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19세기 러시아 문화

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인류 역사의 모든 문화를 설명하는 주요 매개변수인 그 특성(공간과 시간)은 고대 신화의 필수적인 부분인 그의 미술과 의식에 처음으로 기록되었습니다.

소련 시대 벨로루시의 문화 발전

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고대 이집트의 문학과 예술

20~40년대 소련의 새로운 사회주의적 삶의 방식

이 기간 동안 시각 예술에는 상당한 변화가 있었습니다. 1920년대에도 순회 전시회 협회와 러시아 예술가 연합이 계속 존재했다는 사실에도 불구하고...

20세기 러시아의 장식 및 응용 예술. "메가프로젝트. 소치 올림픽 모델" - 2014년 올림픽 게임의 수도인 소치를 위한 프로젝트 계획. 또한 매년 전국 여러 도시와 박물관에서 15-20개의 임시 전시회가 전시됩니다.

18세기 성상화 회화의 발전.

XVIII 세기 50년대 초반. 우크라이나의 공공 생활에는 봉건 관계가 더욱 심화됨에 따라 큰 변화가 있습니다. XVIII 세기 80년대 초, 자치 우크라이나 잔재의 최종 청산이 이루어졌습니다.

Yu.K.졸로토프

18세기 초 프랑스 미술에는 큰 변화가 일어났습니다. 베르사유에서 아트 센터점차 파리로 이사했습니다. 절대주의를 신봉하는 궁정 예술은 위기에 처했습니다. 역사적인 그림의 지배력은 더 이상 분리되지 않았으며 미술 전시회에서 점점 더 많은 초상화와 장르 구성을 볼 수 있게 되었습니다. 종교적 주제에 대한 해석은 성직자들이 주문한 제단화(산테라의 수잔나)를 받아들이기를 거부할 정도로 세속적인 성격을 갖게 되었습니다.

로마-볼로냐 학문 전통 대신 17세기 플랑드르와 네덜란드 사실주의의 영향이 커졌습니다. 젊은 예술가들은 루벤스의 그림을 따라하기 위해 룩셈부르크 궁전으로 달려갔습니다. 현재 발생하는 수많은 개인 컬렉션에는 플랑드르, 네덜란드, 베네치아 거장들의 작품이 점점 더 많아지고 있습니다. 미학에서는 '숭고한 아름다움'(펠리비앙)에 대한 변명은 현실적 탐구에 동조하는 이론가들의 거센 반대에 부딪힌다. 소위 "푸시니스트와 루벤스주의자의 전투"는 예술가들에게 자연을 모방해야 할 필요성을 상기시키고 그림에서 색채의 감성을 높이 평가한 로저 드 피엘(Roger de Piel)의 승리로 절정에 달했습니다. "태양왕" 시대의 정신에 해당하는 학계의 아류들의 딱딱한 수사학은 새로운 경향 앞에서 점차 물러났습니다.

2세기가 바뀌는 이 중요한 시기에, 오래된 이상이 무너지고 새로운 이상이 구체화되고 있을 때 앙투안 와토(Antoine Watteau, 1684-1721)의 예술이 탄생했습니다.

발랑시엔 지붕수리공의 아들로 태어나 체계적인 교육을 받지 못한 와토는 1702년경 파리로 갔다.

창작의 초기인 처음 10년 동안 그는 다양한 구매자들에게 인기를 끌었던 일상적인 장면과 "패션과 관습"의 판화를 작업하는 화가와 조각가들 사이에서 살면서 일했습니다. 무명의 장인의 작업실에서 그는 네덜란드 장르 화가들의 작품을 복사했습니다. 이러한 환경에서 젊은 예술가는 플랑드르뿐만 아니라 학문적 벽 밖에서 발전한 민족 회화 전통도 인식했습니다. 그리고 나중에 Watteau의 예술이 어떻게 바뀌더라도 이러한 전통은 그에게 영원히 흔적을 남겼습니다. 관심 평범한 사람, 이미지의 서정적 따뜻함, 자연의 스케치에 대한 관찰 및 존중-이 모든 것은 그의 젊음에서 시작되었습니다.

이 기간 동안 Watteau는 장식 미술도 공부했습니다. 그러나 친구들은 "국가 축제, 연극 주제 및 현대 의상"에 대한 그의 취향을 강조했습니다. 전기 작가 중 한 명은 Watteau가 "방황하는 사기꾼이 일반적으로 연기하는 다양한 만화 장면을 그리기 위해 매 순간을 사용하여 광장으로 이동했습니다"라고 말했습니다. Watteau의 첫 번째 파리 교사가 아카데미에서 "현대 주제의 예술가"로 명명된 Claude Gillot인 것은 당연합니다. 룩셈부르크 궁전 컬렉션 큐레이터였던 두 번째 교사 Claude Audran의 도움으로 Watteau는 세계 예술에 대해 많은 것을 배웠고 Rubens의 "Medici Gallery"에 대해 알게되었습니다. 1709년에 그는 로마상을 받으려고 노력했는데, 그 상은 이탈리아로 여행할 수 있는 권리를 부여했습니다. 그러나 성경 이야기에 대한 그의 구성은 성공하지 못했습니다. Gillot과 Audran의 작업장에서 Watteau의 작업은 장식 패널에 대한 그의 관심에 기여했습니다. 이 장르는 모든 사람들의 특징입니다. 프랑스 그림 18세기 그는 절묘한 기발함으로 화가의 이젤 작품의 구성 원리에 영향을 미쳤습니다. 결과적으로 로코코 장식 예술의 필수 요소는 Watteau의 새로운 검색의 영향을 받아 세기 초에 구체화되었습니다.

같은 1709년에 Watteau는 파리를 떠나 그의 고향인 발랑시엔으로 향했습니다. 출발 직전에 그는 자신의 장르의 촌극 중 하나를 공연했습니다. 그녀는 군인 분리의 공연을 묘사했습니다. 분명히 대중은 전투가 벌어진 발렌시엔(Valenciennes)에 있는 이러한 이야기를 좋아했습니다(스페인 계승을 위한 전쟁이 있었습니다). Watteau는 파리로 돌아온 후에도 계속해서 작업했습니다.

Watteau의 "군사 장르"는 전쟁 장면이 아닙니다. 그들에게는 공포나 비극이 없습니다. 이것은 군인들의 정지, 나머지 난민, 분리대의 움직임입니다. 17 세기 사실주의 장르를 연상케하며, 장교와 난민의 모습에는 꼭두각시 같은 우아함이 있지만 이러한 세련미가 주요한 것은 아닙니다. "Bivouac"(모스크바, A. S. Pushkin의 이름을 딴 미술관)과 같은 장면은 이야기의 설득력과 풍부한 관찰 측면에서 이상화하는 전투 그림과 결정적으로 다릅니다. 포즈, 몸짓의 미묘한 표현력이 풍경의 서정성과 결합됩니다.

Watteau의 작품은 연대가 거의 알려져 있지 않으며 그의 작품의 발전을 상상하기 어렵습니다. 그러나 그의 '현대 장르'의 초기 작품에는 작가의 성숙한 예술의 특징인 우울함과 괴로움이 아직 없다는 것이 분명하다. 그들의 줄거리는 "군사 장르", 도시 생활의 장면, 연극 에피소드(그 중 하나는 1712년 아카데미에 제출됨) 등 매우 다양합니다. 이러한 현대 장르 중에는 서정적 침투력이 뛰어난 Hermitage Savoyard가 있습니다.

1710년대 전반. 와토는 당대 최고의 풍자가였던 르사주와 가까워졌습니다. 그는 유명한 부자이자 수집가인 크로자(Crozat)의 집에 소개되었으며, 그곳에서 그는 옛 거장의 많은 걸작을 보고 저명한 루벤 화가(샤를 드 라포스(Charles de Lafosse) 등)를 만났습니다.

이 모든 것이 파리 초기의 Watteau와 마찬가지로 장인 장르의 화가를 그의 귀족 고객이 알고 있듯이 점차적으로 용감한 축제의 인기 화가로 변모시켰습니다. 그러나 삶에 대한 인식은 도달할 수 없는 아름다움에 대한 시적 꿈과 얽혀 있는 모순에 대한 예리한 감각을 가져왔습니다.

Watteau의 성숙한 작품 중 가장 중요한 장소는 화려한 축제가 차지했습니다. 그 안에서 그는 Crozat 예술의 후원자에게서 볼 수 있었던 세속적 "집회"와 연극적 가장 무도회를 묘사했습니다. 그러나 Watteau의 화려한 축제가 순수한 환상이 아니고 친구와 고객의 초상화까지 발견된다면 그 비유적 구조는 관객을 일상 생활에서 멀리 떨어진 세계로 데려갑니다. 이것이 "사랑의 향연"(드레스덴)입니다. 큐피드와 함께 아프로디테 동상 근처 공원에있는 신사 숙녀 여러분의 이미지입니다. 인물에서 인물로, 그룹에서 그룹으로 감정의 미묘한 뉘앙스가 기발하게 서로 대체되어 연약한 색상 조합과 풍경의 부드러운 선에서 울려 퍼집니다. 녹색과 파란색, 분홍색과 펄 그레이, 보라색과 빨간색의 작은 스트로크가 결합되어 떨리고 부드러운 조화를 이룹니다. 이러한 밝은 톤의 변화는 그림의 다채로운 표면이 약간 진동하는 듯한 느낌을 줍니다. 나무들이 늘어선 무대 뒤는 마치 연극 무대처럼 배치되어 있지만, 공중에 떠 있는 유연하고 떨리는 나뭇가지의 투명성은 무대 뒤를 공간적으로 만든다. Watteau는 인물과 함께 거주하며 나무 줄기를 통해 거리를 볼 수 있으며 거의 ​​낭만적 인 특이함으로 매료됩니다. 와토의 그림에 등장하는 인물의 감정과 풍경의 조화는 18세기 풍경화 발전에 있어서 그의 예술이 중요한 역할을 하는 기초가 된다. 감성에 대한 탐구는 와토를 루벤스의 유산으로 끌어들입니다. 이것은 "Jupiter and Antiope"와 같은 신화적인 구성으로 나타났습니다. 그러나 루벤스의 열정은 우울한 나른함, 감정의 충만 함, 그늘의 떨림으로 이어집니다. Watteau의 예술적 이상은 아름다움이 얼굴 특징이 아니라 종종 눈에 띄지 않는 움직임으로 표현된다는 Montesquieu의 아이디어를 연상시킵니다.

화가의 방법은 그가 학생 Lycra에게 준 조언이 특징입니다. “어떤 교사와 더 이상 머무르는 데 시간을 낭비하지 말고, 계속해서 교사의 교사 인 자연에게 노력을 기울이십시오. 파리 외곽으로 가서 그곳의 풍경을 스케치한 다음, 자신의 상상력과 선택에 따라 몇 가지 인물을 스케치하고 이를 바탕으로 그림을 만듭니다.”( "예술에 관한 예술 석사", 1권, M.-L., 1937, p.597). 풍경과 인물을 결합하고 환상을 품고 선택하면서 Watteau는 그림을 만드는 데 사용된 다양한 요소를 지배적인 감정적 동기에 종속시켰습니다. 화려한 축제에서는 묘사된 것과 예술가의 분리가 느껴집니다. 그것은 화가의 꿈과 삶의 불완전함 사이의 깊은 괴리의 결과이다. 그럼에도 불구하고 Watteau는 변함없이 존재의 가장 미묘한 시에 매력을 느낍니다. 그의 예술이 음악성의 가장 특징적인 것은 아무것도 아니며 캐릭터는 종종 모호하고 거의 인식할 수 없는 멜로디를 듣는 것처럼 보입니다. Metsetin (1719 년경, 뉴욕, 메트로폴리탄 미술관)도 그렇고, 멍청한 생각으로 가득 찬 Louvre Finette도 그렇습니다.

