever o mesmo. O vanguardismo, ao contrário, cria outra arte o tempo todo, não renova seus meios, mas o próprio objeto da arte. Esses princípios, ou seja, radicalismo demonstrativo e muitas vezes agressivo, "o dominante da não tradicionalidade", que Alexei Zverev apontou como a "principal característica distintiva" de todo o fenômeno como um todo, bem como o salto do cenário para recriar a realidade em formas reconhecíveis e vitalmente formas autênticas à sua total deformação analítica, o vanguardismo manteve e no seu novo advento, que, sendo uma reação esteticamente aguda ao segundo período do modernismo em nosso país, coincidiu no tempo com o triunfo de curto prazo, mas tempestuoso do “ contracultura” na prática artística ocidental.
Agora o vanguardismo está “arquivado”, para usar o termo de Boris Groys, não menos que o modernismo ou, digamos, o classicismo. Mas como os revolucionários da arte, com entusiasmo que não esfriou ao longo de um século, ainda estão prontos para exclamar: “A vanguarda está morta, mas eu ainda estou vivo!” Faz sentido, em primeiro lugar, inventariar geneticamente características comuns e os sinais desse fenômeno como um todo e, em segundo lugar, apontar as diferenças entre a vanguarda clássica e aquela que, tendo ressurgido nas décadas de 1950 e 1960 e posteriormente entrado em uma dramática relação de aliança-hostilidade com o pós-modernismo, é ainda parecia moderno.
Portanto, se falamos de constantes, elas devem incluir:
- a) a preferência incondicional pela expressividade sobre o pictorialismo, e o processo criativo - para resultados criativos, que no campo do teatro leva ao culto dos ensaios com Anatoly Vasiliev, no campo do cinema - a filmagens exaustivamente longas com Alexei German e Yuri Nordshtein, e no campo da literatura - à prioridade dos rascunhos sobre as “obras-primas” já replicadas (a lendária fronha Khlebnikov recheada de manuscritos é uma metáfora ampla para esse discurso);
- b) a rejeição da divisão tradicional da literatura em profissional e não profissional, acompanhada de uma rejeição enérgica de tudo o que é rotulado como “acadêmico”, “museu” e, ao contrário, um interesse criativo pelo folclore (principalmente exótico ), arte ingênua, grafomania, criatividade de crianças, doentes mentais, alcoólatras e toxicodependentes;
- c) uma atitude consciente, e por vezes chocante, perante a “incompreensibilidade” como forma de superar (ou destruir) o automatismo da percepção estética, pois, segundo Maxim Shapir, “o mal-entendido, total ou parcial, entra organicamente na mente do artista de vanguarda planeja e transforma o destinatário de sujeito da percepção em objeto, em coisa estética admirada por seu criador-artista”;
- c) o desejo de confundir os limites entre os diferentes gêneros e, além disso, tipos individuais de arte, culminando em formas híbridas como a visual (incluindo o vácuo) e a poesia sonora;
- d) uma abordagem de "engenharia" para combinar materiais que parecem ter aparecido acidentalmente debaixo do braço e o uso na prática das conquistas do progresso científico e tecnológico, bem como, como enfatiza Boris Groys, - a vontade e " capacidade de dar valor a um objeto que “não merece”, ou seja, não tem valor em si mesmo, antes e fora de sua eleição como artista” (o famoso vaso sanitário trazido por Marcel Duchamp ao Louvre e os lençóis amassados e levemente sujos que Sergey Provorov e Ignat Filippov colocam como poesia visual são esteticamente sinônimos neste respeito);
- e) a busca de um gênero, técnica ou técnica própria e “certificada”, que na mente do público e na memória da cultura passará a ser estritamente associada a este e nenhum outro nome (assim, o cartão de visitas de Dmitry Avaliani era vira-folhas, Alexander Gornon é exclusivamente interessado em fonosemântica e Lev Rubinstein é quem escreve poesia em fichas);
- f) pathos ativo de construção de vida, porque biografias para artistas de vanguarda não são menos objeto de manipulação do que obras de arte, e justamente nesse sentido dizem sobre Dmitry Aleksandrovich Prigov que sua própria imagem é sua maior realização criativa;
- e) o caráter ultrajante e escandaloso da apresentação de artistas de vanguarda de si mesmos e de suas obras, razão pela qual essas apresentações muitas vezes são encenadas como peças de teatro ou performances.
