Qual è la creazione di una città ideale. L'immagine della città nel Rinascimento

La creazione di una città ideale ha tormentato scienziati e architetti di vari paesi ed epoche, ma i primi tentativi di progettare una città del genere sorsero nel Rinascimento. Sebbene gli scienziati lavorassero alla corte dei faraoni e degli imperatori romani, i cui lavori miravano a creare una sorta di insediamento ideale, in cui non solo tutto obbedisse chiaramente alla gerarchia, ma anche in cui sarebbe stato comodo vivere sia per il sovrano e il semplice artigiano. Ricorda almeno Akhetaten, Mohenjodaro o un fantastico progetto proposto da Stasicrate ad Alessandro Magno, secondo il quale proponeva di scolpire una statua di un comandante del Monte Athos con una città situata sul braccio. L'unico problema era che questi insediamenti sono rimasti sulla carta o sono stati distrutti. L'idea di progettare una città ideale è venuta non solo agli architetti, ma anche a molti artisti. Ci sono riferimenti che Piero della Francesca, e Giorgio Vasari, e Luciano Laurana e molti altri erano impegnati in questo.

Piero della Francesco era noto ai suoi contemporanei soprattutto come autore di trattati d'arte. Solo tre di loro ci sono pervenuti: "Trattato sull'abaco", "Prospettiva in pittura", "Cinque corpi regolari". Fu lui a sollevare per primo la questione della creazione di una città ideale in cui tutto fosse soggetto a calcoli matematici, promettendo costruzioni di chiara simmetria. Per questo molti studiosi attribuiscono al Pierrot l'immagine "Veduta di una città ideale", che si inserisce perfettamente nei principi del Rinascimento.

Leon Battista Alberti si avvicinò di più alla realizzazione di un progetto così vasto. È vero, non è riuscito a realizzare la sua idea nella sua interezza, ma ha lasciato un gran numero di disegni e appunti, secondo i quali altri artisti sono stati in grado di realizzare in futuro ciò che Leon non è riuscito a realizzare. In particolare, Bernardo Rosselino è stato l'esecutore di molti suoi progetti. Ma Leon ha implementato i suoi principi non solo per iscritto, ma anche sull'esempio di molti degli edifici che ha costruito. Si tratta, in sostanza, di numerosi palazzi destinati a famiglie nobili. L'architetto rivela il proprio esempio di città ideale nel suo trattato Sull'architettura. Lo scienziato ha scritto questo lavoro fino alla fine della sua vita. Fu pubblicato postumo e divenne il primo libro stampato a rivelare i problemi dell'architettura. Secondo Leon, la città ideale doveva riflettere tutti i bisogni di una persona, rispondere a tutti i suoi bisogni umanistici. E questo non è casuale, perché il leader pensiero filosofico nel Rinascimento c'era un umanesimo antropocentrico. La città dovrebbe essere divisa in quartieri, che sarebbero suddivisi secondo un principio gerarchico o secondo il tipo di impiego. Al centro, sulla piazza principale, si trova un palazzo dove si sarebbe concentrato il potere cittadino, oltre alla cattedrale principale e alle abitazioni di nobili famiglie e amministratori cittadini. Più vicino alla periferia c'erano le case di mercanti e artigiani, ei poveri vivevano proprio al confine. Una tale disposizione degli edifici, secondo l'architetto, era un ostacolo all'emergere di vari disordini sociali, poiché le case dei ricchi sarebbero state separate dalle abitazioni dei cittadini poveri. Un altro importante principio urbanistico è che doveva soddisfare le esigenze di qualsiasi categoria di cittadini, in modo che sia il sovrano che il sacerdote potessero vivere comodamente in questa città. Doveva contenere tutti gli edifici, dalle scuole e biblioteche ai mercati e terme. Anche l'accessibilità pubblica di tali edifici è importante. Anche se ignoriamo tutti i principi etici e sociali di una città ideale, i valori artistici esterni rimangono. La planimetria doveva essere regolare, secondo la quale la città era divisa in quartieri netti da strade diritte. In generale, tutte le strutture architettoniche dovrebbero essere subordinate forme geometriche e disegnato lungo la linea. I quadrati erano rotondi o rettangolari. Secondo questi principi, le città antiche, come Roma, Genova, Napoli, furono sottoposte alla parziale demolizione delle vecchie strade medievali e alla costruzione di nuovi spaziosi quartieri.

In alcuni trattati è stata trovata un'osservazione simile sul tempo libero delle persone. Riguardava principalmente i ragazzi. È stato proposto di costruire campi da gioco e incroci nelle città di un tipo tale che i giovani che giocano fossero sotto la costante supervisione di adulti che potessero osservarli senza impedimenti. Queste precauzioni avevano lo scopo di educare alla prudenza i giovani.

La cultura del Rinascimento fornì per molti versi spunti di ulteriore riflessione sulla struttura della città ideale. Ciò era particolarmente vero per gli umanisti. Secondo la loro visione del mondo, tutto dovrebbe essere creato per una persona, per la sua comoda esistenza. Quando tutte queste condizioni sono soddisfatte, una persona riceverà pace sociale e felicità spirituale. Pertanto, in tale
la società semplicemente a priori non può avere guerre o rivolte. L'umanità si è mossa verso un tale risultato per tutta la sua esistenza. Ricorda almeno la famosa "Utopia" di Thomas More o "1984" di George Orwell. Opere di questo genere hanno influito non solo sulle caratteristiche funzionali, ma hanno anche pensato alle relazioni, all'ordine e alla struttura della comunità che viveva in questo località, non necessariamente la città, forse anche il mondo. Ma queste basi furono poste nel XV secolo, quindi possiamo tranquillamente affermare che gli scienziati del Rinascimento erano persone del loro tempo istruite in modo completo.

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Agenzia federale per il trasporto ferroviario

siberiano Università Statale mezzi di comunicazione

Dipartimento di "Filosofia"

IMMAGINI ARTISTICHE DEL RINASCIMENTO

Saggio

Nella disciplina "Culturologia"

Testa progettata

Professore studente gr. D-111

Bystrova A.N. ___________ Kamyshova E.V.

(firma) (firma)

08.12.2012

(data di ispezione) (data di presentazione per ispezione)

anno 2012

introduzione

Il Rinascimento è considerato uno dei periodi più luminosi nella storia dello sviluppo della cultura europea. Possiamo dire che il risveglio è un tutto epoca culturale nel processo di transizione dal Medioevo al nuovo tempo, durante il quale si è verificato uno sconvolgimento culturale (un punto di svolta, un cambiamento). I cambiamenti fondamentali sono associati all'eradicazione della mitologia.

Nonostante l'origine del termine Rinascimento (fr. Rinascimento, "Rinascimento"), non ci fu alcun risveglio dell'antichità e non poteva esserlo. L'uomo non può tornare al suo passato. Il Rinascimento, utilizzando le lezioni dell'antichità, ha introdotto innovazioni. Non ha riportato in vita tutti i generi antichi, ma solo quelli che erano caratteristici delle aspirazioni del suo tempo e della sua cultura. Il Rinascimento combinò una nuova lettura dell'antichità con una nuova lettura del cristianesimo.

La rilevanza dell'argomento scelto è dovuta alla connessione tra l'era moderna e il Rinascimento: questa è una rivoluzione, prima di tutto, nel sistema di valori, nella valutazione di tutto ciò che esiste e in relazione ad esso.

Lo scopo principale dell'opera è mostrare i cambiamenti fondamentali avvenuti nella visione del mondo delle più grandi figure dell'epoca in esame.

1. Cultura del Rinascimento

XIII-XVI I secoli sono stati un periodo di grandi cambiamenti nell'economia, nella politica e nella cultura. La rapida crescita delle città e lo sviluppo dell'artigianato, e successivamente il passaggio alla produzione manifatturiera, trasformarono il volto dell'Europa medievale.

Le città sono venute alla ribalta. Non molto tempo prima, le forze più potenti del mondo medievale - l'impero e il papato - erano in profonda crisi. IN XVI secolo, il decadente Sacro Romano Impero della nazione tedesca divenne teatro delle prime due rivoluzioni antifeudali: la Grande Guerra dei Contadini in Germania e la Rivolta dei Paesi Bassi.

La natura transitoria dell'epoca, il processo di liberazione dai percorsi medievali in atto in tutti gli ambiti della vita, allo stesso tempo, l'ancora sottosviluppo delle relazioni capitalistiche che stavano diventando, non potevano che incidere sui tratti cultura artistica e il pensiero estetico del tempo.

Secondo A. V. Stepanov, tutti i cambiamenti nella vita della società sono stati accompagnati da un ampio rinnovamento della cultura: il fiorire delle scienze naturali ed esatte, la letteratura nelle lingue nazionali, arti visive. Nato nelle città d'Italia, questo rinnovamento ha poi catturato altri paesi europei. L'autore ritiene che dopo l'avvento della stampa si siano aperte opportunità senza precedenti per la diffusione di opere letterarie e opere scientifiche, e una comunicazione più regolare e più stretta tra i paesi ha contribuito alla penetrazione di nuove tendenze artistiche.

