예술가와 과학자의 차이점은 무엇입니까? 재능있는 사람은 모든 것에 재능이 있습니다.예술가와 작가가 하나가되었습니다.
이전 사례는 예술과 과학이 서로에게 즐거움과 호기심을 불러일으키는 것보다 제시할 무언가가 있음을 보여주었습니다. 그렇기 때문에 그들 사이에 넓은 수송 동맥이 놓여 있으며 이를 통해 달성된 것의 지속적인 교환이 이루어집니다. 과학자가 예술의 거장에게 일류 과학 정보를 제공하는 것처럼 그는 자신이 예술의 세계에 뛰어 들어 그 가치를 동화합니다. 그들이 가장 높은 방식으로 지구에 머무르는 것을 정당화할 수 있는 것은 그러한 상호 지원 덕분입니다.
물론 과학과 예술은 문화에서 정반대의 극을 점유하고 특정 목표를 설정하며 인간의 다양한 요구에 부응합니다. 그러나 정확히 다르기 때문에 그들은 상호 지원을 위해 단결해야 할 모든 이유가 있습니다. 예술가가 부족한 점은 과학에서 배울 수 있고, 그 반대도 마찬가지입니다. 연구자는 예술과의 소통 부족을 보완합니다. 그들은 일관되게 살 이유가 없습니다. L. Tolstoy가 과학과 예술의 연결을 폐와 심장 사이에 존재하는 연결에 비유한 것은 당연합니다. 한 기관이 아프면 다른 기관에 좋지 않습니다.
물론. 생명을 주는 열쇠를 건드리지 않고 과학이 예술과 별개로 발전할 수 있습니까? 그런 다음 그녀는 영혼이 없고 날개가 없는 위험을 무릅쓰고 있습니다. 그러나 과학에 의존하지 않는 예술도 내용의 깊이가 없고 공허할 것입니다. 그것들은 매우 밀접하게 관련되어 있어 그들의 성공은 실질적으로 일반적이며 한 영역의 진보는 항상 다른 영역의 상황에 영향을 미칩니다. 따라서 예를 들어 예술에서 일어난 사건을 이해하려면 과학으로 눈을 돌려야하고 과학적, 기술적 사고의 우여곡절을 풀기 위해서는 주변에서 일어나는 일을 면밀히 살펴볼 가치가 있습니다. , 예술에서.
Ch. Snow의 말을 그리고 싶습니다. 과학과 예술이 종종 이혼한다는 사실에도 불구하고 때로는 대결에서도 종종 수렴하고 "두 분야, 두 은하계의 충돌-지금까지가는 것을 두려워하지 않는다면!-창조적 인 불꽃을 튀길 수밖에 없습니다. "
그리고 맞아. 인류의 역사에서 그러한 만남의 불꽃이 때때로 타 오르며 진정한 창조적 영감으로 뜨거워졌습니다. 과학은 예술인이 대리자와 추측이 없는 진실의 눈으로 세상을 볼 수 있도록 도와줍니다. 차례로 세계를 비 유적으로 반영하는 예술은 다른 높이에서 자신의 작업을 볼 수있는 능력으로 과학자를 풍요롭게하고 검색의 아름다움에 매료됩니다. 이것은 항상 명확하게 눈에 보이는 것은 아니지만 과학과 예술의 긴밀한 결합을 확인합니다.
그들의 커먼웰스는 과학자와 예술가의 재능이 한 사람으로 모이는 지점에서 가장 생생하게 타오른다. 그리고 그러한 사람들이 두 영역 모두에서 세상에 동등하게 뛰어난 결과를 가져온다면, 성공은 또한 우리 앞에 이 두 가지 유형의 창의성의 성향의 성공적인 조합이 한 번에 있다는 사실(또는 주로 사실)로 설명될 수 있습니다.
그래서 우리의 관심은 두 가지 차원의 재능을 관대하게 보여주는 인간 사상의 역사에 사로 잡혔습니다. 하나는 사람의 예술성의 척도를 결정하고 다른 하나는 그의 연구 능력의 깊이를 결정합니다. 그러한 사람을 창조하고 창조하고 과학자가되는 것은 자신이 예술가이기도하다는 사실로 스스로를 돕고 예술가이기 때문에 과학자의 능력으로 자신의 재능을 강화합니다. 그리고 이러한 연결 스레드가 겉으로는 잘 보이지 않지만 내부에는 여전히 재능, 세상을 지배하는 방법, 반영되고 경험되는 현실에 접근하는 방법이 있습니다.
먼저, 그다지 밝지는 않지만 과학에서도 눈에 띄는 흔적을 남긴 뛰어난 예술 창작자들에 대해 이야기합시다.
이 별자리의 첫 번째 인물 중 하나는 11세기 Omar Khayyam의 위대한 페르시아 및 타직 시인이자 과학자입니다. 그는 수학자이자 천문학자로 시작한 다음 자연 지식의 다른 부분을 탐구하여 많은 과학을 마스터했습니다. 그는 뛰어난 자연 탐험가 Ibn Sina의 학생이자 후계자로 간주되었습니다. 그리고 여가만이 시에 바칠 수 있습니다. 그러나 그가 자신을 불멸화했을 가능성이 가장 높은 것은 시였습니다.
19세기까지 오랫동안 세계는 시인 Omar Khayyam과 수학자 Al-Qayyami라는 두 명의 Khayyam을 알고 있었습니다. 그들은 추측하지 않았거나 이것이 Giyas ad-Din Abu-l-Fath Omar ibn Ibrazhm al-Khayyam an-Naysubarn이라는 한 사람이라는 것을 믿을 수 없었습니다. 너무 이례적인 긴 이름이렇게 해독합니다. "Ghiyath ad-Din" - 과학자의 전통적인 직함, 말 그대로 "신앙의 도움". 다음으로 자신의 이름이 적힌 다음 그의 아버지와 직업의 이름이 기록됩니다(Khayyam은 "텐트 마스터"를 의미함). 마지막으로 거주지가 표시됩니다-Naysubarn 또는 Nishapur (현재 Ashgabat 남쪽 도시).
두 명의 O. Khayyams가 있었던 이유 중 하나는 아마도 그가 페르시아어 문학 언어로 시를 썼기 때문일 것입니다. 과학 작품- "학술적"아랍어로, 그러나 주된 역할은 아마도 수학적 재능과 시적 재능의 특이한 조합에 의해 수행되었을 것입니다. 같은 방식으로 한때 유럽은 두 명의 M. Lomonosovs를 믿었습니다. 그러나 나중에 더 자세히 설명합니다.
시인 O. Khayyam은 약 400개(정확하게는 382개)의 루바이를 남겼습니다. 화려한 철학적 격언, 사회적 성찰이 매우 개인적이고 서정적 인 주제와 결합되는 4 중주입니다.
과학자로서 그는 현재 사용 중인 그레고리력에 필적하는 놀라운 정확도의 달력을 편집한 것으로 유명합니다. 후자에서 하루의 오류가 3300년 이상 누적되면 O. Khayyam의 달력에서 4500년 동안! 불행히도 다른 불편 사항이 있어 사용하기 어렵습니다.
O. Khayyam은 불과 16세기 후에 유럽에서 발견된 소위 산술 삼각형의 속성을 알고 있었습니다. 그러한 삼각형의 모든 숫자는 그 위에 서있는 숫자의 합과 같습니다. O. Khayyam은 또한 3도까지의 방정식 해법에 대한 체계적인 검토를 소유했으며 유클리드 등의 진리를 반영하는 많은 기하학적 아이디어를 표현했습니다. 한 사람으로 공존했습니다.
