Σύγχρονη Ιαπωνική Τέχνη. CraftsGirl

Η σύγχρονη ιαπωνική καλλιτεχνική σκηνή φαίνεται να έχει παγκοσμιοποιηθεί πλήρως. Οι καλλιτέχνες ταξιδεύουν μεταξύ Τόκιο και Νέας Υόρκης, σχεδόν όλοι έλαβαν ευρωπαϊκή ή αμερικανική εκπαίδευση, μιλούν για τη δουλειά τους στα διεθνή καλλιτεχνικά αγγλικά. Ωστόσο, αυτή η εικόνα απέχει πολύ από το να είναι ολοκληρωμένη.

Τα εθνικά σχήματα και τάσεις αποδεικνύονται ένα από τα πιο περιζήτητα αντικείμενα που έχει να προσφέρει η Ιαπωνία στην παγκόσμια αγορά. καλλιτεχνικές ιδέεςκαι έργα.

λειτουργία αεροπλάνου. Πώς το superflat συνδυάζει την αμερικανική κουλτούρα των geek και την παραδοσιακή ιαπωνική ζωγραφική

Τακάσι Μουρακάμι. "Τανγκ Ταν Μπο"

Αν στον δυτικό κόσμο σχεδόν για όλους (εκτός ίσως από τους πιο ένθερμους μεταμοντέρνους θεωρητικούς) το όριο μεταξύ υψηλού και λαϊκό πολιτισμόεξακολουθεί να είναι επίκαιρη, αν και προβληματική, στην Ιαπωνία αυτοί οι κόσμοι είναι εντελώς ανάμεικτοι.

Ένα παράδειγμα αυτού είναι ο Takashi Murakami, ο οποίος συνδυάζει επιτυχώς εκθέσεις στις καλύτερες γκαλερί του κόσμου και streaming παραγωγής.

Ηχογράφηση της ξενάγησης στην έκθεση Μουρακάμι "Θα πέσει ήπια βροχή"

Ωστόσο, η σχέση του Μουρακάμι με τη λαϊκή κουλτούρα - και για την Ιαπωνία αυτή είναι πρωτίστως η κουλτούρα των θαυμαστών manga και anime (otaku) - είναι πιο περίπλοκη. Ο φιλόσοφος Hiroki Azuma επικρίνει την κατανόηση του otaku ως ένα αυθεντικό ιαπωνικό φαινόμενο. Οι Otaku θεωρούν τους εαυτούς τους άμεσα συνδεδεμένους με τις παραδόσεις της περιόδου Έντο του 17ου-19ου αιώνα - την εποχή του απομονωτισμού και της απόρριψης του εκσυγχρονισμού. Ο Azuma ισχυρίζεται ότι το κίνημα otaku βασίζεται σε manga, animation, graphic novels, παιχνίδια στον υπολογιστή- θα μπορούσε να προκύψει μόνο στο πλαίσιο της μεταπολεμικής αμερικανικής κατοχής ως αποτέλεσμα της εισαγωγής του αμερικανικού πολιτισμού. Η τέχνη του Μουρακάμι και των οπαδών του επανεφευρίσκει το otaku με τεχνικές pop art και καταρρίπτει τον εθνικιστικό μύθο της αυθεντικότητας της παράδοσης. Αντιπροσωπεύει μια «επαναμερικανοποίηση της ιαπωνοποιημένης αμερικανικής κουλτούρας».

Από την άποψη της ιστορίας της τέχνης, το superflat είναι πιο κοντά στο πρώιμο Ιαπωνική ζωγραφική ukiyo-e. Πλέον διάσημο έργοσε αυτή την παράδοση - χαρακτική " Μεγάλο κύμαστην Καναγκάουα» του Κατσουσίκι Χοκουσάι (1823-1831).

Για τον δυτικό μοντερνισμό, η ανακάλυψη της ιαπωνικής ζωγραφικής ήταν μια σημαντική ανακάλυψη. Κατέστησε δυνατή τη θέαση της εικόνας ως αεροπλάνου και δεν επιδιώκει να ξεπεράσει αυτήν την ιδιαιτερότητά της, αλλά να εργαστεί μαζί της.

Κατσουσίκι Χοκουσάι. "Το μεγάλο κύμα από την Καναγκάουα"

Πρωτοπόροι της απόδοσης. Τι σημαίνει σήμερα η ιαπωνική τέχνη της δεκαετίας του 1950

Τεκμηρίωση δημιουργική διαδικασία Akira Kanayama και Kazuo Shiragi

Το Superflat διαμορφώθηκε μόλις τη δεκαετία του 2000. Όμως οι σημαντικές καλλιτεχνικές δράσεις για την παγκόσμια τέχνη ξεκίνησαν στην Ιαπωνία πολύ νωρίτερα - και ακόμη νωρίτερα από τη Δύση.

Η παραστατική στροφή στην τέχνη έλαβε χώρα στο γύρισμα των δεκαετιών του '60 και του '70 του περασμένου αιώνα. Στην Ιαπωνία, η παράσταση εμφανίστηκε τη δεκαετία του '50.

Για πρώτη φορά, ο Όμιλος Gutai έχει μετατοπίσει το ενδιαφέρον του από τη δημιουργία αυτάρκων αντικειμένων στη διαδικασία παραγωγής τους. Από εδώ - ένα βήμα προς την εγκατάλειψη του αντικειμένου τέχνης υπέρ ενός εφήμερου γεγονότος.

Παρόλο που μεμονωμένοι καλλιτέχνες από το Gutai (και ήταν 59 από αυτούς σε είκοσι χρόνια) υπήρχαν ενεργά στο διεθνές πλαίσιο, κατανοώντας τους Ιάπωνες ως τη συλλογική τους δραστηριότητα μεταπολεμική τέχνηγενικά ξεκίνησε στη Δύση πολύ πρόσφατα. Η έκρηξη ήρθε το 2013 με αρκετές εκθέσεις σε μικρές γκαλερί στη Νέα Υόρκη και το Λος Άντζελες, το Τόκιο 1955-1970: Η Νέα Πρωτοπορία στο MoMA και η τεράστια ιστορική αναδρομική έκθεση Gutai: Splendid Playground στο Μουσείο Guggenheim. Η εισαγωγή της ιαπωνικής τέχνης από τη Μόσχα φαίνεται να είναι μια σχεδόν καθυστερημένη συνέχεια αυτής της τάσης.