Ciò non significava che il Medioevo si fosse ritirato prima delle nuove tendenze: le idee tradizionali erano conservate nella coscienza di massa. La chiesa ha resistito a nuove idee, usando un mezzo medievale: l'Inquisizione. L'idea della libertà della persona umana ha continuato ad esistere in una società divisa in classi. La forma feudale di dipendenza dei contadini non è scomparsa del tutto e in alcuni paesi (Germania, Europa centrale) si è verificato un ritorno alla servitù. Il sistema feudale ha mostrato molta vitalità. Ogni paese europeo l'ha vissuta a modo suo ea modo suo quadro cronologico. Capitalismo per molto tempo esisteva come stile di vita, coprendo solo una parte della produzione sia in città che in campagna. Tuttavia, la lentezza patriarcale medievale iniziò a retrocedere nel passato.

Le grandi scoperte geografiche hanno giocato un ruolo enorme in questa svolta. Ad esempio, nel 1492. H. Colombo, alla ricerca di una via per l'India, attraversò l'Oceano Atlantico e sbarcò vicino alle Bahamas, scoprendo un nuovo continente: l'America. Nel 1498 Il viaggiatore spagnolo Vasco da Gama, dopo aver doppiato l'Africa, portò con successo le sue navi sulle coste dell'India. CON XVI v. Gli europei stanno penetrando in Cina e Giappone, di cui prima avevano solo una vaga idea. Dal 1510 inizia la conquista dell'America. IN XVII v. L'Australia è stata scoperta. L'idea della forma della terra è cambiata: viaggio intorno al mondo F. Magellan ha confermato la congettura che ha la forma di una palla.

Il disprezzo per tutto ciò che è terreno è ora sostituito da un avido interesse per il mondo reale, per l'uomo, per la coscienza della bellezza e della grandezza della natura, che potrebbe essere dimostrato analizzando i monumenti culturali del Rinascimento. Il primato della teologia sulla scienza, indiscutibile nel Medioevo, è scosso dalla fede nelle illimitate possibilità della mente umana, che diventa la misura più alta della verità. Sottolineando l'interesse per l'umano in opposizione al divino, i rappresentanti della nuova intellighenzia secolare si definirono umanisti, derivando questa parola dal concetto di " studia humanitanis ”, intendendo lo studio di tutto ciò che è connesso con la natura umana e il suo mondo spirituale.

Per le opere e l'arte del Rinascimento, l'idea di un essere libero con sconfinato possibilità creative. È associato all'antropocentrismo nell'estetica del Rinascimento e alla comprensione del bello, del sublime, dell'eroico. Il principio di una bella personalità umana artistica e creativa è stato combinato dai teorici del Rinascimento con un tentativo di calcolare matematicamente tutti i tipi di proporzioni, simmetria e prospettiva.

Estetica e pensiero artistico di quest'epoca per la prima volta si basa sulla percezione umana in quanto tale e sensuale l'immagine reale pace. Qui colpisce anche la sete soggettivista-individualista di sensazioni di vita, indipendentemente dalla loro interpretazione religiosa e morale, sebbene quest'ultima, in linea di principio, non sia negata. L'estetica del Rinascimento concentra l'arte sull'imitazione della natura. Tuttavia, in primo luogo qui non c'è tanto la natura quanto l'artista, che nella sua attività creativa è paragonato a Dio.

E. Chamberlin considera il piacere uno dei principi più importanti per la percezione delle opere d'arte, perché questo indica una significativa tendenza democratica rispetto all'"apprendimento" scolastico delle precedenti teorie estetiche.

Il pensiero estetico del Rinascimento contiene non solo l'idea di assolutizzazione dell'individuo umano in contrapposizione alla personalità divina nel Medioevo, ma anche una certa consapevolezza dei limiti di tale individualismo, basato sull'assoluta autoaffermazione di l'individuo. Da qui i motivi della tragedia, trovati nelle opere di W. Shakespeare, M. Cervantes, Michelangelo e altri: questa è la natura contraddittoria di una cultura che si è allontanata dagli antichi assoluti medievali, ma a causa di circostanze storiche non ha ancora trovato nuovi basi affidabili.

Il legame tra arte e scienza è uno dei caratteristiche peculiari cultura. Gli artisti cercavano sostegno nelle scienze, spesso stimolando il loro sviluppo. Il Rinascimento è segnato dall'emergere di artisti-scienziati, tra i quali il primo posto appartiene a Leonardo da Vinci.

Pertanto, uno dei compiti del Rinascimento è la comprensione da parte dell'uomo di un mondo pieno di bellezza divina. Il mondo attrae una persona perché è spiritualizzata da Dio. Ma nel Rinascimento c'era un'altra tendenza nel sentire una persona della tragedia della sua esistenza.

2. L'immagine del mondo e dell'uomo nelle opere dei grandi maestri Rinascimento

Il termine "Rinascimento" (traduzione del termine francese "Rinascimento") indica il legame della nuova cultura con l'antichità. Come risultato della conoscenza con l'Oriente, in particolare con Bisanzio, nell'era crociate Gli europei hanno conosciuto antichi manoscritti umanistici, vari monumenti di antiche belle arti e architettura. Tutte queste antichità iniziarono ad essere parzialmente trasportate in Italia, dove furono raccolte e studiate. Ma anche nella stessa Italia c'erano molti antichi monumenti romani, che iniziarono anche ad essere attentamente studiati dai rappresentanti dell'intellighenzia urbana italiana. Nella società italiana sorse un profondo interesse per le lingue classiche antiche, la filosofia antica, la storia e la letteratura. La città di Firenze ebbe un ruolo particolarmente importante in questo movimento. Da Firenze uscirono alcune figure di spicco della nuova cultura.

Utilizzando l'antica ideologia, creata un tempo nelle città più vivaci, in senso economico, dell'antichità, la nuova borghesia l'ha rielaborata a modo suo, formulando la sua nuova visione del mondo, nettamente opposta alla visione del mondo del feudalesimo che prevaleva prima. Il secondo nome della nuova cultura italiana, l'umanesimo, lo dimostra.

La cultura umanistica poneva al centro della sua attenzione l'uomo stesso (humanus - umano), e non il divino, ultraterreno, come avveniva nell'ideologia medievale. L'ascetismo non aveva più un posto nella visione umanistica del mondo. Il corpo umano, le sue passioni ei suoi bisogni non erano visti come qualcosa di "peccaminoso" da sopprimere o torturare, ma come fine a se stesso, come la cosa più importante della vita. L'esistenza terrena era riconosciuta come l'unica vera. La conoscenza della natura e dell'uomo è stata dichiarata l'essenza della scienza. In contrasto con i motivi pessimistici che dominavano la visione del mondo degli scolastici e dei mistici medievali, i motivi ottimistici prevalevano nella visione del mondo e nell'umore delle persone del Rinascimento; erano caratterizzati dalla fede nell'uomo, nel futuro dell'umanità, nel trionfo della ragione umana e dell'illuminazione. A questo nuovo grande movimento intellettuale partecipò una costellazione di eminenti poeti e scrittori, studiosi e artisti di ogni genere. La gloria dell'Italia è stata portata da artisti così meravigliosi: Leonardo da Vinci, Giorgione, Michelangelo, Raffaello, Tiziano.

L'indubbia conquista del Rinascimento fu la costruzione geometricamente corretta del quadro. L'artista ha costruito l'immagine utilizzando le tecniche che ha sviluppato. La cosa principale per i pittori di quel tempo era osservare le proporzioni degli oggetti. Anche la natura è caduta sotto i trucchi matematici.

In altre parole, gli artisti del Rinascimento cercavano di trasmettere un'immagine accurata, ad esempio, di una persona sullo sfondo della natura. Se confrontato con i metodi moderni per ricreare un'immagine vista su una sorta di tela, allora, molto probabilmente, una fotografia con successivo aggiustamento aiuterà a capire a cosa aspiravano gli artisti del Rinascimento.

I pittori del Rinascimento credevano di avere il diritto di correggere i difetti della natura, cioè se una persona aveva brutti tratti del viso, gli artisti li correggevano in modo tale che il viso diventasse dolce e attraente.

Raffigurante racconti biblici, gli artisti del Rinascimento hanno cercato di chiarire che le manifestazioni terrene di una persona possono essere rappresentate più chiaramente se allo stesso tempo usano storie bibliche. Puoi capire cos'è la caduta, la tentazione, l'inferno o il paradiso, se inizi a conoscere il lavoro degli artisti di quel tempo. La stessa immagine della Madonna ci trasmette la bellezza di una donna e porta anche una comprensione dell'amore umano terreno.

