Il segreto della grandezza delle principali opere d'arte giapponese. Lungometraggi giapponesi Aizu laccati

La formazione della cerimonia del tè (chanoyu) come uno dei più grandi fenomeni della cultura giapponese è avvenuta in un periodo molto difficile e travagliato per il paese, quando guerre sanguinose interne e faide tra clan feudali rendevano insopportabile la vita delle persone. La cerimonia del tè è nata sotto l'influenza dell'estetica e della filosofia del buddismo zen e ha cercato di contrastare lo stato d'animo di disperazione con l'adorazione della bellezza.

A quei tempi, i governanti della classe militare e i ricchi mercanti, riuniti per discussioni politiche e commerciali, ne approfittavano spesso per servire il tè. Era considerato un piacere raffinato sedersi a proprio agio in una tranquilla sala da tè, distaccato dalle preoccupazioni e dalle preoccupazioni della vita, e ascoltare il suono dell'acqua che bolle su un braciere. Il grande maestro Sen-no-Rikyu fece del bere il tè un'arte. Ha potuto sviluppare l'arte della cerimonia del tè come ha fatto, in parte a causa del suddetto background sociale che esisteva.

La sala da tè costruita da Sen no Rikyu a prima vista sembrava molto semplice e persino troppo piccola. Ma è stato pianificato nel modo più accurato, con sottile intelligibilità, fino all'ultimo il più piccolo dettaglio. Era decorato con porte scorrevoli ricoperte di carta giapponese traslucida bianca come la neve. Il soffitto era rifinito con bambù o paglia e la trama aperta delle pareti era molto apprezzata. I supporti erano per lo più in legno, conservando la loro corteccia naturale. Per creare l'effetto di un eremo nel design della sala da tè, sono state eliminate tutte le decorazioni inutili e le decorazioni eccessive.

Oggi la cerimonia del tè è l'arte più originale e unica. Svolge un ruolo importante nello spirituale e vita pubblica giapponese per diversi secoli. Nel tempo, il rituale della cerimonia del tè è stato canonizzato, la sequenza di azioni e comportamenti è stata data. Dopo essere già entrati nei semplici cancelli di legno, gli ospiti si sono tuffati in un mondo speciale, lasciandosi alle spalle tutto ciò che è banale e in silenziosa concentrazione obbedendo solo alle leggi dell'azione.

Il chanoyu classico è un rituale rigorosamente programmato a cui partecipano il maestro del tè (la persona che prepara e versa il tè) e gli altri partecipanti alla cerimonia. In sostanza, un maestro del tè è un prete che compie un atto del tè, il resto sono coloro che si uniscono a lui. Ognuno ha il proprio stile di comportamento specifico, compresa sia la postura quando si è seduti, sia ogni movimento, fino all'espressione facciale e al modo di parlare.

Mentre si beve il tè si fanno discorsi saggi, si leggono poesie, si considerano opere d'arte. Mazzi di fiori e utensili speciali per la preparazione della bevanda vengono selezionati con particolare cura per ogni occasione.

L'atmosfera stessa crea l'atmosfera appropriata, che è sorprendentemente semplice e modesta: una teiera di rame, tazze, un agitatore di bambù, una scatola per conservare il tè, ecc. Ai giapponesi non piacciono gli oggetti luminosi e lucenti, sono colpiti dall'ottusità. D. Tanizaki scrive al riguardo: “Gli europei usano stoviglie in argento, acciaio o nichel, le lucidano fino a ottenere una lucentezza abbagliante, ma non sopportiamo una tale lucentezza. Utilizziamo anche oggetti in argento... ma non li lucidiamo mai a specchio. Al contrario, ci rallegriamo quando questa lucentezza viene via dalla superficie degli oggetti, quando acquistano un tocco di prescrizione, quando si scuriscono con il tempo... Amiamo le cose che portano tracce di carne umana, fuliggine d'olio, agenti atmosferici e gonfiore di pioggia. Tutti gli oggetti per la cerimonia del tè portano l'impronta del tempo, ma sono tutti perfettamente puliti. Crepuscolo, silenzio, la teiera più semplice, un cucchiaio di legno per versare il tè, una ruvida tazza di ceramica: tutto questo affascina i presenti.

L'elemento più importante all'interno di una casa da tè è una nicchia: il tokonoma. Solitamente contiene un cartiglio con un dipinto o un'iscrizione calligrafica e un mazzo di fiori, un incensiere con incenso. Tokonoma si trova di fronte all'ingresso e attira immediatamente l'attenzione degli ospiti. Il rotolo tokonama è scelto con grande cura ed è un indispensabile argomento di discussione durante la cerimonia. È scritto in stile buddista zen e con una calligrafia così arcaica che pochi riescono a distinguere e comprendere il significato di ciò che è scritto, ad esempio: "Il bambù è verde e i fiori sono rossi", "Le cose sono cose, e questo è bello !" o "L'acqua è acqua". Ai presenti viene spiegato il significato di questi detti, apparentemente semplici, ma allo stesso tempo filosoficamente molto profondi. A volte questi pensieri sono espressi nella forma poetica dell'haiku, a volte si riflettono nella pittura del vecchio maestro, di regola, secondo il principio del "wabi".

In Giappone esistono molte forme della cerimonia del tè, ma solo alcune sono rigorosamente stabilite: tè notturno, tè dell'alba, tè mattutino, tè pomeridiano, tè serale, tè speciale.

Il tè notturno inizia con la luna. Gli ospiti arrivano verso le undici e mezza e partono verso le quattro del mattino. Solitamente viene preparato il tè in polvere, che viene preparato davanti agli ospiti: le foglie vengono liberate dalle venature e macinate in polvere in un mortaio. Questo tè è molto forte, non va servito a stomaco vuoto. Pertanto, all'inizio, gli ospiti vengono trattati con un cibo leggermente diverso. Il tè si beve all'alba verso le tre o le quattro del mattino. Gli ospiti rimangono alla stessa ora fino alle sei. Il tè del mattino viene praticato nella stagione calda, gli ospiti si riuniscono alle sei del mattino. Il tè pomeridiano viene solitamente servito solo con torte intorno alle 13:00. Il tè serale inizia intorno alle 18:00. Uno speciale tea party (rinjitya-noyu) viene organizzato in ogni occasione speciale: incontro con gli amici, vacanze, cambio di stagione, ecc.

Secondo i giapponesi, la cerimonia del tè evoca semplicità, naturalezza, pulizia. Questo è vero, ovviamente, ma c'è di più nella cerimonia del tè. Introducendo le persone a un rituale consolidato, le abitua all'ordine rigoroso e all'adempimento incondizionato delle regole sociali. La cerimonia del tè è una delle basi più importanti per la coltivazione dei sentimenti nazionali.

La scena artistica giapponese moderna sembra essere completamente globalizzata. Gli artisti viaggiano tra Tokyo e New York, quasi tutti hanno ricevuto un'istruzione europea o americana, parlano del loro lavoro nell'arte internazionale inglese. Tuttavia, questo quadro è lungi dall'essere completo.

Le forme e le tendenze nazionali si stanno dimostrando uno degli articoli più ricercati che il Giappone ha da offrire al mercato mondiale. idee artistiche e funziona.

funzionamento aereo. Come superflat combina la cultura geek americana e la pittura tradizionale giapponese

Takashi Murakami. "Tang Tan Bo"

Se nel mondo occidentale per quasi tutti (tranne forse i più accaniti teorici postmoderni) il confine tra cultura alta e cultura di massa rimane ancora rilevante, seppur problematico, allora in Giappone questi mondi sono totalmente mescolati.