Watteau 작품의 미묘한 감성은 세기 예술이 나중에 Delacroix가 "모호하고 우울한 감정의 영역"이라고 불렀던 지식에 대한 길을 닦은 정복이었습니다. 물론, 화가의 탐색이 발전한 좁은 경계는 이러한 탐색에 불가피한 한계를 두었습니다. 작가는 그것을 느꼈다. 전기 작가들은 그가 음모에서 음모로 돌진하고 자신에게 짜증을 내며 자신이 한 일에 대해 빨리 실망했다고 말합니다. 이러한 내부 불화는 Watteau 예술의 불일치를 반영합니다.

1717년에 Watteau는 "키테라 섬으로의 순례"(루브르 박물관)라는 대형 그림을 아카데미에 제출하여 학자라는 칭호를 받았습니다. 이것은 베네치아를 연상시키는 웅장한 황금색 색조로 실행된 그의 최고의 작품 중 하나이며, 이를 통해 은빛 푸른 색조가 나타납니다. 세속적 인 신사 숙녀 여러분은 금박을 입힌 배를 향해 언덕을 따라 움직이고 있으며, 자신을 사랑의 섬인 Cythera 섬의 순례자로 대표합니다 (그리스 전설에 따르면 사랑의 여신 아프로디테가 태어났습니다). 커플들은 마치 그림의 일반적인 서정적 주제를 포착하는 것처럼 감정적 색조를 다양하게 따라가며 차례로 따라갑니다. 큰 나무 가지 아래의 아프로디테 동상에서 시작되는 움직임은 가속되는 리듬으로 전개됩니다. 우울함과 의심은 열정과 활기로 바뀌고 마지막으로 보트 위에서 펄럭이는 큐피드의 기발한 놀이로 이어집니다. 연약하고 변하기 쉬운 감정의 거의 눈에 띄지 않는 전환, 모호한 예감과 우유부단한 욕망의 흔들리는 플레이-와토의 시 영역은 확실성과 에너지가 결여되어 있습니다. 감정의 뉘앙스에 대한 인식의 날카로움은 그의 "위대한 길"과는 대조적으로 "인간 마음의 길"에 대해 극작가 Marivaux에게 보낸 볼테르의 말을 연상시킵니다. "Cythera 섬으로의 순례"에서 Watteau의 절묘한 색채주의는 놀랍습니다. 브러시의 가벼운 진동 움직임은 형태의 이동성 느낌과 떨리는 흥분을 만들어냅니다. 모든 것은 나무의 밝은 면류관을 통해 흐르는 부드러운 확산광으로 스며듭니다. 산간 거리의 윤곽이 온화한 바람이 부는 안개 속에 녹아 있습니다. 주황색, 옅은 녹색, 분홍빛이 도는 빨간색 옷감의 밝은 색상 액센트가 황금색 배경에 빛납니다. 와토의 몽환적인 예술은 특별한 시적 매력을 부여받았고, 그의 동시대 사람들이 예의바르고 터무니없게 보였던 "화려한 축제"를 마법처럼 변화시켰습니다.

Watteau의 작곡 중 상당수는 캐릭터가 이상한 삶을 살고 늙었지만 여전히 마음에 소중한 역할, 재미 있고 슬픈 연극의 역할을 수행하는 연극 장면을 연상시킵니다. 그러나 현대 공연의 실제 내용은 연극과 연극 음모에 대한 Watteau의 관심을 결정했습니다. 작가의 초기 작품뿐만 아니라 그 중 많은 것들이 있습니다. 최근 몇 년 동안 이 주기의 가장 중요한 작품이 등장했습니다. 그중에는 이탈리아 배우들이 파리로 돌아온 1716년 이후에 쓰여진 것으로 보이는 이탈리아 코미디언(베를린)이 있는데, 이는 국가를 지배하는 집단에 대한 풍자적 공격으로 인해 17세기 말 프랑스에서 추방되었습니다. 공연의 마지막 장면에서는 횃불과 랜턴의 빛 아래서 황혼 속에서 메세틴의 모습, 조롱하는 질, 역동적인 할리퀸, 온화하고 요염한 여배우들의 모습이 등장합니다. 나중에도 화보 방식으로 판단하면 프랑스 코미디 (뉴욕, 베이트 컬렉션) 배우의 이미지가 공연되었습니다. 이 극장 공연 중 하나의 에피소드는 적어도 1717 년까지 화려한 스타일 Gil Blas의 첫 번째 책에서 Lesage가 연기를 지배하고 조롱했습니다. 수많은 건축 요소와 의상의 화려 함은 화가가 미묘하게 전달한 "로마인"의 재미있는 파토스 (당시 프랑스 코미디 극장의 배우를 아이러니하게도 불렀음), 살롱 매너 및 우스꽝스러운 포즈를 보완합니다. 이러한 비교는 삶의 사건, 예술 작업에 대한 예술가의 태도를 드러냅니다.

그러나 극장과 관련된 Watteau의 가장 주목할만한 작품은 Gilles (Louvre)입니다. 이 큰 그림의 구성적 해법은 다소 신비롭고 항상 많은 상충되는 해석을 불러일으켰습니다. 밝은 하늘과 짙은 녹색 나무를 배경으로 흰 옷을 입은 배우의 모습이 떠오른다. 회색 모자가 얼굴을 감싸고, 시청자에게 차분한 시선을 고정하고, 손을 낮추었습니다. Gilles가 서있는 경사로 모양의 언덕 뒤에는 그의 동료 장인이 있으며 그들은 밧줄로 당나귀를 당기고 웃으며 Scapin이 그 위에 나뭇잎을 남깁니다. 절제된 대비를 통해 이 그룹의 부활은 움직이지 않는 질의 집중을 강조한다. Gilles의 모습과 그와 어떤 행동으로도 연결되지 않은 두 번째 계획의 캐릭터의 구성적 불일치는 이 그림이 이탈리아 코미디 극장의 공정한 시즌 중 하나의 표시로 실행되었다는 흥미로운 가정으로 설명될 수 있습니다. 그렇다면 대중이 가장 좋아하는 Gilles가 시청자에게 연설하고 이탈리아 소나무가 풍경에 보이는 이유는 분명합니다. 공정한 극장에서는 그러한 표지판이 종종 걸려 있습니다. 그림의 주인공은 명상과 깊은 생각의 상태로 나타납니다. 구성의 본질은 궁극적으로 세상에 대한 호소와 복잡하고 심오한 내면의 삶이 모순적으로 얽혀 미묘한 감정적 뉘앙스로 드러나는 것에 의해 정확하게 결정됩니다. 약간 올라간 눈썹, 눈동자를 약간 덮는 무겁게 부은 눈꺼풀, 입술의 약간의 움직임-이 모든 것이 배우의 얼굴에 특별한 표현력을 부여합니다. 그 안에는 슬픈 조롱도 있고, 숨겨진 자부심도 있고, 사람의 마음을 사로잡을 수 있는 사람의 숨겨진 설렘도 있다.

Gilles가 실행되는 그림 같은 방식은 Watteau 검색의 다양성과 그의 예술 혁신을 증언합니다. 초기 작품은 얇고 단단한 붓, 작은 가벼운 획, 직사각형, 점성, 양각, 약간 구불구불한 모양으로 마치 물체의 모양과 윤곽에 매달린 것처럼 만들어졌습니다. 표면이 부서진 빛은 옅은 흰색, 녹색, 파란색, 보라색, 분홍색, 진주 회색 및 노란색과 같은 다양한 귀중한 진주 색조로 반짝입니다. 이러한 자개 범람으로 인해 동시대인들은 와토가 붓을 씻지 않고 냄비에서 물감을 꺼내어 모두 섞는다는 농담을 하게 되었습니다. 놀랍도록 다양한 색조가 최고급 유약과 결합됩니다. Delacroix는 Watteau의 기술이 놀랍다고 말하면서 Flanders와 Venice가 결합되었다고 주장했습니다.

"Gilles"의 경우 "Pilgrimage to the Island of Cythera"의 황금색 스케일 옆에 있는 색 구성표는 이전 "황금"시대와 관련하여 Watteau의 후기 작품의 색상과 마찬가지로 더 차갑고 푸르스름해 보입니다. 그림은 화려한 축제보다 훨씬 더 널리 쓰여졌으며, 색상의 자유로운 움직임을 느끼고, 가장 중요한 것은 배우의 흰색 옷에 노란색, 파란색, 라일락 및 빨간색의 색상 그림자가 있다는 것입니다. 이것은 대담한 탐구이자 현실적 경향의 심화로, 거장의 수많은 그림 속에 생생하게 구현되어 있다.

그래픽 와토(Graphic Watteau)는 18세기 프랑스 예술의 가장 주목할만한 페이지 중 하나였습니다. 예술가는 일반적으로 검은색 이탈리아 연필, 다혈질, 분필을 사용하여 세 가지 색상으로 그림을 그렸습니다. 그의 그림은 실시간 관찰을 기반으로 합니다. 그들은 미래의 그림을 위해 만들어졌는데, 예술가 자신이 지금 우리가 부르는 것처럼 부르지 않았지만 예를 들어 "8개의 숫자가 있는 정원을 나타내는 작은 그림"입니다. Watteau의 그래픽에서 우리는 귀족과 거지, 군인과 귀족 여성, 상인과 농민 등 다양한 인물을 만납니다. 이는 나중에 새겨진 "다양한 캐릭터의 인물"4 권에 달하는 거대한 유형 컬렉션입니다. 장식 패널의 스케치, 우아한 풍경 그림은 훌륭하지만 여성의 머리는 특히 좋습니다. 다양한 회전에서 화가가 그토록 높이 평가했던 미묘한 감정의 색조를 전달하는 움직임이 있습니다. 그림에 필요한 포즈, 몸짓에 대한 탐색이었다. 그러나 이 그림들은 독자적인 사실적 가치를 획득할 만큼 깊은 내용을 담고 있다. 가벼운 스트로크와 물결 모양의 선은 공간, 빛의 미끄러지는 반사, 반짝이는 직물의 무지개 빛깔, 공기 안개의 부드러움을 재현합니다. 와토의 그림에는 그의 그림과 마찬가지로 미묘한 시적 매력이 담겨 있습니다.

Watteau의 마지막 작품은 Gersin(1721경, 베를린)의 골동품 가게의 간판이었습니다. 이 사진은 Watteau 자신이 높이 평가했으며 일반적으로 자신에게 불만족했습니다.

단 15일 동안 Gersin의 가게 위에 매달려 있던 Watteau의 간판은 대중의 관심을 끌었습니다. 그녀는 이 가게의 내부를 평소 방문객들과 함께 묘사했습니다. 고귀한 귀부인과 귀족들이 동행하고, 주인과 하인들이 구입한 그림을 상자에 넣는 모습을 묘사했습니다. 손님과 호스트의 관심은 예술 작품에 흡수되므로 "Sign of Gersin"에서는 Watteau의 작품 특유의 절묘한 감성의 특별한 분위기가 지배적입니다. 그 안에서는 미묘한 아이러니가 서정적인 부드러움으로 대체되는 생생하고 실제적인 내러티브로 그 어느 때보다 구체화됩니다. 루이 14세의 초상화가 놓인 상자 근처에는 조롱하는 평민이 있고, 큰 목가적 그림 속에서 벌거벗은 님프를 바라보는 원시 귀족들이 있고, 첫 번째 그룹에서는 단정한 여인의 위엄 있는 포즈가 수수함을 돋보이게 한다. , Gersin의 젊은 아내의 약간 수줍은 매너. 가게는 마치 무대처럼 거리로 열려있습니다. 핑크 드레스를 입은 여성이 내부로 들어가는 모습에서 줄거리의 전개가 시작되고, Watteau 구성의 특징적인 일련의 움직임과 회전, 미장센의 리드미컬 한 교대와 그들 사이의 공간적 휴지. 포즈와 몸짓의 조형적 풍부함은 화가의 창의적인 방법의 특징인 감정적 의사소통의 구체적인 동기인 내러티브의 발전과 연결됩니다. 연약하고 섬세한 색상의 조화는 절제력과 조형적 확실성을 획득합니다.

"게르신의 징표"는 18세기 사실주의의 새로운 정복을 기대하며 당시 사람들에 대한 표현적인 이야기입니다. 그러나 1721년에 사망한 예술가의 갑작스러운 죽음은 18세기 프랑스 회화에 많은 영향을 미쳤던 그의 모순적이고 급속한 창의적 발전을 방해했습니다.

