De bästa teatrarna i London. Theatres of England Teatrar i England spel

Teater Den första hovteatern, som fanns 1672-1676, definierades av tsar Alexei Mikhailovich själv och hans samtida som ett slags nymodigt "kul" och "coolhet" i bilden och likheten med teatrar av europeiska monarker. Teatern vid det kungliga hovet dök inte upp omedelbart. ryssar

City Department of Education vid administrationen av Polysaevo

Informations- och metodcentrum

Kommunal läroanstalt

"Genomsnitt grundskola nr 35"

Teaterns historia i Storbritannien

forskningsrojekt

Polysaevo 2007

City Department of Education vid administrationen av Polysaevo

Informations- och metodcentrum

Kommunal läroanstalt

"Grundskola nr 35"

Teaterns historia i Storbritannien

Daria Putintseva,

Föreslagen forskning innehåller en beskrivning av teaterns historia i Storbritannien. Forskningsprojektet präglar den engelska teatern från medeltid till nutid, dess riktningar och tendenser. Verket spårar bildandet och utvecklingen av de viktigaste teatraliska trenderna, originaliteten i den teatrala kampen i olika stadier historisk utveckling. Särskild uppmärksamhet ägnas åt frågan om den engelska teaterns nationella särdrag.

Teaterns historia i Storbritannien: forskning / . - Polysaevo: Informations- och metodologiskt centrum, 2007.

Förklarande anteckning

Målet med arbetet: bekantskap med en främmande kultur.

Arbetsuppgifter: utöka kulturell kunskap om Storbritannien.

Engelsk teater är en integrerad del av världskulturen. De bästa traditionerna för nationell engelsk konst har berikat världsteatralprocessen. Arbetet av engelska skådespelare, regissörer och dramatiker vann kärlek och erkännande långt utanför Englands gränser.

Arbetet av skådespelare, regissörer, dramatiker i Storbritannien har länge åtnjutit erkännande och kärlek i Ryssland.

Teaterns historia har länge förknippats med mänsklighetens historia. Från den första sidan av historien, när mänskligheten minns sig själv, minns den också teatern, som har blivit dess eviga följeslagare.

Älskar du teatern lika mycket som jag älskar den? - frågade vår store landsman Vissarion Belinsky sina samtida, djupt övertygad om att en person inte kan annat än älska teatern.

Älskar du teater? Med samma fråga för mer än 20 århundraden sedan kunde de ha vänt sig till sina åskådare, som fyllde stenbänkarna i enorma amfiteatrar under Öppen sky Hellas, de stora fäderna till den antika teatern Aischylos och Sofokles, Euripides och Aristofanes.

Efter dem, redan under andra århundraden, kunde andra historiska epoker, med liknande dragningskraft till sin samtid, vända Shakespeare och Ben Jonson i England. Och alla av dem frågade sin tids människor: "Gillar du teatern?" - skulle ha rätt att räkna med ett jakande svar.

Engelsk teater, litteratur, musik är en integrerad del av världskulturen. De bästa traditionerna i engelsk kultur har berikat världen kulturell process, vann kärlek och erkännande långt utanför Englands gränser.

Engelska dramatikers arbete har länge åtnjutit erkännande och kärlek i Ryssland. De största skådespelarna i den ryska teatern spelade i Shakespeares tragedier.

I den engelska kulturhistorien urskiljs följande huvudperioder: medeltiden, renässansen, 1600-talet, 1700-talet (upplysningstiden), 1800-talet (romantik, kritisk realism), punkt sent XIXårhundradet - början av XX-talet (1871 - 1917) och XX-talet, där två perioder urskiljs: 1917 - 1945. och 1945–nutid.

tidig medeltid ( V – XI århundraden)

På 600-talet f.Kr. invaderades de brittiska öarna av kelterna. Under 1:a århundradet e.Kr. erövrades Storbritannien av romarna. Det romerska imperiets styre fortsatte fram till 500-talet, då anglosaxarna och juterna invaderade Storbritanniens territorium. De anglosaxiska stammarna tog med sig sitt språk, sin kultur och sitt sätt att leva till de brittiska öarna.

Den medeltida teaterns historia är historien om idealistiska, religiösa livsåskådningars kamp med folkets realistiska världsbild.

Under många århundraden i livet för folket i det feodala Europa bevarades traditionerna för hedniska rituella festligheter, som innehöll element av teatralisering: sammandrabbningen mellan vinter och sommar, majspelen, där sketcher framfördes med deltagande av kungen och Maj drottning osv. etc. Trupper strövade omkring i Europa folkliga nöjen - histrioner. De visste hur man gör allt: sjunga, dansa, jonglera, agera. De spelade komiska scener och roade ofta inte bara publiken utan förlöjligade också dem som förtryckte och förtryckte vanligt folk. Därför förbjöd kyrkan rituella spel, förföljde histrioner, men var maktlös att förstöra folkets kärlek till teaterföreställningar.

I ett försök att göra gudstjänsten - liturgin - mer effektiv, börjar prästerskapet själva använda teaterformer. Den första genren av medeltida teater dyker upp - liturgiskt drama (IX-XIII århundraden). Under liturgin spelade prästerna ut berättelser från den heliga skriften. Med tiden tas framföranden av liturgiska dramer ut från kyrkan till verandan och kyrkogården.

XI – XV århundrade

På 1000-talet erövrades de brittiska öarna av normanderna. Detta bidrog till det franska inflytandet på kulturlivet i landet.

