Was ist ein bild in der literatur. Modulare Malereien im Innenraum

Malen- ein Gemälde, das einen vollständigen Charakter hat (im Gegensatz zu einer Skizze und einer Skizze) und unabhängig ist künstlerischer Wert. Es besteht aus einem Untergrund (Leinwand, Holz- oder Metallplatte, Pappe, Papier, Stein, Seide usw.), einer Grundierung und einer Farbschicht. Die Malerei gehört zu den Arten der Staffeleikunst. Bilder gibt es in verschiedenen Genres. Bei der Erstellung eines Bildes verlässt sich der Künstler auf die Natur, aber kreative Vorstellungskraft spielt in diesem Prozess eine wichtige Rolle. Das Ende des 19. Jahrhunderts war in ganz Europa von einem neuen, dynamischen Weltbild geprägt. Der Künstler der Jahrhundertwende musste dem sich ständig verändernden Leben entsprechen: nicht so sehr, um die Welt um ihn herum abzubilden (Fotografie und Kino tun dies jetzt), sondern um seine Individualität, seine ausdrücken zu können Innere, eigene Vision. Der Höhepunkt der Kunst wurde in den Gemälden herausragender Maler erreicht. In den diversen Strömungen der Moderne kommt es zu einem Handlungsverlust und einer Absage an die Gegenständlichkeit, wodurch der Bildbegriff deutlich revidiert wird. Einige Künstler, die verschiedenen Malschulen angehören, haben sich davon entfernt, die Welt (Menschen, Tiere, Natur) so darzustellen, wie wir sie sehen. Auf ihren Gemälden erscheint die Welt deformiert, manchmal völlig unkenntlich, weil sich die Künstler mehr von ihrer Vorstellungskraft als von der visuellen Wahrnehmung der uns umgebenden Phänomene leiten lassen.

Die Malerei spielt eine wichtige Rolle in der Entwicklung der Malerei.

Eine Reproduktion kann auch als Gemälde bezeichnet werden, wenn es im jeweiligen Zusammenhang egal ist, ob es sich um eine Kopie handelt oder Originalarbeit.

Bild in einer figurativen oder mehr allgemeine Bedeutung- jedes vollständige, integrale Kunstwerk, einschließlich lebender und Lebhafte Beschreibung, mündlich oder schriftlich, Art der Natur.

Malerei ist die Kunst der Fläche und einer Sichtweise, wo Raum und Volumen nur in der Illusion existieren. Malen durch Komplexität visuelle Mittel ist in der Lage, auf der Ebene eine solche Tiefe des illusorischen Raums und der Multidimensionalität zu schaffen künstlerische Wirklichkeit, die keiner anderen Darstellungsweise unterliegt. Jedes Bild erfüllt zwei Funktionen - malerisch und expressiv-dekorativ. Die Sprache des Malers ist nur dem recht verständlich, der sich der dekorativ-rhythmischen Funktionen der Bildfläche bewusst ist.

An der ästhetischen Wahrnehmung müssen alle Funktionen des Bildes (sowohl dekorative, flächige als auch malerische, räumliche) gleichzeitig teilnehmen. Ein Bild richtig wahrzunehmen und zu verstehen bedeutet, Oberfläche und Tiefe und Muster und Rhythmus und Bild gleichzeitig und untrennbar zu sehen.

Die ästhetische Wahrnehmung eines Gemäldes wird stark verbessert, wenn es in einen geeigneten Rahmen gestellt wird, der das Gemälde von der umgebenden Welt trennt. Die orientalische Malweise behält die traditionelle Form einer frei hängenden, entfalteten Schriftrolle (horizontal oder vertikal) bei. Das Bild ist, anders als die Monumentalmalerei, nicht fest mit einem bestimmten Interieur verbunden. Es kann von der Wand abgenommen und anders aufgehängt werden.

Die Tiefe des Illusionsraums der Malerei

Professor Richard Gregory beschrieb die "seltsamen Eigenschaften von Gemälden": "Gemälde sind eine einzigartige Klasse von Objekten, weil sie sowohl an sich sichtbar sind als auch als etwas ganz anderes als nur ein Blatt Papier, auf dem sie gezeichnet sind. Die Bilder sind paradox. Kein Objekt kann gleichzeitig an zwei Orten sein; kein Objekt kann gleichzeitig zweidimensional und dreidimensional sein. Und so sehen wir Bilder. Das Bild hat eine perfekt definierte Größe und zeigt gleichzeitig die wahre Größe menschliches Gesicht, Gebäude oder Schiff. Bilder sind unmögliche Objekte.

Die Fähigkeit eines Menschen, auf abwesende, in Bildern dargestellte, imaginäre Situationen zu reagieren, ist Meilenstein in der Entwicklung des abstrakten Denkens.

