Welche Instrumente waren im 17. Jahrhundert beliebt? Instrumentalmusik des 17. Jahrhunderts

Musik des 17. und 18. Jahrhunderts

An der Wende vom 16. zum 17. Jahrhundert begann die Polyphonie, die die Musik der Renaissance beherrschte, der Homophonie (aus dem Griechischen "homos" - "eins", "gleich" und "Hintergrund" - "Klang", "Stimme"). Im Gegensatz zur Polyphonie, bei der alle Stimmen gleich sind, sticht bei der homophonen Polyphonie eine hervor, die das Hauptthema spielt, und der Rest spielt die Rolle der Begleitung (Begleitung). Die Begleitung ist normalerweise ein System von Akkorden (Harmonien). Daher der Name der neuen Art, Musik zu komponieren - homophone Harmonik.

Die Vorstellungen von Kirchenmusik haben sich geändert. Nun wollten die Komponisten nicht so sehr dafür sorgen, dass ein Mensch auf irdische Leidenschaften verzichtet, sondern die Komplexität seiner spirituellen Erfahrungen offenbaren. Es gab Werke, die zu religiösen Texten oder Handlungen geschrieben wurden, aber nicht für die obligatorische Aufführung in der Kirche bestimmt waren. (Solche Kompositionen werden spirituell genannt, da das Wort "spirituell" eine breitere Bedeutung als "kirchlich" hat.) Die wichtigsten spirituellen Genres des 17.-18. Jahrhunderts. - Kantate und Oratorium. Die Bedeutung weltlicher Musik nahm zu: Sie wurde am Hof, in den Salons der Aristokraten, in öffentlichen Theatern gespielt (die ersten solcher Theater wurden im 17. Jahrhundert eröffnet). Es gab eine neue Art von Musikkunst - die Oper.

Die Instrumentalmusik ist auch durch das Aufkommen neuer Gattungen gekennzeichnet, allen voran das Instrumentalkonzert. Violine, Cembalo, Orgel wurden allmählich zu Soloinstrumenten. Die für sie geschriebene Musik ermöglichte es, nicht nur dem Komponisten, sondern auch dem Interpreten Talent zu zeigen. Zunächst wurde die Virtuosität (die Fähigkeit, mit technischen Schwierigkeiten umzugehen) geschätzt, die für viele Musiker allmählich zum Selbstzweck und künstlerischen Wert wurde.

Komponisten des 17.-18. Jahrhunderts komponierten meist nicht nur Musik, sondern studierten auch meisterhaft gespielte Instrumente pädagogische Tätigkeit. Das Wohlergehen des Künstlers hing maßgeblich vom konkreten Kunden ab. In der Regel suchte jeder ernsthafte Musiker entweder am Hof ​​eines Monarchen oder eines wohlhabenden Aristokraten (viele Adlige hatten eigene Orchester oder Opernhäuser) oder in einem Tempel einen Platz. Darüber hinaus verbanden die meisten Komponisten das Musizieren in der Kirche problemlos mit dem Dienst eines weltlichen Gönners.

Oratorium und Kantate

Als eigenständige Musikgattung nahm das Oratorium (ital. Oratorium, von spätlateinisch oratorium – „Kapelle“) im 16. Jahrhundert in Italien Gestalt an. Musikwissenschaftler sehen den Ursprung des Oratoriums im liturgischen Drama (siehe Artikel „Das Theater mittelalterliches Europa") - Theateraufführungen, die von biblischen Ereignissen erzählen.

Ähnliche Aktionen wurden in Tempeln gespielt – daher der Name des Genres. Oratorien wurden zunächst auf die Texte der Heiligen Schrift geschrieben und waren für die Aufführung in der Kirche bestimmt. IN XVII Jahrhundert Komponisten begannen, Oratorien über die Moderne zu komponieren poetische Texte spiritueller Inhalt. Der Aufbau des Oratoriums ähnelt dem einer Oper. Dies ist ein Hauptwerk für Solosänger, Chor und Orchester mit einer dramatischen Handlung. Anders als in der Oper gibt es im Oratorium jedoch keine Bühnenhandlung: Es erzählt von Ereignissen, zeigt sie aber nicht.

in Italien im 17. Jahrhundert. ein anderes Genre wurde gebildet - Kantate (it. cantata, von lat. canto- "singen"). Wie das Oratorium wird die Kantate normalerweise von Solisten, Chor und Orchester aufgeführt, ist jedoch kürzer als das Oratorium. Kantaten wurden auf geistliche und weltliche Texte geschrieben.

Musik Italiens

Ende des 16. Jahrhunderts entwickelte sich in Italien der barocke Kunststil (von um. barocco - „seltsam“, „skurril“). Dieser Stil zeichnet sich durch Ausdruckskraft, Dramatik, Unterhaltung, den Wunsch nach Synthese (Verbindung) aus verschiedene Typen Kunst. Diese Merkmale wurden in der Oper, die um die Wende vom 16. zum 17. Jahrhundert entstand, voll zum Ausdruck gebracht. Ein Werk verband Musik, Poesie, Dramaturgie und theatralische Malerei.Anfangs trug die Oper einen anderen Namen: „Drama für Musik“ (it. dramma per musica); Das Wort "Oper" (it. Oper - "Komposition") tauchte erst Mitte des 17. Jahrhunderts auf. Die Idee des „Drama for Music“ wurde in Florenz im Künstlerkreis Florentine Camerata geboren. Die Sitzungen des Kreises fanden in einer Kammer (von der italienischen Kamera - "Zimmer") zu Hause statt. Von 1579 bis 1592 versammelten sich aufgeklärte Musikliebhaber, Dichter und Wissenschaftler im Haus des Grafen Giovanni Bardi. Es wurde auch von professionellen Musikern besucht - Sänger und Komponisten Jacopo Peri (1561 - 1633) und Giulio Caccini (ca. 1550-1618), Theoretiker und Komponist Vincenzo Galilei (ca. 1520-1591), Vater des berühmten Wissenschaftlers Galileo Galilei.

Die Teilnehmer der Florentiner Camerata waren begeistert von der Entwicklung der Musikkunst. Sie sahen ihre Zukunft in der Verbindung von Musik und Schauspiel: Die Texte solcher Werke würden (im Gegensatz zu den Texten komplexer chorischer polyphoner Gesänge des 16. Jahrhunderts) für den Hörer verständlich werden.

Die Kreismitglieder fanden im antiken Theater die ideale Verbindung von Wort und Musik: Verse wurden mit Singsangstimme gesungen, jedes Wort, jede Silbe klang klar. So kam die Florentiner Camerata auf die Idee des Sologesangs, begleitet von einem Instrument – ​​der Monodie (aus dem Griechischen „monos“ – „eins“ und „ode“ – „Lied“). Ein neuer Stil Singen wurde Rezitativ genannt (davon recitare - "rezitieren"): Die Musik folgte dem Text und der Gesang war eine monotone Rezitation. Die musikalische Intonation war wenig beeindruckend - die Betonung lag auf der klaren Aussprache von Wörtern und nicht auf der Vermittlung der Gefühle der Charaktere.

Frühe florentinische Opern basierten auf Szenen aus der antiken Mythologie. Die ersten überlieferten Werke der neuen Gattung sind zwei gleichnamige Opern „Eurydike“ der Komponisten Peri (1600) und Caccini (1602). Sie wurden auf der Handlung des Mythos von Orpheus erstellt. Der Gesang wurde von einem Instrumentalensemble begleitet, das aus einem Cembalo (dem Vorläufer des Klaviers), einer Leier, einer Laute, einer Gitarre usw. bestand.

Die Helden der ersten Opern wurden vom Schicksal regiert, und sein Wille wurde von Boten verkündet. Die Aktion wurde mit einem Prolog eröffnet, in dem die Tugenden und die Macht der Kunst besungen wurden. Weitere Auftritte umfassten Vokalensembles (Opernnummern, bei denen mehrere Teilnehmer gleichzeitig singen), einen Chor und Tanzepisoden. Auf ihrem Wechsel wurde eine musikalische Komposition aufgebaut.

Die Oper begann sich schnell zu entwickeln, vor allem als Hofmusik. Der Adel förderte die Künste, und diese Sorge wurde nicht nur durch die Liebe zum Schönen erklärt: Der Wohlstand der Künste wurde als unverzichtbares Merkmal von Macht und Reichtum angesehen. In den großen Städten Italiens – Rom, Florenz, Venedig, Neapel – haben sich eigene Opernschulen entwickelt.

Die besten Eigenschaften verschiedener Schulen – Aufmerksamkeit für das poetische Wort (Florenz), ein ernsthafter spiritueller Subtext der Handlung (Rom), Monumentalität (Venedig) – wurden in seinem Werk von Claudio Monteverdi (1567-1643) kombiniert. Der Komponist wurde in geboren Italienische Stadt Cremona in der Familie des Arztes. Als Musiker entwickelte sich Monteverdi in seiner Jugend. Er schrieb und führte Madrigale auf; spielte Orgel, Bratsche und andere Instrumente. Monteverdi studierte Musikkomposition bei namhaften Komponisten der damaligen Zeit. 1590 wurde er als Sänger und Musiker nach Mantua an den Hof des Herzogs Vincenzo Gonzaga eingeladen; später leitete er die Hofkapelle. 1612 verließ Monteverdi den Dienst in Mantua und ließ sich ab 1613 in Venedig nieder. Vor allem dank Monteverdi wurde 1637 in Venedig das erste öffentliche Opernhaus der Welt eröffnet. Dort leitete der Komponist die Kapelle der Kathedrale von San Marco. Vor seinem Tod nahm Claudio Monteverdi die Priesterweihe entgegen.

Nach dem Studium der Werke von Peri und Caccini schuf Monteverdi seine eigenen Werke dieses Genres. Schon in den ersten Opern – „Orpheus“ (1607) und „Ariadne“ (1608) – gelang es dem Komponisten, tiefe und leidenschaftliche Gefühle mit musikalischen Mitteln zu vermitteln, um eine gespannte dramatische Handlung zu schaffen. Monteverdi ist der Autor vieler Opern, aber nur drei haben überlebt - "Orpheus", "Rückkehr des Odysseus in seine Heimat" (1640; basierend auf der Handlung des antiken griechischen Epos "Odyssee") und "Krönung von Poppea" ( 1642).

Monteverdis Werke verbinden harmonisch Musik und Text. Die Opern basieren auf einem Monolog, in dem jedes Wort klar erklingt und die Musik flexibel und subtil die Stimmungsschattierungen transportiert. Monologe, Dialoge und Chorepisoden gehen fließend ineinander über, die Handlung entwickelt sich langsam (drei-vier Akte in Monteverdis Opern), aber dynamisch. Der Komponist wies dem Orchester eine wichtige Rolle zu. In „Orpheus“ beispielsweise verwendete er fast alle damals bekannten Instrumente. Orchestermusik begleitet nicht nur den Gesang, sondern erzählt selbst von den Ereignissen auf der Bühne und den Erlebnissen der Figuren. In Orpheus erschien erstmals eine Ouvertüre (französisch Ouverture oder lateinisch Apertura – „Eröffnung“, „Anfang“) – eine instrumentale Einleitung zu einem großen Musikstück. Die Opern von Claudio Monteverdi hatten einen bedeutenden Einfluss auf venezianische Komponisten und legten den Grundstein für die venezianische Opernschule.

Monteverdi schrieb nicht nur Opern, sondern auch geistliche Musik, geistliche und weltliche Madrigale. Er wurde der erste Komponist, der sich polyphonen und homophonen Methoden nicht widersetzte - die Chorepisoden seiner Opern beinhalten polyphone Techniken. Im Werk von Monteverdi wurde das Neue mit dem Alten verbunden - den Traditionen der Renaissance.

Zu Beginn des 18. Jahrhunderts. In Neapel wurde eine Opernschule gegründet. Merkmale dieser Schule - erhöhte Aufmerksamkeit für den Gesang, die dominierende Rolle der Musik. In Neapel entstand der Belcanto-Gesangsstil (italienisch belcanto - "schöner Gesang"). Belcanto ist berühmt für seine außergewöhnliche Klangschönheit, Melodie und technische Perfektion. In der hohen Lage (der Tonumfang der Stimme) zeichnete sich der Gesang durch die Leichtigkeit und Transparenz der Klangfarbe aus, in der tiefen Lage durch samtige Weichheit und Dichte. Der Interpret musste in der Lage sein, viele Schattierungen des Timbres der Stimme zu reproduzieren und zahlreiche schnelle Tonfolgen meisterhaft zu vermitteln, die der Hauptmelodie - Koloratur (it. Koloratur - "Dekoration") überlagert wurden. Eine besondere Anforderung war die Gleichmäßigkeit des Stimmklangs - bei langsamen Melodien sollte das Atmen nicht zu hören sein.

Im 18. Jahrhundert wurde die Oper zur Hauptart der Musikkunst in Italien, was durch das hohe professionelle Niveau der Sänger erleichtert wurde, die an Konservatorien (it. conservatorio, err lat. conserve - "Ich bewache") - Bildungseinrichtungen, die ausgebildet wurden - studierten Musiker. Bis zu diesem Zeitpunkt waren vier Konservatorien in den Zentren der italienischen Oper – Venedig und Neapel – entstanden. Der Popularität des Genres dienten auch die Opernhäuser, die in verschiedenen Städten des Landes eröffnet wurden und allen Gesellschaftsschichten zugänglich waren. Italienische Opern wurden in den Theatern der großen europäischen Hauptstädte aufgeführt, und Komponisten aus Österreich, Deutschland und anderen Ländern schrieben Opern nach italienischen Texten.

Bedeutende Errungenschaften der Musik Italiens XVII-XVIII Jahrhundert. und im Bereich der Instrumentalgattungen. Der Komponist und Organist Girolamo Frescobaldi (1583-1643) hat viel zur Entwicklung der Orgelkreativität beigetragen. „In der Kirchenmusik legte er den Grundstein für einen neuen Stil. Seine Kompositionen für Orgel sind detailreiche Kompositionen eines fantasievollen (Frei-)Lagers. Berühmt wurde Frescobaldi durch sein virtuoses Spiel und die Kunst der Improvisation auf Orgel und Clavier. Die Geigenkunst blühte auf Zu dieser Zeit hatten sich in Italien Geigenbautraditionen entwickelt, die erblichen Meister der Familien Amati, Guarneri, Stradivari aus der Stadt Cremona entwickelten das Design der Geige, die Methoden ihrer Herstellung, die tief geheim gehalten und weitergegeben wurden von Generation zu Generation weitergegeben.Die Instrumente dieser Meister haben einen erstaunlich schönen, warmen Klang, ähnlich der menschlichen Stimme.Erfreuen sich großer Beliebtheit als Ensemble- und Soloinstrument.

Begründer der römischen Geigenschule ist Arcangelo Corelli (1653-1713), einer der Begründer der Gattung Concerto grosso (um. concerto grosso - „großes Konzert“). Ein Konzert besteht normalerweise aus einem Soloinstrument (oder einer Gruppe von Instrumenten) und einem Orchester. Das „Grand Concerto“ baute auf dem Wechsel von Solo-Episoden und dem Klang des gesamten Orchesters auf, das im 17. Jahrhundert Kammermusik und meist Streicher war. Corellis Solisten waren hauptsächlich Violine und Cello. Seine Konzerte bestanden aus Teilen unterschiedlichen Charakters; ihre Zahl war willkürlich.

Einer der herausragenden Meister der Violinmusik ist Antonio Vivaldi (1678-1741). Berühmt wurde er als brillanter Geigenvirtuose.

Zeitgenossen wurden von seinem dramatischen Spielstil voller unerwarteter Kontraste angezogen. Der Komponist setzte die Traditionen von Corelli fort und arbeitete im Genre des "großen Konzerts". Die Zahl der von ihm geschriebenen Werke ist enorm – vierhundertfünfundsechzig Konzerte, vierzig Opern, Kantaten und Oratorien.

Bei der Gestaltung von Konzerten strebte Vivaldi nach hellen und ungewöhnlichen Klängen. Er hat gemischte Stimmen verschiedene Instrumente, enthalten oft Dissonanzen (scharfe Konsonanzen) in der Musik; Als Solisten wählte er damals seltene Instrumente - Fagott, Mandoline (es galt als Straßeninstrument). Vivaldis Konzerte bestehen aus drei Teilen, wobei der erste und der letzte in einem schnellen Tempo aufgeführt werden und der mittlere langsam ist. Viele Vivaldi-Konzerte haben ein Programm – einen Titel oder sogar eine literarische Widmung. Der Zyklus „Die Jahreszeiten“ (1725) ist eines der frühesten Programmbeispiele Orchestermusik. Vier Konzerte dieses Zyklus – „Frühling“, „Sommer“, „Herbst“, „Winter“ – malen bunte Naturbilder. Vivaldi gelang es, Vogelgesang ("Frühling", der erste Teil), ein Gewitter ("Sommer", der dritte Teil), Regen ("Winter", der zweite Teil) in Musik zu übertragen. Virtuosität und technische Komplexität lenkten den Zuhörer nicht ab, sondern trugen zur Schaffung eines einprägsamen Bildes bei. Vivaldis Konzerttätigkeit ist zu einer lebendigen Verkörperung des barocken Stils in der Instrumentalmusik geworden.

Operaseria und Operabuffa

Im 18. Jahrhundert. Operngattungen wie Opera seria (it. Opera seria - "ernste Oper") und Operabuffa (it. Opera buffa - "komische Oper") wurden gebildet. Operaseria etablierte sich im Werk von Alessandro Scarlatti (1660-1725) - dem Gründer und der größte Vertreter Neapolitanische Opernschule. Während seines Lebens komponierte er mehr als hundert solcher Werke. Für die Opernreihe wurde meist eine mythologische oder historische Handlung gewählt. Es begann mit einer Ouvertüre und bestand aus abgeschlossenen Nummern – Arien, Rezitative und Chöre. Die Hauptrolle spielten große Arien; normalerweise bestanden sie aus drei Teilen, und der dritte war eine Wiederholung des ersten. In den Arien drückten die Figuren ihre Haltung zu den Ereignissen aus.

Es gab verschiedene Arten von Arien: heroisch, pathetisch (leidenschaftlich), traurig usw. Für jede wurde eine bestimmte Reihe von Ausdrucksmitteln verwendet: in heroischen Arien - entschiedene, beschwörende Intonationen, schwungvoller Rhythmus; in klagenden - kurze, intermittierende musikalische Phrasen, die die Aufregung des Helden usw. zeigen. Rezitative, kleine Fragmente in der Größe, dienten dazu, die dramatische Erzählung zu entfalten, als ob sie sie vorantreiben würden. Die Helden besprachen Pläne für weitere Aktionen, erzählten sich gegenseitig von den Ereignissen, die passiert waren. Rezitative wurden in zwei Arten unterteilt: secco (von italienisch secco – „trocken“) – ein schneller Zungenbrecher zu den mittleren Akkorden des Cembalo, und Accompaniato (it. Assotraniato – „mit Begleitung“) – eine ausdrucksstarke Rezitation zum Klang von ein Orchester. Secco wurde häufiger verwendet, um die Handlung zu entwickeln, Accompaniato - um die Gedanken und Gefühle des Helden zu vermitteln. Chöre und Vokalensembles kommentierten das Geschehen, beteiligten sich aber nicht an den Veranstaltungen.

Die Anzahl der aktiven Lias hing von der Art des Grundstücks ab und war streng festgelegt; gleiches gilt für die Beziehungen der Charaktere. Die Arten von Solo-Gesangsnummern und ihr Platz im Bühnengeschehen wurden festgelegt. Jede Figur hatte ihre eigene Klangfarbe: lyrische Helden – Sopran und Tenor, edler Vater oder Bösewicht – Bariton oder Bass, tödliche Heldin – Alt.