Così, nell'arte del Rinascimento, i percorsi della comprensione scientifica e artistica del mondo e dell'uomo erano strettamente intrecciati. Il suo significato cognitivo era indissolubilmente legato alla sublime bellezza poetica, nella sua ricerca della naturalezza, non scendeva nella meschina quotidianità. L'arte è diventata un bisogno spirituale universale.

Conclusione

Quindi, il Rinascimento, o il Rinascimento, è un'era nella vita dell'umanità, segnata da un colossale aumento dell'arte e della scienza. Il Rinascimento ha proclamato l'uomo il valore più alto della vita.

Nell'art tema principale divenne un uomo dalle possibilità spirituali e creative illimitate.L'arte del Rinascimento ha gettato le basi della cultura europea della New Age, ha cambiato radicalmente tutti i principali tipi di arte.

In architettura si sono sviluppati nuovi tipi di edifici pubblici.La pittura è stata arricchita da lineare e prospettiva aerea conoscenza dell'anatomia e delle proporzioni del corpo umano.Il contenuto terreno è penetrato nei tradizionali temi religiosi delle opere d'arte. Aumento dell'interesse per la mitologia antica, la storia, le scene quotidiane, i paesaggi, i ritratti. C'era una foto, c'era un dipinto Dipinti ad olio. L'individualità creativa dell'artista ha preso il primo posto nell'arte.

Nell'arte del Rinascimento, i percorsi della comprensione scientifica e artistica del mondo e dell'uomo erano strettamente intrecciati.L'arte è diventata un bisogno spirituale universale.

Indubbiamente, il Rinascimento è una delle epoche più belle della storia dell'umanità.

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introduzione

Revival come una nuova visione del mondo e una nuova stile artistico ebbe origine in Italia alla fine del XIV secolo. Le prime idee urbanistiche rappresentavano la città come un'unità architettonica secondo un piano prestabilito. Sotto l'influenza di queste idee, invece di vicoli medievali stretti e tortuosi, iniziarono ad apparire nelle città italiane strade dritte e più larghe costruite con grandi edifici.

La disposizione e l'architettura delle piazze durante il Rinascimento presero forma nei secoli XV-XVI. a Roma e nelle maggiori città italiane.

Durante questo periodo, diverse città furono ricostruite qui utilizzando nuovi principi di pianificazione urbana. Nella maggior parte dei casi, i palazzi di tali città erano situati nelle piazze centrali, che a volte rappresentavano l'inizio di composizioni a tre travi.

Le città rinascimentali acquisirono gradualmente nuove caratteristiche sotto l'influenza dei cambiamenti sociali. Tuttavia, a causa della proprietà privata della terra e della tecnologia arretrata, era impossibile spostarsi rapidamente dalla città vecchia a quella nuova. In tutti i periodi del Rinascimento, gli sforzi principali degli urbanisti furono diretti allo sviluppo del centro cittadino: la piazza e i quartieri più vicini. Durante il periodo di massimo splendore degli stati monarchici nel XVIII secolo. gli insiemi delle piazze centrali delle città hanno avuto un'importanza eccezionale come decorazioni principali. Le piazze cittadine avevano per lo più contorni geometricamente corretti.

Se l'architettura delle antiche piazze greche e romane era caratterizzata da colonne e portici, allora per le piazze del periodo rinascimentale i portici divennero elementi nuovi, sviluppandosi parallelamente allo sviluppo di interi sistemi di piazze.

Nella maggior parte delle città medievali, la vegetazione decorativa era assente. I frutteti venivano coltivati ​​​​nei giardini dei monasteri; frutteti o vigneti dei cittadini erano dietro le fortificazioni della città. a Parigi nel XVIII secolo. compaiono vicoli, vegetazione tagliata, parterre di giardini fioriti. Tuttavia, i parchi di palazzi e castelli erano di proprietà privata. I giardini pubblici nella maggior parte delle città europee compaiono solo alla fine del XVIII secolo.

I bacini idrici nel medioevo, in sostanza, costituivano un ostacolo allo sviluppo della città, dividendone i rioni, e servivano a ristretti scopi pratici. Dal 18 ° secolo i fiumi iniziarono ad essere usati come elementi di collegamento delle città e, in condizioni favorevoli, come assi compositivi. Un vivido esempio è il saggio uso urbanistico dei fiumi Neva e Nevka a San Pietroburgo. La costruzione di ponti e la costruzione di argini ha consolidato questa direzione nella pianificazione urbana.

Durante il periodo medievale, lo skyline della città era in gran parte definito dalle guglie appuntite sulle amministrazioni cittadine, sulle chiese e sugli edifici pubblici. La sagoma della città era definita da tante piccole verticali e da alcune dominanti. In connessione con la nuova comprensione artistica della sagoma della città, furono gradualmente eliminati gli alti tetti medievali, gli edifici rinascimentali furono completati con tetti con solai e balaustre.

Con l'aumento della scala degli edifici e delle nuove tipologie di coperture, la sagoma della città è ammorbidita da cupole dai contorni levigati, che hanno ricevuto un ruolo dominante nei panorami delle città. Il loro cambiamento è stato fortemente influenzato da giardini e parchi, i cui alberi nascondono in gran parte gli edifici.

Gli architetti del Rinascimento usavano mezzi espressivi rigorosi nella pianificazione urbana: proporzioni armoniche, la scala di una persona come misura dell'ambiente architettonico che lo circonda.

La lotta ideologica dell'emergente borghesia italiana contro le forme medievali di religione, moralità e diritto si tradusse in un ampio movimento progressista: l'umanesimo. L'umanesimo si basava su principi che affermano la vita civile: il desiderio di liberare la personalità umana dai vincoli spirituali, la sete di conoscenza del mondo e della persona stessa e, di conseguenza, il desiderio di forme secolari. vita pubblica, il desiderio di conoscenza delle leggi e della bellezza della natura, per il miglioramento armonioso a tutto tondo dell'uomo. Questi cambiamenti nella visione del mondo hanno portato a una rivoluzione in tutte le sfere della vita spirituale: arte, letteratura, filosofia, scienza. Nelle loro attività, gli umanisti si basavano in gran parte su antichi ideali, spesso facendo rivivere non solo le idee, ma anche le forme stesse, e mezzi di espressione opere antiche. A questo proposito, il movimento culturale dell'Italia nei secoli XV-XVI. chiamata rinascita o resurrezione

La visione umanistica del mondo ha stimolato lo sviluppo dell'individuo, aumentandone l'importanza nella vita pubblica. Lo stile individuale del maestro ha svolto un ruolo crescente nello sviluppo dell'arte e dell'architettura. La cultura dell'umanesimo ha proposto un'intera galassia di brillanti architetti, scultori, artisti, come Brunellesco, Leonardo da Vinci, Bramante, Raffaello, Michelangelo, Palladio e altri.

Sforzarsi di creare immagine perfetta uomo" in combinazione con la ricerca di metodi di sviluppo artistico del mondo ha portato a una sorta di realismo cognitivo del Rinascimento, basato su una stretta unione dell'arte con una scienza in rapido sviluppo. In architettura, la ricerca di forme "ideali" di edifici, basate su una composizione completa e completa, è diventata una delle sue tendenze distintive. Insieme allo sviluppo di nuovi tipi di edifici civili e religiosi, è in corso lo sviluppo del pensiero architettonico, c'è un urgente bisogno di generalizzazioni teoriche dell'esperienza moderna, soprattutto storica e, soprattutto, antica.

Tre periodi del Rinascimento italiano

L'architettura rinascimentale in Italia è divisa in tre periodi principali: primo, alto e tardo. centro architettonico Primo Rinascimento era la Toscana con la città principale - Firenze. Questo periodo copre il secondo quarto e la metà del XV secolo. L'inizio del Rinascimento in architettura è considerato il 1420, quando iniziò la costruzione della cupola sopra il Duomo fiorentino. I risultati costruttivi, che hanno portato alla creazione di un'enorme forma centrica, sono diventati una sorta di simbolo dell'architettura della New Age.

1. Primo Rinascimento

Il primo Rinascimento in architettura è caratterizzato, prima di tutto, dalle forme degli edifici creati dal famoso architetto ingegnere Filippo Brunellesco (prima metà del XV secolo). In particolare, nell'Orfanotrofio di Firenze utilizzò un semicircolare leggero al posto di un arco a sesto acuto. La volta a crociera, caratteristica dell'architettura gotica, iniziò a lasciare il posto a un nuovo design: una volta a botte modificata. Tuttavia, le forme ogivali dell'arco continuarono ad essere utilizzate fino alla metà del XVI secolo.

Uno degli edifici eccezionali del Brunellesco era l'enorme cupola della Cattedrale di Santa Maria del Fiore a Firenze, rimasta incompiuta dal XIV secolo.