Wie Gemälde entstehen

Das Bild ist Spirituelle Welt der künstler, seine erfahrungen und gefühle auf leinwand oder papier ausgedrückt. Es ist schwierig zu erklären, wie Gemälde entstehen - es ist besser, es selbst zu sehen. Es ist unmöglich in Worte zu fassen, wie der Künstler über die Leinwand malt, mit welchem ​​Pinsel er die Leinwand berührt, welche Farben er auswählt. Während der Arbeit wird alles eins: der Künstler, der Pinsel und die Leinwand. Und schon nach dem ersten Pinselstrich in der Werkstatt beginnt der besondere Zauber der Malerei zu wirken.

Bilder sind nicht nur eine bemalte Leinwand, sie berühren Gefühle und Gedanken, hinterlassen Spuren in der Seele, wecken Vorahnungen.

Wie entsteht ein Gemälde?

Es scheint, Farben, Pinsel, auf Leinwand. Es mag eine andere universelle Antwort geben: auf unterschiedliche Weise.

Die Methoden der Bildbearbeitung haben sich im Laufe der Kunstgeschichte ständig verändert. Künstler Italienische Renaissance sie arbeiteten ganz anders als Rembrandt oder die „kleinen Holländer“ des 17. Jahrhunderts, die Romantiker – anders als die Impressionisten, Abstraktionisten, zeitgenössischen Realisten. Ja, und innerhalb der gleichen Ära und sogar in einer Richtung gibt es eine große Vielfalt.

Realistische Künstler der Vergangenheit und Gegenwart (wenn wir Realismus im weitesten Sinne des Wortes verstehen) verbindet Folgendes:

Erstellung eines Gesamtwerkes dieser Fall Gemälde, Porträts oder Landschaften, ist ohne ein tiefes Studium des Lebens, eine aktive Einstellung des Autors dazu unmöglich. Die Mittel der künstlerischen Lebenserkenntnis sind Arbeiten aus der Natur, visuelle Eindrücke, Analyse und Synthese von Lebensphänomenen.

Die Erstellung eines Gemäldes ist komplex und zeitaufwändig kreativer Vorgang, deren Ergebnisse nicht durch die aufgewendete Zeit bestimmt werden, sondern durch das Maß des Talents, des Könnens des Künstlers, der Stärke und Wirksamkeit der ursprünglichen figurativen Lösung. Meilensteine Dieser Prozess ist die Entstehung und Konkretisierung der Idee, direkte Beobachtungen, Skizzen, Skizzen aus der Natur, das eigentliche Malen des Bildes mit notwendigerweise kreativer, aktiver Verarbeitung von Lebensmaterial.

Und wenn sich ein Betrachter einem Gemälde in einem Museum oder einer Ausstellung nähert, muss er sich vor seinem eigenen Urteil daran erinnern, dass dahinter immer ein lebendiger Mensch steht, ein Künstler, der ein Stück seines Lebens, seines Herzens, seiner Nerven investiert hat , Talent und Geschick in der Arbeit. Man kann sagen, dass das Gemälde ein wahrgewordener Künstlertraum ist.

G. S. OSTROVSKII

Vollständigkeit des Bildes

Im Leben passiert viel zufällig - im Bild darf es keine solchen Unfälle geben, alles darin muss logischerweise abgeschlossen sein. Ab wann gilt ein Gemälde als fertig?

Der später und in unserer Zeit so hoch geschätzte pastose Bildstrich des Virtuosen Rembrandt löste bei Rembrandts Zeitgenossen nur Verwirrung aus und führte zu Spott und Witz auf seine Kosten. Gegenüber seinen Kritikern bestritt Rembrandt die Richtigkeit ihres Verständnisses von der Vollständigkeit eines Gemäldes und stellte ihnen sein eigenes Verständnis davon gegenüber, das er so formulierte: Das Bild sei dann als vollständig zu betrachten, wenn der Künstler alles gesagt habe, was er darin wollte . Um die Fragen, die ihn um die „Unvollständigkeit“ seiner Bilder quälten, nicht zu hören, ließ Rembrandt die naiven Besucher seines Ateliers, die mit großer Neugier auf die bravourösen Striche seiner Malerei blickten und sie damit erschreckten, nicht mehr an sich heran Tatsache, dass man sich den Gemälden nicht zu nahe nähern sollte, da der Geruch ihrer Farben ungesund ist.

Matisse über seine Malerei:

„Ich versuche nur, die Farben auf die Leinwand zu bringen, die mein Gefühl ausdrücken. Das notwendige Verhältnis von Tönen kann mich dazu bringen, die Form der Figur zu verändern oder die Komposition zu verändern. Bis ich dieses Verhältnis in allen Teilen des Bildes erreicht habe, schaue ich dafür und weiterarbeiten, dann kommt der Moment, wo alle Teile ihre endgültigen Proportionen haben, und dann kann ich das Bild nicht mehr anfassen, ohne es noch einmal zu machen.

