Ideale Städte der Renaissance in Italien. Künstlerische Kultur der Renaissance
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Bundesbehörde Schienenverkehr
sibirisch Staatliche Universität Kommunikationsmittel
Abteilung "Philosophie"
KÜNSTLERISCHE BILDER DER RENAISSANCE
Aufsatz
In der Disziplin "Kulturologie"
Kopf entworfen
Professor Studentin Gr. D-111
Bystrova A. N. ___________ Kamyshova E.V.
(Unterschrift) (Unterschrift)
08.12.2012
(Datum der Prüfung) (Datum der Einreichung zur Prüfung)
Jahr 2012
Einführung
Die Renaissance gilt als eine der hellsten Perioden der Entwicklungsgeschichte. Europäische Kultur. Wir können sagen, dass die Wiederbelebung eine ganze kulturelle Epoche im Übergangsprozess vom Mittelalter zur neuen Zeit ist, in der ein kultureller Umbruch (ein Wendepunkt, eine Verschiebung) stattfand. Mit der Ausrottung der Mythologie sind grundlegende Veränderungen verbunden.
Trotz der Herkunft des Begriffs Renaissance (fr. Renaissance, „Renaissance“) gab es keine Wiederbelebung der Antike und konnte es auch nicht geben. Der Mensch kann nicht in seine Vergangenheit zurückkehren. Die Renaissance führte Innovationen ein, indem sie die Lehren der Antike nutzte. Er erweckte nicht alle antiken Gattungen wieder zum Leben, sondern nur diejenigen, die für die Bestrebungen seiner Zeit und Kultur charakteristisch waren. Die Renaissance verband eine neue Lektüre der Antike mit einer neuen Lektüre des Christentums.
Die Relevanz des gewählten Themas ergibt sich aus der Verbindung zwischen der Neuzeit und der Renaissance - dies ist vor allem eine Revolution im Wertesystem, in der Bewertung von allem, was existiert, und in Bezug darauf.
Der Hauptzweck der Arbeit besteht darin, die grundlegenden Veränderungen aufzuzeigen, die in der Weltanschauung der größten Persönlichkeiten der betrachteten Epoche stattgefunden haben.
1. Kultur der Renaissance
XIII-XVI Die Jahrhunderte waren eine Zeit großer Veränderungen in Wirtschaft, Politik und Kultur. Das schnelle Wachstum der Städte und die Entwicklung des Handwerks und später der Übergang zur Manufakturproduktion veränderten das Gesicht des mittelalterlichen Europas.
Städte traten in den Vordergrund. Nicht lange zuvor befanden sich die mächtigsten Mächte der mittelalterlichen Welt – das Reich und das Papsttum – in einer tiefen Krise. IN XVI Jahrhunderts wurde das untergehende Heilige Römische Reich Deutscher Nation zum Schauplatz der ersten beiden antifeudalen Revolutionen – des Großen Bauernkriegs in Deutschland und des Niederländischen Aufstands.
Der Übergangscharakter der Epoche, der sich in allen Lebensbereichen vollziehende Prozess der Befreiung von mittelalterlichen Pfaden, gleichzeitig die noch unterentwickelte Entstehung kapitalistischer Verhältnisse, konnten die Charakteristika der künstlerischen Kultur und des ästhetischen Denkens jener Zeit nicht ändern .
Laut A. V. Stepanov wurden alle Veränderungen im Leben der Gesellschaft von einer breiten Erneuerung der Kultur begleitet - dem Aufblühen der Naturwissenschaften und der exakten Wissenschaften, der Literatur in den Landessprachen und der bildenden Kunst. Ausgehend von den Städten Italiens eroberte diese Erneuerung dann andere europäische Länder. Der Autor glaubt, dass sich nach dem Aufkommen des Buchdrucks beispiellose Möglichkeiten für die Verbreitung literarischer und wissenschaftlicher Werke eröffnet haben und eine regelmäßigere und engere Kommunikation zwischen den Ländern zur Durchdringung neuer künstlerischer Trends beigetragen hat.
Dies bedeutete nicht, dass das Mittelalter vor neuen Trends zurückwich: Traditionelle Ideen wurden im Massenbewusstsein bewahrt. Die Kirche widersetzte sich neuen Ideen mit einem mittelalterlichen Mittel - der Inquisition. Die Idee der Freiheit der menschlichen Person bestand in einer in Klassen geteilten Gesellschaft fort. Die feudale Form der Abhängigkeit der Bauern verschwand nicht vollständig, und in einigen Ländern (Deutschland, Mitteleuropa) kehrte die Leibeigenschaft zurück. Das feudale System zeigte ziemlich viel Vitalität. Jedes europäische Land hat es auf seine Weise und in seinem eigenen chronologischen Rahmen gelebt. Kapitalismus lange Zeit existierte als Lebensweise, die nur einen Teil der Produktion sowohl in der Stadt als auch auf dem Land abdeckte. Die patriarchale mittelalterliche Langsamkeit begann jedoch in die Vergangenheit zurückzuweichen.
Die großen geografischen Entdeckungen spielten bei diesem Durchbruch eine große Rolle. Zum Beispiel 1492. H. Columbus überquerte auf der Suche nach einem Weg nach Indien den Atlantik und landete in der Nähe der Bahamas, um einen neuen Kontinent zu entdecken - Amerika. 1498 Nachdem der spanische Reisende Vasco da Gama Afrika umrundet hatte, brachte er seine Schiffe erfolgreich an die Küste Indiens. MIT XVI v. Die Europäer dringen in China und Japan vor, von denen sie bisher nur eine vage Vorstellung hatten. Ab 1510 beginnt die Eroberung Amerikas. IN XVIII v. Australien wurde entdeckt. Die Vorstellung von der Form der Erde hat sich geändert: Die Weltreise von F. Magellan bestätigte die Vermutung, dass sie die Form einer Kugel hat.
An die Stelle der Verachtung alles Irdischen tritt nun ein reges Interesse an der realen Welt, am Menschen, am Bewusstsein für die Schönheit und Erhabenheit der Natur, was durch die Analyse der Kulturdenkmäler der Renaissance belegt werden konnte. Der im Mittelalter unbestrittene Primat der Theologie über die Wissenschaft wird erschüttert durch den Glauben an die unbegrenzten Möglichkeiten des menschlichen Geistes, der zum höchsten Maßstab der Wahrheit wird. Vertreter der neuen säkularen Intelligenz betonten das Interesse am Menschlichen im Gegensatz zum Göttlichen und nannten sich Humanisten, wobei sie dieses Wort aus dem Begriff „ studia humanitanis “, also das Studium von allem, was mit der menschlichen Natur und seiner geistigen Welt zusammenhängt.
Für die Werke und die Kunst der Renaissance war die Idee eines freien Wesens mit grenzenloser kreative Möglichkeiten. Es ist mit dem Anthropozentrismus in der Ästhetik der Renaissance und dem Verständnis des Schönen, Erhabenen, Heroischen verbunden. Das Prinzip einer schönen künstlerischen und kreativen menschlichen Persönlichkeit wurde von den Theoretikern der Renaissance mit dem Versuch kombiniert, alle Arten von Proportionen, Symmetrien und Perspektiven mathematisch zu berechnen.
Das ästhetische und künstlerische Denken dieser Zeit basiert erstmals auf der menschlichen Wahrnehmung als solcher und auf einem sinnlich realen Bild der Welt. Auch hier fällt die subjektivistisch-individualistische Lebenslust auf, unabhängig von ihrer religiösen und moralischen Interpretation, obwohl letztere grundsätzlich nicht geleugnet wird. Die Ästhetik der Renaissance konzentriert die Kunst auf die Nachahmung der Natur. Allerdings steht hier in erster Linie weniger die Natur als vielmehr der Künstler, der in seinem Kreative Aktivitäten mit Gott verglichen.
E. Chamberlin betrachtet die Lust als eines der wichtigsten Prinzipien für die Wahrnehmung von Kunstwerken, weil dies auf eine deutliche demokratische Tendenz gegenüber dem scholastischen „Lernen“ bisheriger ästhetischer Theorien hindeutet.
Das ästhetische Denken der Renaissance beinhaltet nicht nur die Idee der Verabsolutierung des menschlichen Individuums im Gegensatz zur göttlichen Persönlichkeit im Mittelalter, sondern auch ein gewisses Bewusstsein für die Grenzen eines solchen Individualismus, basierend auf der absoluten Selbstbejahung der Einzelne. Daher die Motive der Tragödie, die sich in den Werken von W. Shakespeare, M. Cervantes, Michelangelo usw. finden.Dies ist die widersprüchliche Natur einer Kultur, die sich von alten mittelalterlichen Absoluten entfernt hat, aber aufgrund historischer Umstände noch keine neuen gefunden hat verlässliche Fundamente.
Die Verbindung von Kunst und Wissenschaft ist eines der charakteristischen Merkmale der Kultur. Künstler suchten Unterstützung in den Wissenschaften und stimulierten oft ihre Entwicklung. Die Renaissance ist durch das Aufkommen von Künstlern und Wissenschaftlern gekennzeichnet, unter denen Leonardo da Vinci den ersten Platz einnimmt.
Daher ist eine der Aufgaben der Renaissance das Begreifen einer Welt voller göttlicher Schönheit durch den Menschen. Die Welt zieht einen Menschen an, weil er von Gott vergeistigt ist. Aber in der Renaissance gab es einen anderen Trend, nämlich das Gefühl einer Person für die Tragödie ihrer Existenz.