Under XIII-XIV-talen. en ny genre av medeltida teaterföreställningar dyker upp – mirakl ("mirakel"). Underverken är lånade från legenderna om helgonen och jungfru Maria.

Toppen av medeltida teater – mysterium . Den utvecklas under XIV-XV århundradena, under de medeltida städernas storhetstid. Mysterier spelas på stadens torg. Representationen av mysteriet var massiv - och enligt antalet deltagare var Allegory" href="/text/category/allegoriya/" rel="bookmark"> allegorisk. Moralkaraktärer personifierade vanligtvis olika mänskliga egenskaper, hans laster och dygder .

Moralens hjälte är en person i allmänhet. "Every man" - det var namnet på den engelska moralen i slutet av 1400-talet. I denna pjäs dök Döden upp för varje person och kallade honom på en "lång resa", vilket gjorde att han kunde ta med sig vilken följeslagare som helst. En person vände sig till vänskap, släktskap, rikedom, men vägrades överallt. Styrka, skönhet, förnuft, fem sinnen gick med på att följa med en person, men vid kanten av graven lämnade de honom alla. Bara Good Deeds hoppade i graven med honom. Moraliten övergav bibliska ämnen, men behöll religiös uppbyggelse.

Fars - den första genren av medeltida teater som bröt med religiös moral. Farsen, en glad och satirisk genre, förlöjligade det feodala samhällets sociala, politiska och moraliska begrepp. Dåraktiga riddare, giriga köpmän, vällustiga munkar agerar i farsen. Men den sanna hjälten i denna genre, av alla inte särskilt anständiga, men alltid roliga, farsartade intriger, är en glad skurk från vanligt folk. I en fars har den som överlistade alla rätt.

Upplevelsen av farsartade föreställningar användes i stor utsträckning av teatern under efterföljande epoker. Shakespeares komedier anammade inte bara farsens buffliga metoder, utan också den anda av folkligt fritänkande som fyllde den.

Renässans

I XV - XVI århundraden i europeiska länder pågår "den största progressiva omvälvningen av allt som mänskligheten upplevt fram till den tiden" - övergången från den feodala medeltiden till den nya tiden, präglad av inledande period kapitalismens utveckling. Denna övergångstid kallades renässansen, eller renässansen.

Detta var eran av ny kultur, bryta med religiösa dogmer, en era av snabb utveckling av konst och litteratur, som återupplivar antikens ideal. Stora möjligheter för aktiva kreativ aktivitet. I denna era sker bildandet av nationell kultur.

1500-talet i England var dramatikens storhetstid. Den engelska teatern svarade på populära intressen och var ovanligt populär i en atmosfär av nationellt uppsving. I slutet av 1500-talet fanns det ett tjugotal teatrar i London; bland dem var James Burbage Theatre och Philip Hensloe Theatre särskilt kända. Utvecklingen av teaterkulturen gick inte utan svårigheter, det största hindret var puritanernas handlingar, som ansåg att teatern var en "demonisk" affär.

Dramatiker på den tiden var Robert Greene, Thomas Kidd, Christopher Marlowe och andra.

Pjäserna av Beaumont (1584-1616) och Fletcher (1579-1625) karaktäriserar en annan era i den engelska teaterns historia. De försökte aristokratisera teatern, införa en viss sofistikering och anständighet i scenframträdanden. Ädla, monarkistiska idéer blir föremål för särskild uppmärksamhet i Beaumont och Fletchers teater. Uppmaningar om osjälvisk tjänst till kungen hörs ständigt från scenen.

William Shakespeare

Den engelska renässansens teater har sin storhetstid, först och främst, William Shakespeare. Shakespeares dramaturgi är resultatet av all tidigare utveckling av dramatik, teaterns höjdpunkt.

"Tragedin föddes på torget" - skrev han och syftade på det avlägsna ursprunget till Shakespeares verk - folkteatern för medeltida mysterier. Traditionerna för torgens teater - en bred bevakning av händelser, växlingen av komiska och tragiska episoder, handlingens dynamik - bevarades av Shakespeares föregångare - dramatiker R. Green, K. Marlo och andra. De tog med sig frihetsälskande idéer till scenen, visade nya hjältar med stark vilja och hel karaktär.

Under den första, "optimistiska" perioden av sitt arbete, skrev Shakespeare komedier med ljusa, glada stämningar. Men när "katastrofernas hav" öppnade sig inför poetens genomträngande öga, när historiens obönhörliga gång mer och mer skarpt avslöjade motsättningarna mellan feodalism och framväxande kapitalism, perfekt hjälte i sina verk ersattes han av en älskare av makt, en egoist och en girig person, och ibland en brottsling.

För första gången avslöjades denna vändning i tragedin "Hamlet". Men Shakespeares hjältar böjde sig inte inför ondskans värld. Hjältarna i Shakespeares tragedier gick in i kampen och blev offer för sina allsmäktiga motståndare, även genom själva döden, bekräftade tron ​​på människan och hennes ljusa öde. Det är i detta som Shakespeares tragediers odödlighet och deras moderna sound.

Shakespeare teater Globen placerades bland andra teatrar - på Themsens södra strand, utanför London, eftersom myndigheterna förbjöd glasögon i

William Shakespeare

Globus teater". Utseende.

själva staden. Byggnaden kröntes med ett litet torn, där en flagga vajade under föreställningen.