Mitte des 18. Jahrhunderts. die Mängel der Opernreihe wurden offensichtlich. Die Aufführung wurde oft zeitlich auf Hoffeiern abgestimmt, sodass die Arbeit glücklich enden musste, was manchmal unglaubwürdig und unnatürlich aussah. Oft waren die Texte in einer künstlichen, exquisit manierierten Sprache verfasst. Komponisten vernachlässigten manchmal den Inhalt und schrieben Musik, die nicht zum Charakter der Siena oder zur Situation passte; es gab viele Briefmarken, unnötige externe Effekte. Die Sänger demonstrierten ihre eigene Virtuosität, ohne über die Rolle der Arie im Gesamtwerk nachzudenken. Operuseria wurde "Konzert in Kostümen" genannt. Das Publikum zeigte kein ernsthaftes Interesse an der Oper selbst, sondern ging zu den Aufführungen für die "Kronen" -Arie des berühmten Sängers; Während der Aktion betraten und verließen Zuschauer die Halle.

Operabuffa wurde auch von den neapolitanischen Meistern geformt. Das erste klassische Beispiel einer solchen Oper ist The Maid's Servant (1733) des Komponisten Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736). Wenn in der Opera seria im Vordergrund - Arien, dann in der Opera buffa - umgangssprachliche Dialoge, abwechselnd mit Vokalensembles. In operebuffa, ganz andere Hauptsache Figuren. Dies sind in der Regel gewöhnliche Menschen - Diener, Bauern. Die Handlung basierte auf einer unterhaltsamen Intrige mit Verkleiden, Täuschen eines dummen reichen Besitzers durch Diener usw. Von der Musik war elegante Leichtigkeit gefordert, von der Handlung - Schnelligkeit.

Operubuffa wurde stark von dem italienischen Dramatiker und Schöpfer der Nationalkomödie Carlo Goldoni beeinflusst. Die witzigsten, lebhaftesten und lebhaftesten Werke dieses Genres wurden von neapolitanischen Komponisten geschaffen: Niccolo Piccinni (1728-1800) - "Chekkina oder die gute Tochter" (1760); Giovanni Paisiello (1740-1816) - "Der Barbier von Sevilla" (1782), "Der Müller" (1788); Sänger, Geiger, Cembalist und Komponist Domenico Cimarosa (1749-1801) - "Heimliche Hochzeit" (1792).

Streichinstrumente

Die Vorläufer der modernen Streichinstrumente – Violine, Viola, Cello und Kontrabass – sind Bratschen. Sie erschienen Ende des 15. - Anfang des 16. Jahrhunderts. und bald spielten sie dank ihres weichen und sanften Klangs eine führende Rolle in Orchestern.

Allmählich wurden die Bratschen durch neue, fortschrittlichere Streichinstrumente ersetzt. Im 16.-17. Jahrhundert arbeiteten ganze Handwerksschulen an ihrer Schaffung. Die berühmtesten von ihnen sind die Dynastien der Geigenbauer, die im Norden Italiens entstanden sind - in den Städten Cremona und Brescia.

Der Gründer der Cremoneser Schule ist Andrea Amati (um 1520 - um 1580). Nicolo Amati (1596-1684), sein Enkel, war besonders berühmt für seine Kunst. Er machte das Gerät der Geige fast perfekt, verstärkte den Klang des Instruments; Gleichzeitig blieben die Weichheit und Wärme des Timbres erhalten. Die Familie Guarneri war im 17. und 18. Jahrhundert in Cremona tätig. Gründer der Dynastie ist Andrea Guarneri (1626-1698), ein Schüler von Nicolò Amati. Der herausragende Meister Azuseppe Guarneri (1698-1744) entwickelte ein neues Geigenmodell, das sich vom Amati-Instrument unterscheidet.

Die Traditionen der Amati-Schule wurden von Antonio Stradivari (1644-1737) fortgeführt. Er studierte bei Nicolò Amati und eröffnete 1667 sein eigenes Geschäft. Stradivari gelang es mehr als anderen Meistern, den Klang der Geige näher an die Klangfarbe der menschlichen Stimme zu bringen.

Die Familie Magini arbeitete in Breche; Die besten Geigen wurden von Giovanni Magini (1580-1630 oder 1632) hergestellt.

Das Streichinstrument mit der höchsten Tonlage ist die Violine. Es folgen Bratsche, Cello, Kontrabass in absteigender Reihenfolge des Tonumfangs. Die Form des Körpers (oder Resonanzkastens) der Geige ähnelt den Umrissen des menschlichen Körpers. Der Korpus hat ein oberes und ein unteres Deck (deutsche Decke - "Deckel"), wobei das erste aus Fichte und das zweite aus Ahorn besteht. Decks dienen dazu, Schall zu reflektieren und zu verstärken. Auf der Oberseite befinden sich Resonanzlöcher (in Form des lateinischen Buchstabens f; nicht umsonst heißen sie „efs“). Ein Hals ist am Körper befestigt; normalerweise ist es aus Ebenholz. Es ist eine lange schmale Platte, über die vier Saiten gespannt sind. Wirbel werden verwendet, um die Saiten zu spannen und zu stimmen; Sie sind auch auf dem Griffbrett.

Bratsche, Cello und Kontrabass sind ähnlich aufgebaut wie die Geige, aber größer als sie. Die Bratsche ist nicht sehr groß, sie wird an der Schulter gehalten. Das Cello ist größer als die Bratsche, und beim Spielen sitzt der Musiker auf einem Stuhl und stellt das Instrument zwischen die Beine auf den Boden. Der Kontrabass ist größer als das Cello, daher muss der Spieler auf einem hohen Hocker stehen oder sitzen und das Instrument vor sich platzieren. Während des Spiels führt der Musiker die Saiten mit einem Bogen, der ein Holzstock mit gespanntem Rosshaar ist; Die Saite vibriert und erzeugt einen melodiösen Klang. Die Klangqualität hängt von der Geschwindigkeit der Bogenbewegung und der Kraft ab, mit der sie auf die Saite drückt. Mit den Fingern der linken Hand kürzt der Spieler die Saite, indem er sie an verschiedenen Stellen gegen das Griffbrett drückt – so erreicht er unterschiedliche Tonhöhen. Bei Instrumenten dieser Art kann der Ton auch durch Zupfen oder Anschlagen der Saite mit dem Holzteil des Bogens extrahiert werden. Der Klang gestrichener Saiten ist sehr ausdrucksstark, der Interpret kann der Musik feinste Nuancen verleihen.

Blasinstrumente sind die älteste Art von Musikinstrumenten, die aus der Antike ins Mittelalter gelangten. Im Verlauf der Entwicklung und Bildung der mittelalterlichen westlichen Zivilisation wird der Umfang der Blasinstrumente jedoch stark erweitert: Einige, wie zum Beispiel Oliphant, gehören zu den Höfen der Adelsherren, andere - Flöten - werden sowohl im Volk verwendet Umwelt und unter professionellen Musikern, und wieder andere, wie die Trompete, werden zu ausschließlich militärischen Musikinstrumenten.

Der älteste Vertreter Blasinstrumente in Frankreich sollten wahrscheinlich als Fretel (Fretel) oder "Pan's Flute" betrachtet werden. Ein ähnliches Instrument ist auf einer Miniatur aus einem Manuskript aus dem 11. Jahrhundert zu sehen. in der Nationalbibliothek von Paris (Abb. I). Dies ist eine mehrläufige Flöte, die aus einer Reihe von Pfeifen (Rohr, Schilf oder Holz) unterschiedlicher Länge besteht, deren eines Ende offen und das andere geschlossen ist. Fretel wird oft zusammen mit anderen Arten von Flöten in den Romanen des XI-XII Jahrhunderts erwähnt. Allerdings bereits im XIV Jahrhundert. Von der Fretel wird nur als Musikinstrument gesprochen, das an Dorffesten gespielt wird, es wird ein Instrument des einfachen Volkes.

Die Flöte (Fluûte) hingegen erlebt einen „Aufstieg“: vom gewöhnlichen Volksinstrument zum höfischen. Die ältesten Flöten wurden auf dem Territorium Frankreichs in der gallo-römischen Kulturschicht (I-II Jahrhunderte n. Chr.) Gefunden. Die meisten von ihnen sind Knochen. Bis ins 13. Jahrhundert Die Flöte ist normalerweise doppelt, wie in einer Miniatur aus einem Manuskript aus dem 10. Jahrhundert. aus der Nationalbibliothek von Paris (Abb. 3), und die Rohre können entweder gleich oder unterschiedlich lang sein. Die Anzahl der Löcher am Lauf der Flöte kann variiert haben (von vier bis sechs, sieben). Flöten wurden normalerweise von Minnesängern und Jongleuren gespielt, und oft ging ihr Spiel dem Erscheinen einer feierlichen Prozession oder einer hochrangigen Person voraus.

Die Minnesänger spielten auch eine Doppelflöte mit unterschiedlich langen Trompeten. Eine solche Flöte ist auf einer Vignette aus einer Handschrift aus dem 13. Jahrhundert abgebildet. (Abb. 2). Auf dem Miniaturbild sehen Sie ein Orchester aus drei Minnesängern: Einer spielt die Gambe; die zweite auf einer ähnlichen Flöte ähnlich der modernen Klarinette; der dritte schlägt ein quadratisches Tamburin aus Leder, das über einen Rahmen gespannt ist. Die vierte Figur schenkt den Musikern Wein ein, um sie zu erfrischen. Ähnliche Orchester für Flöte, Trommel und Violine existierten bis Anfang des 19. Jahrhunderts in den Dörfern Frankreichs.

Im XV Jahrhundert. Flöten aus gekochtem Leder tauchten auf. Außerdem könnte die Flöte selbst im Querschnitt sowohl rund als auch achteckig und nicht nur gerade, sondern auch wellig sein. Ein ähnliches Werkzeug ist erhalten geblieben in Privatsammlung Herr Fo (Abb. 4). Seine Länge beträgt 60 cm, an seiner breitesten Stelle beträgt der Durchmesser 35 mm. Der Körper ist aus schwarzem gekochtem Leder, der dekorative Kopf ist bemalt. Eine solche Flöte diente als Prototyp für die Herstellung der Serpanpfeife. Serpanflöten wurden sowohl bei Gottesdiensten in Kirchen als auch bei weltlichen Festen eingesetzt. Querflöten sowie Flageoletts werden erstmals in Texten des 14. Jahrhunderts erwähnt.

Eine andere Art von Blasmusikinstrumenten sind Dudelsäcke. Auch im mittelalterlichen Frankreich gab es mehrere Arten von ihnen. Dies ist eine Chevrette - ein Blasinstrument, das aus einem Beutel aus Ziegenleder, einem Luftschlauch und einer Duda besteht. Ein Musiker, der dieses Instrument spielt (Abb. 6), ist in einem Manuskript aus dem 14. Jahrhundert abgebildet. „Der Rosenroman“ aus der Nationalbibliothek von Paris. Einige Quellen trennen den Chevret und den Dudelsack, während andere den Chevret einfach als "kleinen Dudelsack" bezeichnen. Das Werkzeug, das in seiner Optik sehr an einen Chevret erinnert, stammt aus dem 19. Jahrhundert. trafen sich in den Dörfern der französischen Provinzen Burgund und Limousin.

Eine andere Art von Dudelsack war der Horo oder Horum (Choro). Nach einer Beschreibung in einem Manuskript der Abtei St. Blaise (IX Jahrhundert), dies ist ein Blasinstrument mit einer Pfeife zur Luftzufuhr und einer Pfeife, und beide Pfeifen befinden sich in derselben Ebene (sie sind sozusagen eine Fortsetzung voneinander). Im mittleren Teil des Horos befindet sich ein Luftreservoir aus zugerichtetem Leder mit perfekter Kugelform. Da die Haut des „Sacks“ zu vibrieren begann, wenn der Musiker in das Horo blies, war der Klang etwas rasselnd und scharf (Abb. 6).

Dudelsack (coniemuese), der französische Name für dieses Instrument stammt vom lateinischen corniculans (gehörnt) und findet sich erst in Manuskripten aus dem 14. Jahrhundert. Weder sein Aussehen noch seine Verwendung im mittelalterlichen Frankreich unterschied sich von den uns bekannten traditionellen schottischen Dudelsäcken, wie aus einem Bild aus einer Handschrift aus dem 14. Jahrhundert hervorgeht. (Abb. 9).

Hörner und Hörner (corne). Alle diese Blasinstrumente, einschließlich des großen Oliphantenhorns, unterscheiden sich in Design und Verwendung kaum voneinander. Sie waren aus Holz, gekochtem Leder, Elfenbein, Horn und Metall. Sie wurden normalerweise am Gürtel getragen. Die Palette der klingenden Hörner ist nicht groß, aber die Jäger des XIV. Jahrhunderts. Auf ihnen wurden einfache Melodien gespielt, die aus bestimmten Signalen bestanden. Jagdhörner wurden, wie bereits erwähnt, zunächst um die Hüfte getragen, dann bis ins 16. 8). Das Jagdhorn eines edlen Herrn ist etwas Kostbares; So trug Siegfried im "Lied der Nibelungen" ein goldenes Horn von feiner Verarbeitung bei sich, um zu jagen.

Unabhängig davon sollte über den Alifanten gesprochen werden - ein riesiges Horn mit Metallringen, das speziell hergestellt wurde, damit der Olifant an der rechten Seite seines Besitzers aufgehängt werden kann. Sie stellten Olifanten aus Elefantenstoßzähnen her. Wird bei der Jagd und bei militärischen Operationen verwendet, um die Annäherung des Feindes zu signalisieren. Eine Besonderheit des Oliphanten ist, dass er nur dem souveränen Seigneur gehören konnte, in dessen Unterordnung die Barone stehen. Der Ehrencharakter dieses Musikinstruments wird durch die Skulptur des 12. Jahrhunderts bestätigt. aus der Abteikirche in Vaselles, wo ein Engel mit einem Oliphanten an der Seite dargestellt ist, der die Geburt des Erlösers ankündigt (Abb. 13).

Jagdhörner unterschieden sich von denen, die von Minnesängern verwendet wurden. Letzteres verwendete ein Instrument mit fortschrittlicherem Design. Auf dem Kapitell einer Säule derselben Abteikirche in Vazelle ist ein Minnesänger (Abb. 12) dargestellt, der ein Horn spielt, auf dem Löcher nicht nur entlang der Pfeife, sondern auch auf der Glocke angebracht wurden, was eine Modulation ermöglichte den Klang, indem Sie ihm eine größere oder geringere Lautstärke geben.

Pfeifen wurden durch die eigentliche Pfeife (Trompe) und gebogene Pfeifen mit einer Länge von mehr als einem Meter - Busine - dargestellt. Holunderbeeren wurden aus Holz, gekochtem Leder, aber meistens aus Messing hergestellt, wie in einer Miniatur aus einem Manuskript aus dem 13. Jahrhundert zu sehen ist. (Abb. 9). Ihr Ton war scharf und laut. Und da es weithin zu hören war, wurden die Ältesten in der Armee für den morgendlichen Weckruf eingesetzt, sie gaben Signale, das Lager zu räumen, die Schiffe zu segeln. Sie kündigten auch die Ankunft des Königshauses an. So wurde 1414 der Einzug Karls VI. in Paris mit Ältestenrufen angekündigt. Aufgrund der besonderen Lautstärke des Klangs im Mittelalter glaubte man, dass die Engel durch das Spielen des Holunders den Beginn des Jüngsten Gerichts ankündigen würden.

Die Trompete war ausschließlich ein militärisches Musikinstrument. Sie diente zum Erheben in der Armee Kampfgeist, um Truppen zu sammeln. Das Rohr ist kleiner als Holunder und ist ein Metallrohr (gerade oder mehrfach gebogen) mit einer Muffe am Ende. Der Begriff selbst tauchte Ende des 15. Jahrhunderts auf, aber ein Instrument dieser Art (gerade Pfeifen) wurde seit dem 13. Jahrhundert in der Armee verwendet. Bis zum Ende des XIV Jahrhunderts. Die Form der Pfeife ändert sich (ihr Körper biegt sich), und die Pfeife selbst ist notwendigerweise mit einem Wimpel mit einem Wappen geschmückt (Abb. 7).

Ein besonderer Pfeifentyp – eine Serpan (Schlange) – diente als Vorbild für viele moderne Blasinstrumente. In der Sammlung von Herrn Fo befindet sich eine Sichel (Abb. 10) aus gekochtem Leder mit einer Höhe von 0,8 m und einer Gesamtlänge von 2,5 m. Der Musiker hielt das Instrument mit beiden Händen, während die linke Hand es hielt den gekrümmten Teil (A), und die Finger der rechten Hand gingen über die Löcher, die im oberen Teil der Sichel gemacht wurden. Der Klang der Serpan war kraftvoll, dieses Blasinstrument wurde sowohl in Militärkapellen als auch in Gottesdiensten verwendet.

Die Orgel (Orgel) steht etwas abseits in der Familie der Blasinstrumente. Dieses Tasten-Pedal-Instrument mit einem Satz von mehreren Dutzend Pfeifen (Register), die durch Blasluft per Blasebalg zum Klingen gebracht werden, ist derzeit nur mit großen stationären Orgeln - Kirche und Konzert - verbunden (Abb. 14). Im Mittelalter war jedoch vielleicht ein anderer Typ dieses Instruments, die Handorgel (orgue de main), weiter verbreitet. Es basiert auf der "Pan's Flute", die mit Hilfe von Druckluft zum Klingen gebracht wird, die aus einem Tank mit durch Ventile verschlossenen Öffnungen in die Rohre eintritt. Doch schon in der Antike, in Asien, im antiken Griechenland und in Rom, waren große Orgeln mit hydraulischer Steuerung bekannt. Im Westen tauchten diese Instrumente erst im 8. Jahrhundert auf und schon damals als Geschenk der byzantinischen Kaiser an westliche Monarchen (Konstantin V. Copronymus schickte eine solche Orgel als Geschenk an Pepin den Kleinen und Konstantin Curopolat an Karl den Großen und Ludwig den Gut).

Bilder von Handorgeln erscheinen in Frankreich erst im 10. Jahrhundert. Mit der rechten Hand sortiert der Musiker die Tasten, mit der linken drückt er auf den Blasebalg, der Luft pumpt. Das Instrument selbst befindet sich meist auf der Brust oder dem Bauch des Musikers, bei Handorgeln sind es meist acht Pfeifen und dementsprechend auch acht Tasten. Während des 13. bis 14. Jahrhunderts änderten sich Handorgeln praktisch nicht, aber die Anzahl der Pfeifen konnte variieren. Erst im 15. Jahrhundert tauchten bei Handorgeln eine zweite Pfeifenreihe und eine Doppelklaviatur (vier Register) auf. Rohre waren schon immer Metall. Manuelle Orgel der deutschen Arbeit des 15. Jahrhunderts. erhältlich in der Münchner Pinotek (Abb. 15).

Handorgeln verbreiteten sich unter Wandermusikern, die mitsingen und sich auf dem Instrument begleiten konnten. Sie erklangen auf Stadtplätzen, an Dorffesten, aber niemals in Kirchen.

Orgeln, kleiner als kirchliche, aber mehr als manuelle, wurden einst in Schlössern (z. B. am Hof ​​Karls V.) aufgestellt oder konnten bei feierlichen Zeremonien auf Straßenpodesten aufgestellt werden. So erklangen mehrere ähnliche Orgeln in Paris, als Isabella von Bayern ihren feierlichen Einzug in die Stadt machte.

Vielleicht gibt es keine Zivilisation, die nicht ein der Trommel ähnliches Musikinstrument erfunden hat. Eine getrocknete Haut, die über einen Topf gespannt wird, oder ein ausgehöhlter Baumstamm – das ist schon eine Trommel. Obwohl Trommeln seit dem alten Ägypten bekannt sind, wurden sie im frühen Mittelalter kaum verwendet. Erst ab der Zeit der Kreuzzüge wurde die Erwähnung von Trommeln (Tambour) regelmäßig und ab dem 12. Jahrhundert. Unter diesem Namen gibt es Instrumente in den unterschiedlichsten Formen: lang, doppelt, Tamburine usw. Bis zum Ende des 12. Jahrhunderts. Dieses Instrument, das auf dem Schlachtfeld und im Festsaal erklingt, zieht bereits die Aufmerksamkeit der Musiker auf sich. Gleichzeitig ist es so weit verbreitet, dass im 13. Jahrhundert. Trouveristen, die behaupten, alte Traditionen in ihrer Kunst zu bewahren, beklagen die „Dominanz“ von Trommeln und Tamburinen, die „edlere“ Instrumente ersetzen.