Nella forma di una grande cupola creata dall'architetto, si nota un'eco dell'arco ogivale gotico. La campata della cupola di questa cattedrale è grande - 42 m. Le volte della cupola, in laterizio, poggiano su una base ottagonale di tronchi rivestiti con lastre di ferro. Grazie alla fortunata collocazione della cattedrale su un colle e alla sua elevata altezza (115 m), la sua parte superiore, in particolare la cupola, conferisce solennità e originalità al panorama architettonico di Firenze.

L'architettura civile occupava un posto significativo nell'architettura del Rinascimento italiano. Comprende principalmente grandi palazzi cittadini (palazzo), che, oltre alle abitazioni, erano destinati ai ricevimenti cerimoniali. I palazzi medievali, abbandonando gradualmente i loro aspri abiti romanici e gotici con l'aiuto di rivestimenti e sculture in marmo, acquisirono un aspetto allegro.

Le caratteristiche delle facciate rinascimentali sono enormi aperture di finestre ad arco separate da colonne, bugnato dei primi piani con pietre, lastre superiori, grandi cornici aggettanti e dettagli finemente tracciati. A differenza delle facciate austere, l'architettura degli interni ben illuminati ha un carattere allegro.

Per la decorazione delle facciate dei palazzi del primo Rinascimento veniva spesso utilizzato il bugnato. Le pietre per bugnato di solito avevano una superficie frontale non lavorata (scheggiata) con un percorso di confine ben tagliato. Il rilievo del bugnato diminuisce con l'aumentare del numero dei piani. Successivamente la decorazione a bugnato si è conservata solo nella lavorazione degli zoccoli e agli angoli degli edifici.

Nel XV sec. Gli architetti italiani usavano spesso l'ordine corinzio. Spesso si sono verificati casi di combinazione di più ordini in un unico edificio: per i piani inferiori - un ordine dorico, e per i piani superiori - una composizione di capitelli, vicina per proporzioni e disegno al tipo ionico.

Uno degli esempi di architettura del palazzo della metà del XV secolo. a Firenze può servire il Palazzo Medici-Ricardi a tre piani, costruito secondo il progetto dell'architetto Michelozzo di Bartolomeo nel periodo 1444-1452, per ordine di Cosimo Medici, sovrano di Firenze. Secondo lo schema della facciata del Palazzo Medici, centinaia di palazzi furono successivamente costruiti in altre città.

Un ulteriore sviluppo della composizione del palazzo è il palazzo Rucchelai a Firenze costruito nel 1446-1451 progettato da Leon Battista Alberti (1404–1472). Come l'antico Colosseo romano, la sua facciata è divisa in piani da ordini con un passaggio dal più semplice ordine dorico nell'ordine inferiore al più sottile e ricco ordine corinzio in quello superiore.

L'impressione di alleggerire l'edificio verso l'alto, creata in Palazzo Medici-Riccardi con l'ausilio del bugnato delle pareti, si esprime qui sotto forma di un sistema di ordini a gradoni che si alleggeriscono verso l'alto. Allo stesso tempo, il grande cornicione di coronamento è correlato non con l'altezza dell'ordine superiore, ma con l'altezza dell'intero edificio, motivo per cui la composizione ha acquisito caratteristiche di completezza e staticità. Nello sviluppo della facciata si conservano ancora motivi tradizionali: bifore derivanti dalla forma medievale delle finestre, bugnato delle pareti, monumentalità generale della nuvola, ecc.

Cappella Pazzi (1430-1443) - un edificio a cupola, situato nel cortile del monastero. Nella composizione della facciata si mostrava una struttura interna sezionata da un ordine su cui dominava il volume dell'aula con cupola su vele. Al colonnato, tagliato lungo l'asse da un arco e completato da un attico finemente sezionato, fanno riscontro lesene a cartello sulla parete interna della loggia, e snodi aggettanti di archi sulla volta.

A ciò contribuisce la corrispondenza degli ordini e la ripetizione di cupolette nella loggia e nell'altare connessione organica facciata con interno. Le pareti interne sono sezionate da paraste piatte, ma evidenziate in colore, che, proseguendo nelle partizioni delle volte, danno un'idea della logica dello spazio edilizio, del sistema tettonico. Sviluppandosi tridimensionalmente, l'ordine sottolinea l'unità e la subordinazione delle parti principali. La "cornice" visiva caratterizza anche lo scollamento della cupola dall'interno, che ricorda in qualche modo la struttura delle volte gotiche nervose. Tuttavia, l'armonia delle forme dell'ordine e la chiarezza della struttura tettonica, l'equilibrio e la commensurabilità con l'uomo parlano del trionfo dei nuovi ideali architettonici sui principi del Medioevo.

Insieme a Brunellesco e Michelozzo da Bartolomeo, anche altri maestri (Rosselino, Benedetto da Maiano, ecc.), La cui opera era principalmente associata alla Toscana e al Nord Italia, giocarono un ruolo importante nello sviluppo della nuova architettura. L'Alberti, che realizzò, oltre al Palazzo Ruccellai, alcune grandi strutture (la facciata della Chiesa di Santa Maria Novella, la Chiesa di Sant'Andrea a Mantova, ecc.), completa questo periodo.

2. Il periodo dell'Alto Rinascimento

Il periodo dell'Alto Rinascimento copre la fine del XV - la prima metà del XVI secolo. A questo punto, a causa dello spostamento delle principali rotte commerciali dal Mediterraneo all'Oceano Atlantico, l'Italia stava vivendo un noto declino economico e una riduzione della produzione industriale. Spesso la borghesia acquistava terreni e si trasformava in usurai e proprietari terrieri. Il processo di feudalizzazione della borghesia è accompagnato da una generale aristocratizzazione della cultura, il baricentro si trasferisce nella cerchia di corte della nobiltà: duchi, principi, papi. Roma diventa il centro della cultura - la residenza dei papi, spesso eletti tra i rappresentanti dell'aristocrazia di mentalità umanistica. A Roma sono in corso enormi lavori di costruzione. In questa impresa, intrapresa dalla corte pontificia per elevare il proprio prestigio, la comunità umanistica visse l'esperienza di far rivivere la grandezza dell'antica Roma, e con essa la grandezza dell'Italia intera. Alla corte, salito al trono nel 1503. L'umanista di Papa Giulio II fu opera degli architetti più importanti - tra cui Bramante, Raffaello, Michelangelo, Antonio da Sangallo e altri.

Nell'architettura di questo periodo, le principali caratteristiche e tendenze del Rinascimento ricevono la loro espressione compiuta. Vengono create le composizioni centriche più perfette. Sta finalmente prendendo forma la tipologia del palazzo urbano, che in questo periodo acquista i connotati di edificio non solo privato, ma anche pubblico, e quindi, in una certa zona, diventa prototipo di molti successivi edifici pubblici. superare la caratteristica primo periodo Contrasto revival (tra le caratteristiche architettoniche dell'aspetto esterno del palazzo e il suo cortile. Sotto l'influenza di una conoscenza più sistematica e archeologicamente accurata dei monumenti antichi, le composizioni degli ordini diventano più rigorose: insieme agli ordini ionici e corinzi, più semplici e monumentali sono ampiamente utilizzati gli ordini - dorico romano e toscano, e un porticato su colonne finemente disegnato lascia il posto a un porticato di ordine più monumentale.In generale, le composizioni dell'Alto Rinascimento acquistano maggiore significato, rigore e monumentalità.Il problema della creazione di un regolare urbano ensemble è messo su una base reale. Le ville di campagna vengono costruite come complessi architettonici integrali.

L'architetto più importante di questo periodo fu Donato d'Angelo Bramante (1444–1514). L'edificio della Cancelleria attribuito al Bramante (il principale ufficio papale) a Roma - uno degli eccezionali edifici del palazzo - è un enorme parallelepipedo con un cortile rettangolare circondato da portici. La composizione armonica delle facciate sviluppa i principi dettati nel Palazzo Ruccellai, ma la struttura ritmica complessiva crea un'immagine più complessa e solenne. Il primo piano, trattato come un seminterrato, ha intensificato il contrasto con un piano leggero. Gli accenti di plastica disposti ritmicamente creati da grandi aperture e plateau che li incorniciano hanno acquisito grande importanza nella composizione. Il ritmo delle articolazioni orizzontali è diventato ancora più chiaro.

Tra gli edifici religiosi del Bramante, spicca una piccola cappella nel cortile del monastero di San Pietro in Montrrio, detta Tempietto. (1502) - un edificio situato all'interno di un cortile piuttosto angusto, che doveva essere circondato da un porticato circolare in pianta.