Sadamasa Motonaga. Εργασία (Νερό) στο Μουσείο Guggenheim

Είναι εντυπωσιακό το πόσο σύγχρονες φαίνονται αυτές οι αναδρομικές εκθέσεις. Για παράδειγμα, το κεντρικό αντικείμενο της έκθεσης στο Μουσείο Guggenheim είναι η ανακατασκευή του Έργου (Νερό) από τη Sadamasa Motonaga, στην οποία τα επίπεδα της ροτόντας του μουσείου συνδέονται με σωλήνες πολυαιθυλενίου με χρωματιστό νερό. Θυμίζουν πινελιές που έχουν σκιστεί από τον καμβά και αποτελούν παράδειγμα της κεντρικής εστίασης του Gutai στη «συγκεκριμένη» (μετάφραση από Ιαπωνικό όνομαομάδες), την υλικότητα των αντικειμένων με τα οποία εργάζεται ο καλλιτέχνης.

Πολλά μέλη του Gutai έλαβαν εκπαίδευση σχετική με την κλασική ζωγραφική nihonga, πολλά είναι βιογραφικά συνδεδεμένα με το θρησκευτικό πλαίσιο του Ζεν Βουδισμού, με τη χαρακτηριστική ιαπωνική καλλιγραφία του. Όλοι τους βρήκαν μια νέα, διαδικαστική ή συμμετοχική προσέγγιση στις αρχαίες παραδόσεις. Ο Kazuo Shiraga έχει βιντεοσκοπήσει πώς σχεδιάζει τις μονοχρωμίες του κατά του Rauschenberg με τα πόδια του, και μάλιστα δημιούργησε πίνακες στο κοινό.

Ο Minoru Yoshida μετέτρεψε λουλούδια από ιαπωνικά prints σε ψυχεδελικά αντικείμενα - ένα παράδειγμα αυτού είναι το Bisexual Flower, ένα από τα πρώτα κινητικά (κινητά) γλυπτά στον κόσμο.

Οι επιμελητές της έκθεσης στο Μουσείο Guggenheim μιλούν για την πολιτική σημασία αυτών των έργων:

«Οι Γκουτάι απέδειξαν τη σημασία της ελεύθερης ατομικής δράσης, της κατάρριψης των προσδοκιών του κοινού, ακόμη και της βλακείας ως τρόποι αντιμετώπισης της κοινωνικής παθητικότητας και της συμμόρφωσης που, επί δεκαετίες, επέτρεψαν σε μια μιλιταριστική κυβέρνηση να αποκτήσει μια κρίσιμη μάζα επιρροής, να εισβάλει στην Κίνα και στη συνέχεια συμμετάσχετε στον Β Παγκόσμιο Πόλεμο».

Καλός και σοφός. Γιατί οι καλλιτέχνες έφυγαν από την Ιαπωνία για την Αμερική τη δεκαετία του 1960

Το Gutai ήταν η εξαίρεση στον κανόνα στη μεταπολεμική Ιαπωνία. Οι πρωτοποριακές ομάδες παρέμειναν περιθωριακές, ο κόσμος της τέχνης ήταν αυστηρά ιεραρχικός. Ο κύριος τρόπος για την αναγνώριση ήταν η συμμετοχή σε διαγωνισμούς που πραγματοποιούσαν αναγνωρισμένοι σύλλογοι κλασικών καλλιτεχνών. Ως εκ τούτου, πολλοί προτίμησαν να πάνε στη Δύση και να ενσωματωθούν στο αγγλόφωνο σύστημα τέχνης.

Ήταν ιδιαίτερα δύσκολο για τις γυναίκες. Ακόμη και στην προοδευτική Γκουτάι το μερίδιο της παρουσίας τους δεν έφτασε ούτε το ένα πέμπτο. Τι να πούμε για τους παραδοσιακούς θεσμούς, για την πρόσβαση στα οποία ήταν απαραίτητη ειδική εκπαίδευση. Μέχρι τη δεκαετία του εξήντα, τα κορίτσια είχαν ήδη αποκτήσει το δικαίωμα σε αυτό, ωστόσο, μάθαιναν τέχνη (αν δεν επρόκειτο για διακοσμητικά, που ήταν μέρος του σετ δεξιοτήτων ρυοσάι κενμπό- μια καλή σύζυγος και μια σοφή μητέρα) ήταν κοινωνικά συνοφρυωμένος στο επάγγελμα.

Γιόκο Όνο. κομμένο κομμάτι

Η ιστορία της μετανάστευσης πέντε ισχυρών Γιαπωνέζων καλλιτεχνών από το Τόκιο στις Ηνωμένες Πολιτείες ήταν το θέμα της μελέτης της Midori Yoshimoto "Into Performance: Japanese Women Artists in New York". Οι Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi και Shigeko Kubota στην αρχή της καριέρας τους αποφάσισαν να φύγουν για τη Νέα Υόρκη και εργάστηκαν εκεί, συμπεριλαμβανομένου του εκσυγχρονισμού των παραδόσεων της ιαπωνικής τέχνης. Μόνο η Γιόκο Όνο μεγάλωσε στις ΗΠΑ - αλλά αρνήθηκε επίσης εσκεμμένα να επιστρέψει στην Ιαπωνία, έχοντας απογοητευτεί από την καλλιτεχνική ιεραρχία του Τόκιο κατά τη σύντομη παραμονή της το 1962-1964.

Η Όνο έγινε η πιο διάσημη από τις πέντε - όχι μόνο ως σύζυγος του Τζον Λένον, αλλά και ως συγγραφέας πρωτοφεμινιστικών παραστάσεων αφιερωμένων στην αντικειμενοποίηση. γυναικείο σώμα. Υπάρχουν προφανείς παραλληλισμοί μεταξύ του Cut Piece It, στο οποίο το κοινό μπορούσε να κόψει κομμάτια από τα ρούχα του καλλιτέχνη, και του «Rhythm 0» της «γιαγιάς της παράστασης» Marina Abramović.