Ne è un esempio Takashi Murakami, che combina con successo mostre nelle migliori gallerie del mondo e produzione in streaming.

Registrazione del tour della mostra di Murakami "Ci sarà una pioggia gentile"

Tuttavia, il rapporto di Murakami con la cultura popolare - e per il Giappone questa è principalmente la cultura dei fan di manga e anime (otaku) - è più complicato. Il filosofo Hiroki Azuma critica la comprensione dell'otaku come un autentico fenomeno giapponese. Gli Otaku si considerano direttamente collegati alle tradizioni del periodo Edo dei secoli XVII-XIX - l'era dell'isolazionismo e il rifiuto della modernizzazione. Azuma afferma che il movimento otaku è basato su manga, animazione, graphic novel, giochi per computer- potrebbe essere sorto solo nel contesto dell'occupazione americana del dopoguerra come risultato dell'importazione della cultura americana. L'arte di Murakami e dei suoi seguaci reinventa l'otaku con tecniche pop art e sfata il mito nazionalista dell'autenticità della tradizione. Rappresenta una "riamericanizzazione della cultura americana giapponese".

Da un punto di vista della storia dell'arte, superflat è il più vicino agli inizi Pittura giapponese ukiyo-e. L'opera più famosa di questa tradizione è l'incisione " Una grande onda a Kanagawa" di Katsushiki Hokusai (1823-1831).

Per il modernismo occidentale, la scoperta della pittura giapponese è stata una svolta. Ha permesso di vedere l'immagine come un piano e cerca di non superare questa sua particolarità, ma di lavorarci.

Katsushiki Hokusai. "La grande onda al largo di Kanagawa"

Pionieri della performance. Cosa significa oggi l'arte giapponese degli anni '50

Documentazione del processo creativo di Akira Kanayama e Kazuo Shiraga

Superflat ha preso forma solo negli anni 2000. Ma le azioni artistiche significative per l'arte mondiale sono iniziate in Giappone molto prima, e anche prima che in Occidente.

La svolta performativa nell'arte è avvenuta a cavallo tra gli anni '60 e '70 del secolo scorso. In Giappone, la performance è apparsa negli anni Cinquanta.

Per la prima volta il Gruppo Gutai ha spostato il proprio focus dalla creazione di oggetti autosufficienti al processo della loro produzione. Da qui - un passo all'abbandono dell'oggetto d'arte in favore di un evento effimero.

Sebbene i singoli artisti di Gutai (e ce ne furono 59 in vent'anni) esistessero attivamente nel contesto internazionale, intendendo il giapponese come la loro attività collettiva arte del dopoguerra generalmente è iniziato in Occidente abbastanza di recente. Il boom è arrivato nel 2013 con diverse mostre in piccole gallerie a New York e Los Angeles, Tokyo 1955-1970: The New Avant-Garde al MoMA e la massiccia retrospettiva storica Gutai: Splendid Playground al Guggenheim Museum. L'importazione di arte giapponese da Mosca sembra essere una continuazione quasi tardiva di questa tendenza.

Sadamasa Motonaga. Opera (Acqua) al Museo Guggenheim

È sorprendente quanto siano moderne queste mostre retrospettive. Ad esempio, l'oggetto centrale dell'esposizione al Guggenheim Museum è la ricostruzione di Work (Water) di Sadamasa Motonaga, in cui i livelli della rotonda del museo sono collegati da tubi in polietilene con acqua colorata. Ricordano pennellate che sono state strappate dalla tela ed esemplificano l'attenzione centrale di Gutai sulla "concretezza" (tradotto da nome giapponese gruppi), la materialità degli oggetti con cui l'artista lavora.

Molti membri di Gutai hanno ricevuto un'educazione legata alla pittura classica nihonga, molti sono legati biograficamente al contesto religioso del buddismo zen, alla sua caratteristica calligrafia giapponese. Tutti loro hanno trovato un approccio nuovo, procedurale o partecipativo, alle antiche tradizioni. Kazuo Shiraga ha filmato come disegna i suoi monocromi anti-Rauschenberg con i suoi piedi e ha persino creato dipinti in pubblico.

Minoru Yoshida ha trasformato i fiori delle stampe giapponesi in oggetti psichedelici: un esempio di questo è il fiore bisessuale, una delle prime sculture cinetiche (in movimento) al mondo.

I curatori della mostra al Guggenheim Museum parlano del significato politico di queste opere:

"Il Gutai ha dimostrato l'importanza della libera azione individuale, della demolizione delle aspettative del pubblico e persino della stupidità come modi per contrastare la passività sociale e il conformismo che, nel corso di decenni, hanno permesso a un governo militarista di ottenere una massa critica di influenza, invadere la Cina e poi partecipare alla seconda guerra mondiale".

Buono e saggio. Perché gli artisti hanno lasciato il Giappone per l'America negli anni '60

Gutai era l'eccezione alla regola nel Giappone del dopoguerra. I gruppi d'avanguardia rimasero marginali, il mondo dell'arte era strettamente gerarchico. La via principale per il riconoscimento era la partecipazione a concorsi indetti da associazioni riconosciute di artisti classici. Pertanto, molti hanno preferito andare in Occidente e integrarsi nel sistema artistico in lingua inglese.

Era particolarmente difficile per le donne. Anche nel progressivo Gutai, la quota della loro presenza non ha raggiunto nemmeno un quinto. Cosa possiamo dire delle istituzioni tradizionali, il cui accesso richiedeva un'istruzione speciale. Negli anni Sessanta le ragazze ne avevano già acquisito il diritto, tuttavia, imparando l'arte (se non si trattava di decorazione, che faceva parte del set di abilità ryosai kenbo- una brava moglie e una madre saggia) era un'occupazione socialmente disapprovata.

Yoko Ono. pezzo tagliato

La storia dell'emigrazione di cinque potenti artiste giapponesi da Tokyo negli Stati Uniti è stata oggetto dello studio di Midori Yoshimoto "Into Performance: Japanese Women Artists in New York". Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi e Shigeko Kubota all'inizio della loro carriera hanno deciso di partire per New York e hanno lavorato lì, anche sulla modernizzazione delle tradizioni dell'arte giapponese. Solo Yoko Ono è cresciuta negli Stati Uniti, ma ha anche deliberatamente rifiutato di tornare in Giappone, essendo rimasta delusa dalla gerarchia artistica di Tokyo durante il suo breve soggiorno nel 1962-1964.

Ono divenne la più famosa delle cinque, non solo come moglie di John Lennon, ma anche come autrice di performance proto-femministe dedicate all'oggettivazione del corpo femminile. Ci sono evidenti parallelismi tra Cut Piece It, in cui il pubblico potrebbe tagliare pezzi dei vestiti dell'artista, e "Rhythm 0" della "nonna della performance" Marina Abramović.

Su gambe corte. Come superare la formazione di recitazione dell'autore Tadashi Suzuki

Nel caso di Ono e Gutai, i metodi ei temi del loro lavoro, separati dagli autori, sono diventati significativi a livello internazionale. Esistono altre forme di esportazione - quando le opere dell'artista sono percepite con interesse nell'arena internazionale, ma il prestito del metodo effettivo non avviene a causa della sua specificità. Il caso più eclatante è il sistema di addestramento alla recitazione di Tadashi Suzuki.