와토의 작품은 18세기 초 화가들에게 강한 영향을 미쳤다. 그의 학생들은 그의 예술의 전통을 발전시키려고 노력했습니다. 그의 직접적인 추종자 중 가장 평범한 Pater는 피상적인 용감한 음모와 새로운 형태의 발전에 경의를 표한 목회자 Antoine Quillard와 Nicola Lancre에게 끌렸습니다. 가정용 장르. 학자 Carl Vanloo와 다른 사람들은 "용감한 장르"를 좋아했습니다. 그러나 18세기 프랑스 미술에 와토가 끼친 영향은 다음과 같습니다. 훨씬 더 넓었습니다. 그는 현대 주제, 감정의 서정적 음영에 대한 인식 강화, 자연과의 시적 의사 소통, 미묘한 색상 감각에 대한 길을 열었습니다.

200년의 문턱에 선 와토 이후, 사회의 고군분투하는 세력과 관련된 다양한 경향 사이의 모순이 프랑스 미술에서 더욱 분명하게 나타나기 시작했습니다. 한편으로는 1720-1730년대. 이미 일찍부터 등장했던 로코코 예술이 구체화되고 있습니다. 기념비적인 앙상블이 귀족의 친밀한 저택으로 대체되고 예술 작품이 이러한 저택의 작은 내부를 장식하는 우아한 장신구로 해석되기 시작하는 건축 및 건축 장식의 새로운 원칙에 정비례하여 발생합니다. 궁극적으로 예술의인지 적 가치에 대한 관심이 약화되는 로코코의 쾌락주의 적 성격은 "우리 이후-심지어 홍수"라는 단어로 묘사되는 시대에 고귀한 문화의 쇠퇴와 관련이 있습니다. 지난 수십 년간의 예술에서는 유형과 장르의 비율이 변화하고 있습니다. 역사적이고 종교적인 그림은 위기에 처해 있으며 장식용 및 장식용 패널, 카펫 및 예술의 용감한 장면, 계절 및 우화를 묘사하는 작은 데듀포르테로 대체되고 있습니다.

로코코 스타일의 전성기는 1730년대~1740년대로 거슬러 올라갑니다. 시각 예술에서 이러한 스타일의 훌륭한 예는 파리 Soubise Hotel 내부의 그림처럼 아름답고 조각적인 장식입니다. 이 앙상블은 건축가 Beaufran, 조각가 Adanov와 Lemoine, 화가 Boucher, Tremoliere, Vanloo 및 Natoire 등 많은 뛰어난 거장들의 공동 노력으로 1730년대 후반에 만들어졌습니다. 저택의 가장 좋은 인테리어 중 하나는 소위 Princess Salon이라고 불리는 위층의 타원형 홀입니다. 안뜰이 내려다보이는 커다란 아치형 창문은 같은 모양과 높이의 문과 거울로 번갈아 나타납니다. 내부 구성에 거울을 사용한다고 해서 거울이 창문에 직접 배치된 베르사유 거울 갤러리처럼 거창하게 느껴지지는 않습니다. 타원형 홀에서는 반사가 내부를 복잡하게 만들어 상상의 공간 패턴을 만들고, 많은 비대칭 개구부의 환상으로 인해 Princess Salon이 정원 전망대처럼 보입니다. 인테리어는 흰색이 지배적입니다. 절묘한 밝은 색상(분홍색과 연한 파란색)은 가벼움과 우아함의 인상을 강화합니다. 문과 창문의 아치 위에는 금박을 입힌 치장 벽토 카르투시, 큐피드, 얽힌 가지 및 기발한 화환으로 연결된 나투아라의 장식 패널이 있습니다. 이 물결 모양의 밝은 패턴은 벽과 천장 사이의 경계를 숨기는 반면, 천장의 중앙 장미를 향해 뻗어 있는 화환은 장식 시스템을 완성합니다. 큐피드와 프시케의 사랑 이야기에 헌정된 나투아라의 그림은 우아한 장식의 요소인 패턴의 일부가 됩니다. 내부 건축 장식의 부드러운 물결 모양의 리듬도 그림의 구성에 전달되어 그림을 장식 패턴과 연결합니다.

로코코 쾌락주의는 플롯의 고의적인 관능미, 움직임의 애정, 비율의 세련미 및 분홍색, 녹색, 파란색과 같은 색조의 달콤한 부드러움으로 나타납니다. 이러한 회화 방향은 실내 장식에 널리 퍼져 있으며 18세기 귀족 문화의 전형적인 특징을 반영합니다.

Soubise Hotel의 내부는 세기 전반의 다른 저택과 마찬가지로 건축, 회화, 조각 및 응용 예술의 세련되고 유기적인 앙상블입니다. 조각가 Erpen의 고급 치장 벽토 장식은 문 위의 그림 같은 Tremoliere 및 Boucher 패널과 결합되고 우아한 청동 안감은 문과 대리석 벽난로를 장식하며 벽을 덮는 연한 녹색 및 진홍색 직물은 금색 패턴으로 자수됩니다. 유명한 장식가인 Meissonier와 Oppenor가 스케치한 로코코 조각 목재 가구는 가볍고 다양하며, 그 형태는 장식 장식품처럼 기발하고, 곡선형 지지대는 불안정해 보입니다.

17세기의 무겁고 화려한 가구. 보다 편안한 일광욕 의자, 안락 의자 및 소파, 작은 서랍장 및 콘솔 테이블이 있습니다. 두루마리, 조개껍데기, 꽃다발 형태의 섬세한 조각, 중국과 목가적 모티브를 묘사한 그림, 상감 장식으로 덮여 있습니다. 로카유 도자기의 패턴이 자유로운 "예비" 필드를 남긴 것처럼, 가구 청동 오버레이는 다양한 색조의 귀중한 목재로 구성된 장식되지 않은 표면을 밝은 화환으로 장식합니다. 기발한 디자인과 장식은 윤곽선의 명확성을 피하고 미니어처와 정교함은 인테리어의 특성과 일치합니다. 이 시대 가장 유명한 가구 제작자 중 한 명은 Jacques Caffieri였습니다.

로코코 인테리어는 또한 Jean Berin, Claude Audran, Jean Francois de Troy, Francois Boucher 및 기타 화가의 판지를 기반으로 태피스트리와 Beauvais 제조소에서 만든 태피스트리가 특징입니다. 그들의 주제는 화려한 장면과 목가적 풍경, 사냥과 계절, 중국적 모티브('시누아즈리')입니다. 후자는 동양에서 가져온 풍부한 직물과 도자기와 관련이 있습니다. 로카이유 인테리어를 장식하기 위해 디자인된 이 시대 카펫의 특징은 가볍고 다채로운 조화와 가볍고 우아한 장식품입니다. 태피스트리용 태피스트리의 저자는 대부분 장식 패널의 대가였습니다. 18세기 중반의 장식가 중. 조각가 Jean Verberkt (베르사유 내부)와 화가 Christophe Hue (Shan의 성 내부)가 눈에 띕니다.

17세기 말에 발명되었습니다. 세기 전반기의 프랑스 연질 자기는 천천히 발전했으며 종종 모방적이었습니다(Saint Cloud, Chantilly 및 Mennessy 제조소). 실제로 20세기 중반이 되어서야 Vincennes, 특히 Sevres 제조소에서 최초의 도자기 생산이 번성했습니다. 18세기 초 시계, 지란돌 및 보루, 꽃병 및 플로어 램프와 같은 청동 품목뿐만 아니라 은 기술(Thomas Germain 및 기타 마스터)이 더욱 개발되었습니다. 도자기의 경우, Vincennes 제품은 Duplessis와 Boucher의 작품과 연관되어 있으며, 그의 그림이 그려져 있습니다. Falcone이 일했던 Sevres 제조소의 후속 번영도 주로 Boucher의 활동에 기인했습니다. 로카이 데코레이터의 절묘한 기술이 가장 유기적으로 드러난 곳은 바로 이 분야였습니다. 18세기 중반에 공연되었습니다. 그의 스케치에 따르면 Sevres에서 초벌구이 비스킷 도자기로 만든 작은 조각품은 아마도 그가 한 작품 중 최고일 것입니다. 서정적인 미묘함과 우아한 우아함은 그 시대의 다른 유형의 장식 예술의 특징이기도 한 문체적 특징입니다. Boucher와 Falcone 이후 Sevres의 조각 워크샵은 Le Rich와 Boiseau가 이끌었습니다. ~에 프랑스 조각가그리고 세기 후반에도 실내 형태의 조형 예술에 대한 관심이 남아있었습니다. Sevres의 모델은 Sali, Pigalle, Clodion 등이 제작했습니다.

François Boucher(1703-1770)는 자신을 Watteau의 추종자로 여겼습니다. 그는 자신의 그림을 조각하는 일부터 시작했습니다. 그러나 Watteau 예술의 깊은 내용과 18 세기 중반이 된 Boucher 작품의 외부 장식주의 사이에는 근본적인 차이가 있습니다. 프랑스 예술 취향의 트렌드세터. Boucher의 판화에서 Watteau의 날카롭게 전형적인 장르 장면은 장식용 삽화로 바뀌었습니다. 그런 다음 유사한 원칙이 로코코 책 일러스트레이션에 구현되었습니다. 치장 벽토와 데수포르가 로카이유 인테리어를 장식한 것처럼 책을 절묘한 패턴으로 장식한 삽화와 결말입니다. Lancret, Pater 및 Eisen Boucher와 함께 그는 Lafontaine의 동화 그림을 새겼습니다. 이것은 끌과 에칭의 혼합 기술로 실행되는 소위 Larmessen 제품군입니다.

Boucher의 그림은 Watteau의 그림만큼 영적이지는 않지만 그 자체로 표현력이 풍부하고 감정적입니다. 붓글씨에 가까운 우아함을 지닌 "The Mill"(A. S. 푸쉬킨 미술관)이라는 수채화 및 비스트르 그림이 만들어졌습니다. 그림의 구성은 매우 장식적입니다. 강, 나무 및 구름이 이 시대의 장식품과 유사한 곡선을 형성합니다. Boucher의 풍경 구성에는 진실성과 자연에 대한 진지한 중독이 없지만 서정성이 있으며 일상 생활에서 가져온 모티프로 활기를 띠고 있습니다. 태피스트리와 도자기, 판화 및 그림에 대한 스케치 외에도 Boucher는 Rocaille 실내 장식과 동일한 원칙으로 연결된 수많은 이젤 그림을 그렸습니다. 그는 용감한 목자와 귀여운 목동, 혹은 고대 신화의 감각적인 에피소드를 그려내는 프랑스 목가 장르의 진정한 창시자이다. Boucher의 목회자들은 달콤하며 "시골 장면"에 대한 감상적이고 고귀한 패션의 예가 됩니다. 루브르 박물관의 "Sleeping Shepherdess"(1745), "The Bathing of Diana"(1742) 및 우아한 풍경 속에 꼭두각시 인형을 묘사한 기타 작품이 있습니다. 그것은 "즐거움의 예술"이었고, 기쁘게 하고 싶었지만 방해하지는 않았습니다. 젊었을 때 이탈리아 여행 중에 Boucher는 Tiepolo의 그림 기법 중 일부, 특히 팔레트의 가벼움을 채택했습니다. 그의 님프들의 몸은 부드러운 빛을 발산하는 것처럼 보이고 그림자와 윤곽은 분홍색으로 변합니다. Boucher의 부자연스러운 색상은 "비둘기 목", "기분 좋은 양치기", "잃어버린 시간의 색", "유쾌한 과부", 심지어 "황혼의 색"과 같은 이상한 이름을 종종 붙이는 절묘하고 희귀한 색조를 찾고 있던 시대의 특징입니다. 흥분한 요정의 허벅지." 학계의 대가인 부쉐(Boucher)의 그림 스타일의 특징은 그가 "위대한 스타일"에 끌리고 르브룬의 아류들과 같은 이상화 방법을 사용했다는 사실에도 있었습니다. 그의 그림에서는 비대칭 로카이유 방식과 함께 학문적 삼각형 및 피라미드 구성이 추측됩니다. 이 냉철한 합리성은 또한 Boucher를 Watteau 및 그의 학교와 구별합니다. 동시대 사람들에 따르면 Boucher는 자연을 면밀히 관찰하려는 경향이 없으며 조화와 매력이 부족하고 완벽 함이 없으며 조명이 좋지 않다고 주장했습니다. 그러므로 분명히 그의 그림에서 그는 그것을 다채롭고 매우 밝은 분홍색과 파란색으로 만들려고 노력했습니다. 당연히 Boucher의 매너리즘은 심하게 비판을 받았습니다. 계몽자들의 그의 예술에 대한 부정적인 평가는 알려져 있습니다.