Στα κοντά πόδια. Πώς να περάσετε την εκπαίδευση υποκριτικής του συγγραφέα Tadashi Suzuki

Στην περίπτωση των Ono και Gutai, οι μέθοδοι και τα θέματα της δουλειάς τους, διαχωρισμένα από τους συγγραφείς, έγιναν διεθνώς σημαντικά. Υπάρχουν και άλλες μορφές εξαγωγής - όταν τα έργα του καλλιτέχνη γίνονται αντιληπτά με ενδιαφέρον στη διεθνή σκηνή, αλλά ο δανεισμός της πραγματικής μεθόδου δεν συμβαίνει λόγω της ιδιαιτερότητάς της. Η πιο εντυπωσιακή περίπτωση είναι το σύστημα εκπαίδευσης υποκριτικής του Tadashi Suzuki.

Το θέατρο Suzuki αγαπιέται ακόμη και στη Ρωσία - και αυτό δεν προκαλεί έκπληξη. Τελευταία φοράήταν μαζί μας το 2016 με την παράσταση Οι Τρωάδες βασισμένες στα κείμενα του Ευριπίδη και τη δεκαετία του 2000 ήρθε αρκετές φορές με παραγωγές του Σαίξπηρ και του Τσέχοφ. Ο Suzuki μετέφερε τη δράση των έργων στο τρέχον ιαπωνικό πλαίσιο και πρόσφερε μη προφανείς ερμηνείες των κειμένων: ανακάλυψε τον αντισημιτισμό στον Ιβάνοφ και τον συνέκρινε με την περιφρονητική στάση των Ιαπώνων προς τους Κινέζους, μετέφερε τη δράση του βασιλιά Ληρ στο ένα ιαπωνικό φρενοκομείο.

Η Suzuki έχτισε το σύστημά του σε αντίθεση με το Ρώσο σχολή θεάτρου. ΣΕ τέλη XIXαιώνα, κατά τη λεγόμενη περίοδο Meiji, η εκσυγχρονιζόμενη αυτοκρατορική Ιαπωνία γνώρισε την άνοδο των κινημάτων της αντιπολίτευσης. Το αποτέλεσμα ήταν ένας εκδυτικισμός μεγάλης κλίμακας μιας προηγουμένως εξαιρετικά κλειστής κουλτούρας. Μεταξύ των εισαγόμενων μορφών ήταν το σύστημα Stanislavsky, το οποίο εξακολουθεί να παραμένει στην Ιαπωνία (και στη Ρωσία) μια από τις κύριες σκηνοθετικές μεθόδους.

Ασκήσεις Suzuki

Στη δεκαετία του εξήντα, όταν ο Suzuki ξεκίνησε την καριέρα του, διαδόθηκε όλο και περισσότερο η διατριβή ότι λόγω των σωματικών τους χαρακτηριστικών, οι Ιάπωνες ηθοποιοί δεν μπορούσαν να συνηθίσουν ρόλους από δυτικά κείμενα που γέμιζαν το τότε ρεπερτόριο. Ο νεαρός σκηνοθέτης κατάφερε να προσφέρει την πιο πειστική εναλλακτική.

Το σύστημα ασκήσεων της Suzuki, που ονομάζεται γραμματική των ποδιών, περιλαμβάνει δεκάδες τρόπους για να κάθεσαι, και ακόμη περισσότερους να στέκεσαι και να περπατάς.

Οι ηθοποιοί του συνήθως παίζουν ξυπόλητοι και φαίνονται, χαμηλώνοντας το κέντρο βάρους, όσο το δυνατόν πιο σφιχτά δεμένοι στο έδαφος, βαριές. Η Suzuki τους διδάσκει και τους ξένους ερμηνευτές την τεχνική του στο χωριό Τόγκα, σε αρχαία ιαπωνικά σπίτια γεμάτα με σύγχρονο εξοπλισμό. Ο θίασος του δίνει μόνο περίπου 70 παραστάσεις τον χρόνο και τον υπόλοιπο χρόνο ζει, σχεδόν χωρίς να φύγει από το χωριό και να μην έχει χρόνο για προσωπικές υποθέσεις - μόνο δουλειά.

Το Toga Center εμφανίστηκε τη δεκαετία του 1970 και σχεδιάστηκε μετά από αίτημα του σκηνοθέτη από τον παγκοσμίου φήμης αρχιτέκτονα Arata Isozaka. Το σύστημα της Suzuki μπορεί να φαίνεται πατριαρχικό και συντηρητικό, αλλά ο ίδιος μιλά για την Toga με σύγχρονους όρους αποκέντρωσης. Ακόμη και στα μέσα της δεκαετίας του 2000, η ​​Suzuki κατανοούσε τη σημασία της εξαγωγής τέχνης από την πρωτεύουσα στις περιοχές και της οργάνωσης τοπικών σημείων παραγωγής. Σύμφωνα με τον σκηνοθέτη, ο θεατρικός χάρτης της Ιαπωνίας μοιάζει από πολλές απόψεις με τον ρωσικό - η τέχνη συγκεντρώνεται στο Τόκιο και μερικά λιγότερο μεγάλα κέντρα. ρωσικό θέατροΜια εταιρεία που πηγαίνει τακτικά σε περιοδείες σε μικρές πόλεις και εδρεύει μακριά από την πρωτεύουσα επίσης δεν θα έβλαπτε.

SCOT Company Center στην Τόγκα

Μονοπάτια λουλουδιών. Τι πόρους ανακάλυψε το σύγχρονο θέατρο στα συστήματα noh και kabuki

Η μέθοδος Suzuki αναπτύσσεται από δύο αρχαίες ιαπωνικές παραδόσεις - αλλά και το kabuki. Δεν είναι μόνο ότι αυτοί οι τύποι θεάτρου χαρακτηρίζονται συχνά ως η τέχνη του περπατήματος, αλλά και σε πιο εμφανείς λεπτομέρειες. Η Suzuki ακολουθεί συχνά τον κανόνα για την εκτέλεση όλων των ρόλων από τους άνδρες, χρησιμοποιεί χαρακτηριστικές χωρικές λύσεις, για παράδειγμα, hanamichi ("το μονοπάτι των λουλουδιών") του μοτίβου kabuki - μια πλατφόρμα που εκτείνεται από τη σκηνή στα βάθη αίθουσα. Εκμεταλλεύεται επίσης αρκετά αναγνωρίσιμα σύμβολα όπως λουλούδια και ειλητάρια.