Tudo o que foi dito indica que, em sua própria imersão no contexto caótico, esteticamente flácido e eticamente descoordenado do pós-modernismo, que já acontecia em nosso século, com sua total ironia e rejeição fundamental de qualquer meta, tanto na arte quanto na vida, o vanguardismo teve que passar por sérias transformações. Ele sofreu - perdendo quase completamente seu utopismo e impulso revolucionário para reorganizar não apenas a arte, mas também a realidade. Talvez isso tenha acontecido porque, como diz Boris Groys não sem ironia, “na época de Stalin, era realmente possível realizar o sonho da vanguarda e organizar toda a vida da sociedade em formas de arte unificadas, embora, é claro, não em aquelas que pareciam desejáveis à própria vanguarda”. Mas seja como for, “os artistas de vanguarda de hoje herdaram não as pretensões messiânicas de Mayakovsky, a vontade de poder e a natureza tribuna, mas o papel de Khlebnikov como um “homenzinho” privado, que, é claro, nomeia o “Zemshar presidentes”, mas não se opõe a que essas ordens permaneçam não cumpridas ou viáveis apenas em sonhos. Os vanguardistas ou se escondem do público em seus laboratórios, abertos apenas a um estreito círculo de iniciados (como Ry Nikonova ou Viktor Sosnora), ou, no caso de uma manifestação pública, são mais figuras do show business do que um monumento a Mayakovsky ou Svoboda nas barricadas.
É possível que essa perda de ambições sociais, quando o design de construção de vida é deliberadamente voltado não para a sociedade, mas apenas para a própria imagem, tenha sido uma das razões para a marginalização da vanguarda de hoje, sua saída da zona de risco artístico e o foco das expectativas do leitor. No entanto, para citar mais dois razões possíveis. Aqui está a primeira, formulada por Jan Shenkman, que observou que “o leitor não gosta de experimentos. Porque eles raramente conseguem. Para um experimentador bem-sucedido, há de quinze a vinte vítimas do progresso e da civilização. Seus nomes são imortais, sua façanha é imortal. processo literário quase impossível sem eles. Literatura - bastante. E sobre o segundo motivo, o pesquisador de Novosibirsk E. Tyryshkina disse delicadamente: “O momento de maestria na vanguarda é reduzido” e, pode-se supor, também é reduzido o conceito de talento, talento criativo, que no final - quem vai discutir? - eles decidem absolutamente tudo na arte.
É geralmente aceito que a tendência de vanguarda na arte surgiu no século XX. Isso é indicado por todas as fontes oficiais modernas. Lemos no dicionário de palavras estrangeiras: “avant-garde (fr. avant-gardisme) - avant-garde - o nome de uma série de tendências na arte do século XX, rompendo com as normas e tradições realistas existentes, atualizando meios expressividade artística. Os vanguardistas veem a arte como uma esfera estética especial desprovida de significado social; a renovação formal dos meios de expressão artística é de suma importância.
No Dicionário Enciclopédico Soviético: “Avant-gardism (Francês Avant-gardisme) é um movimento na cultura artística do século 20, rompendo com as normas e tradições existentes, transformando a novidade dos meios expressivos em um fim em si mesmo. O vanguardismo está intimamente relacionado ao modernismo e reflete uma visão de mundo individualista anarquista-subjetivista. Os princípios da vanguarda foram adotados por movimentos literários e artísticos como expressionismo, cubismo, futurismo, dadaísmo, surrealismo. Também foi recebido por "literatura de fluxo de consciência", "novo romance", drama absurdo e outros".
No Dicionário Enciclopédico Humanitário: “Avant-gardism (Avant-garde francesa - destacamento avançado) é um movimento na cultura artística do século XX, rompendo com os princípios e normas estabelecidos da arte; esforçando-se para encontrar meios expressivos fundamentalmente novos de linguagem artística e formas de influenciar o público. O vanguardismo une várias correntes aparentemente diferentes, cuja essência estética se resume a uma substituição abertamente declarada ou oculta da categoria estética central pela bela categoria do novo, original.