La cappella è una rotonda a cupola circondata da un colonnato dorico romano. L'edificio si distingue per la perfezione delle proporzioni, l'ordine è interpretato in modo rigoroso e costruttivo. Rispetto agli edifici centrici del primo Rinascimento, dove prevale lo sviluppo murario lineare-planare (Cappella dei Pazzi), il volume del Tempietto è plastico: la sua ordinata plasticità corrisponde all'integrità tettonica della composizione. Il contrasto tra il nucleo monolitico della rotonda e del colonnato, tra la levigatezza del muro e la plasticità di profonde nicchie e lesene sottolinea l'espressività della composizione, la completa armonia e completezza. Nonostante le sue piccole dimensioni, Tempietto dà l'impressione di monumentalità. Già dai contemporanei del Bramante, questo edificio era riconosciuto come uno dei capolavori dell'architettura.

Essendo il capo architetto alla corte di Papa Giulio II, Bramante dal 1505. lavori per ricostruire il Vaticano. Fu concepito un grandioso complesso di edifici cerimoniali e solenni cortili dislocati a diversi livelli, subordinati ad un unico asse, chiuso dalla maestosa esedra del Belvedere. In questo, in sostanza, il primo così grandioso nel design, l'ensemble rinascimentale è stato magistralmente utilizzato tecniche compositive antichi fori romani. residenza papale doveva collegarsi con un altro grandioso edificio di Roma: la Cattedrale di Pietro, per la cui costruzione fu adottato anche il progetto del Bramante. La perfezione della composizione centrica e la grandiosa portata del progetto della Cattedrale di Pietro Bramante danno motivo di considerare quest'opera l'apice dello sviluppo dell'architettura rinascimentale. Il progetto però non era destinato ad essere realizzato in natura: durante la vita del Bramante fu solo iniziata la costruzione della cattedrale, che dal 1546, 32 anni dopo la morte dell'architetto, fu trasferita a Michelangelo.

Il grande artista e architetto Rafael Santi partecipò al concorso per la progettazione della Basilica di San Pietro, nonché alla costruzione e tinteggiatura degli edifici vaticani, insieme al Bramante, che costruì e dipinse le famose logge vaticane, che accolsero suo nome ("le logge di Raffaello"), nonché una serie di notevoli strutture, sia a Roma stessa che fuori di essa (la costruzione e la pittura di Villa Madama a Roma, il Palazzo Pandolfini a Firenze, ecc.).

Uno dei migliori allievi del Bramante - l'architetto Antonio da Sangallo Jr. - possiede il progetto di Palazzo Farnese a Roma , in una certa misura completò l'evoluzione del palazzo rinascimentale.

Nello sviluppo della sua facciata, non ci sono bugnato tradizionale e articolazioni verticali. Sulla liscia superficie muraria intonacata in laterizio spiccano chiaramente ampie fasce orizzontali che corrono lungo tutta la facciata; come addossate ad esse si aprono finestre con architravi sbalzati a forma di antica “edicola”. Le finestre del primo piano, a differenza dei palazzi fiorentini, hanno le stesse dimensioni delle finestre dei piani superiori. L'edificio fu liberato dall'isolamento della fortezza, ancora insito nei palazzi del primo Rinascimento. In contrasto con i palazzi del XV secolo, dove il cortile era circondato da leggere gallerie ad arco su colonne, qui appare un porticato di ordine monumentale con semicolonne. L'ordine della galleria è in qualche modo più pesante, acquisendo le caratteristiche di solennità e rappresentatività. Lo stretto passaggio tra il cortile e la strada è stato sostituito da un "vestibolo" aperto, che rivela il prospetto del cortile anteriore.

3. Periodo tardo Rinascimento

Il periodo tardo del Rinascimento è solitamente considerato la metà e la fine del XVI secolo. In questo momento, la recessione economica è continuata in Italia. Il ruolo della nobiltà feudale e delle organizzazioni cattoliche della Chiesa è aumentato. Per combattere la riforma e tutte le manifestazioni di uno spirito antireligioso, fu istituita l'Inquisizione. In queste condizioni, gli umanisti iniziarono a sperimentare la persecuzione. Una parte significativa di loro, inseguita dall'Inquisizione, si trasferì nelle città del nord Italia, in particolare a Venezia, che conservava ancora i diritti di una repubblica indipendente, dove l'influenza della controriforma religiosa non era così forte. A questo proposito, durante tardo rinascimentale le più sorprendenti erano due scuole: la romana e la veneziana. A Roma, dove la pressione ideologica della controriforma influenzò fortemente lo sviluppo dell'architettura, insieme allo sviluppo dei principi dell'Alto Rinascimento, c'è un allontanamento dai classici verso composizioni più complesse, una maggiore decoratività, una violazione del chiarezza di forme, scala e tettonicità. A Venezia, nonostante la parziale penetrazione delle nuove tendenze nell'architettura, la base classica della composizione architettonica era più conservata.

Rappresentante di spicco della scuola romana fu il grande Michelangelo Buonarroti (1475-1564). Nelle sue opere architettoniche si pongono le basi di una nuova comprensione della forma, caratteristica di questo periodo, contraddistinta da grande espressività, dinamica ed espressività plastica. La sua opera, svoltasi a Roma ea Firenze, riflette con particolare forza la ricerca di immagini capaci di esprimere la crisi generale dell'umanesimo e l'intima ansia che gli ambienti progressisti della società allora provavano di fronte alle incombenti forze della reazione. Come brillante scultore e pittore, Michelangelo ha saputo trovare mezzi plastici luminosi per esprimere nell'arte la forza interiore dei suoi eroi, il loro conflitto irrisolto. pace della mente, sforzi titanici nella lotta. Nella creatività architettonica, ciò corrispondeva all'accentuata identificazione della plasticità delle forme e della loro intensa dinamica. L'ordine di Michelangelo perdeva spesso il suo significato tettonico, trasformandosi in un mezzo per decorare le pareti, creando masse ingrandite che stupiscono una persona con la loro scala e plasticità. Violando audacemente i principi architettonici familiari al Rinascimento, Michelangelo in una certa misura ne fu il fondatore maniera creativa, successivamente ripreso nell'architettura del barocco italiano opera architettonica Michelangelo si riferisce al completamento dopo la morte del Bramante della Cattedrale di Pietro a Roma. Michelangelo, prendendo come base uno schema centrico vicino alla pianta del Bramante, introdusse nella sua interpretazione nuovi tratti: semplificò la pianta e generalizzò lo spazio interno, rese più massicci i sostegni e le pareti, aggiunse un portico con un solenne colonnato dal lato occidentale facciata. Nella composizione tridimensionale, il pacato equilibrio e la subordinazione degli spazi del progetto bramantesco si traducono nell'accentuato predominio della cupola principale e dello spazio sottocupola. Nella composizione delle facciate, chiarezza e semplicità sono state sostituite da forme plastiche più complesse e ampie, le pareti sono sezionate da cenge e lesene di un grande Ordine corinzio con possente trabeazione e alto attico; tra i pilastri, le aperture delle finestre, le nicchie e vari elementi decorativi (cornici, mensole, sandriks, statue, ecc.) sono posti, per così dire, schiacciati nei pilastri, conferendo alle pareti una plasticità quasi scultorea.

Nella composizione delle Cappelle Medicee la chiesa di San Lorenzo a Firenze (1520), l'interno e le sculture realizzate da Michelangelo si fusero in un unico insieme. Le forme scultoree e architettoniche sono piene di tensione interiore e drammaticità. La loro acuta espressività emotiva prevale sulla base tettonica, l'ordine è interpretato come un elemento della concezione scultorea generale dell'artista.

Uno dei massimi architetti romani del tardo Rinascimento è anche Vignola, autore del trattato "La regola dei cinque ordini di architettura". Le sue opere più significative sono il castello di Caprarola e la villa di papa Giulio II. . Durante il Rinascimento subisce la tipologia della villa sviluppo significativo associato a un cambiamento nel suo contenuto funzionale. Anche all'inizio del XV secolo. era una tenuta di campagna, spesso cinta da mura, e talvolta dotata anche di torri difensive. Entro la fine del XV secolo. la villa diviene luogo di villeggiatura per cittadini facoltosi (Villa Medici presso Firenze), e dal XVI secolo. diventa spesso residenza di grandi feudatari e di alto clero. La villa perde la sua intimità e assume il carattere di una struttura frontale-assiale frontale, aperta alla natura circostante.

La villa di Papa Giulio II è un esempio di questo tipo. La sua composizione rigorosamente assiale e rettangolare nei suoi contorni esterni scende in cenge lungo il fianco della montagna, creando gioco difficile spazi aperti, semiaperti e chiusi situati in vari livelli. La composizione è influenzata dagli antichi fori romani e dalle corti vaticane.

I maestri eccezionali della scuola veneziana del tardo Rinascimento furono il Sansovino, che costruì l'edificio della Biblioteca di San Marco a Venezia (iniziata nel 1536) - una componente importante del notevole complesso del centro veneziano, e più brillante rappresentante la scuola classica del Rinascimento - l'architetto Palladio.