Handlingen ägde rum i det fria - en massa människor stod framför scenen, rika medborgare slog sig ner på gallerierna, som omgav teaterns runda väggar i tre nivåer. Scenen var uppdelad i 3 delar: framsidan - prosceniumet, baksidan, åtskilda av två sidopelare och täckt med ett halmtak, och toppen - i form av en balkong. Scenen var dekorerad med mattor och mattor och en panel hängdes uppifrån: svart - i tragedier och blått - i komedier. Scenen för handlingen indikerades av en detalj (trädet visade att handlingen ägde rum i skogen och tronen - den i palatset).

Sammansättningen av truppen var liten - bara 8-12 personer. Ibland var varje skådespelare tvungen att spela upp till tre eller fler roller i en pjäs. Hjältinnorna spelades av vackra, ömtåliga unga män. De största tragiska skådespelarna var Edward Alleyn, som spelade med speciell framgång i pjäserna av K. Marlo och Richard Burbage - bäst presterande roller som Hamlet, Lear, Othello och Macbeth. Richard Tarlton och William Kemp spelade i komiska roller.

XVII århundrade

Om under renässansen i England dramaturgin och teatern var i sin storhetstid, teatersederna i London på den tiden var ganska fria, full lätthet rådde både på scenen och i aulan, och skådespelare och åskådare var inte blyga för uttryck, så var i 1600-talet förföljdes de av puritanerna.

Under renässansen kunde man se en trollkarl med en hund på scenen, som föreställde "och kungen av England, prinsen av Wales, och när han sitter på rygg, då påven och kungen av Spanien." Någon fru i en komedi kunde se från scenen att du kan gissa med urin, eller en gentleman - skriv ner var han kissade. "Vår scen har ibland samma smuts och stank som Smithfield (en förort till London där mässor hölls och ibland kättare brändes), säger Ben Jonson. "Allt där kallas vid sitt rätta namn", skrev Voltaire på 1700-talet om Engelsk scen.

Teatermoral kan härledas från den anonyma "Protest eller klagomål av skådespelare mot undertryckandet av deras yrke och deras utvisning från flera teatrar" (1643). "Vi avger ett löfte för framtiden att aldrig släppa in promiskuösa kvinnor i våra sexpenningsloger som kommer dit bara för att föras med sig av lärlingar och advokater, och inga andra sådana kvinnor, förutom de som kommer med sina män eller nära släktingar. Attityden till tobak kommer också att ändras: den kommer inte att säljas ... vad gäller fult språk och liknande elakheter som kan skandalisera anständiga människor, men dåliga människor pressa dem till utsvävningar, då kommer vi att helt utvisa dem tillsammans med omoraliska och oförskämda författare - poeter.

Att göra pjäser och framföra dem förklarades som en syndig verksamhet; att besöka teatern fördömdes resolut och ansågs vara en skadlig och skadlig handling. Med puritanernas tillkomst till makten förbjöds teaterföreställningar i England. Den 2 september 1642 stängde det engelska parlamentet teatrarna och förbjöd alla föreställningar med argumentet att skådespelen "ofta uttrycker ohämmad glädje och lättsinne", samtidigt som man bör rikta sina tankar mot "omvändelse, försoning och vändning till Gud". Fem år senare bekräftade parlamentet denna resolution, nu i hårdare ordalag och beordrade olydiga personer (skådespelare) att skickas till fängelse som kriminella. Kulturen upplevde en akut kris. Kyrkan har länge och starkt kämpat mot teatraliska skådespel. "Teatrarna är fulla, men kyrkorna är tomma", klagar puritanska präster. På teatern råder "fria gester, lösa tal, skratt och förlöjligande, kyssar, kramar och obetydliga blickar", är prästerskapet indignerade. "Guds ord kränks där och den gudomliga religion som etablerats i vår stat är vanhelgad", säger överborgmästaren.

Teater XVII-talet Det verkade för den puritanska bourgeoisin i England som en teater av utsvävningar och fördärv, en teater som tjänade aristokraternas smak och korrumperade allmogen.

Det fanns också försvarare. Dramatikern Thomas Nash skrev 1592 att handlingarna i pjäserna är lånade från de engelska krönikorna, förfädernas stordåd hämtas från "glömskans grav", och därmed utfärdas fördömandet av "degenererad och bortskämd modernitet", att i pjäserna "dissekeras den med yttre helighet förgyllda lögnen".

Kulturens drag bestämdes av händelserna under den borgerliga revolutionen. Klassmotsättningarna mellan bourgeoisin och stora godsägare förvärrades, den borgerliga republikens regering leddes av Oliver Cromwell, sedan återupprättades Stuart-monarkin.

The Stuarts, som återvände till makten, återöppnade teatrar 1660, och den briljanta men omoraliska komedin från restaureringseran bekräftade så att säga den negativa bedömning som Cromwells medarbetare gav teatern.

Efter statskuppen kom Vilhelm III av Orange till makten. Folkrörelsen växte.

Wilhelm III stängde inte teatrarna, men genom dekret av 01.01.01 varnade han strängt skådespelarna att "om de fortsätter att spela pjäser som innehåller uttryck som strider mot religion och anständighet, och tillåter hädelse och omoral på scenen, då för detta måste de svara med sina huvuden.

Samma år, 1698, publicerades en avhandling av en viss puritansk teolog vid namn Jeremy Collier under den mycket färgstarka titeln "A Brief Survey of the Immorality and Impiety of the English Stage". Teologen fördömde hårt den existerande teaterpraktiken. Han skrev att det fanns ilska och ilska på scenen. ”Blod och barbari är nästan gudomliggjorda”, att ”hedersbegreppet är förvrängt, kristna principer förödmjukas”, att ”djävlar och hjältar är gjorda av samma metall”, och krävde en radikal omstrukturering av teatrarna, förvandlade dem till en sorts dygdsskola, gott uppförande och anständighet: “ Syftet med pjäser är att uppmuntra dygd och avslöja laster, att visa bräckligheten i mänsklig storhet, ödets plötsliga växlingar och de skadliga konsekvenserna av våld och orättvisor.

