낮은 목관 악기. 뮤지컬 목관 악기

멍청한 관악기- 드럼 및 기타 타악기와 함께 가장 오래된 것. 목가적 인 고대 그림의 많은 플롯에서 우리 조상이 연주 한 모든 종류의 파이프와 파이프를 볼 수 있습니다.

재료는 가까이에 있었다. 갈대 갈대, 대나무 및 기타 가지가 미래 파이프의 기초가되었습니다. 누가 언제 구멍을 뚫는지 아무도 모릅니다. 그러나 즉석 재료로 만든 관악기는 사람들의 마음 속에 영원히 자리 잡았습니다.

사람들은 배럴이 커질수록 피치가 변한다는 것을 깨달았고 이러한 이해가 악기를 개선하는 원동력이 되었습니다. 그들은 점차 현대 목관악기로 변모할 때까지 변했습니다.

오늘날까지 음악가들은 이 악기를 "나무" 또는 "나무 조각"이라고 애칭으로 부릅니다. 오늘날 이들은 천연 튜브가 아니라 플루트와 색소폰용 금속, 클라리넷용 에보나이트, 리코더용 플라스틱입니다.

본격적인 나무 도구

그러나 목재는 전 세계 여러 무대에서 매우 인기 있고 연주되는 정통 목관 악기의 소재로 남아 있습니다. 여기에는 예를 들어 다음이 포함됩니다. duduk, zurna, zhaleyka, 가로 피리 세계의 사람들과 다른 도구. 이 악기들의 목소리는 사람들의 영혼 속에 있는 조상들의 부름을 일깨웁니다.

이 모든 도구의 공통점 일반 시스템구멍 - 도구 배럴의 길이를 늘리거나 줄일 수 있도록 생성된 구멍입니다.

목관악기와 금관악기의 관계

그러나 목관악기는 금관악기와 약간의 친화력이 있습니다. 이 관계는 소리를 추출하기 위해 폐에서 방출되는 공기가 필요하다는 사실에 있습니다. 다른 일반적인 특징이 두 그룹의 악기는 그렇지 않습니다. 나무와 금관 악기를 결합할 수 있습니다.

재미있는!바이올리니스트인 한 지휘자는 관악기를 아주 좋아했습니다. 현악기의 소리는 그에게 매우 투명하고 무중력처럼 보였습니다. 그는 "구리" "고기"의 소리를 불렀고 그에게 "나무"의 소리는 메인 코스의 좋은 조미료와 같았습니다. 관악기를 들으면서 그는 음악을 더 잘 느꼈고 느꼈습니다.

음순 및 리드 목관 악기

소리를 추출하는 방식에 따라 목관악기는 순음 , 포함하고있는 플루트그리고 갈대 또는 갈대 , 포함하고있는 클라리넷, 색소폰, 바순 및 오보에 .

첫 번째 경우 뮤지션은 리드와 마우스 피스에 돈을 쓸 필요가 없지만 두 번째 경우에는 반대로 주기적으로 변경하는 것에 대해 걱정해야합니다. 그럼에도 불구하고 이러한 비용은 소리의 아름다움과 악기의 음색으로 정당화됩니다.

어린이에게 적합한 도구는 무엇입니까?

어린 아이들에게는 목관 악기가 꼭 필요합니다. 원칙적으로 금관 악기예외가 있지만 힘이 나타나고 근육 코르셋이 강화되면 훈련을 시작합니다. 목관 악기의 경우 리코더는 아이들에게 훌륭한 선택입니다. 호흡 장치 부분의 노력이 필요하지 않기 때문에 간단하고 연주하기 쉽습니다.

목관 악기는 큰 가능성과 잠재력을 지닌 악기입니다. 인류 역사를 통틀어 그들은 이것을 반복해서 증명했습니다. 그들도 평가합시다!

(일반 악기: 플루트, 오보에, 클라리넷, 바순)

목관 악기 그룹은 음색과 기술적 능력 면에서 매우 이질적입니다. 유연성이 훨씬 적고 이동성이 적으며 뉘앙스 분야에서 가능성이 더 제한적입니다. 현악기,-목 관악기 그룹은 오케스트라에서보다 훨씬 작은 역할을합니다. 구부러진 악기. 19세기 1/4분기부터 이 악기 그룹의 중요성이 증가했고 관현악 문학은 목관악기를 위한 표현적인 솔로와 에피소드로 풍부해졌습니다. 거의 같은 시기에 소위 특정 목관 악기가 오케스트라에 체계적으로 등장했습니다(오케스트라 표, 2장 참조(오타일 가능성이 있음, 특정 악기를 사용한 오케스트라 작곡 표는 3장 - Musstudent에 있음)).

각 목관 악기의 음색은 매우 고르지 않습니다. 각 목관 악기의 전체 범위(음계)에서 3개의 "등록 음색"을 (조건부로) 구분할 수 있습니다. 이러한 상황으로 인해 많은 작곡가들이 다양한 음색 조합으로 두 개, 세 개 또는 그 이상의 악기를 혼합하여 각 악기의 다양한 음색 가능성을 미묘하게 사용할 수 있었습니다. 다양한 경우이러한 목관악기의 특징을 지적하면서 N. A.

Rimsky-Korsakov("오케스트레이션의 기초")는 이러한 악기 각각에 고유한 "표현 연주" 영역이 있으며, 이 영역에서 이 악기는 음영, 변화하는 역학, 미세한 뉘앙스 등을 가장 잘 표현할 수 있다고 말합니다. 이 영역은 주로 거짓말입니다. 악기의 중간 레지스터 범위에서. "표현적인 연주의 영역" 밖에서 그는 오케스트레이터에게 더 제한된 동적 음영과 함께 음색 색상만 제공할 수 있습니다.

관악기에서 소리를 내는 본체(바이브레이터)는 이 악기의 본체를 채우는 공기입니다. 특수 (여기기 (소리 발생기))의 영향으로 악기에 둘러싸인 공기 기둥이주기적인 진동을 시작하여 음악 소리특정 높이. 이러한 종류의 소리 생성은 굴뚝, 팬 등에서 바람이 윙윙거릴 때 관찰할 수 있습니다. 이 악기의 음색은 다음에 따라 달라집니다.

1. 기구에 둘러싸인 공기 부피의 형태는 다른 모양으로 표시됩니다.

2. 사운드 드라이버의 종류;

3. 부분적으로는 이 도구를 만드는 재료에서 나옵니다.

모든 목관 악기는 악기 본체를 따라 구멍이 뚫린 나무 튜브(석류탄 또는 코코넛 나무)로 구성됩니다. 일부 구멍은 밸브로 막혀 있습니다. 모든 구멍이 닫힌 상태에서 악기는 가장 낮은 소리를 생성합니다. 이 순간악기에 둘러싸인 전체 공기 기둥을 진동("소리")합니다. 구멍이 점진적으로 열리면서 악기에 둘러싸인 공기 기둥이 짧아지고 잘 알려진 운지법을 사용하여 한 옥타브(예: 플루트) 또는 십이지(예: 클라리넷).

2, 3 또는 그 이상의 옥타브 내에서 더 높은 소리를 내기 위해 "블로잉" 기법이 사용됩니다.

악기의 기본음의 피치는 튜브의 길이에 의해 결정됩니다. 즉, 튜브가 길수록 악기의 소리가 낮아집니다. 공기 분사는 강하고 약하게 할 수 있습니다. 공기를 세게 불면 악기에 내장된 공기 기둥이 크게 진동하여 둘로 갈라지고, 더 세게 불면 세 개 이상의 부분으로 갈라지기 때문에 주음이 한 옥타브 간격으로 올라갑니다(처음에는 타격), 십이지장 ( 두 번째 타격에서) 등 자연 규모에 따라. 따라서 도구의 전체 볼륨을 얻습니다.

목관 음향 발생기는 두 가지 주요 유형으로 나뉩니다.

1. 음순("음순").

2. 언어("갈대").

음순 소리 발생기(플루트)가 있는 악기에서 소리는 악기 헤드에 뚫린 구멍의 가장자리와 긴장된 입술에 대한 공기 제트의 마찰에서 얻습니다. 따라서 플루트 악기에는 소리 형성을 위한 추가 "삐" 소리가 없습니다. 이 경우 소리 생성은 구멍 뚫린 문 열쇠에 휘파람을 불 때 나는 소리와 똑같습니다.

리드 사운더는 기본적으로 아카시아 꼬투리로 만든 끽끽거리는 어린이 장난감처럼 만들어집니다.