세기 중반 로코코의 주요 거장이었던 Boucher 주변에는 Charles Joseph Natoire, Pierre Charles Tremolier, Carl Vanloo, 이전 세대의 용감한 화가-Charles Antoine Coypel, Jean Marc Nattier 등이 방향의 많은 예술가들이 그룹화되었습니다. .

18세기 전반의 조각은 회화와 마찬가지로 실내장식의 원리에 의존했다. 호텔 수비즈(Hotel Soubise)에서는 치장 벽토 장식에 짜여진 큐피드의 형상은 말할 것도 없고 데수데포르트(desudéportes)가 부조로 처형되었습니다. 내부에 서 있던 신화적인 그룹과 초상화 흉상은 장식 조각을 반영했습니다. 그러나 18세기 첫 10년 동안. 조각에서는 기념비성과 공간적 범위로 인해 베르사유 학교의 전통이 강했습니다. 세기 전반기에 일했던 많은 장인들이 17세기에 지어진 웅장한 파리 앙상블인 베르사유 공원 Marly의 주문을 완료했습니다. Guillaume Coustou the Elder(1677-1746)는 현재 파리 샹젤리제 초입에 서 있는 에너지와 표현력이 넘치는 말리 말 무리를 처형했습니다. 그는 또한 우화적인 인물 중 화성, 미네르바 및 루이 14 세와 같은 Les Invalides 포털의 정면 조각과 주요 고막을 소유하고 있습니다.

Coust의 학생인 Edme Bouchardon(1698-1762)도 베르사유에서 일했습니다. 그리고 그 형성에는 기념비적인 궁중학교의 기술이 중요한 역할을 했습니다. Bouchardon의 가장 유명한 작품 중에는 한때 같은 이름의 광장 (현재 콩코르드 광장) 중앙에 서 있던 잃어버린 Louis XV의 승마 동상과 파리 거리 Grenelle의 대형 분수가 있습니다. 1739-1745). 이 대가의 작업에서는 새로운 예술적 기법이 결정됩니다. 그는 베르사유 후기 고전주의의 특징인 형태의 무거움과 휘장의 화려함에서 벗어나 서정적인 주제, 동작의 우아함, 빛과 그림자 전환의 부드러움, 유연한 선의 음악성을 마스터합니다. 이러한 특징은 그레넬 거리(Rue Grenelle)의 분수를 장식하는 우화적인 인물로도 구별됩니다. 그것은 집의 정면과 유사한 대규모 건축 및 조각 구성입니다. 아래쪽 소박한 층은 위쪽 층의 받침대 역할을하고 중앙에는 위쪽 층의 이오니아 현관이 표시되어 있으며 양쪽에는 동상이있는 틈새가 있고 틈새 아래에는 부조가 있습니다. 이것은 시대의 교차점에 서있는 기념물입니다. 중앙 부분이 튀어 나온 오목한 벽은 로카유 레이아웃의 기발함을 연상시킵니다. 강에 대한 우화적인 이미지, 특히 부조에서는 서정적이고 목가적인 음이 강합니다. 구성의 중심 역할을 하는 현관은 그것을 통합하여 로코코에게는 특이한 긴축과 구속을 제공합니다. 부샤르동의 가장 유명한 작품 중 하나는 큐피드 동상(1739-1750, 루브르 박물관)입니다.

무엇보다도 로코코 스타일의 특징은 Jean Baptiste Lemoine (1704-1778)의 작품에서 나타났습니다. 그의 작품의 주요 영역 - 장식용 플라스틱, 특히 초상화 흉상. 그는 Soubise Hotel에서 일했던 조각가 중 한 명이었습니다. 그는 그곳에서 우화적인 인물을 소유했습니다. Hermitage (Leningrad) 컬렉션의 어린 소녀 초상화 흉상에서 구성의 우아한 비대칭 성, 선의 부드러움, 요염한 움직임의 우아함-Lemoine의 재능의 이러한 모든 특징이 그의 역할을 가장 전형적인 것으로 결정합니다. 서정적 재능과 지각의 미묘함을 부여 받았지만 캐릭터의 복잡성을 드러내려고 노력하지 않는 로코코 초상화 화가.

1730년대~1740년대 프랑스 회화에서 로코코 미술의 발전과 동시에. 제3신분의 개념과 관련된 다른 현실적인 방향이 나타나고 있습니다.

Jean Baptiste Siméon Chardin(1699 -1779)은 학술 석사(Pierre Jacques Case, Noel Nicolas Coypel, Jean Baptiste Vanloo)와 함께 공부했습니다. Kaz의 작업실에서 그는 오랫동안 선생님의 그림을 복사해야 했습니다. 훨씬 후에 그는 이때를 이렇게 회상했습니다. “우리는 살아있는 자연을주기 전에 움직이지 않는 무생물 앞에서 램프의 빛 아래에서 긴 낮과 밤을 보냅니다. 그리고 갑자기 지난 몇 년 동안의 모든 작업이 수포로 돌아가는 것처럼 보이며 처음 연필을 집어들었을 때처럼 혼란스러운 느낌을 받습니다. 자연을 바라보는 눈을 훈련하는 것이 필요합니다. 얼마나 많은 사람들이 자연을 본 적도 없고 앞으로도 보지 못할 것입니다. 이것이 우리 삶의 고통입니다." ( D. 디드로, 1765년 살롱. - 수집. Soch., vol.VI, M., 1946, pp. 94-95.).

어린 시절에도 정물 장르에 대한 샤르댕의 매력이 드러났고, 1728년 파리의 주요 광장 중 하나(도팽 광장)에서 수시로 열렸던 '청소년 전시회'에서 그는 두 가지 작곡을 선보였습니다. 뷔페'와 '슬로프'(루브르 박물관). 그들은 성공했고 샤르댕을 학자들에게 소개했습니다. 이 작품에서는 플랑드르 회화의 영향이 제대로 드러났습니다. 그것들은 장식적이며 동시에 자연에 대한 사려 깊은 묵상으로 풍부해졌습니다. Chardin은 Flemings의 거대하고 장황한 구성이 아니라보다 집중적이고 심층적 인 네덜란드 "아침 식사"에 끌 렸습니다. 곧 그는 겸손한 주제로 전환했습니다. 이것은 Kalf의 정신에 따른 "주방 정물"이며 여전히 어두운 색상이며 그중 녹색, 올리브 및 갈색이 우세합니다. 이미 초기 정물화에서는 질량의 균형이 미묘하게 계산되어 있지만 대상은 여전히 ​​어딘가 흩어져 있고 형태의 정확한 전달은 평범해 보입니다.

1730~1740년대에 유행했던 가정 장르. 제3신분의 화가로서 관객의 공감을 얻은 샤르댕의 작품에서 선두적인 위치를 차지한다.

1730년대 후반에 등장한 그의 『세탁녀』, 『요리사』는 일상생활에서 포착한 겸손한 시에서 부셰의 달콤한 목회자들과는 달랐다. 샤르댕의 그림은 미묘한 감성과 부드러운 성실함이 특징이다. 그가 선택한 과목도 독특하다. 그들은 적극적인 행동을 취하지 않고 어려운 상황입니다. 캐릭터의 관계는 삶의 특이한 순간이 아니라 조용하고 여유로운 현재의 일상 활동에서 드러납니다. 그의 예술은 명상적이며 복잡하고 극적인 삶의 문제가 없습니다. 그 당시에는 더 효과적인 또 다른 이상이 출현하기 위한 충분한 전제 조건이 아직 없었습니다.

The Cook(1738, 비엔나, 리히텐슈타인 갤러리)은 신중하게 전시되었습니다. 작가는 직접적인 행동을 명상으로 대체하면서 시간의 흐름을 지연시키는 듯하다. 이것은 그가 초기에 즐겨 사용했던 장치로, 이를 통해 가장 평범한 에피소드의 의미가 더욱 높아진다.

샤르댕의 가장 위대한 회화적 성취 중 하나는 그가 색상 반사 시스템을 널리 적용했다는 것입니다. 예를 들어, 흰색은 분홍색, 노란색, 하늘색, 회색 음영으로 짜여져 있습니다. 나란히 배치된 작은 획은 생생한 색상 전환 및 개체와 주변 환경의 관계를 불러일으킵니다.

1730년대 말. Chardin의 일상 장르에서는 줄거리 아이디어가 더 복잡해지고 도덕적 메모가 더 눈에 띄게됩니다. 이 시기의 거의 모든 장르 그림은 양육 장면을 묘사합니다. The Governess(비엔나), 1740년 살롱에 전시된 두 쌍의 구성인 열심히 일하는 어머니와 저녁 식사 전 기도(둘 다 루브르 박물관에 있음). "저녁 식사 전 기도"에서는 세 인물, 즉 어머니와 두 어린 소녀가 복잡하지 않은 일상 상황으로 연결되어 있습니다. 시청자는 어머니의 차분한 자비심, 아이들의 직접적인 감정에서 다양한 색조를 쉽게 추측합니다.

샤르댕의 장르 그림은 평범한 사람들의 "좋은 도덕", 삶의 방식의 존엄성에 대한 시적인 이야기입니다. 샤르댕의 사실주의는 인간의 존엄성에 대한 믿음과 인간 평등에 대한 그의 생각을 통해 계몽주의 민주주의 사상의 첫 번째 표현 중 하나였습니다. 화가의 창의적인 검색은 깨달음의 반영을 반영했습니다. 1740년에 <근면한 어머니>와 <식사 전 기도>가 전시되었을 때 루소의 초기 교육학 작업은 결코 논쟁적으로 지적된 형태가 아닌 "좋은 도덕" 교육을 위한 프로젝트를 시작했던 것으로 거슬러 올라갑니다.

서정적 감성은 샤르댕 예술의 주요 속성 중 하나입니다. 그의 전기에서 조각사 Koshen은 창의적인 신조처럼 들리는 주인의 한 진술을보고합니다. 그림의 비밀에 관심을 갖게 된 피상적인 예술가의 수다에 화가 난 샤르댕은 이렇게 물었습니다. “그런데 물감으로 그림을 그린다고 누가 말했습니까?” “그런데 뭐?” 그는 궁금해했다. - 샤르댕은 "그들은 물감을 사용하지만 느낌을 가지고 글을 씁니다."라고 대답했습니다.

장르화 분야에서 샤르댕의 주변에는 조라(Zhora), 카노(Cano), 두메닐(Dumesnil the Younger) 등 추종자들이 있었습니다. 여기에는 그의 예술의 영향을 받아 주목을 받은 많은 조각가들의 이름이 추가되어야 합니다. 이들은 Leba, Ville, Lepisye, Kar, Syuryug, Flipar 등입니다. 미술 평론가 Lafon de Saint-Ien에 따르면 샤르댕의 그림 판화는 매우 빨리 매진되었습니다. 1750년대와 1760년대에 부르주아적 미덕을 설교하면서 새로운 형태의 일상 장르가 발전했을 때, 60세의 예술가는 장르화에서 거의 새로운 것을 창조하지 못했습니다. 평범한 사람의 윤리적 존엄성을 주장하면서 샤르댕은 고의적인 도덕화에 낯선 사람으로 남아 있었습니다.

