Künstler der Renaissance und ihre Gemälde. Große Künstler der Renaissance

Italien ist ein Land, das seit jeher für seine Künstler bekannt ist. Die großen Meister, die einst in Italien lebten, verherrlichten die Kunst auf der ganzen Welt. Wir können mit Sicherheit sagen, dass die Welt heute ohne die italienischen Künstler, Bildhauer und Architekten ganz anders aussehen würde. Das Bedeutendste der italienischen Kunst wird natürlich berücksichtigt. Italien erreichte in der Renaissance bzw. Renaissance einen beispiellosen Aufstieg und Wohlstand. Talentierte Künstler, Bildhauer, Erfinder, echte Genies, die damals auftauchten, sind noch jedem Schulkind bekannt. Ihre Kunst, Kreativität, Ideen und Entwicklungen gelten heute als Klassiker, der Kern, auf dem sie aufgebaut sind Weltkunst und Kultur.

Einer der meisten berühmte Genies Die italienische Renaissance ist natürlich großartig Leonardo da Vinci(1452-1519). Da Vinci war so begabt, dass er in vielen Tätigkeitsbereichen, einschließlich der bildenden Kunst und der Wissenschaft, große Erfolge erzielte. Ein weiterer berühmter Künstler, der ein anerkannter Meister ist, ist Sandro Botticelli(1445-1510). Botticellis Gemälde sind ein wahres Geschenk an die Menschheit. Heute befinden sich seine Werke in den berühmtesten Museen der Welt und sind wirklich unbezahlbar. Nicht weniger berühmt als Leonardo da Vinci und Botticelli Rafael Santi(1483-1520), der 38 Jahre lebte und es in dieser Zeit schaffte, eine ganze Schicht atemberaubender Malerei zu schaffen, die zu einem der leuchtendsten Beispiele der Frührenaissance wurde. Ein weiteres großes Genie der italienischen Renaissance ist zweifellos Michelangelo Buonarroti(1475-1564). Neben der Malerei beschäftigte sich Michelangelo mit Bildhauerei, Architektur und Poesie und erzielte in diesen Künsten großartige Ergebnisse. Die Statue von Michelangelo namens „David“ gilt als unübertroffenes Meisterwerk, als Beispiel für die höchste Errungenschaft der Bildhauerkunst.

Neben den oben genannten Künstlern waren die größten Künstler Italiens der Renaissance Meister wie Antonello da Messina, Giovanni Bellini, Giorgione, Tizian, Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Domenico Fetti, Bernardo Strozzi, Giovanni Battista Tiepolo, Francesco Guardi und andere. . Alle waren es ein Paradebeispiel herrlich Venezianische Schule malen. Zur Florentiner Schule der italienischen Malerei gehören Künstler wie: Masaccio, Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno, Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Fra Bartolommeo, Andrea del Sarto.

Auflistung aller Künstler, die sowohl während der Renaissance als auch während der Renaissance arbeiteten Spätrenaissance und nach Jahrhunderten, die der ganzen Welt bekannt wurden und die Kunst der Malerei verherrlichten, die Grundprinzipien und Gesetze entwickelten, die allen Arten und Genres der bildenden Künste zugrunde liegen, wird es wahrscheinlich mehrere Bände dauern, sie zu schreiben, aber diese Liste reicht aus Verstehen Sie, dass die großen italienischen Künstler genau die Kunst sind, die wir kennen, die wir lieben und die wir für immer schätzen werden!

Gemälde großer italienischer Künstler

Andrea Mantegna - Fresko in der Camera degli Sposi

Giorgione – Drei Philosophen

Leonardo da Vinci - Mona Lisa

Nicolas Poussin – Die Großmut des Scipio

Paolo Veronese - Schlacht von Lepanto

Die italienische Malerei der Renaissance ist ein wahrhaft grandioses Phänomen. So viele brillante Namen kannten keine der folgenden Epochen, keine einzige davon nationale Schulen. Es ist kein Zufall, dass Künstler in den folgenden Jahrhunderten stets Erfahrungen und Inspiration aus der schönen Kunst der italienischen Renaissance bezogen.

Im Anschauungssystem der Renaissance kam den bildenden Künsten eine besondere Rolle zu. Ein Mensch der Renaissance fühlte sich fähig, die Welt zu kennen, aber zunächst schien ihm die Welt selbst, wie im Mittelalter, ein grandioses Kunstwerk, eine Schöpfung der größte Künstler- Gott.

Masaccio „Dreifaltigkeit“ 1426-1428 Kirche Santa Maria Novella Dank des geschickten Einsatzes von Hell-Dunkel und der Kenntnis der Gesetze der Perspektive verlieh Masaccio dem Bild Leben voller Glaubwürdigkeit. „Dreifaltigkeit“ (1425-1428).

Somit wurde das Bild der Welt als eine der Möglichkeiten ihrer Erkenntnis angesehen. Die Entwicklung eines Systems der direkten Perspektive machte die Malerei zur „humanisiertesten“ Kunstform – das Auge des Betrachters wurde zum „Bezugspunkt“ im „Raum“ des Bildes. Die Entstehung und Verbreitung von Ölfarben eröffnete einen vielversprechenden Weg für die Entwicklung von Ton- und Lichtprinzipien.

Schlacht von San Romano (1440–1450). Die äußerst kompositorisch komplexen, innovativen Gemälde von Uccello fanden bei den Zeitgenossen oft kein Verständnis.