2. Das Welt- und Menschenbild in den Werken großer Meister Renaissance
Der Begriff „Renaissance“ (eine Übersetzung des französischen Begriffs „Renaissance“) weist auf eine Verbindung hin neue Kultur mit der Antike. Durch die Bekanntschaft mit dem Osten, insbesondere mit Byzanz, während der Kreuzzüge, lernten die Europäer alte humanistische Manuskripte, verschiedene Denkmäler antiker bildender Kunst und Architektur kennen. Alle diese Antiquitäten wurden teilweise nach Italien transportiert, wo sie gesammelt und untersucht wurden. Aber auch in Italien selbst gab es viele antike römische Denkmäler, die auch von Vertretern der italienischen städtischen Intelligenzia sorgfältig untersucht wurden. In der italienischen Gesellschaft entstand ein tiefes Interesse an den klassischen alten Sprachen, antike Philosophie, Geschichte und Literatur. Die Stadt Florenz spielte in dieser Bewegung eine besonders wichtige Rolle. Eine Reihe herausragender Persönlichkeiten der neuen Kultur kamen aus Florenz.
Ausgehend von der antiken Ideologie, die einst im wirtschaftlichen Sinne lebendigste Städte der Antike geschaffen hatte, überarbeitete das neue Bürgertum sie auf seine Weise und formulierte sein neues Weltbild, das dem zuvor vorherrschenden Weltbild des Feudalismus scharf entgegengesetzt war. Der zweite Name der neuen italienischen Kultur - Humanismus beweist dies nur.
Die humanistische Kultur stellte den Menschen selbst (humanus - human) ins Zentrum ihrer Aufmerksamkeit und nicht das Göttliche, Jenseitige, wie es in der mittelalterlichen Ideologie der Fall war. Askese hatte im humanistischen Weltbild keinen Platz mehr. Der menschliche Körper, seine Leidenschaften und Bedürfnisse wurden nicht als etwas „Sündhaftes“ gesehen, das es zu unterdrücken oder zu quälen galt, sondern als Selbstzweck, als das Wichtigste im Leben. Die irdische Existenz wurde als die einzig wahre erkannt. Die Erkenntnis der Natur und des Menschen wurde zum Wesen der Wissenschaft erklärt. Im Gegensatz zu den pessimistischen Motiven, die das Weltbild der mittelalterlichen Scholastiker und Mystiker beherrschten, überwogen in der Weltanschauung und Stimmung der Menschen der Renaissance optimistische Motive; sie waren geprägt vom Glauben an den Menschen, an die Zukunft der Menschheit, an den Triumph der menschlichen Vernunft und Aufklärung. Eine Galaxie herausragender Dichter und Schriftsteller, Wissenschaftler und Persönlichkeiten verschiedene Sorten Die Kunst nahm an dieser großen neuen intellektuellen Bewegung teil. Der Ruhm Italiens wurde von so wunderbaren Künstlern gebracht: Leonardo da Vinci, Giorgione, Michelangelo, Raffael, Tizian.
Die unbestrittene Leistung der Renaissance war der geometrisch korrekte Aufbau des Bildes. Der Künstler baute das Bild mit den von ihm entwickelten Techniken. Die Hauptsache für Maler dieser Zeit war es, die Proportionen von Objekten zu beobachten. Sogar die Natur verfiel mathematischen Tricks.
Mit anderen Worten, Künstler der Renaissance versuchten beispielsweise, ein genaues Bild einer Person vor dem Hintergrund der Natur zu vermitteln. Im Vergleich zu modernen Methoden, ein gesehenes Bild auf einer Art Leinwand nachzubilden, hilft ein Foto mit anschließender Anpassung höchstwahrscheinlich zu verstehen, wonach die Künstler der Renaissance strebten.
Renaissance-Maler glaubten, dass sie das Recht hätten, die Fehler der Natur zu korrigieren, das heißt, wenn eine Person hässliche Gesichtszüge hatte, korrigierten die Künstler sie so, dass das Gesicht süß und attraktiv wurde.
Abbilden biblische Geschichten versuchten Renaissance-Künstler deutlich zu machen, dass die irdischen Manifestationen des Menschen klarer dargestellt werden können, wenn biblische Geschichten verwendet werden. Sie können verstehen, was der Fall, die Versuchung, die Hölle oder der Himmel ist, wenn Sie sich mit der Arbeit der Künstler dieser Zeit vertraut machen. Dasselbe Bild der Madonna vermittelt uns die Schönheit einer Frau und vermittelt auch ein Verständnis von irdischer menschlicher Liebe.
So waren in der Kunst der Renaissance die Wege wissenschaftlicher und künstlerischer Welt- und Menschenerkenntnis eng miteinander verflochten. Seine Erkenntnisbedeutung war untrennbar mit erhabener poetischer Schönheit verbunden, in seinem Streben nach Natürlichkeit verfiel er nicht in den kleinlichen Alltag. Kunst ist zu einem universellen spirituellen Bedürfnis geworden.
Abschluss
Die Renaissance oder die Renaissance ist also eine Ära im Leben der Menschheit, die durch einen kolossalen Aufstieg in Kunst und Wissenschaft gekennzeichnet ist. Die Renaissance proklamierte den Menschen zum höchsten Wert des Lebens.
In der Kunst war das Hauptthema ein Mensch mit unbegrenzten geistigen und kreativen Möglichkeiten.Die Kunst der Renaissance legte den Grundstein für die europäische Kultur des Neuen Zeitalters und veränderte alle Hauptarten der Kunst radikal.
In der Architektur haben sich neue Typen von öffentlichen Gebäuden entwickelt.Die Malerei wurde durch lineares und bereichert Aerial Perspektive Kenntnisse der Anatomie und Proportionen des menschlichen Körpers.Irdische Inhalte durchdrangen die traditionellen religiösen Themen der Kunstwerke. Erhöhtes Interesse an Antike Mythologie, Geschichte, Alltagsszenen, Landschaft, Portrait. Da war ein Bild, da war ein Gemälde Ölfarben. Die schöpferische Individualität des Künstlers nahm in der Kunst den ersten Platz ein.
In der Kunst der Renaissance waren die Wege wissenschaftlicher und künstlerischer Welt- und Menschenerkenntnis eng miteinander verflochten.Kunst ist zu einem universellen spirituellen Bedürfnis geworden.
Die Renaissance ist zweifellos eine der schönsten Epochen der Menschheitsgeschichte.
REFERENZLISTE
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- CHAMBERLIN E. DAS ZEITALTER DER RENAISSANCE. LEBEN, RELIGION, KULTUR / E. CHAMBERLIN, CENTERPOLYGRAPH, 2006. 240 S.
Einführung
Erweckung als neues Weltbild und ein neues Kunst Stil entstand Ende des 14. Jahrhunderts in Italien. Die ersten städtebaulichen Ideen stellten die Stadt als architektonische Einheit nach einem vorgegebenen Plan dar. Unter dem Einfluss dieser Ideen, statt in engen und verwinkelten mittelalterlichen Gassen Italienische Städte gerade breitere Straßen begannen zu erscheinen, die mit großen Gebäuden bebaut waren.
Die Gestaltung und Architektur der Plätze während der Renaissance nahm im 15.-16. Jahrhundert Gestalt an. in Rom und anderen Großstädte Italien.
In dieser Zeit wurden hier mehrere Städte nach neuen städtebaulichen Prinzipien wieder aufgebaut. In den meisten Fällen befanden sich Paläste in solchen Städten auf den zentralen Plätzen, die manchmal den Beginn von Dreibalkenkompositionen darstellten.
Renaissancestädte erhielten unter dem Einfluss gesellschaftlicher Veränderungen allmählich neue Merkmale. Aufgrund von privatem Landbesitz und rückständiger Technologie war es jedoch unmöglich, schnell von der alten Stadt in die neue umzuziehen. In allen Epochen der Renaissance richteten sich die Hauptanstrengungen der Stadtplaner auf die Entwicklung des Stadtzentrums - des Platzes und der nächsten Viertel. Während der Blütezeit der monarchischen Staaten im 18. Jahrhundert. Den Ensembles der zentralen Plätze der Städte wurde als Hauptdekoration eine außergewöhnliche Bedeutung beigemessen. Stadtplätze hatten meist geometrisch korrekte Umrisse.
War die Architektur der antiken griechischen und römischen Plätze durch Säulen und Portiken gekennzeichnet, so wurden Arkaden für die Plätze der Renaissance zu neuen Elementen, die sich gleichzeitig mit der Entwicklung ganzer Platzsysteme entwickelten.
In den meisten mittelalterlichen Städten fehlte dekoratives Grün. Obstgärten wurden in den Gärten der Klöster angebaut; Obst- oder Weingärten der Bürger lagen hinter der Stadtbefestigung. in Paris im 18. Jahrhundert. Gassen, beschnittenes Grün, Blumengartenparterres erscheinen. Die Parks von Schlössern und Burgen waren jedoch in Privatbesitz. Öffentliche Gärten entstehen in den meisten europäischen Städten erst Ende des 18. Jahrhunderts.
Wasserbecken im Mittelalter waren im Wesentlichen ein Hindernis für die Entwicklung der Stadt, teilten ihre Bezirke und dienten engen praktischen Zwecken. Seit dem 18. Jahrhundert Flüsse wurden als verbindende Elemente von Städten und unter günstigen Bedingungen als Kompositionsachsen verwendet. Ein anschauliches Beispiel ist die kluge städtebauliche Nutzung der Flüsse Newa und Nevka in St. Petersburg. Der Bau von Brücken und der Bau von Böschungen festigten diese Richtung in der Stadtplanung.