Den engelska bourgeoisin ville inte längre nedläggning av teatrar, som tidigare, utan deras anpassning till klassens behov. Även om den "ärorika revolutionen" 1688 åstadkom en allians mellan bourgeoisin och den nya adeln, kvarstod dock fientligheten fortfarande. Godsägarnas ståndpunkter var fortfarande starka, även om aristokraterna underkastade sig sakernas tillstånd, var de på intet sätt helt förenade. Angrepp på aristokratin hördes också vid teaterföreställningar.

1713 försökte Joseph Addison (1672-1719) etablera den klassiska tragedin på den engelska scenen.

Vid den här tiden dök en ny genre upp - drama, men komedi ville inte ge upp sina positioner. Åskådarna, som fällde överflödiga tårar vid föreställningarna av The London Merchant och fylldes av fasa över pjäsens dystra final, ville då och då skratta. Denna möjlighet gavs dem av Fielding, och senare av Oliver Goldsmith och Richard Brinsley Sheridan.

Goldsmith ville återuppliva Shakespeares och Ben Jonsons "gaykomedi". I sin avhandling An Experience on the Theatre, or a Comparison of a Merry and Sentimental Comedy (1733) talade han direkt om detta och skrev flera komedispel utan att moralisera, utan större tendensiöshet, glatt göra sig narr av oerfarenhet hos unga människor som äro. lättlurad. Pjäserna är fulla av roliga misstag, karaktärerna skildras helt naturligt.

Men Richard Brinsley Sheridan (1751-1816) lämnade den största prägeln på den engelska dramatikens historia under denna period. Han skrev en kort stund. Alla hans bästa pjäser skapades inom fem år. Branden i hans teater på Drury Lane gav författaren det sista slaget.

Klassicismen i sin klassiska form kunde inte finna fast grund i England. Det fanns två skäl till detta: landets politiska tillstånd och auktoriteten i Shakespeares teater.

När det gäller Shakespeare så översköljde han det forntida dramats prestationer att det efter honom helt enkelt var otänkbart att helt och hållet förlita sig på antika grekiska författares exempel. Engelska dramatiker som arbetade för teatern kunde inte följa Aischylos, Sofokles och Euripides så villkorslöst som deras franska motsvarigheter gjorde. Före dem var exemplet med Shakespeare, som arbetade enligt ett helt annat system och uppnådde oöverträffade resultat.

1644 revs Shakespeares Globe Theatre, återuppbyggd efter en brand 1613, 1649 - Fortune och Phoenix teatrarna, 1655 - Blackfriars. Skådespelare utspridda i landet, gick in i soldaterna, försvann spårlöst, enligt en anonym 1600-talsförfattare (Historia histrionica).

År 1643 upprättade skådespelarna ett rörande anonymt dokument: ett klagomål om undertryckandet av deras yrke. "Vi vänder oss till dig, store Phoebus, och till dig, nio systrar - muser, beskyddare av sinnet och beskyddare av oss, stackars förödmjukade skådespelare," skrev de. "Om vi, med hjälp av ditt allsmäktiga ingripande, återigen kunde installeras i våra tidigare teatrar och återvända till vårt yrke igen ... "Skådespelarna skrev att komedier och tragedier de framförde var" en levande reproduktion av människors handlingar , ”att lasten i dem straffades, och dygden belönades, att ”engelska talet uttrycktes mest korrekt och naturligt”. Phoebus och nio systrar - muser, beskyddare av konsten, svarade inte. Teatern har lidit irreparabel skada.

John Milton, den största engelska poeten på 1600-talet, delade inte puritanernas negativa inställning till teaterföreställningar. Milton var särskilt resolut mot dramatikerna och teatern under restaurationstiden, som hade en eftertryckligt underhållande karaktär. Milton ansåg att tragedi, de klassiska exemplen på antik grekisk konst, var huvudsaken i den dramatiska konsten. Efter att imitera dem introducerade han en kör som kommenterade vad som hände och etablerade tidens enhet: varaktigheten av händelserna i tragedin överstiger inte 24 timmar. Enheten mellan plats och handling upprätthålls strikt.

Restaureringsperiod

Restaureringsperioden började i England kort efter Cromwells död.

De förbud som puritanerna införde mot teaterföreställningar och olika typer av underhållning hävdes. Teatrar öppnades igen, men de skilde sig mycket från den engelska teatern i XVI - tidiga XVIIårhundradet och hans yttre design, och pjäsens karaktär. På scenen användes rika kulisser och storslagna kostymer.

Komedier av William Wycherley (1640-1716) och William Congreve (1670-1729) åtnjöt särskilda framgångar.

Engelska teatrar "Drury Lane" och "Covent Garden"

Låt oss besöka Londons teatrar nu. 1663 byggdes Drury Lane Theatre i London, som fick rätten till monopol i valet av repertoar. 1732 dök en annan upp största teatern- Covent Garden. Det var lite ordning på teatrarna i London. Publiken, som sprang in i aulan, rusade rakt fram längs bänkarna i stånden för att ta platser närmare scenen. Då och då förekom det märkliga "teatraliska upplopp" - publiken, missnöjd med föreställningen, prisstegringen, vilken artist som helst, dränkte skådespelarnas röster, kastade frukt på dem och sprang ibland upp på scenen.