Gemälde von Florenz, Siena und Perugia.

von großer Bedeutung für die Entwicklung des Italienischen bildende Kunst Die florentinische Malerei der Frührenaissance spielte eine Rolle und experimentierte aktiv im Bereich der räumlichen Perspektive. Die Fähigkeit, die Beziehung des realen Raums auf einer Ebene zu vermitteln, steigerte den sozialen Status des Künstlers erheblich und versetzte ihn von der Position eines bescheidenen Kunsthandwerkers in die Kategorie eines wissenschaftlichen Geometers, der die Gesetze der Struktur der Welt versteht.

Angelico ist ein Künstler tiefsten Glaubens. Seine Madonnen sind das Ideal spiritueller Schönheit und Frömmigkeit.

Brunelleschi in den frühen 1420er Jahren schuf zwei Gemälde mit Ansichten von Florenz, die seine Zeitgenossen mit illusorischer Genauigkeit begeisterten, die jedoch nur mit Hilfe eines ausgeklügelten Spiegel- und Fenstersystems betrachtet werden konnten. Die Wiedergabe der Raumtiefe für einen realen Betrachter auf jeder Tafel oder Wand unter Beibehaltung der optischen Einheit des Bildes erfordert nicht nur Wissen, sondern auch die Erfahrung und Intuition eines hochprofessionellen Malers. All diese Eigenschaften besaß Masaccio (1401-1428). Von ihm in den Jahren 1427-1428 gemalt. Die Brancacci-Kapelle in der Florentiner Kirche Santa Maria del Carmine wurde sofort zu einer Art Schule für Künstler.

Piero della Francesca wurde berühmt für seine erstaunlichen Farbkenntnisse.

Ein leidenschaftlicher Bewunderer von Masaccio war Uccello (1397-1475) – ein echter Detailsänger. Der Künstler verbrachte seine Nächte damit, aus einer komplexen Perspektive ein kleines Detail zu skizzieren, beispielsweise die Struktur des Gefieders eines fliegenden Vogels. Andrea del Castagno (ca. 1421–1457), ein weiterer Anhänger von Masaccio, der Meister strenger lapidarer Formen, wurde vor allem durch die Bemalung des Saals der Villa Carducci berühmt, auf der er unter anderem den Condottiere Pippo Spano darstellte, einen Spanier, der zum … Herrscher von Kroatien am Ende seines Lebens.

Mantegnas Stil zeichnet sich durch Skulpturalität in der Übertragung dreidimensionaler Formen aus. „Judith“ (um 1490).

Die skulptural kraftvolle Figur eines Kriegers, der mühelos eine Stahlklinge biegen kann, dringt selbstbewusst in den Raum der Halle ein. Castagno erreichte diesen Eindruck, indem er die rechte Hand und den linken Fuß seiner Figur über den dekorativen Rahmen des Freskos hinaus bewegte.

Allerdings nicht alle Florentiner Maler der ersten Hälfte des 15. Jahrhunderts. liebten es, Perspektiven zu vermitteln. So ließ sich der Künstlermönch Beato Angelico (ca. 1400-1455) vor allem von der Miniatur des 14. Jahrhunderts inspirieren.

In Giorgione erhält die Landschaft eine beispiellose Bedeutung. „Gewitter“ (1507-1508).

Die florentinische Malerei der Jahrhundertmitte ist im Vergleich zur Vorperiode ruhiger, aber weniger ernst. Hat Masaccio nun in seinen Fresken die irdische Existenz geheiligt? Die heiligsten Geschichten sind darin versunken weltliche Prosa: So ist die ganze Welt der Malerei von Fra Filippo Lippi, bewohnt von hübschen, fröhlichen, aber keineswegs erhabenen Madonnas und Engeln; Dies ist das aufwändig-luxuriöse Spektakel der Prozession der Heiligen Drei Könige, die der Künstler Benozzo Gozzoli 1459 an den Wänden der Medici-Hauskapelle präsentierte. Das brillante und tragische Finale der Florentiner Frührenaissance wurde in der Malerei von Botticelli verkörpert.

Die Malerei von Tizian wurde zum Höhepunkt der venezianischen Schule. „Venus Urban“ (1538).

Das Gemälde von Siena wird am ursprünglichsten von Sasseta dargestellt, dem Autor des Gemäldes „Prozession der Heiligen Drei Könige“. Es hat ein helles Märchen künstlerische Sprache stört kühne malerische Funde nicht. Der Kontrast zwischen den dicken Emailfarben des Vordergrunds und den sanft aufhellenden Tönen am Horizont ist einer der ersten Versuche, den Raum mit rein bildnerischen Mitteln abzubilden.

Diese Aufgabe war nur Piero della Francesca (ca. 1420–1462) möglich, dem vielleicht größten Maler des Quattrocento. Nachdem er jedoch in Florenz ausgebildet worden war, entwickelte er sein eigenes kreative Art und Weise. Wenn die Florentiner den Menschen in den Mittelpunkt des dargestellten Universums stellten, glaubte Piero, dass der Mensch nur ein organisches Glied sei große Welt Die Natur unterliegt in ihrer ganzen Vielfalt dem Gesetz der Zahl. Die Proportionen des menschlichen Körpers, die Formen der Natur, diese unterliegen in all ihrer Vielfalt dem Gesetz der Zahl. die Proportionen des menschlichen Körpers, die Formen der Natur, die reale Geometrie der Bildfläche werden vom Künstler in Beziehung gesetzt: Die Christusfigur mit ihrem dankbaren, „wachsenden“ Kopf steht im Einklang mit der Vertikalen des Baumstammes; Die üppige Kugelkrone des Baumes ist auf natürliche Weise in den Halbkreis der Vollendung der Komposition eingeschrieben.