일상 생활과 정물의 장르는 샤르댕의 예술에서 밀접하게 연결되어 있습니다. 제3 신분의 화가에게 정물화는 매우 의미 있는 예술 장르였습니다. 그는 일상생활의 존엄성과 시적인 측면에 대해 이야기했을 뿐만 아니라, 존재의 아름다움과 중요성을 확증했습니다. Chardin의 작업은 자연을 이해하고 사물의 구조와 본질, 개성, 관계 패턴을 드러내는 파토스로 울려 퍼집니다. 그의 정물화에 나오는 사물은 사람의 친밀감에 의해 영적으로 표현됩니다. 사물 배열의 자연스러움은 구성 논리, 균형 및 관계의 정확한 계산과 결합됩니다. 정물화의 형상적 구조의 조화로운 명료함은 인간이 사용하는 단순한 물건의 엄격한 존엄성에 대한 존중을 보는 사람에게 영감을 줍니다. 루브르 박물관의 "구리 탱크"와 스톡홀름의 "토끼가 있는 정물"이 있습니다.

18세기 중반쯤. 새로운 색채 문제는 모든 예술가들에 의해 널리 논의되었습니다. 1749년에 학자들은 정물화와 풍경화의 거장인 Jean-Baptiste Oudry가 색상의 가능성을 연구하는 화가를 위해 사물을 비교하는 것의 이점에 대한 연설을 들었습니다. 고티에 다고티(Gauthier Dagoty)는 "물리학과 예술에 대한 관찰"이라는 의미심장한 제목으로 1757년 살롱전에 대한 리뷰에서 사물은 서로 반사된다고 썼습니다.

Chardin의 작품에서 그림 같은 표면은 말하자면 가장 작은 획으로 짜여져 있습니다. V 성숙기창조적 인 스트로크는 항상 예술가의 차분하고 사려 깊은 성격의 구속을 느끼지만 더 넓고 자유 롭습니다. 샤르댕의 반사 신경의 신선함과 풍부함은 그의 정물이 18세기 다른 거장들의 작품 옆에 걸려 있는 지금도 인상적입니다("Orange and a Silver Goblet", 1756, 파리, 개인 소장품). 예를 들어 잘 익은 과일의 투명한 껍질 아래에 부드러운 과육과 넘치는 주스가 있습니다 ( "Basket of Plums", Salon 1765; Paris, 개인 소장품). ). Chardin은 다채로운 구성의 가장 권위있는 감정가 중 한 명으로 간주되었으며 아카데미에서 새로운 페인트의 품질을 확인하도록 지시받은 사람이 바로 그 사람이었습니다.

샤르댕은 미래의 도자기를 들고 있는 도예가처럼 다채로운 "풀"을 사용하여 대상의 모양을 건전하고 자신감 있게 조각합니다. 이것이 바로 House of Cards(1735, Uffizi)가 만들어진 방법입니다. 정물 "파이프와 주전자"(루브르 박물관)에서는 매우 촘촘한 페인트 층으로 파이앙스 용기가 성형됩니다.

일상 생활의 시, 사물의 본질에 대한 미묘한 통찰력, 색상의 서정적 감성 및 구성 논리는 샤르댕의 예술과 사실적인 정물화 발전의 이전 단계 사이의 가장 중요한 차이점입니다.

Chardin은 계획을 서둘러 실행하는 데 익숙하지 않았으며 모든 세부 사항을 신중하게 고려하면서 천천히 작업했습니다. 샤르댕은 예비 스케치를 하지 않았기 때문에 작업 과정에 대한 세심한 배려가 더욱 중요했습니다. 그의 동시대 Mariette는 이에 대해 직접적으로 말합니다. 실제로 샤르댕의 그림은 우리에게 거의 전해지지 않았습니다. 그의 그림에는 그림을 크게 수정한 뚜렷한 흔적이 없습니다. 이러한 작품의 특성상 작가가 지닌 깊은 그림 지식과 구도의 숙달이 특히 돋보인다. 그의 작곡은 예를 들어 스톡홀름 박물관의 "Drafter"와 같이 매우 훌륭하고 철저하게 구성되었습니다.

1770년대 샤르댕은 이미 나이가 많았습니다. 이 기간 동안 또 다른 초상화주기가 발생했습니다. Chardin의 초기 초상화 (예 : 보석상 Godefroy의 아들 이미지)에서는 그림에서 매우 중요한 직업을 통해 성격 특성이 드러났기 때문에 장르 장면으로 더 인식되었습니다. Godefroy의 아들의 초상화가 "상판을 가진 소년"(1777, Louvre)으로 더 잘 알려진 것은 우연이 아닙니다. 1770년대에 샤르댕은 파스텔 기법으로 전환하여 묘사되는 인물의 모습 자체에 초점을 맞췄습니다. 이 작품에서는 제3신분의 인간 유형이 구체화됩니다. 이것이 화가 아내의 초상화(1775, 루브르 박물관)이다. 그녀의 시선에 대한 집착과 진지함 - 일상의 작은 불안과 불안의 흔적 - 이 이미지에 구현된 삶의 방식 자체에 내재된 가사와 신중함의 특징이 나타납니다. "녹색 바이저를 쓴 자화상"(1775, 루브르 박물관)은 가정복을 입은 샤르댕 자신을 보여줍니다. 그림의 형식이 비좁은 선명한 볼륨 속에서 자세의 단단함이 읽혀진다. 절제된 고개 회전으로 강화 된 포즈의 자신감 속에 세심한 시선의 통찰 속에 길고 힘든 삶의 길을 거쳐온 엄숙하고 까다로운 사람의 엄격한 위엄이 나타난다.

샤르댕의 작품과 거의 동시에 18세기 중반의 가장 큰 사실주의 현상 중 하나인 라투르의 초상화 예술이 구체화되었습니다.

세기 초에는 Rigaud와 Largilliere가 대표하는 의식 그림의 전통이 우세했습니다. 그러나 그들의 작품은 새로운 아이디어의 영향을 받았으며 감정의시는 장엄한 감정을 밀어 냈습니다. 다른 장르와 마찬가지로 1730년대와 1740년대에는 초상화에도 다양한 경향이 나타났습니다. 로코코 화가 Jean-Marc Nattier (1685-1766), Drouet 및 기타 사람들은 그림에서 고대 여신의 특성으로 궁중 숙녀를 장식했습니다. 매너리즘과 이상화가 법정에서 Nattier의 성공을 결정했습니다. Boucher와 마찬가지로 Nattier는 많은 세션을 통해 모델에 부담을 주지 않고 자연에서 얻은 피상적인 스케치에만 국한되었습니다. 동시대 사람들은 Nattier가 자신의 장르를 역사에 비유하여 "신격화", 이상화 및 자연 장식에 대한 예술가의 욕구를 이해했다고 말했습니다. 그의 초상화에는 꼭두각시 같은 아름다움이 있고 색상은 전통적이며 실루엣은 절묘합니다. 그는 초상화 화가의 심리가 아니라 아첨하고 능숙한 장식가의 기술을 드러낸다. 예를 들어 Hebe (1744, Louvre) 형태의 Duchess de Cholin의 초상화가 있습니다. 비평가 세인트 엔(St. Yen)은 1747년 살롱을 묘사하면서 노부인들의 이러한 "재미있는 신격화"를 비웃었습니다.

Nattier의 추종자인 Louis Toquet(1696-1772)는 좀 더 평범하고 서술적인 재능을 가지고 있었습니다. 그는 장르의 계층 구조를 존중하고 초상화의 친밀함에 끌리면서 Rigaud의 의식 구성의 전통적인 형태(“Maria Leshchinskaya”, Louvre)도 사용했습니다. 그는 1750년 학술회의 연설에서 초상화 화가들에게 얼굴이 예쁘게 보일 수 있는 유리한 조건을 포착하라고 권고했다. 그럼에도 불구하고 Toquet는 Nattier보다 자연에서 더 많은 작업을 했으며, 디테일에 대한 그의 사랑은 그가 모델의 개성을 전달하는 데 도움이 되었습니다. 그의 초상화는 더 자연스럽고 단순합니다.

1730년대와 1740년대에는 초상화의 사실주의 경향이 더욱 강해졌습니다. 그들은 처음에 샤르댕의 "장르 초상화" 형태로 행동했습니다. 초상화 화가 Jacques André Joseph Aved의 예술에서도 비슷한 특징이 나타났습니다. 같은 해에 라투르는 첫 작품을 만들었습니다.

모리스 쿠엔탱 드 라투르(1704-1788)는 생캉탱에서 태어났습니다. 젊었을 때 그는 파리로 가서 그곳에서 소규모 예술가들과 함께 공부했으며 이탈리아 Rosalba Carriera와 프랑스 인 Vivien과 같은 파스텔리스트의 영향을 받았습니다. 그는 "얼굴의 특징을 한눈에 파악하는 타고난 재능"을 가지고 있다고 알려졌으나 이 재능은 천천히 발전했습니다. 1730년대 중반까지만. Latour는 명성을 얻었고 1737년에 "파스텔 초상화 화가"로 아카데미에 추가되었으며 1년 후 Voltaire 자신이 그를 유명하다고 불렀습니다.

우리가 알고 있는 라투르의 첫 번째 작품은 볼테르의 초상화이다. 라투르의 초기 성공은 1737~1739년 루브르 전시회의 재개로 거슬러 올라갑니다.

1742년 살롱에서 그는 Abbé Hubert의 초상화를 전시했습니다(제네바 박물관). 이 구성의 장르적 특성으로 인해 샤르댕의 유사한 그림에 더 가까워졌습니다. 배운 수도원장은 고서 위로 몸을 구부렸습니다. 여기에서 Chardin 모델의 서정적 특성은 활동적인 삶의 순간에 생각과 감정의 복잡한 움직임을 포착하려는 욕구로 대체됩니다. Abbé Hubert는 마치 두 페이지를 비교하는 것처럼 책의 페이지를 오른손 손가락으로 잡습니다. 이 작품의 구절(몽테뉴의 "실험"). Nattier와 같은 초상화 화가와 달리 Latour는 모델을 "장식"하는 것을 피했을 뿐만 아니라 그녀의 독창성을 노출했습니다. Hubert의 불규칙한 얼굴 특징에는 지적인 힘이 담겨 있습니다. 무겁게 주름진 눈꺼풀은 꿰뚫는 시선, 조롱하는 미소를 숨기고 있습니다. 수도원장의 얼굴 표정은 이 사람의 특별한 이동성과 에너지를 전달합니다.

활동적인 사고의 삶을 전달하는 표현적인 표정의 도움으로 묘사되는 사람을 특징 짓는 방법은 라투르의 이상 때문입니다. 이것은 도덕적 미덕을 지닌 최초의 샤르댕 초상화의 새로운 사회적 유형이 아닙니다. 우리 앞에는 시대적 비판정신이 깃든 활동적인 인물이 있다.

1740년대 전반. 라투르는 또한 큰 공식적인 초상화를 그렸습니다. 1746년 화가 레투(Rétoux)의 초상화를 아카데미에 제출한 라투르는 학자라는 칭호를 받았습니다.

이 시대의 위대한 작품 중에는 동시대 사람들이 "파스텔의 왕"이라고 부르는 Duval de l "Epine (1745, Rothschild 컬렉션)의 초상화가 눈에 띕니다. 실제로 이것은 1740 년대 최고의 작품 중 하나입니다. 특성화의 정확성은 무자비함에 접해 있으며, 자비로운 표정은 정식 초상화의 정식 형태에 흔히 나타나는 차가운 마스크처럼 보입니다.

예술가의 경계심이 자연주의자의 냉정함과 매우 유사한 것은 바로 라투르의 작품에서이다. 이것은 이해할 수 있습니다. 그러한 모델은 화가의 감정을 자극하기보다는 오히려 화가의 분석 능력을 개발할 수 있습니다. 얇고 마른 입술의 도도한 표정 속에, 경계하는 눈빛 속에, 겉모습을 꿰뚫어보는 듯 불신과 회의, 오만함이 드러난다. 그렇기 때문에 Duval de l "Epine의 초상화는 이미지가 무감각 해 보이지만 작가가 무조건 모델에 공감하는 Hubert의 초상화를 생각할 때 발생하는 것과는 다른 감정을 시청자에게 불러 일으 킵니다. 여기서 Latour , 그대로 시청자를 상냥하고 아이러니 한 세속 대담 자의 정식 가면에서 자연의 진정한 특성으로 인도합니다. 그는 가면과 본질을 비교하도록 강요합니다.