Φυσικά, σε παγκόσμιος κόσμοςΔεν γίνεται λόγοςγια το προνόμιο των Ιαπώνων να χρησιμοποιούν τις εθνικές τους μορφές.

Το θέατρο ενός από τους σημαντικότερους σκηνοθέτες της εποχής μας, του Αμερικανού Ρόμπερτ Γουίλσον, χτίστηκε με δανεικά από τον αλλά.

Δεν χρησιμοποιεί μόνο μάσκες και μακιγιάζ που θυμίζουν στο μαζικό κοινό την Ιαπωνία, αλλά δανείζεται και τρόπους δράσης με βάση τη μέγιστη επιβράδυνση της κίνησης και την αυτάρκη εκφραστικότητα της χειρονομίας. Συνδυάζοντας παραδοσιακές και τελετουργικές φόρμες με πρωτοποριακές παρτιτούρες φωτισμού και μινιμαλιστική μουσική (ένα από τα πιο διάσημα έργα Wilson - μια παραγωγή της όπερας του Philip Glass "Einstein on the Beach"), ο Wilson παράγει ουσιαστικά τη σύνθεση της προέλευσης και της συνάφειας που επιδιώκει μεγάλο μέρος της σύγχρονης τέχνης.

Ρόμπερτ Γουίλσον. "Ο Αϊνστάιν στην παραλία"

Από το όχι και το kabuki μεγάλωσε ένας από τους πυλώνες μοντέρνος χορός- buto, κυριολεκτικά μεταφρασμένο - χορός του σκότους. Εφευρέθηκε το 1959 από τους χορογράφους Kazuo Ono και Tatsumi Hijikata, οι οποίοι σχεδίαζαν επίσης ένα χαμηλό κέντρο βάρους και συγκέντρωση στα πόδια, το butoh ήταν να φέρει αντανακλάσεις από τραυματικές εμπειρίες πολέμου στη σωματική διάσταση.

«Έδειξαν το σώμα άρρωστο, να καταρρέει, ακόμη και τερατώδες, τερατώδες.<…>Οι κινήσεις είναι είτε αργές, είτε εσκεμμένα αιχμηρές, εκρηκτικές. Για αυτό, χρησιμοποιείται μια ειδική τεχνική, όταν η κίνηση πραγματοποιείται σαν να μην εμπλέκονται οι κύριοι μύες, λόγω των οστικών μοχλών του σκελετού», συνδέει η ιστορικός χορού Irina Sirotkina στο butoh στην ιστορία της απελευθέρωσης του σώματος. με την απομάκρυνση από την κανονιστικότητα του μπαλέτου. Συγκρίνει το butoh με τις πρακτικές των χορευτών και των χορογράφων των αρχών του 20ου αιώνα - η Isadora Duncan, η Martha Graham, η Mary Wigman, μιλάει για την επιρροή στον μετέπειτα «μεταμοντέρνο» χορό.

Ένα κομμάτι του χορού του Κατσούρα Κανά, του σύγχρονου συνεχιστή της παράδοσης μπούτο

Σήμερα, το butoh στην αρχική του μορφή δεν είναι πλέον μια πρακτική avant-garde, αλλά μια ιστορική ανασυγκρότηση.

Ωστόσο, το λεξικό κινήσεων που αναπτύχθηκε από τους Ohno, Hijikata και τους οπαδούς τους παραμένει πολύτιμος πόρος σύγχρονους χορογράφους. Στη Δύση χρησιμοποιείται από τον Δημήτρη Παπαϊωάννου, τον Anton Adasinsky ακόμα και στο βίντεο για το “Belong To The World” των The Weekend. Στην Ιαπωνία, διάδοχος της παράδοσης butoh είναι, για παράδειγμα, ο Saburo Teshigawara, ο οποίος θα έρθει στη Ρωσία τον Οκτώβριο. Αν και ο ίδιος αρνείται παραλληλισμούς με τον χορό του σκότους, οι κριτικοί βρίσκουν αρκετά αναγνωρίσιμα σημάδια: ένα σώμα φαινομενικά χωρίς κόκαλα, ευθραυστότητα, αθόρυβο βήμα. Είναι αλήθεια ότι τοποθετούνται ήδη στο πλαίσιο της μεταμοντερνιστικής χορογραφίας - με το υψηλό τέμπο, τα τρεξίματα, τη δουλειά με τη μεταβιομηχανική noise μουσική.

Saburo Teshigawara. μεταμόρφωση

Τοπικά παγκόσμια. Πώς μοιάζει η σύγχρονη ιαπωνική τέχνη με τη δυτική τέχνη;

Τα έργα του Teshigawara και πολλών συναδέλφων του ταιριάζουν οργανικά στα προγράμματα των καλύτερων δυτικών φεστιβάλ σύγχρονου χορού. Αν κοιτάξετε τις περιγραφές των παραστάσεων και των παραστάσεων που προβλήθηκαν στο Φεστιβάλ / Τόκιο - τη μεγαλύτερη ετήσια παράσταση του ιαπωνικού θεάτρου, τότε θα είναι δύσκολο να παρατηρήσετε θεμελιώδεις διαφορές από τις ευρωπαϊκές τάσεις.

Ένα από τα κεντρικά θέματα είναι η ιδιαιτερότητα του ιστότοπου - Ιάπωνες καλλιτέχνες εξερευνούν τους χώρους του Τόκιο, που κυμαίνονται από συστάδες καπιταλισμού με τη μορφή ουρανοξυστών έως οριακές περιοχές συγκέντρωσης otaku.