Der Höhepunkt des Schaffens von Piero della Francesca waren die Fresken im Altar der Kirche San Francesco in Arezzo (1452-1466). Sie widmen sich einem eher seltenen Thema – der Geschichte des lebensspendenden Baumes, der von den ersten Menschen aus Eden auf die Erde gebracht wurde und dann dazu bestimmt war, ein Instrument für die Hinrichtung Christi zu werden – und die größte Reliquie der christlichen Welt . Die Vorstellung von Malerei als visueller Täuschung ist dem Künstler fremd. Der Meister schätzt die natürliche, gleichmäßige Oberfläche der Wand, auf der er schreibt, und verwandelt deren Fläche in einen Träger für seine majestätisch strengen Kompositionen. Er vermeidet komplexe Persönlichkeitsmerkmale: Seine Charaktere sind vom gleichen Typ, denn sie sind nur Akteure in der universellen Aufführung. In vielen kreativen Beispielen griff Piero della Francesca auf die Erfahrungen Giottos zurück, aber im Verständnis der Farbe war er seinen Zeitgenossen um Jahrhunderte voraus. Maler sind es gewohnt, Farbe als mechanisches „Färben“ fertiger Linien oder Formen zu verwenden. Bei Pierrot entstand die Form aus subtilen Farbabstufungen. Seine Palette ist unerschöpflich reichhaltig. Das Auge des Künstlers nimmt nicht nur die natürliche Farbe von Objekten wahr, sondern auch die Färbung der Luft durch Sonnenlicht; Ein leicht erkennbarer silbriger Farbton verleiht Pierrots Palette eine erstaunliche Treue, Leichtigkeit der Formen und Raumtiefe.

Die Malerschule von Perugia blühte plötzlich und strahlend auf letzte Jahrzehnte 15. Jahrhundert Lokale Künstler waren vor allem als Meister der dekorativen Malerei bekannt. Sehr charakteristisch sind die Fresken der sogenannten Borgia-Appartements im Papstpalast in Rom (1493). Ihr Autor Pinturicchio (ca. 1454-1513) kreiert ein helles und kompliziertes Dekor, bei dem jedes Detail durchdacht ist, von farbigen Bodenfliesen bis hin zu leuchtend blau vergoldeten Decken. Perugino (1445/1452-1523) arbeitete strenger und ruhiger. Um den Betrachter abzulenken, kopierte dieser Meister gerne schöne, aber gleichartige Motive: verträumt sanftmütige Gesichter, leichte Bogenarchitektur, „Oster“-Landschaften mit dünnen Bäumen.

Malerei von Norditalien und Venedig

Die Malerei der Meister Norditaliens durchlief ihre eigenen Phasen, die sich von denen anderer Schulen unterschieden. Wenn sich die florentinische Malerei im Allgemeinen dem Geist zuwandte, hauptsächlich dreidimensionale Körper darstellte und die Meister Mittelitaliens sich auf Gefühle konzentrierten und hauptsächlich räumliche Probleme lösten, dann ist der Hauptbereich des ästhetischen Einflusses für die Künstler der norditalienischen Schule Imagination ist ihr Leitthema die Substanz: die plastische Beschaffenheit von Gegenständen, Luft und Licht. Im ersten Drittel des fünfzehnten Jahrhunderts Die feudalen Zentren Norditaliens (Ferrara, Verona, Mantua) wurden in den Wirkungsbereich der sogenannten „internationalen“ Gotik einbezogen. Die wichtigsten stilistischen Probleme dieser Richtung – Sensibilität für Naturphänomene, virtuose Beherrschung der Linie – fanden ihren Ausdruck im Werk von Pisanello (1395-1455). Im Porträt einer Prinzessin aus dem Ferraraer Haus d’Este (1430er Jahre) betonte der Meister die sanfte Ruhe des Mädchengesichts und platzierte es vor einem kontrastierenden Hintergrund aus dunklem und hartem Laub, übersät mit hellen, zitternden Blumen- und Schmetterlingsflecken.

Bellini ist einer der bemerkenswertesten Porträtmaler seiner Zeit. „Porträt des Dogen Leonardo Loredan“ (1501-1505).

Die Rolle des Zentrums der Renaissancekultur in den 1430er Jahren. erwarb Padua, eine Stadt mit einer reichen antiken Vergangenheit, die 1406 den venezianischen Besitztümern angegliedert wurde. Neben seiner antiken Universität wurde Padua berühmt für die Werkstatt von Francesca Squarcione, einer autodidaktischen Malerin und tiefen Kennerin antiker Denkmäler, die eine echte Akademie gründete, an der bis zu 100 junge Männer gleichzeitig und untereinander Malerei studierten Sie sind der Adoptivsohn von Squarcione Andrea Mantegna (1431-1506), dem größten Meister des norditalienischen Quattrocento, der in seinen Werken Lebensechtheit mit lebhafter Fantasie verbindet.