L'attività di Andrea Palladio (1508 - 1580) proseguì principalmente nella città di Vicenza, non lontano da Venezia, dove costruì palazzi e ville, così come a Venezia, dove costruì principalmente edifici ecclesiastici. Il suo lavoro in numerosi edifici fu una reazione alle tendenze anticlassiche del tardo Rinascimento. Nel tentativo di preservare la purezza dei principi classici, Palladio fa affidamento sulla ricca esperienza acquisita nel processo di studio del patrimonio antico. Sta cercando di far rivivere non solo forme d'ordine, ma interi elementi e persino tipi di edifici del periodo antico. Il portico dell'ordine strutturalmente veritiero diventa il tema principale di molte delle sue opere.

A Villa Rotonda , costruito vicino a Vicenza (iniziato nel 1551), il maestro raggiunse un'eccezionale integrità e armonia della composizione. Poste su un colle e ben visibili da lontano, le quattro facciate della villa porticata su tutti i lati, insieme alla cupola, formano una chiara composizione centrica.

Al centro c'è una sala rotonda a cupola, da cui le uscite conducono sotto i portici. Ampie scalinate porticate collegano l'edificio con natura circostante. La composizione centrica riflette le aspirazioni generali degli architetti rinascimentali per l'assoluta completezza della composizione, la chiarezza e la geometricità delle forme, la connessione armoniosa delle singole parti con il tutto e la fusione organica dell'edificio con la natura.

Ma questo schema di composizione "ideale" è rimasto unico. Nella realizzazione vera e propria di numerose ville, Palladio prestò maggiore attenzione allo schema cosiddetto tripartito, costituito dal volume principale e da ballatoi di ordine ad un piano che si estendevano da esso ai lati, che servivano a comunicare con i servizi della tenuta e organizzando il cortile antistante la facciata della villa. Fu questo schema di una casa di campagna che in seguito ebbe numerosi seguaci nella costruzione di palazzi padronali.

In contrasto con il libero sviluppo dei volumi delle ville di campagna, i palazzi urbani del Palladio hanno solitamente una composizione austera e laconica con un fronte principale monumentale e di grandi dimensioni. L'architetto utilizza ampiamente un grande ordine, interpretandolo come una sorta di sistema "colonna - parete". Un esempio lampante è il palazzo Capitanio (1576), le cui pareti sono trattate con colonne di grande ordine composito con trabeazione possente e sciolta. Il piano superiore, ampliato sotto forma di sovrastruttura (piano sottotetto), conferiva all'edificio completezza e monumentalità,

Palladio utilizzò largamente nei suoi palazzi cittadini anche la suddivisione in due ordini delle facciate con ordini, nonché un ordine posto su un alto basamento bugnato, tecnica utilizzata prima dal Bramante e poi largamente utilizzata nell'architettura classicista.

Conclusione

L'architettura moderna, nella ricerca delle forme della propria manifestazione stilistica, non nasconde di utilizzare il patrimonio storico. Il più delle volte si riferisce a quei concetti teorici e principi di modellatura che in passato hanno raggiunto la massima purezza stilistica. A volte sembra addirittura che tutto ciò che il XX secolo ha vissuto prima stia tornando in una nuova forma e si ripeta rapidamente.

Gran parte di ciò che una persona apprezza in architettura fa appello non tanto a un'analisi scrupolosa delle singole parti di un oggetto, ma alla sua immagine sintetica, integrale, alla sfera della percezione emotiva. Ciò significa che l'architettura è arte o, comunque, contiene elementi d'arte.

A volte l'architettura è chiamata la madre delle arti, nel senso che la pittura e la scultura si sono sviluppate per lungo tempo in un legame organico inscindibile con l'architettura. L'architetto e l'artista hanno sempre avuto molto in comune nel loro lavoro, e talvolta andavano d'accordo in una persona. scultore greco antico Fidia è giustamente considerato uno dei creatori del Partenone. Il grazioso campanile della cattedrale principale di Firenze, Santa Maria del Fiore, fu costruito "su disegno" del grande pittore Giotto. Michelangelo, che fu altrettanto grande come architetto, scultore e pittore. Raffaello ha anche agito con successo nel campo dell'architettura. Il loro pittore contemporaneo Giorgio Vasari costruì la via degli Uffizi a Firenze. Una tale sintesi dei talenti dell'artista e dell'architetto si è trovata non solo tra i titani del Rinascimento, ma ha anche segnato il nuovo tempo. Artisti applicati L'inglese William Morris e il belga Van de Velde hanno dato un grande contributo allo sviluppo dell'architettura moderna. Corbusier era un pittore di talento e Alexander Vesnin un brillante artista teatrale. artisti sovietici K. Malevich e L. Lissitzky hanno sperimentato in modo interessante la forma architettonica, e il loro collega e contemporaneo Vladimir Tatlin è diventato l'autore progetto leggendario Torri del 111 internazionale. L'autore del famoso progetto del Palazzo dei Soviet, l'architetto B. Iofan, è giustamente considerato il coautore della scultura "Worker and Collective Farm Girl" insieme alla straordinaria artista sovietica Vera Mukhina.

La rappresentazione grafica e l'impaginazione tridimensionale sono i mezzi principali con cui l'architetto cerca e difende le sue decisioni. Apertura prospettiva lineare durante il Rinascimento, influenzò attivamente il concetto spaziale dell'architettura di questo tempo. In definitiva, la comprensione della prospettiva lineare ha portato al collegamento dell'area, delle scale, degli edifici in un'unica composizione spaziale, e successivamente all'emergere di giganti insiemi architettonici barocco e alto classicismo. Molti anni dopo, gli esperimenti degli artisti cubisti hanno avuto una grande influenza sullo sviluppo della creazione di forme architettoniche. Hanno cercato di rappresentare un oggetto da diversi punti di vista, di ottenere la sua percezione tridimensionale sovrapponendo più immagini, di espandere le possibilità della percezione spaziale introducendo una quarta dimensione: il tempo. Questa percezione tridimensionale è servita come punto di partenza per la ricerca formale dell'architettura moderna, che ha opposto allo schermo piatto della facciata un intricato gioco di volumi e piani liberamente collocati nello spazio.

La scultura e la pittura non si sono subito indipendenti dall'architettura. All'inizio erano solo elementi di una struttura architettonica. Ci è voluto più di un secolo perché il dipinto si separasse dal muro o dall'iconostasi. Alla fine del Rinascimento, in Piazza della Signoria a Firenze, le sculture si affollano ancora timidamente intorno ai palazzi, come se temesse di rompere completamente con le facciate. Michelangelo mette al primo posto statua equestre al centro di Piazza del Campidoglio a Roma. L'anno è il 1546. Da allora, il monumento, la scultura monumentale acquisisce i diritti di un elemento indipendente della composizione, organizzando lo spazio urbano. È vero, la forma scultorea continua ancora per qualche tempo a vivere sulle pareti della struttura architettonica, ma queste ultime tracce del "lusso antico" scompaiono gradualmente da esse.

Corbusier afferma questa composizione dell'architettura moderna con la sua caratteristica certezza: “Non riconosco né la scultura né la pittura come decorazione. Ammetto che entrambi possono evocare emozioni profonde nello spettatore nello stesso modo in cui la musica e il teatro ti influenzano - tutto dipende dalla qualità del lavoro, ma sono decisamente contrario alla decorazione. D'altra parte, guardando un'opera architettonica, e in particolare la piattaforma su cui è eretta, vedi che certi luoghi dell'edificio stesso e attorno ad esso sono certi intensi luoghi matematici che risultano essere, per così dire, la chiave alle proporzioni dell'opera e del suo ambiente. Questi sono i luoghi della massima intensità, ed è in questi luoghi che può essere realizzato lo scopo definito dell'architetto - sia sotto forma di una piscina, o di un blocco di pietra, o di una statua. Possiamo dire che in questo luogo si riuniscono tutte le condizioni perché si pronunci un discorso, il discorso di un artista, il discorso plastico.

Il problema della creazione di una città ideale, nonostante l'odierna rilevanza, era particolarmente acuto nella lontana epoca del Rinascimento (XIV - XVI secolo). Questo tema, attraverso il prisma della filosofia dell'antropocentrismo, diventa il principale nell'arte dell'urbanistica di questo periodo. Un uomo con i suoi bisogni di felicità, amore, lusso, comodità, comodità, con i suoi pensieri e le sue idee, diventa la misura di quel tempo, simbolo del risorgente spirito antico, chiamato a cantare proprio di quest'Uomo con la maiuscola. Sposta il pensiero creativo del Rinascimento alla ricerca di soluzioni architettoniche e filosofiche uniche, a volte utopiche, al problema della formazione della città. Quest'ultimo inizia a svolgere un nuovo ruolo, è percepito come uno spazio intero interconnesso chiuso, recintato e diverso dalla natura, dove passa l'intera vita di una persona.