Ένα άλλο θέμα είναι η μελέτη της παρεξήγησης μεταξύ των γενεών, το θέατρο ως χώρος ζωντανής συνάντησης και οργανωμένης επικοινωνίας των ανθρώπων. διαφορετικές ηλικίες. Έργα αφιερωμένα σε αυτήν από τους Toshika Okada και Akira Tanayama μεταφέρθηκαν στη Βιέννη για αρκετά συνεχόμενα χρόνια σε ένα από τα βασικά ευρωπαϊκά φεστιβάλ παραστατικών τεχνών. Δεν υπήρχε τίποτα νέο στη μεταφορά υλικού ντοκιμαντέρ και προσωπικών ιστοριών στη σκηνή μέχρι τα τέλη της δεκαετίας του 2000, αλλά η επιμελήτρια του Φεστιβάλ της Βιέννης παρουσίασε αυτά τα έργα στο κοινό ως ευκαιρία για ζωντανή, άμεση επαφή με έναν άλλο Πολιτισμός.

Μια άλλη βασική γραμμή είναι η επεξεργασία της τραυματικής εμπειρίας. Για τους Ιάπωνες, δεν συνδέεται με τα Γκουλάγκ ή το Ολοκαύτωμα, αλλά με τον βομβαρδισμό της Χιροσίμα και του Ναγκασάκι. Το θέατρο αναφέρεται σε αυτόν συνεχώς, αλλά η πιο ισχυρή δήλωση για τις ατομικές εκρήξεις ως τη στιγμή της γένεσης όλων των σύγχρονων ιαπωνική κουλτούραεξακολουθεί να ανήκει στον Τακάσι Μουρακάμι.

στην έκθεση «Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture»

«Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture» είναι το όνομά του επιμελητικό έργοπαρουσιάστηκε στη Νέα Υόρκη το 2005. "Little Boy" - "baby" στα ρωσικά - το όνομα μιας από τις βόμβες που έπεσαν στην Ιαπωνία το 1945. Συλλέγοντας εκατοντάδες κόμικς manga από κορυφαίους εικονογράφους, διακριτικά vintage παιχνίδια, εμπορεύματα εμπνευσμένα από διάσημα anime από το Godzilla έως το Hello Kitty, ο Murakami έχει ωθήσει τη συγκέντρωση της γλυκύτητας - kawaii - στο όριο στον χώρο του μουσείου. Παράλληλα, λάνσαρε μια επιλογή από κινούμενα σχέδια στα οποία κεντρικές εικόνεςυπήρχαν εικόνες από εκρήξεις, γυμνό χώμα, κατεστραμμένες πόλεις.

Αυτή η αντίθεση ήταν η πρώτη σημαντική δήλωση σχετικά με τη νηπίωση της ιαπωνικής κουλτούρας ως τρόπο αντιμετώπισης της διαταραχής μετατραυματικού στρες.

Τώρα αυτό το συμπέρασμα φαίνεται ήδη προφανές. Μια ακαδημαϊκή μελέτη του kawaii από τον Inuhiko Yomota βασίζεται σε αυτό.

Υπάρχουν επίσης μεταγενέστερα τραυματικά ερεθίσματα. Από τα πιο σημαντικά - τα γεγονότα της 11ης Μαρτίου 2011, ο σεισμός και το τσουνάμι που οδήγησαν σε μεγάλο ατύχημα στον πυρηνικό σταθμό της Φουκουσίμα. Στο Festival/Tokyo-2018, ένα ολόκληρο πρόγραμμα έξι παραστάσεων αφιερώθηκε στην κατανόηση των συνεπειών μιας φυσικής και τεχνολογικής καταστροφής. έγιναν επίσης το θέμα για ένα από τα έργα που παρουσιάστηκαν στο Solyanka. Αυτό το παράδειγμα δείχνει ξεκάθαρα ότι το οπλοστάσιο κρίσιμες μεθόδουςΗ δυτική και η ιαπωνική τέχνη δεν διαφέρουν ουσιαστικά. Ο Haruyuki Ishii δημιουργεί μια εγκατάσταση τριών τηλεοπτικών συσκευών που κυκλοφόρησαν μέσα από υψηλής ταχύτητας επεξεργασμένα και κυκλικά πλάνα από τηλεοπτικά προγράμματα σχετικά με τον σεισμό.

«Το έργο αποτελείται από 111 βίντεο που ο καλλιτέχνης παρακολουθούσε καθημερινά στις ειδήσεις μέχρι τη στιγμή που όλα όσα έβλεπε δεν θεωρούνταν πλέον μυθοπλασία», εξηγούν οι επιμελητές. Η «Νέα Ιαπωνία» είναι ένα εκφραστικό παράδειγμα του πώς η τέχνη δεν αντιστέκεται στην ερμηνεία που βασίζεται σε εθνικούς μύθους, αλλά ταυτόχρονα κριτικό μάτιδιαπιστώνει ότι η ίδια ερμηνεία μπορεί να είναι σχετική για την τέχνη οποιασδήποτε προέλευσης. Οι επιμελητές μιλούν για τον στοχασμό ως τη βάση της ιαπωνικής παράδοσης, βασιζόμενοι σε αποσπάσματα από τον Λάο Τσε. Ταυτόχρονα, σαν να αφήνει εκτός παρενθέσεων ότι σχεδόν όλα σύγχρονη τέχνηεπικεντρώθηκε στο «φαινόμενο του παρατηρητή» (όπως ονομάζεται η έκθεση) - είτε με τη μορφή δημιουργίας νέων πλαισίων για την αντίληψη οικείων φαινομένων είτε με την ανάδειξη του ζητήματος της δυνατότητας επαρκούς αντίληψης ως τέτοιας.

Imagined Communities - άλλο ένα έργο του video artist Haruyuki Ishii

Παιχνίδι

Ωστόσο, δεν πρέπει να πιστεύει κανείς ότι η Ιαπωνία του 2010 είναι μια συγκέντρωση προοδευτικότητας.