1750년대 라투르는 그의 가장 유명한 작품을 공연했습니다. 1753년 살롱전에서 그는 계몽주의 철학자들과 프랑스의 작가, 과학자들을 묘사한 일련의 초상화를 전시했습니다. 이때 주인의 작업에서 가장 중요한 측면 중 하나는 적극적이고 의지가 강한 성격의 존엄성을 확인하는 것입니다. 라투르의 초상화 이미지는 지적인 경향이 있습니다. 예술가는 인간 본성의 모호하고 어두운 측면, 즉 이성의 빛으로 밝혀지지 않는 특성을 피했습니다. 비판의 정신과 분석적 미묘함은 낡고 죽어가는 질서에 맞서 선진 사상이 투쟁하면서 생성된 지적주의로 보완되었습니다. 이러한 특징은 라투르의 자화상에도 많이 등장했습니다.

1753년 작품 중에는 d'Alembert의 초상화(루브르 박물관, Saint Quentin의 Latour 박물관에 있는 준비 스케치)가 있습니다. 얼굴 특징이 움직이고, 빛의 눈부심이 미소의 가변성과 생동감 넘치는 표정을 향상시킵니다. 철학적 논쟁의 영혼이었던 뛰어난 논쟁가의 성격은 대담 자와의 의사 소통을 통해 그대로 드러납니다. 이것은 전형적인 라투르 기법이다.

루소는 라투르의 "희귀한 재능"과 그의 초상화에 감탄하며 말했습니다. 루소의 이미지는 여러 버전으로 알려져 있습니다. 생캉탱 박물관의 초상화에서 루소는 생각에 잠겨 있고 우울하지만 그의 눈은 존재의 매력에 온 마음을 다해 항복하는 이 사람의 능력을 연상시키는 특별한 생동감으로 가득 차 있습니다. 초상화에는 The New Eloise 작가의 영혼 특유의 감정적 열정이 담겨 있습니다.

또 다른 작품(1753년; 파리, 폼 컬렉션)에서는 밤색 눈이 불안하고 슬프고, 눈썹이 찌푸려져 있고, 그 사이의 이마에는 주름이 져 있습니다. 여기에 묘사되는 인물의 모습에서는 만족을 추구하지 않는 인물의 모호함과 강박이 눈에 띈다. 감성과 회의주의, 미묘함과 거친 가혹함, 불신과 숨겨진 열정이 결합된 복잡하고 모순적인 이미지가 나타납니다. 이 특성에서 주목할만한 역할은 우울하고 사라질 준비가 된 미소입니다.

1750년대쯤인 것으로 보인다. 초상화를 위한 준비 스케치인 "준비" 라투르(Latour)의 번영에 기인해야 합니다. 라투르의 초상화 스케치는 자유로운 획, 질감의 스케치, 다양한 기법으로 구별됩니다. 파스텔에는 연필, 분필, 낙관적인 느낌이 혼합되어 있습니다. 그러나 비유적, 형식적 완성도는 높다.

이 스케치의 대부분은 Saint Quentin 박물관에 보관되어 있습니다.

최고 중 하나는 여배우 Marie Fell의 초상화 스케치입니다 (Saint Quentin, Latour Museum, 1757 년 살롱에 전시 된 초상화 자체는 우리에게 도달하지 않았습니다). 그녀는 라모의 오페라 조로아스터의 역할을 맡았기 때문에 금색 리본과 주홍색 및 흰색 꽃이 달린 하늘색 터번으로 장식되어 있습니다. 여기에는 자연의 영적인 부드러움이 연기 영감의 매력과 얽혀 있습니다. 우아한 고개를 돌리는 여배우의 모습에는 무대 관습이 묻어나지만, 부드럽게 애무하는 눈빛과 감동적인 사려깊은 미소로 진정성을 드러낸다.

라투르의 여성 초상화는 매우 다릅니다. 그들 각각에서 특성화의 통찰력과 미묘함이 놀랍습니다. 자랑스럽고 약간 아이러니 한 Camargo, 겸손하고 직접적인 Dangeville, 대담하고 완고한 Favard, 순진한 소박한 가면 아래 자연스러운 마음을 숨기고 있습니다. 이들은 모두 뛰어난 여배우들이다. 심리적 인물그들의 예술적 개성의 각인은 변함없이 존재합니다. 그래서 Justine Favard (Saint-Quentin)의 모습, 그녀의 생생한 조롱, 대담한 교활함과 뻔뻔스러운 열정으로 가득 찬 시선에서 그녀가 만든 무대 유형의 특징도 드러납니다. 그러나 예술적 재능은 개성의 가장 중요하고 사회적으로 중요한 특성으로 작용합니다.

이것은 라투르 예술이 대중에게 폭넓게 반향을 불러일으키는 토대 중 하나입니다. 그는 초상화에 사람의 사회적 지위(이것은 다른 화가들에 의해 수행됨)뿐만 아니라 묘사되는 사람의 활동의 내용과 성격에 해당하는 자연의 활동도 반영했습니다.

많은 보고서에 따르면 라투르는 확고하고 독립적인 사람이었습니다. 그는 귀족들에게 날카롭게 굴면서 자존심을 상하게 하여 루이 15세의 명령을 거부했습니다. 예술가의 독립성을 주장하려는 열망은 진보된 사회 사상에 대한 예리한 관심과 결합되었습니다. 디드로의 "살롱"은 화가와 그의 비평가들의 이데올로기적 친밀함에 대한 많은 증거를 저장하고 있으며 라투르의 편지에는 자연의 가변성에 대한 흥미로운 논의가 포함되어 있습니다. 초상화의 관점 구축, 캐릭터의 개별화 및 각각의 그림 기법에 대해 설명합니다.

Latour는 벨벳 같은 질감의 부드러움, 색상의 순수함으로 구별되는 파스텔 기술을 풍부하게하여 특별한 플라스틱 힘을 부여했습니다.

초상화를 만들면서 Latour는 액세서리를 사용하지 않았습니다. 얼굴을 연구하면서 그는 손의 표현력조차 눈치 채지 못했습니다. 그러나 라투르는 놀라운 기술로 얼굴을 묘사했습니다. 그가 묘사되는 인물에게 오랫동안 포즈를 취하도록 강요하면서 그와 생생하고 재치있는 대화를 유지하는 것은 당연합니다. 대담자를 연구하면서 그는 그와 미묘한 게임을하는 것 같았습니다. 마르몬텔은 "유럽의 운명을 주도한다"는 라투르의 말을 듣고 자신도 모르게 이 게임의 희생자가 된 것 같습니다.

Latour는 자신이 묘사한 사람들에 대해 다음과 같이 말했습니다. "그들은 내가 그들의 얼굴의 특징만을 포착한다고 생각하지만, 그들이 알지 못하는 사이에 나는 그들의 영혼 깊은 곳으로 내려가 그것을 완전히 받아들입니다."

어쩌면 작가가 과장했을 수도 있습니다. 그의 모든 작품이 그렇게 깊은 것은 아닙니다. 그러나 자신의 모델을 "공언"하는 가장 통찰력 있는 초상화 화가의 이 말은 그의 작품에 대한 비문이 될 수 있습니다. Diderot은 "사람의 얼굴은 영혼이라고 불리는 빛과 빠른 호흡의 셀 수 없이 많은 변화에 순종하고, 동요시키고, 움직이고, 긴장시키고, 부드럽게 하고, 색칠하고 희미해지는 변화무쌍한 캔버스입니다"라고 썼습니다. 특성화의 확실성을 유지하면서 영적 운동의 음영을 포착하는 능력은 라투르 현실주의의 주요 속성 중 하나입니다. 그는 그 자체로 특별한 생동감으로 구별되는 그러한 상태를 선택했습니다. 그가 자신의 영웅을 웃는 모습으로 자주 묘사 한 것은 이유가 없습니다. 라투르의 초상화에 나오는 미소는 지성적이다. 더욱이, 얼굴을 진정으로 밝히는 미소의 가장 미묘한 심리적 표현으로 묘사되는 인물의 내면 세계가 특히 밝게 드러납니다.

라투르와 페로노의 초상화를 비교할 때, 장바티스트 페로노가 라투르(1715-1783)보다 11살 어렸다는 사실이 종종 간과된다. Perronneau의 초상화 작품으로 알려진 최초의 날짜는 1744년으로, 그 당시 프랑스 초상화는 이미 고도로 발전했습니다. Perronneau는 그의 전임자들이 밟은 길을 따랐으며 그가 곧 Latour와 같은 나이가 된 것처럼 보였다는 것은 놀라운 일이 아닙니다.

그는 학자 Natoire 밑에서 공부했지만 대부분 흉상이며 덜 자주 절반 길이의 작은 초상화 장르를 선택했습니다. 라투르의 영향과 그와의 친밀함은 동시대 사람들에 의해 만장일치로 주목되었습니다. 전반적인 방향에 관한 것입니다. 아마도 이미 1744년부터 Perronneau는 방황하는 삶을 시작했을 것입니다. 생계를 찾기 위해 그는 유럽을 여행해야했습니다. 그는 Nattier처럼 유행하는 궁정 화가도 아니었고, 주문도 그에게 쉽지 않았습니다. 고객은 Perronno가 자신의 모델을 죽일 준비가 되어 이미지의 정확성과 완벽함을 위해 노력했다는 근면함을 기록합니다. 이 모든 것이 그의 삶을 안전하게 해 주지는 못했고, 그는 편지에서 자신의 가난과 실패에 대해 자주 언급했습니다.

그의 작품에서는 전성기였던 20년을 구분할 수 있다. 첫 10년 - 1744년에서 1753년 사이, 첫 번째 주요 성공의 시기이자 Perronno의 뛰어난 재능이 인정받는 시기입니다. 두 번째 시기는 1760년대이다.

비평가들은 Perronno의 예술적 기법을 설명하면서 붓놀림의 우아함, 색상의 미묘함, 그림의 영성에 대해 가장 자주 언급했습니다. 이것은 서정적 미덕이며 Perronnot은 바로 그 미덕을 높이 평가했습니다. 그의 예술 모델의 일반적인 속성은 자연스러운 친절, 영적 부드러움, 변화하는 감정의 불확실성입니다.

그의 작품에서는 색상의 부드러움, 회색과 올리브색, 녹색과 분홍색, 파란색과 검은색 색조의 조합이 은빛 색조로 결합되어 특히 매력적입니다(“책을 들고 있는 소년의 초상화”, 1740년대, Hermitage, 그림 참조). ; “소켄빌 씨의 초상, 루브르 박물관). 작은 획과 색상 반사는 Perronno를 Chardin에 더 가깝게 만듭니다. 그는 피부의 섬세한 부드러움, 고급 원단의 밀도, 가볍게 파우더 처리한 머리카락의 경쾌함, 보석의 따뜻한 반짝임을 완벽하게 재현했습니다.

Perronno의 예술은 Latour의 지적주의, 밝은 성격의 프로그램적 진술과는 거리가 멀습니다. 그러나 그의 이미지는 그 자체로 시적입니다. 그가 어린이와 여성을 묘사하려는 경향이 있었던 것은 우연이 아닙니다. Perronno 예술의 서정적 언어는 젊은 영혼의 매력을 전달해야 할 때 그에게 탁월한 도움이 되었습니다. 이에 대한 가장 좋은 예 중 하나는 제도사의 딸 유쿄(파스텔, 루브르 박물관)의 초상화입니다. 대부분의 경우 Perronno의 캐릭터는 시청자를 바라보며 자신의 영적 비밀을 그에게 털어 놓습니다. 시선이 옆으로 향하고 있어, 인물의 내면에 대한 작가의 손길이 더욱 세심하고 섬세해진다. 교활하고 부드러운 미소는 다소 불확실합니다. 빛에서 그림자로의 전환이 너무 어려워 마드모아젤 유키에르의 우아한 머리가 투명한 안개에 가려져 있는 것처럼 보입니다.

18세기 후반의 초상화가 중. Joseph Siffred Duplessis(1725-1802), Adelaide Labille-Guillard(1749-1803)가 눈에 띕니다.