Il Teatro Suzuki è amato anche in Russia, e questo non sorprende. Ultima voltaè stato con noi nel 2016 con la rappresentazione de Le Troiane su testi di Euripide, e negli anni 2000 è venuto più volte con produzioni di Shakespeare e Cechov. Suzuki ha trasferito l'azione delle commedie all'attuale contesto giapponese e ha offerto interpretazioni non ovvie dei testi: ha scoperto l'antisemitismo in Ivanov e lo ha confrontato con l'atteggiamento sdegnoso dei giapponesi nei confronti dei cinesi, ha trasferito l'azione di Re Lear a un manicomio giapponese.

Suzuki ha costruito il suo sistema in opposizione alla scuola di teatro russa. IN fine XIX secolo, durante il cosiddetto periodo Meiji, il Giappone imperiale in via di modernizzazione conobbe l'ascesa di movimenti di opposizione. Il risultato fu un'occidentalizzazione su larga scala di una cultura precedentemente estremamente chiusa. Tra le forme importate c'era il sistema Stanislavsky, che rimane ancora in Giappone (e in Russia) uno dei principali metodi di regia.

Esercizi Suzuki

Negli anni Sessanta, quando Suzuki iniziò la sua carriera, si stava diffondendo sempre di più la tesi che a causa delle loro caratteristiche corporee, gli attori giapponesi non potessero abituarsi ai ruoli dei testi occidentali che riempivano il repertorio di allora. Il giovane regista ha saputo offrire l'alternativa più convincente.

Il sistema di esercizi di Suzuki, chiamato leg grammar, include dozzine di modi per sedersi e ancora di più per stare in piedi e camminare.

I suoi attori di solito recitano a piedi nudi e sembrano, abbassando il baricentro, il più possibile legati al suolo, pesanti. Suzuki insegna loro e agli artisti stranieri la sua tecnica nel villaggio di Toga, in antiche case giapponesi piene di attrezzature moderne. La sua compagnia dà solo circa 70 spettacoli all'anno, e il resto del tempo vive, quasi senza lasciare il villaggio e non avendo tempo per gli affari personali - solo lavoro.

Il Toga Center è apparso negli anni '70 ed è stato progettato su richiesta del direttore dall'architetto di fama mondiale Arata Isozaka. Il sistema di Suzuki potrebbe sembrare patriarcale e conservatore, ma lui stesso parla di Toga in termini moderni di decentramento. Anche a metà degli anni 2000, Suzuki ha compreso l'importanza di esportare l'arte dalla capitale alle regioni e organizzare punti di produzione locali. Secondo il regista, la mappa teatrale del Giappone ricorda per molti aspetti quella russa: l'arte è concentrata a Tokyo e in diversi centri minori. Il teatro russo beneficerebbe anche di una compagnia che va regolarmente in tournée nelle piccole città e che ha sede lontano dalla capitale.

Centro aziendale SCOT a Toga

Sentieri fioriti. Quale risorsa ha scoperto il teatro moderno nei sistemi noh e kabuki?

Il metodo Suzuki nasce da due antiche tradizioni giapponesi, ma anche dal kabuki. Non è solo che questi tipi di teatro sono spesso caratterizzati come l'arte di camminare, ma anche in dettagli più evidenti. Suzuki segue spesso la regola sull'esecuzione di tutti i ruoli da parte degli uomini, utilizza soluzioni spaziali caratteristiche, ad esempio hanamichi ("il percorso dei fiori") del campione kabuki - una piattaforma che si estende dal palco alle profondità dell'auditorium. Sfrutta anche simboli abbastanza riconoscibili come fiori e pergamene.

Certo, nel mondo globale si parla sul privilegio dei giapponesi di usare le loro forme nazionali.

Il teatro di uno dei registi più significativi del nostro tempo, l'americano Robert Wilson, è stato costruito su prestiti di ma.

Non solo utilizza maschere e trucchi che ricordano al pubblico di massa il Giappone, ma prende in prestito anche modi di agire basati sul massimo rallentamento del movimento e sull'espressività autosufficiente del gesto. Combinando forme tradizionali e rituali con partiture leggere ultramoderne e musica minimalista (una delle opere più famose di Wilson è una produzione dell'opera Einstein on the Beach di Philip Glass), Wilson produce essenzialmente la sintesi di origini e rilevanza che gran parte dell'arte moderna cerca per.

Roberto Wilson. "Einstein sulla spiaggia"

Da no e kabuki è cresciuto uno dei pilastri danza contemporanea- buto, tradotto letteralmente - danza dell'oscurità. Inventato nel 1959 dai coreografi Kazuo Ono e Tatsumi Hijikata, che si ispiravano anche a un baricentro basso e alla concentrazione sui piedi, il butoh intendeva portare nella dimensione corporea i riflessi delle traumatiche esperienze di guerra.

“Hanno mostrato il corpo malato, che crolla, persino mostruoso, mostruoso.<…>I movimenti sono lenti o volutamente acuti, esplosivi. Per questo viene utilizzata una tecnica speciale, quando il movimento viene eseguito come se non coinvolgesse i muscoli principali, a causa delle leve ossee dello scheletro", la storica della danza Irina Sirotkina iscrive il butoh nella storia della liberazione del corpo, collega esso con l'allontanamento dalla normatività del balletto. Confronta il butoh con le pratiche di ballerini e coreografi dell'inizio del XX secolo: Isadora Duncan, Martha Graham, Mary Wigman, parla dell'influenza sulla successiva danza "postmoderna".

Un frammento della danza di Katsura Kana, il moderno successore della tradizione butoh

Oggi il butoh nella sua forma originaria non è più una pratica d'avanguardia, ma una ricostruzione storica.

Tuttavia, il vocabolario del movimento sviluppato da Ono, Hijikata e dai loro seguaci rimane una risorsa significativa per i coreografi moderni. In Occidente è utilizzato da Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky e persino nel video di “Belong To The World” di The Weekend. In Giappone, il successore della tradizione butoh è, ad esempio, Saburo Teshigawara, che verrà in Russia ad ottobre. Sebbene lui stesso neghi i parallelismi con la danza dell'oscurità, i critici trovano segni abbastanza riconoscibili: un corpo apparentemente disossato, fragilità, passo silenzioso. È vero, sono già inseriti nel contesto della coreografia postmoderna - con il suo ritmo elevato, le corse, il lavoro con la musica noise postindustriale.

Saburo Teshigawara. metamorfosi

Localmente globale. In che modo l'arte giapponese contemporanea è simile all'arte occidentale?

Le opere di Teshigawara e di molti dei suoi colleghi si inseriscono organicamente nei programmi dei migliori festival di danza contemporanea occidentali. Se scorri le descrizioni degli spettacoli e degli spettacoli che sono stati mostrati al Festival / Tokyo, il più grande spettacolo annuale del teatro giapponese, sarà difficile notare differenze fondamentali rispetto alle tendenze europee.

Uno dei temi centrali è la site-specificity: gli artisti giapponesi esplorano gli spazi di Tokyo, spaziando da ammassi di capitalismo sotto forma di grattacieli ad aree marginali di concentrazione di otaku.

Altro tema è lo studio dell'incomprensione intergenerazionale, il teatro come luogo di incontro vivo e di comunicazione organizzata di persone di età diverse. I progetti a lei dedicati di Toshika Okada e Akira Tanayama sono stati portati a Vienna per diversi anni consecutivi in ​​uno dei principali festival europei di arti dello spettacolo. Non c'era nulla di nuovo nel trasferimento sul palco di materiali documentari e storie personali alla fine degli anni 2000, ma il curatore del Festival di Vienna ha presentato al pubblico questi progetti come un'opportunità di contatto dal vivo, punto a punto, con un altro cultura.