과학적이고 예술적 실천연합 일반적인 개념"일곱 교양". 여기에는 예술 자체를 의인화 한 음악, 수사학 (웅변), 교육학, 과학의 한 부분을 구성하는 산술, 기하학, 천문학 및 문법이 포함됩니다. 꽤 자주 같은 사람들이 발전했습니다.
그리고 이제 우리는 독일 국민 W. 괴테의 천재 창조물이 우리를 기다리고있는 18 세기에 즉시 자신을 발견하게 될 것입니다.
물론 그는 주로 시인이자 작가입니다. 그리고 이 영광은 위대한 과학자인 그의 또 다른 영광을 가렸습니다. W. Goethe가 그렇지 않더라도 너무 커서 뛰어난 성격예술의 하늘에서 그는 여전히 문화사에 박물학자로 남을 것이다.
그들은 14권(!)을 남겼습니다. 과학적 연구. 또한 자연 과학 주제에 대한 많은 생각이 담긴 45권의 편지, 일기, 에세이가 있습니다. K. Timiryazev가 W. Goethe를 위대한 시인, 사상가 및 뛰어난 과학자를 한 사람으로 결합한 인류 사상의 유일한 예라고 생각한 것은 당연합니다. 분명히 K. Timiryazev는 과대 평가 된 기준을 제시했습니다. 세계사에서 W. 괴테는 혼자가 아니지만 그는 참으로 뛰어난 인물입니다.
특히 가치 있는 것은 생물학에 대한 그의 투자였습니다. 19 세기에 형태학 (신체의 형태와 구조에 대한 연구)은 살아있는 과학, 그 기초 및 여주인의 주요 부분이되었습니다. W. 괴테는 이 분야의 이론가라고 할 수 있는 이 분야의 기원에 서 있었던 사람 중 한 명이었습니다. 식물 세계의 구조에서 여러 주요 법칙을 확인한 사람은 바로 그 사람이었습니다.
일반적으로 W. Goethe는 유명한 대학이있는 Jena 시가 위치한 "난쟁이"바이마르 공국의 목사였던 30 세에 비교적 늦게 자연 과학을 공부하기 시작했습니다. 그러나 곧 그는 이미 "식물의 변태를 설명하는 경험"이라는 작품을 출판했는데, 아마도 처음으로 식물 왕국의 통일성과 특정 공통점. "경험"은 우연히 식물에 대한 진화적 접근의 선구자라고 불리는 것이 아닙니다.
W. Goethe 자신은 자신의 작업의 주요 결론을 다음과 같이 표현했습니다. "식물의 다른 부분은 하나의 동일한 기관에서 발생하며 기본적으로 동일하게 유지되며 점진적인 개발을 통해 수정되고 변경됩니다." 따라서 잎은 줄기에서의 위치, 형태 및 기능이 다르지만 공통된 특성을 가지고 있습니다. 알고 보니 그 꽃은 잎사귀이기도 했으며 단지 크게 변형되었을 뿐입니다. 시인 괴테는 이러한 자연과학의 결과를 시적 텍스트로 번역할 기회를 놓치지 않았습니다. 이것이 "식물의 변태"가 나타난 방식입니다. 여기서 우리는 웅장한 라인을 찾습니다.
각각의 꽃에는 다른 것과 닮은 점이 있지만 다른 점도 있습니다. 전체에 놀랍고 강력한 법칙이 숨겨져 있고 놀라운 수수께끼가 숨겨져 있음이 분명합니다.
W. Goethe는 과학자도, 예술인도, 친구도 이해하지 못했습니다. 그의 견해는 오래된 선형성주의 교리에 익숙한 사람들에게는 너무 대담했습니다. 그 가정에 따르면 배아는 이미 성인 개인이 가진 모든 장기를 포함하고 있으며 무시할 수 있습니다. 따라서 당나귀의 배아에는 귀, 발굽 및 기타 모든 것이 있습니다. 앞으로는 단순한 양적 증가만 일어난다. 그러한 접근 방식을 사용하면 유기체의 질적 발달, 특히 동물의 진화에 대해 의문의 여지가 없습니다.
W. Goethe는 다른 방식으로 이해되지 않았습니다. 그는 과학자들이 인간과 동물을 구별하는 것이라고 믿고 만장일치로 존재를 부인하는 인간의 소위 상악골 뼈의 발견을 소유하고있는 것으로 알려져 있습니다. 두 사람의 두개골을 비교하면서 W. Goethe는 사람에게서 봉합사를 발견했는데 약하지만 상악골 뼈의 흔적을 나타냅니다. 그는 또한 부러진 두개골의 뼈를 연구하고 어린이와 태아의 두개골을 연구했으며 한마디로 진정한 자연 주의자로 일했습니다. 그리고 그는 자신의 주장을 증명했습니다.
아아! W. Goethe의 기사는 인쇄되지 않았습니다. 예를 들어 저명한 해부학자 P. Camper는 다음과 같이 거부 동기를 부여했습니다. 그리고 1820 년, 즉 작성일로부터 거의 40 년이 지난 후에야 기사가 출판 된 다음 그림과 표가없는 빈약 한 형태로 출판되었습니다. 그것은 1831년에야 완전히 나타났습니다. 그러나 그때까지 인간의 전상악은 이미 다른 사람들에 의해 기술되었습니다.
시인은 또한 자연 과학의 다른 문제를 다루었습니다. 예, 그는 발견했습니다 새로운 형태구름 - 빗, 이 흥미로운 자연 현상의 다양한 종을 보충합니다. 하늘은 또한 더 깊은 거리로 그를 매료시켰습니다. 그것은 푸른색의 비밀로 손짓했습니다. 나는 그것을 풀고 싶었고 W. Goethe는 색채 교리-반음계에 관심을 갖게되었습니다. 이것이 그가 색상 문제를 정의한 방법입니다. 저는 약 20년 동안 그것을 연구해 왔습니다. 결과는 질문에 대한 자신의 이론이었습니다. 그것은 테이블 아틀라스, 실험 설명 등이 포함 된 2 권의 작업 (1400 페이지 이상)으로 제공됩니다. 그런 다음 그는 기사와 의견으로 보완하여 생애가 끝날 때까지이 작업을 떠나지 않았습니다.
결론은 I. Newton의 광학 개념이 거짓이라는 잘못된 생각에 근거한 것이며, 백색광을 분해하여 무지개 색으로 합성한 그의 경험 결과는 지지할 수 없습니다. W. Goethe는 I. Newton의 이론은 쥐와 부엉이로 가득 찬 오래된 성, 군사적 중요성을 잃었고 완전히 파괴되어야 하는 성이라고 말했습니다.
대신에 그가 제안한 것은 무엇입니까? 그에 따르면 색상은 광선의 형태로 눈에 들어오는 것이 아니라 눈에서 발생하고 그에 의해 생성됩니다. 흥미롭게도 W. Goethe는 자신의 예술 작품보다 자신의 이론을 상당히 높게 설정했습니다. 예를 들어, 그가 죽기 직전에 그는 개인 비서 I. Eckerman에게 "나는 내가 시인으로서 창조한 것에 대한 환상이 없습니다. 훌륭한 시인들이 나와 함께 살았고, 더 나은 시인들은 내 앞에 살았고 내 뒤에도 살 것입니다. "라고 말했습니다. 내 세기에 나는 어려운 색채 교리에서 진실을 아는 유일한 사람이라는 것을 조금 자랑스러워 할 수 있으므로 많은 사람들보다 우월감을 느낍니다 ... "
전문가에 따르면 W. Goethe는 I. Newton의 당시 지배적 인 미립자 개념에서 많은 모호성을 눈에 띄게 보았다는 점에 유의해야합니다. 예를 들어 그는 그녀가 많은 시각적 효과를 설명할 수 없다는 사실에 처음으로 관심을 끌었고 그녀의 무오성에 대한 믿음을 흔들었습니다.