In questo spazio, i bisogni e i desideri sia fisici che estetici di una persona dovrebbero essere pienamente presi in considerazione, aspetti della permanenza umana in città come il comfort e la sicurezza dovrebbero essere pienamente pensati. Nuovo armi da fuoco fece indifese fortificazioni medievali in pietra. Ciò ha predeterminato, ad esempio, la comparsa di mura con bastioni di terra lungo il perimetro delle città e ha determinato, sembrerebbe, una bizzarra linea di fortificazioni cittadine a forma di stella. Si sta formando un'idea revivalista generale della "città ideale", la città più comoda e sicura per vivere. In una parola, tali tendenze non sono estranee all'architetto moderno, ma il Rinascimento ha poi segnato una nuova frontiera, un nuovo soffio di vita nella mente del creatore, stabilendo alcune incognite. criteri, standard e stereotipi precedenti, le cui conseguenze si fanno sentire oggi nella ricerca di una città ideale.

I primi studi in questo senso furono compiuti da Marco Vitruvio (seconda metà del I sec. tra teoria e pratica, descritti i concetti base dell'estetica, della proporzionalità dell'edificio e della persona, per la prima volta nella storia ha indagato il problema dell'acustica musicale dei locali.

Lo stesso Vitruvio non ha lasciato un'immagine della città ideale, ma questo è stato fatto da molti studiosi e successori delle sue idee, da cui, come spesso si nota, è iniziato lo stesso Rinascimento.

Ma le discussioni sulla città ideale, i suoi concetti hanno origine nei trattati degli antichi filosofi greci - quindi, per un secondo, vale la pena rivolgersi a un'epoca un po 'prima di quella che stiamo considerando - all'antichità.

Sfortsinda - case tipiche arch. Filarete (disegno di Leonardo da Vinci)

Il secolare processo di costruzione delle città-stato nella capitale dell'antica Grecia, Atene, è stato riassunto negli scritti dei due più grandi filosofi dell'antichità: Platone (428-348 a.C.) e Aristotele (384-322 a.C.).

Così, il filosofo idealista Platone, associato ai circoli aristocratici del suo tempo, era un aderente a un sistema statale rigidamente regolamentato, non per niente possedeva anche la storia del mitico paese di Atlantide, governato da un re e arconti . Nell'interpretazione di Platone, Atlantide era il prototipo storico di quella città-stato ideale, di cui parlava nelle sue opere “Lo Stato” e “Leggi”.

Tornando al Rinascimento, parliamo di Leon Batista Alberti, il primo vero teorico dell'urbanistica nella storia dell'umanità, che descrive minuziosamente “come si fa una città”, partendo dalla scelta di un luogo e finendo con la sua struttura interna . L'Alberti scriveva che "la bellezza è un'armonia strettamente proporzionata di tutte le parti unite da ciò a cui appartengono, in modo tale che nulla può essere aggiunto, sottratto o cambiato senza peggiorarlo". L'Alberti, infatti, fu il primo a proclamare i principi fondamentali dell'insieme urbano rinascimentale, legando l'antico senso delle proporzioni con l'inizio razionalista di una nuova era. Il dato rapporto tra l'altezza dell'edificio e lo spazio ad esso antistante (da 1:3 a 1:6), la coerenza delle scale architettoniche degli edifici principali e secondari, l'equilibrio della composizione e l'assenza di contrasti dissonanti: questi sono i principi estetici degli urbanisti rinascimentali.

L'Alberti nel suo trattato "Dieci libri sull'architettura" disegna una città ideale, bella per la pianificazione razionale e per l'aspetto degli edifici, delle strade, delle piazze. L'intero ambiente di vita di una persona è organizzato qui in modo tale da soddisfare i bisogni dell'individuo, della famiglia e della società nel suo insieme.

Bernardo Gambarelli (Rosselino), riprendendo idee già esistenti, contribuisce allo sviluppo della visione di una città ideale, sfociata nella città di Pienza (1459), tuttora esistente, incorporando elementi di molti progetti rimasti su carta o in creativo le intenzioni dei creatori. Questa città è un chiaro esempio della trasformazione dell'insediamento medievale di Corsignano in un'ideale città rinascimentale con strade rettilinee e un impianto regolare.

Antonio di Pietro Averlino (Filarete) (c. 1400 - c. 1469) nel suo trattato dà un'idea della città ideale della Sforzinda.

La città era a pianta stellare ottagonale, formata dall'intersezione ad angolo di 45° di due quadrati uguali con un lato di 3,5 km. Nelle sporgenze della stella c'erano otto torri rotonde e nelle "tasche" - otto porte della città. Le porte e le torri erano collegate al centro da strade radiali, alcune delle quali erano canali di navigazione. Nella parte centrale della città, su un'altura, si trovava la piazza principale, a pianta rettangolare, sui cui lati corti dovevano trovarsi il palazzo del principe e la cattedrale cittadina, e sui lati lunghi le istituzioni giudiziarie e cittadine .

Al centro della piazza c'era uno stagno e una torre di avvistamento. Altri due erano attigui alla piazza principale, con le case dei più eminenti abitanti della città. Altre sedici piazze erano situate all'incrocio delle strade radiali con la circonvallazione: otto piazze commerciali e otto per centri parrocchiali e chiese.

Pienza non fu l'unica città realizzata in Italia che incarnava i principi della pianificazione "ideale". L'Italia stessa a quel tempo non era uno stato unito, come lo conosciamo ora, consisteva in molte repubbliche e ducati indipendenti separati. A capo di ciascuna di queste aree c'era una famiglia nobile. Naturalmente, ogni sovrano voleva avere nel suo stato un modello di città "ideale", che gli permettesse di essere considerato una persona colta e progressista del Rinascimento. Pertanto, nel 1492, il rappresentante della dinastia D Este, il duca Ercole I, decise di ricostruire una delle principali città del suo ducato: Ferrara.

La ristrutturazione è stata affidata all'architetto Biagio Rossetti. Si distingueva per l'ampiezza di vedute, oltre che per l'amore per l'innovazione, che si manifestava in quasi tutte le sue opere. Ha studiato a fondo il vecchio layout della città e ha trovato una soluzione interessante. Se prima di lui gli architetti o demolivano vecchi edifici o costruivano ex novo, allora Biagio decise di costruire una nuova città sopra quella vecchia. Così, ha incarnato contemporaneamente il concetto di città rinascimentale con le sue strade diritte e spazi aperti e ha sottolineato l'integrità e l'autosufficienza della città medievale. La principale innovazione dell'architetto è stata una diversa fruizione degli spazi. Non obbedì a tutte le leggi dell'urbanistica regolare, che suggeriva piazze aperte e strade larghe. Invece, poiché la parte medievale della città è rimasta intatta, Biagio gioca sugli opposti: alterna strade principali a strade strette, piazze luminose a bui vicoli ciechi, grandi case ducali a case basse di comuni abitanti. Inoltre, questi elementi non si contraddicono affatto: la prospettiva inversa è combinata con quella diritta, e le linee correnti ei volumi crescenti non si contraddicono a vicenda.

Lo studioso e studioso di architettura veneziano Daniele Barbaro (1514-1570) dedicò gran parte della sua vita allo studio del trattato di Vitruvio, che sfociò nel suo libro intitolato "Dieci libri sull'architettura di Vitruvio con un commento di Daniele Barbaro", scritto nel 1556. In questo libro l'atteggiamento nei confronti dell'architettura antica si rifletteva non solo dall'autore stesso, ma anche dalla maggior parte degli architetti del XVI secolo. Daniele Barbaro per tutta la vita ha studiato a fondo il trattato e ha cercato di ricreare lo schema della città ideale, che riflettesse le idee di Vetruvio e i suoi concetti che completano la sua visione.

Poco prima, l'architetto rinascimentale Cesare Cesarino pubblicò nel 1521 il suo commento ai Dieci Libri dell'Architettura con numerose illustrazioni, tra cui schemi teorici di una città ideale.

Tra i tanti di questi teorici del XVI secolo. Andrea Palladio (1508-1580) occupò un posto speciale. Nel suo trattato Quattro libri sull'architettura (italiano: Quattro libri deHArchitettura), pubblicato nel 1570, Palladio non ha individuato una sezione speciale sulla città, ma tutta la sua opera è stata essenzialmente dedicata a questo particolare argomento. Ha detto che "una città non è altro che una specie di grande casa, e viceversa, una casa è una specie di piccola città".