Un'altra linea principale sta lavorando attraverso l'esperienza traumatica. Per i giapponesi, non è associato al Gulag o all'Olocausto, ma al bombardamento di Hiroshima e Nagasaki. Il teatro fa costantemente riferimento a lui, ma l'affermazione più potente sulle esplosioni atomiche come momento della genesi di tutta la cultura giapponese moderna appartiene ancora a Takashi Murakami.

alla mostra “Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture”

"Little Boy: The Arts of Japan's Exploding Subculture" è il titolo del suo progetto curato mostrato a New York nel 2005. "Little Boy" - "baby" in russo - il nome di una delle bombe sganciate sul Giappone nel 1945. Collezionando centinaia di fumetti manga dei principali illustratori, distintivi giocattoli vintage, merchandising ispirato a famosi anime da Godzilla a Hello Kitty, Murakami ha spinto al limite la concentrazione di carineria - kawaii - nello spazio museale. Allo stesso tempo, ha lanciato una selezione di animazioni, in cui le immagini di esplosioni, terra nuda e città distrutte sono diventate le immagini centrali.

Questa opposizione è stata la prima grande affermazione sull'infantilizzazione della cultura giapponese come un modo per far fronte al disturbo da stress post-traumatico.

Ora questa conclusione sembra già ovvia. Su di esso si basa uno studio accademico sul kawaii di Inuhiko Yomota.

Ci sono anche trigger traumatici successivi. Tra i più importanti: gli eventi dell'11 marzo 2011, il terremoto e lo tsunami che hanno provocato un grave incidente nella centrale nucleare di Fukushima. Al Festival/Tokyo-2018, un intero programma di sei spettacoli è stato dedicato alla comprensione delle conseguenze di un disastro naturale e tecnologico; sono diventati anche il tema di uno dei lavori presentati a Solyanka. Questo esempio mostra chiaramente che l'arsenale metodi critici L'arte occidentale e quella giapponese non sono fondamentalmente diverse. Haruyuki Ishii crea un'installazione di tre televisori che riproducono in loop filmati ad alta velocità di programmi televisivi sul terremoto.

“L'opera è composta da 111 video che l'artista guardava ogni giorno nei telegiornali fino al momento in cui tutto ciò che vedeva non veniva più percepito come finzione”, spiegano i curatori. "New Japan" è un esempio espressivo di come l'arte non resista all'interpretazione basata sui miti nazionali, ma allo stesso tempo occhio critico rileva che la stessa interpretazione potrebbe essere rilevante per l'arte di qualsiasi origine. I curatori parlano della contemplazione come fondamento della tradizione giapponese, attingendo a citazioni da Lao Tzu. Allo stesso tempo, come se tralasciasse la parentesi che quasi tutta l'arte contemporanea è incentrata sull'“effetto osservatore” (così si chiama la mostra) - sia nella forma di creare nuovi contesti per la percezione di fenomeni familiari sia nel sollevare la questione della possibilità di una percezione adeguata in quanto tale.

Comunità immaginate - un'altra opera del videoartista Haruyuki Ishii

Gioco

Tuttavia, non si deve pensare che il Giappone degli anni 2010 sia un concentrato di progressività.

Le abitudini del buon vecchio tradizionalismo e l'amore per l'esotismo orientalista non sono ancora sopravvissute. "The Theatre of Virgins" è il titolo di un articolo piuttosto ammirato sul teatro giapponese "Takarazuka" nella rivista conservatrice russa "PTJ". Takarazuka apparve alla fine del XIX secolo come progetto commerciale per attirare turisti in una remota città con lo stesso nome, che divenne accidentalmente il capolinea di una ferrovia privata. Nel teatro recitano solo ragazze non sposate che, secondo il proprietario della ferrovia, avrebbero dovuto attirare gli spettatori maschi in città. Oggi Takarazuka funziona come un'industria, con il proprio canale televisivo, denso programma del concerto, anche il parco divertimenti locale. Ma solo le ragazze non sposate hanno ancora il diritto di far parte della troupe - speriamo almeno che non controllino la verginità.

Tuttavia, Takarazuka impallidisce rispetto al club Toji Deluxe di Kyoto, che i giapponesi chiamano anche teatro. Si mostrano assolutamente selvaggi, a giudicare da descrizione L'editorialista del New Yorker Ian Buruma, spettacolo di spogliarello: diverse ragazze nude sul palco trasformano la dimostrazione dei genitali in un rito pubblico.

Come molte pratiche artistiche, anche questo spettacolo si basa su antiche leggende (con l'aiuto di una candela e di una lente d'ingrandimento, gli uomini del pubblico potevano a turno esplorare i “segreti della dea madre Amaterasu”), e lo stesso autore ha ricordato della tradizione no.

Ricerca controparti occidentali per "Takarazuki" e Toji lo lasceremo al lettore - non è difficile trovarli. Notiamo solo che una parte significativa dell'arte moderna è diretta proprio alla lotta contro tali pratiche di oppressione - sia occidentali che giapponesi, che vanno dal superflat alla danza butoh.

Con questo articolo inizio una serie di articoli sulla storia delle belle arti giapponesi. Questi post si concentreranno principalmente sulla pittura a partire dal periodo Heian, e questo articolo è un'introduzione e descrive lo sviluppo dell'arte fino all'VIII secolo.

Periodo Jomon
cultura giapponese ha radici molto antiche - i primi ritrovamenti risalgono al X millennio a.C. e. ma ufficialmente l'inizio del periodo Jomon è considerato il 4500 a.C. e. A proposito di questo periodo nekokit ha scritto un post molto bello.
L'unicità della ceramica Jōmon è che di solito l'aspetto della ceramica, insieme allo sviluppo agricoltura indica l'inizio del periodo neolitico. Tuttavia, anche nell'era mesolitica, diverse migliaia di anni prima dell'avvento dell'agricoltura, i cacciatori-raccoglitori Jomon crearono ceramiche di forma piuttosto complessa.

Nonostante la primissima comparsa della ceramica, le persone dell'era Jomon svilupparono la tecnologia molto lentamente e rimasero al livello dell'età della pietra.

Durante il periodo Jōmon medio (2500-1500 a.C.) apparvero statuette in ceramica. Ma sia nel medio che nel tardo periodo (1000-300 aC) rimangono astratti e altamente stilizzati.

Da Ebisuda, Tajiri-cho, Miyagi.H. 36.0.
Periodo Jomon, 1000-400 a.C.
Museo Nazionale di Tokio

A proposito, gli ufologi credono che queste siano immagini di alieni. In queste figurine vedono tute spaziali, occhiali e maschere di ossigeno sui loro volti, e le immagini delle spirali sulle "tute spaziali" sono considerate mappe delle galassie.

Periodo Yayoi
Yayoi è un breve periodo storia giapponese, durato dal 300 a.C. al 300 d.C., in cui ebbero luogo i più drammatici cambiamenti culturali nella società giapponese. Durante questo periodo, le tribù che provenivano dalla terraferma e sfollate popolazioni indigene Le isole giapponesi hanno portato la loro cultura e nuove tecnologie come la coltivazione del riso e la lavorazione del bronzo. Ancora una volta, la maggior parte dell'arte e della tecnologia del periodo Yayoi è stata importata dalla Corea e dalla Cina.

Periodo Kofun
Tra 300 e 500 anni, i capi tribali furono sepolti in tumuli chiamati "Kofun". Questo periodo è chiamato con questo nome.

Le cose di cui i morti potevano aver bisogno venivano deposte nelle tombe. Questi sono cibo, strumenti e armi, gioielli, ceramiche, specchi e le statuette di argilla più interessanti chiamate "haniwa".