I detta upproriska London på 1700-talet försökte skådespelarna agera dekoröst och tala med avmätta röster. Den engelska klassicismen var dock inte komplett, integrerad - den "korrigerades" ständigt av den realistiska traditionen som kom från Shakespeare.

Skådespelaren Thomas Betterton (1635 - 1710) spelade rollen som Hamlet som Burbage en gång spelade den, efter att ha fått instruktioner från Shakespeare själv. Skådespelaren James Quinn (1693 - 1766), som för britterna tycktes vara alltför klassicistisk, spelade rollen som Falstaff ganska realistiskt. 1741 spelade Charles Maclean (1697-1797) realistiskt Shylock i Shakespeares The Merchant of Venice. Samma år spelade David Garrick (1717 - 1779), som blev 1700-talets viktigaste realistiska skådespelare, rollen som Richard III. Garrick spelade komiska och tragiska roller lika bra. Som en mimik kände Garrick ingen like. Hans ansikte kunde konsekvent skildra alla nyanser och övergångar av känslor. Han visste hur man var rolig, patetisk, majestätisk, skrämmande. Garrick var en mycket intelligent skådespelare, med rikt utvecklad och precis teknik, och samtidigt en känsloskådespelare. En gång, när han spelade kung Lear i Shakespeares tragedi, blev Garrick så medtagen att han slet av sin peruk och kastade den åt sidan.

Garrick regisserade Drury Lane Theatre i många år, där han samlade ett anmärkningsvärt sällskap och satte upp 25 Shakespeare-pjäser. Före honom arbetade ingen så samvetsgrant och envist med uppsättningarna av Shakespeares pjäser. Efter Garrick lärde de sig att uppskatta Shakespeare mycket mer än tidigare. Den här skådespelarens berömmelse dundrade över hela Europa.

Kreativitet Garrick sammanfattade utvecklingen av teatern på XVIII-talet - från klassicism till realism.

1700-talet

Upplysningstiden

På 1700-talet inleddes en övergångsepok som kulminerade i den franska borgerliga revolutionen. Befrielserörelsen utvecklades, det blev nödvändigt att förstöra feodalismen och ersätta den med kapitalism.

Engelsk litteratur

Den turbulenta eran väckte liv till blomningen av demokratisk kultur, inklusive teatralisk kreativitet.

DIV_ADBLOCK684">

1900-talet

1945–nutid

Efter andra världskriget, i samband med bildandet av det socialistiska världssystemet och tillväxten av det nationella befrielsekriget för folk, blev det brittiska imperiets kollaps oundviklig och naturlig. Teatrar representerar turbulenta, vattendelarehändelser och sociala omvälvningar.

Under de första åren efter andra världskriget var den mest populära författaren i England John Boynton Priestley. Han skrev över fyrtio pjäser. De mest betydande av dem är Dangerous Corner (1932) och Time and the Conways (1937).

I Priestleys pjäser är inflytandet från Tjechovs dramaturgi påtagligt. Priestley strävar efter att förmedla vardagens dramatik, att visa livet med alla dess halvtoner, att avslöja karaktärerna hos inte bara huvudkaraktärerna, utan också sekundära.

John Osbornes pjäser (1929) spelade en viktig roll i den engelska kulturen. John Osbornes pjäser stimulerade ett uppsving i utvecklingen av engelsk dramatik på 60-talet.

1956 sattes John Osbornes pjäs Look Back in Anger upp på Royal Court Theatre, som blev en dundersuccé. Dramatikern förmedlade mycket exakt stämningen hos den tidens engelska ungdom. Jimmy Porter kom in på scenen - den unge "arga" hjälten, som kritikerna kallade honom. Den här unge mannen från botten, som hade tagit sig in i en fientlig social miljö, hade liten aning om vad en värdig tillvaro var. Han tog till vapen utan att spara någon möda mot de befintliga moraliska värderingarna, det traditionella sättet att leva. offentligt liv, delvis emot sociala lagar. Dessa samma egenskaper särskiljer några av karaktärerna, både moderna och historiska, i pjäserna av John Arden, Sheila Delaney och andra.

Kompetensen hos progressiva skådespelare och regissörer i vissa länder är fulländade på klassiskt dramatiskt material, på de bästa exemplen på realistisk litteratur. De använder klassikerna för att ställa akuta samtida problem. engelsk skådespelare Laurence Olivier, i form av Othello, förmedlade en ilsken protest mot den framväxande borgerliga civilisationen. Hamlet tjänade Paul Scofield för att uttrycka de sorgsna, svåra tankarna hos den unga efterkrigsgenerationen av europeiska intellektuella som kände sig ansvariga för de brott som begicks i världen.

Uppsättningarna av Shakespeares pjäser av den engelske regissören Peter Brook åtnjuter en välförtjänt framgång hos publiken.

Den senaste tidens teaterkonst kännetecknas av många små professionella, semiprofessionella och icke-professionella trupper, som vandrar från en lokalitet i en annan; revitalisering av studentteatrar; den växande protesten från skådespelare och regissörer mot handel med konst. Unga människor använder ofta scenen för skarpa politiska diskussioner. Teatern går ut på gatorna, där semi-improvisationsföreställningar spelas.

Nästan varje fenomen av teatralisk kreativitet i England är genomsyrat av grymma interna motsättningar, kantade av en sammandrabbning av motsatta ideologiska och estetiska tendenser.

John Osborne är en anhängare av teatern som kritiserar den sociala ordningen i den kapitalistiska världen, som är tidens mest övertygande vapnet.