그러나 중요한 것은 이것이 아닙니다. 많은 과학자들이 W. Goethe의 아이디어를 비평적 측면뿐만 아니라 긍정적인 측면에서도 지지했습니다. 몇 가지 예를 들면 G. Helmholtz, V. Ostwald, K. Timiryazev, A. Stoletov, V. Vernadsky, V. Heisenberg, M. Born ... 모든 사람이 권위자이고 모든 사람이 첫 번째 스타라는 데 동의합니다. 크기.
무슨 일이야? W. Goethe는 색상의 정신 생리학 이론이라는 새로운 가르침의 토대를 마련했습니다. 19 세기 20 년대에 저명한 생리 학자 인 체코 J. Purkine (별명 "wake-up")과 독일 I. Müller는 자신을 W. Goethe의 추종자이자 학생이라고 선언하고 그의 작업을 계속했습니다.
예를 들어 I. Müller는 I. Newton이 옳은 것처럼 W. Goethe가 옳다고 믿습니다. 그러나 그들은 다양한 색면을 조사했습니다. 첫 번째는 정신 생리학 (감각의 신경 형성 메커니즘)이고 두 번째는 색의 광학적 감각을 유발하는 외부 자극의 물리학입니다. 그들은 상충되지 않고 서로를 보완합니다.
보시다시피 W. Goethe는 자연 과학에서도 낯선 사람이 아닙니다. 그들은 여기에 많이 남아 있습니다. 따라서 그는 시인과 과학자를 성공적으로 결합했으며 분명히 그의 문학 및 과학 문제 모두에서 가장 유리한 방식으로 나타났습니다.
에 대한 이야기를 이어갑니다 위대한 예술가, 과학의 표식을 닦은 JI에 주목하고 싶습니다. 유명 문학 걸작의 작가 캐롤. 우리가 쓴 이상한 나라의 앨리스의 모험 외에도 그는 또 다른 책인 Through the Looking-Glass and what Alice saw there 또는 Alice Through the Looking-Glass를 남겼습니다.
그러나 그의 생애 동안 (그리고 그 이후에도) 어른들이 읽어주는 웅장한 동화를 만든 사람이 과학에서도 큰 성공을 거둔 수학자라는 사실을 아는 사람은 거의 없었습니다. 26년 동안 그는 유명한 옥스퍼드 대학의 교수였습니다. 그들은 "앨리스"의 기쁨에 온 빅토리아 여왕이 JI가 쓴 모든 것을 읽고 싶어했다고 말합니다. 캐롤, 그들은 그녀 앞에 ... 기하학에 관한 논문 더미를 놓았습니다. 하지만 전문가들의 말을 들어보자. 잘 알려진 소비에트 기하학자 I. Yaglom은 L. Carroll이 "비범한 문학적 재능과 놀라운 논리적 정교함"을 가지고 있다고 지적합니다. 후자는 그가 예술적 발견보다 낮은 등급의 흥미로운 수학적 결과를 많이 얻을 수 있도록 허용했습니다.
이제 우리는 이것의 진짜 이름을 알리는 것이 남아 있습니다. 흥미로운 사람- 찰스 도지슨. 그리고 Lewis Carroll은 가명입니다. 그는 다소 재미있는 방식으로 그것을 생각해 냈습니다. 먼저 그는 영어에서 그의 이름 Charles- "Carolus"를 라틴어로 번역했습니다. 그런 다음 Lutwidge의 중간 이름인 "Ludvikus"를 번역했습니다. (참고 유럽 국가출생시 아이는 일반적으로 친척, 친구, 지인을 기리기 위해 여러 이름을 부여받습니다. 예를 들어 Hegel에는 Georg, Friedrich, Wilhelm의 세 가지 이름이 있습니다.) 그래서 "Carolus Ludvikus"가 나왔습니다. 이들을 재정렬 라틴어 이름장소를 찾아 다시 영어로 번역하면서 Lewis Carroll은 그의 가명을 얻었습니다. 그것은 곧 그의 진짜 이름, 기하학 교사의 이름을 가리고 무미건조한 강의를 제공하고 실습으로 우울하게 만들었습니다. 그들은 몇 년 후 그의 학생 중 한 명이 "그냥 생각해보세요! 그 당시 그는"앨리스 "..."를 작곡하고 있었다고 말했습니다.
20세기 독일어 문학의 고전인 오스트리아 작가 R. 무질은 페루에서 뛰어난 작품을 많이 남겼다. 특히 유명한 것은 그의 3권짜리 풍자 소설 "자질 없는 남자"로, 전통적인 비유적 표현과 깊은 철학적 분석을 결합한 것입니다. 독자는 부르주아 유럽의 일반적인 위기에 대한 일종의 "모델"로서 오스트리아-헝가리 국가의 붕괴에 대한 대규모 캔버스를 펼칩니다.
그러나 많은 동료 소설가들과 달리 R. Musil은 정확한 지식을 대표하는 사람이었습니다. 그는 군사 기술 교육을 받았으며 수학, 물리학 및 실험 심리학을 철저히 공부했습니다. 그리고 여기에서 그는 또한 무언가를 얻었지만 그럼에도 불구하고 주요 성공은 문학 작업에서 그에게 떨어졌습니다.
과학자의 재능 옆에 예술적 재능을 가진 사람들 중에서 우리는 훌륭한 작가 I. Efremov 동포의 이름을 지은 것을 기쁘게 생각합니다. 그는 자격을 갖춘 광산 기술자이자 훌륭한 지질학자일 뿐만 아니라 생물학 박사이자 뛰어난 역사에 정통한. 아마도이 다재다능한 장학금, 지질 학자, 생물 학자, 역사가가 한 사람으로 결합되어 과학에서 다소 중요한 단어를 말할 수있었습니다. I. Efremov는 Tapphonomy라는 새로운 분야의 창시자로 등재되었습니다. 고대 생물의 잔해가 층층이 형성되어 나타나는 패턴을 연구하는 역사지질학의 한 분야 지각. 여기에는 생물학적-역사적-지질학적 관점이 필요했다. 1952년에 그는 "Taphonomy and the Geological Chronicle"이라는 저서로 국가상을 수상했습니다.
또한 I. Efremov는 여러 탐험의 리더였습니다. 그 중 하나인 고비 사막에서 그는 세계에서 가장 큰 "용의 묘지"(공룡 뼈의 축적)를 발견했습니다. 한마디로 뛰어난 자연주의자를 상대하고 있습니다. 이러한 재능의 조합은 작가이자 과학자로서의 그의 성향을 더욱 강화하고 상호 강화했습니다.
Plato, Pericles, Pythagoras와 같은 위대한 사람들의 삶에서 시간이 멀어 질수록 이러한 정신과 생각의 거인의 이미지가 우리 앞에 더 중요하고 더 높아집니다. 그들 중에는 의심할 여지 없이 위대한 예술가, 뛰어난 과학자, 당대의 가장 위대한 인문주의자인 레오나르도 다빈치가 있습니다.