Da Kokai, Oizumi-machi, Gunma.H.68.5.
Periodo Kofun, VI secolo.
Museo Nazionale di Tokio

Lo scopo esatto delle figurine rimane sconosciuto, ma si trovano in tutti i cimiteri dell'era Kofun. Da queste piccole figurine si può immaginare come vivevano le persone a quel tempo, poiché le persone sono raffigurate con strumenti e armi, e talvolta accanto alle case.

Queste sculture, essendo influenzate dalle tradizioni cinesi, hanno elementi indipendenti inerenti solo all'arte locale.

Danzatrice, dinastia Han occidentale (206 a.C.-9 d.C.), II secolo a.C.
Cina
Metropolitan Museum of Art, New York

Durante il periodo Kofun, le figurine diventano più raffinate e sempre più diverse. Queste sono immagini di soldati, cacciatori, cantanti, ballerini e così via.

Da Nohara, Konan-machi, Saitama, presenti H. 64.2, 57.3.
Periodo Kofun, VI secolo.
Museo Nazionale di Tokio

C'è un'altra caratteristica di queste sculture. Haniwa rappresenta non solo funzione sociale ma anche l'umore della figura. Un guerriero, ad esempio, ha un'espressione severa sul viso. e sui volti dei contadini grandi sorrisi.

Da Iizuka-cho, Ota-shi, Gunma.H. 130,5.
Periodo Kofun, VI secolo.
Museo Nazionale di Tokio

Periodo Asuka
Dal periodo Yayoi, l'arte giapponese è stata inseparabile dall'arte coreana o cinese. Ciò diventa più evidente nel settimo e nell'ottavo secolo, quando l'arte giapponese iniziò a svilupparsi rapidamente in una varietà di generi visivi.

Nel VI secolo, nella società giapponese si verificarono cambiamenti cardinali: prese finalmente forma il primo stato giapponese di Yamato e inoltre, nel 552, il buddismo arrivò in Giappone, portando con sé la scultura buddista e il concetto di tempio, che causò la comparsa dei templi in Giappone - sia shintoista che buddista.
I santuari shintoisti seguivano l'architettura dei granai (i primi santuari shintoisti erano granai dove si tenevano le celebrazioni del raccolto. Durante le feste rituali, la gente credeva che gli dei festeggiassero con loro).
Gli dei shintoisti sono principalmente forze naturali, quindi l'architettura di questi santuari è integrata con la natura, come fiumi e foreste. Questo è importante da capire. Nell'architettura shintoista, le strutture create dall'uomo dovevano essere estensioni del mondo naturale.

Il primo tempio buddista, Shitennoji, fu costruito solo nel 593 a Osaka. Questi primi templi erano imitazioni dei templi buddisti coreani, costituiti da una pagoda centrale circondata da tre edifici e da un corridoio coperto.

La diffusione del buddismo ha facilitato i contatti tra Giappone e Corea con la Cina e l'integrazione della cultura cinese nella cultura giapponese.

Buon pomeriggio, cari lettori! Continuo la selezione di lungometraggi sul Giappone che consiglio di vedere. I film, come i libri, permettono di conoscere lo stile di vita, la mentalità e la cultura degli abitanti del paese del sol levante.

Giappone film d'arte:

1. Imperatore, un film congiunto tra Giappone e Stati Uniti, uscito nel 2012, genere - storia militare, diretto da Pitter Webber. Il film mostra gli eventi che hanno avuto luogo in Giappone dopo la seconda guerra mondiale, quando le truppe americane sono arrivate in Giappone per ristabilire l'ordine, arrestare i criminali di guerra e determinare il corso futuro dello sviluppo del Giappone. La visione della situazione è mostrata attraverso gli occhi di un generale americano che prima della guerra amava una ragazza giapponese. Aveva bisogno di determinare il grado di colpa dell'imperatore Hirohito del Giappone nello scatenare la guerra.

Il film è interessante dal punto di vista storico, in quanto mostra gli eventi reali di quel tempo. E il Giappone viene presentato non solo come un paese aggressore, ma anche come un paese colpito: le città vengono completamente distrutte e bruciate, centinaia di migliaia di persone sono state bruciate nell'esplosione di bombe atomiche.

2. Shinsengumi, anno di realizzazione del film 1969, realizzato in Giappone, diretto da Tadashi Sawashima.

Il film mostra l'anno scorso il regno dello shogunato Tokugawa. Quando un piccolo distaccamento fu formato da un gruppo di samurai liberi (ronin) per proteggere l'ultimo shogun del clan Tokugawa, il cosiddetto distaccamento dell'autoproclamata polizia. Questo distaccamento militare di samurai disperati e coraggiosi era guidato da Kondo Isami, un contadino di nascita. Il distaccamento era famoso per la sua insuperabile destrezza militare nel combattimento corpo a corpo e per le idee della vittoria dello shogunato sul potere imperiale.

Sullo stesso argomento è possibile trovare un documentario che ripristina gli eventi di quel tempo e fornisce una valutazione obiettiva delle azioni del distaccamento Shinsengumi e del suo comandante, Kondo Isami. Il film è basato su eventi storici e il lungometraggio praticamente non cambia l'essenza del film documentario.

3. Lama nascosta, realizzato in Giappone, uscito nel 2004, diretto da Yoji Yamada. Il genere del film è drammatico, melodramma. Il film è ambientato in metà del diciannovesimo secolo nel piccolo principato di Unasaku, sulla costa nord-occidentale del Giappone. Durante questo periodo, nel paese avvengono grandi cambiamenti, i samurai vengono ricostruiti in stile occidentale e padroneggiano armi da fuoco e nuovi modi di combattere. Inizia un conflitto tra il vecchio modo di vivere e tutto ciò che è nuovo che sta rapidamente catturando la vita dei giapponesi.

Sullo sfondo del rapporto tra un uomo e una donna, viene mostrata discretamente l'immagine di un samurai, che consiste nella stretta osservanza delle regole dell'onore, nella dignità e nell'onestà. Dopo aver visto questo film, arrivi ancora una volta alla conclusione che lo stereotipo secondo cui il samurai è una classe militante è sbagliato. Nelle parole dell'eroe del film, "per un samurai, uccidere una persona è difficile come chiunque altro".

4.Il mio giorni di pioggia, produzione Giappone 2009, genere drammatico. Il film mostra la vita delle studentesse che fanno enjo-kasai. Tutto cambia quando il protagonista incontra un giovane, un insegnante di storia. Questo film romantico racconta lo sviluppo delle relazioni tra di loro. Film molto dolce e toccante.

5.Amore a un livello speciale- produzione Giappone, regista Naoto Kumazawa, anno di uscita 2014, genere melodramma.

Tutto inizia al liceo, Kururuki Yuni è una studentessa delle superiori, intelligente, ha voti alti in tutte le discipline tranne l'inglese. È determinata e intelligente, nasconde tutte le emozioni nel profondo di se stessa e quindi è molto sola.

Un giovane insegnante di inglese, Sakurai, assegna le lezioni quotidiane a Yuni. Cosa lo ha spinto a farlo? Il desiderio di insegnare a Kukuruki la lingua o il desiderio di portare la ragazza fuori dal suo guscio. Ma qualunque cosa sia, classi extra lingua inglese ha portato a un risultato che nessuno si aspettava. Il film è carino, tutte le azioni sono piacevoli con un minimo di parole e un gioco di sentimenti, attori belli, calma accompagnamento musicale. Progettato per un pubblico femminile adolescente. Può sembrare un po' stretto.