Im Mittelalter wurde die Skyline der Stadt maßgeblich durch die spitzen Türme der Stadtverwaltungen, Kirchen und öffentlichen Gebäude bestimmt. Die Silhouette der Stadt wurde von vielen kleinen Vertikalen und einigen dominanten bestimmt. Im Zusammenhang mit dem neuen künstlerischen Verständnis der Silhouette der Stadt wurden hochmittelalterliche Dächer nach und nach beseitigt, Renaissancebauten wurden durch Dächer mit Mansarden und Balustraden ergänzt.
Mit der Vergrößerung der Gebäude und neuen Arten von Abdeckungen wird die Silhouette der Stadt durch Kuppeln mit glatten Umrissen weicher, die in den Panoramen der Städte eine dominierende Rolle einnehmen. Ihre Veränderung wurde stark von Gärten und Parks beeinflusst, deren Bäume die Gebäude weitgehend verdecken.
Die Architekten der Renaissance verwendeten im Städtebau strenge Ausdrucksmittel: harmonische Proportionen, die Größe einer Person als Maß für die umgebende architektonische Umgebung.
Der ideologische Kampf des aufstrebenden italienischen Bürgertums gegen mittelalterliche Religions-, Moral- und Rechtsformen führte zu einer breiten fortschrittlichen Bewegung – dem Humanismus. Dem Humanismus lagen bürgerliche lebensbejahende Prinzipien zugrunde: der Wunsch, die menschliche Persönlichkeit von seelischen Zwängen zu befreien, der Wissensdurst über die Welt und den Menschen selbst und daraus resultierend die Sehnsucht nach säkularen Formen des gesellschaftlichen Lebens, der Verlangen nach Erkenntnis der Gesetze und Schönheiten der Natur, nach allseitiger harmonischer Verbesserung des Menschen. . Diese Verschiebungen in der Weltanschauung führten zu einer Revolution in allen Bereichen des spirituellen Lebens – Kunst, Literatur, Philosophie, Wissenschaft. Bei ihren Aktivitäten stützten sich die Humanisten weitgehend auf antike Ideale und belebten oft nicht nur die Ideen, sondern auch die Formen selbst und die Ausdrucksmittel antiker Werke. In dieser Hinsicht die kulturelle Bewegung Italiens im XV-XVI Jahrhundert. Renaissance oder Auferstehung genannt
Die humanistische Weltanschauung förderte die Entwicklung des Individuums, erhöhte seine Bedeutung im öffentlichen Leben. Der individuelle Stil des Meisters spielte eine zunehmende Rolle in der Entwicklung von Kunst und Architektur. Die Kultur des Humanismus hat eine ganze Galaxie brillanter Architekten, Bildhauer und Künstler wie Brunellesco, Leonardo da Vinci, Bramante, Raphael, Michelangelo, Palladio und andere hervorgebracht.
Der Wunsch, ein „Idealbild einer Person“ zu schaffen, verbunden mit der Suche nach Methoden der künstlerischen Erforschung der Welt, führte zu einer Art kognitivem Realismus der Renaissance, der auf einer engen Verbindung von Kunst mit einer sich schnell entwickelnden Wissenschaft basiert. In der Architektur ist die Suche nach "idealen" Gebäudeformen, basierend auf einer vollständigen und vollständigen Komposition, zu einem ihrer bestimmenden Trends geworden. Neben der Entwicklung neuer Arten von zivilen und religiösen Gebäuden schreitet die Entwicklung des architektonischen Denkens voran, es besteht ein dringender Bedarf an theoretischen Verallgemeinerungen moderner Erfahrungen, insbesondere historischer und vor allem altertümlicher.
Drei Epochen Italienische Renaissance
Die Renaissancearchitektur in Italien ist in drei Hauptperioden unterteilt: früh, hoch und spät. architektonisches Zentrum Frührenaissance war die Toskana mit der Hauptstadt - Florenz. Dieser Zeitraum umfasst das zweite Viertel und die Mitte des 15. Jahrhunderts. Als Beginn der Renaissance in der Architektur gilt das Jahr 1420, als mit dem Bau der Kuppel über der Florentiner Kathedrale begonnen wurde. Bauleistungen, die zur Schaffung einer riesigen zentralen Form führten, sind zu einer Art Symbol der Architektur des Neuen Zeitalters geworden.
1. Zeit der Frührenaissance
Die Frührenaissance in der Architektur ist vor allem durch die Gebäudeformen des berühmten Architekten und Ingenieurs Filippo gekennzeichnet Brunellesco (erste Hälfte des 15. Jahrhunderts). Insbesondere verwendete er im Waisenhaus in Florenz einen leichten Halbkreis anstelle eines Spitzbogens. Das für die gotische Architektur charakteristische Rippengewölbe begann einem neuen Design zu weichen - einem modifizierten Kastengewölbe. Die Lanzettformen des Bogens wurden jedoch noch bis Mitte des 16. Jahrhunderts verwendet.
Eines der herausragenden Gebäude von Brunellesco war die riesige Kuppel der Kathedrale Santa Maria del Fiore in Florenz, die seit dem 14. Jahrhundert unvollendet geblieben war.
In Form einer vom Architekten geschaffenen großen Kuppel ist ein Anklang des gotischen Spitzbogens erkennbar. Die Spannweite der Kuppel dieser Kathedrale ist groß - 42 m. Die Gewölbe der Kuppel aus Backstein ruhen auf einem achteckigen Sockel aus mit Eisenplatten ummantelten Baumstämmen. Dank der gelungenen Lage der Kathedrale auf einem Hügel und ihrer hohen Höhe (115 m) verleiht ihr oberer Teil, insbesondere die Kuppel, dem architektonischen Panorama von Florenz Feierlichkeit und Originalität.
Die Zivilarchitektur nahm einen bedeutenden Platz in der Architektur der italienischen Renaissance ein. Es umfasst vor allem große Stadtpaläste (Palazzo), die neben Wohnungen auch für zeremonielle Empfänge bestimmt waren. Mittelalterliche Paläste, die mit Hilfe von Marmorverkleidungen und Skulpturen allmählich ihre harten romanischen und gotischen Kleider ablegten, erhielten ein fröhliches Aussehen.
Die Merkmale der Renaissancefassaden sind riesige gewölbte Fensteröffnungen, die durch Säulen getrennt sind, Rustikationen der ersten Stockwerke mit Steinen, oberen Platten, großen Projektionsgesimsen und fein gezeichneten Details. Im Gegensatz zu strengen Fassaden hat die Architektur lichtdurchfluteter Innenräume einen heiteren Charakter.
Für die Dekoration der Fassaden der Paläste der Frührenaissance wurde häufig Rustikation verwendet. Steine für die Rustisierung hatten normalerweise eine unbearbeitete (abgeschlagene) Vorderfläche mit einem sauber behauenen Begrenzungspfad. Das Relief der Rustikation nahm mit der Zunahme der Anzahl der Stockwerke ab. Später blieb die Verzierung mit Bossenwerk nur noch bei der Bearbeitung von Sockeln und an Gebäudeecken erhalten.
Im XV Jahrhundert. Italienische Architekten verwendeten oft die korinthische Ordnung. Oft gab es Fälle, in denen mehrere Ordnungen in einem Gebäude kombiniert wurden: für die unteren Stockwerke - eine dorische Ordnung und für die oberen Stockwerke - eine Komposition aus Kapitellen, die in Proportionen und Muster dem ionischen Typ nahe kommen.
Eines der Beispiele der Palastarchitektur der Mitte des 15. Jahrhunderts. In Florenz kann der dreistöckige Medici-Ricardi-Palast dienen, der nach dem Projekt des Architekten Michelozzo di Bartolomeo in der Zeit von 1444 bis 1452 im Auftrag von Cosimo Medici, dem Herrscher von Florenz, erbaut wurde. Nach dem Schema der Fassade des Medici-Palastes wurden später Hunderte von Palästen in anderen Städten gebaut.
Eine Weiterentwicklung der Zusammensetzung des Palastes ist der Palazzo Rucchelai in Florenz erbaut 1446–1451 entworfen von Leon Battista Alberti (1404–1472). Wie das antike römische Kolosseum ist seine Fassade durch Ordnungen in Stockwerke unterteilt, mit einem Übergang von der einfachsten dorischen Ordnung in der unteren Ebene zur subtileren und reichhaltigeren korinthischen Ordnung in der oberen.
Der Eindruck der Aufhellung des Gebäudes nach oben, der beim Palazzo Medici-Riccardi durch Rustikationen der Wände erzeugt wurde, drückt sich hier in Form eines abgestuften, nach oben aufhellenden Ordnungssystems aus. Gleichzeitig korreliert das große krönende Gesims nicht mit der Höhe des Obergeschosses, sondern mit der Höhe des gesamten Gebäudes, weshalb die Komposition die Merkmale der Vollständigkeit und Statik erhielt. Am Ausbau der Fassade wird noch gespart traditionelle Motive: Doppelbogenfenster, die von der mittelalterlichen Fensterform stammen, Rustikation der Wände, die allgemeine Monumentalität der Wolke usw.
Pazzi-Kapelle (1430-1443) - ein Kuppelbau im Innenhof des Klosters. In der Komposition der Fassade wurde eine durch einen Auftrag zerlegte innere Struktur mit dem Volumen der Halle mit einer sie dominierenden Kuppel auf Segeln gezeigt. Die Kolonnade, die von einem Bogen entlang der Achse geschnitten und von einem fein sezierten Dachboden abgeschlossen wird, wird durch kartellierte Pilaster an der Innenwand der Loggia und hervorstehende Bogenartikulationen an der Gewölbedecke ergänzt.