Etwa seit den Impressionisten sind die Kategorien Zeichnung, Form und Farbe eng miteinander verbunden, zusammengewachsen, scheinen ein kontinuierlicher Prozess zu sein: Zeichnung und Farbe, Modellierung und Komposition, Ton und Linie erscheinen und entwickeln sich wie gleichzeitig. Der Prozess des Malens eines Bildes kann sozusagen endlos fortgesetzt werden, der Moment der Fertigstellung des Werks ist etwas willkürlich: Der Künstler kann es überall auf der Leinwand fortsetzen und neue Striche auf ähnliche, aber darunter liegende, anwenden. Der markanteste und konsequenteste Vertreter dieses Systems ist Cezanne. In Briefen und Gesprächsprotokollen formulierte er immer wieder diese gemischte oder besser gesagt undifferenzierte Malweise. Die Arbeit an einem Gemälde kann jederzeit unterbrochen werden, ohne dass das Werk seinen ästhetischen Wert verliert. Das Bild ist jederzeit fertig.

Die Verbindung des Bildraumes des Bildes mit dem realen Raum

Der Künstler und Kunsttheoretiker V. A. Favorsky betonte im Zuge der Kompositionstheorie, dass ein wahrhaft künstlerisches Werk von Geburt an eine doppelte Existenz hat: als Objekt im umgebenden Raum und als relativ geschlossene Welt mit eigenen räumlich-zeitlichen Beziehungen . In der Malerei wird dieses Ziel erreicht, indem die innere Struktur des Bildes mit dem Rahmen, in der Skulptur mit dem umgebenden Raum (ein klassisches Beispiel: eine Statue in einer Nische) abgestimmt wird.

Um den Bildraum mit dem realen Raum, in dem sich der Betrachter befindet, zu verbinden, wird ein Bilderrahmen verwendet. Künstler spielen auch mit mehrfacher „Reproduktion des Rahmens“ im Bild selbst, visuellen Reimen, Wiederholungen von Vertikalen und Horizontalen. Eine der charakteristischen Techniken, mit der Sie das Bild innerhalb der Grenzen eines rechteckigen Formats visuell "stärken" können, ist die "abgeschrägte Ecke". Durch die Trennung von Malerei und Architektur entstand ein bestimmtes Wahrnehmungssystem der Staffeleimalerei. Der Hauptinhalt des Bildes ist der Ausdruck einer ganzheitlichen Raumbetrachtung. Die Komposition verwandelt sich in eine Ausstellung, in der der Betrachter der veränderten Welt der raumzeitlichen Verhältnisse gegenübersteht und sich darin wie in einem Spiegel sieht. So wurde aus dem transparenten Glas der Renaissance ein Spiegel der Klassik und des Barock. Die Kunst der Nachrenaissance-Ära ist gekennzeichnet durch das Spiel mit Reflexionen im Spiegel, die Einführung von Figuren-Vermittlern in die Bildkomposition, Personen, die durch ihre Position, ihren Blick oder ihre Handbewegung auf die Handlung hinweisen, die sich im Bild abspielt Tiefen des Bildes, als würden sie zum Betreten einladen. Neben dem Rahmen gibt es in solchen Kompositionen ein Proskenium - den vorderen Teil der Bühne, hinter der Bühne, dann den Mittelgrund, in dem die Hauptaktion stattfindet, und den Hintergrund - die "Kulisse".

Der Künstler platziert die Hauptfiguren meist in der Mittelebene des Bildes, setzt sie auf eine gedankliche Horizontale wie auf einen Sockel. Aus der Position dieser Referenz horizontale Linie die Tiefe der "räumlichen Schicht" hängt davon ab (planimetrisch gesehen - über oder unter der unteren Kante des Bildrahmens). Die Horizontale um ein Vielfaches nach oben verschiebend, schafft der Maler einen bestimmten Bewegungsrhythmus in die Tiefe des imaginären Raums. Dadurch können Sie selbst auf einer kleinen Leinwand einen beliebig langen Raum mit beliebig vielen Figuren und Objekten darstellen. Bei einer solchen Ausstellung muss man den Betrachter gezielt darauf aufmerksam machen, dass manche Objekte näher, andere weiter entfernt sind. Dazu werden „Zeiger“ verwendet: Perspektivische Verkleinerung, Einbringen von großformatigen Landmarken (kleine Personenfiguren im Hintergrund), Überlappung von Plänen, tonaler Kontrast, fallende Schatten einer Lichtquelle innerhalb oder außerhalb des Bildes. Ein weiterer Bezugspunkt für die geistige Bewegung des Betrachters im Bildraum sind die Diagonalen, allen voran die „Eingangsdiagonale“ (meist von links nach rechts).

