낭만주의 시대의 작곡가. 후기 낭만주의
음악의 낭만주의
본문: 낭만주의 시대의 음악
음악에서 낭만주의의 방향은 1820 년, 그것의 발달은 전체를 가지고 갔다 XIX세기. 낭만주의 작곡가들은 음악적 수단인간의 내면 세계의 깊이와 풍요로움을 표현합니다. 음악은 더욱 양각되고 개별화됩니다. 다음을 포함하여 노래 장르가 발전하고 있습니다. 민요.
음악에서 낭만주의의 대표자는 다음과 같습니다. 오스트리아 - 프란츠 슈베르트; V 독일 - 어니스트 테오도르 호프만, 칼 마리아 웨버,리차드 바그너, 펠릭스 멘델스존, 로베르트 슈만, 루드비히 슈포어; V 이탈리아 - 니콜로 파가니니, 빈센조 벨리니, 일찍 주세페 베르디; ~에 프랑스 - G. 베를리오즈, D. F. 오버, J. 마이어베어; V 폴란드 - 프레데릭 쇼팽; V 헝가리 - 프란츠 리스트.
러시아에서는 낭만주의에 따라 일했습니다. A. A. 알리야비예프, M. I. 글린카, Dargomyzhsky, 발라키레프, N. A. 림스키-코르사코프, 무소르그스키,보로딘, 추이, P. I. 차이코프스키.
예술 종합의 아이디어는 낭만주의의 이데올로기와 실천에서 표현되었습니다. 음악의 낭만주의는 낭만주의 문학의 영향으로 19세기의 20년대에 형성되었으며 일반적으로 문학과 밀접한 관련이 있습니다(주로 오페라, 노래, 기악 미니어처 및 음악 프로그래밍과 같은 합성 장르로 전환). 낭만주의의 특징 인 사람의 내면 세계에 대한 호소는 낭만주의에서 음악과 가사의 우위를 결정한 주관적 숭배, 정서적으로 강렬한 갈망으로 표현되었습니다.
음악 1위 XIX의 절반 V. 빠르게 진화했습니다. 새로운 음악 언어가 등장했습니다. 기악 및 실내악에서 미니어처는 특별한 장소를 받았습니다. 오케스트라는 다양한 색상의 스펙트럼으로 소리를 냈습니다. 피아노와 바이올린의 가능성이 새로운 방식으로 드러났습니다. 낭만주의 음악은 매우 거장이었습니다.
음악적 낭만주의는 다양한 분야와 관련된 다양한 분야에서 나타납니다. 국가 문화그리고 다양한 사회운동과 함께 예를 들어 독일 낭만주의의 친밀하고 서정적 인 스타일과 창의성의 특징 인 "웅변 적"시민적 파토스는 크게 다릅니다. 프랑스 작곡가. 차례로 광범위한 민족 해방 운동을 기반으로 발생한 새로운 국립 학교 대표 (Chopin, Moniuszko, Dvorak, Smetana, Grieg)와 Risorgimento 운동과 밀접하게 관련된 이탈리아 오페라 학교 대표 (Verdi, Bellini)는 특히 고전적 전통을 보존하려는 경향에서 독일, 오스트리아 또는 프랑스의 동시대 사람들과 여러면에서 다릅니다.
그럼에도 불구하고 그들 모두는 우리가 단일한 낭만적 사고 구조에 대해 말할 수 있게 해주는 몇 가지 일반적인 예술적 원칙에 의해 특징지어진다.
풍부한 인간 경험의 세계를 깊고 꿰뚫는 음악의 특별한 능력으로 인해 낭만적 인 미학으로 다른 예술의 첫 번째 자리에 올랐습니다. 많은 낭만주의자들은 음악이 "알 수 없는" 것을 표현하는 속성 때문에 직관적인 시작을 강조했습니다. 뛰어난 낭만주의 작곡가들의 작품은 사실주의적 기반이 강했다. 삶에 대한 관심 보통 사람들, 삶의 충만 함과 감정의 진실성, 일상 생활의 음악에 대한 의존이 음악적 낭만주의 최고의 대표자들의 작품의 사실성을 결정했습니다. 반동적 경향(신비주의, 현실 도피)은 상대적으로 적은 수의 낭만주의 작품에만 내재되어 있습니다. 그들은 Weber의 오페라 Euryanta(1823), Wagner의 일부 뮤지컬 드라마, Liszt의 오라토리오 Christ(1862) 등에 부분적으로 등장했습니다.
19세기 초에 이르러서는 민속학, 역사학, 고대문학에 대한 기초 연구가 등장하고 중세 전설, 고딕미술, 그리고 잊혀졌던 르네상스 문화가 부활하였다. 이때 작곡가의 유럽 작품에서 특별한 유형의 많은 국립 학교가 개발되어 공통 유럽 문화의 경계를 크게 확장 할 운명이었습니다. 첫 번째는 아니지만 곧 세계 문화 창의성의 첫 번째 장소 중 하나 인 러시아어 (Glinka, Dargomyzhsky, "Kuchkists", Tchaikovsky), 폴란드어 (Chopin, Moniuszko), 체코 어 (Sour Cream, Dvorak), 헝가리어 ( List), 노르웨이어 (Grieg), 스페인어 (Pedrel), 핀란드어 (Sibelius), 영어 (Elgar)-모두 유럽에서 작곡가 작업의 일반적인 주류에 합류하여 기존의 고대 전통에 반대하지 않습니다. . 작곡가가 속한 민족 문화의 독특한 민족적 특징을 표현하는 새로운 이미지 서클이 등장했습니다. 작품의 억양 구조를 통해 특정 국립 학교에 속한 귀로 즉시 알아볼 수 있습니다.
작곡가들은 공통 유럽 음악 언어에 과거의 억양 전환, 주로 자국의 농민 민속을 포함합니다. 그들은 그대로 옻칠 한 오페라에서 러시아 민요를 정화하고 18 세기 노래의 국제적 억양 시스템에 민속 일상 장르를 도입했습니다. 고전주의의 비 유적 영역과 비교할 때 특히 생생하게 인식되는 낭만주의 음악에서 가장 눈에 띄는 현상은 서정적 심리적 원리의 지배입니다. 물론 일반적으로 음악 예술의 특징은 감정의 영역을 통한 모든 현상의 굴절입니다. 모든 시대의 음악은 이 패턴을 따릅니다. 그러나 낭만주의는 음악의 서정적 시작의 가치, 사람의 내면 세계의 깊이, 미묘한 분위기를 전달하는 힘과 완벽 함에서 모든 전임자를 능가했습니다.
사랑의 주제는 인간 정신의 모든 깊이와 뉘앙스를 가장 포괄적이고 완전하게 반영하는 마음의 상태이기 때문에 지배적 인 위치를 차지합니다. 그러나 안으로 가장 높은 학위이 주제가 사랑의 동기에 국한되지 않는 것이 특징이다. 문자 그대로그러나 가장 넓은 범위의 현상으로 식별됩니다. 광범위한 역사적 파노라마를 배경으로 캐릭터의 순전히 서정적 경험이 드러납니다. 그의 고향, 그의 조국, 그의 백성에 대한 사람의 사랑은 모든 낭만적인 작곡가의 작품을 통해 실처럼 흐릅니다.
서정적 고백의 주제와 밀접하고 불가분의 관계로 얽힌 자연의 이미지에 크고 작은 형태의 음악 작품에서 큰 자리를 차지합니다. 사랑의 이미지와 마찬가지로 자연의 이미지는 영웅의 마음 상태를 의인화하므로 종종 현실과의 부조화로 채색됩니다.
판타지라는 주제는 종종 현실의 속박에서 벗어나고자 하는 욕망에서 비롯된 자연의 이미지와 경쟁한다. 낭만주의의 전형은 회색 일상 생활과는 대조적으로 세상의 풍부한 색상으로 반짝이는 훌륭하고 반짝이는 검색이었습니다. 이 기간 동안 문학은 동화, 러시아 작가의 발라드로 풍부해졌습니다. 낭만주의 학교의 작곡가들은 환상적인 이미지국가적 정체성을 가집니다. 발라드는 러시아 작가들에게 영감을 받았으며, 덕분에 악의 세력에 대한 두려움에 대한 생각을 뒤집기 위해 노력하는 믿음의 잘못된 측면을 상징하는 환상적인 그로테스크 한 계획의 작품이 만들어졌습니다.
많은 낭만주의 작곡가들이 음악 작가와 비평가로도 활동했습니다(Weber, Berlioz, Wagner, Liszt 등). 진보적 낭만주의 대표자들의 이론적 작업은 음악 예술의 가장 중요한 문제의 발전에 매우 중요한 기여를 했습니다. 낭만주의는 공연 예술(바이올리니스트 파가니니, 가수 A. 누리 등)에서도 표현되었습니다.