두 개의 탄성 플레이트가 서로 꼭 맞지 않게 끼워져 있는 상태에서 좁은 틈공기 제트가 힘차게 밀려들어와 플레이트의 날카로운 모서리가 진동합니다. 이것이 "지팡이"라고 불리는 사운드 제너레이터(에서 특별한 종류목관 리드를 만드는 리드. 오보에와 바순의 경우 두 개의 판으로 구성된 이중 리드가 사용됩니다. 클라리넷에서는 악기 헤드의 날카롭게 경사진 가장자리에 하나의 리드판이 부착되어 있습니다. 여기서 소리 형성의 원리는 동일하게 유지됩니다.

신호음의 높은 소리는 악기의 공기 기둥을 진동시키고 공기 기둥을 진동시켜 음악 소리를 생성합니다.

관악기는 한 번에 하나의 소리만 낼 수 있습니다. 앞으로 관악기를 접할 때 학생들은 소위 "조옮김 악기"라는 개념을 한 번 이상 만나야 할 것입니다. 다양한 기술적 이유와 일부 역사적 배경과 관련하여 일부 악기는 보표에 녹음된 것과 비교하여 특정 간격으로 더 낮거나 더 높게 읽힙니다. 교과서의 양은 초보 악기 연주자에게는 매우 불편한 일부 악기를 녹음하는 방법을 사용하도록 오늘날까지 강요하는 상황에 대해 자세히 이야기하는 것을 허용하지 않습니다. 그러나 악기를 배우는 학생은 첫 수업부터 피아노로 유창하게 조옮김하는 방법을 배워야 합니다. 그러한 악기의 일부.

플루트(Flauto); 용량

연주자는 악기를 수평 위치로 잡습니다. 플루트는 매우 이동성이 뛰어난 악기로 빠른 스케일 시퀀스, 넓은 점프, 아르페지오, 트릴 및 기타 악절을 작성할 수 있습니다. 플루트의 음색은 가볍고 (특히 중간), 낮은 음역에서는 다소 둔하고 차갑고 약하고 밝고 다소 날카 롭고 높은 음역에서는 "휘파람"입니다. 플루트의 중간 및 높은 음역은 고대부터 모든 오케스트라 작곡가가 지속적으로 사용했습니다. 드문 예외를 제외하고 소문자, 오랫동안응용 프로그램을 찾지 못했습니다. 그러나 (대략) J. Bizet(1833-1875)부터 시작하여 프랑스 작곡가(Delibes, 1836-1891), (Massnet, 1842-1912)에 이어 많은 후기 작곡가러시아와 독일 작곡가 중 프랑스와 뛰어난 오케스트레이터는 저음역에서 흥미로운 플루트 솔로를 많이 씁니다. 플루트에서는 혀를 두 번 치면 특수 효과가 가능합니다 (빠른 소리 중단-스타카토).

작은 플루트(Flauto piccolo). 용량:

실제 음량보다 한 옥타브 아래에 쓰여 있습니다. 오케스트라에서 주로 추가 악기로 사용되어 상위 음역에서 그랜드 플루트의 볼륨을 높이거나 그랜드 플루트의 일부를 옥타브로 두 배로 늘리는 데 사용됩니다(예: 그랜드 "tutti"에서). 작은 플루트는 날카롭고 강한 소리를 냅니다. 러시아와 서양 관현악 문학에는 피콜로 플루트를 위한 수많은 독주곡이 있습니다.

그랜드 플루트보다 4도 내지 5도 낮은 소리를 내는 알토 플루트는 비교적 최근에 오케스트라에 등장하기 시작했고 아직 널리 사용되지는 않는다.

오보에(Oboe), 볼륨: 연주자는 악기를 비스듬히 아래로 향하게 합니다. 오보에는 플루트보다 덜 움직이며 칸틸레나(노래하는) 멜로디가 더 내재되어 있습니다. 그럼에도 불구하고 상당히 모바일 속도의 짧은 악절, 트릴, 아르페지오는 그에게 상당히 접근 가능합니다.

오보에의 저음역은 다소 날카롭고, 중음역은 부드럽고 가벼우며, 고음역은 날카롭다. 오보에의 음색은 목자의 뿔 소리를 연상시키는 약간의 비음이 특징입니다. 작곡가가 자연의 그림, 양치기의 선율 등을 묘사할 때 자주 사용하는 것은 오보에의 이러한 음색 특징입니다.

잉글리시 호른(Corno inglese), 음량:

표기된 소리보다 5분의 1 아래에서 소리가 납니다. 잉글리시 호른은 두 번째 오보에 연주자가 연주하거나 특별 출연자(트리플 구성: 오보에 2개와 잉글리시 호른 1개). 잉글리시 호른의 음색은 오보에보다 훨씬 더 압축되고 비음적입니다. 그 소리는 일부 동양 관악기의 음색을 연상시킵니다.

잉글리시 호른은 동양적 풍미를 묘사하기 위해 종종 이 악기의 특정 음색에 의존하는 Glinka를 시작으로 러시아 작곡가들에 의해 널리 사용되었습니다.

클라리넷(클라리넷), 음량:

도구. 클라리넷은 뛰어난 음색의 아름다움과 뉘앙스의 상당한 유연성을 가지고 있습니다. 클라리넷에서는 아르페지오, 스케일, 트릴 및 매우 모바일 테마의 다양한 악절이 훌륭하게 들립니다. 클라리넷의 중간 음역은 부드럽고 즙이 많습니다. 아래쪽은 다소 귀머거리이고 우울합니다. 갑피 - 날카로운 날카로움. 클라리넷은 비교적 최근에 오케스트라에서 사용되기 시작했습니다. 그의 발명은 1700년경으로 거슬러 올라갑니다. 18세기 후반에 이르러서야 클라리넷이 오케스트라의 영구 단원이 되었습니다. Haydn과 Mozart는 그것을 매우 조심스럽게 사용했으며 (이 작곡가의 일부 작품은 클라리넷없이 악기로 사용됨) Weber 시대 이후로 클라리넷은 관악기 가족의 거의 주요 위치 중 하나를 차지하기 시작했습니다.

밸브의 특수한 배열로 인해 클라리넷에서 많은 문자가 있는 곡을 연주하는 것이 불편합니다. 이러한 불편함을 피하기 위해 현대 오케스트라는 클라리넷의 두 음계를 사용합니다. 예리한 건반의 경우 클라리넷은 A 음계이고, 평평한 건반의 경우 B 음계입니다. 따라서 클라리넷은 조옮김 악기입니다.

멜로디

A 현의 클라리넷에서는 다음과 같은 소리가 납니다.

B 스케일의 클라리넷에서는 다음과 같이 들립니다.

클라리넷 파트에서 곡을 변조할 때 순서를 변경(클라리넷 변경)하기 위해 몇 번의 일시 중지가 제공됩니다. (“muta A in B” 부분에 쓰여 있습니다. 즉, 클라리넷 A를 클라리넷 B로 교체합니다.)

베이스 클라리넷(Clarinetto basso), 조바꿈 악기. 클라리넷보다 다소 덜 움직입니다. 튜닝 A와 B에 사용됩니다(후자가 더 자주).

연주를 더 쉽게 하기 위해 그 부분은 고음 음자리표로 작성됩니다.

문자별 볼륨:

처럼 들리다:

베이스 클라리넷의 음색은 우울하고 우울합니다. 소리가 강하다.

Berlioz로 시작하는 작은 클라리넷(Clarinetti piccoli)은 때때로 심포니 오케스트라에 도입됩니다. 작은 클라리넷의 음색은 날카롭고 날카롭다. D 및 Es 튜닝에 사용됩니다.

바순(Fagotto), 음량:

구부러진 금속 튜브를 가지고 노는 것. 바순 부분은 베이스와 테너 음자리표로 작성됩니다.

낮은 음역과 중간 음역이 가장 아름답고 일반적입니다. 높은 소리는 다소 둔합니다. 바순은 상당히 빠른 악절, 특히 아르페지오를 연주할 수 있습니다. 거의 모든 간격, 트릴, 스타카토 기법 등의 점프는 매우 일반적입니다.

카운터 바순(Contrafagotto), 음량:

기보된 소리보다 한 옥타브 낮은 소리가 납니다. 강력한 사운드를 제공하는 매우 부피가 큰 악기, 작은 이동성. 경우에 따라 이중으로 사용 대규모 오케스트라옥타브의 바순 부분(큰 투티), 베이스 그룹 강화 등

여기에서 고려되는 목관 악기 그룹의 주요하고 가장 일반적으로 사용되는 시각 악기 외에도 (고대 작곡가와 최신 및 동시대 작곡가-서양 및 러시아 작곡가의 악보에서) 많은 악기가 발견되어 사용되고 있습니다. 현대 음악 연습에 쓰이거나 오케스트라 악보에서 제법 강한 곳을 찾은 사람. 이러한 악기에는 오래된 바셋 호른, 오보에 d "큐피드 또는 예를 들어 색소폰, 헤켈 폰 등이 포함됩니다. 짧은 코스심포니 오케스트라의 희귀 멤버에 대한 고려는 포함되지 않습니다.