In der Malerei Venedigs kam es mit der Ankunft des süditalienischen Künstlers Antonello da Messina (ca. 1430-1479) zu radikalen Veränderungen. Giovanni Bellini (ca. 1430–1516) spielte eine wichtige Rolle bei der Gestaltung des ursprünglichen Stils der venezianischen Schule. Er legte den Grundstein für sein koloristisches Prinzip. Die sanfte Harmonie der lichtdurchfluteten Farben des Künstlers ähnelt seinen bevorzugten einfachen idyllischen Szenen, in denen die ländliche Abendlandschaft eine bedeutende Rolle spielt.

Die Blütezeit der venezianischen Malschule fiel auf die erste Hälfte des XVI Jahrhundert, als die großen Giorgione (1477-1510) und Tizian (1488/1490-1576) wirkten. Giorgione schuf sein eigenes Bildgenre – die „Poesie“. Diese Gemälde wurden von ihm im Auftrag von Privatpersonen gemalt und von der Moderne abgekoppelt Europäische Kunst mit seiner Bassigkeit. Die Grundlage von ihnen figuratives System- die skurrile Fantasie des Autors und nicht irgendein Ereignis, das aus historischen oder historischen Ereignissen stammt literarische Quelle. Tizian, der die Lyrik Giorgiones geerbt hatte, verband sie mit einer gesunden Sinnlichkeit und einer aktiven Wahrnehmung des Seins. Im Werk dieses Meisters fand die venezianische Hochrenaissance ihren Ausdruck.

Italienische Renaissance-Malerei – Giotto, Masaccio, Angelico, Tizian und Giorgione aktualisiert: 2. Juli 2017 von: Webseite

Während der Renaissance finden viele Veränderungen und Entdeckungen statt. Neue Kontinente werden erkundet, der Handel entwickelt sich, wichtige Dinge werden erfunden, wie zum Beispiel Papier, ein Meereskompass, Schießpulver und vieles mehr. Von großer Bedeutung waren auch Veränderungen in der Malerei. Renaissance-Gemälde erfreuten sich großer Beliebtheit.

Die wichtigsten Stile und Trends in den Werken der Meister

Die Zeit war eine der fruchtbarsten in der Kunstgeschichte. Meisterwerke einer Vielzahl herausragender Meister finden sich heute in verschiedenen Kunstzentren. In der ersten Hälfte des 15. Jahrhunderts traten in Florenz Erneuerer auf. Ihre Renaissance-Gemälde markierten den Beginn einer neuen Ära in der Kunstgeschichte.

Zu dieser Zeit sind Wissenschaft und Kunst sehr eng miteinander verbunden. Künstler und Wissenschaftler versuchten, die physische Welt zu beherrschen. Die Maler versuchten, genauere Vorstellungen davon zu verwenden menschlicher Körper. Viele Künstler strebten nach Realismus. Der Stil beginnt mit Leonardo da Vincis „Das letzte Abendmahl“, das er im Laufe von fast vier Jahren malte.

Eines der berühmtesten Werke

Es wurde 1490 für das Refektorium des Klosters Santa Maria delle Grazie in Mailand gemalt. Die Leinwand stellt die letzte Mahlzeit Jesu mit seinen Jüngern dar, bevor er gefangen genommen und getötet wurde. Zeitgenossen, die die Arbeit des Künstlers in dieser Zeit beobachteten, bemerkten, dass er von morgens bis abends malen konnte, ohne auch nur eine Pause zum Essen einzulegen. Und dann konnte er seine Malerei mehrere Tage lang aufgeben und überhaupt nicht in die Nähe kommen.

Der Künstler war sehr besorgt über das Bild von Christus selbst und dem Verräter Judas. Als das Bild endlich fertiggestellt war, wurde es zu Recht als Meisterwerk anerkannt. " Das letzte Abendmahl„und ist bis heute eines der beliebtesten. Renaissance-Reproduktionen waren schon immer sehr gefragt, doch dieses Meisterwerk ist von unzähligen Kopien geprägt.

Ein anerkanntes Meisterwerk oder das geheimnisvolle Lächeln einer Frau

Zu den Werken, die Leonardo im 16. Jahrhundert schuf, gehört ein Porträt namens „Mona Lisa“ oder „La Gioconda“. In der Neuzeit ist dies vielleicht das berühmteste Gemälde der Welt. Beliebt wurde sie vor allem wegen des schwer fassbaren Lächelns im Gesicht der auf der Leinwand dargestellten Frau. Was führte zu solch einem Rätsel? geschickte Arbeit Meistern Sie die Fähigkeit, die Augen- und Mundwinkel so geschickt zu schattieren? Die genaue Natur dieses Lächelns kann bisher nicht bestimmt werden.

Außer Konkurrenz und andere Details dieses Bildes. Es lohnt sich, auf die Hände und Augen einer Frau zu achten: Mit welcher Genauigkeit der Künstler beim Schreiben auf die kleinsten Details der Leinwand reagiert hat. Nicht weniger interessant ist die dramatische Landschaft im Hintergrund des Bildes, eine Welt, in der alles im Fluss zu sein scheint.

Ein weiterer berühmter Vertreter der Malerei

Nicht weniger berühmter Vertreter Renaissance - Sandro Botticelli. Dies ist ein großartiger italienischer Maler. Auch seine Renaissance-Gemälde erfreuen sich großer Beliebtheit eine Vielzahl Zuschauer. „Anbetung der Könige“, „Madonna mit Kind auf dem Thron“, „Verkündigung“ – diese religiösen Themen gewidmeten Werke Botticellis sind zu den großen Leistungen des Künstlers geworden.