6. Voglio abbracciarti- produzione Giappone, regista Akihiko Shioto, anno di uscita 2014.

La storia triste e commovente della relazione tra il giovane Masami e la ragazza Tsukasa è basata eventi reali. Il film è ambientato sull'isola di Hokkaido. Un giorno un gruppo di giovani cestisti arriva in palestra, che era stata prenotata contemporaneamente da un gruppo di disabili. Questo evento ha permesso al tassista Masami, che gioca a basket dai tempi della scuola, di incontrare Tsukasa, divenuto disabile a seguito di un incidente stradale.

A Tsukasa non piace essere trattato come un invalido. Sopravvissuta alle gravi conseguenze dell'incidente e gradualmente tornata in vita, è diventata forte. Masami, a sua volta, è una persona gentile e gentile. La loro relazione non è stata compresa dai genitori di entrambe le parti, ma nonostante ciò i giovani hanno continuato a incontrarsi. Rendendosi conto che la relazione dei giovani genitori sinceri si innamorò anche di Tsukasa. C'è stato un meraviglioso matrimonio tra un bel giovane e una ragazza su una sedia a rotelle, ma la vita ha la sua strada ...

Artelino

La grande onda di Kanagawa di Katsushika Hokusai (1760-1849) è una delle stampe più famose e il primo foglio della serie Trentasei vedute del Fuji. All'inizio degli anni 1830, Katsushika Hokusai, commissionato dalla casa editrice Eijudo, iniziò a creare una serie di 46 fogli (36 principali e 10 aggiuntivi), e The Great Wave off Kanagawa era un'incisione che apre l'intera serie.

Tali raccolte di incisioni servivano per i cittadini di quel tempo come una sorta di " viaggio virtuale”, un modo per soddisfare la curiosità, comodo ed economico. Le stampe simili a Fuji costano circa 20 mon, più o meno come una doppia porzione di noodles in un ristorante giapponese dell'epoca. Tuttavia, il successo fu così grande che nel 1838 il costo dei fogli di Hokusai era cresciuto fino a quasi 50 mon, e dopo la morte del maestro, la sola Wave fu ristampata da nuove tavole più di 1000 volte.

È sorprendente che, nonostante il tema dichiarato dell'intera serie, Fuji in The Wave suoni come ruolo secondario. Capo " attore”su questa incisione c'è un'onda, e in primo piano si svolge una scena drammatica della lotta di un uomo con gli elementi. I bordi della cresta di schiuma sembrano le dita contorte di un fantastico demone arrabbiato, e l'assenza di volto e l'inattività delle figure umane nelle barche non lasciano dubbi su chi sarà il vincitore in questa lotta. Tuttavia, non è questo confronto il conflitto che crea la trama dell'incisione.
Fermando il momento dopo il quale le barche si schiantano, Hokusai permette allo spettatore di vedere Fuji per un momento contro il cielo grigio, che si oscura verso l'orizzonte. Sebbene gli incisori giapponesi conoscessero già i principi del lineare europeo e prospettiva aerea, non sentivano il bisogno di questa tecnica. Lo sfondo scuro, così come il lungo viaggio dello sguardo da primo piano con le barche attraverso il movimento dell'onda verso il Fuji, convincere l'occhio che la montagna sacra è separata da noi dalla distesa del mare.

Fuji sorge lontano dalla riva come simbolo di stabilità e costanza, in contrasto con gli elementi tempestosi. L'unità e l'interdipendenza degli opposti sono alla base dell'idea di ordine cosmico e di assoluta armonia nella visione del mondo Lontano est, e sono stati loro a diventare il tema principale dell'incisione "The Great Wave off Kanagawa", che apre la serie di Katsushika Hokusai.

"Bellezza Nanivaya Okita" di Kitagawa Utamaro, 1795-1796

Istituto d'arte di Chicago

Kitagawa Utamaro (1753-1806) può essere giustamente definito un cantante bellezza femminile in stampa giapponese ukiyo-e: ha creato una serie di immagini canoniche di bellezze giapponesi ( bijinga) - gli abitanti delle case da tè e il famoso quartiere dei divertimenti Yoshiwara nella capitale del Giappone, Edo edo — il nome di Tokyo prima del 1868..

Nell'incisione bijinga, tutto non è proprio come sembra allo spettatore moderno. Le nobildonne riccamente vestite erano, di regola, impegnate in un mestiere vergognoso e appartenevano alla classe inferiore, e le incisioni con ritratti di bellezze avevano una funzione apertamente pubblicitaria. Allo stesso tempo, l'incisione non dava un'idea dell'aspetto della ragazza, e sebbene Okita della casa da tè Nanivaya vicino al tempio di Asakusa fosse considerata la prima bellezza di Edo, il suo volto nell'incisione è completamente privo di individualità.

Immagini femminili in giapponese belle arti dal X secolo sono soggetti al canone del minimalismo. "Line-eye, hook-nose" - tecnica hikime-kagihana ha permesso all'artista solo di indicare che è raffigurata una certa donna: in giapponese cultura tradizionale la questione della bellezza fisica veniva spesso omessa. Nelle donne nobile nascita La "bellezza del cuore" e l'educazione erano molto più apprezzate, e gli abitanti dei quartieri allegri si sforzavano di imitare in tutto i più alti standard. Secondo Utamaro, Okita era veramente bella.

Il foglio "Beauty Nanivaya Okita" fu stampato nel 1795-1796 nella serie "Famous Beauties Likened to Six Immortal Poets", in cui a ciascuna bellezza corrispondeva uno degli scrittori del IX secolo. Sul foglio con il ritratto di Okita in alto a sinistra c'è l'immagine di Arivara no Narihira (825-880), uno dei poeti più venerati del Giappone, a cui è tradizionalmente attribuito il romanzo Ise Monogatari. Questo nobile nobile e geniale poeta divenne famoso anche per le sue storie d'amore, alcune delle quali costituirono la base del romanzo.

Questo foglio è un uso peculiare della tecnica mitare(confronti) nell'incisione giapponese. Le qualità di un "prototipo" autorevole vengono trasferite alla bellezza raffigurata, e l'elegante cortigiana, dal volto sereno che serve una tazza di tè all'ospite, è già letta dallo spettatore come una dama abile nella poesia e nelle gesta d'amore. Il paragone con Arivara no Narihira è stato davvero un riconoscimento della sua superiorità tra le bellezze di Edo.

Allo stesso tempo, Utamaro crea un'immagine sorprendentemente lirica. Bilanciando punti scuri e chiari sulla foglia e delineando la forma con linee melodiose ed eleganti, crea un'immagine davvero perfetta di grazia e armonia. La "pubblicità" si allontana e la bellezza catturata da Utamaro rimane senza tempo.

Paravento "Iris" di Ogata Korin, 1710

Wikimedia Commons / Museo Nezu, Tokyo

Una coppia di paraventi a iris a sei pannelli - ora un tesoro nazionale del Giappone - furono creati da Ogata Korin (1658-1716) intorno al 1710 per il tempio Nishi Hongan-ji a Kyoto.

Dal XVI secolo, la pittura su pannelli murali e paraventi di carta è diventata uno dei generi principali. arte decorativa Giappone, e Ogata Korin, il fondatore della scuola d'arte Rimpa, ne fu uno dei più grandi maestri.

Gli schermi all'interno giapponese hanno svolto un ruolo importante. Gli spaziosi locali del palazzo non erano strutturalmente diversi dalle abitazioni di un semplice giapponese: non avevano quasi pareti interne e lo spazio era suddiviso in zone con paraventi. Alti poco più di un metro e mezzo, gli schermi sono stati progettati per la comune tradizione giapponese di tutte le classi di vivere sul pavimento. In Giappone, seggioloni e tavoli non sono stati utilizzati fino al XIX secolo e l'altezza dello schermo, così come la composizione del suo dipinto, è progettata per la vista di una persona seduta sulle sue ginocchia. È da questo punto di vista che nasce un effetto sorprendente: gli iris sembrano circondare la persona seduta - e una persona può sentirsi sulle rive del fiume, circondata dai fiori.