Assim, as editoras oficiais, acadêmicas e autorizadas de enciclopédias admitem unanimemente que a vanguarda, como movimento avançado na ficção, surgiu no século XX. Parece que na nova edição da Grande Enciclopédia Russa de vinte volumes, também será reconhecido, como se acreditava antes, que a corrente da vanguarda, como tal, surgiu no século XX. É realmente? A questão não é ociosa, pois se sabe que se algum elo do sistema de valores artísticos for rompido, isso indica a fragilidade de toda a cadeia em um grau ou outro.
Para esclarecer a questão: o vanguardismo, como tendência na cultura artística, surgiu mesmo no século XX? -- o autor deste artigo analisou os processos de criação poética na literatura mundial desde o Renascimento até meados do século XIX, e também analisou a história do desenvolvimento de letras poéticas do passado desde os tempos antigos. O autor deste artigo em seu estudo chamou a atenção para a obra do poeta americano Walt Whitman. Mais de um século e meio se passou desde que Walt Whitman publicou o livro de poesia Leaves of Grass (4 de junho de 1855). O livro literalmente desencorajou os leitores americanos, surpreendeu-os com coragem e inovação, excitou o mundo dos jornais americanos e reprovações e acusações de todos os pecados mortais choveram sobre o autor; banheiras de paródias vulgares e insultos despejados contra ele.
Mas quem é ele, esse arrivista - os leitores ficaram perplexos - e o que ele se permite fazer? Isso é uma blasfêmia flagrante contra os crentes. Ele finge ser Deus. Ele é simplesmente um escrevinhador imoral e insolente...
“De acordo com Whitman, acontece”, escreveu Lanier, “que se a pradaria é vasta, então a devassidão é louvável, e se o rio Mississippi está cheio, então todo americano é Deus”.
Em seus escritos, Walt Whitman dotou o homem pecador com as características do Filho de Deus. Ele não negou seu compromisso com todos os deuses e deuses que já foram reverenciados e reverenciados na terra. Criticando a sociedade perversa, sua hipocrisia e hipocrisia, Whitman argumentou que todos são igualados nela. dignidade humana com as virtudes de toda a vida na terra.
As miniaturas de Whitman, escritas em free (verso livre), foram uma escola para muitos imagistas anglo-americanos - Richard Aldington, Hilda Doolittle, Ezra Pound, David Herbert Lawrence. Whitman foi seguido por Carl Sandburg, que adotou o estilo de seu trabalho e Edgar Lee Masters.
A inovação de Whitman foi aplaudida pelos poetas russos. Os poetas russos não apenas se tornaram seus admiradores, mas alguns deles em sua obra poética em certos casos, em um grau ou outro, seguiram o exemplo de sua vanguarda. Assim, por exemplo, os temas espaciais de Fet são, sem dúvida, inspirados na poética de Whitman. Whitman em "Song of Myself" exclama:
Grande sol brilhante, com que rapidez você me mataria
Se o mesmo sol não nascesse em mim...
Sem dúvida, sob a influência deste fragmento, Fet se volta para Deus:
Não, você é poderoso e incompreensível para mim
O fato de eu mesmo, impotente e instantâneo,
Trago no peito, como aquele serafim,
O fogo é mais forte e mais brilhante que todo o universo...
I. S. Turgenev ficou fascinado com as traduções poéticas de Whitman, embora não tenham sido publicadas por ele:
Bate, bate, bateria! - Sopre, sopre, sopre!
Pelas janelas, pelas portas - corra como a força descarada de pessoas implacáveis.
O protótipo do niilista Bazarov na obra de I. S. Turgenev "Pais e Filhos" foi Whitman. Sabe-se que Whitman, durante a guerra da América do Norte e do Sul, enquanto trabalhava em um hospital militar, tocou sua mão, na qual havia um corte, na ferida gangrenosa de um soldado, recebeu envenenamento do sangue e, pelo resto de sua vida estava acamado, paralisado. Apesar disso, Whitman permaneceu alegre. O destino de Bazárov de Turgenev, que sofreu envenenamento do sangue enquanto atendia o paciente, acabou sendo igualmente trágico.
No início do século XX, Konstantin Balmont "tocou" a escola poética de Whitman. Um pouco mais tarde, toda uma galáxia de seguidores da escola de Whitman apareceu na Rússia - Blok, Mandelstam, Mayakovsky. Acreditava-se amplamente que Mayakovsky herdou de Whitman em geral sua maneira poética de escrever. A esse respeito, apareceu o conhecido epigrama hostil de Yesenin sobre Maiakovski:
Ei, erupção! Ei, calor! Maiakovski - mediocridade!