Tamburine und Trommeln begleiten nicht nur Gesang, Aufführungen von Trouveurs, sie werden auch von wandernden Tänzern, Schauspielern, Jongleuren aufgegriffen; Frauen tanzen und begleiten ihre Tänze durch das Spielen der Tamburine. Gleichzeitig wird das Tamburin (Tambur, Bosquei) in einer Hand gehalten und mit der anderen frei rhythmisch angeschlagen. Manchmal begleiteten sich Minnesänger, die Flöte spielten, auf einem Tamburin oder einer Trommel, die sie mit einem Riemen an ihrer linken Schulter befestigten. Der Minnesänger spielte auf der Flöte und begleitete ihren Gesang mit rhythmischen Schlägen auf das Tamburin, das er mit seinem Kopf machte, wie auf der Skulptur des 13. Jahrhunderts zu sehen ist. von der Fassade des Hauses der Musiker in Reims (Abb. 17).

Nach der Skulptur des Hauses der Musikanten sind auch Sarazenen- oder Doppeltrommeln bekannt (Abb. 18). In der Zeit der Kreuzzüge fanden sie Verbreitung in der Armee, da sie problemlos auf beiden Seiten des Sattels angebracht wurden.

Eine andere Art von Percussion-Musikinstrumenten, die im Mittelalter in Frankreich verbreitet war, war die Klangfarbe (Tymbre, Cembel) - zwei Halbkugeln und später - Platten aus Kupfer und anderen Legierungen, die zum Schlagen des Takts und zur rhythmischen Begleitung von Tänzen verwendet wurden. In einer Limoges-Handschrift des 12. Jahrhunderts. aus der Nationalbibliothek von Paris ist die Tänzerin mit diesem Instrument abgebildet (Abb. 14). Bis zum 15. Jahrhundert bezieht sich auf ein Fragment der Skulptur des Altars aus der Abteikirche in O, auf dem die Klangfarbe im Orchester verwendet wird (Abb. 19).

Timbre sollte ein Becken (Cymbalum) enthalten - ein Instrument, das ein Ring mit daran gelöteten Bronzerohren war, an dessen Enden beim Schütteln Glocken läuten, das Bild dieses Instruments ist aus einem Manuskript des 13. Jahrhunderts bekannt. aus der Abtei Saint Blaise (Abb. 20). Das Becken war während in Frankreich verbreitet frühes Mittelalter und wurde sowohl im weltlichen Leben als auch in Kirchen verwendet - ihnen wurde ein Zeichen gegeben, um mit der Anbetung zu beginnen.

Glocken (Cochettes) gehören ebenfalls zu mittelalterlichen Schlaginstrumenten. Sie waren sehr weit verbreitet, Glocken ertönten bei Konzerten, sie wurden an Kleidung genäht, in Wohnungen an der Decke aufgehängt - ganz zu schweigen von der Verwendung von Glocken in der Kirche ... Tänze wurden auch von Glocken begleitet, und es gibt Beispiele dafür - Abbildungen auf Miniaturen aus dem Anfang des 10. Jahrhunderts! In Chartres, Sens, Paris, finden Sie an den Portalen der Kathedralen Flachreliefs, auf denen eine Frau, die auf die hängenden Glocken schlägt, die Musik in der Familie der freien Künste symbolisiert. König David wurde dargestellt, wie er die Glocken spielte. Wie die Miniatur aus der Bibel aus dem 13. Jahrhundert zeigt, spielt er sie mit Hilfe von Schlegeln (Abb. 21). Die Anzahl der Glocken kann variieren - normalerweise von fünf bis zehn oder mehr.

Türkische Glocken - ein militärisches Musikinstrument - wurden ebenfalls im Mittelalter geboren (manche nennen türkische Glocken Becken).

Im XII Jahrhundert. die Mode für Glocken oder an die Kleidung genähte Glocken verbreitete sich. Sie wurden sowohl von Damen als auch von Herren getragen. Darüber hinaus trennten sich letztere lange Zeit bis zum 14. Jahrhundert nicht von dieser Mode. Dann war es üblich, die Kleidung mit dicken Goldketten zu schmücken, und die Männer hängten oft Glocken daran. Diese Mode war ein Zeichen der Zugehörigkeit zum hohen Feudaladel (Abb. 8 und 22) - dem Kleinadel und dem Bürgertum war das Tragen von Glocken verboten. Aber schon im XV Jahrhundert. Glocken bleiben nur auf Narrenkleidern. Orchesterleben davon Schlaginstrument dauert bis heute an; und er hat sich seitdem nicht viel verändert.

Von allen Streichinstrumenten des Mittelalters ist die Bratsche (vièle) das edelste und am schwierigsten zu spielende. Nach der Beschreibung des Dominikanermönchs Hieronymus von Mähren im 13. Jahrhundert. die Gambe hatte fünf Saiten, aber frühere Miniaturen zeigen sowohl drei- als auch viersaitige Instrumente (Abb. 12 und 23, 23a). Dabei werden die Fäden sowohl auf dem „Pferd“ als auch direkt auf dem Deck gezogen. Den Beschreibungen nach zu urteilen, klang die Viola nicht laut, aber sehr melodisch.

Interessant ist die Skulptur an der Fassade des Hauses der Musikanten, die einen lebensgroßen Musiker (Abb. 24) zeigt, der eine dreisaitige Bratsche spielt. Da die Saiten in der gleichen Ebene gespannt sind, könnte der Bogen, der den Ton von einer Saite extrahiert, die anderen berühren. Besondere Aufmerksamkeit verdient die „Modernisierung“ für die Mitte des 13. Jahrhunderts. Bogenform.

Mitte des 14. Jahrhunderts. in Frankreich nähert sich die Form der Bratsche der modernen Gitarre an, was wahrscheinlich das Spielen mit einem Bogen erleichtert hat (Abb. 25).

Im XV Jahrhundert. große Bratschen erscheinen - Viola de Gamba. Sie wurden mit dem Instrument zwischen den Knien gespielt. Ende des 15. Jahrhunderts wird aus der Viola de Gamba eine Siebensaitige. Später wird die Viola de Gamba durch das Cello ersetzt. Alle Arten von Bratschen waren im mittelalterlichen Frankreich sehr weit verbreitet und wurden sowohl zu Festlichkeiten als auch zu intimen Abenden gespielt.

Die Gambe unterschied sich von der Crouth durch die doppelte Befestigung der Saiten auf dem Resonanzboden. Egal wie viele Saiten es auf diesem mittelalterlichen Instrument gibt (auf den ältesten Kreisen sind es drei Saiten), sie hängen immer am „Pferd“. Außerdem hat der Resonanzboden selbst zwei Löcher entlang der Saiten. Diese Löcher sind durchgehend und dienen dazu, die linke Hand durch sie hindurchzuführen, deren Finger abwechselnd die Saiten auf das Deck drücken und dann loslassen. Der Darsteller hielt normalerweise einen Bogen in seiner rechten Hand. Eine der ältesten Darstellungen des Kroot findet sich auf einem Manuskript aus dem 11. Jahrhundert. aus der Abtei St. Martialisch (Abb. 26). Allerdings muss betont werden, dass die Krut überwiegend ein englisches und sächsisches Instrument ist. Die Anzahl der Saiten auf einem Kreis nimmt mit der Zeit zu. Und obwohl sie als Stammvater aller Streichinstrumente gilt, hat die Krut in Frankreich nie Wurzeln geschlagen. Viel häufiger nach dem 11. Jahrhundert. ruber oder gigue findet man hier.

Gigue (gigue, kichern) wurde anscheinend von den Deutschen erfunden, es ähnelt in seiner Form einer Gambe, hat aber kein Abfangen auf dem Deck. Die Jig ist das Lieblingsinstrument eines Minnesängers. Die Spielmöglichkeiten dieses Instruments waren deutlich schlechter als die der Bratsche, erforderten aber auch weniger spieltechnisches Geschick. Den Bildern nach zu urteilen, spielten die Musiker die Schablone (Abb. 27) wie eine Geige und drückten sich die Ära auf die Schulter, was auf der Vignette aus dem Manuskript "Das Buch der Weltwunder" aus dem zu sehen ist Anfang des 15. Jahrhunderts.

Ruber (rubère) - Streichinstrument, das an den arabischen Rebab erinnert. Ähnlich einer Laute hat die Ruber nur eine Saite, die auf einem „Kamm“ gespannt ist (Abb. 29), wie sie in einer Miniatur in einer Handschrift der Abtei St. Blasius (IX Jahrhundert). Laut Jerome Moravsky im XII - XIII Jahrhundert. die rubert ist bereits ein zweisaitiges instrument, sie wird im ensemblespiel eingesetzt und führt immer den „tiefen“ basspart. Zhig bzw. - "obere". So stellt sich heraus, dass die Monocorde (Monocorde) – ein Streichinstrument, das gewissermaßen als Urahn des Kontrabasses diente – auch eine Art Ruber ist, da sie auch im Ensemble als Satzinstrument verwendet wurde Basston. Manchmal war es möglich, das Monochord ohne Bogen zu spielen, wie die Skulptur an der Fassade der Abteikirche in Vaselles zeigt (Abb. 28).

Trotz weit verbreiteter Verwendung und zahlreicher Varietäten wurde die Ruber nicht als ein Instrument angesehen, das der Bratsche gleichgestellt war. Seine Sphäre - eher die Straße, Volksferien. Es ist jedoch nicht ganz klar, was der Klang des Rubers tatsächlich war, da einige Forscher (Jerome Moravsky) von tiefen Oktaven sprechen, während andere (Aymeric de Peyrac) behaupten, dass der Klang des Rubers scharf und „laut“ sei. ähnlich wie „weibliches Kreischen“. Vielleicht sprechen wir jedoch über Instrumente aus verschiedenen Zeiten, zum Beispiel aus dem 14. oder 16. Jahrhundert ...

Vermutlich sind Streitigkeiten darüber, welches Instrument uralt ist, als irrelevant anzuerkennen, da das Saiteninstrument, die Leier, zum Emblem der Musik geworden ist, mit dem wir die Geschichte der Zupfinstrumente beginnen.

Die antike Leier ist ein Saiteninstrument mit drei bis sieben Saiten, die vertikal zwischen zwei Pfosten gespannt sind, die auf einem hölzernen Resonanzboden montiert sind. Die Saiten der Leier wurden entweder gefingert oder mit Hilfe eines Plektrumresonators gespielt. Auf einer Miniatur aus einem Manuskript des X-XI Jahrhunderts. (Abb. 30), aufbewahrt in der Nationalbibliothek von Paris, sieht man eine Leier mit zwölf Saiten, die in Dreiergruppen gesammelt und in unterschiedlichen Höhen gespannt sind (Abb. 30a). Solche Leiern haben normalerweise schön geformte Griffe auf beiden Seiten, für die es möglich war, den Gürtel zu befestigen, was dem Musiker das Spielen offensichtlich erleichterte.

Die Leier wurde im Mittelalter mit der Sitar (Cithare) verwechselt, die auch im antiken Griechenland auftauchte. Ursprünglich ist es ein Sechssaiter Zupfinstrument. Laut Hieronymus von Mähren hatte die Sitar im Mittelalter eine dreieckige Form (genauer gesagt hatte sie die Form des Buchstabens "Delta" des griechischen Alphabets) und die Anzahl der Saiten darauf variierte von zwölf bis vierundzwanzig. Eine Sitar dieses Typs (9. Jahrhundert) ist in einer Handschrift der Abtei St. Vlasia (Abb. 31). Die Form des Instruments könnte jedoch variieren, ein Bild einer unregelmäßig gerundeten Sitar mit Griff zeigt bekanntlich das Wild (Abb. 32). Der Hauptunterschied zwischen der Sitar und dem Psalterion (siehe unten) und anderen Saitenzupfinstrumenten besteht jedoch darin, dass die Saiten einfach am Rahmen gezogen werden und nicht an einer Art „klingendem Behälter“.

Auch die mittelalterliche Gitarre (guiterne) führt ihren Ursprung von der Sitar. Die Form dieser Instrumente ist ebenfalls unterschiedlich, ähnelt aber normalerweise entweder einer Mandoline oder einer Gitarre (Zither). Erwähnungen solcher Instrumente finden sich ab dem 13. Jahrhundert und sie werden sowohl von Frauen als auch von Männern gespielt. Die Gitern begleitete den Gesang des Darstellers, aber sie spielten ihn entweder mit Hilfe eines Resonator-Plektrums oder ohne ihn.In dem Manuskript „The Romance of Troy“ von Benoit de Saint-Maur (XIII Jahrhundert) singt der Minnesänger spielend der Giter ohne Plektrum (Abb. 34) . In einem anderen Fall, im Roman "Tristan und Isolde" (Mitte 13. Jh.), findet sich eine Miniatur, die einen Minnesänger darstellt, der den Tanz seines Kameraden durch das Spielen der Hyterne begleitet (Abb. 33). Die Saiten der Hyterne sind gerade gespannt (ohne Fohlen), aber am Körper befindet sich ein Loch (Rosette). Als Mittler diente ein Knochenstock, der mit Daumen und Zeigefinger gehalten wurde, was bei der Skulptur eines Musikers aus der Abteikirche in O deutlich zu sehen ist (Abb. 35).

Den verfügbaren Bildern nach zu urteilen, könnte Gitern ein Ensembleinstrument sein. Aus der Sammlung des Museums von Cluny (14. Jh.) ist der Deckel eines Kästchens bekannt, in dem der Bildhauer eine bezaubernde Genreszene in Elfenbein gemeißelt hat: zwei junge Männer spielen im Garten und erfreuen das Ohr; der eine hat eine Laute in der Hand, der andere eine Hyterne (Abb. 36).

Manchmal wurde die Gitarre, wie zuvor die Sitar, im mittelalterlichen Frankreich als Kompanie (Rote) bezeichnet, sie hatte siebzehn Saiten. Die Kompanie wurde in Gefangenschaft von Richard Löwenherz gespielt.

Im XIV Jahrhundert. Es wird ein anderes Instrument erwähnt, das dem Githeron ähnlich ist - die Laute (Luth). Bis zum 15. Jahrhundert seine Form nimmt bereits endgültig Gestalt an: ein stark gewölbter, fast halbkreisförmiger Korpus, mit einem runden Loch im Resonanzboden. Der "Hals" ist nicht lang, der "Kopf" steht im rechten Winkel dazu (Abb. 36). Zu derselben Instrumentengruppe gehört die Mandoline, die Mandora, die im 15. Jahrhundert entstand. die vielfältigste Form.

Die Harfe (Harpe) kann sich auch der Antike ihres Ursprungs rühmen - ihre Bilder sind bereits darin zu finden Antikes Ägypten. Bei den Griechen ist die Harfe nur eine Variation der Sitar, bei den Kelten heißt sie Sambuk. Die Form der Harfe ist unverändert: Sie ist ein Instrument, bei dem unterschiedlich lange Saiten in Form eines mehr oder weniger offenen Winkels über einen Rahmen gespannt sind. Alte Harfen sind dreizehnsaitig und in der diatonischen Tonleiter gestimmt. Sie spielten die Harfe entweder im Stehen oder im Sitzen, mit beiden Händen und verstärkten das Instrument so, dass sein vertikaler Ständer auf der Brust des Spielers war. Im 12. Jahrhundert erschienen auch kleine Harfen mit einer unterschiedlichen Anzahl von Saiten. Ein charakteristischer Harfentyp ist auf einer Skulptur an der Fassade des Hauses der Musiker in Reims dargestellt (Abb. 37). Jongleure verwendeten bei ihren Aufführungen nur sie, und ganze Ensembles von Harfenisten konnten geschaffen werden. Die Iren und Bretonen galten als die besten Harfenisten. Im 16. Jahrhundert. Die Harfe verschwand in Frankreich praktisch und tauchte hier erst Jahrhunderte später in ihrer modernen Form auf.

Besonders hervorzuheben sind die beiden mittelalterlichen Zupfinstrumente. Dies sind der Psalter und der Siphon.

Der alte Psalterion ist ein dreieckiges Saiteninstrument, das unserer Harfe entfernt ähnelt. Im Mittelalter änderte sich die Form des Instruments – auch quadratische Psalterien sind in den Miniaturen vertreten. Der Spieler hielt es auf seinem Schoß und spielte einundzwanzig Saiten mit seinen Fingern oder einem Plektrum (der Tonumfang des Instruments betrug drei Oktaven). Der Erfinder des Psalters ist König David, der der Legende nach einen Vogelschnabel als Plektrum benutzte. Eine Miniatur aus dem Manuskript von Gerhard von Landsberg in der Straßburger Bibliothek zeigt den biblischen König, der mit seinem Nachwuchs spielt (Abb. 38).

In der mittelalterlichen französischen Literatur werden Psalterien erstmals erwähnt Anfang XII c., die Form der Instrumente konnte sehr unterschiedlich sein (Abb. 39 und 40), sie wurden nicht nur von Minnesängern gespielt, sondern auch von Frauen - edlen Damen und ihrem Gefolge. Bis zum XIV. Jahrhundert. das Psalterium verlässt allmählich die Bühne und macht Platz für das Cembalo, aber das Cembalo konnte nicht den chromatischen Klang erreichen, der für zweisaitige Psalterionen charakteristisch war.

In gewisser Weise ähnelt ein anderes mittelalterliches Instrument, das bereits im 15. Jahrhundert praktisch verschwunden ist, dem Gips. Dies ist eine Siphonie (Chifonie) - eine westliche Version der russischen Radharfe. Neben einem Rad mit Holzbürste, das beim Drehen des Griffs drei gerade Saiten berührt, ist der Siphon jedoch auch mit Tasten ausgestattet, die auch seinen Klang regulieren.Es gibt sieben Tasten am Siphon, und die sind lokalisiert am Ende gegenüber dem, auf dem sich das Rad dreht. Normalerweise spielten zwei Personen den Siphon, der Klang des Instruments war Quellen zufolge harmonisch und ruhig. Das Zeichnen nach einer Skulptur auf dem Kapitell einer der Säulen in Boshville (12. Jahrhundert) demonstriert eine ähnliche Spielweise (Abb. 41). Der am weitesten verbreitete Siphon war im XI-XII Jahrhundert. Im XV Jahrhundert. Beliebt war die kleine Siphonia, gespielt von einem Musiker. In dem Manuskript „The Romance of Gerard de Nevers and the beautiful Ariane“ aus der Nationalbibliothek von Paris gibt es eine Miniatur, die den als Minnesänger verkleideten Protagonisten mit einem ähnlichen Instrument an der Seite darstellt (Abb. 42).

KAPITEL 2. Die Gitarre erobert Europa

Im 17. Jahrhundert eroberte die Gitarre Europa weiter.
Eine der damaligen Gitarren gehört dem Museum des Royal College of Music in London. 1581 in Lissabon von einem gewissen Melchior Dias gegründet.
Die Struktur dieser Gitarre weist Merkmale auf, die von Meistern der Musikinstrumente seit mehr als zwei Jahrhunderten in ihrer Arbeit wiederholt werden.

Italienische Battente-Gitarre aus dem 17. Jahrhundert aus der Sammlung des Schlosses Sforza, Mailand.

Alle Gitarren dieser Zeit waren reich verziert. Für die Herstellung eines solch exquisiten Artikels verwenden Handwerker wertvolle Materialien: seltene Hölzer (insbesondere Schwarz - Ebenholz), Elfenbein, Schildpatt. Das Unterdeck und die Seiten sind mit Intarsien verziert. Das Oberdeck hingegen bleibt schlicht und besteht aus Nadelholz (meistens Fichte). Um Vibrationen nicht zu unterdrücken, sind nur das Resonanzloch und die Kanten des Gehäuses entlang seines gesamten Umfangs mit Holzmosaiken besetzt.
Das Hauptdekorelement ist eine Rosette aus geprägtem Leder. Diese Rosette konkurriert nicht nur mit der Schönheit des gesamten Gehäuses, sondern mildert auch die erzeugten Klänge. Offensichtlich ging es den Besitzern dieser luxuriösen Instrumente weniger um Stärke und Kraft als um die Raffinesse des Klangs.
Eines der ersten uns überlieferten Gitarren des 17. Jahrhunderts befindet sich in der Sammlung des Musikinstrumentenmuseums des Pariser Konservatoriums. Sie trägt den Namen des Handwerkers, des Venezianers Cristofo Coco, und die Jahreszahl 1602. Der flache Korpus besteht vollständig aus Elfenbeinplatten, die mit schmalen Streifen aus braunem Holz befestigt sind.