Le iridi sono dipinte in modo non contorno - quasi impressionistico, ampi tratti di tempera blu scuro, lilla e viola trasmettono la lussureggiante magnificenza di questo fiore. L'effetto pittoresco è esaltato dal luccichio opaco dell'oro, contro il quale sono raffigurate le iridi. Gli schermi non raffigurano altro che fiori, ma la loro linea spigolosa di crescita suggerisce che i fiori si pieghino attorno al corso tortuoso del fiume o agli zigzag dei ponti di legno. Sarebbe naturale per i giapponesi vedere mancare un ponte dallo schermo, uno speciale "ponte di otto assi" ( yatsuhashi), associato con iris in classico Letteratura giapponese. Il romanzo Ise Monogatari (IX secolo) descrive il triste viaggio di un eroe espulso dalla capitale. Dopo essersi sistemato con il suo seguito per riposare sulla riva del fiume vicino al ponte Yatsuhashi, l'eroe, vedendo gli iris, ricorda la sua amata e compone poesie:

il mio amato in abiti
Grazioso lì, nella capitale,
L'amore è rimasto...
E penso con desiderio quanto
sono lontano da lei... Traduzione di NI Konrad.

"Così ha piegato, e tutti hanno versato lacrime sul loro riso essiccato, in modo che si gonfiasse di umidità", aggiunge l'autore e eroe lirico narrazione, Arivara no Narihira.

Per un giapponese colto, la connessione tra gli iris del ponte e Ise monogatari, gli iris e il tema dell'amore separato era chiara, e Ogata Korin evita la verbosità e l'illustratività. Con l'aiuto della pittura decorativa, crea solo uno spazio ideale pieno di luce, colore e connotazioni letterarie.

Padiglione d'oro Kinkakuji, Kyoto, 1397

Yevgen Pogoryelov / flickr.com, 2006

Il Tempio d'Oro è uno dei simboli del Giappone, che, ironia della sorte, fu glorificato più dalla sua distruzione che dalla sua costruzione. Nel 1950, un monaco mentalmente instabile del monastero di Rokuonji, a cui appartiene questo edificio, diede fuoco a uno stagno che si trovava sulla superficie del
padiglione Durante un incendio nel 1950, il tempio fu quasi distrutto. I lavori di restauro a Kinkaku-ji iniziarono nel 1955, nel 1987 la ricostruzione nel suo insieme fu completata, ma il restauro della decorazione interna completamente perduta continuò fino al 2003.. I veri motivi del suo atto sono rimasti poco chiari, ma nell'interpretazione dello scrittore Yukio Mishima, la colpa era dell'irraggiungibile, quasi mistica bellezza di questo tempio. In effetti, per diversi secoli, Kinkakuji è stato considerato l'epitome della bellezza giapponese.

Nel 1394, Shogun Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), che soggiogò quasi tutto il Giappone alla sua volontà, si ritirò formalmente e si stabilì in una villa appositamente costruita nel nord di Kyoto. L'edificio a tre livelli sul lago artificiale Kyokoti ("lago-specchio") ha svolto il ruolo di una sorta di eremo, un padiglione appartato per il relax, la lettura e la preghiera. Conteneva una collezione di dipinti dello shogun, una biblioteca e una collezione di reliquie buddiste. Situato sull'acqua vicino alla riva, Kinkakuji aveva solo comunicazioni via barca con la riva ed era la stessa isola delle isole artificiali con pietre e pini sparsi intorno a Kyokoti. L'idea dell '"isola dei celestiali" è stata presa in prestito dalla mitologia cinese, in cui dimora celeste servito come l'isola di Penglai, l'isola degli immortali. Il riflesso del padiglione nell'acqua evoca già associazioni buddiste con idee sulla natura illusoria del mondo mortale, che è solo un pallido riflesso dello splendore del mondo della verità buddista.

Sebbene tutte queste sfumature mitologiche siano speculative, la posizione del padiglione gli conferisce un'incredibile armonia e armonia. La riflessione nasconde la tozza dell'edificio, rendendolo più alto e più snello; allo stesso tempo, è l'altezza del padiglione che permette di vederlo da qualsiasi sponda dello stagno, sempre su uno sfondo scuro di verde.

Resta, tuttavia, non del tutto chiaro quanto fosse dorato questo padiglione nella sua forma originaria. Probabilmente, sotto Ashikaga Yoshimitsu, era davvero ricoperto di foglia d'oro e uno strato protettivo di vernice. Ma se credi alle fotografie del XIX e dell'inizio del XX secolo e di Yukio Mishima, a metà del XX secolo la doratura si era quasi staccata ei suoi resti erano visibili solo sul livello superiore dell'edificio. In questo momento, ha piuttosto toccato l'anima con il fascino della desolazione, le tracce del tempo, inesorabile anche alle cose più belle. Questo fascino malinconico corrispondeva al principio estetico Sabi molto venerato nella cultura giapponese.

In un modo o nell'altro, lo splendore di questo edificio non era affatto in oro. La squisita severità delle forme di Kinkakuji e la sua impeccabile armonia con il paesaggio ne fanno uno dei capolavori dell'architettura giapponese.

Ciotola "Iris" nello stile del karatsu, secoli XVI-XVII

Diane Martineau /pinterest.com/Il Metropolitan Museum of Art, New York

La parola meibutsu- una cosa con un nome. Solo il nome di questa coppa è sopravvissuto davvero, poiché né l'ora e il luogo esatti della sua creazione, né il nome del maestro sono stati conservati. Tuttavia, è classificato come tesoro nazionale del Giappone ed è uno dei esempi chiari ceramica in stile nazionale.

Alla fine del XVI secolo, la cerimonia del tè cha-no-yu abbandonate fini porcellane cinesi e ceramiche con smalti che ricordano materiali preziosi. La loro spettacolare bellezza sembrava troppo artificiale e schietta ai maestri del tè. Oggetti perfetti e costosi - ciotole, recipienti per l'acqua e contenitori per il tè - non corrispondevano ai canoni spirituali quasi ascetici del buddismo zen, nello spirito del quale si sviluppò la cerimonia del tè. Una vera rivoluzione nell'azione del tè fu l'appello alla ceramica giapponese, molto più semplice e senza arte in un momento in cui i laboratori del Giappone avevano appena iniziato a padroneggiare le tecnologie della ceramica continentale.

La forma della ciotola Iris è semplice e irregolare. La leggera curvatura delle pareti, le ammaccature del vasaio visibili su tutto il corpo conferiscono alla ciotola una facilità quasi ingenua. Il frammento di argilla è ricoperto da una leggera glassa con una rete di fessure - craquelure. Sul lato anteriore, che si rivolge all'ospite durante la cerimonia del tè, sotto lo smalto è applicata l'immagine di un iris: il disegno è ingenuo, ma eseguito con un pennello energico, esattamente, come in un unico movimento, nello spirito dello Zen calligrafia. Sembra che sia la forma che l'arredamento avrebbero potuto essere realizzati spontaneamente e senza l'applicazione di forze speciali.