O rosto é nutrido com óleo ”, esfolou Whitman.
Pode-se considerar que no início do século XX, a direção vanguardista da criatividade poética desenvolveu-se ao longo de dois canais principais, a escola de Whitman e a escola de Nietzsche. O simbolismo e o acmeísmo gravitaram mais em torno de Nietzsche, enquanto o futurismo e o imagismo foram alimentados pela fonte de Whitman. Também é digno de nota que as ideias de Whitman foram aceitas até mesmo por alguns hierarcas ortodoxos. Portanto, a conhecida expressão de Anthony de Surozh repete exatamente a ideia de Whitman de que "... o homem não encontra felicidade em nenhum lugar senão em si mesmo, mas na presença de Deus".
O livro "Leaves of Grass" de Walt Whitman surpreendeu o mundo com coragem e inovação, influenciou radicalmente o processo de formação da literatura mundial, foi verdadeiramente vanguardista, no sentido mais elevado e amplo da palavra. Assim, o ponto de partida para o surgimento da poesia de vanguarda mundial deve ser considerado não no século XX, mas em meados do século XIX.
O desenvolvimento posterior da arte de vanguarda, inclusive na Rússia, é bem conhecido até o presente, incluindo seu estado atual com o advento de nova escola miniatura absurda, cujo fundador é um jovem e talentoso escritor, Yuri Tuboltsev, natural da Rússia, que agora vive na Alemanha. Leitores da revista “Conhecimento. Entendimento. Skill” já conhece o conteúdo de sua “Poética do absurdo expandido”, do artigo publicado “Yuri Tuboltsev e a miniatura literária da vanguarda”.
Yuri Tuboltsev foi o primeiro a sentir situação crítica na literatura e imediatamente direcionou o principal vetor de seus esforços criativos para um novo e desconhecido marco do vanguardismo - absurdosofia, a filosofia do absurdo expandido. Ele enfrentará a difícil tarefa de se estabelecer na resultante posição de apoio na Internet e na esfera literária tradicional. O vanguardismo é trazido à vida pela própria vida; a própria realidade exige a correspondente criatividade dos mestres da palavra e, via de regra, os jovens autores tornam-se os líderes da nova direção. Yuri Tuboltsev propositalmente e persistentemente, superando hábitos endurecidos, entra nas extensões de um novo campo literário. O jovem autor tem muitas belezas estéticas expressas de forma inusitada e grotesca. Poemas e miniaturas em sua poética do absurdo se distinguem pela versatilidade e originalidade na abordagem da relação entre realidade e ficção. As suas requintadas obras em miniatura são de valor significativo tanto em termos de palavra artística, e sua finalidade prática; eles mostram o lado de baixo de uma mentira abrangente, hipocrisia, nojento, ganância, falta de confiabilidade de quem está no poder, etc. Seus temas são sobre a vida moderna absurda (“poética do absurdo expandido”), onde representantes figurativos (“heróis dos tempos suínos”) abundam.
Assim, determina-se a época do surgimento da poesia de vanguarda - meados do século XIX, de mão leve Walt Whitman (1855, Folhas de Relva). Também foi definida a tendência moderna da literatura de vanguarda - a "poética do absurdo expandido", absurdosofia. Mas surge outra questão: a poesia de vanguarda era conhecida em um período histórico anterior? Vamos tentar penetrar nas fontes mais antigas da poesia - antigos slokas indianos (versos). Muitas pessoas avançadas de nosso tempo no período da atual exacerbação da crise mundial em civilização europeia em geral e na espiritualidade, arte, cultura e literatura em particular, eles pensavam em tudo o que estava acontecendo. A decepção se instalou e um período de reflexão sobre o tema: “Para onde podemos ir a seguir?” Cada vez mais, as pessoas começaram a voltar os olhos para a "Estrela do Oriente" - para a terra da antiga Bharata, o berço da humanidade. Voltemos nossa mente e nós para o Oriente. Vamos tentar encontrar a resposta para a pergunta que nos interessa: a poesia de vanguarda era conhecida na antiguidade no território da Índia moderna?