Noch eine bemerkenswerte Arbeit Meister - „Madonna Magnificat“. Sie erlangte in Sandros Lebensjahren Berühmtheit, wie zahlreiche Reproduktionen belegen. Ähnliche Gemälde in Kreisform waren im Florenz des 15. Jahrhunderts sehr gefragt.

Eine neue Wendung im Werk des Malers

Ab 1490 änderte Sandro seinen Stil. Es wird asketischer, die Farbkombination ist nun deutlich zurückhaltender, dunkle Töne überwiegen oft. Der neue Ansatz des Schöpfers beim Schreiben seiner Werke ist in der „Krönung Mariens“, der „Beweinung Christi“ und anderen Gemälden mit der Darstellung der Madonna und des Kindes deutlich zu erkennen.

Die damaligen Meisterwerke von Sandro Botticelli, zum Beispiel das Porträt von Dante, weisen keine Landschafts- und Innenhintergründe auf. Eine der nicht minder bedeutenden Kreationen des Künstlers ist „Mystical Christmas“. Das Bild entstand unter dem Einfluss der Unruhen, die sich Ende 1500 in Italien ereigneten. Viele Gemälde von Renaissance-Künstlern erfreuten sich nicht nur großer Beliebtheit, sie wurden auch zum Vorbild für die nächste Generation von Malern.

Ein Künstler, dessen Leinwände von einer Aura der Bewunderung umgeben sind

Rafael Santi da Urbino war nicht nur, sondern auch Architekt. Seine Renaissance-Gemälde werden für ihre Klarheit der Form, Einfachheit der Komposition und die visuelle Verwirklichung des Ideals menschlicher Größe bewundert. Zusammen mit Michelangelo und Leonardo da Vinci gehört er traditionell zur Dreifaltigkeit der größten Meister dieser Zeit.

Er lebte ein relativ kurzes Leben, nur 37 Jahre alt. Doch in dieser Zeit schuf er eine Vielzahl seiner Meisterwerke. Einige seiner Werke befinden sich im Vatikanischen Palast in Rom. Nicht jeder Betrachter kann die Gemälde von Renaissance-Künstlern mit eigenen Augen sehen. Fotos dieser Meisterwerke stehen jedem zur Verfügung (einige davon werden in diesem Artikel vorgestellt).

Die berühmtesten Werke Raffaels

Von 1504 bis 1507 schuf Raffael eine ganze Reihe von Madonnen. Die Bilder zeichnen sich durch betörende Schönheit, Weisheit und zugleich eine Art erleuchteter Traurigkeit aus. Sein berühmtestes Gemälde war „ Sixtinische Madonna". Sie ist dargestellt, wie sie in den Himmel schwebt und mit dem Baby im Arm sanft zu den Menschen herabsteigt. Es war diese Bewegung, die der Künstler sehr geschickt darstellen konnte.

Diese Arbeit wurde von vielen hoch gelobt berühmte Kritiker, und alle kamen zu dem gleichen Schluss, dass es tatsächlich selten und ungewöhnlich ist. Alle Gemälde der Renaissance haben eine lange Geschichte. Am beliebtesten ist es jedoch aufgrund seiner endlosen Wanderungen seit seiner Gründung. Nach zahlreichen Prüfungen nahm sie schließlich ihren rechtmäßigen Platz in den Ausstellungen des Dresdner Museums ein.

Gemälde der Renaissance. Fotos berühmter Gemälde

Und ein weiterer berühmter italienischer Maler, Bildhauer und Architekt, der einen großen Einfluss auf die Entwicklung der westlichen Kunst hatte, ist Michelangelo di Simoni. Obwohl er vor allem als Bildhauer bekannt ist, gibt es welche schöne Werke sein Gemälde. Und das bedeutendste davon ist die Decke der Sixtinischen Kapelle.

Diese Arbeiten wurden vier Jahre lang durchgeführt. Der Raum umfasst etwa fünfhundert Quadratmeter und enthält mehr als dreihundert Figuren. Im Zentrum stehen neun Episoden aus dem Buch Genesis, unterteilt in mehrere Gruppen. Die Erschaffung der Erde, die Erschaffung des Menschen und sein Untergang. Zu den berühmtesten Gemälden an der Decke zählen „Die Erschaffung Adams“ und „Adam und Eva“.

Sein bekanntestes Werk ist „Das Jüngste Gericht“. Es wurde an der Altarwand der Sixtinischen Kapelle angebracht. Das Fresko zeigt das zweite Kommen Jesu Christi. Hier ignoriert Michelangelo den Standard künstlerische Konventionen in der Schrift Jesu. Er stellte ihn mit einem massiven, muskulösen Körperbau dar, jung und bartlos.

Die Bedeutung der Religion oder die Kunst der Renaissance

Italienische Renaissance-Gemälde wurden zur Grundlage für die Entwicklung der westlichen Kunst. Viele der beliebten Werke dieser Schöpfergeneration haben einen enormen Einfluss auf Künstler, der bis heute anhält. Die großen Künstler dieser Zeit konzentrierten sich auf religiöse Themen, arbeitete oft im Auftrag wohlhabender Gönner, darunter auch des Papstes selbst.

Die Religion ist buchstäblich durchdrungen Alltagsleben Menschen dieser Zeit, tief in den Köpfen der Künstler verankert. Fast alle religiösen Gemälde befinden sich in Museen und Kunstdepots, aber Reproduktionen von Renaissance-Gemälden, die sich nicht nur auf dieses Thema beziehen, sind in vielen Institutionen und sogar in gewöhnlichen Haushalten zu finden. Die Menschen werden die Arbeit endlos bewundern berühmte Meister dieser Zeit.