Questa spontaneità riflette l'ideale wabi- semplicità e semplicità, che danno origine a un senso di libertà spirituale e armonia. Qualsiasi persona o anche un oggetto inanimato nelle opinioni dei seguaci giapponesi del buddismo zen ha la natura illuminata del Buddha, e gli sforzi dell'adepto mirano a scoprire questa natura in se stesso e nel mondo che lo circonda. Le cose usate nella cerimonia del tè, nonostante tutta la loro goffaggine, avrebbero dovuto evocare una profonda esperienza della verità, l'attualità di ogni momento, costretti a scrutare nelle forme più ordinarie e vedere in esse la vera bellezza.

Il contrasto con la trama ruvida della ciotola e la sua semplicità è il restauro con una piccola lacca dorata scheggiata (questa tecnica è chiamata kintsugi). Il restauro è stato eseguito nel XVIII secolo e dimostra la riverenza con cui i maestri del tè giapponesi trattavano gli utensili per la cerimonia del tè. Così la cerimonia del tè offre ai partecipanti un "modo" per scoprire la vera bellezza delle cose, come la ciotola dell'iride. L'implicitezza, la segretezza è diventata la base del concetto estetico di wabi e una parte importante della visione del mondo giapponese.

Ritratto del monaco Gandzin, Nara, 763

Toshodaji, 2015

Nell'VIII secolo la scultura divenne la principale forma di espressione artistica dell'epoca, l'era Nara (710-794), associata alla formazione dello stato giapponese e al rafforzamento del buddismo. I maestri giapponesi hanno già superato la fase dell'apprendistato e dell'imitazione cieca di tecniche e immagini continentali e hanno iniziato a esprimere liberamente e vividamente lo spirito del loro tempo nella scultura. La diffusione e la crescita dell'autorità del buddismo hanno causato la comparsa di un ritratto scultoreo buddista.

Uno dei capolavori di questo genere è il ritratto di Gandzin, realizzato nel 763. Realizzata con la tecnica della laccatura a secco (costruendo strati di lacca su un telaio di legno ricoperto di tessuto), la scultura quasi a grandezza naturale è stata dipinta in modo realistico, e nel crepuscolo del tempio, Ganjin sedeva in una posa di meditazione “come se vivo”. Questa verosimiglianza era la principale funzione di culto di tali ritratti: l'insegnante doveva essere sempre tra le mura del monastero Todaiji nella città di Nara ed essere presente ai più importanti servizi divini.

Successivamente, nell'XI-XIII secolo, i ritratti scultorei raggiunsero un illusionismo quasi spietato, raffigurando l'infermità senile di venerabili insegnanti, le loro bocche infossate, le guance cascanti e le rughe profonde. Questi ritratti guardano gli aderenti al buddismo con occhi vivi, intarsiati con cristallo di rocca e legno. Ma il viso di Gandzin sembra sfocato, non ci sono contorni chiari e forme chiare in esso. Le palpebre degli occhi semichiusi e non incrostati appaiono gonfie; la bocca tesa e le profonde pieghe naso-labiali esprimono l'abituale cautela piuttosto che la concentrazione della meditazione.

Tutte queste caratteristiche rivelano la drammatica biografia di questo monaco, la storia di incredibili ascesi e tragedie. Ganjin, un monaco buddista cinese, è stato invitato in Giappone per la cerimonia di consacrazione del più grande monastero di Nara, Todaiji. La nave fu catturata dai pirati, pergamene inestimabili e sculture buddiste destinate a un lontano tempio giapponese andarono perse nell'incendio, Ganjin si ustionò la faccia e perse la vista. Ma non ha lasciato il desiderio di predicare all'estrema periferia della civiltà, vale a dire come il Giappone era percepito dal continente in quel momento.

Diversi altri tentativi di attraversare il mare si sono conclusi nello stesso modo infruttuoso, e solo al quinto tentativo, il Ganjin già di mezza età, cieco e malaticcio raggiunge la capitale giapponese di Nara.

In Giappone, Ganjin non ha insegnato a lungo la legge buddista: i drammatici eventi della sua vita hanno minato la sua salute. Ma la sua autorità era così alta che, probabilmente, anche prima della sua morte, si decise di creare la sua scultura. Indubbiamente, i monaci-artisti hanno cercato di dare alla scultura la massima somiglianza possibile con il modello. Ma questo non è stato fatto per salvare aspetto di una persona, ma per catturare la sua esperienza spirituale individuale, quel difficile percorso che ha attraversato Ganjin e a cui ha chiamato l'insegnamento buddista.

Daibutsu - Grande Buddha del tempio Todaiji, Nara, metà dell'VIII secolo

Todd/flickr.com

A metà dell'VIII secolo, il Giappone soffrì di disastri naturali ed epidemie, e gli intrighi dell'influente famiglia Fujiwara e la ribellione che sollevarono costrinsero l'imperatore Shomu a fuggire dalla capitale, la città di Nara. In esilio, giurò di seguire la via degli insegnamenti buddisti e nel 743 ordinò che iniziasse la costruzione del tempio principale del paese e la fusione di un colossale statua di bronzo Buddha Vairochana (Buddha Grande Sole o Tutta la Luce Illuminante). Questa divinità era considerata l'incarnazione universale del Buddha Shakyamuni, il fondatore degli insegnamenti buddisti, e avrebbe dovuto diventare il garante della protezione dell'imperatore e dell'intero paese durante il periodo di disordini e ribellioni.

I lavori iniziarono nel 745 e furono modellati sulla gigantesca statua del Buddha nei templi rupestri di Longmen vicino alla capitale cinese Luoyang. La statua di Nara, come ogni immagine del Buddha, avrebbe dovuto mostrare "grandi e piccoli segni del Buddha". Questo canone iconografico includeva lobi delle orecchie allungati, che ricordano il fatto che Buddha Shakyamuni proveniva da una famiglia principesca e fin dall'infanzia indossava orecchini pesanti, un'elevazione sulla sommità della testa (ushnisha), un punto sulla fronte (urna).

L'altezza della statua era di 16 metri, la larghezza del volto era di 5 metri, la lunghezza del palmo disteso era di 3,7 metri e l'urna era più grande. testa umana. La costruzione ha richiesto 444 tonnellate di rame, 82 tonnellate di stagno e un'enorme quantità di oro, la cui ricerca è stata intrapresa appositamente nel nord del paese. Attorno alla statua fu eretta una sala, il Daibutsuden, per proteggere il santuario. Nel suo piccolo spazio, una figura di Buddha seduta leggermente arcuata riempie l'intero spazio, illustrando uno dei principali postulati del buddismo: l'idea che la divinità sia onnipresente e onnipervadente, abbraccia e riempie tutto. La calma trascendentale del volto e il gesto della mano della divinità (mudra, il gesto di concedere protezione) completano la sensazione della calma grandezza e potenza del Buddha.

Tuttavia, della statua originale rimangono oggi solo pochi frammenti: incendi e guerre hanno causato enormi danni alla statua nel XII e XVI secoli, e la statua moderna rappresenta principalmente la fusione del XVIII secolo. Durante il restauro del XVIII secolo, la figura in bronzo non era più ricoperta d'oro. Lo zelo buddista dell'imperatore Shomu nell'VIII secolo praticamente svuotò il tesoro e dissanguò il paese già sconvolto, ei governanti successivi non potevano più permettersi una spesa così smodata.

Tuttavia, il significato di Daibutsu non risiede nell'oro e nemmeno nell'autenticità affidabile: l'idea stessa di un'incarnazione così grandiosa degli insegnamenti buddisti è un monumento a un'era in cui il giapponese arte monumentale conobbe una vera e propria fioritura, si liberò dalla copia cieca di modelli continentali e raggiunse integrità ed espressività, poi perdute.