이 시기 낭만주의의 진보적 의미는 주로 활동성에 있다. 프란츠 리스트. 모순된 세계관에도 불구하고 리스트의 작업은 기본적으로 진보적이고 현실적이었다. 뛰어난 국민 예술가 인 헝가리 음악의 창시자이자 고전 중 한 명.
헝가리 국가 주제는 Liszt의 많은 작품에 널리 반영되어 있습니다. Liszt의 낭만적이고 거장적인 작곡은 피아노 연주(콘서트, 소나타)의 기술적이고 표현적인 가능성을 확장했습니다. 그가 적극적으로 홍보 한 러시아 음악 대표와의 Liszt의 관계는 중요했습니다.
동시에 리스트는 세계 음악 예술의 발전에 큰 역할을 했다. 리스트 이후로 "피아노포르테의 모든 것이 가능해졌습니다." 그의 음악의 특징은 즉흥 연주, 낭만적 인 감정의 고양, 표현적인 멜로디입니다. Liszt는 작곡가, 연주자, 뮤지컬 인물로 평가됩니다. 작곡가의 주요 작품: 오페라 “ 돈 산초 또는 사랑의 성”(1825), 13개의 교향시” 타소”, ” 프로메테우스”, “작은 촌락” 등 오케스트라를 위한 작품, 피아노와 오케스트라를 위한 2개의 협주곡, 75개의 로망스, 합창단 및 기타 똑같이 잘 알려진 작품.
음악에서 낭만주의의 첫 징후 중 하나는 창의성이었습니다. 프란츠 슈베르트(1797-1828). Schubert는 음악적 낭만주의의 가장 큰 창시자이자 낭만적 인 교향곡, 피아노 미니어처, 가사-로맨틱 노래 (로맨스)와 같은 여러 새로운 장르의 창시자로 음악사에 입문했습니다. 그의 작업에서 가장 중요한 것은 노래,그는 특히 많은 혁신적인 경향을 보여주었습니다. Schubert의 노래에서 사람의 내면 세계가 가장 깊이 드러나고 민속 음악과의 특징적인 연결이 가장 눈에 띄며 그의 재능의 가장 필수적인 특징 중 하나 인 놀라운 다양성, 아름다움, 멜로디의 매력이 가장 분명합니다. 에게 최고의 노래초기 기간은 "에 속합니다. 물레의 마가리타”(1814) , “숲의 왕". 두 노래 모두 괴테의 가사로 쓰여졌습니다. 그들 중 첫 번째에서 버려진 소녀는 그녀의 사랑하는 사람을 기억합니다. 그녀는 외롭고 깊은 고통을 겪고 있으며 그녀의 노래는 슬프다. 단순하고 진지한 멜로디는 단조로운 산들 바람에 의해서만 울려 퍼집니다. "숲의 왕"은 복잡한 작업입니다. 이것은 노래가 아니라 우리 앞에 세 인물이 등장하는 드라마틱한 장면이다. 말을 타고 숲속을 달리는 아버지, 그가 안고 있는 병든 아이, 그리고 열병에 걸린 소년에게 나타나는 무시무시한 숲의 왕 섬망 상태. 그들 각각은 고유의 멜로디 언어를 가지고 있습니다. Schubert의 노래 "Trout", "Barcarolle", "Morning Serenade"는 그다지 유명하고 사랑받지 못합니다. 후년에 작곡된 이 곡들은 놀라울 정도로 단순하고 표현력이 풍부한 멜로디와 신선한 색상이 특징입니다.
Schubert는 또한 두 개의 노래를 썼습니다. 아름다운 밀러"(1823) 및" 겨울 길"(1872) - 말로 독일 시인빌헬름 뮐러. 그들 각각에서 노래는 하나의 음모로 통합됩니다. "The Beautiful Miller's Woman"이라는 사이클의 노래는 어린 소년에 대해 이야기합니다. 시냇물을 따라 행복을 찾아 떠나는 여행을 떠난다. 이 사이클의 대부분의 노래에는 가벼운 성격이 있습니다. "Winter Way" 사이클의 분위기는 완전히 다릅니다. 가난한 청년이 부자 신부에게 거절당합니다. 절망에 빠진 그는 고향을 떠나 세계를 떠돌아다닙니다. 그의 동료는 바람, 눈보라, 불길하게 우는 까마귀입니다.
여기에 주어진 몇 가지 예를 통해 슈베르트 작곡의 특징에 대해 이야기할 수 있습니다.
슈베르트는 글쓰기를 좋아했다 피아노 음악. 이 악기를 위해 그는 엄청난 수의 작품을 썼습니다. 노래와 마찬가지로 그의 피아노 작품은 일상 음악에 가까웠고 단순하고 이해하기 쉬웠습니다. 그의 작곡에서 가장 좋아하는 장르는 춤, 행진, 지난 몇 년인생 - 즉흥.
왈츠 및 기타 춤은 일반적으로 시골 산책에서 슈베르트의 무도회에 나타났습니다. 그곳에서 그는 그것들을 즉흥적으로 만들고 집에서 녹음했습니다.
슈베르트의 피아노곡과 그의 가곡을 비교해보면 많은 유사점을 발견할 수 있다. 우선 장조와 단조의 화려한 병치, 선율의 표현력, 기품이 뛰어납니다.
가장 큰 것 중 하나 프랑스 국민 19세기 후반의 작곡가 조르주 비제, 뮤지컬 극장을 위한 불멸의 창작물의 창조자 - 오페라 “카르멘"그리고 Alphonse Daudet의 드라마를 위한 멋진 음악" 알레시안”.
Bizet의 작업은 생각의 정확성과 명확성, 표현 수단의 참신함과 신선함, 형태의 완전성과 우아함이 특징입니다. Bizet은 작곡가의 위대한 동포 인 작가 Balzac, Flaubert, Maupassant의 작품의 특징 인 인간의 감정과 행동을 이해하는 심리적 분석의 예리함이 특징입니다. 장르가 다양한 Bizet 작품의 중심 장소는 오페라에 속합니다. 작곡가의 오페라 예술은 프랑스 땅에서 발생했으며 프랑스 오페라 하우스의 전통에 의해 양육되었습니다. Bizet은 그의 작업에서 첫 번째 작업을 기존의 극복이라고 생각했습니다. 프랑스 오페라장르 제한은 개발을 방해합니다. 그에게 "큰"오페라는 죽은 장르 인 것 같고 서정적 오페라는 눈물과 소부르주아 적 편협함으로 짜증이 나며 만화는 다른 것보다 더 주목할 가치가 있습니다. 비제의 오페라에서 처음으로 육즙이 넘치고 생동감 넘치는 국내 및 대중 장면이 등장하며 삶과 생생한 장면을 예고한다.
알폰스 도데의 드라마를 위한 비제의 음악 “알레시안”는 주로 그녀의 베스트 넘버로 구성된 두 개의 콘서트 모음곡으로 알려져 있다. Bizet은 정통 프로방스 멜로디를 사용했습니다. : "삼왕의 행진곡" 그리고 "유쾌한 말의 춤".
비제의 오페라 카르멘”-호세 군인과 집시 카르멘의 영웅들의 사랑과 죽음에 대한 이야기를 설득력있는 진실성과 매혹적인 예술적 힘으로 관객들 앞에 펼치는 뮤지컬 드라마. 오페라 카르멘은 프랑스 뮤지컬의 전통을 기반으로 만들어졌으나 동시에 많은 새로운 것들을 소개하기도 했다. 비제는 국립오페라 최고의 성과를 바탕으로 가장 중요한 요소를 개편하여 새로운 장르- 현실적인 뮤지컬 드라마.
19 세기 오페라 하우스의 역사에서 오페라 카르멘은 첫 번째 장소 중 하나를 차지합니다. 1876년부터 그녀의 승리의 행진이 시작됩니다. 오페라 하우스비엔나, 브뤼셀, 런던.
환경에 대한 개인적인 관계의 표현은 시인과 음악가에 의해 무엇보다도 즉각적인 감정적 "개방성"과 표현의 열정으로 표현되었습니다. 인정이나 고백.
예술의 이러한 새로운 경향은 출현에 결정적인 영향을 미쳤습니다. 서정 오페라. 그것은 "big"의 대립으로 생겨났고 희가극, 그러나 그녀는 오페라 극작술과 음악 표현 수단 분야에서 그들의 정복과 업적을 지나칠 수 없었습니다.
새로운 오페라 장르의 독특한 특징은 역사적, 철학적 또는 현대 테마. 서정적 오페라의 영웅들은 낭만적 인 오페라의 특징 인 배타성과 약간의 과장이없는 평범한 사람들의 특징을 부여 받았습니다. 서정 오페라 분야에서 가장 중요한 예술가는 샤를 구노.