Die ersten Vorläufer der Renaissancekunst erschienen im 14. Jahrhundert in Italien. Künstler dieser Zeit, Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) und (hauptsächlich) Giotto (1267-1337) Bei der Erstellung von Gemälden mit traditionellen religiösen Themen begannen sie, neue zu verwenden künstlerische Techniken: Erstellen einer dreidimensionalen Komposition unter Verwendung der Landschaft im Hintergrund, wodurch die Bilder realistischer und lebendiger wurden. Dadurch unterschied sich ihr Werk deutlich von der bisherigen ikonografischen Tradition voller Bildkonventionen.
Der Begriff wird verwendet, um sich auf ihre Arbeit zu beziehen. Proto-Renaissance (1300er – „Trecento“) .

Giotto di Bondone (ca. 1267–1337) – italienischer Maler und Architekt der Protorenaissance. Eine der Schlüsselfiguren in der Geschichte der westlichen Kunst. Nachdem er die byzantinische Tradition der Ikonenmalerei überwunden hatte, wurde er zum wahren Begründer der italienischen Malerschule und entwickelte einen völlig neuen Ansatz zur Darstellung des Raums. Giottos Werke wurden von Leonardo da Vinci, Raffael und Michelangelo inspiriert.


Frührenaissance (14. Jahrhundert – „Quattrocento“).

Zu Beginn des 15. Jahrhunderts Filippo Brunelleschi (1377–1446), Florentiner Gelehrter und Architekt.
Brunelleschi wollte die Wahrnehmung der von ihm rekonstruierten Begriffe und Theater visueller gestalten und versuchte, aus seinen Plänen für einen bestimmten Standpunkt geometrisch perspektivische Bilder zu schaffen. Bei diesen Suchanfragen direkte Perspektive.

Dies ermöglichte es den Künstlern, perfekte Bilder des dreidimensionalen Raums auf einer flachen Leinwand des Bildes zu erhalten.

_________

Ein weiterer wichtiger Schritt in Richtung Renaissance war die Entstehung nichtreligiöser, weltlicher Kunst. Porträt und Landschaft etablierten sich als unabhängige Genres. Sogar religiöse Themen erhielten eine andere Interpretation – Renaissance-Künstler begannen, ihre Charaktere als Helden mit ausgeprägten individuellen Merkmalen und menschlicher Handlungsmotivation zu betrachten.

Die bekanntesten Künstler dieser Zeit sind Masaccio (1401-1428), Masolino (1383-1440), Benozzo Gozzoli (1420-1497), Piero Della Francesco (1420-1492), Andrea Mantegna (1431-1506), Giovanni Bellini (1430-1516), Antonello da Messina (1430-1479), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Sandro Botticelli (1447-1515).

Masaccio (1401-1428) - der berühmte italienische Maler, der größte Meister der Florentiner Schule, der Reformator der Malerei der Quattrocento-Ära.

Fresko. Wunder mit dem Stater.

Malen. Kreuzigung.

Piero Della Francesco (1420-1492). Die Werke des Meisters zeichnen sich durch majestätische Feierlichkeit, Adel und Harmonie der Bilder, Verallgemeinerung der Formen, kompositorische Ausgewogenheit, Proportionalität, Genauigkeit der perspektivischen Konstruktionen und ein weiches, lichtdurchflutetes Spektrum aus.

Fresko. Geschichte der Königin von Saba. Kirche San Francesco in Arezzo

Sandro Botticelli(1445-1510) – großer italienischer Maler, Vertreter der Florentiner Malerschule.

Frühling.

Geburt der Venus.

Hochrenaissance („Cinquecento“).
Es kam zur höchsten Blüte der Renaissance-Kunst für das erste Viertel des 16. Jahrhunderts.
Funktioniert Sansovino (1486-1570), Leonardo da Vinci (1452-1519), Rafael Santi (1483-1520), Michelangelo Buonarroti (1475-1564), Giorgione (1476-1510), Tizian (1477-1576), Antonio Correggio (1489-1534) bilden den goldenen Fundus der europäischen Kunst.

Leonardo di Ser Piero da Vinci (Florenz) (1452-1519) – italienischer Künstler (Maler, Bildhauer, Architekt) und Wissenschaftler (Anatom, Naturforscher), Erfinder, Schriftsteller.

Selbstporträt

Dame mit einem Hermelin. 1490. Czartoryski-Museum, Krakau

Mona Lisa (1503-1505/1506)

Leonardo da Vinci hat es geschafft hohes Können bei der Übertragung der Mimik des Gesichts und des Körpers einer Person, Möglichkeiten der Raumübertragung, Aufbau einer Komposition. Gleichzeitig schaffen seine Werke ein harmonisches Menschenbild, das humanistischen Idealen entspricht.

Madonna Litta. 1490-1491. Eremitage.

Madonna Benois (Madonna mit einer Blume). 1478-1480

Madonna mit einer Nelke. 1478

Im Laufe seines Lebens machte Leonardo da Vinci Tausende von Notizen und Zeichnungen zur Anatomie, veröffentlichte seine Werke jedoch nicht. Er führte eine Autopsie der Körper von Menschen und Tieren durch und vermittelte genau die Struktur des Skeletts und innere Organe, einschließlich kleine Teile. Laut Peter Abrams, Professor für klinische Anatomie, wissenschaftliche Arbeit da Vinci war ihrer Zeit 300 Jahre voraus und übertraf in vielerlei Hinsicht den berühmten Film „Grey's Anatomy“.