A língua Devanagari é a língua mais antiga da Terra. EM era de ouro da humanidade, todas as pessoas falavam a mesma língua Devanagari, que era o sistema silabário original da escrita, que foi transformada na língua sânscrita. Semelhança da língua sânscrita com eslavo impressionante, especialmente com as línguas eslavas orientais - em termos de fundo lexical básico, estrutura gramatical, papel dos formantes e muitos outros detalhes. Como a língua russa, as línguas sânscrita e devanágari têm uma riqueza excepcional, flexibilidade de sons consonantais, como meio visual da estrutura sonora das palavras, que é apenas em pequena medida característica de outras línguas. A instrumentação e a estrutura sonora de uma frase em sânscrito e russo podem diferir significativamente da instrumentação e estrutura sonora de suas palavras constituintes, consideradas separadamente. Tais propriedades da linguagem criam um meio de expressão artística muito poderoso e original, quase não transmitido na tradução. Esta é uma originalidade muito importante inerente à poética da poesia russa e slokas poéticas sânscritas.
Como a poética russa, na poesia sânscrita, um papel importante pertence às rimas, associações e aliterações internas como meio de expressão artística. Embora tais técnicas poéticas, como mostrou Bryusov, já fossem amplamente utilizadas por Pushkin, elas foram teoricamente desenvolvidas por poetas do final do século XIX e início do século XX. Dos poetas russos, eles foram cuidadosamente estudados por A. Bely, V. Bryusov; os simbolistas e futuristas consideravam essas técnicas uma conquista especial da poética moderna e as ostentavam (“... E as assonâncias, como sabres, cortam a rima com pressa”, I. Severyanin). No entanto, este não é o caso. Todas as técnicas mencionadas já eram conhecidas na antiguidade. Eles eram perfeitamente propriedade dos poetas da Grécia e de Roma.
Basta imaginar até que ponto a poesia sânscrita, mesmo a poesia épica, usa sutil e cuidadosamente esse "último clamor da moda". Que modernidade e vanguardismo russos respiram poesia sânscrita. Em monumentos épicos como "O Conto de Rama", perseguido na forma e perfeito na linguagem, existem todos os tipos de aliterações, rimas internas. Suas riquezas parecem inesgotáveis, "Lakshmana's Motif" - em Sh, às vezes - em L, com uma variedade de instrumentação e várias variações de aliterações (poetas russos A. S. Pushkin, V. V. Mayakovsky, V. Ya Bryusov e outros). É mesmo oportuno falar aqui de "motivos característicos" no sentido wagneriano, desenvolvidos com uma complexidade invulgar tanto ao nível da construção como da instrumentação.
"O Conto de Rama" é um conto poético sobre o domínio da nova terra pelos arianos, onde eles estavam destinados a estabelecer um estado e uma cultura por muitos milênios. Rama é homenageado como o fundador da Índia ariana. Com o tempo, o Ramayana assumiu a forma do Mahabharata. Como exemplo da presença da expressão vanguardista no épico Mahabharata, vamos citar um trecho da canção da viúva no campo de batalha de Kurukshetra após a batalha.
Viúva (recitativo)
Meu Senhor Supremo,
Não estou certo?!
Deixe-o vir vivo
Sem um amigo - estou morto ...
não precisa de amigo
Eu tenho pão e sangue!
não precisa de amigo
Eu o céu do dia!
Não há necessidade de trazer um amigo
Eu sou a cor da primavera!
não precisa de amigo
Estou feliz e leve!
eu não preciso de um lar
Campos e jardins!
Sem um amigo, minha vida
Não há necessidade! Não há necessidade!..
Deixe-o viver!
Estou morto sem um amigo!
meu senhor todo poderoso
Já não estou certo?
E outro exemplo da presença de vanguarda nos slokas sânscritos do Mahabharata: um trecho da peça "Visão do Mahabharata" durante a batalha no campo de batalha de Kurukshetra.
Perdendo rodas e eixos, e barra de tração,
Colidindo na batalha da carruagem. E o estranho
E o local, eles foram atormentados em tormentos.
Os elefantes se chocaram ameaçadoramente contra os cavaleiros.
Pisoteando cavalos, carruagens e cavalaria.
E as flechas perfuraram os elefantes enfurecidos.
E os elefantes se amontoaram uns sobre os outros,
E os distritos ressoaram com seus rugidos.
E o povo gemeu, e os cavalos relincharam.