Bild im Bild

Bild im Bild

Picture in Picture kann in einer speziellen Kompositionsfunktion verwendet werden. Eine ähnliche hierarchische Organisation ergibt sich bei der Darstellung eines Bildes im Bild (sowie Fresken in Wandmalereien etc.).

"Bild im Bild" - Kompositionstechnik, gefunden in der Kunst der klassischen Malerei des XVI-XVII Jahrhunderts. Ein Bild im Bild kann mit einer besonderen verborgenen Bedeutung ausgestattet werden.

Die Kompositionstechnik „Bild im Bild“ kann mehrere Aufgaben erfüllen:

• eine Idee ausdrücken
• Erkläre die Handlung
• zu widersetzen oder Harmonie zu schaffen
• ein Detail der Situation sein (Innenraum)

Sehr oft kann das Bild eines Hintergrundes in einem Gemälde als eine Art Bild im Bild verstanden werden, also als eigenständiges Bild, das nach eigenen Gesetzmäßigkeiten aufgebaut ist. Gleichzeitig unterliegt das Bild des Hintergrunds in größerem Maße als das Bild der Figuren auf der Hauptebene rein dekorativen Aufgaben, wir können sagen, dass hier oft nicht die Welt selbst dargestellt wird, sondern die Szenerie dieser Welt, das heißt, nicht das Bild selbst wird dargestellt, sondern das Bild dieses Bildes.

Die Holländer haben eine Karte, einen Wandteppich, ein Gemälde, Fenster öffnen wie das im Bild enthaltene Bild die Grenzen der Welt erweitert oder dazu dient, die allegorische Bedeutung der Haupthandlung zu entwickeln. Vermeer, der den Schleier der Werkstatt öffnet, wird zu einem Führer durch drei Realitätsebenen: den Raum des Betrachters, den Raum seiner Werkstatt, den Raum des Kunstwerks (die Leinwand, die auf der Staffelei steht), und vergleicht diese Metamorphosen zum Schwimmen auf den aufgemalten Ozeanen geografische Karte oder über kartiertes Land fliegen.

Die Überflutung von Realität – Kunst – Mythos ist auch bei Velazquez zu beobachten, der gerne auf die „Bild im Bild“-Technik zurückgreift, wofür Meninas und Spinners ein Beispiel sein können.

„Bild im Bild“ ist auch in „Venus vor einem Spiegel“ von Velasquez, aber der beschlagene Spiegel spiegelt nur den Schatten der Liebesgöttin.

Gemälde und Rahmen

Jedes Bild, das von einem Künstler geschaffen wurde, mit Ausnahme von alten Felsmalereien, hat einen Rahmen. Rahmung ist notwendig und Ein wichtiger Teil Komposition, sie vervollständigt sie, gibt Einheit. Der Rahmen kann sich auf derselben Ebene wie die Bild- oder Grafikkomposition selbst befinden. Es kann auch gezielt als eine Art Reliefform mit Hilfe von dekorativen, skulpturalen und architektonischen Elementen gestaltet werden. Meistens gibt es rechteckige Rahmen, etwas seltener - rund und oval.

Der Rahmen hilft, das Gemälde hervorzuheben Umfeld als etwas Besonderes und Aufmerksamkeitswürdiges, verbindet es aber gleichzeitig mit der Umgebung. Wenn also der Stil des Rahmens mit dem künstlerischen Erscheinungsbild, der Struktur und dem Charakter des Innenraums übereinstimmt, in dem sich das Bild befindet, trägt dies zur Integrität des Ensembles bei. Je nach Farbe, Sättigung mit dekorativen und skulpturalen Details beeinflusst der Rahmen maßgeblich den Gesamteindruck des Bildes. All dies ermöglicht es uns, über die Einheit von Bild und Rahmen zu sprechen, wobei die Rahmung natürlich nicht die Hauptfunktion, sondern eine sehr notwendige Funktion erfüllt.

Die Entwicklung der Staffeleimalerei war komplex. Was für ein heller Meilenstein in seiner Geschichte war der Übergang vom Mittelalter zur Renaissance! Das bedeutendste daran war der Wunsch, sich von der Steifheit und Abstraktion des Ikonenbildes zu lösen, das das Mittelalter beherrschte. Ungefähr im 14. Jahrhundert wurde ein Gemälde im modernen Sinne des Wortes geboren, und mit ihm erschien ein Rahmen, der immer noch in die Spitze einer gotischen Landschaft gekleidet war.