Augustine Quesnel Gitarrist 1610

Im 17. Jahrhundert verbreitete sich der aus Spanien, wo er beliebt war, eingeführte Razgueado-Stil in einem großen Teil Europas. Die Gitarre verliert sofort die Bedeutung, die sie früher für ernsthafte Musiker hatte. Von nun an wird es nur noch zur Begleitung verwendet, um „zu singen, zu spielen, zu tanzen, zu springen ... mit den Füßen zu stampfen“, wie Louis de Briseno im Vorwort zu seiner „Method“ (Paris, 1626) schreibt.
Auch der Theoretiker aus Bordeaux, Pierre Trichet, stellt mit Bedauern fest (um 1640): „Die Gitarre oder Hyterna ist ein weit verbreitetes Instrument bei den Franzosen und Italienern, besonders aber bei den Spaniern, die es so hemmungslos einsetzen wie kein anderes Nation." Sie dient als musikalische Begleitung von Tänzen, die tanzen, „am ganzen Körper zucken, lächerlich und lächerlich gestikulieren, sodass das Spielen des Instruments unklar und wirr wird“. Und empört über das, was er beobachten muss, fährt Pierre Trichet fort: „In Frankreich versuchen Damen und Kurtisanen, die mit der spanischen Mode vertraut sind, sie nachzuahmen. Darin ähneln sie denen, die, anstatt in der eigenen Wohnung gut zu essen, zu einem Nachbarn gehen, um Speck, Zwiebeln und Schwarzbrot zu essen.

David Teniers Junior-Gitarrist

Mattia Pretti Konzert 1630er Jahre

Trotzdem bleibt die Gitarre in Frankreich beliebt. Die Gitarre wird gerne in Balletten verwendet. In The Fairy of Saint-Germain's Forest (1625) und The Rich Widow (1626) spielen Musiker in spanischen Kostümen Gitarre, um die Glaubwürdigkeit zu erhöhen. Im ersten Ballett passen die Chaconne-Darsteller "die Klänge ihrer Gitarren an die flinken Bewegungen ihrer Füße an". Im zweiten, von Seiner Majestät im Großen Saal des Louvre inszeniert, entfaltet sich das Entre der Grenadiere ebenfalls mit Gitarrenbegleitung. Laut Mercure de France begleitete Ludwig XIII. selbst bei dieser Aufführung die beiden Sarabandentänzer auf der Gitarre.

Gerrit van Honthorst spielt die Gitarre 1624

Jan Vermeer Gitarrist 1672

Mitte des 17. Jahrhunderts beginnt eine neue Blütezeit der Gitarre. Und diesmal kommt das Update aus Frankreich. Um dem jungen französischen König das Gitarrenspiel beizubringen, wird der berühmte Lehrer und Musiker Francesco Corbetta (1656) vor Gericht gerufen. Man wagt es nicht zu behaupten (im Gegensatz zu einigen Höflingen), dass Ludwig XIV. in achtzehn Monaten seinen Lehrer übertroffen hat, aber man kann nicht an der wahren Leidenschaft des Königs für das Instrument zweifeln. Während seiner Regentschaft wird die Gitarre wieder zum Liebling des Adels und der Komponisten. Und wieder erobert die Mode für die Gitarre ganz Europa.

Stich vom Umschlag einer alten Ausgabe von Pieces for Guitar. 1676

Francisco Goya Tanz am Ufer des Flusses 1777

Francisco Goya Der blinde Gitarrist 1788

Ramon Baie Ein junger Mann mit einer Gitarre. 1789 Prado-Museum. Madrid

Am Ende der Regierungszeit Ludwigs XIV. (gest. 1715) kommt es zu einem Wendepunkt in der Geschichte der Gitarre – der königliche Hof wird ihr gleichgültig.
Es ist jedoch immer noch beliebt bei den Menschen. Mademoiselle de Charolais wird auf dem von ihr in Auftrag gegebenen Porträt mit einer Gitarre in den Händen dargestellt, die leicht an den Saiten zupft. Watteau und Lancret führen die Gitarre in die Darstellung von Liebesszenen ein. Und gleichzeitig ein Werkzeug für lächerliche Schauspieler und umherziehende Comedians!
Die Arbeit von Watteau und Lancret und die Gitarre sind eine eigene Seite der französischen Malerei, daher habe ich beschlossen, diesen Künstlern in diesem Material separate Galerien zu widmen.

Jean-Antoine Watteau
Jean-Antoine Watteau

Rosalba Carriere Porträt von Jean-Antoine Watteau 1721

Französischer Maler und Zeichner, Begründer und größter Meister des Rokoko. 1698-1701 studierte Watteau bei dem lokalen Künstler Gerin, auf dessen Drängen er die Werke von Rubens, Van Dyck und anderen flämischen Malern kopierte. 1702 ging Watteau nach Paris und fand bald einen Lehrer und Förderer in der Person von Claude Gillot, einem Theaterkünstler und Dekorateur, der Szenen aus dem Leben des modernen Theaters malte. Watteau übertraf seinen Lehrer schnell an Können und ca. 1708 trat er in das Atelier des Dekorateurs Claude Audran ein. 1709 versuchte Watteau erfolglos, den Grand Prix der Akademie der Künste zu gewinnen, aber seine Arbeit erregte die Aufmerksamkeit mehrerer einflussreicher Personen, darunter der Philanthrop und Kenner der Malerei Jean de Julienne, der Kunsthändler Edmond Francois Gersin, der Bankier und Sammler Pierre Crozat, in dessen Haus der Künstler einige Zeit lebte usw. 1712 wurde Watteau der Titel eines Akademikers verliehen und 1717 wurde er Mitglied der Royal Academy of Painting and Sculpture. Watteau starb am 18. Juli 1721 in Nogent-sur-Marne.

Jean-Antoine Watteau italienische Komödie 1714

Jean Antoine Watteau Blick durch die Bäume im Park von Pierre Crozat 1714-16

Jean-Antoine Watteau Gilles mit seiner Familie 1716

Die Geschichte von Jean Antoine Watteau Pierrot

Jean Antoine Watteau Liebeslied 1717

Jean-Antoine Watteau Mezzetin 1717-19

Nicola Lancre
Nicolas Lancret

Nicolas Lancre Selbstporträt 1720

Französischer Künstler, geboren in Paris. Er studierte zunächst bei Pierre Dulin und arbeitete dann ab etwa 1712 mehrere Jahre unter der Leitung von Claude Gillot, durch den er Jean Antoine Watteau kennenlernte, der großen Einfluss auf sein Werk hatte. Lancre wandte sich den gleichen Themen zu wie Watteau: Er schrieb die Charaktere der italienischen Commedia dell'arte und Szenen "galanter Festlichkeiten". Außerdem illustrierte er die Fabeln von La Fontaine und schuf Genrebilder. Lancret starb 1743 in Paris.

Nicola Lancret Konzert im Park 1720

Nicola Lancre Urlaub im Garten

Nicola Lancre Konzert im Park

Nicola Lancre galantes Gespräch

Der neue Aufstieg der Gitarre ist laut Michel Brenet mit dem Auftauchen zweier talentierter Sänger verbunden, die in Salons auftreten. Sie führen Duette auf und begleiten sich dabei. Dies sind die berühmten Pierre Geliot und Pierre de la Garde.
Michel Bartolomeo Oliviers berühmtes Gemälde Tea in English and a Concert at the House of the Princess de Conti vermittelt die Atmosphäre dieser weltlichen Versammlungen.

Es gibt eine große Anzahl von Gemälden, die Musikinstrumente darstellen. Künstler wandten sich ähnlichen Themen in verschiedenen historischen Epochen zu: von der Antike bis zur Gegenwart.

Brueghel der Ältere, Jan
HÖREN (Fragment). 1618

Die häufige Verwendung von Abbildungen von Musikinstrumenten in Kunstwerken ist auf die enge Beziehung zwischen Musik und Malerei zurückzuführen.
Musikinstrumente in den Gemälden von Künstlern Nicht nur geben aber auch einen Einblick in das kulturelle Leben der Epoche und die Entwicklung der damaligen Musikinstrumente haben eine gewisse symbolische Bedeutung.

Melozzo

ja forli
Engel
1484

Seit langem glaubt man, dass Liebe und Musik untrennbar miteinander verbunden sind. Und Musikinstrumente werden seit Jahrhunderten mit Liebesgefühlen in Verbindung gebracht.

Die mittelalterliche Astrologie betrachtete alle Musiker als „Kinder der Venus“, der Göttin der Liebe. In vielen lyrischen Szenen von Künstlern verschiedener Epochen spielen Musikinstrumente eine wichtige Rolle.

Jan Mens Molenaer
Die Dame hinter dem Rücken
17. Jahrhundert
Musik wird seit langem mit Liebe in Verbindung gebracht, wie das niederländische Sprichwort aus dem 17. Jahrhundert belegt: „Lerne, Laute und Spinett zu spielen, denn die Saiten haben die Kraft, Herzen zu stehlen.“

Andrea Solario
Frau mit Laute

In einigen von Vermeers Gemälden ist Musik Hauptthema. Das Erscheinen dieser Gemälde von Musikinstrumenten in den Handlungen wird als subtile Anspielung auf die raffinierten und romantischen Beziehungen der Charaktere interpretiert.

"Musikunterricht" (, Königliche Versammlung, St. James's Palace).

Das Virginal, eine Art Cembalo, war als Musikinstrument für die Hausmusik sehr beliebt. Anhand der Genauigkeit des Bildes konnten Experten feststellen, dass es in der weltberühmten Ruckers-Werkstatt in Antwerpen hergestellt wurde. Die lateinische Inschrift auf dem Deckel des Virginals lautet: „Musik ist ein Begleiter der Freude und ein Heiler im Leid.“

In den Gemälden des französischen Malers Jean Antoine Watteau, dem Begründer des Rokoko, wurden Musiker oft zu Figuren.

Das Hauptgenre von Watteaus Werk sind "galante Festlichkeiten": eine aristokratische Gesellschaft,
mitten in der Natur, beschäftigt mit Gesprächen, Tanzen, Musizieren und Flirten

Ein ähnlicher Bildkreis war in den kreativen Kreisen Frankreichs äußerst beliebt. Dies wird durch die Tatsache belegt, dass einige von Watteaus Gemälden dieselben Titel tragen wie Stücke für Cembalo des Komponisten François Couperin, eines französischen Komponisten und Zeitgenossen des Künstlers. Feinfühlige Kenner schätzten nicht nur die Bildhaftigkeit Watteaus, sondern auch seine Musikalität. „Watto gehört zum Wirkungskreis von F. Couperin und C. F. E. Bach“, sagte der große Kunstphilosoph Oswald Spengler (Anhang II).

Musikinstrumente können auch mit mythologischen Charakteren in Verbindung gebracht werden.

Viele Musikinstrumente symbolisieren die Musen und sind ihre unverzichtbaren Attribute. Für Clio sind die Musen der Geschichte also die Trompete; für Euterpe (Musik, Lyrik) - eine Flöte oder ein anderes Musikinstrument; für Thalia (Komödie, pastorale Poesie) - eine kleine Bratsche; für Melpomene (Tragödie) - ein Signalhorn; für Terpsichore (Tanz und Gesang) - Bratsche, Leier oder anderes Saiteninstrument;

für Erato (Lyrik) - Tamburin, Leier, seltener ein Dreieck oder eine Bratsche; für Calliope (Epos) - Trompete; für Polyhymnia (Heldenhymnen) - seltener eine tragbare Orgel - eine Laute oder ein anderes Instrument.

Alle Musen, außer Urania, haben Musikinstrumente unter ihren Symbolen oder Attributen. Warum? Dies erklärt sich dadurch, dass in antike Ära Gedichte verschiedener Genres wurden mit Singsangstimme gesungen und enthielten bis zu einem gewissen Grad ein musikalisches Element. Daher hatten die Musen, die verschiedene poetische Genres bevormundeten, jeweils ihr eigenes Instrument.

Dirk Hals
Musiker
16. Jahrhundert

Die symbolische Bedeutung der Instrumente ist genau mit diesen Charakteren verbunden. So war die Harfe in der europäischen Kultur des Mittelalters und der Renaissance stark mit dem legendären Autor der Psalmen, dem biblischen König David, verbunden. Der große König, Politiker, Krieger war auch der größte Dichter und Musiker; durch die Symbolik der zehn Saiten von Davids Harfe erklärte der heilige Augustinus die Bedeutung der zehn biblischen Gebote. In den Gemälden wurde David oft als Hirte dargestellt, der dieses Instrument spielte.

Jan de Bray. David spielt Harfe. 1670

So eine Deutung biblische Geschichte brachte König David Orpheus näher, der Tiere besänftigte, indem er die Leier spielte.

(C) Die goldene Harfe war ein Attribut des keltischen Gottes Dagda. Die Kelten sagten, dass die Harfe in der Lage sei, drei heilige Melodien zu erzeugen. Die erste Melodie ist eine Melodie der Traurigkeit und Zärtlichkeit. Der zweite ist schlaffördernd: Wenn Sie es hören, wird die Seele von einem Zustand des Friedens erfüllt und schläft ein. Die dritte Melodie der Harfe ist die Melodie der Freude und der Rückkehr des Frühlings

In den heiligen Hainen wandten sich die Druiden, die Priester der Kelten, zu den Klängen der Harfe den Göttern zu, sangen ihre glorreichen Taten und führten Rituale durch. Während der Schlachten erklommen Barden mit kleinen Harfen, die mit grünen Kränzen gekrönt waren, die Hügel und sangen Kampflieder, die den Kriegern Mut einflößten.

Unter allen Ländern der Welt zeigt nur das Wappen Irlands ein Musikinstrument. Das ist eine goldene Harfe, deren Saiten aus Silber sind. Lange Zeit Die Harfe war das heraldische Symbol Irlands. Seit 1945 ist es auch das Wappen

W. Bosch - "Garten der irdischen Freuden" -
Auf den Saiten dieses Instruments ist ein Bild eines gekreuzigten Mannes zu sehen. Hier spiegeln sich wahrscheinlich Vorstellungen über die Symbolik der Saitenspannung wider, die gleichzeitig Liebe und Spannung, Leiden und Schocks ausdrücken, die ein Mensch während seines irdischen Lebens erlebt hat.

Mit der Verbreitung des Christentums und seiner heiligen Bücher wird die Darstellung von Engeln mit Musikinstrumenten durch Künstler häufig. Engel, die Musikinstrumente spielen, erscheinen in englischen Manuskripten aus dem 12. Jahrhundert. In Zukunft wird die Anzahl solcher Bilder ständig zunehmen.

Viele Musikinstrumente in den Händen von Engeln geben eine Vorstellung von ihrer Form und ihrem Design, den Merkmalen ihrer Kombinationen und ermöglichen es Ihnen, etwas über die damals existierenden Musikensembles zu erfahren.

In der Renaissance kommt die die schönste Stunde» für Engel. Meister der Malerei lassen sich zunehmend von diesen perfekten und harmonischen Kreationen inspirieren.

Szenen, die Gott verherrlichen, verwandeln sich in echte Engelskonzerte in den Werken von Renaissance-Künstlern, durch die Sie die Musikkultur dieser Zeit studieren können. Orgel, Laute, Violine, Flöte, Harfe, Becken, Posaune,Viola da Gamba ... Dies ist keine vollständige Liste von Instrumenten, die von Engeln gespielt werden.

Piero della Francesca.
Weihnachten. London. Nationalgallerie. 1475

Bilder von Musikinstrumenten können in mehrere Gruppen eingeteilt werden:

1) Musikinstrumente werden in lyrischen Handlungen verwendet;

2) Das Bild von Musikinstrumenten hat eine Verbindung mit der Mythologie, zum Beispiel der Antike, wo sie die Musen symbolisieren und ihre unverzichtbaren Attribute sind:

3) in Handlungen, die sich auf das Christentum beziehen, verkörpern Musikinstrumente meistens die erhabensten Ideen und Bilder und begleiten die Höhepunkte der biblischen Geschichte;

4) Bilder von Instrumenten geben auch eine Vorstellung von Instrumentalensembles und Musiktechniken,

vorhanden in historische Periode ein Bild erstellen;

5) oft trägt das Bild bestimmter Instrumente philosophische Ideen, wie zum Beispiel in Stillleben zum Thema Vanitas;

6) Die Symbolik der Werkzeuge kann je nach Intention des Künstlers und allgemeinem Bildinhalt (Kontext) variieren, wie zB bei Boschs Gemälde Der Garten der Lüste.
faszinierend und ich und manchmal die mysteriöse Seite der Kunst.
Immerhin viele Vintage-Instrumente, musikalische Ensembles, Spieltechniken sind jetzt nur noch auf den Bildern zu sehen.

Hendrik van Balen
Apollo und die Musen

Judith Leyster
Junger Flötist
1635

Dame mit einer Harfe
1818

John Meliush Stradwick Vesper
1897

Jean van Biglert
Konzert

E. Entgasen
Fagott (Detail)

Die Flöte ist eines der ältesten Musikinstrumente. Sie sind quer und längs. Die länglichen werden gerade gehalten und blasen Luft in das Loch am oberen Ende der Flöte. Die quer verlaufenden werden in horizontaler Richtung gehalten und blasen Luft in das seitliche Loch der Flöte.

Die allererste Erwähnung der Längsflöte findet sich in der griechischen Mythologie und der Geschichte Ägyptens (3. Jahrtausend v. Chr.).

In China geht die erste Erwähnung einer Traversflöte mit fünf oder sechs Grifflöchern auf das erste Jahrtausend v. Chr. zurück, ebenso wie in Japan und Indien. Revolutionäre Veränderungen in der Konstruktion der Flöte vollzogen sich Mitte des 19. Jahrhunderts mit Hilfe von Theobald Böhm.

Obwohl moderne Flöten Holzblasinstrumente sind, werden sie normalerweise aus Metalllegierungen mit Gold, Silber und sogar Platin hergestellt. Dadurch haben sie einen helleren Klang und sind leichter zu spielen als die Holzflöten, die in den vergangenen Jahrhunderten den Metallflöten vorausgingen.

Die Flöte ist eines der virtuosesten Instrumente in einem Sinfonieorchester. Ihre Parias sind voller Arpeggios und Passagen.

Musikinstrumente aus Blech

Blechbläser - Gruppe Blasmusikinstrumente , dessen Spielprinzip darin besteht, harmonische Konsonanzen zu erzielen, indem man die Stärke des geblasenen Luftstroms oder die Position der Lippen verändert.

Der Name "Kupfer" geht historisch auf das Material zurück, aus dem diese Werkzeuge hergestellt wurden, in unserer Zeit werden sie neben Kupfer häufig für deren Herstellung verwendet. Messing, seltener Silber , und einige der Instrumente des Mittelalters und des Barock mit ähnlicher Klangerzeugung (z. Schlange ) waren aus Holz.

Zu den Blechblasinstrumenten gehören moderne Horn, Trompete, Kornett, Flügelhorn, Posaune, Tuba . Eine eigene Gruppe ist Saxhörner . Alte Blechblasinstrumente - Posaune (Vorgänger der modernen Posaune), Schlange und andere Einige Volksinstrumente sind auch aus Kupfer, zum Beispiel die zentralasiatischen Karnay.

Geschichte der Blechblasinstrumente

Die Kunst des Hohlblasens Horn Tier oder in einer Muschel war schon in der Antike bekannt. Anschließend lernten die Menschen, spezielle Werkzeuge aus Metall herzustellen, die Hörnern ähneln und für militärische, Jagd- und religiöse Zwecke bestimmt sind.

Die Vorfahren der modernen Blechblasinstrumente waren Jagdhörner, Militärhörner und Posthörner. Diese Werkzeuge, die keinen Mechanismus hatten Ventile gab ein paar Geräuschenatürlicher Maßstab , nur mit Hilfe der Lippen des Darstellers abgerufen. Von hier aus entstanden Militär- und Jagdfanfaren und Signale, die auf den Klängen der natürlichen Tonleiter basieren und sich in der musikalischen Praxis fest etabliert haben.