Gounod의 다소 많은 오페라 유산 중 오페라 " 파우스트" 특별하고 예외적 인 장소를 차지합니다. 그녀의 세계적인 명성인기는 Gounod의 다른 오페라와 비교할 수 없습니다. 오페라 파우스트의 역사적 중요성은 최고 일뿐만 아니라 본질적으로 차이코프스키가 쓴 새로운 방향의 오페라 중 첫 번째이기 때문에 특히 큽니다. 천재, 그리고 비범한 기술과 뚜렷한 정체성 없이.” 파우스트의 이미지에서는 세상을 알고 싶은 욕망으로 인한 영원한 불만 인 그의 의식의 날카로운 불일치와 "분기"가 완화됩니다. Gounod는 그 시대의 전투적인 비판 정신을 구현 한 괴테의 Mephistopheles 이미지의 다양성과 복잡성을 모두 전달할 수 없었습니다.
"파우스트"가 인기를 얻은 주된 이유 중 하나는 젊은 장르의 서정 오페라의 근본적이고 새로운 특징, 즉 오페라 캐릭터의 내면 세계를 정서적으로 직접적이고 생생하게 개별적으로 전달하는 데 집중했기 때문입니다. 주인공의 갈등을 예로 들어 모든 인류의 역사적, 사회적 운명을 밝히고 자하는 괴테의 파우스트의 깊은 철학적 의미는 마거리트와 파우스트의 인간적인 서정적 드라마의 형태로 구노에 의해 구체화되었습니다.
프랑스의 작곡가, 지휘자, 음악 평론가 헥터 베를리오즈가장 큰 낭만적인 작곡가, 교향곡 프로그램의 창시자, 음악 형식, 하모니, 특히 악기 분야의 혁신가로 음악사에 입문했습니다. 그의 작품에서 그들은 혁명적 파토스와 영웅의 특징을 생생하게 구현했습니다. Berlioz는 그가 높이 평가하는 음악의 M. Glinka에 익숙했습니다. 그는 자신의 글과 창작 원칙을 열광적으로 받아들인 "마이티 핸드풀"의 지도자들과 우호적인 관계를 유지했습니다.
그는 오페라 “ 벤베누토 칠리니”(1838), “ 트로이 목마”,”베아트리체와 베네딕트(셰익스피어의 코미디 Much Ado About Nothing, 1862를 기반으로 함); 23개의 성악 및 교향곡, 31개의 로망스, 합창단, 그는 "현대 악기와 오케스트레이션에 관한 위대한 논문"(1844), "오케스트라의 저녁"(1853), "노래를 통해"(1862), "음악적 호기심"이라는 책을 저술했습니다. ( 1859), "회고록"(1870), 기사, 리뷰.
독일 사람 작곡가, 지휘자, 극작가, 홍보인 리차드 바그너세계의 역사 속으로 들어갔다 음악 문화가장 위대한 음악 창작자이자 가장 큰 개혁자 중 한 명으로서 오페라 예술. 그의 개혁의 목표는 모든 유형의 오페라와 교향곡을 대체하도록 고안된 극적인 형식의 기념비적인 프로그래밍 성악 교향악 작품을 만드는 것이었습니다. 그러한 작품은 음악이 연속적인 흐름으로 흐르고 모든 극적인 연결을 하나로 합치는 뮤지컬 드라마였습니다. 완성 된 노래를 거부하고 Wagner는 감정이 풍부한 암송으로 대체했습니다. Wagner 오페라의 큰 부분은 세계 교향곡에 귀중한 공헌을 한 독립 오케스트라 에피소드로 가득 차 있습니다.
Wagner의 손은 13개의 오페라에 속합니다. 플라잉 더치맨'(1843), '탄호이저'(1845), '트리스탄과 이졸데'(1865), '라인강의 황금'(1869) 등; 합창단, 피아노 곡, 로맨스.
또 다른 뛰어난 독일 작곡가, 지휘자, 피아니스트, 교사 및 음악적 인물은 펠릭스 멘델스존-바르톨디. 9세부터 피아니스트로 활동하기 시작했고, 17세에 걸작 중 하나인 코미디 서곡을 만들었습니다. 한 여름밤의 꿈" 셰익스피어. 1843년 그는 라이프치히에 독일 최초의 음악원을 세웠습니다. "낭만주의의 고전"인 Mendelssohn의 작품에서 낭만적 인 특징은 고전적인 사고 체계와 결합됩니다. 그의 음악은 밝은 멜로디, 표현의 민주주의, 감정의 절제, 생각의 고요함, 밝은 감정의 우세, 서정적 분위기, 약간의 감상, 흠 잡을 데없는 형태, 뛰어난 장인 정신이 특징입니다. R. Schumann은 그를 "19 세기의 모차르트", G. Heine - "음악적 기적"이라고 불렀습니다.
풍경 낭만적인 교향곡("스코틀랜드", "이탈리아"), 프로그램 콘서트 서곡, 인기 있는 바이올린 협주곡, 피아노 포르테 "말 없는 노래"를 위한 곡의 순환 작가; 오페라 Camacho's Marriage.그는 연극 Antigone(1841), Sophocles의 Oedipus in Colon(1845), Racine의 Atalia(1845), 셰익스피어의 A Midsummer Night's Dream(1843) 등을 위해 음악을 썼습니다. oratorios "Paul"(1836), "Elijah"(1846); 피아노 협주곡 2곡과 바이올린 협주곡 2곡.
안에이탈리아 사람 음악 문화 특별한 장소는 Giuseppe에 속합니다베르디- 뛰어난 작곡가, 지휘자, 오르간 연주자. Verdi의 주요 작업 영역은 오페라입니다. 그는 주로 이탈리아 국민의 영웅애국심과 민족해방사상을 대변하는 역할을 했다. 그 후 몇 년 동안 그는 사회적 불평등, 폭력, 억압으로 인해 발생하는 극적인 갈등에 주목하고 그의 오페라에서 악을 비난했습니다. Verdi 작품의 특징 : 민속 음악, 극적인 기질, 선율의 밝기, 무대 법칙에 대한 이해.
그는 26개의 오페라를 썼다. 나부코', '맥베스', '트루바두르', '라 트라비아타', '오셀로', '아이다'" 등 . , 20개의 로맨스, 보컬 앙상블 .
어린 노르웨이 인 작곡가 에드바르 그리그(1843-1907) 국악의 발전을 기원합니다. 이것은 그의 작품뿐만 아니라 노르웨이 음악의 진흥에서도 표현되었습니다.
코펜하겐에 있는 동안 Grieg는 많은 음악을 썼습니다. 시적인 그림” 그리고 "유모레스크",피아노를 위한 소나타와 제1바이올린 소나타, 노래. 새로운 작품이 나올 때마다 노르웨이 작곡가로서의 그리그의 이미지가 더욱 선명하게 드러난다. 미묘한 서정적 "Poetic Pictures"(1863)에서 국가적 특징은 여전히 \u200b\u200b소심하게 돌파됩니다. 리드미컬한 형태는 종종 노르웨이 민속 음악에서 발견됩니다. 그것은 많은 Grieg 멜로디의 특징이되었습니다.
Grieg의 작업은 방대하고 다면적입니다. Grieg는 다양한 장르의 작품을 썼습니다. 피아노 협주곡과 발라드, 바이올린과 피아노를 위한 3개의 소나타, 첼로와 피아노를 위한 소나타 4중주는 그리그의 끊임없는 갈망을 증언합니다. 대형. 동시에 악기 미니어처에 대한 작곡가의 관심은 변하지 않았습니다. 피아노 포르테와 마찬가지로 작곡가는 로맨스, 노래와 같은 실내 보컬 미니어처에 매료되었습니다. 교향곡 창작 분야는 모음곡과 같은 걸작으로 표시됩니다. 구노 당”, “홀베르그 시대부터". 중 하나 특징적인 종그리그의 작품 - 민요와 춤의 편곡: 단순한 피아노 곡의 형태, 피아노 네 손을 위한 모음곡.
Grieg의 음악 언어는 매우 독창적입니다. 작곡가 스타일의 개성은 무엇보다도 노르웨이 민속 음악과의 깊은 관계에서 결정됩니다. Grieg는 장르 기능, 억양 구조, 민요의 리듬 공식 및 댄스 멜로디를 널리 사용합니다.
멜로디의 변주 및 변주 전개에 대한 그리그의 놀라운 숙달은 멜로디를 변화와 함께 반복 반복하는 민속 전통에 뿌리를 두고 있습니다. “나는 우리나라의 민속 음악을 녹음했습니다.” 이 말 뒤에는 그리그의 경건한 태도가 있습니다. 민속 예술자신의 창의성에 대한 그의 결정적인 역할에 대한 인식.
로맨티시즘, 그리고 마지막으로 강력한 리얼리티... 그 뒤를 따랐다. II. 낭만주의러시아 회화에서 낭만주의러시아와는 다른...Zweig가 옳았습니다. 유럽은 르네상스 이후로 낭만주의와 같은 멋진 세대를 본 적이 없습니다. 꿈의 세계, 벌거 벗은 감정, 숭고한 영성에 대한 열망의 놀라운 이미지 - 낭만주의의 음악 문화를 그리는 색상입니다.