Die Ordenskorrespondenz und die Wiederholung kleiner Kuppeln in der Loggia und im Altarteil tragen zur organischen Verbindung der Fassade mit dem Innenraum bei. Die Wände im Inneren sind durch flache, aber farblich hervorgehobene Pilaster zergliedert, die, in der Teilung der Gewölbe fortgesetzt, die Logik des Bauraums, des tektonischen Systems erahnen lassen. Die sich dreidimensional entwickelnde Ordnung betont die Einheit und Unterordnung der Hauptteile. Das optische „Gerüst“ prägt auch die Aufgliederung der Kuppel von innen, die ein wenig an die Struktur der gotischen Nervengewölbe erinnert. Die Harmonie der Ordnungsformen und die Klarheit der tektonischen Struktur, Ausgewogenheit und Verhältnismäßigkeit zum Menschen sprechen jedoch für den Triumph neuer architektonischer Ideale über die Prinzipien des Mittelalters.
Neben Brunellesco und Michelozzo da Bartolomeo spielten auch andere Meister (Rosselino, Benedetto da Maiano usw.), deren Werk hauptsächlich mit der Toskana und Norditalien in Verbindung gebracht wurde, eine wichtige Rolle bei der Entwicklung neuer Architektur. Alberti, der neben dem Palazzo Ruccellai eine Reihe großer Bauwerke errichtete (die Fassade der Kirche Santa Maria Novella, die Kirche Sant'Andrea in Mantua usw.), vervollständigt diese Periode.
2. Zeitraum Hochrenaissance
Die Zeit der Hochrenaissance umfasst das Ende des 15. - die erste Hälfte des 16. Jahrhunderts. Zu diesem Zeitpunkt erlebte Italien aufgrund der Verlagerung der Haupthandelsrouten vom Mittelmeer zum Atlantik einen bekannten wirtschaftlichen Niedergang und einen Rückgang der Industrieproduktion. Oft kaufte die Bourgeoisie Land auf und wurde zu Wucherern und Grundbesitzern. Der Prozess der Feudalisierung des Bürgertums geht mit einer allgemeinen Aristokratisierung der Kultur einher, der Schwerpunkt verlagert sich in den Hofkreis des Adels: Herzöge, Fürsten, Päpste. Rom wird zum Zentrum der Kultur – zur Residenz der Päpste, die oft aus Vertretern des humanistisch gesinnten Adels gewählt werden. In Rom wird massiv gebaut. In diesem Unternehmen, das vom päpstlichen Hof unternommen wurde, um ihr eigenes Ansehen zu steigern, erlebte die humanistische Gemeinschaft die Erfahrung, Größe wiederzubeleben. antikes Rom und damit die Größe von ganz Italien. Am Hof, der 1503 den Thron bestieg. Der Humanist von Papst Julius II. war das Werk der prominentesten Architekten – darunter Bramante, Raphael, Michelangelo, Antonio da Sangallo und andere.
In der Architektur dieser Zeit erhalten die Hauptmerkmale und Strömungen der Renaissance ihren vollendeten Ausdruck. Es entstehen die vollkommensten zentrischen Kompositionen. Endlich nimmt der Typ des städtischen Palazzo Gestalt an, der in dieser Zeit nicht nur private, sondern auch öffentliche Züge eines Gebäudes annimmt und damit in einem bestimmten Bereich zum Prototyp vieler späterer öffentlicher Gebäude wird. die Eigenschaft überwinden frühe Periode Wiederbelebungskontrast (zwischen den architektonischen Merkmalen des äußeren Erscheinungsbildes des Palazzo und seines Innenhofs. Unter dem Einfluss einer systematischeren und archäologisch genaueren Bekanntschaft mit antiken Denkmälern werden Ordnungskompositionen strenger: zusammen mit ionischen und korinthischen Ordnungen einfacher und monumentaler Orden sind weit verbreitet - römisch-dorisch und toskanisch, und eine fein gestaltete Arkade auf Säulen weicht einer monumentaleren Ordnungs-Arkade.Im Allgemeinen erlangen die Kompositionen der Hochrenaissance eine größere Bedeutung, Strenge und Monumentalität.Das Problem der Schaffung einer regelmäßigen Stadt Ensemble auf eine reale Basis gestellt. Landvillen werden als integrale architektonische Komplexe errichtet.
Der bedeutendste Architekt dieser Zeit war Donato d'Angelo Bramante (1444-1514). Das Cancelleria-Gebäude wird Bramante zugeschrieben (das päpstliche Hauptamt) in Rom - eines der herausragenden Palastgebäude - ist ein riesiges Parallelepiped mit einem rechteckigen, von Arkaden umgebenen Innenhof. Die harmonische Komposition der Fassaden entwickelt die im Palazzo Ruccellai festgelegten Prinzipien, aber die rhythmische Gesamtstruktur schafft ein komplexeres und feierlicheres Bild. Das als Souterrain behandelte Erdgeschoss verstärkte den Kontrast mit einem leichten Aufsatz. Sehr wichtig erhielt rhythmisch angeordnete plastische Akzente in der Komposition, die durch große Öffnungen und sie umrahmende Platbands geschaffen wurden. Der Rhythmus horizontaler Artikulationen wurde noch deutlicher.
Unter den Sakralbauten von Bramante sticht eine kleine Kapelle namens Tempietto im Innenhof des Klosters San Pietro in Montrrio hervor. (1502) - ein Gebäude in einem ziemlich engen Innenhof, der im Grundriss von einer kreisförmigen Arkade umgeben sein sollte.
Die Kapelle ist eine gewölbte Rotunde, die von einer römisch-dorischen Kolonnade umgeben ist. Das Gebäude zeichnet sich durch die Perfektion der Proportionen aus, die Ordnung wird streng und konstruktiv interpretiert. Im Vergleich zu den zentrischen Bauten der Frührenaissance, in denen eine linear-planare Wandentwicklung vorherrscht (Pazzi-Kapelle), ist das Volumen von Tempietto plastisch: Seine geordnete Plastizität entspricht der tektonischen Integrität der Komposition. Der Kontrast zwischen dem monolithischen Kern der Rotunde und der Kolonnade, zwischen der Glätte der Wand und der Plastizität tiefer Nischen und Pilaster betont die Ausdruckskraft der Komposition, vollkommene Harmonie und Vollständigkeit. Trotz seiner geringen Größe vermittelt Tempietto den Eindruck von Monumentalität. Bereits von Zeitgenossen von Bramante wurde dieses Gebäude als eines der Meisterwerke der Architektur anerkannt.
Als Chefarchitekt am Hof von Papst Julius II. Bramante ab 1505. arbeitet am Wiederaufbau des Vatikans. Ein grandioser Komplex von zeremoniellen Gebäuden und feierlichen Innenhöfen auf verschiedenen Ebenen wurde konzipiert, einer einzigen Achse untergeordnet, die von der majestätischen Exedra des Belvedere geschlossen wird. In diesem im Wesentlichen ersten Renaissance-Ensemble von solch grandiosem Design wurden die Kompositionstechniken der antiken römischen Foren meisterhaft eingesetzt. Die päpstliche Residenz sollte mit einem anderen grandiosen Gebäude in Rom verbunden werden - der Peterskathedrale, für deren Bau auch das Bramante-Projekt übernommen wurde. Die Perfektion der zentralen Komposition und der grandiose Umfang des Projekts der Kathedrale von Peter Bramante geben Anlass, dieses Werk als Höhepunkt der Entwicklung der Renaissance-Architektur zu betrachten. Das Projekt sollte jedoch nicht in Form von Sachleistungen realisiert werden: Zu Bramantes Lebzeiten wurde erst mit dem Bau der Kathedrale begonnen, die ab 1546, 32 Jahre nach dem Tod des Architekten, Michelangelo übertragen wurde.
Er nahm zusammen mit Bramante am Wettbewerb für die Gestaltung des Petersdoms sowie am Bau und der Bemalung der Gebäude des Vatikans teil großartiger Künstlerи архитектор Рафаэль Санти, построивший и расписавший знаменитые лоджии Ватикана, получившие его имя («лоджии Рафаэля»), а также ряд замечательных сооружений, как в самом Риме, так и вне его (постройка и роспись виллы Мадама в Риме, палаццо Пандольфини во Флоренции usw.).
Einer der besten Schüler von Bramante – der Architekt Antonio da Sangallo Jr. – besitzt das Projekt des Palazzo Farnese in Rom , die Entwicklung des Renaissanceschlosses gewissermaßen abgeschlossen.
In der Entwicklung seiner Fassade gibt es keine traditionelle Rustikation und vertikale Artikulationen. Auf der glatten, mit Ziegeln verputzten Wandoberfläche heben sich breite horizontale Bänder, die entlang der gesamten Fassade verlaufen, deutlich ab; Wie auf sie gestützt, befinden sich Fenster mit geprägten Architraven in Form einer antiken „Edikule“. Die Fenster des ersten Stocks haben im Gegensatz zu den Florentiner Palästen die gleichen Abmessungen wie die Fenster der oberen Stockwerke. Das Gebäude wurde von der Festungsisolation befreit, die den Palästen der Frührenaissance noch innewohnt. Im Gegensatz zu den Palästen des 15. Jahrhunderts, wo der Hof von leichten Bogengalerien auf Säulen umgeben war, erscheint hier eine monumentale Ordenspassage mit Halbsäulen. Die Ordnung der Galerie ist etwas schwerer und erhält die Merkmale von Feierlichkeit und Repräsentativität. Der schmale Durchgang zwischen Hof und Straße wurde durch einen offenen „Vestibül“ ersetzt, der den Ausblick auf den Vorgarten freigibt.