Mit der Verbesserung der Technologie der Metallverarbeitung und der Herstellung von Metallprodukten wurde es möglich, Pfeifen für Blasinstrumente bestimmter Abmessungen und des gewünschten Oberflächengrades herzustellen. Mit der Verbesserung von Windpfeifen aus Kupfer und der Entwicklung der Kunst, eine beträchtliche Menge an Klängen aus der natürlichen Skala auf ihnen zu extrahieren, entstand das Konzeptnatürliche Instrumente , das heißt Instrumente ohne Mechanismus, die nur eine natürliche Tonleiter erzeugen können.

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts wurde der Ventilmechanismus erfunden, der die Aufführungstechnik dramatisch veränderte und die Möglichkeiten von Blechblasinstrumenten erweiterte.

Klassifizierung von Kupferinstrumenten

Blechblasinstrumente werden in mehrere Familien eingeteilt:

• Ventilwerkzeuge haben mehrere Tore (normalerweise drei oder vier), die von den Fingern des Darstellers gesteuert werden. Das Prinzip des Ventils besteht darin, sofort eine zusätzliche Krone in das Hauptrohr aufzunehmen, wodurch die Länge des Instruments erhöht und sein gesamtes System abgesenkt wird. Mehrere Ventile, die Röhren unterschiedlicher Länge verbinden, ermöglichen es, eine chromatische Tonleiter zu erhalten. Die meisten modernen Blechblasinstrumente sind mit Ventilen ausgestattet – Hörner, Trompeten, Tuben, Saxhörner usw. Es gibt zwei Ausführungen des Ventils – „rotierend“ und „stehend“ (Kolben).
• Joch-Werkzeuge Verwenden Sie ein spezielles U-förmiges einziehbares Rohr - eine Bühne, deren Bewegung die Länge der Luft im Kanal verändert und so die extrahierten Geräusche verringert oder verstärkt. Das wichtigste Rockinstrument in der Musik ist die Posaune.
• natürliche Instrumente haben keine zusätzlichen Röhren und können nur die Töne der natürlichen Tonleiter extrahieren. Im 18. Jahrhundert besondersNaturhornorchester . Bis Anfang des 19. Jahrhunderts waren Naturinstrumente in der Musik weit verbreitet, dann gerieten sie mit der Erfindung des Ventilmechanismus in Vergessenheit. Natürliche Instrumente finden sich manchmal auch in den Partituren von Komponisten des 19.-20. Jahrhunderts (Wagner, R. Strauss, Ligeti) als besonderes Soundeffekte. Zu den natürlichen Instrumenten gehören antike Trompeten und Waldhörner sowieAlphorn , Fanfare, Signalhorn, Signalhörner (Jagd, Post) und dergleichen.
• Ventilinstrumente haben Löcher am Körper, die von den Fingern des Darstellers geöffnet und geschlossen werden, wie aufHolzbläser . Solche Instrumente waren bis ins 18. Jahrhundert weit verbreitet, aber aufgrund einiger Unannehmlichkeiten beim Spielen wurden sie auch nicht mehr verwendet. Basic Valve Blechblasinstrumente - Kornett (Zink), Schlange , ophileid, Ventilrohr . Dazu gehören auch Posthorn.

Heutzutage, mit der Wiederbelebung des Interesses an alter Musik, wird das Spielen auf Natur- und Ventilinstrumenten wieder zur Praxis.

Blechblasinstrumente können auch nach ihren akustischen Eigenschaften eingeteilt werden:

• Voll― Instrumente, auf denen Sie den Grundton der harmonischen Tonleiter extrahieren können.
• Hälfte― Instrumente, bei denen der Hauptton nicht extrahiert werden kann und die Tonleiter mit der zweiten harmonischen Konsonanz beginnt.

Die Verwendung von Blechblasinstrumenten in der Musik

Blechblasinstrumente sind in verschiedenen Musikgenres und Kompositionen weit verbreitet. Im RahmenSymphonieorchester sie bilden eine ihrer Hauptgruppen. Die Standardbesetzung eines Sinfonieorchesters umfasst:

• Hörner (gerade Zahl von zwei bis acht, meistens vier)
• Pfeifen (von zwei bis fünf, meistens zwei bis drei)
• Posaunen (normalerweise drei: zwei Tenor und ein Bass)
• Rohr (normalerweise eins)

In den Partituren des 19. Jahrhunderts ist das Sinfonieorchester auch oft enthalten Kornette Mit der Entwicklung von Aufführungstechniken begannen ihre Parts jedoch, auf Pfeifen aufgeführt zu werden. Andere Blechblasinstrumente treten nur sporadisch im Orchester auf.

Kupferinstrumente sind die GrundlageBlaskapelle , das zusätzlich zu den oben genannten Tools auch enthält Saxhörner verschiedene Größen.

Die Sololiteratur für Blechbläser ist sehr zahlreich - Virtuosen auf Naturpfeifen und -hörnern gab es bereits im Frühbarock, und Komponisten schufen bereitwillig ihre Kompositionen für sie. Nach einem gewissen Rückgang des Interesses an Blasinstrumenten im Zeitalter der Romantik wurden im 20. Jahrhundert neue Aufführungsmöglichkeiten für Blechblasinstrumente entdeckt und ihr Repertoire erheblich erweitert.

In Kammerensembles werden Blechblasinstrumente relativ selten eingesetzt, können aber selbst zu Ensembles kombiniert werden, von denen die häufigsten sind Blechbläser Quintett (zwei Trompeten, Horn, Posaune, Tuba).

Trompeten und Posaunen spielen dabei eine wichtige Rolle Jazz und eine Reihe anderer Genres zeitgenössischer Musik.

Xylophon

Xylophon(aus dem Griechischen. ξύλον - Baum + φωνή - Klang) -Percussion-Musikinstrument mit einer bestimmten Tonlage. Es ist eine Reihe von Holzblöcken unterschiedlicher Größe, die auf bestimmte Töne gestimmt sind. Angeschlagen werden die Stäbe mit Stöcken mit Kugelspitzen oder speziellen Hämmern, die wie kleine Löffel aussehen (im Musikerjargon heißen diese Hämmer „Ziegenbeine“).

Timbre das Xylophon ist scharf und knackig im Forte und weich im Piano.

Geschichte des Instruments

Das Xylophon hat einen uralten Ursprung – die einfachsten Instrumente dieser Art waren und sind bei verschiedenen Völkern zu finden Afrika, Südostasien , Lateinamerika .

In Europa geht die erste Erwähnung des Xylophons auf den Beginn des 16. Jahrhunderts zurück: Arnolt Schlick erwähnt in einer Abhandlung über Musikinstrumente ein ähnliches Instrument namens Hültze-Glechter. Bis zum 19. Jahrhundert war das europäische Xylophon ein ziemlich primitives Instrument, das aus etwa zwei Dutzend Holzstäben bestand, die zu einer Kette zusammengebunden und zum Spielen auf einer ebenen Fläche ausgelegt wurden. Die Bequemlichkeit, ein solches Instrument zu tragen, erregte die Aufmerksamkeit reisender Musiker.

Xylophon verbessert von Guzikov

Die Verbesserung des Xylophons geht auf die 1830er Jahre zurück. Weißrussischer Musiker Michoel Guzikov erweiterte seinen Tonumfang auf zweieinhalb Oktaven und änderte auch das Design, indem er die Takte auf besondere Weise in vier Reihen anordnete. Dieses Modell des Xylophons wurde mehr als hundert Jahre lang verwendet.

Bei einem modernen Xylophon sind die Stäbe wie Klaviertasten in zwei Reihen angeordnet, mit Resonatoren in Form von Blechröhren bestückt und zur leichten Bewegung auf einem speziellen Tischständer platziert.

Die Rolle des Xylophons in der Musik

Die erste bekannte Verwendung des Xylophons in einem Orchester ist Seven Variations.Ferdinand Kauer 1810 geschrieben Jahr. Der französische Komponist Kastner hat seine Partien in seine Werke aufgenommen. Eine der berühmtesten Kompositionen, an denen das Xylophon beteiligt ist, ist eine symphonische DichtungCamille Saint-Saëns "Tanz des Todes" ( 1872 ).

Derzeit wird das Xylophon in verwendetSymphonieorchester , äußerst selten auf der Bühne - als Soloinstrument ("Fantasie über die Themen japanischer Stiche" für Xylophon und Orchester, op. 211, ( 1964) Alana Hovaness).

Domra

Domra ist ein altes russisches Zupfinstrument. Sein Schicksal ist erstaunlich und einzigartig in seiner Art.

Woher es kam, wie und wann Domra in Rus auftauchte, bleibt den Forschern immer noch ein Rätsel. In historischen Quellen sind nur wenige Informationen über Domra erhalten, noch weniger Bilder der alten russischen Domra sind uns überliefert. Und ob auf uns überlieferten Dokumenten Domras oder andere damals übliche Zupfinstrumente abgebildet sind, ist ebenfalls unbekannt. Die erste Erwähnung von Domra findet sich in den Quellen des 16. Jahrhunderts. Sie sprechen von Domra als einem Instrument, das damals in Rus schon recht verbreitet war.

Im Moment gibt es zwei wahrscheinlichste Versionen des Ursprungs von Domra. Die erste und häufigste ist die Version über die östlichen Wurzeln der russischen Domra. In der Tat existierten und existieren in den Musikkulturen der Länder des Ostens Instrumente mit ähnlichem Design und ähnlicher Methode der Klangextraktion. Wenn Sie jemals die kasachische Dombra, das türkische Baglama oder das tadschikische Rubab gesehen oder gehört haben, dann haben Sie vielleicht bemerkt, dass sie alle eine runde oder ovale Form haben, einen flachen Resonanzboden, der Ton wird durch Schlagen auf ein Plektrum unterschiedlicher Frequenz und Intensität extrahiert. Es ist allgemein anerkannt, dass alle diese Instrumente einen Vorfahren hatten - den östlichen Tanbur. Es war die Tanbur, die eine ovale Form und einen flachen Resonanzboden hatte, sie spielten sie mit einem speziellen Chip, der aus improvisierten Materialien geschnitzt war - einem Plektrum. Vermutlich wurde das Instrument, das sich später in eine Domra verwandelte, entweder während der Zeit des tatarisch-mongolischen Jochs oder im Zuge der Handelsbeziehungen mit den Ländern des Ostens gebracht. Und schon der Name „Domra“ hat zweifellos eine türkische Wurzel.

Eine andere Version geht von der Annahme aus, dass domra seinen Stammbaum von der europäischen Laute leitet. Als Laute wurde im Mittelalter im Prinzip jedes Saiten-Zupfinstrument bezeichnet, das einen Korpus, einen Hals und Saiten hatte. Die Laute wiederum stammt ebenfalls von einem orientalischen Instrument ab – dem arabischen al-ud. Vielleicht wurde das Aussehen und Design der Domra von den Instrumenten der westlichen, europäischen, slawischen, zum Beispiel der polnisch-ukrainischen Kobza und ihrer verbesserten Version - der Bandura - beeinflusst. Gerade die Bandura hat viel direkt von der Laute übernommen. Angesichts der Tatsache, dass die Slawen im Mittelalter ständig in komplexen historischen und kulturellen Beziehungen standen, kann die Domra natürlich auch als verwandt mit allen europäischen Zupfinstrumenten dieser Zeit angesehen werden.

Auf der Grundlage der bisher gesammelten Erkenntnisse und Forschungen können wir daher den Schluss ziehen, dass die Domra ein typisch russisches Instrument war, das, wie vieles in der Kultur und Geschichte unseres Staates, sowohl europäische als auch asiatische Merkmale vereinte.

Ungeachtet des wahren Ursprungs der Domra steht jedoch fest, dass ein Instrument mit diesem Namen in der Rus existierte und im 16. und 17. Jahrhundert ein fester Bestandteil der russischen Kultur war. Es wurde von Possenreißern gespielt, wie das bekannte Sprichwort für Forscher belegt: „Ich bin froh, dass die Possenreißer über ihre Domras reden“. Darüber hinaus gab es am königlichen Hof eine ganze „Vergnügungskammer“, eine Art Musik- und Unterhaltungsgruppe, deren Grundlage Possenreißer mit ihren Domras, Harfen, Hörnern und anderen alten russischen Musikinstrumenten waren. Darüber hinaus hatte Domra nach Ansicht einiger Forscher zu dieser Zeit bereits eine Familie von Ensemble-Varietäten gebildet. Das kleinste und quietschende wurde "domrishka" genannt, das größte und am tiefsten klingende - "bass domra".

Es ist auch bekannt, dass Domra und Domra-Darsteller - Possenreißer und "Domrachi" sich unter den Menschen großer Beliebtheit erfreuten. Alle Arten von Feiern, Festen und Volksfesten wurden zu allen Zeiten und bei allen Völkern von Liedern und dem Spielen von Musikinstrumenten begleitet. In Rus' im Mittelalter war die Unterhaltung der Menschen das Los von "Domracheev", "Gänsemännern", "Skrypotchikov" und anderen Musikern. Auf Domra begleiteten sie wie eine Harfe die Volksepos, Epen, Legenden, und in Volksliedern unterstützte die Domra die melodische Linie. Es ist authentisch bekannt, dass die handwerkliche Herstellung von Domras und Domra-Saiten gegründet wurde, Aufzeichnungen über die Lieferungen an den Hof und nach Sibirien sind in historischen Dokumenten erhalten ...

Vermutlich war die Technologie zur Herstellung von Domra wie folgt: Ein Körper wurde aus einem einzigen Stück Holz ausgehöhlt, ein Stockgeier wurde daran befestigt, Fäden oder Tieradern wurden gezogen. Sie spielten mit einem Splitter, einer Feder, einer Fischgräte. Offensichtlich ermöglichte eine relativ einfache Technologie, dass das Instrument in Rus weit verbreitet war.

Aber hier in der Geschichte von Domra kommt der dramatischste Moment. Besorgt über die Entwicklung der säkularen Kultur erhoben die Geistlichen der Kirche die Waffen gegen die Musiker und erklärten die Darbietungen von Possenreißern zu „dämonischen Spielen“. Infolgedessen erließ Zar Alexei Michailowitsch 1648 ein Dekret über die Massenvernichtung unschuldiger Instrumente - der Werkzeuge "dämonischer Spiele". Das berühmte Dekret lautet: "Wo werden Domras und Surns und Piepser und Psalter und Hari und alle Arten von summenden Gefäßen ... beschlagnahmt und, nachdem sie diese dämonischen Spiele gebrochen haben, befohlen zu verbrennen." Laut dem deutschen Reisenden Adam Olearius aus dem 17. Jahrhundert wurde den Russen die Instrumentalmusik im Allgemeinen verboten, und einmal wurden mehrere Karren mit Instrumenten, die der Bevölkerung abgenommen wurden, über die Moskwa gebracht und dort verbrannt. Sowohl Musiker als auch Possenreißer im Allgemeinen wurden verfolgt.

Vielleicht ist noch keinem Musikinstrument auf der Welt eine so wahrhaft tragische Wendung des Schicksals widerfahren. Ob als Folge barbarischer Ausrottung und Verbote oder aus anderen Gründen, aber nach dem 17. Jahrhundert finden Forscher keine nennenswerte Erwähnung der alten Domra. Die Geschichte des alten russischen Instruments endet hier, und man könnte ihr ein Ende setzen, aber ... Domra war dazu bestimmt, buchstäblich aus der Asche wiedergeboren zu werden!

Dies geschah dank der Aktivitäten eines herausragenden Forschers und Musikers, einer ungewöhnlich talentierten und außergewöhnlichen Person - Vasily Vasilyevich Andreev. 1896 entdeckte er in der Provinz Vyatka ein unbekanntes Instrument mit einem halbkugelförmigen Körper. In der Annahme, dass dies Domra ist, ging er zu berühmter Meister Semjon Iwanowitsch Nalimow. Gemeinsam entwickelten sie das Design eines neuen Instruments, basierend auf der Form und dem Design des gefundenen. Historiker streiten sich immer noch darüber, ob das von Andreev gefundene Instrument wirklich eine alte Domra war. Trotzdem hieß das 1896 rekonstruierte Instrument "Domra". Ein runder Korpus, ein mittellanger Hals, drei Saiten, ein viertes System – so sah die rekonstruierte Domra aus.

Zu diesem Zeitpunkt hatte Andreev bereits ein Balalaika-Orchester. Aber um seine brillante Idee zu verwirklichen, brauchte das Great Russian Orchestra eine führende melodische Instrumentengruppe, und die restaurierte Domra mit ihren neuen Fähigkeiten war ideal für diese Rolle. Im Zusammenhang mit der Entstehungsgeschichte des Großen Russischen Orchesters ist noch eines zu erwähnen herausragende Person, ohne die die Idee vielleicht nicht ihre Verkörperung gefunden hätte. Dies ist der Pianist und professionelle Komponist Nikolai Petrovich Fomin, Andreevs engster Mitarbeiter. Fomins professioneller Herangehensweise ist es zu verdanken, dass der Kreis von Andreev, zunächst Amateur, Notenschrift studierte, auf professioneller Basis stand und dann mit seinen Auftritten Zuhörer in Russland und im Ausland eroberte. Und wenn Andreev in erster Linie ein Ideengeber war, dann wurde Fomin zu der Person, dank der Domras und Balalaikas tatsächlich den Weg der Entwicklung als vollwertige akademische Instrumente einschlugen.

Aber zurück zu Domra. Im Zeitraum 1896-1890. V. Andreev und S. Nalimov entwarfen Ensemble-Sorten von Domra. Und in den ersten Jahrzehnten nach seiner Neugeburt entwickelte sich domra im Einklang mit der Orchester- und Ensembleaufführung.

Fast sofort wurden jedoch einige Einschränkungen der Fähigkeiten der Andreev-Domra aufgedeckt, in deren Zusammenhang versucht wurde, sie konstruktiv zu verbessern. Die Hauptaufgabe bestand darin, die Reichweite des Werkzeugs zu erweitern. 1908 schuf Meister S. Burov auf Anregung des Dirigenten G. Lyubimov eine viersaitige Domra mit einem fünften System. Der „Viersaiter“ erhielt einen Geigenumfang, war aber leider dem „Dreisaiter“ in Klangfarbe und Klangfarbe unterlegen. Anschließend traten auch seine Ensemble-Varianten und ein Orchester aus viersaitigen Domras auf.

Das Interesse an Domra wuchs von Jahr zu Jahr, der musikalische und technische Horizont erweiterte sich, virtuose Musiker traten auf. 1945 schließlich entstand das erste Instrumentalkonzert für Domra mit einem Orchester aus russischen Volksinstrumenten. berühmtes Konzert g-moll Nikolai Budashkin wurde auf Wunsch des Konzertmeisters des Orchesters geschrieben. Osipov Alexey Simonenkov. Diese Veranstaltung wurde eröffnet neue Ära in der Geschichte von Domra. Mit dem Aufkommen des ersten Instrumentalkonzerts wird Domra zu einem solistischen, virtuosen Instrument.

1948 wurde die erste Abteilung für Volksinstrumente in Russland in Moskau am Staatlichen Musik- und Pädagogischen Institut eröffnet, das nach I.I. Gnesine. Wurde der erste Domra-Lehrer hervorragender Komponist Yu Shishakov und dann die jungen Solisten des Orchesters. Osipova V. Miromanov und A. Alexandrov - der Schöpfer der ersten Schule zum Spielen der dreisaitigen Domra. Dank höherer Berufsbildung hat das ursprünglich volkstümliche Instrument Domra in kurzer Zeit den Weg auf die akademische Bühne durchlaufen, der für die Instrumente des Symphonieorchesters Jahrhunderte dauerte (schließlich war die Geige einst ein Volksinstrument!).

Die Leistung von Domra schreitet mit gigantischer Geschwindigkeit voran. 1974 fand der I. Allrussische Wettbewerb für Interpreten auf Volksinstrumenten statt, die Gewinner des Wettbewerbs waren herausragende Domra-Virtuosen - Alexander Tsygankov und Tamara Volskaya (siehe Abschnitt, deren kreative Tätigkeit jahrzehntelang die Richtung der Entwicklung der Domra-Kunst bestimmte). kommen, sowohl im Bereich der Aufführung selbst als auch im Domra-Repertoire.