John Osbornes pjäser avgjorde utvecklingen av engelsk dramatik på 1960-talet.

Originaliteten i dramaturgin av Sean O'Casey, en enastående anglo-irländsk dramatiker, bestäms av kopplingen till irländarna folklore tradition. Hans pjäser präglas av en bisarr kombination av tragisk och

Laurence Olivier som Richard III

"Richard III" W. Shakespeare

komiskt, verkligt och fantastiskt, vardagligt och patetiskt. O'Caseys dramer använder den expressionistiska teaterns konventioner.

Rörelse folkteatrar eftersträvade främst utbildningsmål, svepte över hela Europa. I England uppstod Workshop Theatre och fick stor berömmelse under ledning av Joan Littlewood.

Den första teatern i London, som kallades Theatre, öppnades 1577 av skådespelaren James Burbage i Shoreditch. Några månader senare öppnades en andra teater i närheten, kallad Gardinen. Snart organiserade Burbage och hans son Thomas, som blev mer känd än sin far, Black Brothers Theatre - för att hedra den monastiska dominikanerorden, eftersom scenen var inställd i det gamla klostrets matsal. Men alla teatrar attackerades ständigt av Londons myndigheter, som förbannade dessa anläggningar som en djävul till helvetet och en källa till olycka, en plats för sysslolöshet och utsvävningar, en samling ondskefulla människor upphetsade av åsynen av pojkar i kvinnokläder – med andra ord en plats för den som hellre av trumpetens ljud rusar för att se en pjäs än att höra en predikan till ljudet av en klocka.

I Southwark hade skådespelarna mer viljestyrka än i staden, där teatrarnas liv var kraftigt begränsat av de regler som myndigheterna fastställt. Dessutom kunde Tula lätt nås med båt eller bro. Vid tiden för stängningen av klostren blev en del av Southwark, som tidigare hade tillhört klostret Bermondsey och den heliga Jungfru Marias kloster, kungens egendom. År 1550 såldes det till staden för omkring tusen pund. Endast två tomter förblev osålda, som låg utanför stadens jurisdiktion. På det ena stod ett fängelse, det andra kallades ("Paris trädgård"); det var på dessa två platser som teatrar dök upp på drottning Elizabeths tid, fria från Londons förbud och censur. I Rose Theatre, byggd 1587, sattes Marlowes pjäser upp för första gången, och Edward Alleyns talang blomstrade på scenen här. Sedan kom teatrarna "Svanen" (1596), "Globen" (1599; en tiondel av den tillhörde Shakespeare) och 1613 - "Hope".

Londonbor lockades till dessa och andra teatrar av högljudda trumpeter och vajande flaggor. Pengar samlades in från besökare direkt på teatern och placerades i en speciell låda, som sedan låstes in i ett litet rum - kassan (i "kassaskåpet"). Åskådarna satt i fåtöljer ordnade i våningar runt scenen, eller på bänkar precis på scenen, och föreställningen började med sina höga utrop. Skådespelare spelade sina roller och publiken avbröt dem med indignerade eller bifallande rop, förolämpningar eller beröm. Detta fortsatte till slutet av akten, varefter scenen fylldes av dansare, jonglörer och akrobater; köpmän med brickor och korgar inklämda längs gångarna mellan åskådarplatserna, säljer pajer, frukter, örtmediciner, häften; män var trevliga mot kvinnor. Teaterarbetare rökte ofta, luften fylldes av tobaksrök, trästolar fattade ofta eld och publiken rusade till dörrarna. brann ner samma år som Nadezhda öppnade; endast en person skadades i processen - hans byxor fattade eld, men han släckte dem snabbt genom att hälla upp öl från en flaska.

Nära teatrarna fanns trädgårdar med björnar, arenor för att bete en bunden tjur med hundar, grunder för tuppfäktningar, som lockade en mångsidig publik - rika och fattiga, ädla och vanliga människor. Efter att ha njutit av uppträdandet av Othello eller Edward II, gick publiken nästa dag för att se björnen bli betad av hundar i Paris Garden, stridstupparna, som, efter att ha släppt sina sporrar, täckte arenas sand med blod och fjädrar, hundarna som flyger långt från slag av galna tjurar (hundar fångades i flätade fällor för att de inte skulle bli förlamade när de föll och kunde fortsätta slåss), på människor som hackade med svärd, skar av varandras öron och fingrar under det högljudda godkännandet av folkmassan.

teatrar i West End

Utsikten på gatorna i West End har förändrats dramatiskt. Många byggnader från XVIII-talet. rekonstruerades både ute och inne i enlighet med tidens smak. På Grafton Street (nuvarande Helena Rubinsteins salong) visade Mrs Arthur James upp sin rikedom med en imponerande renovering av ett hus designat på 1750-talet. Sir Robert Taylor.

Många byggnader byggda i georgiska, Regency och viktorianska stilar, födde nya teatrar som Duke of York Theatre, New Theatre, The Rock, the Palladium, the Gaiety, Her Highness' Theatre, London Pavilion, the Palace, the Apollo, the Wyndhams, Hippolrom, Strand, Aldwich , Globe, Queens och Colosseum. Alla byggdes under de sista tio åren av drottning Victorias regeringstid och nio år av Edward själv.

Hundratals gamla byggnader revs för att ge plats åt butiker, storslagna shoppinggallerior med överdådiga fönster i plattglas och mahognydörrar inlagda med mässing. 1901 började terrakottaväggarna i Harrods General Store på Brompton Road att resa sig. Det följdes snabbt av byggandet av nya gatubutiker i överdriven barockstil, som Wearing and Gillows (1906), kolossala i storlek, i synnerhet den ståtliga byggnad som köpmannen började bygga 1909 Harry Selfridge från Wisconsin.