현악기 그룹과 마찬가지로 주요 구성의 목관 악기 그룹은 완전한 하모닉 컴플렉스를 제공합니다. 플루트는 소프라노 음성, 오보에-알토, 클라리넷-테너, 바순-베이스 역할을합니다.

악기가 공칭 높이에 따라 배열된 경우 목관 악기의 "사중주" 소리는 다음과 같습니다.

그러나 다음에서 볼 수 있듯이 관악기 그룹의 모든 악기는 소프라노 음성 및 나머지 반주 역할을 할 수 있습니다.

종 악기(피콜로 플루트, 코르 앙글레, 베이스 및 피콜로 클라리넷, 카운터 바순)는 주로 특수 효과, 목재 그룹 향상 및 일반 악기의 볼륨(기본 음계) 증가에 사용됩니다.

비엔나 고전 시대에 목관악기 그룹은 이중 구성으로만 확립되었습니다. 그러나 종종 이 작곡가들은 악보에서 두 번째 플루트 부분을 해제한 다음 클라리넷을 전혀 사용하지 않는 등 불완전한 쌍 구성을 사용했습니다.

목관 악기 그룹의 주요 악기 각 쌍의 부분은 일반적으로 한 줄(오선 하나)로 작성되며 다음 규칙을 사용하여 가끔 두 줄로 작성됩니다. 두 악기가 함께 연주될 때 상단에 "a2"라고 적는데, 이는 함께를 의미합니다. 두 악기가 다른 부분을 연주하는 경우 음표는 다른 방향의 줄기로 기록됩니다. "1 솔로", "2 솔로" 표시는 두 악기 중 하나에 의한 이곳의 솔로 연주를 나타냅니다.

바순(Italian fagotto, lit. "매듭, 묶음, 장작 묶음", German Fagott, French basson, English bassoon)은 베이스, 테너 및 부분 알토 레지스터의 목관 악기입니다. 밸브 시스템과 이중(오보에와 같은) 리드가 있는 구부러진 긴 튜브 형태이며 리드를 본체에 연결하는 문자 S 모양의 금속 튜브("es") 위에 놓입니다. 악기의. 분해하면 장작 다발과 비슷하다는 사실 때문에 이름이 붙여졌습니다.

바순은 16세기 이탈리아에서 제작되었으며 오케스트라에서 사용됩니다. 17세 말-18 세기 초, 18 세기 말까지 영구적 인 자리를 차지했습니다. 바순의 음색은 전체 범위에 걸쳐 매우 표현력이 풍부하고 배음이 풍부합니다. 가장 흔한 것은 악기의 낮은 음역과 중간 음역이며, 높은 음은 다소 비음적이고 수축된 소리를 냅니다. 바순은 교향곡에서 사용되며 브라스 밴드에서는 덜 자주 사용되며 솔로 및 앙상블 악기로도 사용됩니다.

바순은 부드러운 원뿔 모양의 긴 튜브입니다. 소형화를 위해 기기 내부의 공기 기둥을 그대로 두 배로 늘렸습니다. 바순 제조의 주요 재료는 단풍나무입니다.

바순의 몸체는 아래 무릎(U자 모양의 "장화"), 작은 무릎("날개"), 큰 무릎 및 종의 네 부분으로 구성됩니다. 얇고 긴 금속 튜브는 작은 무릎에서 뻗어 있으며 문자 S (따라서 이름-es) 형태로 구부러져 있으며 바순의 사운드 형성 요소 인 리드가 장착되어 있습니다.

악기 본체에는 연주자가 피치를 변경하는 개폐에 의해 수많은 구멍(약 25~30개)이 있습니다. 5-6개의 구멍만 손가락으로 제어하고 나머지는 복잡한 밸브 메커니즘을 사용합니다.

와 함께
축음기(Sax - 발명가의 성 및 그리스어 φωνή - "사운드", 프랑스 색소폰, 이탈리아 사소포노, 독일 색소폰) - 소리 추출 원리에 따라 나무 가족에 속하는 관악기, 사실에도 불구하고 결코 나무로 만들어지지 않았습니다. 색소폰 계열은 1842년 벨기에의 음악 거장인 Adolf Sax가 디자인했으며 4년 후 그에 의해 특허를 받았습니다. 와 함께 19세기 중반 19세기에 색소폰은 브라스 밴드에서 사용되었으며 교향곡에서는 덜 자주 사용되었으며 오케스트라(앙상블)와 함께하는 독주 악기로도 사용되었습니다. 팝 음악뿐만 아니라 재즈 및 관련 장르의 주요 악기 중 하나입니다. 이 악기는 완전하고 강력한 사운드, 선율적인 음색 및 뛰어난 기술적 이동성을 가지고 있습니다.

색소폰의 운지법은 오보에의 운지법에 가깝지만 입술이 그다지 위로 올라가지 않고 소리추출의 원리는 클라리넷의 소리추출과 비슷하지만 앙부셔를 하기가 조금 더 쉽다. 동시에 색소폰의 음역은 클라리넷보다 더 균일합니다.

색소폰의 가능성은 매우 넓습니다. 기술적 이동성 측면에서, 특히 레가토에서는 클라리넷과 경쟁하고 큰 진폭의 사운드 진동이 가능하며 명확하게 강조된 스타카토, 한 사운드에서 다른 사운드로의 글리샌드 전환이 가능합니다. 또한 색소폰은 다른 목관 악기(대략 프렌치 호른과 비슷함)보다 훨씬 더 큰 음력을 가지고 있습니다. 목관악기 및 금관악기 그룹과 유기적으로 혼합하는 그의 능력은 그가 성공적으로 이러한 그룹을 음색으로 통합하는 데 도움이 됩니다.

재즈와 현대 음악을 연주할 때 색소폰 연주자는 frullato(혀를 사용하여 한 음에 트레몰로), 공명 사운드, 고조파 사운드가 있는 초고음역 연주, 폴리포닉 사운드 등 다양한 연주 기술을 사용합니다.

에프 라졸레(French flageolet, old French flageol-flute에서 줄임)-높은 음역의 오래된 플루트, 파이프.

최초의 알려진 깃대는 1581년 V. Juvigny의 거장에 의해 프랑스에서 만들어졌습니다.

6 개의 손가락 구멍과 휘파람 장치가있는 원통형 또는 역 원추형 채널이있는 회양목 또는 상아로 만든 튜브입니다.

18세기 초부터 2개의 접합부로 구성되어 상부(휘파람 장치 포함)가 증가(총 길이 300mm)되어 수분을 빨아들이는 탐폰이 있는 특수 챔버로 바뀌었습니다.

프랑스 깃대(앞면에 4개의 구멍, 뒷면에 2개의 구멍이 있음)와 영국식(전면에 6개의 구멍이 모두 있음)이 있습니다. 또한 단일 휘파람 장치와 두 개의 튜브가있는 이중 깃대가있어 동시에 두 가지 소리를 추출 할 수 있습니다.

선율이 높기 때문에 깃대는 새가 다양한 선율을 휘파람을 불도록 훈련시키는 데 사용되었습니다.

깃대는 17세기에 가장 널리 퍼졌고 나중에 피콜로 플루트로 대체되었습니다.

flageolet은 J. S. Bach, G. F. Handel, K. V. Gluck 및 W. A. ​​Mozart의 작품에 사용되었습니다.

그리고
탈리안 백파이프그녀는 멜로디를 연주하기 위해 각 손에 하나씩 두 개의 튜브를 가지고 있다는 점에서 특이합니다. 4개의 튜브에는 모두 2개의 리드가 있습니다. 튜브에 불어넣은 공기는 두 개의 리드를 통과하며 오르간을 연상시키는 소리를 냅니다. giaramella(작은 파이프)와 함께 연주되는 이탈리아 백파이프는 작은 마을, 특히 크리스마스에 연주됩니다.

이탈리아 백파이프는 항상 원뿔형 파이프인 지아라멜라로 연주됩니다. 그들은 종종 크리스마스 동안 함께 듣습니다. 이탈리아 백파이프는 백파이프의 피페로 속에 속합니다.

G
하모니카를 죽이다(구어체 "(입) 하모니카", 하프(영어 하프))는 일반적인 리드 악기입니다. 하모니카 내부에는 음악가가 만든 기류에서 진동하는 동판(갈대)이 있습니다. 다른 리드 악기와 달리 하모니카에는 건반이 없습니다. 키보드 대신 혀와 입술을 사용하여 원하는 음에 해당하는 구멍(일반적으로 선형으로 배열됨)을 선택합니다.

하모니카는 그런 경우에 가장 자주 사용됩니다. 음악 방향블루스, 포크, 블루그래스, 블루스 록, 컨트리, 재즈, 팝 등.

하모니카를 연주하는 음악가를 하퍼라고 합니다.