E os vales estremeceram e os picos estremeceram,
Os Pandavas em Bhishma estão cheios de raiva
Eles atacaram com flechas à direita e à esquerda:
Agarre, derrube, bata na parte inferior das costas! --
Os lutadores gritaram, cercando a carruagem ...
E não havia lugar para Bhishma no corpo,
Onde as flechas, como correntes de chuva, não brilhariam b:
Saindo como agulhas no meio de sangue e sujeira,
Como em um porco-espinho eriçado!..
Então Bhishma caiu diante dos olhos de seu rati,
Caiu de sua carruagem ao pôr do sol.
A leste caiu a cabeça, ameaçadora -
Imortais e mortais ouviram gritos,
Caindo ao pôr do sol - em um campo sangrento,
Ele deu coragem e firmeza aos Pandavas.
Mas este, o mais forte da família, é uma queda,
Então os Kauravas ficaram confusos.
Aquele baú, lamentaram, caiu da carruagem,
Sem medida ele mediu o Kuru da fronteira.
Da batalha destrutiva com medo, recuando,
Guerreiros de dois campos de destruição…
Eles estão sem escudos e aço bélico,
Em torno de Bhishma, o famoso guerreiro de aço…
Ele estava cercado por amigos e inimigos,
Como o criador do mundo é cercado por divindades
Honre o homem corajoso, esquecendo o lugar,
Os Pandavas vieram com os Kauravas juntos!..
A essência do conflito trágico na filosofia indiana é resolver questão moral, e a vitória está sempre atrás da Lei moral, atrás da Verdade. (A mesma lei moral foi estabelecida por nossos ancestrais distantes na Rus', lembremos o provérbio russo: Deus não está no poder, mas na Verdade). Para um exemplo comparativo, digamos: a essência da colisão trágica na literatura grega é a luta de um princípio pessoal e moral com o destino cego, e a vantagem sempre permanece com o destino. “Ó terra, minha Mãe, ó Éter eterno, olha que sofrimento eu suporto de Deus - inocente” - assim termina tragicamente a colisão do Prometeu acorrentado - a personificação de toda a cosmovisão grega (Ésquilo).
Um fato interessante são os paralelos poéticos do antigo épico indiano "Ramayana" com a obra do gênio da poesia russa A. S. Pushkin. A completa coincidência do esquema de "O Conto de Rama" com o esquema de "Ruslan e Lyudmila" de Pushkin é impressionante (o feiticeiro sequestra sua esposa, o marido encontra o feiticeiro, briga com ele e devolve sua esposa). Seria de grande interesse literário descobrir de que maneira esse esquema chegou a Pushkin.
Assim, a arte da vanguarda na poesia não surgiu no século XX, como hoje é oficialmente aceita, mas em meados do século XIX. A publicação do livro "Leaves of Grass" de Walt Whitman marcou todo um sistema de correntes de poesia de vanguarda no mundo. Além disso, todas as técnicas mais modernas da poesia de vanguarda eram conhecidas e usadas com sucesso até mesmo na poesia sânscrita, em tais obras épicas como Ramayana e Mahabharata.
Dicionário moderno de palavras estrangeiras. M.: língua russa. 1992, página 12.
Dicionário enciclopédico soviético (terceira ed.), M.: Enciclopédia soviética, 1985. C. 11.
Dicionário enciclopédico humanitário russo. M.; SPb.: GIC "Vlados", 2002. S. 10.
cit. Citado de: Sharapova A. Prefácio // Whitman W. Folhas de Relva. M.: Eksmo, 2005. S. 7.
Whitman W. Folhas de grama. Moscou: Eksmo, 2005.
Sigachev A. A. Yu. Tuboltsev e a miniatura literária da vanguarda // jornal eletrônico"Conhecimento. Entendimento. Habilidade". 2009. Nº 5. Filologia. URL: http://www.zpu-journal.ru/e-zpu/2009/5/Sigachev/
Sigachev A. A. Sobre a vanguarda, sobre o tempo e a absurdosofia // Revista eletrônica “Knowledge. Entendimento. Habilidade". 2009. Nº 5. Filologia. URL: http://www.zpu-journal.ru/e-zpu/2009/5/Sigachev_Absurdsophy/
Sigachev A. A. Indo-Rus. M.: Medina-Print LLC, 2006. P. 96. (Visão do Mahabharata - uma peça)