Οι συνήθειες του παλιού καλού παραδοσιακισμού και της αγάπης για τον οριενταλιστικό εξωτισμό δεν έχουν ακόμη ξεπεραστεί. «Το Θέατρο των Παρθένων» είναι ο τίτλος ενός αρκετά θαυμαστικού άρθρου για το ιαπωνικό θέατρο «Takarazuka» στο ρωσικό συντηρητικό περιοδικό «PTJ». Ο Takarazuka εμφανίστηκε στα τέλη του 19ου αιώνα ως ένα επιχειρηματικό έργο για την προσέλκυση τουριστών σε μια απομακρυσμένη πόλη με το ίδιο όνομα, η οποία κατά λάθος έγινε το τέρμα ενός ιδιωτικού ΣΙΔΗΡΟΔΡΟΜΙΚΗ ΓΡΑΜΜΗ. Παίζει μόνο στο θέατρο ανύπαντρες κοπέλες, τα οποία, σύμφωνα με τον ιδιοκτήτη του σιδηροδρόμου, υποτίθεται ότι παρέσυραν τους άνδρες θεατές στην πόλη. Σήμερα, η Takarazuka λειτουργεί ως βιομηχανία - με δικό της τηλεοπτικό κανάλι, πυκνό πρόγραμμα συναυλιών, ακόμη και το τοπικό λούνα παρκ. Αλλά μόνο τα ανύπαντρα κορίτσια εξακολουθούν να έχουν το δικαίωμα να είναι στον θίασο - ας ελπίσουμε ότι δεν θα ελέγξουν για παρθενία τουλάχιστον.

Ωστόσο, ο Takarazuka ωχριά σε σύγκριση με το κλαμπ Toji Deluxe στο Κιότο, το οποίο οι Ιάπωνες αποκαλούν επίσης θέατρο. Δείχνουν απολύτως άγρια, αν κρίνουμε από περιγραφήΟ αρθρογράφος του New Yorker Ian Buruma, σόου στριπτίζ: πολλά γυμνά κορίτσια στη σκηνή μετατρέπουν την επίδειξη των γεννητικών οργάνων σε δημόσια τελετουργία.

Οπως και πολλοί άλλοι καλλιτεχνικές πρακτικές, αυτή η παράσταση βασίζεται σε αρχαίους θρύλους (με τη βοήθεια ενός κεριού και ενός μεγεθυντικού φακού, οι άνδρες από το κοινό μπορούσαν εναλλάξ να εξερευνήσουν τα «μυστικά της μητέρας θεάς Amaterasu») και στον ίδιο τον συγγραφέα υπενθύμισε την παράδοση noh .

Αναζήτηση Δυτικούς ομολόγουςγια το «Takarazuki» και το Toji θα το αφήσουμε στον αναγνώστη - δεν είναι δύσκολο να τα βρει. Σημειώνουμε μόνο ότι ένα σημαντικό μέρος της μοντέρνας τέχνης κατευθύνεται ακριβώς στην καταπολέμηση τέτοιων πρακτικών καταπίεσης - τόσο δυτικών όσο και ιαπωνικών, που κυμαίνονται από τον χορό superflat μέχρι το butoh.

Η ανάρτηση είναι διαφημιστική, αλλά οι εντυπώσεις, το κείμενο και οι φωτογραφίες είναι δικές τους.

Η σύγχρονη τέχνη είναι δύσκολο να κριθεί ή να αξιολογηθεί, καθώς αρχικά ξεπερνά αυτή τη δυνατότητα. Είναι καλό που υπάρχει Αλεξέι Λιφάνοφ , που, αν και δεν είναι Ιάπωνας ειδικός, καταλαβαίνει την τέχνη καλύτερα από εμένα. Ποιος, αν όχι ο Αλεξέι, θα με βοηθούσε να καταλάβω τι είδα;
Ναι, οι Ιάπωνες είναι περίεργοι άνθρωποι. Εντυπώσεις από την έκθεση στη λεωφόρο Gogol.

Τα εκθέματα στην έκθεση «Διπλή Προοπτική» μπορούν να χωριστούν υπό όρους σε τρία μέρη (σύμφωνα με τα θέματα που θίγουν οι συγγραφείς). Το πρώτο είναι αφιερωμένο στο άτομο και το κράτος, ο ρόλος της ιδεολογίας σε μυστικότητα, η επιταγή της κοινωνίας πάνω στο άτομο. Το δεύτερο θέμα σχετίζεται: ο άνθρωπος και η επιρροή του στη φύση (και μάλιστα στο πλαίσιο μιας έκθεσης Διάφοροι καλλιτέχνεςεξέφρασε εκ διαμέτρου αντίθετες απόψεις. Το τρίτο θέμα είναι καθαρά γιαπωνέζικο και είναι αφιερωμένο στην ιδεολογία του "loli" και σε άλλα εφηβόφιλα πράγματα που ανθούν στην ιαπωνική κοινωνία.

1. Τα έργα του Kenji Yanobe εμπλέκονται στη μετα-αποκαλυπτική αισθητική, ενώ, σημειωτέον, χωρίς κανένα «σταλκερισμό». Η δουλειά του είναι πολύ αφελής σε επίπεδο μεθόδου. Το «Παιδί του Ήλιου» είναι ένα μεγάλης κλίμακας και συγκινητικό γλυπτό. Τι είδους άνθρωπος πρέπει να είναι για να αντισταθεί στον τεχνογενή κόσμο - τολμηρός, αποφασιστικός ή άμεσος και αφελής;

3. Συνέχεια του θέματος σε ύφος ακόμα πιο υπερβολικά αφελής.

4. Η Motohiko Odani μιλά για την εφηβεία, τη σεξουαλικότητα και την ψυχολογία της. Απέναντι από αυτό το γλυπτό βρίσκεται μια πολύ πιο εκφραστική εγκατάσταση βίντεο, αλλά πρέπει να το δείτε με τα μάτια σας.

5. Η Makoto Aida αναπτύσσει το θέμα. Ένα δέντρο μπονσάι με κοριτσίστικα κεφάλια είναι ένα υπερβολικό σύμβολο διεστραμμένης αγάπης. Ο συμβολισμός είναι διάφανος και δεν χρειάζεται εξήγηση.

6. Άλλο ένα έργο του «Μαθητές του σχολείου Χαρακίρι». Γραφικά, είναι απλά καταπληκτικό.

7. Συνέχεια του «παιδικού» θέματος από τον Yoshimoto Naro. Παιδικά πρόσωπα και μη παιδικά συναισθήματα.