Liste der Erfindungen, sowohl echte als auch ihm zugeschriebene:

Fallschirm, zuSchloss Olescovo,Fahrrad, tAnkh, lleichte tragbare Brücken für die Armee, SProjektor, zuKatapult, robot, dVohlenz-Teleskop.

Später wurden diese Innovationen entwickelt Rafael Santi (1483-1520) – ein großer Maler, Grafiker und Architekt, ein Vertreter der umbrischen Schule.

Selbstporträt. 1483

Michelangelo di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni(1475-1564) – italienischer Bildhauer, Maler, Architekt, Dichter, Denker.

Gemälde und Skulpturen von Michelangelo Buonarotti sind voller heroischem Pathos und zugleich einem tragischen Gefühl für die Krise des Humanismus. Seine Bilder verherrlichen die Stärke und Kraft des Menschen, die Schönheit seines Körpers und betonen gleichzeitig seine Einsamkeit in der Welt.

Das Genie Michelangelos hat nicht nur die Kunst der Renaissance, sondern auch die gesamte weitere Weltkultur geprägt. Seine Aktivitäten beziehen sich hauptsächlich auf zwei Italienische Städte- Florenz und Rom.

Seine grandiosesten Pläne konnte der Künstler jedoch gerade in der Malerei verwirklichen, wo er als wahrer Erneuerer von Farbe und Form auftrat.
Im Auftrag von Papst Julius II. malte er die Decke der Sixtinischen Kapelle (1508-1512), die die biblische Geschichte von der Erschaffung der Welt bis zur Sintflut darstellt und mehr als 300 Figuren umfasst. In den Jahren 1534–1541 führte er in derselben Sixtinischen Kapelle für Papst Paul III. das grandiose, dramatische Fresko „Das Jüngste Gericht“ auf.
Sixtinische Kapelle 3D.

Das Werk von Giorgione und Tizian zeichnet sich durch ein Interesse an der Landschaft, die Poetisierung der Handlung aus. Beide Künstler erlangten großes Können in der Porträtkunst, mit der sie Charakter und Reichtum vermittelten. Innere ihre Charaktere.

Giorgio Barbarelli da Castelfranco ( Giorgione) (1476/147-1510) – italienischer Künstler, Vertreter der venezianischen Malschule.

Schlafende Venus. 1510

Judith. 1504

Tizian Vecellio (1488/1490-1576) – italienischer Maler, größter Vertreter Venezianische Schule der Hoch- und Spätrenaissance.

Tizian malte Bilder zu biblischen und mythologischen Themen, er wurde als Porträtmaler berühmt. Er wurde von Königen und Päpsten, Kardinälen, Herzögen und Fürsten beauftragt. Tizian war noch nicht einmal dreißig Jahre alt, als er als bester Maler Venedigs ausgezeichnet wurde.

Selbstporträt. 1567

Venus Urbinskaja. 1538

Porträt von Tommaso Mosti. 1520

Spätrenaissance.
Nach der Plünderung Roms durch kaiserliche Truppen im Jahr 1527 Italienische Renaissance gerät in eine Krisenzeit. Bereits im Werk des verstorbenen Raffael wird eine neue künstlerische Linie skizziert, genannt Manierismus.
Diese Ära ist gekennzeichnet durch überdehnte und gebrochene Linien, verlängerte oder sogar deformierte Figuren, oft nackt, Spannung und unnatürliche Posen, ungewöhnliche oder bizarre Effekte im Zusammenhang mit Größe, Beleuchtung oder Perspektive, die Verwendung einer ätzenden Farbskala, überladene Komposition usw. Die Erster Meister des Manierismus Parmigianino , Pontormo , Bronzino- lebte und arbeitete am Hofe der Herzöge des Medici-Hauses in Florenz. Später verbreitete sich die manieristische Mode in ganz Italien und darüber hinaus.

Girolamo Francesco Maria Mazzola (Parmigianino - „Einwohner von Parma“) (1503-1540), italienischer Künstler und Kupferstecher, Vertreter des Manierismus.

Selbstporträt. 1540

Porträt einer Frau. 1530.

Pontormo (1494-1557) – italienischer Maler, Vertreter der Florentiner Schule, einer der Begründer des Manierismus.


Der Manierismus wurde in den 1590er Jahren durch die Kunst ersetzt Barock (Übergangszahlen - Tintoretto Und El Greco ).

Jacopo Robusti, besser bekannt als Tintoretto (1518 oder 1519-1594) – Maler der venezianischen Schule der Spätrenaissance.

Das letzte Abendmahl. 1592-1594. Kirche San Giorgio Maggiore, Venedig.

El Greco ("Griechisch" Domenikos Theotokopoulos ) (1541—1614) - spanischer Künstler. Nach Herkunft - ein Grieche, gebürtig von der Insel Kreta.
El Greco hatte keine zeitgenössischen Anhänger und sein Genie wurde fast 300 Jahre nach seinem Tod wiederentdeckt.
El Greco studierte in der Werkstatt von Tizian, seine Maltechnik unterscheidet sich jedoch deutlich von der seines Lehrers. Die Werke von El Greco zeichnen sich durch Geschwindigkeit und Ausdruckskraft der Ausführung aus, die sie der modernen Malerei näher bringen.