3. Spätzeit Renaissance
Als Spätzeit der Renaissance wird üblicherweise die Mitte und das Ende des 16. Jahrhunderts bezeichnet. Zu diesem Zeitpunkt setzte sich in Italien der wirtschaftliche Abschwung fort. Die Rolle des feudalen Adels und der kirchlich-katholischen Organisationen nahm zu. Um die Reformation und alle Erscheinungsformen eines antireligiösen Geistes zu bekämpfen, wurde die Inquisition gegründet. Unter diesen Bedingungen begannen Humanisten Verfolgung zu erfahren. Ein erheblicher Teil von ihnen zog, verfolgt von der Inquisition, in die nördlichen Städte Italiens, insbesondere nach Venedig, das noch die Rechte einer unabhängigen Republik behielt, wo der Einfluss der religiösen Gegenreformation nicht so stark war. In diesem Zusammenhang während Spätrenaissance Am auffälligsten waren zwei Schulen - die römische und die venezianische. In Rom, wo der ideologische Druck der Gegenreformation die Entwicklung der Architektur stark beeinflusste, zusammen mit der Entwicklung der Prinzipien der Hochrenaissance, gab es eine Abkehr von den Klassikern hin zu komplexeren Kompositionen, größerer Dekoration, einer Verletzung der Klarheit der Formen, Maßstäblichkeit und Tektonik. In Venedig wurde trotz des teilweisen Eindringens neuer Trends in die Architektur die klassische Grundlage der architektonischen Komposition stärker bewahrt.
Ein prominenter Vertreter der römischen Schule war der große Michelangelo Buonarroti (1475-1564). In seinen architektonischen Arbeiten werden die Grundlagen eines neuen, für diese Zeit charakteristischen Formverständnisses gelegt, das sich durch großen Ausdruck, Dynamik und plastische Ausdruckskraft auszeichnet. Seine Arbeit, die in Rom und Florenz stattfand, spiegelte mit besonderer Eindringlichkeit die Suche nach Bildern wider, die geeignet waren, die allgemeine Krise des Humanismus und die innere Angst auszudrücken, die die fortschrittlichen Kreise der Gesellschaft damals vor den drohenden Kräften der Reaktion erlebten. Als brillanter Bildhauer und Maler war Michelangelo in der Lage, leuchtende plastische Ausdrucksmittel in der Kunst zu finden. innere Stärke ihre Helden, der ungelöste Konflikt ihrer geistigen Welt, titanische Anstrengungen im Kampf. Im architektonischen Schaffen entsprach dies der betonten Identifizierung der Plastizität von Formen und ihrer intensiven Dynamik. Michelangelos Orden verlor oft seine tektonische Bedeutung und verwandelte sich in ein Mittel, um Wände zu dekorieren und vergrößerte Massen zu schaffen, die eine Person mit ihrer Größe und Plastizität in Erstaunen versetzen. Michelangelo, der kühn die architektonischen Prinzipien der Renaissance verletzte, war gewissermaßen der Begründer einer kreativen Art, die später in der Architektur des italienischen Barock aufgegriffen wurde architektonische Arbeit Michelangelo bezieht sich auf die Fertigstellung nach dem Tod Bramantes des Petersdoms in Rom. Michelangelo, der ein zentrisches Schema zugrunde legte, das dem Plan von Bramante nahe kam, führte neue Merkmale in seine Interpretation ein: Er vereinfachte den Plan und verallgemeinerte den Innenraum, machte die Stützen und Wände massiver und fügte einen Portikus mit einer feierlichen Kolonnade von Westen hinzu Fassade. In der dreidimensionalen Komposition werden das ruhige Gleichgewicht und die Unterordnung der Räume von Bramantes Projekt in die betonte Dominanz der Hauptkuppel und des Unterkuppelraums übersetzt. In der Komposition der Fassaden wurden Klarheit und Einfachheit durch komplexere und größere plastische Formen ersetzt, die Wände sind durch Leisten und Pilaster von großem Ausmaß zergliedert Korinthischer Orden mit mächtigem Gebälk und hoher Attika; zwischen den pilastern sind fensteröffnungen, nischen und verschiedene dekorative elemente (gesimse, konsolen, sandriks, statuen usw.) gleichsam in die pfeiler gezwängt und verleihen den wänden eine fast skulpturale plastizität.
In der Zusammensetzung der Medici-Kapelle In der Kirche San Lorenzo in Florenz (1520) verschmolzen Interieur und Skulpturen von Michelangelo zu einem Ganzen. Skulpturale und architektonische Formen sind voller innerer Spannung und Dramatik. Ihre scharfe emotionale Ausdruckskraft überwiegt die tektonische Basis, die Ordnung wird als Element der skulpturalen Gesamtkonzeption des Künstlers interpretiert.
Einer der herausragenden römischen Architekten der Spätrenaissance ist auch Vignola, der Autor der Abhandlung „Die Regel der fünf Ordnungen der Architektur“. Die bedeutendsten seiner Werke sind das Schloss von Caprarola und die Villa von Papst Julius II. . Während der Renaissance erfährt die Art der Villa bedeutende Entwicklung verbunden mit einer Änderung ihres funktionalen Inhalts. Auch zu Beginn des XV Jahrhunderts. Es war ein Landgut, oft von Mauern umgeben und hatte manchmal sogar Wehrtürme. Bis zum Ende des XV Jahrhunderts. die Villa wird ein ländlicher Erholungsort für wohlhabende Bürger (Villa Medici bei Florenz) und ab dem 16. Jahrhundert. es wird oft die Residenz von großen Feudalherren und höheren Geistlichen. Die Villa verliert ihre Intimität und nimmt den Charakter einer frontal-frontal-axialen Struktur an, die sich der umgebenden Natur öffnet.
Die Villa von Papst Julius II. ist ein Beispiel dieser Art. Seine streng axiale und rechteckige Komposition senkt sich in Felsvorsprüngen den Berghang hinunter und schafft ein komplexes Spiel aus offenen, halboffenen und geschlossenen Räumen verschiedene Ebenen. Die Komposition ist von den antiken römischen Foren und Höfen des Vatikans beeinflusst.
Die herausragenden Meister der venezianischen Schule der Spätrenaissance waren Sansovino, der das Gebäude der Bibliothek von San Marco in Venedig errichtete (begonnen 1536) – ein wichtiger Bestandteil des bemerkenswerten Ensembles des venezianischen Zentrums, und die meisten heller Vertreter die klassische Schule der Renaissance - der Architekt Palladio.
Die Aktivitäten von Andrea Palladio (1508 - 1580) verliefen hauptsächlich in der Stadt Vicenza, unweit von Venedig, wo er Palastbauten und Villen baute, sowie in Venedig, wo er hauptsächlich Kirchenbauten errichtete. Seine Arbeit an einigen Gebäuden war eine Reaktion auf die antiklassischen Tendenzen der Spätrenaissance. Um die Reinheit der klassischen Prinzipien zu bewahren, stützt sich Palladio auf die reiche Erfahrung, die er beim Studium des antiken Erbes gesammelt hat. Er versucht, nicht nur Ordnungsformen, sondern ganze Elemente und sogar Bautypen der Antike wieder aufleben zu lassen. Strukturtreue Ordnungshalle wird zum Hauptthema vieler seiner Werke.
In der Villa Rotonda , in der Nähe von Vicenza gebaut (begonnen 1551), erreichte der Meister eine außergewöhnliche Integrität und Harmonie der Komposition. Auf einem Hügel gelegen und weithin sichtbar, bilden die vier Fassaden der Villa mit allseitigen Säulengängen zusammen mit der Kuppel eine klare zentrische Komposition.
In der Mitte befindet sich eine runde Kuppelhalle, von der Ausgänge unter den Arkaden führen. Breite Laubengänge verbinden das Gebäude mit umgebende Natur. Die zentrische Komposition spiegelt das allgemeine Streben der Renaissance-Architekten nach absoluter Vollständigkeit der Komposition, Klarheit und Geometrie der Formen, der harmonischen Verbindung einzelner Teile mit dem Ganzen und der organischen Verschmelzung des Gebäudes mit der Natur wider.
Aber dieses „ideale“ Kompositionsschema blieb einzeln. Beim eigentlichen Bau zahlreicher Villen achtete Palladio stärker auf das sogenannte dreiteilige Schema, bestehend aus dem Hauptvolumen und sich davon zu den Seiten erstreckenden einstöckigen Ordnungsgalerien, die der Kommunikation mit den Diensten des Anwesens dienten und Gestaltung des Vorhofs vor der Fassade der Villa. Es war dieses Schema eines Landhauses, das später zahlreiche Anhänger im Bau von Herrenhäusern hatte.
Im Gegensatz zur freien Entfaltung der Volumen von Landvillen sind Palladios Stadtpaläste meist streng und lakonisch mit einer großflächigen und monumentalen Hauptfassade komponiert. Der Architekt verwendet häufig eine große Ordnung und interpretiert sie als eine Art "Säulen-Wand" -System. Ein markantes Beispiel– Palast Kapitän (1576), dessen Wände mit Säulen einer großen zusammengesetzten Ordnung mit einem mächtigen, lockeren Gebälk behandelt sind. Das in Form eines Überbaus (Dachgeschoss) ausgebaute Obergeschoss verlieh dem Gebäude Vollständigkeit und Monumentalität,
Palladio verwendete in seinen Stadtpalästen auch häufig die zweistufige Gliederung der Fassaden mit Ordnungen sowie eine Ordnung auf einem hohen rustikalen Sockel – eine Technik, die zuerst von Bramante verwendet wurde und später in der klassizistischen Architektur weit verbreitet war.