반음계 하모닉스를 사용하면 한 옥타브(반음 포함)에서 12개의 음을 모두 연주할 수 있습니다. 그것들을 연주하는 법을 배우는 것은 온음계보다 어렵지만 굽힘과 같은 특별한 연주 기술을 습득하지 않고도 어떤 멜로디도 연주할 수 있습니다. 이 유형의 고조파는 실제로 하나의 패키지에 2개의 고조파로 구성됩니다. 그들 사이를 전환하고 하프 톤을 추출하는 것은 악기 측면 중 하나에 위치한 슬라이더 인 특수 전환 버튼을 사용하여 이루어집니다.

온음계 하모니카는 음 사이의 반음 간격(C#, D# 등) 없이 온음계(예: C, D, E, F)를 사용합니다. 특별한 기술을 사용하지 않고 온음계 하모니카를 연주하는 것은 피아노를 검은 건반 없이 흰 건반으로만 연주하는 것과 같습니다. 온음계 하모니카의 범위는 1-4옥타브입니다.

블루스 하모니카는 오늘날 가장 인기가 있습니다. 일반적으로 10개의 홀이 있으며 각 홀은 흡입(잉글리시 드로우)과 호기(잉글리시 블로우) 모두에서 플레이할 수 있습니다. 특정 연주 기술을 사용하면 벤드 및 오버플로와 같은 특수 기술을 사용하여 반음계로 연주할 수 있습니다. 다른 키와 설정으로 판매되지만 가장 일반적인 것은 C-dur입니다.

트레몰로 하모니카에서는 동시에 소리가 나는 두 개의 사운드바가 서로에 대해 약간 어긋나서 트레몰로 효과를 생성합니다. 따라서 각 음에 2개의 리드가 있으며 소리가 더 포화됩니다. 낮은 옥타브에 음표가 있으면 러시아 멜로디를 완벽하게 연주할 수 있습니다.

옥타브 하모니카는 온음계의 또 다른 변형입니다. 그 안에서 동시에 들리는 두 개의 사운드 플레이트는 서로에 대해 정확히 한 옥타브에서 조정됩니다. 이것은 더 많은 음량과 다른 음색을 제공합니다.

베이스 하모니카는 실제로 두 개의 개별 악기로, 하나는 다른 하나 위에 있고 양쪽에 경첩이 달려 있습니다. 각 홀은 숨을 내쉴 때만 연주되며 각 음에는 한 옥타브에 맞춰진 두 개의 사운드 플레이트가 있습니다.

베이스 하모니카와 마찬가지로 코드 하모니카도 두 개의 고정식 플레이트로 구성되어 있으며 이중 리드는 옥타브에 맞춰져 있습니다. 그러나 베이스 하모닉스와 달리 날숨과 들숨 모두에 대한 음표가 있어 다른 코드를 사용할 수 있습니다.

G
벽지(프랑스어 hautbois, 문자 그대로 "키 큰 나무", 영어, 독일어 및 이탈리아어 오보에)는 밸브 시스템과 이중 리드(혀)가 있는 원추형 튜브인 소프라노 목관 악기입니다. 오보에는 18세기 전반기에 현대적인 모습을 갖추게 되었습니다. 이 악기는 선율적이지만 다소 비음이며 고음역에서는 날카로운 음색을 가지고 있습니다.

현대 오보에의 직접적인 전신으로 간주되는 악기는 고대부터 알려져 왔으며 다른 문화에서 원래 형태로 보존되었습니다. Bombarda, 백파이프, zhaleika, duduk, gaita, khitiriks, zurna와 같은 민속 악기는 뉴에이지 악기(musette, oboeproper, oboe d'amour, English horn, baritone oboe, baroque oboe)와 함께 이 악기의 광범위한 제품군.

오보에는 솔로 악기로 사용되며, 실내 음악그리고 심포니 오케스트라.

오보에 레퍼토리의 기초는 바로크 시대(바흐와 그의 동시대 작품)와 고전주의(모차르트)의 작품으로 구성되어 있다. 낭만주의 작곡가(슈만)와 현대 작곡가의 작품은 덜 연주된다.

첫 번째 오보에는 갈대나 대나무로 만들어졌습니다. 튜브 내부의 자연적인 구멍을 사용하여 케이스를 만들었습니다. 일부 민속 악기가 여전히 이런 방식으로 만들어지고 있음에도 불구하고 내구성이 뛰어나고 상황 변화에 강한 재료를 찾아야 할 필요성이 빠르게 분명해졌습니다. 적절한 옵션을 찾기 위해 뮤지컬 마스터는 회양목, 너도밤 나무, 야생 체리, 자단, 배와 같은 올바른 섬유 배열로 일반적으로 단단한 다양한 유형의 목재를 시도했습니다. 일부 바로크 양식의 오보에는 상아로 만들어졌습니다.

19세기에 새로운 판막이 추가되면서 훨씬 더 강한 재료가 필요했습니다. Ebony는 적절한 옵션으로 밝혀졌습니다. 코코볼로(cocobolo)와 퍼플우드(purplewood)와 같은 이국적인 목재가 때때로 사용되기는 하지만 흑단 목재는 오늘날까지 오보에의 주요 재료로 남아 있습니다. 금속과 플렉시 유리로 오보에를 만드는 실험이 수행되었습니다. 최신 기술 혁신 중 하나는 Buffet Crampon에 적용됩니다. 95% 흑단 분말과 5% 탄소 섬유로 구성된 재료로 만들어진 Green Line 기술 도구입니다. 에보니 악기와 동일한 음향 특성을 가진 Green Line 클라리넷은 온도와 습도 변화에 훨씬 덜 민감하여 악기 손상 위험을 줄이고 더 가볍고 저렴합니다.

ㅏ
잉글리시 호른(Italian corno inglese, French cor anglais, German Englisch Horn) 또는 알토 오보에는 오보에의 일종인 목관 악기입니다.

잉글리시 호른은 오보에와 구조가 비슷하지만 크기가 더 크고 배 모양의 벨과 리드가 본체에 연결되는 특수 곡선 금속 튜브를 가지고 있습니다.

잉글리시 호른의 운지법은 오보에와 정확히 같지만 몸길이가 길어 완전 5도 낮은 소리를 낸다.

잉글리시 호른을 연주할 때의 연주 기법과 스트로크는 오보에와 같지만 잉글리시 호른은 기술이 다소 떨어집니다. 그의 공연에서 가장 대표적인 것은 칸틸레나, 즉 레가토로 빼낸 에피소드이다. 잉글리시 호른의 음색은 오보에보다 두껍고 풍부하며 부드럽습니다.

잉글리시 호른의 실제 소리의 범위는 e(작은 옥타브의 mi)에서 b2(두 번째 옥타브의 b-플랫)까지입니다. 범위의 최상위 사운드는 거의 사용되지 않습니다. 오보에와 같은 운지법을 가진 잉글리시 호른은 그보다 5분의 1 아래로 소리가 난다.

후기 XVIII의 이탈리아 작곡가 - 첫 번째 XIX의 절반세기는 실제 소리보다 한 옥타브 낮은 저음 음자리표에서 잉글리시 호른 부분을 표기했습니다. 프랑스 전통에서는 드문 메조 소프라노 키로 그를 위해 메모를 작성하는 것이 일반적이었습니다. 가장 일반적인 것은 비올라 음자리표의 표기법이었습니다 (나중에 20 세기 일부 작곡가, 특히 S. S. Prokofiev가 사용했습니다). 현대 악보에서 잉글리시 호른 부분은 실제 소리보다 완전 5도 위에 고음 음자리표로 작성됩니다.

오케스트라에서는 일반적으로 하나의 잉글리시 호른(드물게 두 개)이 사용되며 그 부분은 오보에 중 하나(보통 번호의 마지막 호른)를 임시로 대체할 수 있습니다.

에게
에나(Quechua qina, 스페인어 quena)는 라틴 아메리카 안데스 지역의 음악에 사용되는 세로 플루트입니다. 보통 지팡이로 만듭니다. 6개의 위쪽과 1개의 아래쪽 손가락 구멍이 있습니다. 일반적으로 G 조율로 제작됩니다. kenacho 플루트(quechua qinachu, 스페인어 quenacho)는 D 조율에서 더 낮은 소리를 내는 kena의 변형입니다. 일본의 shakuhachi 플루트와 디자인 및 음향 생성이 유사합니다. 휘파람이 있고 상단 끝에 쐐기 모양 섹션의 타원형 노치 만 있습니다. 소리를 추출하기 위해 음악가는 플루트의 상단을 입술에 대고 공기 흐름을 쐐기로 보냅니다. 이 디자인 덕분에 리코더에 비해 공기 흐름 제어 가능성의 범위가 증가하여 악기에 생생하고 표현력이 풍부한 사운드를 제공합니다.