Die ersten Rahmen standen dem Gesamtbild nicht vollständig gegenüber und waren nicht von ihm getrennt; Die Materialien beider waren ähnlich, die bedingte Vergoldung des Hintergrunds, beispielsweise einer alten russischen oder byzantinischen Ikone, wurde auf den Rahmen übertragen, und das Bild selbst „spritzte“ oft darauf. Dann wurden die Grenzen zwischen Bild und Rahmen immer deutlicher erkennbar. Als eine Art Erinnerung an vergangene Jahrhunderte behielt der Rahmen dennoch seine goldene Farbe. Als der goldene Hintergrund, der die Welt des Göttlichen bezeichnete, aus dem Gemälde verschwand, wurde die Vergoldung des Rahmens bedingt wahrgenommen, mit anderen Worten, als ein notwendiges Attribut des Rahmens, das dazu beitrug, das Bild im Raum hervorzuheben. den Blick des Betrachters darauf lenken.

In der Renaissance dominierte die Idee der Malerei als Blick auf die Welt durch ein Fenster, der Rahmen spielte mit seinen Formen sehr deutlich auf die vorherrschende Vorstellung an und reagierte darauf. Diese prächtigen, feierlichen Rahmen wurden nach Zeichnungen von Künstlern in speziellen Werkstätten oder von Assistenten des Künstlers, die in seiner Werkstatt arbeiteten, hergestellt.

In der Renaissance wurde die Malerei immer wieder mit einem Spiegel verglichen, der die Realität widerspiegelt, und der wie ein ornamentaler Spiegelrahmen gestaltete Rahmen betonte diesen Vergleich noch stärker. Dieser Rahmen konnte nicht nur aus Holzlatten und Gips hergestellt werden, sondern auch aus wertvollen Materialien, darunter Silber, Elfenbein, Perlmutt usw. Die Kostbarkeit der Materialien schien der Kostbarkeit des Gemäldes zu entsprechen und sie zu verstärken.

Die alten Meister achteten sehr auf den Rahmen und berücksichtigten seine Wirkung im Arbeitsprozess. Manchmal malten sie sogar einen fertigen Rahmen, wobei sie einen bestimmten Farbton und dekorativen Rhythmus des Rahmens berücksichtigten. Daher kommen die Kompositionen der alten Meister in den Originalrahmen oft sehr gut zur Geltung.

Beobachtungen an den Rahmen der alten Meister lassen uns ein weiteres Prinzip feststellen - die Übereinstimmung zwischen dem Profil und der Breite des Rahmens und der Größe des Bildes: Niederländische Maler haben beispielsweise ihre verwendet kleine Gemälde in große Rahmen mit tiefer, schimmernder Profilierung, die den Blick gleichsam ins Zentrum des Bildes lenkt und ihn von jeglichen Umwelteinflüssen abschirmt

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts wurden Stimmen laut, die forderten, den Rahmen als etwas zu Materielles aufzugeben, das die Spiritualität der Kunst "erdet". Verschiedene Avantgarde-Künstler, die solche Aufrufe angenommen hatten, begannen, ihre Werke ohne Rahmen auszustellen. Als Folge dieser Neuerung waren ihre Werke selbst jedoch keine Gemälde mehr im engeren Sinne des Wortes. Dies waren eine Art "Objekte", "Flecken", oft ohne klare Bedeutung.

Zwar gibt es bei der Gestaltung von Rahmen heute nicht mehr den einen Stil, sondern mehr als früher die Übereinstimmung des Rahmens mit dem individuellen Stil des Künstlers.

IN jüngster Zeit An Kunstausstellungen Es ist zu sehen, dass die Trägheit in Bezug auf die Gestaltung von Rahmen (lass sie sein und was nicht so wichtig ist), die sich in der Vergangenheit bei unseren Künstlern manifestiert hat, allmählich überwunden wird. Die Rahmen sind in verschiedenen Farben bemalt, oft werden kleine zusätzliche Bilder und Inschriften darauf angebracht, Bildhauer helfen den Malern - Rahmen mit reichen plastischen Motiven erscheinen.

Bildformat

Es gibt jedoch zwei spezifische Elemente des Bildes, die einen Übergang von der Fläche zum Bild zu schaffen scheinen und gleichzeitig zur Realität des Bildes und seiner Fiktion gehören - das Format und der Rahmen. Es mag den Anschein haben, dass das Format des Bildes nur ein Werkzeug des Künstlers ist, aber kein direkter Ausdruck seines kreativen Konzepts: Schließlich wählt der Künstler nur das Format. Dabei ist die Art des Formats aufs engste mit der gesamten inneren Struktur eines Kunstwerks verbunden und weist oft sogar den richtigen Weg zum Verständnis der Intention des Künstlers. In der Regel wird das Format vor Arbeitsbeginn des Malers gewählt. Es sind jedoch eine Reihe von Künstlern bekannt, die während der Arbeit gerne das Format des Bildes veränderten, indem sie entweder Teile davon abschnitten oder neue hinzufügten (Velasquez tat dies besonders gerne).