Abschluss
Die moderne Architektur verbirgt bei der Suche nach Formen ihrer eigenen stilistischen Manifestation nicht, dass sie sich des historischen Erbes bedient. Am häufigsten bezieht sie sich auf jene theoretischen Konzepte und Gestaltungsprinzipien, die in der Vergangenheit die größte stilistische Reinheit erreicht haben. Manchmal scheint es sogar, als würde alles, was das 20. Jahrhundert zuvor gelebt hat, in neuer Form zurückkehren und sich schnell wiederholen.
Vieles, was der Mensch an der Architektur schätzt, appelliert nicht so sehr an eine gewissenhafte Analyse einzelner Teile eines Objekts, sondern an seine synthetische, ganzheitliches Bild, zur Kugel emotionale Wahrnehmung. Das bedeutet, dass Architektur Kunst ist oder jedenfalls Elemente von Kunst enthält.
Manchmal wird die Architektur als Mutter der Künste bezeichnet, was bedeutet, dass sich Malerei und Skulptur lange Zeit in einem untrennbaren organischen Zusammenhang mit der Architektur entwickelt haben. Der Architekt und der Künstler hatten in ihrer Arbeit schon immer viel gemeinsam, und manchmal verstanden sie sich gut in einer Person. Der antike griechische Bildhauer Phidias gilt zu Recht als einer der Schöpfer des Parthenon. Der anmutige Glockenturm der Hauptkathedrale von Florenz, Santa Maria del Fiore, wurde „nach der Zeichnung“ des großen Malers Giotto erbaut. Michelangelo, der als Architekt, Bildhauer und Maler gleichermaßen großartig war. Auch im architektonischen Bereich war Raphael erfolgreich tätig. Ihr zeitgenössischer Maler Giorgio Vasari baute die Uffizien in Florenz. Eine solche Synthese des Talents des Künstlers und Architekten fand sich nicht nur bei den Titanen der Renaissance, sie prägte auch die neue Zeit. Angewandte Künstler Engländer William Morris und Belgier Van de Velde leisteten einen großen Beitrag zur Entwicklung moderne Architektur. Corbusier war ein talentierter Maler und Alexander Vesnin ein brillanter Theaterkünstler. Die sowjetischen Künstler K. Malevich und L. Lissitzky experimentierten interessanterweise mit architektonischen Formen, und ihr Kollege und Zeitgenosse Vladimir Tatlin wurde zum Autor des legendären Projekts des 111 International Tower. Der Autor des berühmten Projekts des Sowjetpalastes, Architekt B. Iofan, gilt zu Recht als Co-Autor der Skulptur „Arbeiterin und Kollektivbauernmädchen“ zusammen mit der bemerkenswerten sowjetischen Künstlerin Vera Mukhina.
Grafische Darstellung und dreidimensionales Layout sind die Hauptmittel, mit denen der Architekt seine Entscheidungen sucht und verteidigt. Die Entdeckung der Linearperspektive in der Renaissance beeinflusste aktiv das Raumkonzept der Architektur dieser Zeit. Das Verständnis der linearen Perspektive führte schließlich zur Verbindung des Platzes, der Treppe, des Gebäudes zu einer einzigen räumlichen Komposition und in der Folge zur Entstehung gigantischer architektonischer Ensembles des Barock und des Hochklassizismus. Viele Jahre später hatten die Experimente kubistischer Künstler einen großen Einfluss auf die Entwicklung der architektonischen Formgebung. Sie versuchten, das Thema mit darzustellen verschiedene Punkte des Sehens, seine dreidimensionale Wahrnehmung durch Überlagerung mehrerer Bilder zu erreichen, die Möglichkeiten der räumlichen Wahrnehmung durch die Einführung der vierten Dimension - der Zeit - zu erweitern. Dieses Volumen der Wahrnehmung diente Startpunkt für die formale Suche nach moderner Architektur, die dem Flatscreen der Fassade ein vertracktes Spiel aus frei im Raum stehenden Volumen und Flächen gegenüberstellte.
Skulptur und Malerei haben sich nicht sofort von der Architektur unabhängig gemacht. Zuerst waren sie nur Elemente einer architektonischen Struktur. Es dauerte mehr als ein Jahrhundert, bis sich das Gemälde von der Wand oder der Ikonostase löste. Am Ende der Renaissance, auf der Piazza della Signoria in Florenz, drängen sich Skulpturen immer noch zaghaft um die Gebäude, als hätten sie Angst, vollständig mit den Fassaden zu brechen. Michelangelo ist der erste, der eine Reiterstatue im Zentrum des Kapitolinischen Platzes in Rom errichtet. Wir schreiben das Jahr 1546. Seitdem erwirbt das Denkmal, die monumentale Skulptur, die Rechte eines eigenständigen Kompositionselements, das den Stadtraum organisiert. Zwar lebt die skulpturale Form noch einige Zeit an den Wänden des architektonischen Bauwerks weiter, aber diese letzten Spuren des „ehemaligen Luxus“ verschwinden allmählich von ihnen.
Corbusier bejaht diese Komposition moderner Architektur mit der für ihn charakteristischen Gewissheit: „Ich erkenne weder Skulptur noch Malerei als Dekoration an. Ich gebe zu, dass beide beim Betrachter tiefe Emotionen hervorrufen können, so wie Musik und Theater auf einen wirken – es hängt alles von der Qualität der Arbeit ab, aber ich bin definitiv gegen Dekoration. Betrachtet man andererseits ein architektonisches Werk und insbesondere die Plattform, auf der es errichtet ist, sieht man, dass bestimmte Orte des Gebäudes selbst und um es herum bestimmte intensive mathematische Orte sind, die sich sozusagen als Schlüssel herausstellen den Proportionen des Werkes und seiner Umgebung. Dies sind die Orte der höchsten Intensität, und an diesen Orten kann der bestimmte Zweck des Architekten verwirklicht werden - sei es in Form eines Pools, eines Steinblocks oder einer Statue. Wir können sagen, dass an diesem Ort alle Bedingungen für eine zu haltende Rede vereint sind, die Rede eines Künstlers, eine plastische Rede.
Die Geschichte der Renaissance beginnt im Jahr Noch wird diese Periode Renaissance genannt. Die Renaissance verwandelte sich in Kultur und wurde zum Vorläufer der Kultur des Neuen Zeitalters. Und die Renaissance endete im XVI-XVII Jahrhundert, da sie in jedem Staat ein eigenes Start- und Enddatum hat.
Einige allgemeine Informationen
Vertreter der Renaissance sind Francesco Petrarca und Giovanni Boccaccio. Sie wurden die ersten Dichter, die begannen, erhabene Bilder und Gedanken in einer offenen, gemeinsamen Sprache auszudrücken. Diese Innovation wurde mit einem Paukenschlag aufgenommen und in anderen Ländern verbreitet.
Renaissance und Kunst
Charakteristisch für die Renaissance ist, dass der menschliche Körper zur Hauptinspirationsquelle und zum Forschungsgegenstand der Künstler dieser Zeit geworden ist. So wurde die Ähnlichkeit von Skulptur und Malerei mit der Realität betont. Glanz, raffinierte Pinselführung, Schatten- und Lichtspiele, Gründlichkeit im Arbeitsprozess und komplexe Kompositionen sind die Hauptmerkmale der Kunst der Renaissance. Für Renaissance-Künstler waren Bilder aus der Bibel und Mythen die wichtigsten.
Die Ähnlichkeit einer realen Person mit ihrem Bild auf einer bestimmten Leinwand war so groß, dass erfundener Charakter wirkte lebendig. Das kann man von der Kunst des 20. Jahrhunderts nicht sagen.
Die Renaissance (ihre wichtigsten Strömungen sind oben kurz skizziert) betrachtete den menschlichen Körper als endlosen Anfang. Wissenschaftler und Künstler verbesserten regelmäßig ihre Fähigkeiten und ihr Wissen, indem sie die Körper von Individuen untersuchten. Damals herrschte die Meinung vor, der Mensch sei nach dem Ebenbild Gottes geschaffen. Diese Aussage spiegelte körperliche Perfektion wider. Die wichtigsten und wichtigsten Objekte der Kunst der Renaissance waren die Götter.
Natur und Schönheit des menschlichen Körpers
Die Kunst der Renaissance schenkte der Natur große Aufmerksamkeit. Ein charakteristisches Element der Landschaften war eine abwechslungsreiche und üppige Vegetation. Der blaublaue Himmel, der von den weißen Wolken durchdrungenen Sonnenstrahlen durchdrungen war, bildete eine großartige Kulisse für die hochfliegenden Kreaturen. Die Kunst der Renaissance verehrte die Schönheit des menschlichen Körpers. Dieses Merkmal manifestierte sich in den verfeinerten Elementen der Muskeln und des Körpers. Schwierige Körperhaltungen, Mimik und Gestik, koordiniert und klar Farbpalette charakteristisch für die Arbeit von Bildhauern und Bildhauern der Renaissance. Dazu gehören Tizian, Leonardo da Vinci, Rembrandt und andere.
Sergej Chromow
Obwohl keine einzige ideale Stadt in Stein verkörpert wurde, fanden ihre Ideen in realen Städten der Renaissance Leben ...
Fünf Jahrhunderte trennen uns von der Zeit, als sich Architekten erstmals mit Fragen des Wiederaufbaus der Stadt befassten. Und dieselben Fragen beschäftigen uns heute: Wie entstehen neue Städte? Wie baut man die alten wieder auf - um einzelne Ensembles darin unterzubringen oder alles abzureißen und neu aufzubauen? Und vor allem - welche Idee, in einer neuen Stadt zu liegen?