에프
레이타-피콜로(종종 단순히 피콜로 또는 피콜로라고 합니다. ital. flauto piccolo 또는 ottavino, fr. 몸집이 작은 플루트, 독일어. kleine Flöte) - 목관 악기, 다양한 가로 플루트, 가장 높은 소리를 내는 관악기. 그것은 포르테에서 훌륭합니다-꿰뚫고 휘파람을 불고있는 음색. 작은 플루트는 보통 길이의 절반이고 한 옥타브 더 높은 소리를 내며 많은 낮은 소리를 추출하는 것은 불가능합니다. 피콜로 범위는 d²에서 c5(두 번째 옥타브 - 최대 다섯 번째 옥타브까지)이며 c² 및 cis²를 사용할 수 있는 악기도 있습니다. 읽기 쉽도록 음표는 한 옥타브 아래에 기록됩니다.

피콜로 플루트의 디자인은 일반적으로 대형 플루트와 동일하지만 앙부슈어(헤드) 구멍의 직경이 작고 무릎이 없으며 악기 본체의 구멍이 서로 더 가깝게 위치합니다. . 피콜로의 길이는 약 32cm로 큰 플루트보다 거의 두 배 짧고 드릴링 직경은 1cm입니다. 피콜로 플루트는 목재, 금속으로 만들어지며 다른 복합 재료로는 덜 자주 사용됩니다. 피콜로 플루트를 연주하는 기술은 그랜드 플루트와 동일하지만 악기를 완전히 숙달하려면 연주자 측에서 오랜 기간 동안 의도적으로 숙달해야 합니다(예를 들어 알토 플루트와 달리).

작은 플루트의 주요 범위는 교향곡과 브라스 밴드이며, 독주 악기로서의 사용은 고립된 사례를 나타냅니다(Vivaldi - Concerto C-dur).

피콜로의 선구자는 하모니카로 중세에 군악에 널리 사용되었습니다. 실제로 피콜로 플루트는 18세기에 제작되었으며 18-19세기로 접어들면서 심포니 오케스트라의 일부가 되었으며 그곳에서 가장 높은 음역을 가진 악기 중 하나가 되었습니다. 19세기 군악대와 브라스 밴드에서는 D-플랫 또는 E-플랫 튜닝의 피콜로 플루트가 자주 사용되었지만 오늘날에는 이러한 악기가 극히 드뭅니다.

일반적으로 심포니 오케스트라는 하나의 작은 플루트(드물게 2개)를 사용하며 악보의 일부는 큰 플루트 부분(즉, 오케스트라의 다른 모든 악기 위) 위의 별도 줄에 배치됩니다. 종종 작은 피리의 일부가 큰 피리 중 하나의 일부를 일시적으로 대체합니다. 오케스트라에서 피콜로 플루트의 가장 일반적인 기능은 전체 사운드에서 높은 성부를 지원하는 것이지만 때때로 작곡가들은 이 악기를 솔로 에피소드(라벨 - 피아노 협주곡 1번, 슈체드린 - 피아노 협주곡 4번)에 맡기기도 합니다. - 교향곡 9번과 10번) .

클라리넷(이탈리아 클라리넷, 프랑스 클라리넷, 독일 클라리넷, 영국 클라리넷 또는 클라리넷)은 단일 리드가 있는 목관 악기입니다. 1700년경 뉘른베르크에서 발명되어 18세기 후반부터 음악에 활발히 사용되었다. 솔로 악기, 실내악 앙상블, 심포니 및 브라스 밴드, 민속 음악, 무대와 재즈에서. 클라리넷은 광범위하고 따뜻하며 부드러운 음색을 가지고 있으며 연주자에게 광범위한 표현 가능성을 제공합니다.

단일 리드가 있는 마우스피스와 환형 밸브 시스템과 같은 클라리넷의 세부 사항은 색소폰에 의해 거의 변경 없이 차용됩니다.

바셋 혼(독일어 Bassethorn, 프랑스어 cor de basset, 이탈리아어 corno di bassetto)는 클라리넷의 일종인 목관 악기입니다.

바셋 호른은 일반 클라리넷과 구조가 거의 같지만 길이가 길어서 소리가 낮습니다. 튜브 직경이 일반 클라리넷보다 다소 넓은 경향이 있어 일반 클라리넷 마우스피스가 적합하지 않아 알토 클라리넷 마우스피스를 사용합니다. 간결함을 위해 현대식 바셋 혼의 튜브는 마우스피스와 벨에서 약간 구부러져 있습니다. 18세기와 19세기에 제작된 악기는 더 많았습니다. 복잡한 모양공기 채널이 방향을 여러 번 변경하여 팽창하는 금속 종으로 변하는 여러 개의 굴곡과 특수 챔버가 있습니다.

이 악기에는 클라리넷에 비해 범위를 작은 옥타브(고음 음자리표에 기록된 대로)까지 확장하는 여러 추가 밸브가 장착되어 있습니다. 이 밸브는 오른손 엄지(독일 모델의 경우 일반적) 또는 새끼 손가락(프랑스 악기의 경우)으로 작동합니다.

바셋 호른은 조옮김 악기입니다. 일반적으로 F(F 시스템에서)에서 사용됩니다. 즉, 작성된 음표 아래에서 완전 5도 소리가 납니다. 종종 그러한 악기의 음표는 호른의 음표처럼 기록됩니다. 저음 음자리표는 서면 음자리표 위의 4 분의 1, 바이올린 음자리표는 아래의 5 분의 1입니다. 다른 튜닝(G, D, Es, A, B)의 바셋 호른은 18세기에 산발적으로 사용되었지만 널리 사용되지는 않았습니다. 바셋 호른의 음색은 클라리넷과 비슷하지만 약간 더 매트하고 부드럽습니다.

현대식 바셋 호른 F음의 음역은 큰 옥타브의 F부터 2도 이상의 B플랫까지입니다(3도의 F까지 소리 추출이 가능하지만 인토네이션에서 항상 안정적인 것은 아닙니다)

ㅏ
아코디언(프랑스어 아코디언에서) - 악기, 핸드 하모니카. 1829년 비엔나의 오르간 거장 K. Damian이 개량한 하모니카에 이 이름을 붙였습니다. 러시아 전통에서는 예를 들어 버튼 아코디언과 달리 피아노 유형의 오른손 건반(보통 여러 음색 레지스터)이 있는 악기의 이름을 지정하는 것이 일반적입니다. 그러나 때때로 "버튼 아코디언"이라는 이름도 발견됩니다. 그 종류 중 일부는 버튼 아코디언이라고합니다.

안에 XIX 후반세기 아코디언은 Klingenthal (Saxony)에서 대량으로 만들어졌습니다. 지금까지 러시아에서 가장 일반적인 아코디언은 Weltmeister(Diana, Stella, Amigo와 같은 다양한 브랜드)입니다. 외국 ( "Horch", "Hohner")과 러시아 ( "Birch", "Mercury")의 다른 제조 회사도 있습니다.

피아노를 칠 줄 아는 사람이 아코디언을 쉽게 배운다는 의견이 있다. 그러나 아코디언과 피아노 키보드의 외형적 유사성에도 불구하고 건반의 크기가 다르므로 완전히 다른 사운드 생성 원리, 연주 기술 및 연주 장치의 위치를 ​​고려해야 합니다. 그러나 동시에 아코디언 연주자가 피아노를 마스터하는 것보다 아코디언 연주자가 더 쉽습니다.

타블라- 인도 타악기.

티
tabla의 기원에 대한 정확한 정보는 없습니다. 하지만 기존 전통이 악기(및 기원이 알려지지 않은 다른 많은 악기)의 제작은 Amir Khusro(XIII 세기)에 기인합니다. "tabla"라는 이름은 외국어이지만 악기에는 적용되지 않습니다. 이러한 드럼 쌍을 묘사하는 인도의 고대 부조가 알려져 있으며 거의 ​​2 천년 전의 텍스트 인 Natyashastra에서도 특정 품질의 강 모래는 멤브레인 코팅용 페이스트의 일부입니다.

타블라의 탄생에 관한 전설이 있다. Akbar 시대에는 두 명의 전문 Pakhawaj 선수가있었습니다. 그들은 격렬한 라이벌이었고 서로 끊임없이 경쟁했습니다. 한 번은 격렬한 드럼 경기에서 라이벌 중 한 명인 Sudhar Khan이 패배했고 그의 괴로움을 견딜 수 없어 그의 pakhawaj를 땅에 던졌습니다. 북은 두 조각으로 부서져 타블라와 다가가 되었다.

큰 북은 바얀(bayan), 작은 북은 다이나(daina)라고 합니다.

타블라에는 여러 개의 가라나(학교)가 있으며 가장 유명한 것은 Ajrara gharana, Benares gharana, Delhi gharana, Farukhabad gharana, Lucknow gharana, Punjab gharana입니다.