낭만주의의 출현과 미학
산업혁명이 유럽에서 일어나고 있는 동안, 대국에 대한 희망은 프랑스 혁명. 계몽주의 시대에 선포된 이성 숭배는 전복되었습니다. 감정 숭배와 인간의 자연 원리가 받침대에 올라갔습니다.
이것이 낭만주의가 태어난 방법입니다. 음악 문화에서는 100년(1800~1910년) 조금 넘게 지속됐지만 관련 분야(회화, 문학)에서는 반세기 일찍 소멸했다. 아마도 음악은 이것에 대한 "비난"일 것입니다. 가장 영적이고 자유로운 예술로서 낭만주의 예술 중 최고에 있었던 것은 그녀였습니다.
그러나 낭만주의는 고대와 고전주의 시대의 대표자와 달리 유형과 유형으로 명확한 구분으로 예술 계층을 구축하지 않았습니다. 낭만주의 시스템은 보편적이었고 예술은 서로 자유롭게 이동할 수 있었습니다. 예술의 종합이라는 사상은 낭만주의 음악문화의 핵심 사상 중 하나였다.
이 관계는 미학의 범주에도 적용되었습니다. 아름다운 것은 추한 것과 연결되었고, 높은 것은 기초적인 것과 연결되었으며, 비극적인 것은 희극적인 것과 연결되었습니다. 이러한 전환은 세계의 보편적인 그림을 반영하는 낭만적인 아이러니로 연결되었습니다.
아름다움과 관련된 모든 것이 낭만주의 사이에서 새로운 의미를 얻었습니다. 자연은 숭배의 대상이 되었고, 예술가는 최고의 인간으로 우상화되었으며, 감정은 이성보다 고양되었습니다.
영이 없는 현실은 꿈과 반대되는, 아름답지만 도달할 수 없는 것이었다. 상상력의 도움으로 낭만적인 사람은 다른 현실과 달리 새로운 세계를 건설했습니다.
낭만주의 예술가들은 어떤 주제를 선택했습니까?
낭만주의의 관심은 그들이 예술에서 선택한 주제의 선택에서 분명하게 드러났습니다.
- 외로움 테마. 과소 평가 된 천재 또는 사회의 외로운 사람-이 주제는이 시대 작곡가의 주요 주제였습니다 (Schumann의 "Love of the Poet", Mussorgsky의 "Without the Sun").
- "서정적인 고백"을 주제로. 낭만적인 작곡가의 많은 작품에는 자서전이 가미되어 있습니다(슈만의 카니발, 베를리오즈의 판타스틱 교향곡).
- 사랑 테마. 기본적으로 이것은 분할되지 않은 주제입니다. 비극적 사랑, 그러나 반드시 그런 것은 아닙니다 (Schumann의 "Love and Life of a Woman", Tchaikovsky의 "Romeo and Juliet").
- 경로 테마. 그녀는 또한 여행 테마. 모순으로 찢겨진 로맨스의 영혼은 자신의 길을 찾고있었습니다 (Berlioz의 "Harold in Italy", Liszt의 "Years of Wanderings").
- 죽음의 주제. 기본적으로 그것은 영적 죽음이었습니다(차이코프스키의 교향곡 6번, 슈베르트의 "겨울 여행").
- 자연 테마. 낭만적이고 보호적인 어머니의 눈에 비친 자연, 공감하는 친구, 그리고 벌을 주는 운명(멘델스존의 "헤브리디스", "In 중앙 아시아» 보로디나). 고국 숭배(쇼팽의 폴로네즈와 발라드)도 이 주제와 관련이 있습니다.
- 판타지 테마. 낭만주의를 위한 상상의 세계는 실제 세계보다 훨씬 더 풍부했습니다(" 매직 슈터» Weber, «Sadko» Rimsky-Korsakov).
낭만주의 시대의 음악 장르
낭만주의의 음악 문화는 실내 보컬 가사 장르의 발전에 자극을주었습니다. 민요(슈베르트의 "숲의 왕"), 시(슈베르트의 "호수의 여인") 및 노래, 종종 결합 주기(슈만의 "머틀").
로맨틱 오페라 환상적인 음모뿐만 아니라 단어, 음악 및 스테이지 액션. 오페라가 교향곡화되고 있습니다. 개발 된 leitmotif 네트워크로 Wagner의 Nibelungen 반지를 회상하는 것으로 충분합니다.
로맨스의 기악 장르 중에는 다음과 같은 것들이 있습니다. 피아노 미니어처. 하나의 이미지나 순간적인 기분을 전달하기 위해서는 작은 놀이 하나면 충분하다. 규모에도 불구하고 연극은 표현력이 풍부합니다. 그녀는 "말 없는 노래" (멘델스존처럼) 마주르카, 왈츠, 녹턴 또는 프로그램 제목으로 연주합니다(Schumann's Impulse).
노래와 마찬가지로 희곡은 때때로 순환으로 결합됩니다(슈만의 "나비"). 동시에 밝게 대조되는주기의 일부는 음악적 연결로 인해 항상 단일 구성을 형성했습니다.
낭만주의자들은 문학, 회화 또는 기타 예술과 결합된 프로그램 음악을 좋아했습니다. 따라서 그들의 글에 나오는 줄거리가 지배하는 경우가 많았습니다. 1악장 소나타(리스트의 나단조 소나타), 1악장 협주곡(리스트 피아노 협주곡 1번), 교향시(리스트의 전주곡), 5악장 교향곡(베를리오즈의 환상적인 교향곡)이 있었습니다.
낭만주의 작곡가의 음악적 언어
낭만주의가 노래한 예술의 종합은 수단에 영향을 미쳤다. 음악적 표현력. 멜로디는 더 개별적이고 단어의 시학에 민감해졌으며 반주는 중립적이고 전형적인 질감을 멈췄습니다.
낭만적인 주인공의 경험담을 전하기 위해 전례 없는 색채로 하모니를 풍성하게 했고, 나른함의 낭만적인 억양은 긴장감을 고조시키는 변화된 하모니를 완벽하게 전달했다. 낭만주의자들은 또한 전공이 바뀔 때 명암의 효과를 좋아했습니다. 동명의 미성년자, 사이드 스텝 코드, 아름다운 키 매핑. 에서도 새로운 효과가 발견되었는데, 특히 음악에서 민속적 정신이나 환상적인 이미지를 전달해야 할 때였다.
일반적으로 낭만주의 멜로디는 개발의 연속성을 위해 노력하고 자동 반복을 거부했으며 각 동기에서 악센트의 규칙 성과 숨쉬는 표현력을 피했습니다. 그리고 질감은 그 역할이 선율에 필적할 정도로 중요한 연결 고리가 되었습니다.
멋진 마주르카 쇼팽이 가지고 있는 것을 들어보세요!
결론 대신
낭만주의 음악문화 XIX의 차례그리고 XX 세기는 위기의 첫 징후를 경험했습니다. "무료" 뮤지컬 형식붕괴되기 시작했고 멜로디보다 조화가 우세했으며 낭만적 인 영혼의 고양 된 감정은 고통스러운 두려움과 기본 열정에 자리를 내주었습니다.
이러한 파괴적 경향은 낭만주의를 종식시키고 모더니즘의 길을 열었습니다. 그러나 유행으로 끝난 낭만주의는 다양한 구성 요소로 20 세기 음악과 금세기 음악 모두에서 계속해서 살아 남았습니다. Blok은 낭만주의가 "인간 삶의 모든 시대에서"발생한다고 말했을 때 옳았습니다.
가장 순수한 형태의 낭만주의는 서유럽 예술의 현상입니다. 러시아어로 19일의 음악 V. Glinka에서 Tchaikovsky에 이르기까지 고전주의의 특징은 낭만주의의 특징과 결합되었으며 주요 요소는 밝고 독창적 인 국가 원칙이었습니다.
시간(1812년 데카브리스트 봉기, 그에 따른 반응)은 음악에 흔적을 남겼습니다. 로맨스, 오페라, 발레, 실내악 등 우리가 취하는 장르가 무엇이든 러시아 작곡가들이 새로운 단어를 말한 모든 곳에서.
19세기 초 - 이것은 로맨스 장르의 첫 번째 밝은 개화의 해입니다. 겸손하고 진솔한 가사는 여전히 들리고 듣는 이들을 즐겁게 한다. Alexander Alexandrovich Alyabyev (1787-1851).그는 많은 시인의 시에 로망스를 썼지만 불멸자는 "나이팅게일" Delvig의 구절에, "겨울길", "사랑해"푸쉬킨의시에.
알렉산드르 에고로비치 바라모프(1801-1848)극적인 공연을 위해 음악을 썼지만 우리는 그를 더 잘 압니다. 유명한 로맨스 "빨간 선 드레스", "새벽에 깨우지 마십시오", "외로운 돛이 하얗게 변합니다".