18세기 중반 그림, 조각, 책 일러스트레이션 등 그래픽의 전성기에 들어갑니다. 그 성공은 일반적으로 상대적 독립을 획득한 이 시대의 특징입니다. 이는 장르 테마의 발전과 자연 스케치의 존엄성에 대한 존중의 성장에 의해 촉진되었습니다. 그림의 대가들이 등장하여 현대 생활을 주제로 다양한 모음집을 만듭니다. 이러한 과정은 당시 풍속화에서 대상의 범위가 확대되었기 때문에 더욱 이해하기 쉽다.

샤르댕의 추종자인 에티엔 조라(Etienne Jora)가 시장 마을 광장의 장면을 만들고 있습니다. 거리 생활. 1750년대 미술에서 내러티브 시작이 강화되고 장르 작가들은 가정 인상, 인테리어 장르의 한계를 뛰어 넘습니다. 화가 J.-B. 같은 해에 Benard와 Jean-Baptiste Leprince는 "시골 장면"으로 바뀌었고 재능있는 조각사 Ville의 그림에서도 비슷한 주제가 발견됩니다.

18세기 중반의 가장 재능 있는 제도가 중 한 명. 가브리엘 드 생토뱅(1724-1780)이었습니다. 장인의 아들인 Saint-Aubin은 젊었을 때 건축 학교에서 그림을 가르쳤습니다. 1750년대 초. 그는 로마 상을 받으려고 두 번이나 노력했지만 매번 2등에 불과했고 학문적 보조금을 받을 수 없는 것으로 판명되었습니다. 역사화 분야에서의 작가의 생각은 스케치에만 남아 있었고, 그는 자신이 시작한 구성을 여러 번 재작업하여 결국 끝내지 못하고 포기했습니다. 그러나 그는 파리의 일상생활을 생생하게 관찰하여 그림을 그리는 데 매우 능숙했습니다.

Saint-Aubin 가문에는 두 명의 재능 있는 설계자가 있었습니다. 두 번째는 어거스틴(1737-1807)이었습니다. 형제의 재능은 다릅니다. Augustin의 그림은 기본적으로 정확하고 서술적이지만 미묘하고 우아한 터치의 정교함도 가지고 있습니다. 명성을 얻은 Augustin은 공식 축제와 의식의 연대기가되었습니다. 그러나 1750년대에 그는 이 시대의 일반적인 특징으로 인해 여전히 가브리엘과 연합되어 있습니다. 그래서 1757년에 어거스틴은 파리를 통과하는 풍경 여행의 장면을 새겼습니다.

Gabriel의 작업에서 줄거리의 다양성은 놀랍습니다. 그는 박람회와 미용실, 도시 공원과 극장 홀, 거리와 광장의 장면, 과학자의 강의와 최면술 세션, 기념물과 풍경, 휴일과 저녁 식사, 산책과 화장실, 동상 및 그림 – 루브르 박물관에서 세인트 클라우드와 베르사유까지. 이 그림 아래에는 "산책 중 제작"이라는 서명이 자주 표시됩니다. 그는 삶의 다양성뿐만 아니라 유형의 특이성도 높이 평가했으며, 여기서 그는 프랑스 조각 "패션과 관습"의 전통에 충실했습니다. 그의 최고의 작품 중 하나는 에칭 "1753년 루브르 살롱의 풍경"입니다. 에칭의 구성은 두 개의 계층으로 구성됩니다. 상단에서는 벽에 걸린 그림을 볼 수 있고, 하단에서는 이를 보는 대중이 계단을 오르며 전시회로 서두르는 모습을 볼 수 있습니다. 특히 기대감에 가득 찬 노인의 외로운 모습이 인상적이다. 군중의 흥분과 생동감, 감정가의 집중된 사려 깊음, 분쟁 애호가의 표현적인 몸짓-이 모든 것이 조각사가 예리하게 알아 차립니다. 절묘한 색조 그라데이션에는 와토를 연상시키는 특별한 정신성과 감성이 담겨 있습니다.

Saint-Aubin은 세계의 가변성과 형태의 역동성을 전달할 수 있는 유연하고 자유로운 기술을 찾고 있었습니다. 그는 납과 이탈리아 연필을 사용하여 검정색의 부드러움과 깊이를 인식했으며 펜과 브러시로 작업하는 것을 좋아했으며 워시, 비스트르, 세피아, 황색 및 옅은 파란색 수채화가 포함된 중국 잉크를 사용했습니다. 그의 그림 속 이탈리아 연필은 비스트르와 파스텔과 결합되어 있으며, 납 연필- 먹물과 낙천적인 느낌으로. 이러한 다양한 기술적 수단의 혼합은 Gabriel de Saint-Aubin 그래픽의 특징입니다.

말년에 Saint-Aubin은 Mercier의 저서인 극작가 Seden의 작품을 삽화로 그렸습니다. 그 자신이 풍자시의 작가라는 것이 궁금합니다. 그중에는 부시에 대한 풍자가 있습니다.

세기 중반에는 현대 사회의 장면을 묘사하는 조각가의 수가 늘어납니다. 이들은 Cochin, Gravelo, Eisen, Jean Michel Moreau the Younger입니다. 그들의 예술은 18세기 그래픽 문화의 가장 절묘한 창조물 중 하나인 책 일러스트레이션의 발전에서 가장 중요한 단계였습니다. 특히 사회 생활의 장면인 젊은 모로(Moreau the Younger)의 판화는 표현력이 뛰어납니다. 그는 당시 프랑스의 일상생활을 다룬 최고의 작가 중 한 명이었습니다.

현재 조각 기술에는 흥미로운 것들이 많이 있습니다. 조각의 인기는 기술의 향상을 수반했으며 검색이 이어졌습니다. 발견된 다양한 기법들이 생동감 넘치는 표현력, 역동적이고 자유로운 기법에 대한 욕구로 통합된 것이 특징입니다. Gilles Demarto는 연필 방식으로 작업하기 시작하여 그의 전임자 중 한 명인 F. Charpentier가 조각의 흐림을 모방 한 lavis를 발명했으며 장르 화가 Leprince는 이러한 혁신을 채택하여 애쿼틴트 기술을 개발했습니다. 마지막으로 나중에 lavis와 aquatint를 기반으로 한 컬러 조각이 있습니다(Jean Francois Jeaninet, Louis Philibert Debucourt).

18세기 말, 프랑스 그래픽의 새로운 상승은 Prieur, Thevenin, Monnet, Elman, Duplessis-Berto, Svebach 등 화려한 초안가 은하계를 제시한 혁명의 사건을 반영한 것과 관련이 있습니다. .

세기 중반의 사실주의의 발전, 모순의 악화 및 예술 경향의 투쟁-이 모든 것이 예술 비평의 전례없는 활동인 예술 이론의 출현을 가져 왔습니다. 세기 중반에 볼테르의 말에 따라 국가가 마침내 빵에 대해 이야기하기 시작했을 때 부르주아 계몽주의 진영이 집결하여 1751 년 귀족과 교회에 대항하는 백과 사전 인 "전투 탑"을 제시했습니다. 미학 분야에서도 이념투쟁이 벌어졌다. 아시다시피 계몽자들은 도덕 교육의 도움으로 사회를 개편하는 것이 가능하다고 믿었으므로 우선 부도덕과 그것이 사회에 심어지는 수단을 전복시키는 것이 필요합니다. 디종 아카데미가 “과학과 예술의 부흥이 도덕을 향상시켰는가?”라는 주제를 내놓았을 때 루소는 예술을 노예제도의 쇠사슬에 걸린 화환으로 낙인찍으며 부정적으로 대답했다. 본질적으로 그는 자연에 대한 왜곡과 적대감으로 고귀한 문화를 브랜드화했습니다. 거짓 문명에 맞선 루소의 이번 전쟁과 디드로의 살롱에서 누구나 볼 수 있는 로코코 예술의 폭로 사이에는 분명한 차이가 있지만 의심할 여지 없는 공통점이 있습니다.

계몽주의 미학의 대부분은 예술의 사실주의 확립을 지향합니다. 사실주의 예술가 샤르댕(Chardin), 라투르(Latour) 등을 지지했던 디드로(Diderot)는 이것을 끊임없이 반복했습니다. Diderot의 예술 비평은 아마도 진보적인 사상가가 예술적 실천 분야에 적극적으로 침입하여 현실적인 가치와 민주적 지향 측면에서 예술 현상을 평가하는 첫 번째 예일 것입니다.

디드로의 미학 이론은 예술의 구체적인 삶을 살았고, 이런 방식으로 학계 이론가들의 사변적이고 사변적인 구성에 반대했습니다. 예술의 진실에 대한 요구와 함께 디드로는 현대 회화와 조각을 분석하면서 행동의 문제를 제시합니다. 그는 일상적인 장르가 노인들을 위한 예술이 되어가는 것을 우려한다. 그는 초상화 속의 행동을 보고 싶어 했고, 루소의 초상화에서 "우리 시대의 카토"의 이미지를 만들지 않은 것에 대해 그의 마음 속에 너무나 소중한 라투르에게 넘어졌습니다.

프랑스에서 "에너지"라는 단어가 사용되기 시작한 것은 바로 이 시기였습니다. Diderot의 시각 예술에서의 행동 문제는 예술의 사회적 활동 문제입니다. 나중에 일어날 일을 예상하면서 그는 국가의 각성에 기여할 수 있는 모든 사상, 열정, 상상력을 포착하고 지원하려고 노력했습니다.

그림에서 사람들의 계급 지위 이전에 대해 말하면서 Diderot은 그가 초상화에서 보는 시청자에게 설명하는 외부 속성을 의미하지 않습니다. 이는 인간 정신에서 이러한 위치의 각인을 의미합니다. 내면 세계, 감정의 본질. "장인의 모습과 얼굴은 상점과 작업장의 기술을 보존합니다." 환경이 사람의 본성을 어떻게 형성하는지 연구하고, 마지막으로 예술에서 단순한 사람을 묘사하라는 요구는 계몽주의 미학의 특징이었습니다.

예술적 이미지의 진실성에 대해 논쟁하면서 디드로는 그의 "회화 경험"에서 현대 예술가들의 현실적인 탐색을 일반화했습니다. 특히 흥미로운 점은 공중 원근법과 색상 반사, 명암대비와 표현력에 관한 그의 발언입니다.

Diderot의 미학적 개념에는 논란이 없지 않습니다. Boucher를 비난하면서 그는 예술 작품의 섬세함과 우아함에 대해 열정적으로 이야기합니다. Chardin의 그림 같은 미덕을 감상하는 방법을 알고있는 그는 Greuze의 달콤한 "머리"에 대해 형언 할 수없는 감탄에 빠지며 그것이 루벤스의 그림보다 높다고 선언합니다. 이러한 화해할 수 없는 평가 모순은 부르주아 계몽주의 견해의 본질에 의해 생성됩니다.

예술에 큰 교육적 중요성을 부여한 계몽자들은 예술을 자신들의 이론에 따라 도덕을 교육하는 수단으로 여겼습니다. 자연인". 그러나 바로 이 시점에서 윤리의 영역에서 그들이 이상주의로 방향을 틀었기 때문에 소위 부르주아의 선함은 예술에서 이상화의 주제가 되었습니다. 귀족의 사악함과 추상적인 미덕을 대조하면서 계몽자들은 자본주의가 가져오는 것을 보지 못했습니다. 그러므로 디드로 자신의 드라마에 등장하는 부르주아 영웅들은 비현실적이고, 생명이 없고, 부자연스러우며, 설교를 하는 대변자 역할을 합니다. 아마도 계몽 미학의 가장 약한 점은 예술의 도덕성에 대한 요구일 것이며, 예술에 관한 에세이의 가장 희미한 페이지는 도덕이라는 장르에 대한 열정이 아낌없이 쏟아지는 페이지일 것입니다. 그러한 경우 Diderot의 실명은 놀랍습니다. 특히 그가 화가들을 위해 직접 구성한 감동적인 이야기가 궁금합니다.