När Selfridges butik stod färdig hade Regent Street förändrats helt; Aldwych Loop korsade labyrinten av gatorna norr om Stranden mittemot Somerset House, kantades av monumentala byggnader och Kingsway Street sträckte sig norrut till Holborn.

Om du någonsin har möjlighet att besöka den engelska staden Stratford, se till att besöka Shakespeare Royal Theatre.

Shakespeares Globe Theatre är en av de äldsta teatrarna i England. Globen ligger på Themsens södra strand. Först och främst gjorde de första föreställningarna av Shakespeares verk på scenen berömmelse till teatern. Byggnaden byggdes om av olika anledningar tre gånger, dvs rik historia Shakespeare teater.

Framväxten av Shakespeares teater

Historien om Globe Theatre går tillbaka till 1599, när man i London, där teaterkonst alltid har behandlats med kärlek, byggdes byggnaderna av offentliga teatrar en efter en. För byggandet av den nya arenan användes byggmaterial - träkonstruktioner som blivit över från en annan byggnad - den allra första offentlig teater med det logiska namnet "Theater".

Ägarna till den tidigare teaterbyggnaden, familjen Burbage, byggde den i Shoreditch 1576, där de hyrde mark.

När markpriserna steg, demonterade de den gamla byggnaden och transporterade material till Themsen, där de uppförde en ny anläggning – Shakespeares Globe Theatre. Eventuella teatrar byggdes utanför Londons kommuns inflytande, vilket förklarades av myndigheternas puritanska åsikter.

Under Shakespeares era skedde en övergång från amatörteaterkonst till professionell. Skådespelartrupper uppstod, som först ledde en kringflackande tillvaro. De reste runt i städerna och visade uppträdanden på mässor. Representanter för aristokratin började ta skådespelare under deras beskydd: de accepterade dem i sina tjänares led.

Detta gav skådespelarna en ställning i samhället, även om den var väldigt låg. Trupper kallades ofta enligt denna princip, till exempel "Tjänare av Lord Chamberlain". Senare, när James I kom till makten, började bara medlemmar av kungafamiljen att spela förmyndare över skådespelarna, och trupperna började döpas om till "Servants of His Majesty the King" eller andra medlemmar av kungafamiljen.

Globeteaterns trupp var ett partnerskap av skådespelare på aktier, d.v.s. aktieägare erhöll intäkter från arvoden från föreställningar. Bröderna Burbage är, liksom William Shakespeare, den ledande dramatikern i truppen, och tre andra skådespelare var aktieägare i Globen. Biträdande skådespelare och tonåringar var på teater med lön och fick inga inkomster från föreställningar.

Shakespeares teater i London hade formen av en oktaeder. Hörsal"Globen" var typisk: en oval plattform utan tak, omsluten av en stor vägg. Arenan fick sitt namn på grund av statyn av Atlanta som ligger vid ingången, som stödde jordklotet. Denna boll eller jordklot var omgiven av ett band med den berömda inskriptionen " Hela världen är teater(bokstavlig översättning - "Hela världen agerar").

Shakespeares teater rymde från 2 till 3 tusen åskådare. På insidan av den höga muren fanns loger för representanter för aristokratin. Ovanför dem fanns ett galleri för rika människor. Resten var placerade runt scenen, som gick in i aulan.

Publiken var tänkt att stå under föreställningen. Några särskilt privilegierade personer satt på scenen. Biljetter för rika människor som är villiga att betala för platser i galleriet eller på scenen kostar mycket mer än platser i stånden – runt scenen.

Scenen var en låg plattform höjd med cirka en meter. På scenen fanns en lucka som ledde under scenen, från vilken spöken dök upp allteftersom handlingen fortskred. På själva scenen fanns det väldigt sällan några möbler och inga kulisser alls. Det fanns ingen gardin på scenen.

Ovanför den bakre scenen fanns en balkong, på vilken karaktärerna dök upp, som enligt pjäsen befinner sig i slottet. Det fanns en slags tribun på den övre scenen, där även scenaktioner ägde rum.

Ännu högre var en kojliknande struktur där scener utanför fönstret spelades upp. Intressant nog, när en föreställning började i Globen, hängdes en flagga på taket av denna hydda, som var synlig mycket långt och var en signal om att en föreställning pågick på teatern.

Fattigdomen och en viss åtstramning på arenan bestämde att det viktigaste som hände på scenen var skådespelarnas spel och dramaturgins kraft. Det fanns ingen rekvisita för en mer fullständig förståelse av handlingen, mycket lämnades på publikens fantasi.

Det är anmärkningsvärt att publiken i stånden under föreställningen ofta åt nötter eller apelsiner, vilket bekräftades av fynden av arkeologer under utgrävningar. Publiken kunde högljutt diskutera några ögonblick i föreställningen och inte dölja sina känslor från handlingen de såg.

Publiken firade också sina fysiologiska behov mitt i hallen, så avsaknaden av ett tak var en räddning för luktsinnet hos älskare av teaterkonst. Därför representerar vi ungefär den tunga andelen dramatiker och skådespelare som ger föreställningar.

Brand

År 1613, i juli, under premiären av Shakespeares Henry VIII, om monarkens liv, brann Globebyggnaden ner, men publiken och truppen skadades inte. Enligt scenariot skulle en av vapnen avfyras, men något gick fel och en brand bröt ut. träkonstruktioner och ett halmtak över scenen.