그의 동시대인들은 그를 "보편적인 인간"이라고 불렀다. 그럼에도 불구하고 그가 그 시대의 영적, 사회적 삶에서 행한 모든 일은 독특하고 독특하다는 것이 분명했습니다. 이 사람은 많은 재능과 놀라운 재능을 결합했습니다. 그는 위대한 예술가, 위대한 수학자, 기계공, 공학자였을 뿐만 아니라 과학의 가장 다양한 분야에서 발견을 하게 되었습니다. 그는 또한 똑같이 뛰어난 천문학자이자 우주학자, 지질학자이자 식물학자, 해부학자이자 언어학자, 사전 편찬자이자 시인, 소설가이자 사실주의 작가, 그의 작업 공간을 구성하는 모든 것에 인본주의적 기준을 도입한 선견지명 있는 사상가였습니다.
그의 시대의 이 탁월한 창조자의 이름을 영광스럽게 하고 후세의 눈에 그를 영원히 살게 한 모든 것을 요약하기 위해 몇 마디로 시도하는 것은 절망적인 일이 될 것입니다. 우리의 의견으로는 그의 세계적 명성의 기초가 된 과학과 예술만을 골라 봅시다. 작가의 눈에 과학과 예술은 하나의 창작 과정의 다른 면일 뿐이었다. 하나는 다른 하나를 도왔습니다. 예술은 과학 없이 완벽에 도달할 수 없었고, 예술의 숨결은 과학에 존재해야 했습니다.
그리고 오늘날 레오나르도 다빈치의 작품은 과학자 창조자와 예술가 사상가의 자질이 합쳐진 아직 도달할 수 없는 모델입니다. 개인의 가장 높은 영적 잠재력과 결합된 과학자의 생각은 귀중한 아이디어를 만들어 냈습니다. 예술 작품예상치 못한 놀라운 발견을 했습니다.
진정한 의미의 최초의 미술사학자인 George Vasari는 Leonardo da Vinci를 "천국"과 "신성"이라고 부르는 것을 두려워하지 않았습니다. 500년이 지난 오늘날 우리는 더 큰 이유를 가지고 그의 말에 동참할 수 있습니다. 오늘날 모든 위대한 인물들이 의인화하는 진정한 행성의 중요성에 대한 깨달음이 우리에게 오는 날이기 때문입니다. 오늘에서야 우리는 모든 것이 저명한 사람들, 모든 위대한 재능은 더 높은 에너지의 초점입니다. 추진력진화. 국가의 영광과 활력을 창조하는 것은 바로 그들입니다. 행성 생명의 진화적 변화가 실현되는 것은 그들을 통해서 그리고 그들에 의해입니다.
수세기가 흐르고 한 시대가 다른 시대를 대체하고 왕관을 쓴 사람들이 왕좌를 차지하고 떠납니다 ... 그러나 그들은 인류의 기억에 남아 있지 않고 예술의 힘, 천재의 힘, 정신의 위대함으로 창조하는 사람들 실화. 레오나르도 다빈치는 의심할 여지 없이 이 행성의 위대한 건축가에 속합니다.
역사는 삶의 모든 영역에서 레오나르도 다빈치의 다양하고 놀라운 작품을 나열합니다. 그는 놀라운 수학적 기록을 남겼고 항공학의 본질을 탐구했으며 의학적 고려에 뛰어 들었습니다. 그는 발명했다 악기, 페인트의 화학을 연구하고 자연사의 경이로움을 사랑했습니다. 그는 웅장한 건물, 궁전, 학교, 서적 보관소로 도시를 장식했습니다. 군대를 위해 광범위한 막사를 지었습니다. 아드리아 해의 서쪽 해안 전체에서 가장 좋은 항구를 파고 큰 운하를 건설했습니다. 강력한 요새를 쌓았습니다. 내장 전투 차량; 군대 사진을 그렸습니다 ... 매우 다양합니다!
그러나 모든 놀라운 일에도 불구하고 레오나르도는 세계관에서 예술가, 위대한 예술가로 남았습니다. 창의력의 승리 아닌가?!
이 질문에 답하는 것은 예를 들어 돌고래와 가젤이 어떻게 다른지 말하는 것만큼이나 어렵습니다. 그러나 대답은 의미가 없습니다. 생물학적 관점에서 돌고래는 훨씬 더 비슷하게 보이는 말보다 가젤과 더 가까운 친척입니다. 이 유사성이 분명해지려면 진화론을 적용하고 겉보기에는 간접적이지만 실제로는 주요 기능을 비교하는 방법을 학습하여 문제의 본질에 매우 깊이 들어가야 합니다. 따라서 완전한 대답을 하려면 한 권 이상의 책이 필요할 수 있지만 여기서는 일부 스케치만 제공할 수 있습니다.
우선, 우리는 창조물이 다른 사람들에게 제공되는 매체, 즉 일종의 "서식지"를 고려해야 합니다. 예술가에게 이것은 캔버스, 사진, 이미지가 있는 파일입니다. 누군가는 사진적으로 정확한 초상화를 실로 수놓기도 합니다. 주로 이론가인 과학자에게 매체는 만화에서 묘사되는 것처럼 까다로운 장치나 물질이 아닙니다. 주요 원리과학 - 실험의 재현성 및 얻은 결과. 따라서 과학자 활동의 결실은 무엇보다도 과학 저널또는 공개 도메인에서. 더욱이, 과학(읽기: 수학)의 정도가 높을수록 눈에 보이는 삽화를 제공할 기회가 적어집니다. 그리고 적어도 외적으로는 어느 정도 모든 사람이 그림을 인식 할 수 있다면 기사를 이해하기 위해 피상적 지인의 자격이 훨씬 더 높습니다.
이러한 이유로 예술가와 달리 현대 과학자는 자신의 작품에 어떤 숨겨진 의미, 상징을 제공할 수 없으며, 최종 분석에서 예술 작품을 구성합니다. 전문가가 유사한 주제에 대한 작업을 처리하는 것이 어렵더라도 이 작업은 일반적으로 인정되는 용어로 가능한 한 명확하고 명확하게 제시되어야 합니다.
그러나 이것이 재미가 시작되는 곳입니다. 유사점이 시작됩니다. 그림이 주로 감정에 따라 행동하도록 하십시오. 기사와 마찬가지로 이해해야 합니다. 대상 청중이 지하 친구 1.5 명으로 구성되어 있더라도 모든 사람이 반드시 그런 것은 아니지만 이해합니다. 즉, 그림의 "언어"는 결국 과학 기사의 용어뿐만 아니라 사용 가능해야 합니다.
적절한 효과를 내기 위해서는 사진에 구도가 있어야 하지만 이는 기사에서도 마찬가지입니다. 기사의 자료를 어떻게 정리하고, 무엇에 주의를 기울여야 하는지, 어떤 계산과 결론을 청중이 이해할 수 있기 때문에 생략해야 하는지, 일반적으로 청중이 알지 못하기 때문에 어떤 자료를 포함해야 하는지, 이것은 끊임없이 직면해야 합니다. 우아함은 과학과는 거리가 먼 단어이며 많은 저명한 과학자들은 단순함, 아름다움 및 진실이 일반적으로 함께 간다고 지적합니다.
마지막 비교는 오히려 과학의 가장 추상적인 부분인 이론적 물리학과 수학을 의미합니다. 요점은 뭐 덜 과학에 묶여 현실 세계-물리학이 블랙홀의 경계를 넘어 플랑크 반경 아래로 나아가는 곳, 수학의 경우 더 일찍 - 창의성에 대한 더 많은 자유가 발생합니다. 창의성은 이론을 발전시키는 데 사용되는 공리와 접근법의 선택에 달려 있습니다. 그럼에도 불구하고 관찰 및 이전 결과와 일치해야 합니다. 그리고 여기서 저는 무의식적으로 예술뿐만 아니라 네덜란드 회화와도 비유하고 싶습니다.