Heute ist die Domra ein junges, vielversprechendes Instrument mit großem, vor allem musikalischem und expressivem Potenzial, das wahrhaft russische Wurzeln hat und dennoch zu den Höhen des akademischen Genres aufgestiegen ist. Was wird ihm gehören weiteres Schicksal? Das Wort gehört Ihnen, liebe Domristen!

Balalaika

Beschreibung
Der Körper ist aus separaten (6-7) Segmenten geklebt, der Kopf des langen Halses ist leicht nach hinten gebogen. Metallsaiten (Im 18. Jahrhundert waren zwei davon geädert; moderne Balalaikas haben Nylon- oder Kohlenstoffsaiten). Auf dem Griffbrett einer modernen Balalaika befinden sich 16-31 Metallbünde (bis Ende des 19. Jahrhunderts - 5-7 Zwangsbünde).

Der Ton ist laut, aber leise. Die gebräuchlichsten Techniken zur Tonextraktion: Rasseln, Pizzicato, Doppelpizzicato, Einzelpizzicato, Vibrato, Tremolo, Brüche, Gitarrentricks.

bauen

Bis zur Umwandlung der Balalaika in ein Konzertinstrument Ende des 19. Jahrhunderts durch Vasily Andreev hatte sie kein dauerhaftes, allgegenwärtiges System. Jeder Interpret stimmte das Instrument entsprechend seinem Spielstil, der allgemeinen Stimmung der gespielten Stücke und den lokalen Traditionen.

Das von Andreev eingeführte System (zwei Saiten im Einklang - die Note "mi", eine - eine Viertel höher - die Note "la" (und "mi" und "la" der ersten Oktave) wurde unter Konzertbalalaikaspielern weit verbreitet und begann "akademisch" genannt werden. Es gibt auch "Folk"-System - die erste Saite ist "Salz", die zweite - "mi", die dritte - "do". In diesem System sind Dreiklänge leichter zu nehmen, der Nachteil Es ist die Schwierigkeit, auf offenen Saiten zu spielen. Zusätzlich zu den oben genannten gibt es auch regionale Traditionen des Stimmens des Instruments. Seltene lokale Einstellungen erreichen zwei Dutzend ..

Sorten

In einem modernen Orchester russischer Volksinstrumente werden fünf Arten von Balalaikas verwendet: Prima, Second, Viola, Bass und Kontrabass. Von diesen ist nur die Prima ein solistisches, virtuoses Instrument, während den übrigen rein orchestrale Funktionen zugeteilt werden: Sekund und Bratsche übernehmen die Akkordbegleitung, während Bass und Kontrabass die Bassfunktion übernehmen.

Häufigkeit

Balalaika ist ein ziemlich verbreitetes Musikinstrument, das in akademischen Musikausbildungseinrichtungen in Russland, Weißrussland, der Ukraine und Kasachstan studiert wird.

Die Ausbildungszeit auf der Balalaika in einer Kindermusikschule beträgt 5-7 Jahre (je nach Alter des Schülers) und in einer weiterführenden Bildungseinrichtung 4 Jahre, in einer höheren Bildungseinrichtung 4-5 Jahre. Repertoire: Bearbeitungen von Volksliedern, Bearbeitungen klassischer Werke, Autorenmusik.

Geschichte
Es gibt keinen einheitlichen Standpunkt zum Zeitpunkt des Erscheinens der Balalaika. Es wird angenommen, dass sich die Balalaika seit dem Ende des 17. Jahrhunderts ausbreitet. Verbessert dank V. Andreev zusammen mit den Meistern Paserbsky und Nalimov. Es wurde eine Familie modernisierter Balalaikas geschaffen: Piccolo, Prima, Second, Viola, Bass, Kontrabass. Die Balalaika wird als Solokonzert-, Ensemble- und Orchesterinstrument eingesetzt.

Etymologie
Schon der Name des Instruments ist merkwürdig, es ist typisch volkstümlich und vermittelt den Charakter des Spielens mit dem Klang von Silben. Die Wurzel der Wörter "Balalaika" oder, wie sie auch genannt wurde, "Balabayka", erregt seit langem die Aufmerksamkeit der Forscher durch ihre Verwandtschaft mit russischen Wörtern wie Balakat, Balabonit, Balabolit, Joker, was "plaudern", "leer" bedeutet Anrufe (gehen Sie zurück auf das gemeinsame slawische *bolbol mit der gleichen Bedeutung). All diese sich ergänzenden Konzepte vermitteln die Essenz der Balalaika - ein leichtes, lustiges, "klimperndes", nicht sehr ernstes Instrument.

Zum ersten Mal findet sich das Wort "Balalaika" in schriftlichen Denkmälern, die auf die Regierungszeit von Peter I. zurückgehen.

Die erste schriftliche Erwähnung der Balalaika ist in einem Dokument vom 13. Juni 1688 enthalten - „Erinnerung vom Streltsy-Orden an den Kleinrussischen Orden“ (RGADA), das unter anderem berichtet, dass in Moskau der Streltsy-Orden gebracht wurde „<...>Städter Savka Fedorov<...>Ja<...>Bauer Ivashko Dmitriev, und mit ihnen wurde eine Balalaika gebracht, damit sie auf einem Streitwagenpferd in einem Karren zu den Yausky-Toren fuhren, Lieder sangen und die Balalaika in Toi spielten, und Wachbogenschützen, die an den Yausky-Toren Wache standen, schimpften<...>».

Die nächste schriftliche Quelle, in der die Balalaika erwähnt wird, ist das von Peter I. unterzeichnete „Register“, das sich auf 1715 bezieht: in St. Petersburg, während der Feier der Narrenhochzeit von „Prinz-Papa“ N. M. Zotov, neben anderen Instrumenten Von Mumien getragen, wurden vier Balalaikas benannt.

Zum ersten Mal wurde das Wort in der ukrainischen Sprache des frühen 18. Jahrhunderts (in Dokumenten von 1717-1732) in Form von "Balabaika" bezeugt (offensichtlich ist dies seine ältere Form, die auch in den Dialekten Kursk und Karachev erhalten ist). ). Zum ersten Mal auf Russisch in V. I. Maikovs Gedicht "Elisey", 1771, Lied 1: "Du stimmst mir eine Pfeife oder eine Balalaika."

Cello (italienisches Violoncello, Abk. Cello, deutsches Violoncello, französisches Violoncelle, englisches Cello)

Ein aus der ersten Hälfte des 16. Jahrhunderts bekanntes Streichsaiten-Musikinstrument der Bass- und Tenorlage, von der gleichen Struktur wie die Violine oder Bratsche, aber viel größer. Das Cello verfügt über breite Ausdrucksmöglichkeiten und eine sorgfältig entwickelte Spieltechnik, es wird als Solo-, Ensemble- und Orchesterinstrument eingesetzt.

Die Entstehungs- und Entwicklungsgeschichte des Instruments

Das Erscheinen des Cellos geht auf den Beginn des 16. Jahrhunderts zurück. Ursprünglich wurde es als Bassinstrument zur Gesangsbegleitung oder zum Spielen eines Instruments höherer Lage verwendet. Es gab zahlreiche Varianten des Cellos, die sich in Größe, Saitenanzahl und Stimmung unterschieden (die gebräuchlichste Stimmung war ein Ton tiefer als die moderne).
Im 17.-18. Jahrhundert schufen die Bemühungen der herausragenden musikalischen Meister der italienischen Schulen (Nicolo Amati, Giuseppe Guarneri, Antonio Stradivari, Carlo Bergonzi, Domenico Montagnana usw.) ein klassisches Cellomodell mit einer fest etablierten Korpusgröße. Ende des 17. Jahrhunderts erschienen die ersten Solowerke für Cello – Sonaten und Ricercars von Giovanni Gabrieli. Mitte des 18. Jahrhunderts wurde das Cello aufgrund seines helleren, volleren Klangs und der verbesserten Aufführungstechnik als Konzertinstrument eingesetzt und verdrängte schließlich die Viola da Gamba aus der Musikpraxis. Das Cello ist auch Teil des Sinfonieorchesters und der Kammerensembles. Die endgültige Anerkennung des Cellos als eines der führenden Instrumente in der Musik erfolgte im 20. Jahrhundert durch die Bemühungen des herausragenden Musikers Pablo Casals. Die Entwicklung von Spielschulen auf diesem Instrument hat zur Entstehung zahlreicher virtuoser Cellisten geführt, die regelmäßig Solokonzerte geben.
Das Cello-Repertoire ist sehr breit und umfasst zahlreiche Konzerte, Sonaten, unbegleitete Kompositionen.


]Technik des Cellospiels

Mstislav Rostropovich mit einem Duport-Cello von Stradivari.
Die Spiel- und Anschlagprinzipien beim Spielen auf dem Cello sind die gleichen wie auf der Geige, jedoch ist die Technik des Cellospiels aufgrund der größeren Größe des Instruments und der anderen Position des Spielers etwas eingeschränkt. Dabei kommen Flageolets, Pizzicato, Daumenwette und andere Spieltechniken zum Einsatz. Der Klang des Cellos ist saftig, melodiös und gespannt, im oberen Register leicht komprimiert.
Cello-Saitenstruktur: C, G, d, a (do, Salz einer großen Oktave, re, la einer kleinen Oktave), dh eine Oktave unter der Bratsche. Der Tonumfang des Cellos ist dank der entwickelten Technik des Spiels auf der a-Saite sehr breit - von C (bis zur großen Oktave) bis a4 (A der vierten Oktave) und höher. Die Noten werden entsprechend dem tatsächlichen Klang in Bass-, Tenor- und Violinschlüsseln geschrieben.


Das Instrument wurde an den Waden der Beine gehalten
Beim Spielen stützt der Spieler das Cello mit einer Winde auf dem Boden ab, die erst Ende des 19. Jahrhunderts verbreitet wurde (vorher wurde das Instrument an den Waden der Beine gehalten). Bei modernen Celli ist die vom französischen Cellisten P. Tortelier erfundene gebogene Winde weit verbreitet, die dem Instrument eine flachere Position verleiht und die Spieltechnik etwas erleichtert.
Das Cello ist als Soloinstrument weit verbreitet, die Cellogruppe wird in Streich- und Sinfonieorchestern verwendet, das Cello ist obligatorisches Mitglied des Streichquartetts, in dem es am tiefsten ist (mit Ausnahme des Kontrabasses, der manchmal verwendet wird). it) der Instrumente klanglich und wird auch in anderen Kammerensembles häufig verwendet. In der Orchesterpartitur steht die Cellostimme zwischen den Stimmen der Bratschen und Kontrabässe.

Die Entstehungsgeschichte der Violine

Die Musikgeschichte geht davon aus, dass die Geige in ihrer vollendetsten Form im 16. Jahrhundert entstand. Zu diesem Zeitpunkt waren bereits alle im Mittelalter aktiven Streichinstrumente bekannt. Sie befanden sich in bestimmte Reihenfolge und die damaligen Gelehrten kannten mit größerer oder geringerer Wahrscheinlichkeit ihre gesamte Genealogie. Ihre Zahl war riesig, und jetzt ist es nicht nötig, in die Tiefe dieser Angelegenheit einzutauchen.

Neueste Forscher sind zu dem Schluss gekommen, dass die Violine keineswegs eine reduzierte „Viola da gamba“ ist. Darüber hinaus wurde mit ausreichender Genauigkeit festgestellt, dass diese beiden Arten von Instrumenten in ihrer Vorrichtung stark voneinander unterschiedliche Merkmale aufweisen. Alle mit der „Viole da Gamba“ verwandten Instrumente hatten einen flachen Boden, flache Kanten, einen durch Bünde geteilten Hals, einen Kopf, seltener in Form eines Kleeblatts und häufiger mit einem Bild eines Tier- oder Menschenkopfs, Ausschnitte auf die Oberseite des Instruments in den Umrissen des lateinischen Buchstabens "C" und schließlich die Saitenstimmung in Quarten und Terzen. Im Gegenteil, die „Viola da Brachio“, als unmittelbarer Vorgänger der modernen Violine, hatte eine Quintstimmung der Saiten, einen konvexen Boden, die Kanten etwas erhöht, das Griffbrett ohne Bünde, den Kopf in Form von eine Rolle und Kerben oder "efs", in der Umrisslinie der Kleinbuchstaben, die sich gegenüberstehen, lateinisches f in Kursivschrift.
Dieser Umstand führte dazu, dass sich die eigentliche Gambenfamilie aus einer sukzessiven Reduktion der Gambe zusammensetzte. So entstand voller Kader ein altes "Quartett" oder "Quintett", das nur aus Gamben verschiedener Größen besteht. Aber zusammen mit der Entstehung einer kompletten Familie von Gamben entwickelte und verbesserte sich ein Instrument, das alle charakteristischen und charakteristischsten Merkmale der modernen Violine hatte. Und dieses Instrument ist in der Tat nicht einmal eine "Handbratsche". direkte Bedeutung Worte, sondern die sogenannte "Handleier", die als Volksinstrument der slawischen Länder die Grundlage der modernen Geigenfamilie bildete. Der große Raphael (1483-1520) gibt in einem seiner Gemälde aus dem Jahr 1503 eine hervorragende Darstellung dieses Instruments wieder. Wenn man darüber nachdenkt, besteht nicht der geringste Zweifel daran, dass für die vollständige Verwandlung der „Handleier“ in die perfekte Geige unserer Zeit nicht mehr viel übrig bleibt. Der einzige Unterschied, der das Bild von Raffael von der modernen Geige unterscheidet, liegt nur in der Anzahl der Saiten – es sind fünf bei Anwesenheit von zwei Basssaiten – und in der Kontur der Wirbel, die noch stark den Wirbeln einer an ähneln alte Gambe.
Seitdem haben sich die Beweise mit einer unglaublichen Geschwindigkeit vervielfacht. Die unbedeutenden Korrekturen, die am Bild der antiken "Leier da Brachio" vorgenommen werden könnten, würden ihr die tadelloseste Ähnlichkeit mit der modernen Geige verleihen. Diese Zeugnisse in Form einer alten Geige stammen aus den Jahren 1516 und 1530, als ein Basler Buchhändler auswählte alte Geige mit Ihrem Markenzeichen. Zur gleichen Zeit tauchte das Wort „Violine“, im französischen Stil Violon, erstmals in französischen Wörterbüchern des frühen 16. Jahrhunderts auf. Henri Pruneer (1886-1942) behauptet, dass dieses Wort bereits 1529 in einigen Geschäftspapieren der damaligen Zeit enthalten war. Hinweise darauf, dass der Begriff "Violon" um 1490 auftauchte, sind jedoch als zweifelhaft anzusehen. In Italien tauchte das Wort Violonista in der Bedeutung von Gambenspieler ab 1462 auf, während das Wort Violino selbst in der Bedeutung von "Violine" erst hundert Jahre später verwendet wurde, als es sich weit verbreitete. Die Engländer übernahmen erst 1555 die französische Schreibweise des Wortes, die jedoch drei Jahre später durch das vollständig englische „violin“ ersetzt wurde.
In Rus waren laut Zeugnis der ältesten Denkmäler Streichinstrumente schon sehr lange bekannt, aber keines von ihnen entwickelte sich so weit, dass es später ein Instrument eines Symphonieorchesters wurde. Das älteste altrussische Bogeninstrument ist der Piepton. In seiner reinsten Form hatte es einen ovalen, etwas birnenförmigen Holzkörper, über den drei Saiten gespannt waren. Sie spielten die Pfeife mit einem Bogenbogen, der nichts mit dem modernen zu tun hatte. Die Entstehungszeit der Pfeife ist nicht genau bekannt, aber es wird angenommen, dass der „Piep“ in Rus zusammen mit dem Eindringen von „östlichen“ Instrumenten – Domra, Surna und Smyk – auftauchte. Diese Zeit wird normalerweise von der zweiten Hälfte des XIV und dem Beginn des XV Jahrhunderts bestimmt. Es ist schwer zu sagen, wann "Geigen" im wörtlichen Sinne des Wortes auftauchten. Sicher ist nur, dass die ersten Erwähnungen des Geigers in den Alphabetbüchern des 16./17. Jahrhunderts „ebenfalls zeigen, dass die Interpreten keine Ahnung davon hatten“. Laut P. F. Findeisen (1868-1928) war dieses Instrument jedenfalls im häuslichen und öffentlichen Leben der Moskauer Rus noch nicht bekannt, und die ersten Violinen in ihrer vollständig fertiggestellten Form erschienen in Moskau anscheinend nur am Anfang XVIII Jahrhundert. Die Verfasser der Alphabetbücher, die früher nie eine echte Geige gesehen hatten, verstanden jedoch nur, dass dieses Instrument ein Saiteninstrument sein musste, und verglichen es daher fälschlicherweise mit "Gusli" und "Little Russian Lira", was, stimmte natürlich nicht.
Erst ab Mitte des 16. Jahrhunderts erscheinen mehr oder weniger ausführliche Beschreibungen der neuen Geige im Westen. So nennt Philibert Jambes de Fair (1526-1572), der die Merkmale und Besonderheiten der zeitgenössischen Geige umreißt, eine Reihe von Namen, aus denen geschlossen werden kann, dass die "Familie der Geigen" nach dem Vorbild und Abbild der gebaut wurde Viola. Aus dieser Zeit, ab 1556, existierte die Geige bis zum Ende des 17. Jahrhunderts in mehreren Varianten, bekannt als Französische Namen dessus, quinte, haute-contre, tailee und basse. In dieser Form wurde die Zusammensetzung der Geigenfamilie festgelegt, als Peer Maryann (1588-1648) begann, über ihn zu schreiben. "Gang of Twenty Four" - wie Les vingt-quatre früher genannt wurde - bestand aus den gleichen Instrumenten, aber mit bereits verschobenen Namen. Dem Dessus folgte das Haute-Contre, und die Quinte lag zwischen dem Tailee und dem Basse, aber ihre Lautstärke entsprach genau den früheren Daten, die gerade erwähnt wurden. Später gab es eine weitere Änderung in dieser Zusammensetzung der Violinen, wodurch das Haute-Contre vollständig verschwand und dem Dessus Platz machte, und die Tailee sich mit der Quinte vereinigte und deren Reihenfolge übernahm. So wurde eine neue Art von vierstimmiger Bogenkombination etabliert, in der Dessus den ersten und zweiten Violinen, Tailee oder Quinte - Bratschen und Basse - Celli entsprach.
Nun ist es schwierig, genau festzustellen, wann die endgültige Fertigstellung dieses Instruments, das heute unter dem Namen "Geige" bekannt ist, stattgefunden hat. Höchstwahrscheinlich ging diese Verbesserung in einer kontinuierlichen Reihe weiter, und jeder Meister brachte etwas Eigenes mit. Dennoch lässt sich klar feststellen, dass das 17. Jahrhundert das „goldene Zeitalter“ der Geige war, als die endgültige Vollendung der baulichen Verhältnisse des Instruments erfolgte und jene Perfektion erreicht wurde, die nicht mehr „verbessert“ werden konnte könnte schon drüber steigen. Die Geschichte hat die Namen der großen Geigenwandler in Erinnerung behalten und die Entwicklung dieses Instruments mit den Namen von drei Familien von Geigenbauern verknüpft. Das ist vor allem die Familie Amati von Cremoneser Meistern, die die Lehrer von Andrea Guarneri (1626?-1698) und Antonio Stradivari (1644-1736) wurden. Ihre endgültige Vollendung verdankt die Violine jedoch vor allem Giuseppe-Antonio Guarneri (1687-1745) und insbesondere Antonio Stradivari, der als größter Schöpfer der modernen Violine verehrt wird.
Aber nicht jedem gefiel alles an der Geige, was damals schon von den großen Cremonesern etabliert worden war. Viele versuchten, die von Stradivari angenommenen Verhältnisse zu ändern, und natürlich gelang dies niemandem. Am merkwürdigsten war jedoch der Wunsch einiger der rückständigsten Meister, die Geige in die jüngste Vergangenheit zurückzubringen und ihr die veralteten Merkmale der Bratsche aufzuzwingen. Wie Sie wissen, hatte die Geige keine Bünde. Dadurch konnte das Klangvolumen erweitert und die Technik des Geigenspiels perfektioniert werden. In England erschienen diese Qualitäten der Geige jedoch „zweifelhaft“, und die „Intonation“ des Instruments war nicht genau genug. Daher wurden die Bünde auf dem Griffbrett der Geige eingeführt, um die mögliche "Ungenauigkeit" bei der Tonextraktion zu beseitigen, und der Verlag unter der Leitung von John Playford (1623-1686?) druckte von 1654 bis 1730 ein Handbuch nach zusammengestellt nach der "modalen Tabulatur" . Gerechtigkeit erfordert jedoch zu sagen, dass es im Allgemeinen war der einzige Fall, berühmt in der Geschichte des Geigenspiels. Andere Versuche, das Spielen dieses Instruments zu verbessern und zu erleichtern, haben sich auf die Saitenstimmung oder die sogenannte "Scordatura" reduziert. Das machte Sinn, und viele prominente Geiger wie Tartini (1692-1770), Lolli (1730-1802), Paganini (1784-1840) und einige andere stimmten ihr Instrument auf ihre eigene Weise. Manchmal wird diese Methode des Saitenstimmens auch heute noch angewandt, um besondere, künstlerische Ziele zu verfolgen.
Stradivari-Geige. Foto von gruhn.com So erlebte die Geige Ende des 17. Jahrhunderts ihre vollkommenste Inkarnation. Antonio Stradivari war der letzte, der ihn in seinen heutigen Zustand brachte, und François Tourt, ein Meister des 18. Jahrhunderts, wird als Schöpfer des modernen Bogens verehrt. Doch bei der Entwicklung der Geige und ihrer Umsetzung im wirklichen Leben lief es weniger gut. Es ist sehr schwierig, die ganze lange und wechselvolle Geschichte dieser Entwicklung und Verbesserung der Geigentechnik in wenigen Worten zu beschreiben. Es genügt zu sagen, dass das Erscheinen der Geige viele Gegner verursacht hat. Viele bedauerten einfach die verlorenen Schönheiten der Bratsche, während andere ganze "Abhandlungen" gegen den ungebetenen Fremden erfanden. Erst dank der großen Geiger, die die Technik des Geigenspiels entscheidend voranbrachten, nahm die Geige den ihr zustehenden Platz ein. Im 17. Jahrhundert waren diese virtuosen Geiger Giuseppe Torelli und Arcangelo Corelli. In der Zukunft setzte Antonio Vivaldi (1675-1743) viel Arbeit zum Wohle der Geige und schließlich eine ganze Galaxie wunderbarer Geiger, angeführt von Niccolò Paganini. Die moderne Geige hat vier Saiten, die in Quinten gestimmt sind. Die obere Saite wird manchmal als Quinte bezeichnet und die untere Saite wird als Bass bezeichnet. Alle Saiten der Geige sind geädert oder gerippt, und nur der „Bass“ ist mit einem dünnen Silberfaden oder „Gimpe“ umwunden, um den Klang voller und schöner zu machen. Derzeit verwenden alle Geiger eine Metallsaite für die „Quinte“ und genau dieselbe, aber nur mit einem dünnen Aluminiumfaden umwickelte Weichheit, die A-Saite, obwohl einige Musiker auch eine reine Aluminium-A-Saite ohne „Gimpe“ verwenden. Diesbezüglich machte es die Metallsaite für mi und Aluminium für la erforderlich, die Klangfülle der damals noch geäderten re-Saite zu verstärken, was mit Hilfe einer wie a umwickelten Aluminium-Gimpe geschah "baskisch", letzteres und übrigens, was ihr gut tat. Trotzdem verärgern all diese Ereignisse die wahren Kenner sehr, denn das Klingeln und die Schärfe des Klangs von Metallsaiten in anderen Fällen ist sehr auffällig und unangenehm, aber es gibt nichts zu tun und man muss sich mit den Umständen abfinden.
Die nach den Erfordernissen des Instruments gestimmten Saiten der Geige werden offen oder leer genannt und klingen in der Reihenfolge absteigender reiner Quinten von mi der zweiten Oktave bis zu einem kleinen Salz. Die Reihenfolge der Saiten wird immer von oben nach unten betrachtet, und dieser Brauch hat sich seit der Antike bei allen Streich- und Saiteninstrumenten „mit Griff“ oder „Hals“ erhalten. Noten für Violine sind nur in " Violinschlüssel" oder Taste Salt.
Das Konzept "offen" oder im Orchestergebrauch - eine leere Saite - impliziert den Klang der Saite über ihre gesamte Länge vom Ständer bis zum Sattel, dh zwischen den beiden Punkten, die ihre tatsächliche Höhe während des Stimmens bestimmen. Die Länge der Saite wird in der Regel durch dieselben Punkte bestimmt, da im Orchester der klingende Teil der Saite berücksichtigt wird und nicht der zwischen Sub-Hals und Wirbel eingeschlossene "absolute Wert". In Noten wird eine offene Saite durch einen kleinen Kreis oder eine Null über oder unter der Note angezeigt.
In manchen Fällen, wenn es die musikalische Struktur des Werkes erfordert, können Sie die Saite um einen Halbton tiefer stimmen, um ein Fis von einer kleinen Oktave für die „baskische“ oder ein zweites Dis für die „fünfte“ zu erhalten.
Quelle music-instrument.ru