Slutet på den ursprungliga byggnaden av Globen markerade en förändring i litterära och teatrala kretsar: ungefär samtidigt slutade Shakespeare att skriva pjäser.

Restaurering av teatern efter branden

1614 restaurerades arenabyggnaden, och sten användes i konstruktionen. Taket ovanför scenen har bytts ut mot ett kaklat. Teatertruppen fortsatte att spela tills Globen stängdes 1642. Sedan utfärdade den puritanska regeringen och Cromwell ett dekret att alla underhållningsföreställningar, inklusive teater, var förbjudna. Globen, som alla teatrar, stängde.

1644 revs teaterbyggnaden och i stället byggdes hyreshus. Globens historia avbröts i nästan 300 år.

Den exakta platsen för den första Globen i London var okänd fram till 1989, då grunden för dess grund hittades på Park Street under en parkeringsplats. Dess konturer är nu markerade på ytan av parkeringen. Andra rester av Globen kan också finnas där, men nu är denna zon inkluderad i listan över historiska värden och därför kan utgrävningar inte utföras där.

Scenen i Globe Theatre

Framväxten av Shakespeares moderna teater

Den moderna rekonstruktionen av Globe Theatre-byggnaden föreslogs inte av britterna, vilket är förvånande, utan av den amerikanske regissören, skådespelaren och producenten Sam Wanamaker. 1970 organiserade han Globe Trust Fund, som var avsedd att återställa teatern, öppna utbildningscentrum och permanent utställning.

Wanamaker själv dog 1993, men öppningen ägde fortfarande rum 1997 under modernt namn Shakespeares Globe Theatre. Denna byggnad ligger 200-300 meter från den tidigare platsen för Globus. Byggnaden rekonstruerades i enlighet med dåtidens traditioner, dessutom var det den första byggnaden som fick byggas med halmtak efter den stora branden i London 1666.

Föreställningarna är bara på våren och sommaren, eftersom. byggnaden byggdes utan tak. 1995 den första konstnärlig ledare blev Mark Rylance, som ersattes 2006 av Dominic Dromgoole.

Utflykter i den moderna teatern går dagligen. Senast öppnades ett nöjespark-museum helt tillägnat Shakespeare bredvid Globen. Förutom att se den största utställningen tillägnad den världsberömda dramatikern kan du delta i underhållningsevenemang: se ett svärdslagsmål, skriva en sonett eller delta i produktionen av en av Shakespeares pjäser.

Dramatisk konst i Storbritannien dök upp för länge sedan. Det härstammar från gatuföreställningar som hölls på kyrkliga helgdagar och fungerade som ett slags moraliserande. Under renässansen får alla konstområden en mer sekulär karaktär och går bort från religiösa teman. Det var vid denna tid som teatern, revolutionerande på den tiden, dök upp, där W. Shakespeare, nu känd för hela världen, satte upp pjäser.

Den moderna utvecklingen av teatern strävar efter den yttersta realismen i alla dess sfärer, och omprövar även klassiska handlingar. Nu förvånar Englands teatrar inte bara med intressanta föreställningar, utan också med original arkitektur, såväl som ovanliga regissörsbeslut.

Om du planerar en resa till London, se till att besöka Piccadilly Theatre. Den har funnits i mer än åtta decennier och gläder kännare av teaterkonst inte bara med moderna, utan också med traditionella klassiska produktioner.

En av de äldsta teatrarna i London är Aldwych Theatre, som har samlat hela staden runt sig i över ett sekel. Sådana framstående skådespelare som Joan Collins, Vivien Leigh, Basil Rathbone och andra uppträdde en gång på dess scen.

Fans av ljusa musikuppträdanden Värt att besöka är New London Theatre. Det var musikalerna som gav den ganska unga teatern på 70-80-talet av förra seklet verklig berömmelse bland ungdomar. Fram till nu gläder han publiken med produktioner på världsnivå, med ljusa scenåtgärder och bra musik.

En annan teater i London, känd för föreställningar i stil med en musikal och komedi, är Shaftesbury Theatre. För inte så länge sedan firade han sitt hundraårsjubileum - teaterns arbete slutade inte ens under andra världskriget. Byggnaden av denna teater förtjänar särskild uppmärksamhet på grund av dess ovanliga gamla design.

Bland moderna teatrar London sticker ut Pinkock Theatre. Den tål tillräckligt konkurrens med gamla teatrar på grund av dess innovativa inställning till klassisk dramaturgi. Scenen använder ofta element av modernt streetdans och till och med akrobatiska siffror för att förstärka pjäsens effekt.

Byggnaden av Grand Opera i Belfast imponerar med sin skönhet. Byggt på 1800-talet är det inte bara ett arkitektoniskt landmärke i orientalisk stil, men gläder också teaterfans med en klassisk repertoar och utmärkt akustik.

huvudcentrum scenkonst i Storbritannien kallar man den kungliga teatern för Drury Lane. Den ligger i London och spelade en viktig roll i utvecklingen av teatern i landet. Under dess existens lyckades många framstående skådespelare besöka dess scen.

Ett annat arkitektoniskt monument i Storbritannien är Her Majesty's Theatre. Teatern skapades i början av 1700-talet och i slutet av 1800-talet flyttade den till en stor ny byggnad, där den fortfarande ligger. Det är en enorm historisk och kulturellt värde, och den klassiska repertoaren kommer att tilltala alla älskare av denna konstform. Denna teater ligger i London, i västra Westminster.