Das gebräuchlichste Format für ein Bild ist viereckig, wobei ein reines Quadrat viel seltener ist als ein mehr oder weniger nach oben oder in die Breite verlängertes Viereck. Einige Epochen schätzen das runde Format (Tondo) oder das Oval. Die Wahl des Formats ist nicht zufällig, das Format erkennt normalerweise tiefe, organische Verbindung Sowohl mit dem Inhalt des Kunstwerks, mit seiner emotionalen Tonalität als auch mit der Bildkomposition spiegelt es das individuelle Temperament des Künstlers und den Geschmack einer ganzen Epoche gleichermaßen deutlich wider. Wir spüren vor jedem Bild den verborgenen kausalen Zusammenhang zwischen dem Format und der Intention des Künstlers, der den Reiz eines wahren Kunstwerks ausmacht. Es gibt Bilder, deren Inhalt so sehr mit der Art des Formats verschmolzen ist, dass die kleinste Verschiebung der Proportionen das stilistische und ideologische Gleichgewicht des Bildes stören sollte.

Das horizontale, längliche Format im Allgemeinen eignet sich sicherlich besser für die narrative Komposition, für die sequentielle Bewegungsentfaltung am Betrachter vorbei. Daher wenden sich episch gestimmte Künstler, die nach aktiver Komposition, nach Aktion streben, gerne diesem Format zu, beispielsweise italienische Maler des 14. und der ersten Hälfte des 15. Jahrhunderts (insbesondere in Freskenkompositionen). Im Gegenteil, ein quadratisches Format oder eines, bei dem die Höhe die Breite etwas überwiegt, gleichsam die Dynamik der Handlung stoppt und der Komposition den Charakter einer feierlichen Repräsentation verleiht - diese Art von Format bevorzugten die Meister ihre Altarbilder. Hochrenaissance ("Sixtinische Madonna"). Mit einem deutlichen Überwiegen der Höhe gegenüber der Breite erhält die Komposition wiederum Dynamik, starke Traktion, aber diesmal nach oben oder unten; ein so schmales Format gefiel besonders aristokratischen, dekorativen (Crivelli) oder mystischen Künstlern (Manieristen, Greco ), die versuchen, bestimmte Emotionen, Stimmungen zu verkörpern.

Unbestritten ist auch die Verbindung des Formats mit dem individuellen Temperament des Künstlers: Die sinnliche, dynamische Fantasie eines Rubens erfordert ein größeres Format als die verhaltene und vergeistigte Fantasie eines Rembrandt. Schließlich ist das Format direkt davon abhängig Maltechnik. Je breiter, freier der Pinselstrich des Künstlers ist, desto natürlicher ist sein Wunsch nach einem großen Format.

Bild, Aquarell, Tafel, Pastell, Landschaft, Leinwand, Skizze, Studie, Kopf, Nature Morte; Mosaik. Heiraten . .. Siehe Bild... Wörterbuch der russischen Synonyme und ähnlicher Ausdrücke. unter. ed. N. Abramova, M.: Russische Wörterbücher, 1999. Bild ... Synonymwörterbuch

BILD, Gemälde, weiblich. 1. Ein Werk der Malerei in Farben. Gesprächsstoff. Aquarellmalerei. 2. Kinofilm. 3. Mehrere Bilder, die sich in ihrer Klarheit unterscheiden und ein Ganzes bilden. Bild der Natur. Ein Bild aus ferner Vergangenheit. Das… … Wörterbuch Uschakow

Ein Gemälde, das einen eigenständigen künstlerischen Wert hat und die Eigenschaft der Vollständigkeit hat (im Gegensatz zu einer Studie und einer Skizze). Das Bild ist in der Regel nicht wie ein Fresko oder eine Buchminiatur mit einem bestimmten Interieur verbunden ... ... Enzyklopädie der Kunst

- (inosk.) schönes Aussehen. Heiraten "Schau, das Bild, und du wirst sehen, das Biest." Heiraten Zähne wie Mandeln, Augen wie Zimt, Stimme wie deine Nachtigall, und ein Bild. Bäcker. (com.) Mi. Bildschön … Michelson's Big Explanatory Phraseological Dictionary (Originalschreibweise)

BILD, s, weiblich. 1. Ein Werk der Malerei. Bilder russischer Künstler. Häng die Bilder auf. 2. Dasselbe wie der Film (in 2 Werten) (umgangssprachlich). 3. Bild dessen, was n. v Kunstwerk. K. Leben. 4. Was kann gesehen, besichtigt oder ... ... Erklärendes Wörterbuch von Ozhegov

Weiblich Bild, Nacht · ablenken. Bild verächtliches Bild · weggeführt. Malerei, insb. in Farben; | mündlich oder schriftlich lebendiges und lebendiges Bild; | schöner Blick in die Natur. | beim Dachdecker: zwei miteinander vernietete Eisenbleche. ... ... Dahls erklärendes Wörterbuch