알렉산드르 르보비치 구릴레프(1803-1858)- 작곡가, 피아니스트, 바이올리니스트 및 교사인 그는 다음과 같은 로맨스를 소유하고 있습니다. "단조롭게 종소리가 울린다", "안개 낀 청춘의 새벽에"등
여기에서 가장 눈에 띄는 장소는 Glinka의 로맨스가 차지하고 있습니다. 다른 누구도 푸쉬킨, 주코프스키의 시와 음악의 자연스러운 융합을 아직 달성하지 못했습니다.
미하일 이바노비치 글린카(1804-1857)- 러시아 문학의 고전인 푸슈킨의 동시대인이 창시자가 됨 뮤지컬 클래식. 그의 작품은 러시아와 세계 음악 문화의 정점 중 하나입니다. 부를 조화롭게 결합합니다. 민속 음악그리고 작곡가의 기술의 최고 성과. 글린카의 깊이 있는 민속적 사실주의 작품은 1812년 애국 전쟁 및 데카브리스트 운동과 관련하여 19세기 전반기에 러시아 문화의 강력한 번영을 반영했습니다. 가볍고 삶을 긍정하는 성격, 형태의 조화, 표현적이고 선율적인 멜로디의 아름다움, 하모니의 다양성, 광채 및 미묘함은 Glinka 음악의 가장 귀중한 특성입니다. 안에 유명한 오페라 "이반 수잔"(1836)은 대중적인 애국심에 대한 아이디어를 훌륭하게 표현했습니다. 러시아 국민의 도덕적 위대함은 동화 오페라 " 루슬란과 루드밀라". Glinka의 오케스트라 작품: "판타지 왈츠", "마드리드의 밤"특히 "카마린스카야",러시아 고전 교향곡의 기초를 형성합니다. 극적 표현의 힘과 비극에 대한 음악적 특성의 밝음에서 현저하다. "Kholmsky 왕자".글린카의 보컬 가사 (로맨스 "기억해 멋진 순간", "의심")는 음악에서 러시아시의 탁월한 구체화입니다.
XIX 세기 전반기. 국악학교의 탄생. XIX 세기의 첫 수십 년 동안. A.N. 의 작업에서 나타나는 낭만적 인 경향이 지배합니다. 그의 작품에서 역사적 주제를 사용한 Verstovsky. 러시아 음악 학교의 창립자는 M.I. 주요 음악 장르의 창작자 인 Glinka : 오페라 ( "Ivan Susanin", "Ruslan and Lyudmila"), 교향곡, 로맨스, 그의 작품에서 민속 모티프를 적극적으로 사용했습니다. 음악 분야의 혁신가는 A.S. 오페라 발레 "The Triumph of Bacchus"의 저자이자 오페라 암송의 창시자 Dargomyzhsky. 그의 음악은 Mighty Handful 작곡가 M.P. 무소르그스키, M.A. 발라키레바, N.A. 림스키-코르사코프, A.P. 보로딘, Ts.A. 자신의 작품에서 "어디에 영향을 미치는지 상관없이 삶"을 구현하고자하는 Cui는 역사적 음모와 민속 모티프로 적극적으로 전환했습니다. 그들의 작업은 뮤지컬 드라마의 장르를 확립했습니다. Mussorgsky의 "Boris Godunov"와 "Khovanshchina", Borodin의 "Prince Igor", "The Snow Maiden"및 " 왕실의 신부"림스키-코르사코프는 러시아와 세계 예술의 자부심입니다.
러시아 음악의 특별한 장소는 P.I. 내면의 드라마와 관심을 작품으로 구현한 차이콥스키 내면 세계인간, 러시아인의 특징 문학 XIX작곡가가 자주 바뀌는 세기 (오페라 "Eugene Onegin", " 스페이드의 여왕", "마제파").
가장 짧은 음악의 역사. Henley Daren의 가장 완전하고 간결한 핸드북
후기 낭만주의
후기 낭만주의
이 시기의 많은 작곡가들은 20세기까지 계속해서 음악을 작곡했습니다. 그러나 우리는 그들의 음악에서 강했던 것이 바로 낭만주의 정신 이었기 때문에 다음 장에서가 아니라 여기에서 그들에 대해 이야기합니다.
그들 중 일부는 "초기 낭만파" 및 "민족주의자" 하위 섹션에 언급된 작곡가들과 긴밀한 관계 및 우정을 유지했다는 점에 유의해야 합니다.
또한, 이 기간 동안 다른 유럽 국가어떤 원칙에 따라 그것들을 나누는 것은 전적으로 자의적일 정도로 많은 위대한 작곡가들을 창조했습니다. 고전 시대와 바로크 시대에 관한 다양한 문헌에서 거의 동일한 기간이 언급되면 낭만주의 시대는 모든 곳에서 다르게 정의됩니다. 음악에서 낭만주의의 끝과 20세기 초의 경계는 매우 모호한 것 같다.
19세기 이탈리아를 대표하는 작곡가는 의심할 여지 없이 주세페 베르디.우리를 바라보는 이 빛나는 눈두꺼운 콧수염과 눈썹을 가진 남자는 다른 모든 오페라 작곡가보다 머리 전체가 더 컸습니다.
Verdi의 모든 작곡은 말 그대로 밝고 기억에 남는 멜로디로 넘쳐납니다. 전체적으로 그는 26편의 오페라를 썼는데, 그 중 대부분은 오늘날까지 정기적으로 상연되고 있다. 그중에는 역사상 가장 유명하고 뛰어난 오페라 예술 작품이 있습니다.
Verdi의 음악은 작곡가의 생애 동안에도 높은 평가를 받았습니다. 시사회에서 명도관객들은 예술가들이 무려 서른두 번이나 절을 해야 할 정도로 긴 기립박수를 보냈다.
Verdi는 부자 였지만 돈은 작곡가의 아내와 두 자녀를 조기 사망에서 구할 수 없었기 때문에 그의 삶에는 비극적 인 순간이있었습니다. 그는 자신의 지시에 따라 밀라노에 세워진 옛 음악가들의 은신처에 자신의 재산을 물려주었습니다. Verdi 자신은 음악이 아닌 쉼터를 만드는 것이 그의 가장 큰 업적이라고 생각했습니다.
Verdi의 이름이 주로 오페라와 관련되어 있다는 사실에도 불구하고 그를 언급하지 않는 것은 불가능합니다. 레퀴엠,가장 좋은 예 중 하나로 간주 합창 음악. 그것은 드라마로 가득 차 있으며 오페라의 일부 기능이 빠져 나옵니다.
우리의 다음 작곡가는 결코 가장 매력적인 사람이 아닙니다. 일반적으로 이것은 우리 책에 언급 된 모든 인물 중 가장 추악하고 논란이 많은 인물입니다. 성격 특성만을 기준으로 목록을 작성한다면 리차드 바그너절대 때리지 않을 것입니다. 그러나 우리는 오로지 음악적 기준에 따라 인도되며 클래식 음악의 역사는 이 사람 없이는 상상할 수 없습니다.
Wagner의 재능은 부인할 수 없습니다. 그의 펜 아래에서 가장 중요하고 인상적인 몇 가지가 나왔습니다. 작곡낭만주의의 전체 기간 동안 - 특히 오페라의 경우. 동시에 그는 반유대 주의자, 인종 차별 주의자, 빨간 테이프, 마지막 사기꾼, 심지어 필요한 모든 것을 주저하지 않는 도둑, 후회없이 무례한 사람들로 언급됩니다. Wagner는 과장된 자부심을 가지고 있었고 그의 천재성이 그를 다른 모든 사람들보다 높게 만들었다고 믿었습니다.
Wagner는 그의 오페라로 기억됩니다. 이 작곡가는 독일 오페라를 완전히 새로운 수준으로 끌어올렸으며, 베르디와 동시대에 태어났지만 그의 음악은 그 시대의 이탈리아 작곡과는 매우 달랐습니다.
Wagner의 혁신 중 하나는 각 주인공에게 자신의 음악적 주제가 부여되었으며, 이는 그가 무대에서 중요한 역할을 시작할 때마다 반복되었습니다.
지금은 자명해 보이지만 당시에는 이 아이디어가 진정한 혁명을 일으켰습니다.
Wagner의 가장 큰 업적은 사이클이었습니다. Nibelung의 반지, 4개의 오페라로 구성된 라인 골드, 발키리, 지그프리트그리고 신들의 죽음.일반적으로 연속 4일 밤을 보내고 총 15시간 정도 지속됩니다. 이 오페라만으로도 작곡가를 찬양하기에 충분할 것입니다. 인간으로서의 바그너의 모호함에도 불구하고 그가 뛰어난 작곡가였다는 점은 인정되어야 한다.
Wagner 오페라의 특징은 길이입니다. 그의 마지막 오페라 파르지팔 4시간 이상 지속됩니다.
지휘자 데이비드 랜돌프는 언젠가 그녀에 대해 이렇게 말했습니다.
“이것은 6시에 시작하는 범주의 오페라이며 3 시간 후에 보면 손목 시계, 그들은 6:20을 보여주는 것으로 밝혀졌습니다.