렘브란트 그림의 특징은 무엇이며 동시대 사람들과 비교할 때 그를 독특하게 만드는 것입니다. 사실 그 당시 네덜란드 그림에서 그들은 극사실주의를 위해 노력했습니다. 한 머리카락에 브러시로 작업하면서 예술가는 카펫의 모든 보푸라기, 복잡한 황금 장식의 모든 반사 및 굴절을 훨씬 더 복잡한 유리 용기에 재현했습니다. ... 그리고 나서 렘브란트가 와서 인간의 눈을 세 획으로 씁니다. 브러시 뒷면으로 어두운 레이어를 긁고 이전의 밝은 레이어를 드러내며 머리카락을 나타냅니다. 그는 옷을 그립니다. 너무 많은 페인트를 칠하여 구호를 얻습니다. 그의 기술의 정당성에 대해 그가 다른 예술가들과 가졌던 논쟁을 상상해보십시오.
그리고 한때 제 친구이자 동료인 렘브란트의 동포와 가졌던 분쟁을 기억합니다. 논쟁은 당시 우리가 작업하고 있던 일반화된 경우에 소위 평활 함수를 위해 무엇을 취해야 하는지에 관한 것이었습니다. 그의 동료 이름인 브람(Brahm)은 이것이 다른 방법이 이미 발명된 이미 존재하는 대상에 의해 결정되어야 한다고 믿었습니다. 선택은 이미 이루어졌습니다. 그때 우리는 거의 싸울 뻔했습니다. 그러나 우리의 논쟁은 매우 추상적 인 과학 분야에 관한 것이었지만 우리의 주장은 과학적 성격이 아니었고 독점적으로 미적이었습니다. 결국 우리는 그와 작업하는 방식이 다를 뿐이었습니다. 마찬가지로 모든 아티스트가 자신의 스타일을 개발하는 것이 바람직합니다.
이 스타일 (예술가의 스타일)은 초현실주의와 고전 모방에서 다다이즘과 말레비치의 광장에 이르기까지 무엇이든 될 수 있습니다. 그러나 같은 방식으로 수학의 스타일은 메타 수학, 증명 이론 및 엔지니어링 문제의 물리적 프로세스 계산의 속도 및 정확성과 직접적으로 관련된 응용 분야까지 다릅니다. 모든 사람은 자신을 위해 접근 방식과 도구를 선택합니다. 때로는 화해할 수 없는 모순이 있는 경우도 있지만, 서로 다른 방향을 발전시키는 사람들 사이에 적어도 심각한 오해가 있습니다. 다른 스타일미술.
그리고 이 깊은 수준에서 예술가와 과학자의 차이는 돌고래, 가젤, 인퓨조리아의 차이가 지워지는 것처럼 지워집니다. 결국 그들은 모두 궁극적으로 진핵생물입니다.
Leonardo da Vinci (1452-1519) - 가장 위대한 인물, 르네상스의 다방면의 천재, 창시자 하이 르네상스. 예술가, 과학자, 엔지니어, 발명가로 알려져 있습니다.
Leonardo da Vinci는 1452년 4월 15일 피렌체 근처에 위치한 Vinci시 근처의 Anchiano 마을에서 태어났습니다. 그의 아버지는 공증인인 Piero da Vinci로 Vinci 시의 저명한 가문에서 태어났습니다. 한 버전에 따르면 어머니는 농부 여성이었고 다른 버전에 따르면 Katerina로 알려진 선술집의 소유자였습니다.
약 4.5 세에 Leonardo는 아버지의 집으로 옮겨졌고 당시 문서에서 그는 Piero의 사생아라고 불립니다.
1469년에 그는 작업장에 들어갔다. 유명한 예술가, 조각가이자 보석상인 Andrea del Verrocchio(1435/36–1488). 여기에서 Leonardo는 페인트를 문지르는 것부터 견습생으로 일하는 것까지 견습생의 전체 경로를 거쳤습니다. 동시대 사람들의 이야기에 따르면 그는 Verrocchio의 그림 "Baptism"(1476 년경, Florence Uffizi Gallery, Florence)에서 왼쪽 천사의 모습을 그렸는데 즉시 주목을 받았습니다. 움직임의 자연스러움, 선의 매끄러움, 키아로스쿠로의 부드러움 - 천사의 모습을 베로키오의 더 엄격한 글과 구별합니다. 레오나르도는 주인의 집에서 살았고, 1472년 화가의 길드인 성 루크의 길드에 가입한 후였다.
레오나르도가 그린 몇 안 되는 연대기 그림 중 하나는 1473년 8월에 제작되었습니다. 높은 곳에서 바라보는 아르노 계곡의 풍경은 빛과 공기의 진동을 전달하는 빠른 필치의 펜으로 그려졌는데, 이는 그림이 자연에서 만들어졌다는 것을 나타냅니다(피렌체 우피치 미술관).
레오나르도가 그린 것으로 추정되는 첫 번째 그림은 일부 전문가들 사이에서 저자에 대한 논란이 있지만 The Annunciation(c. 1472, Uffizi Gallery, Florence)입니다. 안타깝게도, 알 수 없는 저자나중에 수정하여 작업의 품질을 크게 떨어 뜨 렸습니다.
"Ginevra de Benci의 초상화"(1473-1474, 국립 미술관, 워싱턴)은 우울한 분위기로 스며든다. 아래 그림의 일부가 잘려 있습니다. 아마도 모델의 손이 거기에 묘사되었을 것입니다. 그림의 윤곽은 레오나르도 이전에 만들어진 스푸마토 효과의 도움으로 부드러워졌지만 이 기술의 천재가 된 사람은 바로 그 사람이었습니다. 스푸 마토 (it. sfumato-안개, 연기가 자욱한)-그림과 그래픽의 르네상스에서 개발 된 기술로 모델링의 부드러움, 물체 윤곽의 애매함, 공기 환경의 느낌을 전달할 수 있습니다.
1476년에서 1478년 사이 Leonardo는 작업장을 엽니다. 이 기간에는 소위 "꽃을 든 마돈나"가 포함됩니다. 베누아 마돈나(약 1478, 주 암자, 상트 페테르부르크). 웃는 마돈나는 무릎에 앉아 있는 아기 예수에게 말을 걸고, 인물들의 움직임은 자연스럽고 조형적입니다. 이 그림에는 내면의 세계를 보여주는 레오나르도의 예술에 대한 특징적인 관심이 있습니다.
미완성 그림 The Adoration of the Magi (1481–1482, Uffizi Gallery, Florence)도 초기 작품에 속합니다. 중앙 위치는 다음이 차지합니다. 전경그룹 - 마돈나와 차일드와 동방 박사.
1482년 레오나르도는 당시 가장 부유한 도시인 밀라노로 떠났고, 군대를 지원한 로도비코 스포르차(1452-1508)의 후원으로 호화로운 축제와 예술 작품 구매에 막대한 돈을 썼습니다. 미래의 후원자에게 자신을 소개하는 Leonardo는 자신을 음악가, 군사 전문가, 무기 발명가, 전쟁 전차, 기계라고 말하고 나서야 자신을 예술가라고 말합니다. 레오나르도는 1498년까지 밀라노에서 살았으며 그의 인생에서 이 시기가 가장 결실을 맺었습니다.
Leonardo가 받은 첫 번째 의뢰는 Lodovico Sforza의 아버지인 Francesco Sforza(1401–1466)를 기리기 위해 기마상을 만드는 것이었습니다. 16년 동안 작업하면서 Leonardo는 많은 그림과 8미터 점토 모델을 만들었습니다. 기존의 모든 기마상을 뛰어넘기 위해 레오나르도는 거대한 크기의 조각품을 만들어 기르는 말을 보여주고 싶었습니다. 그러나 기술적인 어려움에 직면한 레오나르도는 생각을 바꿔 걷는 말을 묘사하기로 결정했습니다.