Repin "Pripyli". Jarg. Sie sagen Pendeln. Eisen. 1. Über unerfüllte Hoffnungen, Scheitern, Scheitern. 2. Was l. absurd, unverständlich, verwirrend. BSRG, 245; Vakhitov 2003, 74. Tränenreiches Bild. Geschwister. Dass es sehr erbärmlich ist, bis zu den Tränen ist es für jemanden schade. FSS, 91. Von ... ... Großes Wörterbuch Russische Sprüche

malen- BILD, Panorama, Leinwand, Leinwand, offen, Hohn. Klecks, umgangssprachlich, höhnisch schmutzig ... Wörterbuch-Thesaurus der Synonyme der russischen Sprache

- "PICTURE", UdSSR, 1989, Farbe, 40 Min. Tragikomödie, TV-Show. Von Spiel mit dem gleichen Namen V. Slawkin. Ein Ingenieur, der in einem Hotelzimmer lebt, bekommt Besuch von einem lokalen Künstler, einem Loser, dem Autor eines Gemäldes, das seit vielen Jahren an der Wand dieses Zimmers hängt. Irgendwann…… Kino Enzyklopädie

malen- BILD, s, f. Gesicht. Gib ihm ein Bild. Ein Bild in einer Pfütze. Evtl. Argotismus des 19. Jahrhunderts; gefunden zum Beispiel in A. P. Tschechow ... Wörterbuch des russischen Argo

malen- (zB Phänomene) [A.S. Goldberg. Englisch-Russisches Energie-Wörterbuch. 2006] Themen Energie allgemein EN picture … Handbuch für technische Übersetzer

Bücher

• Bild, Granin Daniil Alexandrowitsch. Daniil Granin, Träger des Staatspreises Russlands und zweifacher Träger des Staatspreises der UdSSR, verweist in dem Roman „Das Bild“ erneut auf die Probleme großer öffentlicher Resonanz. Das Buch spielt in …

Wir sind es gewohnt, Gemälde in Museen in verschiedenen Farben zu sehen: Tempera, Öl, Aquarell. Aber wie oft denken wir darüber nach, wie sie erschienen sind und wer ihr Schöpfer war? Zum ersten Mal wurde die Farbe, die eigentlich als Ton diente, von verwendet Primitive. Dann begann er, Ton, Kohle und andere natürliche Farbstoffe mit Fett zu mischen, was als die erste echte Farbe gelten kann. Ganze Jahrtausende vergingen bis zum Aufkommen der Farbe, die Künstler überall zu verwenden begannen.

Eitempera

Diese Farbe war Eitempera. Besonders beliebt wurde es während der Renaissance, als so große Meister wie Raffael, Leonardo da Vinci und Michelangelo damit arbeiteten. Tempera bestand aus Eigelb, Wasser und trockene Pigmente. Damals waren Künstler gezwungen, ihre eigenen Farben herzustellen. Sie mahlten Ton, Pflanzenmineralien, Beeren und sogar Insekten zu einem feinen Pulver und mischten es dann mit Wasser und Eigelb. Tempera erforderte besondere Fähigkeiten von Künstlern. Dieses wässrige Rot trocknet überraschend schnell. Dies zwang die Meister, mit sehr hoher Geschwindigkeit zu arbeiten, um die Einheit des Musters aufrechtzuerhalten.

Ölfarben

Eine wahre Revolution in der Malerei stellte im 15. Jahrhundert die Erfindung der Ölfarbe durch Jan van Eyck dar. Als Bindemittel verwendete er Leinöl anstelle des üblichen Eigelbs. Genau genommen waren sie schon vor unserer Zeitrechnung bekannt. Dies wird durch Farbreste bestätigt, die nach der Zerstörung der Bamiyan-Buddha-Statuen gefunden wurden. Es ist bekannt, dass antike Maler auch Pflanzenöle für farbenfrohe Kompositionen verwendeten. Verschiedene Abhandlungen aus dem 8. bis 12. Jahrhundert sprechen von der Verwendung von Leinöl. Es sind jedoch keine materiellen Beweise erhalten. Ölfarben Eitempera in vielerlei Hinsicht überlegen. Zunächst wurden Künstler von ihrer Plastizität bestochen. Ölfarben ließen sich leicht mischen, wodurch völlig neue Farben kreiert werden konnten. Farbe wurde in dünnen Schichten aufgetragen. Diese Technik vermittelt am besten Raum, Volumen und Farbtiefe.

Aquarell

Trotz der Tatsache, dass sein Aussehen dem 2. Jahrhundert n. Chr. Zugeschrieben wird, erlangte es erst um die Wende vom 18. zum 19. Jahrhundert große Popularität. Es besteht aus einem fein gemahlenen Pigment und leicht wasserlöslichen Leimen pflanzlichen Ursprungs. Diese Farbe wird mit Wasser verdünnt und auf Papier aufgetragen. Spezifität Aquarelltechnik liegt in seiner Transparenz. Aquarellfarben schaffen leichte, zarte, wie lufterfüllte Gemälde. Aber es gibt einen Haken: Wiederholen Sie die Zeichnung oder zeichnen Sie die Ebene auf, wie in Ölgemälde, ist beispielsweise unmöglich. Beim Mischen von mehr als zwei oder drei Farben verliert die Farbe ihre Helligkeit und Reinheit, und wenn die Farbschicht abgewaschen wird, verformt sich das Papier, was zu Verschmutzungen führt.