삶 안톤 브루크너작곡가로서 스스로 포기하지 않고 고집하는 방법에 대한 교훈이다. 그는 하루에 12시간을 연습하고 모든 시간을 일에 바쳤고(그는 오르간 연주자였습니다) 스스로 음악을 많이 배웠으며 상당히 성숙한 나이인 37세에 서신으로 작문 기술을 마스터했습니다.
오늘날 Bruckner의 교향곡은 가장 자주 기억되며 총 9개의 작품을 작곡했습니다. 때때로 그는 음악가로서의 생존 가능성에 대한 의구심에 사로 잡혔지만 그의 생애가 끝날 무렵에도 여전히 인정을 받았습니다. 실행 후 교향곡 1번비평가들은 마침내 그 당시 이미 44 세가 된 작곡가를 칭찬했습니다.
요하네스 브람스말하자면 은 지팡이를 손에 들고 태어난 작곡가는 아닙니다. 그가 태어날 때까지 가족은 이전의 재산을 잃고 간신히 생계를 유지했습니다. 청소년기에 그는 자신의 매음굴에서 놀면서 생계를 꾸렸습니다. 고향함부르크. Brahms가 성인이되었을 때 의심 할 여지없이 가장 매력적인 삶의 측면과는 거리가 멀었습니다.
브람스의 음악은 그의 친구인 로베르트 슈만에 의해 홍보되었습니다. 슈만이 죽은 후 브람스는 클라라 슈만과 가까워졌고 결국 그녀와 사랑에 빠졌습니다. 그녀에 대한 감정이 아마도 다른 여성들과의 관계에서 어떤 역할을했을지 모르지만 그들이 어떤 관계를 가졌는지는 정확히 알려지지 않았습니다. 그는 그들 중 누구에게도 마음을주지 않았습니다.
사람으로서 Brahms는 다소 억제되지 않고 짜증이 났지만 그의 친구들은 주변 사람들에게 항상 그것을 보여주지는 않았지만 그에게 부드러움이 있다고 주장했습니다. 어느 날 파티에서 집으로 돌아와서 그는 이렇게 말했습니다.
"내가 누구에게도 상처를 주지 않았다면 용서를 구합니다."
Brahms는 가장 패셔너블하고 우아하게 차려입은 작곡가와의 경쟁에서 우승하지 못했을 것입니다. 그는 사는 것을 싫어했다 새 옷그리고 종종 같은 헐렁하고 패치가 붙은 바지를 입었는데 거의 항상 그에게 너무 짧았습니다. 한 공연에서 그의 바지가 거의 떨어질 뻔했습니다. 또 다른 경우에는 넥타이를 벗어서 벨트 대신에 사용해야 했습니다.
Brahms의 음악 스타일은 Haydn, Mozart 및 Beethoven의 영향을 많이 받았으며 일부 음악 역사가는 그가 이미 유행하지 않은 고전주의 정신으로 작곡했다고 주장합니다. 동시에 그는 몇 가지 새로운 아이디어도 소유하고 있습니다. 그는 특히 작곡가들이 "반복 모티프"라고 부르는 작은 음악 조각을 개발하고 작업 전반에 걸쳐 반복하는 데 성공했습니다.
Opera Brahms는 글을 쓰지 않았지만 거의 모든 다른 장르의 클래식 음악을 시도했습니다. 따라서 중 하나라고 할 수 있습니다. 가장 위대한 작곡가우리 책에서 언급한 클래식 음악의 진정한 거인. 그는 자신의 작품에 대해 이렇게 말했습니다.
"작곡하는 건 어렵지 않은데, 여분의 노트를 탁자 아래에 던지는 건 의외로 어렵다."
막스 브루흐브람스보다 불과 5년 뒤에 태어났고, 브람스가 단 한 작품이 아니었다면 확실히 그를 압도했을 것입니다. 바이올린 협주곡 1번.
브루흐 자신도 이 사실을 인정하면서 많은 작곡가들에게 흔치 않은 겸손함을 드러냈습니다.
"지금부터 50년 후에 브람스는 역사상 가장 위대한 작곡가 중 한 명으로 불릴 것이며 나는 G단조 바이올린 협주곡을 작곡한 것으로 기억될 것입니다."
그리고 그는 옳은 것으로 판명되었습니다. 사실, Brujah 자신도 기억할 것이 있습니다! 그는 다른 많은 작품을 작곡했습니다. 모두 약 200곡입니다. 그는 특히 요즘 거의 공연되지 않는 합창단과 오페라를 위한 작품을 많이 가지고 있습니다. 그의 음악은 선율적이지만 그 발전에 특별히 새로운 기여를 한 것은 아니다. 그의 배경에 비추어 볼 때 당시의 다른 많은 작곡가들은 진정한 혁신가인 것 같습니다.
1880년 브루흐는 리버풀 왕립 필하모닉 소사이어티의 지휘자로 임명되었지만 3년 후 베를린으로 돌아왔습니다. 오케스트라의 음악가들은 그에게 만족하지 않았습니다.
우리 책의 페이지에서 우리는 이미 많은 음악 신동들을 만났고, 카미유 생상스그들 중 마지막 자리를 차지하지 않습니다. 두 살 때 Saint-Saens는 이미 피아노에서 멜로디를 집어 들었고 동시에 음악을 읽고 쓰는 법을 배웠습니다. 세 살 때 그는 연극을 했다 자신의 구성. 열 살 때 그는 모차르트와 베토벤을 완벽하게 연주했습니다. 그러나 그는 곤충학(나비와 곤충)에 진지하게 관심을 갖게 되었고 나중에는 지질학, 천문학, 철학을 포함한 다른 과학에도 관심을 갖게 되었습니다. 그런 것 같았어요 재능있는 아이단순히 한 가지로 제한될 수 없습니다.
파리 음악원을 졸업한 후 생상스는 오랫동안 오르간 연주자로 일했습니다. 나이가 들면서 그는 영향을 미치기 시작했습니다. 음악 생활프랑스, J.S. Bach, Mozart, Handel 및 Gluck과 같은 작곡가의 음악이 더 자주 연주되기 시작한 것은 그 덕분입니다.
최대 유명한 에세이세인트 - 산사 - 동물 카니발,작곡가가 평생 동안 연주하는 것을 금지했습니다. 그는 걱정했다 어떻게 음악 평론가,이 작업을 듣고 너무 경박하다고 생각하지 않았습니다. 결국 무대 위의 오케스트라가 사자, 수탉이있는 암탉, 거북이, 코끼리, 캥거루, 물고기가있는 수족관, 새, 당나귀, 백조를 묘사하는 것이 재밌습니다.
Saint-Saens는 유명한 "오르간" 교향곡 3번,영화 "베이비"에서 들렸습니다.
Saint-Saens의 음악은 다음을 포함한 다른 프랑스 작곡가의 작품에 영향을 미쳤습니다. 가브리엘 포레.이 청년은 이전에 Saint-Saens가 소유했던 파리의 St. Magdalene 교회에서 오르간 연주자의 지위를 물려 받았습니다.
그리고 Faure의 재능은 그의 선생님의 재능과 비교할 수 없지만 그는 훌륭한 피아니스트였습니다.
포레는 가난한 사람이었기 때문에 오르간을 연주하고 합창단을 지휘하고 레슨을 하면서 열심히 일했습니다. 그는 쓰고 있었다 자유 시간, 거의 남지 않았지만 그럼에도 불구하고 그는 250 편 이상의 작품을 출판했습니다. 그들 중 일부는 아주 오랫동안 작곡되었습니다. 예를 들어 레퀴엠 20년 넘게 지속되었습니다.
1905년 포레는 당시 프랑스 음악의 발전을 크게 좌우한 파리 음악원의 원장이 되었다. 15년 후 포레는 은퇴했다. 말년에 그는 청력 상실로 고생했습니다.
오늘날 Faure는 프랑스 밖에서도 존경을 받고 있지만 프랑스에서 가장 높이 평가받고 있습니다.
팬들을 위해 영어 음악와 같은 인물의 등장 에드워드 엘가,진짜 기적처럼 보였을 것입니다. 많은 음악 역사가들은 그를 최초의 중요한 인물로 언급합니다. 영국 작곡가바로크 시대에 일했던 Henry Purcell의 뒤를 이어 Arthur Sullivan도 언급했습니다.
Elgar는 영국, 특히 Malvern Hills의 들판에서 영감을 얻으며 대부분의 삶을 보냈던 그의 고향 Worcestershire를 매우 좋아했습니다.
어렸을 때 그는 모든 곳에서 음악에 둘러싸여 있었습니다. 그의 아버지는 지역 뮤직 스토어를 운영했고 어린 Elgar에게 다양한 연주를 가르쳤습니다. 악기. 열두 살 때 소년은 이미 교회 예배에서 오르간 연주자를 대신했습니다.