1493년 11월, 라이더 없는 말 모형이 공개 전시되었고, 이 사건으로 레오나르도 다빈치가 유명해졌습니다.
조각품을 주조하는 데 약 90톤의 청동이 필요했습니다. 시작된 금속 수집이 중단되었고, 승마 동상캐스팅 된 적이 없습니다.
1499년 밀라노는 조각품을 표적으로 삼은 프랑스군에게 함락되었습니다. 잠시 후 무너졌습니다. 웅장하지만 결코 완성되지 않은 프로젝트인 말은 16세기 기념비적인 조형 예술의 중요한 작품 중 하나이며, Vasari에 따르면 "거대한 점토 모형을 본 사람들은 ... 더 아름답고 장엄한 작품"이라는 기념비를 "위대한 거상"이라고 불렀습니다.
스포르차 궁정에서 레오나르도는 많은 축제의 장식가로 일하면서 지금까지 볼 수 없었던 풍경과 메커니즘을 만들고 우화적인 인물을 위한 의상을 만들었습니다.
Leonardo의 미완성 그림 "Saint Jerome"(1481, 로마 바티칸 박물관)은 회개의 순간에 사자가 발 앞에있는 복잡한 회전으로 성도를 보여줍니다. 그림은 흑백으로 칠해졌습니다. 그러나 19세기에 광택제를 칠한 후 색상이 올리브색과 황금색으로 변했습니다.
"바위 속의 마돈나"(1483-1484, 루브르 박물관, 파리) - 유명한 그림밀라노에서 그가 그린 레오나르도. 마돈나, 아기 예수, 작은 세례 요한, 천사의 이미지는 풍경화의 새로운 모티프입니다. 이탈리아 회화그때. 바위가 열리면 숭고하게 이상적인 특징이 부여되고 선형 및 공중 원근법의 성과가 표시되는 풍경이 보입니다. 동굴은 희미하지만 그림은 어둡지 않고 그림자에서 얼굴과 인물이 부드럽게 나타납니다. 가장 얇은 키아로스쿠로(스푸마토)는 희미하게 확산된 빛, 모델 얼굴 및 손의 인상을 만듭니다. Leonardo는 일반적인 분위기뿐만 아니라 공간의 통일성으로 인물을 연결합니다.
"담비를 안은 여인"(1484, 크라쿠프 차토리스키 박물관)은 궁정 초상화 화가로서 레오나르도의 첫 번째 작품 중 하나입니다. 이 그림은 Lodovik Cecilia Gallerani의 여주인을 담비인 Sforza 가족의 상징으로 묘사합니다. 머리의 복잡한 회전과 여성의 손의 절묘한 굽힘, 동물의 구부러진 자세-모든 것이 Leonardo의 저자임을 나타냅니다. 배경은 다른 아티스트가 다시 그렸습니다.
"음악가의 초상"(1484, Pinacoteca Ambrosiana, 밀라노). 청년의 얼굴만 완성되고 나머지 그림은 철자가 없습니다. 얼굴의 유형은 Leonardo의 천사의 얼굴에 가깝고 더 용감하게 실행됩니다.
다른 것 독특한 작품"Donkey"라고 불리는 Sforza Palace의 홀 중 하나에서 Leonardo에 의해 만들어졌습니다. 이 홀의 금고와 벽에는 가지가 복잡하게 얽혀 있고 장식용 밧줄로 묶인 버드 나무 왕관을 그렸습니다. 그 후 페인트 층의 일부가 무너졌지만 상당 부분이 보존되어 복원되었습니다.
1495년 레오나르도는 최후의 만찬(면적 4.5×8.6m) 작업을 시작했습니다. 프레스코화는 밀라노에 있는 산타 마리아 델레 그라치에의 도미니카 수도원 식당 벽에 바닥에서 3m 높이에 있으며 방의 끝벽 전체를 차지합니다. Leonardo는 프레스코의 관점을 시청자에게 향하게 하여 식당 내부로 유기적으로 들어갔습니다. 프레스코에 묘사된 측벽의 관점 축소는 식당의 실제 공간을 계속합니다. 벽과 평행한 테이블에 13명이 앉아 있습니다. 중앙에는 예수 그리스도가 있고 그의 왼쪽과 오른쪽에는 그의 제자들이 있습니다. 배반에 대한 폭로와 정죄의 극적인 순간, 그리스도께서 "너희 중 한 사람이 나를 배반할 것이다"라고 말씀하신 순간, 그리고 이 말에 대한 사도들의 다양한 감정적 반응이 보여집니다. 이 구성은 엄격하게 검증 된 수학적 계산을 기반으로합니다. 중앙에는 뒷벽의 가장 큰 개구부 인 중앙의 배경에 대해 묘사 된 그리스도가 있으며 원근감의 소실점은 그의 머리와 일치합니다. 열두 사도는 각각 세 인물로 구성된 네 그룹으로 나뉩니다. 각각은 표현적인 몸짓과 움직임으로 생생한 특징을 부여받습니다. 주요 임무는 유다를 보여주고 나머지 사도들과 분리시키는 것이 었습니다. 레오나르도는 그를 모든 사도들과 같은 테이블에 배치함으로써 외로움으로 그를 심리적으로 분리했습니다.
최후의 만찬의 창작은 당시 이탈리아의 예술적 삶에서 주목할만한 사건이었습니다. 진정한 혁신가이자 실험가인 Leonardo는 프레스코 기법을 포기했습니다. 그는 수지와 매스틱의 특수 구성으로 벽을 덮고 템페라로 칠했습니다. 이러한 실험으로 이어진 가장 큰 비극: 식당이 위치한 저지대 인 Leonardo의 그림 같은 혁신 인 Sforza의 명령에 따라 급히 수리 된 식당-이 모든 것이 최후의 만찬 보존에 슬픈 봉사를했습니다. 1556년 바사리가 이미 언급한 것처럼 페인트가 벗겨지기 시작했습니다.
최후의 만찬은 17세기와 18세기에 반복적으로 복원되었지만 복원 작업은 미숙했습니다(단순히 페인트 층을 다시 칠했습니다).
20세기 중반에 그림이 개탄스러운 상태에 빠지자 과학적 복원: 모든 것이 먼저 수정되었습니다. 페인트 레이어, 나중에 레이어가 제거되고 Leonardo의 온도 그림이 열렸습니다. 그리고 작품이 심하게 손상되었지만 이러한 복원 작업을 통해 이 르네상스 걸작을 살렸다고 말할 수 있습니다. 레오나르도는 3년 동안 프레스코화 작업을 하면서 르네상스의 가장 위대한 창조물을 창조했습니다.
1499년 스포르차의 권력이 몰락한 후, 레오나르도는 피렌체로 여행을 떠나 도중에 만토바와 베니스에 들릅니다. Mantua에서 그는 검은 분필, 목탄 및 파스텔로 만든 Isabella d "Este (1500, Louvre, Paris)의 초상화로 판지를 만듭니다.
1500년 봄, 레오나르도는 피렌체에 도착하여 곧 수태고지 수도원에 제단 그림을 그리라는 명령을 받았습니다. 주문이 완료되지 않았지만 옵션 중 하나는 소위입니다. Burlington House Cardboard (1499, 내셔널 갤러리, 런던).