Die Meister der Renaissance verkörperten jene Ideen, die bereits hereinklangen antike Kultur und Philosophie: Ideen des Humanismus, Harmonie von Natur und Mensch. Die Menschen wenden sich wieder Platons Traum von einem idealen Staat zu ideale Stadt. Das neue Bild der Stadt entsteht zunächst als Bild, als Formel, als Idee, die – wie viele andere Erfindungen des italienischen Quattrocento – ein mutiger Anspruch an die Zukunft ist.
Der Aufbau der Theorie der Stadt war eng verbunden mit dem Studium des antiken Erbes und vor allem der gesamten Abhandlung „Zehn Bücher über Architektur“ von Markus Vitruv (zweite Hälfte des 1. Jahrhunderts v. Chr.), einem Architekten und Ingenieur in der Armee von Julius Cäsar. Diese Abhandlung wurde 1427 in einer der Abteien entdeckt. Die Autorität von Vitruv wurde von Alberti, Palladio, Vasari betont. Der größte Kenner von Vitruv war Daniele Barbaro, der 1565 seine Abhandlung mit seinen Kommentaren veröffentlichte. In einem Kaiser Augustus gewidmeten Werk fasste Vitruv die Erfahrungen von Architektur und Stadtplanung in Griechenland und Rom zusammen. Er befasste sich mit den bereits klassischen Fragen der Wahl eines günstigen Gebiets für die Gründung der Stadt, der Platzierung der Hauptplätze und Straßen der Stadt und der Typologie von Gebäuden. Aus ästhetischer Sicht riet Vitruv zur Einhaltung der Ordination (Befolgung architektonischer Anweisungen), vernünftiger Planung, Beachtung der Einheitlichkeit von Rhythmus und Ordnung, Symmetrie und Proportionalität, Übereinstimmung der Form mit dem Zweck und Verteilung der Ressourcen. |
Im Städtebau der Renaissance entwickeln sich Theorie und Praxis parallel. Neue Gebäude werden gebaut und alte umgebaut, architektonische Ensembles und gleichzeitig Abhandlungen über Architektur, Planung und Befestigung von Städten verfasst. Unter ihnen sind die berühmten Werke von Alberti und Palladio, Schemata der idealen Städte von Filarete, Scamozzi und anderen. Die Idee der Autoren ist den Bedürfnissen des praktischen Bauens weit voraus: Sie beschreiben nicht abgeschlossene Projekte, nach dem man eine bestimmte Stadt planen kann, und eine grafisch dargestellte Idee, das Konzept der Stadt. Es werden Überlegungen zur Lage der Stadt unter wirtschaftlichen, hygienischen, Verteidigungs- und ästhetischen Gesichtspunkten angestellt. Gesucht wird nach optimalen Plänen für Wohngebiete und urbane Zentren, Gärten und Parks. Fragen der Komposition, Harmonie, Schönheit, Proportionen werden untersucht. In diesen Idealkonstruktionen zeichnet sich die Planung der Stadt durch Rationalismus, geometrische Klarheit, zentrische Komposition und Harmonie zwischen dem Ganzen und den Teilen aus. Was schließlich die Architektur der Renaissance von anderen Epochen unterscheidet, ist der Mensch, der im Mittelpunkt all dieser Konstruktionen steht. Die Aufmerksamkeit für die menschliche Person war sogar so groß architektonische Strukturen verglichen menschlicher Körper als Maßstab für perfekte Proportionen und Schönheit.
Theorie
In den 50er Jahren des 15. Jahrhunderts. Die Abhandlung „Zehn Bücher über Architektur“ von Leon Alberti erscheint. Es war in der Tat die erste theoretische Arbeit neue Ära zu diesem Thema. Es befasst sich mit vielen Fragen der Stadtplanung, von der Standortwahl über die Stadtplanung bis hin zu Gebäudetypologie und Ausstattung. Von besonderem Interesse sind seine Argumente zur Schönheit. Alberti schrieb, dass "Schönheit eine streng proportionale Harmonie aller Teile ist, vereint durch das, wozu sie gehören - so dass nichts hinzugefügt, weggenommen oder verändert werden kann, ohne es zu verschlimmern." Tatsächlich war Alberti der Erste, der die Grundprinzipien des urbanen Ensembles der Renaissance verkündete und den antiken Sinn für Proportionen mit dem rationalistischen Beginn einer neuen Ära verband. Das gegebene Verhältnis der Höhe des Gebäudes zum davor befindlichen Raum (von 1:3 bis 1:6), die Konsistenz der architektonischen Maßstäbe der Haupt- und Nebengebäude, die Ausgewogenheit der Komposition und das Fehlen von dissonante Kontraste - das sind die ästhetischen Prinzipien der Städteplaner der Renaissance.
Die ideale Stadt begeisterte viele große Menschen der damaligen Zeit. Dachte an ihn und Leonardo da Vinci. Seine Idee war es, eine Stadt mit zwei Ebenen zu schaffen: Die obere Ebene war für Fußgänger- und Oberflächenstraßen vorgesehen, und die untere für Tunnel und Kanäle, die mit den Kellern von Häusern verbunden sind, durch die sich der Güterverkehr bewegt. Bekannt für seine Pläne zum Wiederaufbau von Mailand und Florenz sowie dem Projekt einer Spindelstadt.
Ein weiterer prominenter Stadttheoretiker war Andrea Palladio. In seiner Abhandlung „Four Books on Architecture“ reflektiert er die Integrität des urbanen Organismus und die Beziehung seiner räumlichen Elemente. Er sagt: „Die Stadt ist nichts als eine Gewissheit großes Haus, und umgekehrt, das Haus ist eine Art Kleinstadt. Über das städtische Ensemble schreibt er: „Schönheit ist das Ergebnis einer schönen Form und der Entsprechung des Ganzen zu den Teilen, der Teile zueinander und auch der Teile zum Ganzen.“ Einen herausragenden Platz in der Abhandlung nimmt das Innere von Gebäuden, ihre Dimensionen und Proportionen ein. Palladio versucht, den Außenraum der Straßen mit dem Inneren von Häusern und Höfen organisch zu verbinden.
Gegen Ende des 16. Jahrhunderts. Viele Theoretiker wurden von den Themen Einzelhandelsflächen und Befestigungen angezogen. So widmet Giorgio Vasari Jr. in seiner idealen Stadt der Entwicklung von Plätzen, Einkaufspassagen, Loggien und Palästen große Aufmerksamkeit. Und in den Projekten von Vicenzo Scamozzi und Buanayuto Lorrini nehmen Fragen der Festungskunst einen bedeutenden Platz ein. Dies war eine Reaktion auf die Ordnung der Zeit - mit der Erfindung von Sprenggranaten wurden die Festungsmauern und Türme durch Erdbastionen ersetzt, aus den Stadtgrenzen entfernt, und die Stadt begann, in ihren Umrissen einem vielstrahligen Stern zu ähneln . Diese Ideen wurden in der tatsächlich gebauten Festung von Palmanova verkörpert, deren Errichtung Scamozzi zugeschrieben wird.
Üben
Obwohl mit Ausnahme kleiner Festungsstädte keine einzige ideale Stadt in Stein gemeißelt wurde, wurden viele ihrer Konstruktionsprinzipien bereits im 16. Jahrhundert in die Realität umgesetzt. Zu dieser Zeit wurden in Italien und anderen Ländern gerade breite Straßen angelegt, die wichtige Elemente des städtischen Ensembles verbanden, neue Plätze wurden geschaffen, alte umgebaut, und später entstanden Parks und Palastensembles mit regelmäßiger Struktur.
| Ideale Stadt von Antonio Filarete Die Stadt war im Grundriss ein achteckiger Stern, der durch die Kreuzung zweier gleicher Quadrate mit einer Seite von 3,5 km in einem Winkel von 45 ° gebildet wurde. In den Vorsprüngen des Sterns befanden sich acht runde Türme und in den "Taschen" - acht Stadttore. Die Tore und Türme waren durch radiale Straßen, von denen einige Schifffahrtskanäle waren, mit dem Zentrum verbunden. Im zentralen Teil der Stadt, auf einem Hügel, befand sich der Hauptplatz mit rechteckigem Grundriss, an dessen kurzen Seiten sich ein Platz befinden sollte fürstlicher Palast und die Stadtkathedrale und entlang der langen - Justiz- und Stadtinstitutionen. In der Mitte des Platzes befanden sich ein Teich und ein Wachturm. Zwei weitere grenzten an den Hauptplatz mit den Häusern der bedeutendsten Einwohner der Stadt. An der Kreuzung der Radialstraßen mit der Ringstraße befanden sich sechzehn weitere Plätze: acht Einkaufs- und acht für Gemeindezentren und Kirchen. |
Trotz der Tatsache, dass die Kunst der Renaissance der Kunst des Mittelalters ausreichend entgegengesetzt war, fügte sie sich leicht und organisch in mittelalterliche Städte ein. In ihrer praktischen Tätigkeit wandten die Renaissance-Architekten das Prinzip an, „einen neuen zu bauen, ohne den alten zu zerstören“. Es gelang ihnen, überraschend harmonische Ensembles zu schaffen, nicht nur aus Gebäuden des gleichen Stils, wie auf den Plätzen von Annuziata in Florenz (entworfen von Filippo Brunelleschi) und dem Kapitol in Rom (entworfen von Michelangelo), sondern auch Gebäude aus zu kombinieren verschiedene Zeiten in einer Komposition. Also auf dem Platz von St. Markus in Venedig verbinden sich mittelalterliche Bauten zu einem architektonischen und räumlichen Ensemble mit Neubauten des 16. Jahrhunderts. Und in Florenz, von der Piazza della Signoria mit dem mittelalterlichen Palazzo Vecchio, schließt sich harmonisch die von Giorgio Vasari entworfene Uffizien-Straße an. Darüber hinaus kombiniert das Ensemble der Florentiner Kathedrale Santa Maria del Fiore (Brunelleschis Rekonstruktion) drei perfekt architektonischer Stil: Romanik, Gotik und Renaissance.