8. Ο Takahiro Iwasaki δημιούργησε ένα πολύ υπό όρους διόραμα μιας συγκεκριμένης πόλης από κάθε λογής σκουπίδια. Η αισθητική της πόλης, που στην πραγματικότητα είναι σκουπιδότοπος, δεν είναι νέα ιδέα, αλλά υλοποιείται με ενδιαφέρον.

10. Πίνακες του Tadanori Yokoo - ένα κολάζ από νύξεις, αποσπάσματα και αρχέτυπα. Ταυτόχρονα, ο χρωματισμός είναι απλά εκπληκτικός.

11. Ο Yayoi Kusama στράφηκε στην υπαρξιακή αισθητική του είναι και του μη όντος, δημιουργώντας ένα δωμάτιο όπου ο χώρος σπάει και καταρρέει.

12. Ο Yasumasa Morimura έκανε μια παρωδία μιας παρωδίας. Δεν απεικονίζει καθόλου τον Αδόλφο Χίτλερ, όπως μπορεί να φαίνεται, αλλά το Αδενοειδή του Γκίνκελ - έναν χαρακτήρα από την ταινία του Τσάπλιν «Ο μεγάλος δικτάτορας». Τα υπόλοιπα έργα του είναι ήδη αφιερωμένα στους άμεσους ηγεμόνες και δικτάτορες, αλλά η ουσία είναι ξεκάθαρη - η απειλή μιας συνολικής ιδεολογίας.

13. Υπάρχουν λίγοι θεατές, αλλά αυτοί που είναι συζητούν με πολύ ενθουσιασμό αυτό που έχουν δει. Σε γενικές γραμμές, φαίνεται ότι στους επισκέπτες αρέσει πολύ αυτό που συμβαίνει.

14. Αυτό είναι το κεφάλι του Τζορτζ Μπους. Ο Τζορτζ Μπους τραγουδά τον ύμνο των ΗΠΑ. Η ιδέα είναι απλή στην κατανόηση - για την εισβολή της ιδεολογίας και του κράτους, ακόμη και στον προσωπικό χώρο ενός ανθρώπου.

15. Αρουραίοι-Πόκεμον. Το αγαπημένο μου σημείο.

16. Μέρος της έκθεσης - φωτογραφίες. Μερικές φορές ενδιαφέρουσα, μερικές φορές πολύ οικεία για να καταλάβουμε.

18. Φωτογραφίες του Toshio Shibata. Εδώ η ιδέα της αρμονικής συνύπαρξης ανθρώπου και φύσης λύνεται με τη μορφή φωτογραφιών, αισθητικά πολύ πιο κοντά στην αφαίρεση παρά στον ρεαλισμό - μια τόσο καλά προσαρμοσμένη γεωμετρία και σύνθεση.

19. Ένας από τους χαιρετισμούς στον Λένιν.

Σε κάθε περίπτωση, οι εκθέσεις δημιουργήθηκαν για να τις παρακολουθήσουν ζωντανά, και όχι για να παρακολουθήσουν φωτορεπορτάζ σε blogs. Πολλά έργα είναι εντελώς αδύνατο να αξιολογηθούν σε στατικό και σε μέγεθος φωτογραφίας οθόνης. Επομένως, είναι καλύτερο να πάτε μόνοι σας στην έκθεση «Διπλή Προοπτική».

Ο συνεργάτης του έργου, η Sony, διοργανώνει έναν διαγωνισμό και κληρώνει ένα φορητό υπολογιστή και άλλα βραβεία! Αν πάτε στην έκθεση, φροντίστε να τραβήξετε φωτογραφίες από τα εκθέματα και να γράψετε τη δική σας σύντομες εντυπώσεις. Κοινοποιήστε για να λάβετε μέρος στον διαγωνισμό

Θα υπάρχει έκθεση σύγχρονης ιαπωνικής τέχνης «Διπλή Προοπτική».

1. Υπάρχουν πολλά ασυνήθιστα πράγματα στην ιαπωνική σύγχρονη τέχνη. Για παράδειγμα, αυτοί οι πίνακες του Izumi Kato είναι φτιαγμένοι στο χέρι, χωρίς τη χρήση πινέλου.

2. Με την πρώτη ματιά, μπορεί να φαίνεται ότι πρόκειται για συνηθισμένους λαμπτήρες. Αλλά αυτό είναι δουλειά με βαθύ νόημααφιερωμένο στον 38ο παράλληλο, που χωρίζει τη Βόρεια και τη Νότια Κορέα.

3. Φυσικά, σε κάθε έργο υπάρχει κάποιο βαθύ νόημα που δεν βρίσκεται στην επιφάνεια, αλλά ακόμα κι αν δεν το βρείτε, μπορείτε απλά να θαυμάσετε, για παράδειγμα, την ομορφιά αυτού του επιδέξια φτιαγμένου τριαντάφυλλου.

4. αυτό είναι το έργο του Kenji Yanobe για το πώς μπορεί ένας άνθρωπος να επιβιώσει στο τέλος του κόσμου

6. Αυτό είναι το πιο διάσημο έργο του «Child of the Sun» που δημιουργήθηκε μετά το ατύχημα στον πυρηνικό σταθμό της Φουκουσίμα.

8. Makoto Aida "Bonsai Ai-chan"

9. αυτή είναι και η σύγχρονη ιαπωνική τέχνη

10. intersny project "Ο Λένιν αναζητείται σε διαμερίσματα της Μόσχας". Ο Yoshinori Niva έψαξε στα σπίτια των Μοσχοβιτών για διατηρητέα αντικείμενα που σχετίζονται με την προσωπικότητα του Λένιν. Το πιο περίεργο είναι ότι αυτό δεν το έκανε ένας Ρώσος, αλλά ένας Ιάπωνας.

14. Παρεμπιπτόντως, για αυτή τη δουλειά χρησιμοποιήθηκαν γεμιστές πραγματικοί αρουραίοι.

15. Αυτές οι φωτογραφίες δείχνουν τους φόβους των ανθρώπων

Μια ενδιαφέρουσα έκθεση βρίσκεται σε εξέλιξη στο Ερμιτάζ - Μοντέρνα Τέχνη της Ιαπωνίας "MONO-NO AWARE. The Charm of Things".