1502년 레오나르도가 피렌체에 있는 시뇨리아 의회 홀의 벽을 장식하기 위해 받은 중요한 의뢰 중 하나는 "앙기아리 전투"(보존되지 않음)였습니다. 또 다른 장식용 벽은 미켈란젤로 부오나로티(1475-1564)에게 주어졌는데, 그는 그곳에서 그림 "카시네 전투"를 그렸습니다.
이제 잃어버린 Leonardo의 스케치는 배너 전투가 발생한 중심에서 전투의 파노라마를 보여주었습니다. 1505년에 전시된 레오나르도와 미켈란젤로의 만화는 대단한 성공을 거두었습니다. The Last Supper의 경우와 마찬가지로 Leonardo는 페인트를 실험했으며 그 결과 페인트 레이어가 점차 무너졌습니다. 하지만, 준비 도면, 이 작업의 규모에 대한 아이디어를 부분적으로 제공하는 사본. 특히 Peter Paul Rubens(1577–1640)의 그림이 보존되어 구성의 중심 장면을 보여줍니다(1615년경, 파리 루브르 박물관).
전투 그림 역사상 처음으로 Leonardo는 전투의 드라마와 분노를 보여주었습니다.
"모나리자"- Leonardo da Vinci (1503-1506, Louvre, Paris)의 가장 유명한 작품. Mona Lisa(Madonna Lisa의 줄임말)는 피렌체 상인 Francesco di Bartolomeo del Giocondo의 세 번째 부인이었습니다. 이제 그림이 약간 변경되었습니다. 기둥은 원래 왼쪽과 오른쪽에 그려져 있었지만 이제 잘렸습니다. 크기가 작은 그림은 기념비적 인 인상을 남깁니다. Mona Lisa는 공간의 깊이, 공기 연무가 가장 완벽하게 전달되는 풍경을 배경으로 표시됩니다. Leonardo의 유명한 sfumato 기술은 여기에서 전례없는 높이로 가져 왔습니다. 마치 녹는 것처럼 가장 얇은 chiaroscuro의 연무가 그림을 감싸고 윤곽과 그림자를 부드럽게합니다. 약간의 미소, 표정의 생동감, 자세의 위엄 있는 평온함, 손의 부드러운 선의 고요함에는 애매하고 매혹적이며 매력적인 무언가가 있습니다.
1506년 레오나르도는 프랑스의 루이 12세(1462-1515)로부터 밀라노로의 초청을 받았습니다.
Leonardo에게 완전한 행동의 자유를 부여하고 정기적으로 그에게 돈을 지불하면서 새로운 후원자는 그에게 특정 직업을 요구하지 않았습니다. Leonardo는 과학 연구를 좋아하며 때로는 그림으로 전환합니다. 그런 다음 Rocks의 Madonna의 두 번째 버전이 작성되었습니다 (1506-1508, British National Gallery, London).
"마리아와 아기 그리스도와 함께 있는 성 안나"(1500-1510, 파리 루브르 박물관)는 레오나르도가 반복해서 다룬 작품의 주제 중 하나입니다. 이 테마의 마지막 개발은 미완성 상태로 남아 있습니다.
1513년 레오나르도는 로마, 바티칸, 교황 레오 10세(1513-1521)의 궁정으로 여행하지만 곧 교황의 호의를 잃습니다. 그는 식물을 연구한다 식물원, Pontine Marshes 배수 계획을 작성하고 인간 목소리의 구조에 관한 논문에 메모를 작성합니다. 이때 그는 긴 수염과 시선을 가진 백발의 노인을 보여주는 낙관적 인 것으로 가득 찬 유일한 "자화상"(1514, Reale Library, Turin)을 만들었습니다.
Leonardo의 마지막 그림도 로마에서 그렸습니다. "Saint John the Baptist"(1515, Louvre, Paris).
이번에도 레오나르도는 루이 12세의 후계자인 프란시스 1세(1494-1547)로부터 프랑스 왕으로부터 제안을 받습니다.
1516년 또는 1517년에 레오나르도는 프랑스에 도착하여 클루 사유지의 아파트를 배정받습니다. 왕의 존경하는 찬사에 둘러싸여 그는 "왕의 첫 번째 예술가, 엔지니어 및 건축가"라는 칭호를받습니다. Leonardo는 나이와 질병에도 불구하고 Loire Valley에서 운하를 그리는 일에 종사하고 있으며 법원 축제 준비에 참여합니다.
레오나르도 다빈치는 1519년 5월 2일에 세상을 떠났고, 자신의 그림과 논문을 평생 간직한 견습생 프란체스코 멜치에게 물려주었습니다. 그러나 그의 죽음 이후 수많은 종이가 전 세계에 배포되었고 일부는 분실되었으며 일부는 다른 도시, 전 세계 박물관에 보관되었습니다.
직업이 과학자인 레오나르도는 지금도 그의 과학적 관심의 폭과 다양성에 감명을 받고 있습니다. 항공기 설계 분야에 대한 그의 연구는 독특합니다. 그는 비행, 새 계획, 날개 구조를 연구하고 소위를 만들었습니다. 날개가 펄럭이는 항공기, 오니솝터, 그리고 실현되지 않은 프로젝트.
Leonardo는 나선형 프로펠러(현대 프로펠러의 변형) 모델인 피라미드형 낙하산을 만들었습니다. 자연을 관찰하면서 그는 식물학 분야의 전문가가 되었습니다. 그는 phyllotaxy(줄기의 잎 배열을 지배하는 법칙), heliotropism 및 geotropism(태양과 중력의 영향에 관한 법칙)의 법칙을 처음으로 설명했습니다. 식물), 연륜으로 나무의 나이를 결정하는 방법을 발견했습니다.
그는 해부학 분야의 전문가였습니다. 그는 심장의 우심실 판막, 해부학 시연 등을 처음으로 설명했습니다. 그는 여전히 학생들이 구조를 이해하는 데 도움이 되는 그림 시스템을 만들었습니다. 인간의 몸: 사물을 사방에서 살펴보기 위해 4면으로 보여주고, 장기와 신체를 단면으로 묘사하는 체계를 만들었다.
지질학 분야에 대한 그의 연구는 흥미 롭습니다. 그는 퇴적암에 대한 설명과 이탈리아 산의 해양 퇴적물에 대한 설명을 제공했습니다.
광학 과학자로서 그는 눈의 각막에 있는 시각적 이미지가 거꾸로 투사된다는 사실을 알고 있었습니다. 그는 아마도 풍경을 스케치하기 위해 카메라 옵스큐라를 처음으로 사용했을 것입니다 (라틴어 카메라에서-방, 옵스큐러스-어둠)-벽 중 하나에 작은 구멍이있는 닫힌 상자; 빛의 광선은 상자 반대편의 반투명 유리에 반사되어 18세기 풍경화가들이 보기를 정확하게 재현하기 위해 사용했던 반전된 컬러 이미지를 생성합니다.
Leonardo의 그림에는 빛의 강도를 측정하는 도구인 광도계 프로젝트가 불과 3세기 후에 실현되었습니다. 그는 운하, 수문, 댐을 설계했습니다. 그의 아이디어 중에는 물 위를 걷기위한 가벼운 신발, 구명 부표, 수영을위한 물갈퀴 장갑, 현대 우주복과 유사한 수중 이동 장치, 로프 생산 기계, 그라인더 등이 있습니다.
Leonardo는 "On Divine Proportion"교과서를 쓴 수학자 Luca Pacioli와 대화하면서이 과학에 관심을 갖게되었고이 교과서의 삽화를 만들었습니다.
Leonardo는 건축가로도 활동했지만 그의 프로젝트 중 어느 것도 실현되지 않았습니다. 그는 밀라노 대성당의 중앙 돔 설계 경쟁에 참여했으며 이집트 스타일의 왕실 구성원을 위한 영묘를 설계했습니다. 배가 지나갈 수 있습니다.