Seit jeher werden Farben auf der Basis natürlicher Inhaltsstoffe hergestellt: Pflanzenöle, Holzharz und natürliche Farbstoffe. Aber im frühen 20. Jahrhundert begannen Chemiker, die für große Farbhersteller arbeiteten, neue Farbformeln zu erfinden. Im 20. Jahrhundert beginnt die Geschichte der Farben, die heute im Handel zu sehen sind. Viele von ihnen enthalten synthetische Bestandteile, stehen aber natürlichen in nichts nach.

• Ein Bild in der Malerei ist ein Kunstwerk, das einen vollständigen Charakter (im Gegensatz zu einer Skizze und Skizze) und einen eigenständigen künstlerischen Wert hat. Im Gegensatz zu einem Fresko oder einer Buchminiatur ist ein Gemälde nicht unbedingt mit einem bestimmten Interieur oder einem bestimmten Dekorationssystem verbunden. Die Malerei ist eine der typischsten Arten der Staffeleikunst. Bei der Erstellung einer Leinwand verlässt sich der Künstler auf die Natur, aber kreative Vorstellungskraft spielt in diesem Prozess eine wichtige Rolle. Die Malerei spielt eine führende Rolle in der Entwicklung der Malerei.

  Es besteht aus einem Malgrund (Leinwand, Holz- oder Metallplatte, Pappe, Papier, Stein, Seide usw.), einer Grundierung und einer Farbschicht.

  Ein Bild in der Schauspiel-, Opern-, Ballett-, Kinokunst ist ein vollständiger Teil einer Handlung oder eines Werks, begrenzt durch einen unveränderlichen Handlungsraum. Inszeniert wird es in der Regel ohne Szenenwechsel gezeigt.

  Ein Bild im übertragenen oder allgemeineren Sinne ist jedes vollständige, integrale Kunstwerk, einschließlich einer lebendigen und lebendigen Beschreibung der Natur in mündlicher oder schriftlicher Form.

  Auch eine Reproduktion oder Kopie eines Originals kann als Gemälde bezeichnet werden, wenn es im jeweiligen Zusammenhang unerheblich ist, ob es sich um eine Kopie oder ein Originalwerk handelt. Zum Beispiel: "Im Korridor hingen mehrere Gemälde." Wenn Sie nicht verwenden moderne Beleuchtung(Strom, Kerzen etc.) vor Beginn der Arbeit an einem Bild (Malerei) empfiehlt es sich, am selben Tag im Jahr die Zeit mit einer Sonnenuhr zu markieren, z am 25. Juli 1979 eine Stunde vor 14:00 Uhr zu malen, dann findet Ihre nächste Schreibsitzung am 25. Juli 1980 von 13:00 bis 14:00 Uhr statt. Diese Forderung hängt mit der astronomischen Position unseres Planeten relativ zur Sonne zusammen. Es ist auch notwendig, sich bewusst zu sein, dass es Gemälde (insbesondere alte Meister) gibt, die mit Giften getränkt sind, da giftige Pflanzen, Flüssigkeiten und Mineralien verwendet wurden, um sie zu schreiben.

  Professor Richard Gregory beschrieb die "seltsamen Eigenschaften von Gemälden": "Gemälde sind eine einzigartige Klasse von Objekten, weil sie sowohl an sich als auch als etwas ganz anderes sichtbar sind als nur das Blatt Papier, auf dem sie gezeichnet sind. Die Bilder sind paradox. Kein Objekt kann gleichzeitig an zwei Orten sein; kein Objekt kann gleichzeitig zweidimensional und dreidimensional sein, und so sehen wir Bilder. Das Bild hat eine sehr bestimmte Größe und zeigt gleichzeitig die wahre Größe eines menschlichen Gesichts, Gebäudes oder Schiffes. Bilder sind unmögliche Objekte. Bilder sind wichtig, weil das Auge darin fehlende Objekte sieht. Biologisch ist es extrem seltsam."

  Die Fähigkeit eines Menschen, auf abwesende, in Bildern dargestellte, imaginäre Situationen zu reagieren, ist eine wichtige Stufe in der Entwicklung des abstrakten Denkens.

  Johann Wolfgang Goethe schrieb: „Bilder sind nicht nur eine bemalte Leinwand, sie berühren Gefühle und Gedanken, hinterlassen Spuren in der Seele, wecken Vorahnungen.“