Geschichte von E-Gitarre bauen (E-Gitarre)

Die Entwicklung der Technik im 20. Jahrhundert hat die kulturelle Seite der menschlichen Existenz nicht außer Acht gelassen. Das Aufkommen elektronischer Geräte für die Wiedergabe und vor allem die Klangverarbeitung musste sich letztendlich auf die Musikinstrumente selbst auswirken. Neben Versuchen, grundlegend neue Musikinstrumente zu schaffen, wurde auch versucht, die altbekannten zu "modernisieren". So entwarf Lloyd Loher 1924 den ersten magnetischen Tonabnehmer, ein Gerät, das die Schwingungen einer Metallsaite in ein elektrisches Signal umwandelt. Dieser talentierte Ingenieur arbeitete damals, wo würden Sie denken? - im Gibson! Aber wie Sie verstehen, vor der Schöpfung Les Paul immer noch weit genug - ganze 28 Jahre lang, so dass die ersten massenproduzierten E-Gitarren nicht von Gibson herausgebracht wurden. Und dies wurde von einer Firma namens Electro String Company durchgeführt, zu deren Gründern Adolf Rickenbacker gehörte, der später, wie Sie wahrscheinlich schon erraten haben, die sehr berühmte Firma Rickenbacker gründete, die eine Signature-Gitarre für John Lennon herausbrachte - 325JL. Die Korpusse dieser ersten Gitarren bestanden aus Aluminium, weshalb sie den aufrichtigen Namen „Bratpfannen“ erhielten. Dieses Ereignis fand 1931 statt. Ich weiß nicht, ob es andere Versuche gab, einen Tonabnehmer an einer Gitarre anzubringen, wahrscheinlich gab es sie, aber erst 1951 erhielten sie diese sehr klassischen und erkennbaren Formen. Und Leo Fender tat dies, indem er seine berühmte Telecaster herausbrachte, und es war bereits ein Durchbruch, so etwas wie ein Raumschiff in die Umlaufbahn zu bringen, natürlich mit einem Mann an Bord. Der Rumpf war aus Holz, obwohl er gestalterisch nichts mit ihm gemein hatte klassische Gitarre. Aus irgendeinem Grund denken viele Leute, dass E-Gitarren aus wer weiß was gemacht sind: Metall, Plastik und einigen anderen hochmodernen Materialien, nein – Gitarren wurden und werden bis heute hauptsächlich aus Holz hergestellt, genau wie ein Mensch 70 % Wasser.
Von diesem Moment an kann gesagt werden, dass die E-Gitarre als Musikinstrument und kulturelles Phänomen stattgefunden hat. Gibson blieb natürlich nicht zurück und veröffentlichte 1952 ihre legendäre Les Paul. Und der Testschuss kam 1954, als Fender die Stratocaster in die Umlaufbahn brachte. Blues-, Rock- und Country-Musiker begannen, Gitarren dieser Modelle und Hersteller zu spielen. Natürlich gab es seitdem viele verschiedene schöne und nicht sehr beliebte und nicht populäre Gitarren, aber es ist unwahrscheinlich, dass sich bis heute jemand etwas Bedeutenderes einfallen ließ, wenn Sie die Klangverarbeitung nicht berücksichtigen. Natürlich gibt es verschiedene Neuerungen, wie das Hinzufügen einer siebten und sogar einer achten Saite (in der Regel sind dies Gitarren, die für Bands und Musiker mit extremen Stilen und Trends bestimmt sind), aber all dies sind Phänomene, die „nicht kommen in ihrer Bedeutung den oben aufgeführten "Entdeckungen" nahe.
Aber das Interessanteste ist, dass die Gitarre trotzdem eine Gitarre geblieben ist. Aus irgendeinem Grund denken viele Menschen, die weit von der Musik entfernt sind, dass die E-Gitarre ein Musikinstrument ist, das nichts mit der klassischen Gitarre zu tun hat. Natürlich ist der Unterschied groß, vom Aussehen bis zur Spieltechnik, aber es ist immer noch ein und dasselbe Instrument mit (mit einigen Ausnahmen) derselben Stimmung und denselben Akkordgriffen, was bedeutet, dass die Akkorde der Songs bekannt sind mit gleichem Erfolg sowohl auf elektrischen als auch auf akustischen Gitarren aufgeführt.

EINE KURZE GESCHICHTE DER GITARRE UND IHRES GEGENWÄRTIGEN ZUSTANDES

Die Gitarre ist, wie Sie wissen, das spanische Nationalinstrument. Bis heute ist die Herkunft der Gitarre nicht genau geklärt. Es muss davon ausgegangen werden, dass sein Vorbild die assyrisch-babylonische Kefara oder die ägyptische Kithara ist. Sie könnte von den Römern (lateinische Gitarre) oder den Arabern (maurische Gitarre) auf die Iberische Halbinsel gebracht worden sein. Auf der ersten spielten sie mit der „punteado“-Technik, das heißt mit einer Prise, auf der zweiten, die eine schärfere Klangfülle hatte, spielten sie mit der „rasgueado“-Technik, das heißt, indem sie die Saiten mit aller Kraft rasselten Finger der rechten Hand.

Aus der Verschmelzung dieser beiden Spielarten der antiken Cithara entstand vermutlich erst im 16. Jahrhundert die Gitarre des modernen Typs, oder jedenfalls nahe daran. Wir haben einen indirekten Hinweis auf diesen doppelten Ursprung der Gitarre in einer anderen Spielweise als heute: Folk - "rasgueado", - aus der maurischen Gitarre stammend, und professionell - "punteado", - aus der lateinamerikanischen Gitarre stammend .

Zum Zeitpunkt des Eindringens in andere europäische Länder (XVI-XVII Jahrhundert) hatte die Gitarre fünf Saiten, die wie die verwandte Laute im Viertelverhältnis gestimmt waren. Es ist nicht sicher, ob die sechste Saite in Deutschland oder Italien hinzugefügt wurde. In dieser endgültigen Form erwarb die Gitarre die Rechte eines ernsthaften Instruments. Aufgrund dieser Erweiterung ihrer musikalischen Möglichkeiten erlebte die sechssaitige Gitarre ihre erste Blütezeit (Ende des 18. Jahrhunderts bis Mitte des 19. Jahrhunderts). Während dieser Zeit entwickelte sich die Gitarre weiter ganze Linie brillante Virtuosen und Komponisten, wie die Spanier Aguado und Sor und die Italiener Giuliani, Leniani, Carcassi, Carulli, Tsani de Ferranti, Regondi, Moretti und andere. Die Konzerttätigkeit dieser Gitarristen in europäischen Ländern hat die Gitarre auf ein hohes professionelles Niveau gehoben und ihr viele Anhänger unter den größten Musikern, Dichtern und Schriftstellern eingebracht. Einige von ihnen – die Komponisten Monteverdi, Rossini, Gretry, Ober, Donizetti, Verdi, Massenet – verwendeten die Gitarre in ihren Opern; andere – die Komponisten Lully, Weber, Diabelli, Berlioz, Gounod – spielten selbst Gitarre; andere - Glinka, Tschaikowsky - liebten es, Gitarre zu hören. Besonders hervorzuheben ist, dass der berühmte Geiger Paganini gleichzeitig ein ausgezeichneter Gitarrist war und eine Reihe von Werken für die Gitarre geschrieben hat. Dichter und Schriftsteller: Goethe, Kerner, Lenau, Byron, Shelley, Derzhavin, Puschkin, Lermontov, L. Tolstoi, Baudelaire und viele andere liebten die Gitarre und widmeten ihr mehr als eine Seite in ihren Werken.

Die Blütezeit der Gitarre, die fast bis zum Ende des 19. Jahrhunderts andauerte, wurde vor allem durch das Aufkommen des Hammerklaviers von ihrem Niedergang abgelöst. Seit Beginn des 20. Jahrhunderts erleben wir jedoch eine Zeit einer neuen Blütezeit der Gitarre, offenbar verursacht durch eine veränderte Einstellung der breiten Öffentlichkeit zu ihr als einem alten und einem der ausdrucksstärksten Volksinstrumente . In der Folge traten eine Reihe außergewöhnlich begabter Gitarrenvirtuosen, meist Spanier, auf: Tarrega, Llobet, Segovia, Pujol und andere, die die Kunst des Gitarrenspiels perfektionierten und die Gitarre anderen traditionellen Soloinstrumenten gleichstellten. Und wieder, wie in der Ära der ersten Blütezeit, zieht die Gitarre viele Freunde unter den prominentesten Komponisten wie Turin, de Falla, Pons, Roussel und anderen an.

In unserem Land wurde es zusammen mit weit verbreitet sechssaitige gitarre Seine Variante ist eine siebensaitige Gitarre, hauptsächlich mit einer Tertian-Stimmung.

Akkordeon, Knopfakkordeon

Geschichte und Sorten Reed-Instrumente(Akkordeon, Knopfakkordeon usw.)

Ein Akkordeon ist ein Musikinstrument, bei dem Töne durch frei gleitende Metallzungen erzeugt werden - dünne Platten, die unter der Wirkung eines von Bälgen gepumpten Luftstroms vibrieren. Mit der linken Hand steuert der Spieler den Balg und drückt auch die Bass- und Akkordknöpfe, um die Melodie zu begleiten, die mit der rechten Hand gespielt wird.

In Russland, in Moskau, gibt es das beste und umfangreichste Harmonikmuseum der Welt (es gibt 4 solcher Museen auf der Welt: es gibt auch das Museum für nationale Harmonik in Deutschland in Klingenthal, das Museum für Harmonik in Italien in Castelfidardo und das Akkordeonmuseum in den USA in .Super Ior-Delucy).

Allgemeine Entwicklungsgeschichte der Rohrblattinstrumente

Das erste bekannte Instrument mit dem Rohrblattprinzip der Tonextraktion ist das alte östliche Sheng (entstanden in Burma, Tibet, Laos und China). Das genaue Herstellungsdatum dieses Instruments ist unbekannt, aber es wird angenommen, dass es über 2.000 Jahre alt ist. Sie galt als „reines“ Instrument, also geeignet für die Aufführung geistlicher Musik. Um 700 n. Chr Das Sheng war ein verbessertes populäres Instrument, das in 12 Tonarten gespielt werden konnte, und für diese Instrumente wurde ein Harmonielehrbuch erstellt.



Das Erscheinen von Mundharmonikas, Knopfakkordeons und Akkordeons in Russland

Das Erscheinen der Harmonik in Russland geht auf den Beginn der 40er Jahre des 19. Jahrhunderts zurück. privilegierte Bevölkerungsschichten, wie in angegeben Literarische Quellen, kaufte Handharmonikas im Ausland, und durch Leibeigene erschienen Mundharmonikas und wurden in den Dörfern populär. Es besteht die Vermutung, dass die Mundharmonikas von ausländischen Handwerkern importiert und in den Waffenfabriken von Tula bestellt wurden.
Unter Tula-Handwerkern gab es die Meinung, dass die Büchsenmacher Sizov und Shkunaev Mundharmonikas erfunden haben. Einigen Berichten zufolge wurden sie in den 30er Jahren des 19. Jahrhunderts hergestellt. In der Provinz Tula ist jedoch nicht bekannt, von welcher Art von Harmonik gesprochen wird - von Mundstücken oder manuellen.



Allgemeine Informationen zum Gerät der Oberschwingungen

Als Mundharmonika können alle Musikinstrumente bezeichnet werden, deren Klang von einer Metallzunge (Stimme) wiedergegeben wird, die frei durchgleitet und unter der Wirkung eines Luftstroms vibriert. Die Luft in den Mundharmonikas wird mit Hilfe eines Hand- oder Fußbalgs (Handharmonikas, Harmoniums), eines Ventilators (Organolas, Orgeln) zugeführt oder durch die Lungen des Spielers aus- und eingeatmet (Mundharmonikas). Bei allen modernen Mundharmonikas ist das Rohrblatt mit Nieten an einem Ende auf einer Metallbasis befestigt, die als Rahmen (Chassis) bezeichnet wird. Der Rahmen zusammen mit der genieteten Zunge wird als Bar bezeichnet.



Sheng (Gonofui, Ken, Lusheng)

Sheng ist eines der ältesten Instrumente der Mundharmonika-Familie mit Ursprung in Burma, Tibet, Laos und China. Laut alten chinesischen Manuskripten (2-3 Tausend Jahre v. Chr.) haben Wissenschaftler den frühesten Namen des Instruments festgelegt - Yu. Dann wurde es chao, ho, sheng genannt - abhängig von der Form und dem Material, das für seine Herstellung verwendet wurde. Andere Sorten von Sheng sind ebenfalls bekannt - Chonofui oder Gonofui (Japan), Ken (Laos), Lusheng und Hulusheng (Südwestchina). In Russland und anderen europäischen Ländern wurden Shengs manchmal als chinesische Mundharmonikas bezeichnet.



Bibelharmonika, Orchestrion, Elodicon

Als in Europa die ersten Musikinstrumente auftauchten, die auf dem neuen Prinzip der Klangerzeugung (einer gleitenden Metallzunge) bauten, verwendeten Orgelbauer die alten Formen von Musikinstrumenten: tragbare Orgel, Insignien, positive (tragbare) Orgel usw. Dies ist deutlich zu sehen am Beispiel der ersten Instrumente dieser Art.

Synthesizer

Ein elektronisches Musikinstrument, das Töne mit einem oder mehreren Schallwellengeneratoren synthetisiert. Der gewünschte Klang wird durch Ändern der Eigenschaften des elektrischen Signals (bei analogen Synthesizern) oder durch Einstellen der Parameter des Zentralprozessors (bei digitalen Synthesizern) erreicht.

Ein Synthesizer in Form eines Gehäuses mit einer Tastatur wird als Tastatursynthesizer bezeichnet.
Ein Synthesizer in Form eines Gehäuses ohne Tastatur wird als Synthesizermodul bezeichnet und von einem MIDI-Keyboard gesteuert.
Wenn ein Keyboard-Synthesizer mit einem eingebauten Sequenzer ausgestattet ist, wird er als Workstation bezeichnet.
Arten von Synthesizern:

Abhängig von der verwendeten Technologie werden Synthesizer in mehrere Typen unterteilt:

Analoge Synthesizer implementieren additive und subtraktive Synthesearten. Das Hauptmerkmal analoger Synthesizer ist, dass der Klang mit echten elektrischen Schaltkreisen erzeugt und verarbeitet wird. Oft erfolgt die Verbindung verschiedener Synthesemodule mit speziellen Kabeln - Patch-Drähten, daher ist „Patch“ die gebräuchliche Bezeichnung für eine bestimmte Klangfarbe eines Synthesizers unter Musikern.

Der Hauptvorteil von analogen Synthesizern besteht darin, dass alle zeitlichen Änderungen in der Beschaffenheit des Klangs, wie z. B. die Bewegung der Filter-Cutoff-Frequenz, extrem glatt (kontinuierlich) erfolgen. Zu den Nachteilen gehören hohes Niveau Rauschen ist das Problem der Stimminstabilität nun überwunden. Zu den berühmtesten heute verwendeten analogen Synthesizern gehören: Mimimoog Voyager, LittlePhatty, Prophet '08, Andromeda A6.