Christus am Kreuz. OK. 1577. Privatsammlung.

Dreieinigkeit. 1579 Prado.

Beim Betrachten von Bildern Renaissance, es ist unmöglich, die Klarheit der Linien, das Schöne, nicht zu bewundern Farbpalette und vor allem der unglaubliche Realismus der übertragenen Bilder. Moderne Wissenschaftler rätselten lange, wie es den damaligen Meistern gelang, solche Meisterwerke zu schaffen, denn es gibt keine schriftlichen Beweise für die Feinheiten und Geheimnisse der Aufführungstechnik. Englischer Künstler und der Fotograf David Hockney behauptet, das Geheimnis der Renaissance-Maler gelüftet zu haben, die wussten, wie man „lebende“ Bilder malt.

Wenn wir verschiedene Zeiträume in der Geschichte der Malerei vergleichen, wird deutlich, dass in der Renaissance (Wende vom 14. zum 15. Jahrhundert) Gemälde „plötzlich“ viel realistischer wurden als zuvor. Wenn man sie betrachtet, scheint es, als würden die Charaktere gleich seufzen und Sonnenstrahlen würden auf den Objekten spielen.

Es drängt sich die Frage auf: Haben die Künstler der Renaissance plötzlich gelernt, besser zu zeichnen, und wurden die Gemälde voluminöser? Habe versucht, diese Frage zu beantworten berühmter Künstler Grafiker und Fotograf David Hockney ( David Hockney).

Bei dieser Studie half ihm das Gemälde von Jan van Eyck „Porträt der Arnolfinis“. Auf der Leinwand findet man viele kuriose Details, und doch wurde es 1434 geschrieben. Besonders hervorzuheben sind der Spiegel an der Wand und der Kerzenständer unter der Decke, der verblüffend realistisch wirkt. David Hockney gelang es, einen ähnlichen Kerzenhalter zu bekommen und versuchte ihn zu zeichnen. Zur großen Überraschung des Künstlers erwies es sich als ziemlich schwierig, dieses Objekt perspektivisch darzustellen, und selbst das grelle Licht muss so vermittelt werden, dass klar ist, dass es sich hier um die Brillanz von Metall handelt. Übrigens hat vor der Renaissance niemand das Bild der Blendung auf einer Metalloberfläche aufgegriffen.

Als das 3D-Modell des Kerzenhalters nachgebildet wurde, stellte Hockney sicher, dass Van Eycks Gemälde ihn perspektivisch mit einem einzigen Fluchtpunkt zeigte. Der Haken war jedoch, dass es im 15. Jahrhundert keine Camera obscura mit Linse gab (ein optisches Gerät, mit dem man eine Projektion erzeugen kann).

David Hockney rätselte darüber, wie Van Eyck es schaffte, in seinen Leinwänden einen solchen Realismus zu erreichen. Doch eines Tages machte er auf das Bild eines Spiegels auf dem Bild aufmerksam. Es war konvex. Es ist erwähnenswert, dass die Spiegel damals konkav waren, da die Meister noch nicht in der Lage waren, die Zinnauskleidung auf die flache Oberfläche des Glases zu „kleben“. Um im 15. Jahrhundert einen Spiegel herzustellen, wurde geschmolzenes Zinn in einen Glaskolben gegossen und dann der Deckel abgeschnitten, sodass ein konkaver, glänzender Boden zurückblieb. David Hockney erkannte, dass Van Eyck einen Hohlspiegel verwendete, durch den er blickte, um Motive so realistisch wie möglich zu zeichnen.

Im 16. Jahrhundert lernten Handwerker, wie man hochwertige Linsen herstellt. Sie wurden in eine Camera obscura eingefügt, die es ermöglichte, eine Projektion beliebiger Größe zu erhalten. Dies war eine echte Revolution in der Technologie. realistisches Bild. Das heißt nur, dass die meisten Menschen auf den Bildern Linkshänder „geworden“ sind. Die Sache ist, dass die direkte Projektion des Objektivs bei Verwendung einer Camera obscura gespiegelt wird. Auf dem um 1665-1670 entstandenen Gemälde „Liebeserklärung (Der gewalttätige Koch)“ von Pieter Gerritsz van Roestraten sind alle Figuren Linkshänder. Ein Mann und eine Frau halten ein Glas und eine Flasche in der linken Hand, der alte Mann im Hintergrund schüttelt ihnen ebenfalls den linken Finger entgegen. Sogar der Affe schaut mit seiner linken Pfote unter das Kleid einer Frau.

Um ein korrektes, proportionales Bild zu erhalten, war es notwendig, den Spiegel, in den die Linse gerichtet war, genau einzustellen. Aber nicht alle Künstler haben es perfekt hinbekommen, und es gab nur wenige hochwertige Spiegel. Aus diesem Grund sieht man in einigen Gemälden, dass die Proportionen nicht eingehalten wurden: kleine Köpfe, große Schultern oder Beine.

Der Einsatz optischer Geräte durch Künstler beeinträchtigt ihr Talent in keiner Weise. Dank des erreichten Realismus der Renaissance-Gemälde wissen die modernen Bewohner heute, wie Menschen und Haushaltsgegenstände damals aussahen.

Mittelalterliche Künstler versuchten nicht nur, in ihren Gemälden Realismus zu erreichen, sondern auch besondere Symbole darin zu verschlüsseln. Also ein großartiges Meisterwerk von Tizian