변호사 사무실에서 일한 후 Elgar는 재정적으로 훨씬 덜 안전한 직업에 전념하기로 결정했습니다. 얼마 동안 그는 바이올린과 피아노 레슨을 제공하고 지역 오케스트라에서 연주하고 약간의 지휘를하면서 아르바이트를했습니다.
점차 작곡가로서 Elgar의 명성은 커졌지만 고향을 벗어나는 데 어려움을 겪었습니다. 명성이 그를 데려왔다 변형 오리지널 테마, 지금은 더 잘 알려진 수수께끼 변형.
이제 Elgar의 음악은 국가 규모의 가장 큰 행사에서 매우 영어적이고 들리는 것으로 인식됩니다. 그것의 첫 소리에 첼로 협주곡영국 시골이 즉시 나타납니다. 니므롯~에서 변형공식 행사에서 자주 연주되며, 엄숙하고 의식적인 행진곡 1번,~로 알려진 희망과 영광의 땅수행하다 졸업 파티영국 전역.
Elgar는 가정적인 가장이었고 조용하고 질서 있는 삶을 사랑했습니다. 그럼에도 불구하고 그는 역사에 족적을 남겼다. 두꺼운 무성한 콧수염을 가진이 작곡가는 20 파운드 지폐에서 즉시 알아볼 수 있습니다. 분명히 지폐 디자이너들은 그러한 얼굴 털을 위조하기가 매우 어렵다는 것을 발견했습니다.
이탈리아에서 오페라 예술의 주세페 베르디의 후계자는 자코모 푸치니, 이 예술 형식의 인정받는 세계 거장 중 한 명으로 간주됩니다.
푸치니 가족은 오랫동안 교회 음악그러나 Giacomo가 오페라를 처음 들었을 때 아이다 Verdi, 그는 이것이 그의 소명임을 깨달았습니다.
밀라노에서 공부한 후, 푸치니는 오페라를 작곡합니다. 마농 레스코, 그것은 1893년에 그에게 첫 번째 큰 성공을 가져왔습니다. 그 후 하나의 성공적인 생산이 이어졌습니다. 보헤미아 1896년, 그리움 1900년과 나비부인 1904년.
푸치니는 총 12개의 오페라를 작곡했으며, 그 중 마지막은 투란도트.그는 이 작품을 완성하지 못한 채 세상을 떠났고, 다른 작곡가가 작품을 완성했다. 오페라 초연에서 지휘자 아르투로 토스카니니는 푸치니가 중단한 바로 그 지점에서 오케스트라를 중단시켰다. 그는 청중을 향해 이렇게 말했습니다.
푸치니의 죽음으로 이탈리아 오페라의 전성기는 막을 내렸다. 우리 책은 더 이상 이탈리아어를 언급하지 않습니다 오페라 작곡가. 그러나 우리의 미래가 어떻게 될지 누가 알겠습니까?
인생에서 구스타프 말러그는 작곡가보다 지휘자로 더 잘 알려져 있었다. 그는 겨울에 지휘했고 여름에는 원칙적으로 글쓰기를 선호했습니다.
어린 시절 말러는 할머니 집 다락방에서 피아노를 발견했다고 합니다. 4년 후인 10살의 나이에 그는 이미 첫 공연을 했다.
말러는 비엔나 음악원에서 공부하여 작곡을 시작했습니다. 1897년에 그는 빈 국립 오페라의 감독이 되었고 그 후 10년 동안 이 분야에서 상당한 명성을 얻었습니다.
그는 자신이 세 편의 오페라를 쓰기 시작했지만 끝내지 못했습니다. 우리 시대에 그는 교향곡 작곡가로 가장 잘 알려져 있습니다. 이 장르에서 그는 진정한 "히트" 중 하나를 소유하고 있습니다. 교향곡 8번,천 명 이상의 음악가와 가수가 참여하는 공연.
말러가 사망한 후 그의 음악은 50년 동안 유행에서 벗어났지만 20세기 후반에 특히 영국과 미국에서 다시 인기를 얻었습니다.
리하르트 슈트라우스독일과 왕조에서 태어나 비엔나 슈트라우스속하지 않았다. 이 작곡가는 거의 20세기 전반에 살았음에도 불구하고 여전히 독일 낭만주의 음악의 대표자로 간주됩니다.
Richard Strauss의 세계적인 인기는 1939 년 이후 독일에 머물기로 결정했고 2 차 세계 대전 이후 그는 나치와 협력했다는 비난을 완전히 받았다는 사실로 인해 다소 어려움을 겪었습니다.
Strauss는 훌륭한 지휘자였습니다. 덕분에 오케스트라의 특정 악기 소리가 어떻게 들리는지 완벽하게 이해했습니다. 그는 종종 이 지식을 실제로 적용했습니다. 그는 또한 다른 작곡가들에게 다음과 같은 다양한 조언을 했습니다.
"절대 트롬본을 쳐다보지 마세요, 당신은 단지 그들을 격려할 뿐입니다."
“연주하는 동안 땀을 흘리지 마십시오. 듣는 사람만 뜨거워져야지.”
오늘날 Strauss는 주로 그의 작곡과 관련하여 기억됩니다. 차라투스트라는 이렇게 말했다. Stanley Kubrick이 그의 영화 2001: A Space Odyssey에서 사용한 인트로. 그러나 그는 또한 최고의 독일 오페라를 작곡했는데, 그 중 일부는 - 로젠카발리에, 살로메그리고 낙소스의 아리아드네.그가 죽기 1년 전에 그는 또한 매우 아름다운 곡을 작곡했습니다. 4 최신 노래 목소리와 오케스트라를 위해. 사실 이들은 Strauss의 마지막 노래는 아니지만 그의 창작 활동의 일종의 피날레가되었습니다.
지금까지 이 책에 언급된 작곡가 중 스칸디나비아를 대표하는 작곡가는 에드바르 그리그 한 명뿐이었다. 그러나 이제 우리는 다시 이 가혹하고 추운 땅, 즉 이번에는 핀란드로 이동합니다. 장 시벨리우스,위대한 음악적 천재.
시벨리우스의 음악은 고국의 신화와 전설을 흡수했습니다. 그의 가장 위대한 작품, 핀란드,영국과 마찬가지로 핀란드의 국가 정신의 구체화로 간주됩니다. 국보 Elgar의 작품이 인정됩니다. 또한 시벨리우스는 말러와 마찬가지로 교향곡의 진정한 대가였습니다.
작곡가의 다른 열정에 관해서는 일상 생활에서 술과 담배를 지나치게 좋아하여 40 세에 인후암에 걸렸습니다. 그는 또한 종종 돈이 부족했고, 재정적 복지에 대해 걱정하지 않고 음악을 계속 쓸 수 있도록 국가에서 연금을 지급했습니다. 그러나 시벨리우스는 죽기 20년 이상 전에 작곡을 전혀 중단했습니다. 그는 여생을 상대적으로 고독하게 살았습니다. 그는 자신의 음악에 대한 리뷰로 돈을 받는 사람들에 대해 특히 가혹했습니다.
“비평가들이 말하는 것에 주의를 기울이지 마십시오. 지금까지 동상을 받은 평론가는 단 한 명도 없습니다.”
낭만주의 시대의 작곡가 목록에 있는 마지막 사람도 거의 20세기 중반까지 살았지만 그의 대부분의 작곡가는 유명한 작품그는 1900년대에 썼다. 그러나 그는 낭만주의에 속하며 이것이 전체 그룹 중에서 가장 낭만적 인 작곡가 인 것 같습니다.
세르게이 바실리예비치 라흐마니노프그 당시 많은 돈을 썼던 고귀한 가정에서 태어났습니다. 그는 일찍부터 음악에 대한 관심을 키웠다. 어린 시절, 그의 부모는 처음에는 상트 페테르부르크에서, 그다음에는 모스크바에서 공부하도록 그를 보냈습니다.
라흐마니노프는 놀랍도록 재능 있는 피아니스트였으며 훌륭한 작곡가이기도 했습니다.
내 거 피아노 협주곡 1번그는 열아홉에 썼다. 그는 또한 그의 첫 번째 오페라를 위한 시간을 찾았습니다. 알레코.
하지만 이 삶은 위대한 음악가, 원칙적으로 특별히 기뻐하지 않았습니다. 많은 사진에서 우리는 화를 내며 눈살을 찌푸리는 남자를 봅니다. 또 다른 러시아 작곡가 이고르 스트라빈스키는 이렇게 말했습니다.
“라흐마니노프의 불멸의 본질은 그의 찌푸린 얼굴이었습니다. 그는 찌푸린 얼굴이 6피트 반이었고... 그는 무시무시한 사람이었습니다."
젊은 라흐마니노프가 차이코프스키에서 뛰었을 때 그는 너무 기뻐서 모스크바 음악원 역사상 가장 높은 점수 인 그의 악보에 4 개의 플러스가있는 5를 넣었습니다. 곧 오 젊은 재능도시 전체가 말했습니다.