이 악기를 전 세계적으로 찬미한 가장 유명한 음악가 중 한 명은 인도 음악가 Zakir Hussain입니다.

중 아라카스또는 마라카스(스페인어 마라카스) - 앤틸리스 제도 원주민의 가장 오래된 충격음 악기 - 흔들 때 특징적인 바스락거리는 소리를 내는 일종의 딸랑이인 타이노 인디언. 현재 마라카스는 라틴 아메리카 전역에서 인기가 있으며 라틴 아메리카 음악의 상징 중 하나입니다. 일반적으로 마라카 연주자는 한 손에 하나씩 한 쌍의 딸랑이를 사용합니다.

러시아어에서 악기의 이름은 종종 정확하지 않은 형식인 "marakas"( 남성 명사, 단수) 또는 "maracas"(남성, 복수). 이것은 복수형(스페인어 마라카스)에 있는 악기의 스페인어 이름을 러시아어로 기계적으로 이전하고, 또한 러시아어의 특징인 복수형의 끝으로 보완되었기 때문입니다. 이름의 보다 정확한 형태는 "maraka"(여성형, 단수형, 복수형은 "maraki")입니다.

티 암부린-원통 모양의 고대 음악 드럼과 두 부분으로 구성된 춤과 음악.

탬버린은 18세기경 프랑스 남부에서 알려졌습니다. 일반적으로 같은 연주자가 플루트(하모니카와 유사)를 연주하고 탬버린을 동반했습니다.

Charles-Marie Widor는 탬버린이 "강하게 길쭉한 모양과 거친 소리가 없다는 점에서 일반 드럼과 다릅니다"라고 말했습니다. 조셉 배거스(Joseph Baggers)는 탬버린이 일반 드럼보다 길고 좁을 뿐만 아니라 피부 위로 늘어진 줄이 있어서 "약간 코가 들리지 않는" 특징이 있다고 덧붙였습니다. 반대로 XVIII 세기 M.-A의 프랑스 군 지휘자. 조심해. 그는 단순히 이러한 조항을 결합하고 탬버린이 "몸체가 매우 길고 종종 현이 없습니다-음색이 없습니다"라고 말합니다.

비
오낭- 인도네시아 타악기. 그것은 코드를 사용하여 나무 스탠드에 수평 위치에 고정된 청동 징 세트입니다. 각 징은 중앙에 돌출부(펜차)가 있습니다. 끝이 무명천이나 밧줄로 감긴 나무 막대기로 이 돌출부를 때리면 소리가 난다. 때로는 구운 점토로 만든 구형 공진기가 징 아래에 매달려 있습니다. 보낭의 소리는 부드럽고 선율적이며 천천히 사라집니다.

가믈란에서 보낭은 보통 화성적 기능을 수행하지만 때로는 메인 테마를 이끌기도 한다.

보낭 중에는 수컷(vangun lanang)과 암컷(vangun wedon)이 구별됩니다. 전자의 징은 측면이 높고 표면이 더 볼록한 반면 후자는 측면이 더 낮고 평평합니다. 보낭페네루스(소), 보낭바룽(중), 보낭페넴붕(대)도 크기에 따라 구분한다.

시간
엘레스타(Italian celesta - "heavenly") - 피아노처럼 보이는 작은 건반 타악기로 종소리처럼 들립니다.

소리는 건반으로 구동되는 해머에 의해 생성됩니다(해머의 메커니즘은 피아노와 유사하지만 더 단순화됨). 망치는 나무 공명기에 장착된 철판을 때렸습니다. 첼레스타의 범위는 c1(첫 옥타브까지)에서 c5(제5 옥타브까지)입니다.

Ernest Chausson은 셰익스피어의 희곡 The Tempest(1888)의 음악에서 오케스트라의 첼레스타를 처음으로 사용했습니다.

파리를 방문하는 동안 Pyotr Ilyich Tchaikovsky는 첼레스타를 듣고 그 소리에 너무 매료되어 이 악기의 일부를 작곡에 포함시켰습니다. 발라드 The Voyevoda(1891)와 발레 The Nutcracker(Dance of the Dragee Fairy; 1892).

첼레스타는 Planets 모음곡의 Gustav Holst, 교향곡 13번의 Dmitri Shostakovich, 그리고 다른 학술 작곡가들이 특별한 풍미를 내기 위한 관현악 악기로만 거의 독점적으로 사용합니다. 첼레스타는 또한 사용하지 않는 악기인 글래스 하모니카의 일부를 연주하지만 19세기 일부 작곡가의 작품에서 제공됩니다. 일반적으로 오케스트라의 전임 피아니스트가 첼레스타를 연주합니다(첼레스타가 없을 경우 그녀의 파트는 피아노로 연주할 수 있음).

또한 XX 세기의 작곡가 중 Bartok (현악기, 타악기 및 첼레 스타를위한 음악, 1936), Britten (오페라 "한여름 밤의 꿈", 1960), Glass (오페라 "Akhenaton", 1984)에서 첼레 스타를 사용했습니다. , Feldman ( "Philip Guston, 1984).

첼레스타에 대한 음표는 실제 소리보다 한 옥타브 낮은 두 개의 오선에 기록됩니다. 심포니 오케스트라의 악보에서 그녀의 파트는 하프 파트 아래, 현악기 파트 위에 있습니다.

이 악기의 사운드는 Depeche Mode 그룹의 일부 작품에서 사용되었습니다.

G
엔더(gendir)는 인도네시아 타악기입니다. 그것은 10-12 개의 약간 볼록한 금속판으로 구성되며 코드가있는 나무 스탠드의 수평 위치에 고정됩니다. 대나무 공진기 튜브는 플레이트에 매달려 있습니다. 성별표는 5단계 슬렌드로 척도 또는 7단계 펠로 척도에 따라 선택됩니다.

소리는 고무 끝이 달린 짧은 나무 막대 두 개를 치면 발생합니다. 자매 감방에 비해 젠더는 부드러운 음색을 가지고 있습니다. 이 악기는 즉흥적인 방식으로 곡을 연주하려면 매우 빠른 손 움직임이 필요하기 때문에 연주자의 거장 기술이 필요합니다. 종종 성별은 여성이 담당합니다.

가믈란에서 젠더는 감방이 주는 주제를 변주적으로 전개한다.

악기의 크기에 따라 성별 음경(소형), 성별 바룽(중형), 성별 음경봉(대형)이 있습니다.

에게
아스타네츠(스페인어: castañetas) - 상단 부분의 코드로 연결된 두 개의 오목한 쉘 플레이트로 구성된 타악기. 접시는 전통적으로 활엽수로 만들어졌지만 최근에는 유리 섬유가 사용되었습니다. 캐스터네츠는 스페인, 이탈리아 남부 및 라틴 아메리카에서 가장 널리 사용됩니다.

유사 간단 악기, 춤과 노래의 리듬 반주에 적합하며 고대 이집트와 고대 그리스에서 사용되었습니다.

러시아어로 된 캐스터네츠라는 이름은 스페인어에서 차용한 것으로, 스페인어에서는 밤 열매와 비슷하기 때문에 캐스터뉴엘라("밤")라고 불립니다. 안달루시아에서는 더 일반적으로 팔릴로스("막대기")라고 합니다.

세계 문화에서 캐스터네츠는 스페인 음악의 이미지, 특히 스페인 집시 음악, 플라멩코 스타일 등과 가장 밀접한 관련이 있습니다. 고전 음악"스페인 풍미"를 만들기 위해(예: G. Bizet의 오페라 Carmen에서). 심포니 오케스트라에서는 연주자의 편의를 위해 캐스터네츠가 특수 스탠드 (소위 "캐스터네츠 머신")에 장착되어 가장 자주 사용됩니다.

에게
알림바- 아프리카(특히 중부 및 남부, 일부 앤틸리스 제도)에서 가장 오래되고 가장 흔한 악기. 광범위한 인기는 tsantsa, sanza, mbira, mbila, ndimba, lukembu, lala, malimba, ndandi, ijari, mganga, likembe, selimba 등 다양한 부족 사이에서 kalimba를 지정하는 풍부한 이름으로 입증됩니다. " 공식" 우리는 서양에서 "tsantsa", "kalimba"입니다. Kalimba는 전통 의식과 전문 음악가가 사용합니다. 그것은 "아프리카 손 피아노"라고 불렸습니다. 이것은 멜로디 패턴을 연주하도록 설계된 다소 기교적인 악기이지만 코드 연주에도 매우 적합합니다. 주로 동반 악기로 사용됩니다. 큰 칼림바는 아프리카 음악의 생생한 저음 리듬에 독특하고 낮은 럼블을 제공하고, 작은 칼림바는 오르골과 유사한 완전히 유령 같고 연약한 소리를 냅니다.