다수의 레오나르도의 그림이 남아 있으며, 다혈질, 유색 크레용, 파스텔(파스텔 발명의 공로를 인정받은 사람은 레오나르도입니다), 은색 연필, 분필로 만들었습니다.
밀라노에서 Leonardo는 "회화에 관한 논문"을 쓰기 시작했는데, 이 작업은 평생 동안 계속되었지만 결코 완성되지 않았습니다. 이 여러 권의 가이드에서 Leonardo는 캔버스에 재현하는 방법에 대해 썼습니다. 세계, 선형 및 공중 관점, 비율, 해부학, 기하학, 역학, 광학, 색상의 상호 작용, 반사.
레오나르도 다빈치의 삶과 작품은 예술뿐만 아니라 과학과 기술에도 엄청난 족적을 남겼습니다. 화가, 조각가, 건축가-그는 자연 주의자, 기계공, 엔지니어, 수학자였으며 미래 세대를 위해 많은 발견을했습니다.
레오나르도 다빈치는 르네상스의 가장 위대한 인물입니다.
문학적 창의성으로 그들은 과학에서 발견하지 못했을 것입니다. 아마도 그것은 감정의 고양일 것입니다. 예술 활동과학의 창조적 돌파구를 준비하고 추진했습니다.
과학과 예술의 황금분할 비율의 법칙을 발견하기 위해 고대 그리스 과학자들은 마음속으로 예술가가 되어야 했습니다. 그리고 실제로 그렇습니다. 피타고라스는 음악적 비율과 비율에 관심이 있었습니다. 더욱이 음악은 전체 피타고라스의 수 교리의 기초였습니다. A. 아인슈타인은 20세기에 알려져 있습니다. 많은 설립을 뒤집다 과학적 아이디어, 음악이 그의 작업을 도왔습니다. 바이올린 연주는 그에게 일만큼의 즐거움을 주었다.
과학자들의 많은 발견은 예술에 귀중한 서비스를 제공했습니다.
19세기 프랑스 물리학자 Pierre Curie는 결정의 대칭에 대해 연구했습니다. 그는 과학과 예술에서 흥미롭고 중요한 것을 발견했습니다. 대칭의 부분적 부재는 물체의 발달을 일으키는 반면 완전한 대칭은 모양과 상태를 안정시킵니다. 이 현상을 비대칭(대칭이 아님)이라고 합니다. 퀴리의 법칙에 따르면 비대칭은 현상을 만듭니다.
20세기 중반. 과학에서는 "반 대칭"이라는 개념, 즉 (반대) 대칭에 대한 개념도 등장했습니다. 과학과 예술 모두에 대해 일반적으로 받아 들여지는 "비대칭"의 개념이 "완전히 정확한 대칭이 아님"을 의미한다면 반 대칭은 특정 속성이자 부정, 즉 반대입니다. 삶과 예술에서 이들은 선-악, 삶-죽음, 왼쪽-오른쪽, 위-아래 등 영원한 반대입니다.
"그들은 과학이 시에서 발전했다는 사실을 잊었습니다. 그들은 시간이 지나면서 둘 다 상호 이익을 위해 더 높은 수준에서 완벽하게 다시 만날 수 있다는 점을 고려하지 않았습니다." I.-V. 괴테
오늘날 이 예언이 이루어지고 있습니다. 과학의 합성 예술적 지식새로운 과학(시너지틱스, 프랙탈 기하학 등)의 출현으로 이어지고 새로운 예술적 언어미술.
네덜란드의 예술가이자 기하학자인 Maurits Escher(1898-1972)는 반대칭을 기반으로 장식 작품을 만들었습니다. 그는 음악의 바흐와 마찬가지로 그래픽에 매우 강한 수학자였습니다. 조각 "낮과 밤"의 도시 이미지는 거울 대칭이지만 왼쪽은 낮이고 오른쪽은 밤입니다. 밤으로 날아가는 흰 새의 이미지는 낮으로 돌진하는 검은 새의 실루엣을 형성합니다. 특히 불규칙한 비대칭 형태의 배경에서 점차 인물이 나타나는 모습을 관찰하는 것이 흥미롭다.
참조 문헌에서 "시너지틱", "프랙탈", "프랙탈 기하학"의 개념을 찾으십시오. 이러한 새로운 과학이 예술과 어떤 관련이 있는지 생각해 보십시오.
20 세기 작곡가의 작업 덕분에 널리 퍼진 당신에게 친숙한 컬러 음악 현상을 기억하십시오. A. N. Scriabin.
A. Einstein의 "진정한 가치는 본질적으로 직관뿐입니다. "라는 말의 의미를 어떻게 이해합니까?
이름 문학 작품대칭 이름(예: "왕자와 거지"). 반 대칭 사건을 기반으로 한 음모가있는 민화를 기억하십시오.
예술적이고 창의적인 작업
시각화 기능을 켜서 컴퓨터에서 클래식, 전자 및 대중 음악 샘플을 들어보세요. 기괴한 원의 춤, 우주 비행, 달래기, 플래시 등 음악에 맞는 이미지를 선택하십시오.
1912년 러시아 예술가 미하일 페도로비치 라리오노프(Mikhail Fedorovich Larionov, 1881-1964)는 과학에서 발견된 방사능과 자외선의 영향으로 러시아 최초의 추상 운동 중 하나인 레이온주의를 창시했습니다. 그는 물체 자체를 묘사하는 것이 아니라 광선의 형태로 제시되는 물체에서 나오는 에너지 흐름을 묘사하는 것이 필요하다고 믿었습니다.
시각적 인식 문제에 대한 연구는 20세기 초 프랑스 화가 Robert Delaunay(1885-1941)를 자극했습니다. 다색 폭풍을 만들어 그림의 공간을 동적으로 차지하는 특징적인 원형 표면과 평면의 형성에 대한 아이디어. 추상적인 색채 리듬이 관객의 감성을 자극했다. Delaunay의 작품에서 스펙트럼의 주요 색상의 상호 침투와 곡면의 교차점은 역학을 만들고 진정으로 음악적 발전율.
그의 첫 번째 작품 중 하나는 과녁 모양의 컬러 디스크였지만 주변 요소의 색상 전환에는 추가 색상이 있어 디스크에 놀라운 에너지를 제공합니다.
러시아 예술가 Pavel Nikolayevich Filonov(1882-1941)가 20년대에 완성했습니다. 20 세기 그래픽 구성 - "우주의 공식"중 하나. 그것에서 그는 현대 물리학 자들이 찾으려고 노력하는 아 원자 입자의 움직임을 예측했습니다.
우주의 공식.
M. Escher "Day and Night", "Sun and Moon"의 가장 유명한 판화를보십시오. 그들은 어떤 감정 상태를 전달합니까? 이유를 설명해라. 판화의 줄거리를 해석하십시오.
스니펫 듣기 교향시 A. Scriabin "Prometheus". 이 조각에 대한 색상 점수를 그립니다.
예술적이고 창의적인 작업
> 문장, 상표 또는 상징을 스케치합니다(연필, 펜, 잉크;콜라주 또는아플리케 ;
컴퓨터 그래픽 ) 사용 다른 유형대칭.
> 빛을 발하는 예술가들처럼 에너지 흐름의 형태로 물체나 현상을 상상해 보십시오. 모든 기법으로 구성을 수행합니다. 이 작품과 관련된 음악을 선택하세요.
> 이미지를 얻는 원리로 반대칭을 사용하여 장식 작업을 수행합니다(M. Escher의 판화와 유사).