그럼에도 불구하고 운명은 오랫동안 음악가에게 불리했습니다.
비평가들은 그에게 매우 가혹했습니다. 교향곡 1번,초연은 실패로 끝났습니다. 이것은 라흐마니노프에게 힘든 시간을 주었다. 영혼의 감정, 그는 자신의 힘에 대한 믿음을 잃었고 아무것도 작곡할 수 없었습니다.
결국 경험 많은 정신과 의사 Nikolai Dahl의 도움으로 위기에서 벗어날 수있었습니다. 1901년까지 라흐마니노프는 피아노 협주곡을 완성했고, 수년 동안 열심히 작업하여 달 박사에게 바쳤습니다. 이번에는 청중이 작곡가의 작품을 기쁘게 맞이했습니다. 그때부터 피아노 협주곡 2번즐겨 찾기가되었습니다 고전다양한 수행 뮤지컬 그룹세계적인.
Rachmaninoff는 유럽과 미국을 여행하기 시작했습니다. 러시아로 돌아와 지휘와 작곡을 했다.
1917년 혁명 이후 라흐마니노프와 그의 가족은 스칸디나비아로 콘서트를 갔다. 그는 집에 돌아오지 않았습니다. 대신 그는 스위스로 이주하여 루체른 호숫가에 집을 샀습니다. 그는 항상 수역을 좋아했고 이제 상당히 부자가 되었을 때 해안에서 휴식을 취하고 탁 트인 풍경에 감탄할 수 있었습니다.
라흐마니노프는 뛰어난 지휘자였으며 이 분야에서 뛰어나고자 하는 사람들에게 항상 다음과 같은 조언을 했습니다.
“훌륭한 지휘자는 훌륭한 운전사여야 합니다. 둘 다 동일한 자질을 필요로 합니다: 집중, 지속적인 강렬한 주의 및 마음의 존재. 지휘자는 음악을 조금만 알면 되는데…
1935년 라흐마니노프는 미국에 정착하기로 결정했습니다. 그는 처음에 뉴욕에서 살다가 로스앤젤레스로 이사했습니다. 그곳에서 그는 자신을 위해 집을 짓기 시작했습니다. 새 집, 그가 모스크바에 남긴 것과 완전히 동일합니다.
투르친 V S
책 Bretons에서 [바다의 낭만주의 (리터)] 지오 피에르-롤랑 음악의 간략한 역사 책에서. 가장 완벽하고 간결한 안내서 저자 헨리 대런로망스의 세 가지 하위 섹션 우리 책을 훑어보면 이것이 37명 이상의 작곡가가 언급되는 모든 챕터 중에서 가장 큰 챕터라는 것을 알게 될 것입니다. 그들 중 많은 사람들이 동시에 살며 일했습니다. 다른 나라. 따라서 우리는 이 장을 세 부분으로 나누었습니다.
책에서 Life will go out, but I will stay: 전집 작가 글린카 글렙 알렉산드로비치초기 낭만주의 이들은 고전 시대와 후기 낭만주의 시대 사이에 일종의 가교 역할을 한 작곡가들이다. 그들 중 다수는 "클래식"과 동시에 작업했으며 Mozart와 Beethoven은 작업에 큰 영향을 미쳤습니다. 동시에 그들 중 많은 사람들이 기여했습니다.
책 사랑과 스페인에서 저자 업튼 니나컬렉션에 포함되지 않은 후기 시 망상 나는 이전 경로로 돌아 가지 않을 것입니다. 있었던 것은 아닙니다. 러시아뿐만 아니라 유럽도 잊기 시작했습니다. 인생은 전부 또는 거의 전부 낭비됩니다. 나는 혼잣말을 한다: 나는 미국에서 어떻게 나를 찾았는가? 무엇을 위해 그리고 왜? - 아니다
책에서 거울 뒤에서 1910-1930s 작가 Bondar-Tereshchenko 이고르10장. 낭만적인 외국인과 스페인 코플라스 1838년 스페인 회화 전시회는 파리 전체를 사로잡았다. 그녀는 진정한 계시였습니다. 스페인이 유행하고 있습니다. 낭만주의자들은 기쁨에 떨었다. Théophile Gauthier, Prosper Mérimée, Alexandre Dumas(누가 뺨을 맞았는지)
책에서 Rus의 기원까지' [사람과 언어] 작가 트루바초프 올레그 니콜라예비치 저자의 책에서역사는 "살아있다": 로맨스에서 실용주의에 이르기까지 문학 학자들은 종종 문학으로부터의 독립성을 강조하고 어류학에 대해 글을 쓰기 위해 리바가 될 필요가 없는 사람들에 대해 이야기합니다. 나는 적합하지 않다. 나 자신이 리바라는 사실에 적합하지 않습니다. 나는 작가 문학 학자입니다.
낭만주의 시대에 음악은 예술 체계에서 가장 중요한 위치를 차지했습니다. 이것은 표현 수단의 전체 무기고를 사용하여 감정적 경험을 가장 완벽하게 반영 할 수있는 특이성 때문입니다.
음악의 낭만주의는 F. Schubert, E. Hoffmann, N. Paganini, K.M. 웨버, G. 로시니. 조금 후에이 스타일은 F. Mendelssohn, F. Chopin, R. Schumann, F. Liszt, G. Verdi 및 기타 작곡가의 작품에 반영되었습니다.
낭만주의는 19세기 초 유럽에서 시작되었습니다. 그것은 고전주의에 대한 일종의 반대가되었습니다. 낭만주의는 듣는 이로 하여금 마법의 세계전설, 노래 및 이야기. 이 방향의 주요 원칙은 반대 (꿈과 일상 생활, 완벽한 세상일상생활), 생성 창의적인 상상력작곡가. 이 스타일은 창의적인 사람들 19세기 40대까지.
음악의 낭만주의는 문제를 반영합니다. 현대인, 그것의 충돌 외부 세계그리고 그의 외로움. 이러한 주제는 작곡가 작업의 중심이 됩니다. 남들과 다른 재능을 가진 사람은 남들에게 끊임없이 오해를 받는다. 그의 재능과 외로움의 원인이됩니다. 그렇기 때문에 낭만적 인 작곡가가 가장 좋아하는 영웅은 시인, 음악가 및 예술가입니다 (R. Schumann "시인의 사랑"; Berlioz는 "An Episode from the Life of an Artist"에서 "Fantastic Symphony"등의 부제입니다. ).
사람의 내적 경험의 세계를 전달하는 음악의 낭만주의는 종종 자서전, 성실 및 서정의 가미를 지니고 있습니다. 사랑과 열정의 주제가 널리 사용됩니다. 예를 들어, 유명한 작곡가 R. Schumann은 사랑하는 Clara Wieck에게 많은 피아노 작품을 바쳤습니다.
자연의 주제는 낭만주의 작품에서도 매우 일반적입니다. 작곡가들은 종종 반대한다. 마음의 상태불협화음으로 얼룩진 남자.
환상의 주제는 낭만주의의 진정한 발견이되었습니다. 다양한 요소를 통해 환상적인 캐릭터의 창조와 이미지의 전이에 적극적으로 임하고 있다. 음악적 언어(모차르트 " 마법의 피리"- 밤의 여왕).
종종 음악의 낭만주의는 민속 예술. 작품의 작곡가는 노래와 발라드에서 가져온 다양한 민속 요소(리듬, 억양, 이전 모드)를 사용합니다. 이를 통해 뮤지컬 연극의 내용을 크게 풍부하게 할 수 있습니다.
새로운 이미지와 주제를 사용하려면 적절한 형식을 찾아야 했습니다. 낭만적인 작품음성 억양, 자연스러운 하모니, 다양한 키의 반대, 솔로 파트(목소리)가 나타납니다.
음악의 낭만주의는 예술의 종합이라는 아이디어를 구현했습니다. 이에 대한 예는 Schumann, Berlioz, Liszt 및 기타 작곡가의 프로그래밍 작업입니다 (교향곡 "Harold in Italy",시 "Preludes",주기 "Years of Wanderings"등).
러시아 낭만주의는 M. Glinka, N. Rimsky-Korsakov, A. Borodin, C. Cui, M. Balakirev, P. Tchaikovsky 등의 작품에 생생하게 반영되었습니다.
그의 작품에서 A. Dargomyzhsky는 다각적 인 심리적 이미지 ( "인어", 로맨스)를 전달합니다. 오페라 Ivan Susanin에서 M. Glinka는 일반 러시아인의 삶을 그림으로 그립니다. 당연히 유명한 "Mighty Handful"작곡가의 작품이 정점으로 간주됩니다. 그들은 사용했다 표현 수단러시아어 고유의 특징적인 억양 민요, 가정용 음악, 구어체 연설.
그 후이 스타일은 A. Scriabin (전주곡 "Dreams",시 "To the Flame")과 S. Rachmaninov (스케치 그림, 오페라 "Aleko", 칸타타 "Spring")에서도 사용되었습니다.