공진기 본체(다양한 모양일 수 있음)에는 음원 역할을 하는 나무, 대나무 또는 금속 리드 플레이트가 한 줄 또는 여러 줄로 있습니다. 가장 간단한 샘플은 평평한 샘플을 가지고 있는 반면, 더 복잡한 샘플은 거북 껍질, 통나무, 속이 빈 호박 등으로 만든 공동 공진기를 가지고 있으며, 공진기 보드에 혀(4-30)가 부착되어 있습니다. 높은 너트는 리드의 사운드 부분을 제한합니다. 놀 때 (서고, 움직이고, 앉을 때) 칼림 바는 손바닥을 직각으로 구부리고 옆으로 단단히 누르거나 무릎을 꿇고 크고 크게 잡습니다. 집게 손가락양손으로 혀의 자유(상단) 끝을 꼬집었다가 놓아 진동 상태로 만듭니다. Kalimbas는 다양한 크기로 제공됩니다. 몸 길이 100-350mm, 혀 길이 30-100mm, 너비 3-5mm. 칼림바의 규모는 갈대의 수에 따라 다릅니다.

와 함께
스틸 드럼(English steelpan) - 특정 피치의 타악기. calypso 및 soca와 같은 Afro-Caribbean 음악에 사용됩니다. 1930년대에 발명된 일부 소식통은 강철 드럼이 20세기에 발명된 유일한 비전자 악기라고 생각합니다.

이 악기는 트리니다드 토바고에서 음악 연주를 위해 멤브레인 드럼과 대나무 막대기를 금지하는 법을 채택한 후에 등장했습니다. 드럼은 0.8-1.5mm 두께의 강철판에서 강철 배럴 (제 2 차 세계 대전이 끝난 후 해변에 많이 남아 있음)에서 단조되기 시작했습니다. 악기의 조율은 이 강판에 꽃잎 모양의 부분을 형성하고 해머를 사용하여 필요한 소리를 내는 것입니다. 악기는 1년에 한두 번 반납해야 할 수도 있습니다.

일반적으로 여러 유형의 악기가 앙상블에서 연주됩니다. 탁구가 멜로디를 이끌고, 튠 붐이 화성 기반을 형성하고, 베이스 붐이 리듬을 유지합니다. 이 악기는 트리니다드 토바고 공화국의 군대에서도 대표됩니다. 1995년부터 수비 부대와 함께 "스틸 밴드"가 있었는데, 이는 세계에서 유일하게 스틸 드럼을 사용하는 군악대입니다.

비
옹고(스페인어: bongó) - 쿠바 타악기: 아프리카에서 기원한 작은 이중 북으로, 보통 종아리 사이에 봉고를 잡고 앉아 연주합니다. 쿠바에서 봉고는 1900년경 오리엔테 지방에서 처음 등장했습니다. 봉고를 구성하는 드럼은 크기가 다양합니다. 그 중 작은 것은 "남성"(macho-스페인 마초, 문자 그대로 "남성")으로 간주되고 큰 것은 "여성"(embra-스페인 hembra, "female"), 메인 드럼으로 간주됩니다. 전통적으로 낮은 조율의 "여성" 드럼은 봉고세로 음악가(스페인어: bongocero)의 오른손에 있습니다. Bongos는 전통적으로 널리 사용됩니다. 쿠바 음악그리고 일반적으로 라틴 아메리카 음악에서.

1920년대 봉고는 지금보다 낮게 조율되어 경기 중 막의 장력을 바꾸는 등 콩가 연주에 가까운 기법으로 연주되었다. 처음에는 가죽을 북의 몸체에 못으로 고정하고 조율을 위해 봉고세로는 숯불을 가득 채운 작은 화로를 사용하여 게임 중에 다리 사이에 두었습니다.

현대 봉고는 이전보다 더 높게 조율되어 독주 악기로서의 이러한 드럼의 역할에 더 부합합니다. 이제 봉고 연주 기술은 주로 리듬 패턴 "martillo"(스페인어 martillo, "망치")를 기반으로 합니다. 봉고 부분은 특히 앙상블 리듬의 볼륨과 강도가 증가함에 따라 센세로와 같은 다른 타악기로 오버더빙될 수도 있습니다.

티
작은 구멍- 음정이 불명확한 타악기. 판은 고대부터 알려져 왔으며 중국, 인도, 나중에는 그리스와 터키에서 만났습니다.

그들은 주조 및 후속 단조에 의해 특수 합금으로 만들어진 볼록한 모양의 디스크입니다. 심벌즈 중앙에는 악기를 특수 스탠드에 부착하거나 스트랩을 부착할 수 있는 구멍이 있습니다.

게임의 주요 기술 중 : 다양한 막대기와 망치로 매달린 심벌즈 치기, 짝을 이룬 심벌즈 치기, 활을 가지고 노는 것. 연주자가 심벌즈를 가슴에 대면 소리가 멈춥니다.

일반적으로 심벌즈 타격은 베이스 드럼과 동시에 강한 비트에 떨어집니다. 그들의 파티는 나란히 작성됩니다. 포르테의 심벌즈 소리는 날카 롭고 화려하며 거칠고 피아노에서는 덜거덕 거리지 만 훨씬 부드럽습니다. 오케스트라에서 심벌즈는 주로 클라이막스를 동적으로 강조하지만 종종 그 역할은 다채로운 리듬이나 특수한 시각 효과로 축소됩니다.

전문 용어로 음악가들은 때때로 심벌즈 세트를 "철"이라고 부릅니다.

티 래칫 휠 장치- 민속 악기, 박수를 대체하는 idiophone.

래칫은 16-18cm 길이의 얇은 보드(보통 참나무) 18-20개 세트로 구성되며 보드 상단의 구멍을 통해 조밀한 로프로 연결됩니다. 보드를 분리하기 위해 약 2cm 너비의 작은 나무 판을 상단 사이에 삽입합니다.

래칫의 또 다른 디자인이 있습니다. 내부에 나무 기어가 있고 작은 손잡이가 달린 직사각형 상자입니다. 얇은 탄성 나무 또는 금속판이 고정 된 구멍에이 상자의 벽 중 하나에서 절단이 이루어집니다.

래칫은 양손으로 로프를 잡고 날카롭거나 부드러운 움직임으로 다양한 소리를 낼 수 있습니다. 동시에 손은 가슴, 머리 높이에 있으며 때로는 외모로 관심을 끌기 위해 올라갑니다.

피 1992년 노브고로드에서 고고학 발굴을 하는 동안 V.I. Povetkin에 따르면 12세기 고대 노브고로드 딸랑이 세트에 포함된 두 개의 정제가 발견되었습니다.

춤과 함께 찬양 노래를 부를 때 결혼식에서 딸랑이가 사용되었습니다. 칭찬하는 노래의 합창 연주에는 종종 전체 앙상블 연주가 수반되며 때로는 10 명 이상이 넘습니다. 결혼식 동안 딸랑이는 리본, 꽃, 때로는 종으로 장식됩니다.

아르 자형 학습 종일반적으로 스케일의 음표에 맞춰진 세트로 만들어집니다. 벨소리의 전체 합창단(팀)이 종을 연주합니다. 음악가는 뛰어난 정확성, 규칙성 및 손가락의 민첩성을 필요로 합니다. 소리는 연주자의 손이 빠르게 움직여서 벨 리드가 벨 본체에 부딪히면서 발생합니다. 핸드벨 연주는 10명 또는 12명의 합창단이 대형 핸드벨 세트를 연주하는 영국과 미국에서 매우 인기가 있습니다.

19세기 영국에서는 종을 울리는 사람들이 총 200개에 달하는 종을 모아 그 당시 유행하던 멜로디를 연주했습니다.

~에
선물 설치(드럼 세트, 영어 드럼의 드럼) - 드러머 뮤지션의 편리한 연주에 적합한 드럼, 심벌즈 및 기타 타악기 세트. 일반적으로 재즈, 록 및 팝 음악에 사용됩니다.

개별 악기는 드럼 스틱, 다양한 브러시 및 망치로 연주됩니다. 페달은 하이햇과 베이스 드럼을 연주하는 데 사용되므로 드러머는 특수 의자나 스툴에 앉아 연주합니다.

다른 장르의 음악은 드럼 세트에서 악기의 스타일적으로 적절한 구성을 지시합니다.

1. 접시 | 2. 플로어 톰톰 | 3. 톰톰

4. 베이스 드럼 | 5. 스네어 드럼 | 6. 하이햇

표준 드럼 키트에는 다음 항목이 포함됩니다.

Crash는 악센트에 대한 강력하지만 짧은 사운드가 있는 심벌즈입니다.

Ride (타다) - 경쾌하고 쉿하는 소리가 나는 판.

하이햇(하이햇) - 동일한 로드에 장착되고 페달로 제어되는 두 개의 플레이트.