Να πω ότι είμαι λάτρης της σύγχρονης τέχνης - δεν μπορώ. Μου αρέσει περισσότερο όταν υπάρχει κάτι να κοιτάξω (απασχολημένα γραφικά, ή τέχνες και χειροτεχνίες, το έθνος είναι το παν). Το να θαυμάζω την ομορφιά μιας καθαρής ιδέας δεν είναι πάντα διασκεδαστικό για μένα. (Μάλεβιτς, συγγνώμη! Δεν μου αρέσει το Μαύρο Τετράγωνο!)

Σήμερα όμως έφτασα σε αυτή την έκθεση!

Πολύτιμο, αν βρίσκεστε στην Αγία Πετρούπολη, ενδιαφέρεστε για την τέχνη και δεν έχετε πάει ακόμα, τότε η έκθεση θα είναι μέχρι τις 9 Φεβρουαρίου! Πήγαινε, γιατί είναι ενδιαφέρον!

Οι έννοιες με πείθουν λίγο, όπως έγραψα παραπάνω. Κάπως νόμιζα ότι σε μια χρονιά που επισκέπτομαι σύγχρονες εκθέσεις, ένα ή δύο αντικείμενα μου φαίνονται το πολύ αστεία. Και πολλά πράγματα δεν με αγγίζουν τόσο που να λυπάμαι για τον χρόνο που πέρασα. Αλλά είναι σε οποιοδήποτε είδος, σε οποιαδήποτε τέχνη, το ποσοστό της αναλογίας ταλέντου και μετριότητας, καλό είναι να είναι ένα στα δέκα! Αλλά μου άρεσε αυτή η παράσταση.

Ιαπωνικές δημιουργίες τοποθετήθηκαν στους εκθεσιακούς χώρους του Γενικού Επιτελείου. Η πρώτη εγκατάσταση που υποδέχεται τους επισκέπτες είναι ένας απίστευτος λαβύρινθος γεμάτος αλάτι στο πάτωμα. Γκρι δάπεδο, λευκό αλάτι, απίστευτα προσεγμένο χώρο, υφαντό σε ένα χωράφι. Μεγάλο εκθεσιακό χώρο, και ένα λευκό στολίδι απλώθηκε στο πάτωμα σαν κάποιο καταπληκτικό Λοχ. Και καταλαβαίνετε πόσο προσωρινή είναι αυτή η τέχνη. Η έκθεση θα κλείσει, ο λαβύρινθος θα παρασυρθεί με μια σκούπα. Κάποτε είδα την ταινία, "Little Buddha". Και εκεί, στην αρχή, ένας βουδιστής μοναχός έβαλε ένα περίπλοκο στολίδι από χρωματιστή άμμο. Και στο τέλος της ταινίας, ο μοναχός έκανε μια απότομη κίνηση με το πινέλο του και το τιτάνιο έργο διαλύθηκε στον άνεμο. Αυτό ήταν, μετά hop, και όχι. Και λέει, εκτιμήστε την ομορφιά εδώ και τώρα, όλα είναι φευγαλέα. Αυτός ο λαβύρινθος του αλατιού λοιπόν, μπαίνει σε διάλογο μαζί σου, αρχίζεις να απαντάς στις ερωτήσεις που σε βάζει. Ο καλλιτέχνης είναι ο Motoi Yamamoto.

Ναι ναι! Αυτός είναι ένας τόσο μεγάλος λαβύρινθος, νιώσατε την κλίμακα;

Το δεύτερο αντικείμενο που σαγηνεύει είναι ο τεράστιος θόλος από πολυαιθυλένιο και μαύρη ρητίνη του Yasuaki Onishi. Ασυνήθιστα αποφασισμένος χώρος. Πάνω στις μαύρες πιο λεπτές ανώμαλες κλωστές ρητίνης κρέμονται, ελαφρώς κινούμενες, ένας θόλος .... ή ένα βουνό με περίπλοκο ανάγλυφο. Όταν μπαίνεις μέσα, βλέπεις ένα ετερόκλητο μοτίβο από κουκκίδες - σημεία όπου κολλάει η ρητίνη. Είναι αστείο, σαν να πέφτει σιωπηλά η μαύρη βροχή, κι εσύ να είσαι κάτω από το κουβούκλιο.

Πώς προέκυψε αυτή η τεχνική; Αστείο, σωστά; Αλλά ζωντανά φαίνεται πιο «ζωντανό», ο τρούλος ταλαντεύεται ελαφρώς από το αεράκι που δημιουργείται από διερχόμενους επισκέπτες. Και υπάρχει η αίσθηση της αλληλεπίδρασής σας με το αντικείμενο. Μπορείτε να μπείτε στη «σπηλιά», δείτε από μέσα πώς είναι!

Αλλά για να μην έχω την εντύπωση ότι όλα ήταν μόνο ασπρόμαυρα, θα δημοσιεύσω εδώ μερικές ακόμη φωτογραφίες της σύνθεσης, φτιαγμένες από κρίκους που συνδέονται μεταξύ τους. Τέτοιες χρωματιστές αστείες πλαστικές μπούκλες! Και επίσης, μπορείτε να περάσετε από αυτό το δωμάτιο, μέσα στα τσέρκια, ή μπορείτε να δείτε τα πάντα από έξω.

Αυτά τα αντικείμενα είναι τα αγαπημένα μου. Φυσικά, σύντομα η εννοιολογική σύγχρονη τέχνη θα γίνει διαφορετική, σύμφωνη με τη νέα εποχή. Δεν θα επιστρέψει στα παλιά και δεν θα παραμείνει όπως είναι τώρα. Θα αλλάξει. Αλλά για να καταλάβετε τι ήταν, πού ορμούσε το ρέμα και τι και από πού προέρχεται, πρέπει να ξέρετε τι συμβαίνει τώρα. Και μην διστάζετε αυτό το nooo, το concept δεν είναι για μένα, αλλά προσπαθήστε να το δείτε και να το αξιολογήσετε. Υπάρχουν λίγα ταλέντα, όπως πάντα, αλλά είναι εκεί. Και αν τα εκθέματα έχουν απήχηση, τότε δεν χάνονται όλα!!!