Die Stadt des Mittelalters und die Stadt der Renaissance
Die Idealstadt der Renaissance erschien als eine Art Protest gegen das Mittelalter, ausgedrückt in der Entwicklung antiker städtebaulicher Prinzipien. Anders als die mittelalterliche Stadt, die als freundliches, wenn auch unvollkommenes Ebenbild des „himmlischen Jerusalems“ wahrgenommen wurde, der Verkörperung nicht eines menschlichen, sondern eines göttlichen Plans, wurde die Stadt der Renaissance von einem menschlichen Schöpfer geschaffen. Der Mensch kopierte nicht einfach das, was bereits existierte, er schuf etwas Perfekteres und tat es in Übereinstimmung mit der "göttlichen Mathematik". Die Stadt der Renaissance wurde für den Menschen geschaffen und musste der irdischen Weltordnung, ihrer realen sozialen, politischen und alltäglichen Struktur entsprechen.
Die mittelalterliche Stadt ist von mächtigen Mauern umgeben, von der Welt abgeschottet, ihre Häuser gleichen eher Festungen mit ein paar Schießscharten. Die Stadt der Renaissance ist offen, sie verteidigt sich nicht gegen die Außenwelt, sie kontrolliert sie, unterwirft sie. Die Mauern von Gebäuden, die begrenzen, vereinen die Räume von Straßen und Plätzen mit Höfen und Räumen. Sie sind durchlässig - sie haben viele Öffnungen, Arkaden, Kolonnaden, Zufahrten, Fenster.
Wenn die mittelalterliche Stadt die Platzierung architektonischer Volumen ist, dann ist die Stadt der Renaissance in größerem Maße die Verteilung architektonischer Räume. Zentrum der Neustadt ist nicht der Dombau oder das Rathaus, sondern der nach oben und zu den Seiten hin offene Freiraum des Hauptplatzes. Sie betreten das Gebäude und verlassen es auf der Straße und dem Platz. Und wenn die mittelalterliche Stadt kompositorisch zu ihrem Zentrum gezogen wird – sie ist zentripetal, dann ist die Stadt der Renaissance zentrifugal – sie ist darauf ausgerichtet Außenwelt.
| Platons ideale Stadt Im Plan war der zentrale Teil der Stadt eine Abwechslung von Wasser- und Erdringen. Der äußere Wasserring war durch einen 50 Stadien langen Kanal (1 Stadien - ca. 193 m) mit dem Meer verbunden. Die Erdringe, die die Wasserringe trennten, hatten unterirdische Kanäle in der Nähe der Brücken, die für die Durchfahrt von Schiffen geeignet waren. Der größte Wasserring im Umfang war drei Stadien breit, ebenso wie der irdene, der ihm folgte; die nächsten beiden Ringe, Wasser und Erde, waren zwei Stadien breit; Schließlich war der Wasserring, der die Insel in der Mitte umgab, ein Stadien breit. |
Die mittelalterliche Stadt folgt der natürlichen Landschaft und nutzt sie für ihre eigenen Zwecke. Die Stadt der Renaissance ist eher ein Kunstwerk, ein „Geometriespiel“. Der Architekt modifiziert das Gelände, indem er ihm ein geometrisches Raster aus gezeichneten Räumen überlagert. Eine solche Stadt hat eine klare Form: ein Kreis, ein Quadrat, ein Achteck, ein Stern; sogar die Flüsse werden darin begradigt.
Die mittelalterliche Stadt ist vertikal. Hier ist alles nach oben gerichtet, zum Himmel – fern und unzugänglich. Die Stadt der Renaissance ist horizontal, hier geht es vor allem um die Perspektive, das Streben in die Ferne, zu neuen Horizonten. Für einen mittelalterlichen Menschen ist der Weg zum Himmel ein Aufstieg, der durch Buße und Demut, Verzicht auf alles Irdische erreicht werden kann. Für die Menschen der Renaissance ist dies ein Aufstieg durch das Sammeln eigener Erfahrungen und das Verstehen der göttlichen Gesetze.
Der Traum von einer idealen Stadt beflügelte die kreative Suche vieler Architekten nicht nur der Renaissance, sondern auch späterer Zeiten, er führte und erleuchtete den Weg zu Harmonie und Schönheit. Die ideale Stadt existiert immer innerhalb der realen Stadt, so verschieden von ihr wie die Welt des Denkens von der Welt der Tatsachen, wie die Welt der Vorstellung von der Welt der Fantasie. Und wenn Sie träumen können wie die Meister der Renaissance, dann können Sie diese Stadt sehen – die Stadt der Sonne, die Stadt des Goldes.
Der Originalartikel befindet sich auf der Seite des Magazins "New Acropolis".
Italienische Architektur der Frührenaissance (Quattrocento) eröffnet neue Periode in der Entwicklung der europäischen Architektur, die Dominanz in Europa aufzugeben gotische Kunst und durch die Annahme neuer Prinzipien, die auf dem Ordnungssystem basierten.
Während dieser Zeit wurden die antike Philosophie, Kunst und Literatur gezielt und bewusst studiert. So wurde die Antike auf die starken jahrhundertealten Traditionen des Mittelalters geschichtet, insbesondere auf die christliche Kunst, wodurch die spezifische Komplexität der Kultur der Renaissance auf der Transformation und Verflechtung heidnischer und christlicher Themen beruht.
Quattrocento ist die Zeit der experimentellen Suche, in der nicht die Intuition wie in der Ära der Proto-Renaissance, sondern exakte wissenschaftliche Erkenntnisse im Vordergrund standen. Nun spielte die Kunst die Rolle des universellen Wissens der umgebenden Welt, über die viele wissenschaftliche Abhandlungen des 15. Jahrhunderts geschrieben wurden.
Der erste Theoretiker der Architektur und Malerei war Leon Batista Alberti, der die Theorie der linearen Perspektive entwickelte, basierend auf dem wahren Bild im Bild der Raumtiefe. Diese Theorie bildete die Grundlage für neue Prinzipien der Architektur und Stadtplanung, die darauf abzielten, eine ideale Stadt zu schaffen.
Die Meister der Renaissance begannen sich wieder Platons Traum von einer idealen Stadt und einem idealen Staat zuzuwenden und verkörperten jene Ideen, die bereits in der antiken Kultur und Philosophie die wichtigsten waren - die Ideen der Harmonie zwischen Mensch und Natur, die Ideen des Humanismus. Das neue Bild der idealen Stadt war also zunächst eine bestimmte Formel, eine Idee, eine kühne Behauptung für die Zukunft.
Theorie und Praxis des Renaissance-Städtebaus entwickelten sich parallel zueinander. Alte Gebäude wurden umgebaut, neue errichtet, gleichzeitig wurden Abhandlungen über Architektur, Befestigung und Stadtsanierung geschrieben. Die Autoren der Abhandlungen (Alberti und Palladio) waren den Erfordernissen des praktischen Bauens weit voraus und beschrieben keine fertigen Projekte, sondern präsentierten ein grafisch dargestelltes Konzept, die Idee einer idealen Stadt. Sie begründeten auch, wie die Stadt in Bezug auf Verteidigung, Wirtschaft, Ästhetik und Hygiene positioniert werden sollte.
Alberti war in der Tat der erste, der die Grundprinzipien des idealen städtischen Ensembles der Renaissance verkündete, das durch die Synthese des antiken Sinns für Proportionen und des rationalistischen Ansatzes der neuen Ära entwickelt wurde. Die ästhetischen Prinzipien der Renaissance-Stadtplaner waren also:
- Konsistenz der architektonischen Maßstäbe der Haupt- und Nebengebäude;
- das Verhältnis der Höhe des Gebäudes und des davor befindlichen Raums (von 1:3 bis 1:6);
- Mangel an dissonanten Kontrasten;
- Zusammensetzung Gleichgewicht.
Die ideale Stadt war für viele der großen Meister der Renaissance sehr spannend. Auch Leonardo da Vinci dachte darüber nach, dessen Idee es war, eine zweistöckige Stadt zu schaffen, in der sich der Güterverkehr auf der unteren Ebene bewegte und sich die Boden- und Fußgängerstraßen auf der oberen Ebene befanden. Da Vincis Pläne waren auch mit dem Wiederaufbau von Florenz und Mailand sowie mit dem Entwurf der Spindelstadt verbunden.
Ende des 16. Jahrhunderts beschäftigte die Frage nach Wehrbauten und Gewerbegebieten viele Theoretiker der Stadtplanung. So wurden die Festungstürme und -mauern durch Erdbastionen ersetzt, die aus den Stadtgrenzen entfernt wurden, wodurch die Städte in ihren Umrissen einem mehrstrahligen Stern zu ähneln begannen.
Und obwohl keine einzige ideale Stadt aus Stein gebaut wurde (außer kleinen Festungsstädten), wurden viele Prinzipien für den Bau einer solchen Stadt bereits im 16. Jahrhundert Wirklichkeit, als in Italien und vielen anderen Ländern damit begonnen wurde, gerade breite Straßen zu legen verband wichtige Elemente des Stadtensembles.