Mettendo un segno uguale tra un edificio residenziale e una città, Palladio ha così sottolineato l'integrità dell'organismo urbano e l'interconnessione dei suoi elementi spaziali. Riflette sull'integrità dell'organismo urbano e sulla relazione dei suoi elementi spaziali. A proposito dell'insieme urbano scrive: "La bellezza è il risultato di una bella forma e della corrispondenza del tutto alle parti, delle parti tra loro e anche delle parti al tutto". Un posto di rilievo nel trattato è dato all'interno degli edifici, alle loro dimensioni e proporzioni. Palladio sta cercando di collegare organicamente lo spazio esterno delle strade con l'interno delle case e dei cortili.

Alla fine del XVI sec. durante l'assedio delle città iniziarono ad essere utilizzate armi di artiglieria con proiettili esplosivi. Ciò ha costretto gli urbanisti a riconsiderare la natura delle fortificazioni cittadine. Le mura e le torri della fortezza furono sostituite da bastioni di terra che, essendo portati oltre i confini della città, erano in grado sia di respingere gli attacchi nemici sia di condurre il fuoco di fianco al nemico che si avvicinava alla città. In base a ciò, non era necessario proteggere le porte della città, che d'ora in poi si sono trasformate da potenti centri di difesa negli ingressi principali della città. Queste innovazioni sotto forma di una varietà di bizzarre forme a forma di stella si riflettono nei progetti città ideali Buonayuto Lorini, Antonio Lupicini, Francesco di George Martini, Girolamo Maggi, Giovanni Bellucci, Fra Giocondo, Francesco de Marchi, Daniel Speckle, Jacques Perret, Albrecht Dürer, Vicenzo Scamozzi, George Vasari Jr. e così via.

E la città fortificata di Palmanova può essere giustamente considerata il culmine dell'architettura fortificata del Rinascimento, la cui pianta, secondo il progetto dell'architetto Vincenzo Scamozzi, ha la forma di una stella a nove punte, e le strade si irradiano da la piazza situata al centro. Il territorio della città era circondato da dodici bastioni, e ciascuno dei bastioni era progettato in modo da proteggere quelli vicini, e aveva quattro porte cittadine, da cui partivano due strade principali che si intersecavano ad angolo retto. Al loro incrocio si trovava la piazza principale, su cui si affacciavano il palazzo, la cattedrale, l'università e le istituzioni cittadine. Due piazze commerciali erano adiacenti alla piazza principale da ovest e da est, la piazza di scambio si trovava a nord e la piazza per il commercio di fieno e legna da ardere a sud. Il territorio della città era attraversato da un fiume, e più vicino alla sua periferia c'erano otto chiese parrocchiali. La pianta della città era regolare. La fortezza era circondata da un fossato.

Nell'ambiente ingegneristico del Rinascimento, le questioni di composizione, armonia, bellezza e proporzione vengono studiate diligentemente. In queste costruzioni ideali, la pianificazione della città è caratterizzata da razionalismo, chiarezza geometrica, composizione centrica e armonia tra il tutto e le parti. E, infine, ciò che distingue l'architettura del Rinascimento dalle altre epoche è la persona che sta al centro, alla base di tutte queste costruzioni. Molti altri nomi e nomi di città possono servire da esempio. Sopravvissuta Urbino con il suo grandioso Palazzo Ducale, "città in forma di palazzo", realizzato dall'architetto Luciano Laurana per il duca Federico da Montefeltro, Terradel Sole ("Città del Sole"), Vigevano in Lombardia, La Valletta (capoluogo Malta). Per quanto riguarda quest'ultima, questa maestosa città murata è cresciuta sulle ripide scogliere senz'acqua della penisola del Monte Sciberras, che si erge tra i due profondi porti di Marsamxett e Grand Harbour. Fondata nel 1566, La Valletta fu completamente costruita, insieme a imponenti bastioni, fortezze e una cattedrale, in un tempo sorprendentemente breve - 15 anni.

Idee generali, concetti del Rinascimento fluirono ben oltre la fine del XVII secolo e si riversarono in un flusso tempestoso, abbracciando le generazioni successive di architetti e figure ingegneristiche.

Anche l'esempio di molti progetti architettonici moderni mostra l'influenza del Rinascimento, che per diversi secoli non ha perso la sua idea di umanità e il primato del comfort umano. Semplicità, comodità, "accessibilità" della città per l'abitante in tutti i tipi di dispositivi variabili si trovano in molte opere, e seguendole ciascuna a suo modo, architetti e ricercatori, tutti come uno, hanno tuttavia già percorso la strada asfaltata pavimentata dai maestri del Rinascimento.

Non tutti gli esempi di "città ideali" sono stati considerati nell'articolo, le cui origini risalgono a noi dalle profondità dell'era del bellissimo Rinascimento - in alcuni l'accento è posto sulla comodità e l'ergonomia dell'essere un civile, in alcuni altri sulla massima efficienza delle operazioni difensive; ma in tutti gli esempi osserviamo un instancabile desiderio di miglioramento, per ottenere risultati, vediamo passi fiduciosi verso la comodità e il comfort di una persona. Idee, concetti, in una certa misura, le aspirazioni del Rinascimento fluirono ben oltre la fine del XVII secolo e si riversarono in un flusso tempestoso, abbracciando le successive generazioni di architetti e ingegneri.

E l'esempio degli architetti moderni mostra chiaramente l'influenza dei concetti delle figure rinascimentali, in qualche modo modificate, ma non perdendo la loro idea di umanità e il primato del comfort umano nei progetti urbanistici. Semplicità, comodità, "accessibilità" della città per il residente in tutti i tipi di dispositivi variabili si possono trovare in molte altre opere, realizzate e per niente - rimaste sulla carta. Ciascuno seguendo il proprio percorso, architetti e ricercatori, tutti insieme, hanno comunque camminato lungo la strada lastricata già lastricata dai maestri del Rinascimento, seguendo la luce immortalmente attuale e seducente dell'idea di rinascita, la rinascita dell'anima umana , e i passi principali in questa direzione furono compiuti nel lontano XIV secolo.

I concetti di città ideale del Rinascimento, pur nella loro utopia e impossibilità dal punto di vista pragmatico dell'uomo, soprattutto moderno, non cessano del tutto o almeno in parte del loro splendore, elementi che periodicamente si insinuano nell'opera di architetti romantici, che aspirano non tanto alla perfezione nel loro difficile mestiere creativo, quanto alla perfezione in un ambiente più complesso e imprevedibile della pergamena e della prospettiva - alla perfezione irraggiungibile dell'anima e della coscienza umana.

Palmanova - Cattedrale

La storia del Rinascimento inizia nel Ancora questo periodo è chiamato Rinascimento. Il Rinascimento si è trasformato in cultura ed è diventato il precursore della cultura del New Age. E il Rinascimento finì nei secoli XVI-XVII, poiché in ogni stato ha la propria data di inizio e di fine.

Alcune informazioni generali

Rappresentanti del Rinascimento sono Francesco Petrarca e Giovanni Boccaccio. Sono diventati i primi poeti che hanno iniziato a esprimere immagini e pensieri elevati in un linguaggio franco e comune. Questa innovazione è stata accolta con il botto e diffusa in altri paesi.

Rinascimento e arte

La caratteristica del Rinascimento è che il corpo umano è diventato la principale fonte di ispirazione e oggetto di ricerca per gli artisti di questo tempo. Pertanto, l'accento è stato posto sulla somiglianza della scultura e della pittura con la realtà. Le caratteristiche principali dell'arte del periodo rinascimentale includono splendore, pennellate raffinate, giochi di ombre e luci, completezza nel processo di lavoro e composizioni complesse. Per gli artisti del Rinascimento, le immagini della Bibbia e dei miti erano le principali.

La somiglianza di una persona reale con la sua immagine su una particolare tela era così vicina che il personaggio immaginario sembrava vivo. Questo non si può dire dell'arte del XX secolo.

Il Rinascimento (le sue tendenze principali sono brevemente delineate sopra) percepiva il corpo umano come un inizio senza fine. Scienziati e artisti miglioravano regolarmente le loro capacità e conoscenze studiando i corpi degli individui. A quel tempo, l'opinione prevalente era che l'uomo fosse stato creato a somiglianza e immagine di Dio. Questa affermazione rifletteva la perfezione fisica. Gli oggetti principali e importanti dell'arte rinascimentale erano gli dei.

Natura e bellezza del corpo umano

L'arte rinascimentale prestava grande attenzione alla natura. Un elemento caratteristico dei paesaggi era una vegetazione varia e rigogliosa. I cieli di una tonalità blu-blu, che erano trafitti dai raggi del sole che penetravano nelle nuvole di bianco, erano uno sfondo magnifico per le creature in volo. L'arte rinascimentale venerava la bellezza del corpo umano. Questa caratteristica si manifestava negli elementi raffinati dei muscoli e del corpo. Pose difficili, espressioni facciali e gesti, una tavolozza di colori ben coordinata e chiara sono caratteristiche del lavoro di scultori e scultori del periodo rinascimentale. Questi includono Tiziano, Leonardo da Vinci, Rembrandt e altri.