Virtuelle analoge Synthesizer sind eine Mischung aus einem analogen und einem digitalen Synthesizer, die eine Softwarekomponente in ihrem Körper tragen. Die bekanntesten unter ihnen sind: Access Virus TI, Nord Lead 2x, Nord Modular, DSI Poly Evolver.

Digitale Synthesizer umfassen digitale Synthesizer selbst sowie ihre Variationen: virtuelle Synthesizer-Plugins / eigenständige und interaktive Synthesizer. Sie implementieren verschiedene Arten der Synthese. Zum Erstellen und Abspielen von Original-Wellenformen, Modifizieren des Sounds mit Filtern, Hüllkurven usw. Es werden digitale Geräte verwendet, die auf einem zentralen Prozessor und mehreren Coprozessoren basieren.

Tatsächlich ist ein digitaler Synthesizer ein hochspezialisierter Computer. Die fortschrittlichsten Modelle moderner digitaler Synthesizer (Korg OASYS, Roland Fantom, Yamaha Tyros) ermöglichen es Ihnen, wie PCs, das Betriebssystem zu aktualisieren, enthalten Seitenmenüs, integrierte Hilfedateien, Bildschirmschoner usw.

Virtuelle Synthesizer sind eine Untergruppe digitaler Synthesizer, aber sie sind eine spezielle Art von Software. Zur Tonerzeugung werden der Zentralprozessor und das RAM eines Personalcomputers verwendet, und zur Tonausgabe an ein Wiedergabegerät wird eine PC-Soundkarte verwendet.

Virtuelle Synthesizer können sowohl eigenständige Softwareprodukte als auch Plug-Ins eines bestimmten Formats (VST, DXi, RTAS, TDM, LADSPA usw.) sein, die für die Ausführung innerhalb des Host-Programms entwickelt wurden, normalerweise ein Mehrkanal-Recorder (Cubase VST, Cakewalk Sonar, Logic Pro, Pro Tools, Ardour usw.). Высокая доступность обуславливает растущую популярность виртуальных синтезаторов, в том числе моделей реально существующих инструментов (например, Native Pro53 – эмулятор синтезатора Prophet, Novation V-Station – эмулятор синтезатора Novation K-Station, Korg Legacy – эмуляторы синтезаторов Korg M1, Wavestation, PolySix, MS20 usw.).

>Interaktive oder Heim-Synthesizer sind auch eine Vielzahl von digitalen Synthesizern, die speziell für das Amateurmusikmachen zu Hause und in Salons sowie für die interaktive Musikausbildung entwickelt wurden. Typischerweise verfügen diese Synthesizer nicht über die Mittel zur erweiterten Klangbearbeitung, einschließlich Echtzeitsteuerung. Der Schwerpunkt liegt auf der realistischen Nachahmung einer Vielzahl von Orchesterinstrumenten und der Nutzung der automatischen Begleitfunktion. In diesem Fall muss der Interpret, um ein beliebiges Musikstück zu spielen, keine Stimmen programmieren oder Teile in den Sequenzer aufnehmen – wählen Sie einfach eine vorgefertigte Stimme für eine Melodie und einen Stil für die automatische Begleitung.

Natürlich ist die Steuerung solcher Synthesizer viel einfacher als bei professionellen Aufführungsmodellen und oft sogar für ein Kind zugänglich. Viele Synthesizer dieser Art beinhalten Lernspiele wie „Rate die Note“ oder „Rate den Akkord“, Sammlungen vorgefertigter Musik zum Hören und Lernen, eine Karaoke-Funktion mit Anzeige von Liedtexten auf dem Bildschirm usw. Diese Kategorie von Synthesizern umfasst die Familien Yamaha PSR, Casio CTK / WK, Roland E / VA / EXR usw.

Klangsynthesearten:

Abhängig von der Methode zur Erzeugung von Schallwellen und ihrer Transformation kann die Klangsynthese wie folgt klassifiziert werden:

Summierende (additive) Synthese, die das Prinzip der Überlagerung (Superposition) mehrerer Wellen einer einfachen (normalerweise sinusförmigen) Form mit unterschiedlichen Frequenzen und Amplituden verwendet. In Analogie zu elektrischen Orgeln werden diese Wellen als Register bezeichnet und mit 16' (Ton eine Oktave tiefer als genommen), 8' (Anfangston), 4' (Ton eine Oktave höher als genommen) usw. bezeichnet. (Die Zahl ist die Pfeifenlänge des entsprechenden Orgelregisters in Fuß). In seiner reinen Form ist es in elektrischen Orgeln (Hammond, Farfisa) und ihren digitalen Emulatoren (Korg CX-3, Roland VK-8 usw.) zu finden. Der Klang des Instruments ist umso satter, je mehr Register bei der Konstruktion verwendet werden.

Subtraktive (subtraktive) Synthese, bei der die ursprüngliche arbiträre Wellenform die Klangfarbe ändert, wenn sie eine Vielzahl von Filtern, Hüllkurvengeneratoren, Effektprozessoren usw. durchläuft. Als Teilmenge ist diese Art der Synthese in fast allen modernen Synthesizermodellen weit verbreitet.

Operator (FM, aus dem englischen Frequency Modulation) Synthese, bei der das Zusammenspiel (Frequenzmodulation und Summierung) mehrerer Wellen einfacher Form stattfindet. Jede Welle wird zusammen mit ihren Eigenschaften als Operator bezeichnet, eine bestimmte Konfiguration von Operatoren bildet einen Algorithmus. Je mehr Operatoren beim Design des Synthesizers verwendet werden, desto reicher wird der Klang des Instruments. Der bis heute beliebte Synthesizer Yamaha DX-7 (1984) beispielsweise verfügt über 6 Operatoren, die von 36 verschiedenen Algorithmen konfiguriert werden.

Physikalische Synthese, bei der durch den Einsatz leistungsfähiger Prozessoren reale physikalische Vorgänge in Musikinstrumenten der einen oder anderen Art simuliert werden. Beispielsweise sind die Parameter für Windpfeifeninstrumente wie eine Flöte die Länge, das Profil und der Durchmesser des Rohrs, die Luftströmungsrate, das Körpermaterial; für Streichinstrumente - Korpusgröße, Material, Saitenlänge und -spannung etc. Physikalische Synthese wird von Instrumenten wie Yamaha VL-1, Korg OASYS, Alesis Fusion usw. verwendet.

Wavetable (PCM)-Synthese, bei der der Klang durch das Abspielen von Fragmenten des Klangs echter Musikinstrumente (Samples und Multisamples) erzeugt wird, die zuvor im Speicher des Instruments aufgezeichnet wurden. Der bekannteste Synthesizer in dieser Gruppe ist der Waldorf Wave, auch bekannt als der teuerste Synthesizer der Welt.

Hybridsynthese, die die eine oder andere Kombination verschiedener Klangsynthesemethoden verwendet, z. B. „Summieren + Subtrahieren“, „Welle + Subtrahieren“, „Operator + Subtrahieren“ usw. Die meisten modernen Instrumente werden auf der Grundlage der Hybridsynthese erstellt, da sie über sehr leistungsfähige Werkzeuge verfügt, um die Klangfarbe über den weitesten Bereich zu variieren.

Steuerung eines modernen Synthesizers:

Die Steuerung eines modernen professionellen Synthesizers ist ein komplexer Prozess, der mit der Steuerung mehrerer hundert oder sogar tausend verschiedener Parameter verbunden ist, die für bestimmte Aspekte des Klangs verantwortlich sind. Einige Parameter können in Echtzeit mit Drehknöpfen, Rädern, Pedalen und Tasten gesteuert werden; andere Parameter werden für vorprogrammierte zeitliche Änderungen bestimmter Merkmale verwendet. Klangfarben (Patches) digitaler Synthesizer werden in diesem Zusammenhang auch oft als Programme bezeichnet.

Tastatur- und dynamisches Tracking werden verwendet, um die Position und Geschwindigkeit eines Tastenanschlags zu verfolgen. So kann beispielsweise beim Wechsel von den unteren zu den oberen die Klangfarbe fließend von Cello zu Flöte wechseln, und bei kräftigerem Tastendruck werden Pauken zum Gesamtklang hinzugefügt.

Eine Hüllkurve wird verwendet, um einen bestimmten Parameter eines Sounds nicht periodisch zu ändern. Typischerweise ist die Hüllkurve eine unterbrochene Linie bestehend aus Attack (Attack), Decay (Decay), Support (Sustain) und Decay (Release) (siehe auch ADSR-Hüllkurve), in verschiedenen Synthesizer-Modellen findet man sie jedoch einfacher ( ADR ) sowie komplexere mehrstufige Hüllkurven. Die Gesamtzahl der Hüllkurven ist ein wichtiges Merkmal eines Synthesizers.

Der Filter dient dazu, ein bestimmtes Frequenzband aus dem gesamten Signalspektrum herauszuschneiden. Oft ist das Filter auch mit Resonanz ausgestattet, was es ermöglicht, das Frequenzband an der Cutoff-Grenze stark anzuheben. Das Ändern der Filtereigenschaften mit Echtzeitsteuerung, Keyboard-Tracking und/oder Hüllkurven ermöglicht Ihnen extrem vielfältige Klangoptionen. Die Gesamtzahl der Filter ist ein wichtiges Merkmal eines Synthesizers.

Mit dem Ringmodulator können Sie das Originalsignal mit einem anderen Signal mit einer bestimmten (festen oder schwebenden) Frequenz modulieren, wodurch eine erhebliche Anreicherung mit Obertönen erfolgt. Der Name „Ring“ (dt. „Ruf“) rührt daher, dass dieser Knoten oft dazu dient, einen „glockenartigen“ Klang des Instruments zu erhalten.

Der Low Frequency Oscillator wird verwendet, um bestimmte Parameter des Sounds wie Tonhöhe, Lautstärke, Filter-Cutoff-Frequenz usw. periodisch zu ändern. Bei einer zyklischen Lautstärkeänderung entsteht ein Tremolo-Effekt, bei einer Tonhöhenänderung ein Vibrato-Effekt, bei einer periodischen Änderung der Filtergrenzfrequenz spricht man vom „Wah-Wah“-Effekt.

Die Effektverarbeitung wird verwendet, um den Sound zu finalisieren. Moderne Synthesizer sind normalerweise mit einer ziemlich großen Anzahl von Effektprozessoren ausgestattet (z. B. Korg Karma - 8 Prozessoren, Roland Fantom - 6 Prozessoren usw.). Die Prozessoren arbeiten unabhängig voneinander, obwohl sie auf Wunsch zu seriellen Schaltungen kombiniert werden können. Moderne Effektprozessoren implementieren eine große Anzahl von räumlichen (Reverb, Delay, Echo), Modulation (Flange, Chorus, Phaser) und anderen (Overamp, Frequency Shift, Harmonic Enrichment) Effektalgorithmen.

Die fortschrittlichsten Modelle verfügen über die Möglichkeit, Effektparameter über Echtzeitsteuerungen, Hüllkurven, LFOs und mehr zu steuern.

Die Mechanik des modernen Klaviers wurde vom italienischen Meister Cristofori Ende des 17. Jahrhunderts erfunden (das offizielle Datum ist ca. 1709), bei seinem Entwurf befanden sich die Hämmer unter den Saiten. Das Instrument hieß gravicembalo col piano e forte, - Pianoforte - und später wurde der Name des Klaviers festgelegt.

Die Erfindung von Cristofori markierte den Beginn der Entwicklung der Mechanik des englischen Systems. Andere Arten von Mechanik wurden von Marius in Frankreich (1716) und Schroeter in Deutschland (1717-21) entwickelt. Sebastian Erard erfand die Double Rehearsal Mechanic, die es ermöglichte, Ton durch schnelles erneutes Drücken der Taste aus der Mitte zu extrahieren. In der Mechanik des englischen Systems war eine solche Wiederholung nur bei voll angehobener Taste möglich.

In Russland wurde das Klaviergeschäft vor allem mit St. Petersburg in Verbindung gebracht. Allein im 18. Jahrhundert wirkten dort mehr als 50 Klaviermeister. Die Entwicklung der werkseigenen Klavierproduktion in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts wurde durch die Aktivitäten des ersten russischen Klavierherstellers, Lieferanten des kaiserlichen Hofes, des englischen Meisters G. Faverier, des deutschen Meisters I.-A. Tischner, K.-I.Wirth, A.-H.Schroeder, I.-F.Schroeder und seit 1840 der Belgier G.-G.Lichtental. Bis heute sind die Namen von mehr als 600 Klaviermeistern bekannt, die vor der Revolution von 1917 in Russland gearbeitet haben.Der Klaviermeister des St. Petersburger Konservatoriums, Kandidat der philologischen Wissenschaften, Sergeev M. V., beschäftigt sich mit diesen Studien.
Mitte des 19. Jahrhunderts wurden in Deutschland, in den USA, die Fabriken von J. Blutner, K. Bechstein eröffnet - Steinway and Sons, die jahrelang ihresgleichen suchten.
Im 20. Jahrhundert tauchten grundlegend neue Instrumente auf - elektronische Klaviere und Synthesizer sowie eine besondere Form der Klangerzeugung - ein präpariertes Klavier.

Das erste eigens für Klavier geschriebene Musikstück erschien 1732 (Sonate von Lodovico Giustini). Vierzig oder fünfzig Jahre später, in den Tagen von Haydn und Mozart, begannen jedoch zahlreiche Komponisten, sich mehr auf das Klavier als auf das Cembalo zu konzentrieren.

Klaviere werden in Flügel – Instrumente mit horizontalen Saiten – und Klaviere unterteilt. Das erste bekannte vertikale Klavier wird K. E. Friederici (Gera, Deutschland) zugeschrieben, der es 1745 schuf 1748 baute auch G. Silbermann die gleichen Instrumente. Sorten vertikaler Klaviere - Pyramidenklaviere, Klavierleier, Klavierbüro, Klavierharfe usw. Seit Mitte des 19. Jahrhunderts wurden nur Klaviere und Flügel hergestellt.

Der Klang eines Klaviers wird durch Schlagen der Saiten mit einem Hammer erzeugt. Die Saiten werden mit Hilfe von Stiften (Stiften) auf einem gusseisernen Rahmen gespannt und durch die Höhen- und Basswirbel geführt, die auf das Resonanzdeck geklebt sind (beim Klavier befindet sich das Deck in einer vertikalen Position, bei Flügeln - in a horizontale Position). Für jeden Klang gibt es einen Saitenchor: drei für die mittleren und hohen Lagen, zwei oder eine für die tiefen. Der Tonumfang der meisten Klaviere beträgt 88 Halbtöne von der A-Subkontroktave bis zur 5. Oktave (ältere Instrumente können auf die A-Note der 4. Oktave von oben beschränkt sein; Sie können Instrumente mit einem größeren Tonumfang finden). In der Neutralstellung liegen die Saiten bis auf die letzten anderthalb bis zwei Oktaven an Dämpfern (Muffern) an. Wenn die Tasten gedrückt werden, wird eine Vorrichtung aus Hebeln, Riemen und Hämmern, genannt Klaviermechanik, aktiviert. Nach dem Drücken verlässt der Dämpfer den entsprechenden Saitenchor, damit die Saite frei klingen kann, und ein mit Filz (Filz) gepolsterter Hammer schlägt darauf.
Klavierpedale
Moderne Klaviere haben zwei oder drei (die neuesten Modelle haben vier) Pedale. Bei früheren Instrumenten wurden für den gleichen Zweck versenkbare Hebel verwendet, die der Pianist mit seinen Knien drücken musste.
Das rechte Pedal (manchmal einfach als "Pedal" bezeichnet, weil es am häufigsten verwendet wird) hebt alle Dämpfer gleichzeitig an, sodass beim Loslassen der Taste die entsprechenden Saiten weiter erklingen. Außerdem beginnen auch alle anderen Saiten des Instruments zu schwingen und werden zu einer sekundären Klangquelle. Das rechte Pedal wird für zwei Zwecke verwendet: um die Folge extrahierter Klänge untrennbar zu machen (Legato-Spiel), wo es aufgrund technischer Schwierigkeiten nicht mit den Fingern möglich ist, und um den Klang mit neuen Obertönen anzureichern. Es gibt zwei Möglichkeiten, das Pedal zu verwenden: ein direktes Pedal – Drücken des Pedals vor dem Drücken der zu haltenden Tasten, und ein verzögertes Pedal, wenn das Pedal unmittelbar nach dem Drücken der Taste und vor dem Loslassen gedrückt wird. In Noten wird dieses Pedal mit dem Buchstaben P (oder der Abkürzung Ped.) bezeichnet, und seine Entfernung ist mit einem Sternchen gekennzeichnet. In der Musik von Komponisten der Epochen der Romantik und des Impressionismus findet man diese Bezeichnungen oft, meist um dem Klang eine besondere Würze zu verleihen.
Mit dem linken Pedal wird der Ton gedämpft. Bei Flügeln wird dies dadurch erreicht, dass die Hämmer nach rechts verschoben werden, sodass sie statt der drei Saiten des Chors nur noch zwei (früher manchmal nur eine) anschlagen. Bei einem Klavier rücken die Hämmer näher an die Saiten heran. Dieses Pedal wird viel seltener verwendet. In Noten ist es mit una corda gekennzeichnet, seine Entfernung mit tre corde oder tutte le corde. Zusätzlich zum Abschwächen des Klangs können Sie durch die Verwendung des linken Pedals beim Klavierspielen den Klang weicher machen, ihn wärmer und schöner aufgrund der Vibration der freigesetzten Chorsaiten machen.
Das mittlere (oder dritte, da es historisch zuletzt hinzugefügt wurde) Pedal oder Sostenuto-Pedal dient dazu, die Dämpfer selektiv anzuheben. Wenn das mittlere Pedal gedrückt wird, bleiben die beim Drücken der Tasten angehobenen Dämpfer angehoben, bis das Pedal entfernt wird. Es kann wie das rechte Pedal zum Legato-Spielen verwendet werden, bereichert den Klang jedoch nicht mit der Vibration der anderen Saiten. Dieses Pedal fehlt heute bei den meisten Klavieren und ist bei den meisten Flügeln vorhanden. Es gibt Klaviere, bei denen das mittlere Pedal nach links „gleitet“ und somit fixiert wird, während zwischen Hämmer und Saiten ein spezielles Gewebe gelegt wird, wodurch der Klang sehr leise wird, was es dem Musiker ermöglicht, z. in der Nacht.
Das Klavier kann sowohl als Soloinstrument als auch zusammen mit einem Orchester (z. B. in Klavierkonzerten mit Orchester) eingesetzt werden. Klavierspielen ist eine Aktivität, die eine gute Technik, Aufmerksamkeit und Hingabe erfordert. Es wird empfohlen, mit dem Training zu beginnen Kindheit. An Kindermusikschulen (DMSH) in Russland dauert die Ausbildung je nach Programm 5 oder 7 Jahre, einige Schüler bleiben nach dem Abschluss noch ein oder zwei Jahre, bevor sie eine Musikschule besuchen. Nach einer Musikschule oder einer gleichwertigen Ausbildung können Sie Ihr Studium an einer Musikschule oder Hochschule und dann an einem Konservatorium, einer Universität fortsetzen und professioneller Pianist werden. Auch in der Musikschule ist Allgemeines Klavier für fast alle Studienrichtungen Pflichtfach. Herausragende Pianisten des 20. Jahrhunderts - Sergei Rachmaninov, Emil Gilels, Svyatoslav Richter, Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein, Glenn Gould und andere.
Das Klavier erfordert die richtigen Pflegebedingungen sowie regelmäßiges Stimmen, da die Spannung der Saiten des Instruments mit der Zeit nachlässt. Die Häufigkeit des Stimmens hängt von der Klasse des Instruments, der Qualität seiner Herstellung, seinem Alter, den Wartungs- und Betriebsbedingungen ab. Das Stimmen wird in der Regel nicht vom Interpreten selbst durchgeführt, sondern von einem Spezialisten - einem Meisterklavierstimmer, obwohl theoretisch jeder dies tun kann, wenn er ein elektronisches Stimmgerät zur Hand hat und die genauen Frequenzeigenschaften jeder Saite kennt stimmen, auch wenn er kein musikalisches Ohr hat.
Es ist eine der Nominierungen der Delphischen Spiele.