드럼:

스네어 드럼(스네어 드럼)은 설정의 주요 악기입니다.

3 tom-toms: high tom-tom (high tom-tom), low tom-tom (middle tom-tom) - 둘 다 구어체로 비올라, floor tom-tom (또는 그냥 floor tom-tom)이라고 합니다.

베이스 드럼("배럴", 베이스 드럼).

설정의 악기 수는 각 연주자와 그의 스타일에 따라 다릅니다. 가장 최소한의 설정은 로커빌리와 딕시랜드 재즈에서 사용되며 프로그레시브 록, 퓨전, 메탈 연주자의 설정에는 일반적으로 다양한 악기가 포함됩니다. china) 등)과 톰톰 또는 스네어 드럼, 두 개의 하이햇도 사용됩니다.

일부 제조업체는 다른 옵션을 제공합니다. 드럼 세트행잉 1개와 플로어 탐 2개가 있습니다. 이 설정을 사용하는 연주자는 Phil Rudd(AC/DC), Chad Smith(Red Hot Chili Peppers), Hena Habegger(Gotthard) 및 John Bonham(Led Zeppelin)입니다.

헤비 음악(메탈, 하드 록 등)에서는 두 개의 베이스 드럼 또는 더블 페달(소위 "카르단")이 자주 사용됩니다. .

서있는 동안 연주하도록 설계된 드럼 키트의 변형도 있습니다(소위 칵테일 드럼).

솔로와 모든 유형의 오케스트라에서 관악기의 중요성은 매우 높습니다. 음악 전문가들에 따르면, 그것들의 기술적, 예술적 자질이 그다지 뛰어나거나 매력적이지 않음에도 불구하고 현악기와 건반의 소리, 심지어 소리를 하나로 합치는 것은 그들이다. 신기술의 개발과 관악기 제조용 신소재의 사용으로 목재의 인기는 줄어들었지만 완전히 사용에서 제외되는 것은 아닙니다. 심포니, 민속 오케스트라, 기악 그룹 모두에서 소리가 너무 독특하여 무언가로 대체 할 수 없기 때문에 다양한 파이프, 나무로 만든 파이프가 널리 사용됩니다.

목관악기의 종류

클라리넷 - 부드럽고 따뜻한 음색으로 광범위한 사운드를 생성할 수 있습니다. 악기의 이러한 독특한 능력은 연주자에게 멜로디를 가지고 연주할 수 있는 무한한 가능성을 제공합니다.

플루트는 소리가 가장 높은 관악기입니다. 그녀는 고려된다 독특한 도구멜로디 연주의 기술적 능력 측면에서 그녀에게 어떤 방향 으로든 솔로 할 권리를 부여합니다.

오보에는 약간 거칠고 콧소리가 나지만 비정상적으로 선율적인 목소리를 가진 목제 악기입니다. 솔로 파트를 연주하거나 작품의 발췌 부분을 연주하기 위해 심포니 오케스트라에서 가장 자주 사용됩니다.

바순은 낮은 소리만 내는 베이스 관악기입니다. 다른 관악기에 비해 조절과 연주가 훨씬 어렵지만 그럼에도 불구하고 클래식 교향악단에서는 적어도 3~4개는 사용한다.

민속 오케스트라는 나무로 만든 다양한 파이프, 연민 파이프, 휘파람 및 오카리나를 사용합니다. 그들의 구조는 다음과 같이 복잡하지 않습니다. 교향곡 악기, 사운드는 그다지 다양하지 않지만 제어하기가 훨씬 쉽습니다.

목관 악기는 어디에 사용됩니까?

안에 현대 음악목관 악기는 더 이상 지난 세기만큼 자주 사용되지 않습니다. 이들의 인기는 교향곡에서만 변함이 없다. 챔버 오케스트라, 뿐만 아니라 민속 앙상블. 이러한 장르의 음악을 연주할 때 주도적인 위치를 차지하는 경우가 많으며, 솔로 파트가 주어지는 경우도 있다. 목제 악기 소리가 나는 것은 드문 일이 아닙니다. 재즈 작곡그리고 팝. 그러나 불행히도 그러한 창의성의 감정가는 점점 줄어들고 있습니다.

현대 관악기는 어떻게 그리고 무엇으로 만들어지는가

현대 목관악기는 이전 악기와 표면적으로만 닮아 있습니다. 그들은 나무로 만들어 졌을뿐만 아니라 공기 흐름은 손가락이 아니라 소리를 더 짧게 또는 길게 만들고 톤을 높이거나 낮추는 다단계 키 밸브 시스템에 의해 조절됩니다.
관악기 생산에는 단풍 나무, 배, 호두 또는 소위 흑단-흑단이 사용됩니다. 그들의 목재는 다공성이지만 탄력 있고 내구성이 있으며 가공 중에 파열되지 않으며 사용 중에 갈라지지 않습니다.

클라리넷 컬렉션 - 목관 악기 대표

악기의 분류 소리나는 몸에 따라 소리나는 몸에 영향을 주는 방법에 따라 뽑아(문자열 이디오폰) 제어 메커니즘에 의해 사운드 변환에 의해 전자

목관 악기- 관악기 그룹, 특수 구멍으로 직접 공기 흐름을 보내고 소리의 높이를 조정하고 특수 구멍을 밸브로 닫는 것을 기반으로 하는 연주 원리.

이 유형의 일부 현대 악기(예: 현대 오케스트라 플루트)는 거의 목재로 만들어지지 않습니다. 다른 목재의 제조에는 가장 일반적인 플라스틱, 은 또는 특수 은도금 합금과 같은 재료와 함께 목재가 사용됩니다. 그리고 소리 추출의 원리에 따라 목관 악기인 색소폰은 결코 나무로 만들어진 적이 없습니다.

목관 악기에는 현대 플루트, 오보에, 클라리넷, 바순, 모든 종류의 색소폰, 오래된 리코더, 샬미, 샬루모 등이 포함되며, 민속 악기 balaban, duduk, zhaleyka, 갈대 파이프, zurna, albok과 같은.

목관악기의 역사

개발 초기 단계에서 이 악기는 전적으로 나무로만 만들어졌으며 역사적으로 나무에서 이름을 얻었습니다. 목관 악기에는 공기를 추출하는 재료와 방법으로 통합된 대규모 악기 그룹이 포함됩니다. 가장 오래된 것 중 하나는 한쪽이 막힌 튜브인 시링가 파이프로, 그 안에 들어 있는 공기 기둥의 진동으로 소리가 발생합니다.

목관 악기의 분류

목관악기는 바람을 부는 방식에 따라 두 가지 유형으로 나뉩니다.

• 악기 헤드의 특수 가로 구멍을 통해 공기가 불어 오는 음순 (lat. labium-lips에서). 날아간 에어 제트는 구멍의 날카로운 모서리에 대해 절단되어 튜브 내부의 공기 기둥이 진동하기 시작합니다. 이 유형의 악기에는 플루트와 포크 버전파이프.
• 공기가 혀(지팡이)를 통해 불어오는 갈대(언어, lat. lingua-혀)는 악기의 상부에 고정되어 있으며 악기 내부의 공기 기둥 변동의 원인이 됩니다. 지팡이에는 두 가지 유형이 있습니다.
  • 하나의리드는 악기의 마우스피스에 있는 구멍을 막고 그 안에 좁은 틈을 남기는 얇은 리드판입니다. 공기가 유입되면 고주파수로 진동하는 리드가 악기의 마우스피스에서 채널을 열거나 닫는 다른 위치를 가정합니다. 리드의 진동은 악기 내부의 공기 기둥으로 전달되며 공기 기둥도 진동하기 시작하여 소리를 생성합니다. 단일 리드를 사용하는 악기에는 전통적인 클라리넷과 색소폰뿐만 아니라 aulochrome, heckel 클라리넷 등과 같은 여러 희귀 악기가 포함됩니다.
  • 더블지팡이는 서로 단단히 연결된 두 개의 얇은 리드 플레이트로 구성되며, 송풍 된 공기의 영향으로 진동하여 스스로 형성된 틈을 닫고 엽니 다. 이중 리드가 있는 악기에는 현대 오보에와 바순, 고대 숄과 크룸혼, 대부분의 민속 관악기(두덕, 주르나 등)가 포함됩니다.

음악에서 목관악기의 사용

심포니 오케스트라에서 목관 악기(플루트, 오보에, 클라리넷, 바순 및 그 종류)는 주요 그룹 중 하나를 형성합니다. 악보에서 그들의 파트는 다른 악기의 파트 위에 쓰여 있습니다. 이 그룹의 일부 악기 (우선 플루트와 클라리넷, 더 드물게 오보에, 더 드물게 바순)는 브라스 밴드와 때로는 챔버 앙상블에서도 사용됩니다.

목관 악기는 다른 관악기보다 솔리스트로 더 자주 사용됩니다.