시각 예술에서 이러한 모순을 반영한 작품을 만든 예술가는 Jean-Baptiste Greuse(1725-1805)였습니다. Grez는 리옹에서 이류 화가 Grandon과 함께 공부했습니다. 첫 번째 명성은 "성경을 읽는 가족의 아버지"라는 장르의 그림으로 인해 그에게 주어졌습니다. 1750년대 그는 이탈리아로 여행을 떠났고 그곳에서 줄거리를 제외하고는 이탈리아인이 없는 장면을 집으로 가져왔습니다. 그 주위에서 투쟁이 펼쳐집니다. 왕실 건물의 책임자인 마리니 후작은 퐁파두르 후작을 위한 우화적 작곡 명령으로 그를 끌어들이려고 노력했고 그를 이탈리아로 보내겠다고 제안했습니다. 계몽자들은 제3신분의 화가로 활동했던 그뢰즈(Greuze)의 음모의 민주화를 지지했습니다.

Greuze의 프로그램 작업은 1761년 살롱에 전시되었습니다. 이것은 "시골 신부"(루브르 박물관)입니다. 그레즈의 그림은 단지 가정생활의 순간 중 하나를 보여주는 이미지가 아닙니다. 그가 의식적으로 자신을 위해 설정한 임무는 훨씬 더 광범위했습니다. 가족 생활에서 예외적인 사건을 제시하고 세 번째 신분의 좋은 도덕을 찬양하는 상세한 다중 인물 구성에서였습니다. 따라서 행사의 주요 행사 인 지참금 가족의 아버지가 사위에게 양도하는 일을 중심으로 존경하는 가족 구성원이이 "영혼의 특별한 움직임"을 얼마나 열정적으로 인식하는지에 대한 이야기 펼쳐진다. 구성은 새로운 방식으로 구축되었습니다. 꿈의 캐릭터는 마치 무대에 있는 것처럼 느껴지고, 살거나 행동하지 않고 표현합니다. 캐릭터의 배치나 몸짓, 표정 등이 마치 '눈물나는 코미디' 학파에서 자란 감독의 손길을 연상케 한다. 그래서 신혼 부부의 두 자매는 한 사람의 헌신과 부드러움과 다른 사람의 비난할만한 부러움을 비교하기 위해 비교됩니다. 영국 극작가 Goldsmith는 연극 예술의 유사한 현상에 대해 다음과 같이 썼습니다. "이 연극에서 거의 모든 캐릭터는 훌륭하고 매우 고귀합니다. 관대 한 손으로 무대에서 주석 돈을 배포합니다."

1761년 살롱에서도 그레즈는 에르미타주 그림 Paralytic에 대한 여러 그림을 전시했습니다. 이 그림의 스케치 중에는 '할머니'(파리, 개인소장)라는 수채화가 알려져 있다. 수채화는 가난한 집, 계단 아래 아픈 노파 주위에 아이들이 모여드는 모습을 묘사합니다. 포즈의 설득력, 상황의 생명력은 자연에서 온 그레즈의 작품을 연상시킨다. 파리 상인, 거지, 농부, 장인을 그린 그림으로 유명합니다. 작가의 그림 작업 초기에는 자연의 스케치가 중요한 역할을했습니다. 그러나 1763년 살롱전에 출품된 그림과 스케치를 비교해 보면 변화가 눈에 띈다. 자세와 움직임이 영향을 받았고 어떻게 든 나무가 된 가족은 마비 환자에게 달려가 감사와 열정의 시끄러운 퍼레이드로 그의 마지막 힘을 빼앗 겼습니다. 그림 속 구부러진 계단 난간에 스케치에 걸려 있던 걸레는 장엄한 휘장으로 변합니다. 이 시트는 가족 깃발처럼 선한 영웅들의 피라미드 그룹의 왕관을 장식합니다. 요약하자면, Grez는 학문적 구성 기술을 사용하여 캐릭터를 전경에 "얕은 부조"로 배치합니다. Greuze의 많은 그림에는 사실주의의 특징이 부여됩니다. 그것은 삶의 관찰에 기초합니다. 그러나 작가의 창작방식은 외향적이고 고정관념적인 경향이 있다. 이 과정은 17세기 어느 학자의 시도를 연상시킨다. 르브룬은 인간 감정의 모든 다양성을 추상적인 열정의 몇 가지 공식으로 축소합니다.

1760년대 새로운 작품이 나올 때마다 Grez의 영웅은 고통받는 가족의 아버지, 사악한 아들, 존경하는 사위, 사악한 계모 등 "석화 된 별명"을 얻습니다.

"North and Caracalla"(Salon 1769, Louvre)라는 작품은 역사적인 그림으로 승격 된 고결한 아버지와 사악한 아들의 이야기입니다. 한편으로 Grez의 가족 미덕은 점점 더 추상화되었으며 이러한 관점에서 그 "역사적 영광"은 상당히 논리적입니다. 그러나 동시에 여기에는 중요한 새로운 의미가 있습니다. Caracalla는 사악한 아들일 뿐만 아니라 나쁜 통치자이기도 합니다. Greuze가 이 그림을 받아들이는 것을 거부하면서 아카데미(당시 나이 많은 Boucher가 이끌었음)는 이미 1770년대에 일어나고 있던 일을 준비하고 있던 시민적 동기에 항의했습니다. 가족의 미덕을 시민의 미덕으로 대체합니다.

후기 Greuze의 작품에는 매너리즘이 점점 더 많아지고 있습니다. 모호함, 속물적 감성, 형편없는 그림을 지닌 깨진 주전자(루브르), 죽은 새, 머리, 아침 기도 등이 있습니다. "진실할 수 없다면 매워라"라고 말한 사람이 그레즈였다는 것은 놀라운 일이 아닙니다. "즐거움의 예술"은 당시의 진보적 아이디어를 그림으로 표현하려는 욕구보다 우세했습니다.

Greuze는 18세기 후반 프랑스 회화(Lepissier, Aubrey 등)의 전체 경향을 창안했습니다. 그것은 혁명적 고전주의 예술이 이미 구체화되고 있던 1770년대에 발전했습니다. 그러므로 이 시대의 도덕주의적 장르는 프랑스 회화에서 사소한 현상으로 드러났다. Greuze의 가장 전형적인 추종자 중 한 명인 Etienne Aubry는 삶이 아닌 Marmontel의 Moral Tales에서 그림의 줄거리를 그렸습니다. Nicolas Bernard Lepissier(1735-1784)의 작품에는 후기 감상 장르의 또 다른 측면인 목가성이 있습니다. Falcone은 다음과 같이 올바르게 말한 적이 있습니다. "우리를 감동시키려는 노력이 명백할수록 우리는 덜 감동받습니다."

그뢰즈와 그의 추종자들의 예술을 평가할 때 미덕에 대한 설교를 루소의 세계관과 관련된 18세기 감상주의의 또 다른 흐름과 혼동해서는 안 됩니다. 특히 세기 후반의 특징인 자연에 대한 매력은 이 시대 풍경화의 현실적인 경향을 발전시키기 위한 전제조건이었습니다.

18세기 초 자연에 대한 새로운 인식의 기초, 즉 서정성, 감성, 인간 영혼의 움직임과 조화를 이루는 능력은 Watteau의 작업에서 마련되었습니다. 이 예술은 이후 다른 장르의 틀 내에서 발전했습니다. 즉, 카펫용 판지의 풍경 배경은 물론 전투 및 동물적 구성에서도 발전했습니다. 가장 흥미로운 것은 François Deporte(1661-1743)와 Oudry(1686-1755)의 사냥 장면입니다. 실시간 관찰은 Deporte의 연구("Valley of the Seine", Compiègne)에서 가장 눈에 띕니다.

18세기 중반에는 산수화의 주요 거장들이 등장했다. 그 중 장남은 조셉 베르네(1714-1789)였습니다. 그는 스무 살에 이탈리아로 가서 그곳에서 17년 동안 살았습니다. 따라서 베르네는 1750년대 프랑스에서 유명해졌습니다. 1753년 루브르 살롱에서의 성공 이후. 창의력 Vernet은 Claude Lorrain의 전통을 회상합니다. 그의 풍경은 장식적입니다. 때때로 Vernet은 서정적 모티프, 때로는 극적인 음표에 관심이 있으며 말년에는 특히 폭풍과 달빛의 낭만적 인 효과를 자주 사용했습니다. Vernet은 능숙한 이야기꾼이며 다양한 종의 풍경을 가지고 있습니다. 유명한 시리즈인 "Ports of France"는 바다와 공원의 전망이 많습니다. 이 작가의 풍경은 실내 장식의 일부로 상당한 인기를 누렸다.

Louis Gabriel Moreau the Elder (1739-1805) – 나중에 풍경화의 대가. 그는 보통 파리와 그 주변 지역(Meudon, Saint Cloud, Bagatelle, Louveciennes)에 대한 견해를 썼습니다. 모로는 "공원 울타리가 있는 풍경"(수채화 및 구아슈, 푸쉬킨 미술관)과 같은 우아한 풍경 그림으로 유명했습니다. 그의 작품은 세련되고 다소 차갑지만 색상이 은은하다. 모로의 시적이며 생명력 있는 관찰력은 The Hills at Meudon(루브르 박물관)과 같은 작품에서 굴절되었습니다. 그의 그림은 크기가 작고 화가의 손글씨는 붓글씨입니다.

18세기 후반의 가장 유명한 풍경화가. 휴버트 로버트(1733-1808)였습니다. 이탈리아에서 보낸 몇 년 동안 로버트는 고대 로마의 유적에 대한 존경심에 젖었습니다. 이것은 고전주의 사상에서 영감을 얻은 새로운 세대의 예술가입니다. 그러나 로버트의 예술은 특히 고대에 대한 관심과 자연에 대한 매력이 유기적으로 결합된 것이 특징입니다. 이것은 고대와 자연에서 자유의 원형과 인간의 자연 상태를 보았던 18세기 후반 프랑스 문화의 가장 중요한 경향입니다. 예술가는 파리로 돌아온 후 건축 풍경에 대한 수많은 의뢰를 받았습니다. 그들은 새로운 고전주의 저택의 내부를 장식하는 장식적인 목적을 가지고 있었습니다. 그들은 또한 아르한겔스크의 영지를 위해 Yusupov와 같은 러시아 귀족들에 의해 주문되었습니다.

Robert는 자연의 스케치를 사용했지만 그림을 만드는 것을 상상하고 구성했습니다. 피라네시처럼 그는 다양한 유적과 기념물을 하나의 그림에 결합했습니다. 작가는 건축적 모티프의 위엄이 특징이다. 방법이나 주제 면에서 그는 전형적인 고전주의의 거장이다. 그러나 18세기 후반 풍경의 현실적 경향은 다음과 같다. 그의 예술에서 많은 것을 정의하십시오. 오래된 돌의 표면은 빛으로 가득 차 있으며, 그는 빛의 유희를 전달하는 것을 좋아하며 어두운 폐허 사이에 빛나는 투명을 걸어 놓습니다. 젖은 세탁물. 때로는 건물 기슭에 시냇물이 흐르고, 그 안에서 세탁부의 빨래가 헹궈집니다. 색상의 뉘앙스의 경쾌함과 부드러움은 로버트 풍경의 특징입니다. 그 범위에는 다양한 녹색 및 진주 회색 음영이 있으며 그 중 절제된 악센트는 종종 주홍색으로 배치됩니다.

18세기 후반 산수화의 발전을 위해서는 기존의 제도를 대체하는 공원계획의 새로운 원칙이 매우 중요하였다. 로버트가 감상주의 정신을 바탕으로 자연을 모방한 "영중국식" 정원을 좋아한 것은 당연합니다. 1770년대 말. 그는 베르사유에 있는 유사한 공원의 개조를 감독했습니다. 풍경화가의 조언에 따라 Ermenonville, Bagatelle, Chantilly, Méreville (후자는 Robert의 계획에 따라)의 정원이 이때 파손되었습니다. 이곳은 철학자와 몽상가를 위한 정원이었습니다. 기발한 길, 그늘진 골목, 소박한 오두막, 건축 유적이 있어 명상에 도움이 됩니다. 차례로, 조경 공원의 자연성에 대한 탐색, 구성의 자유, 친밀한 동기-이 모든 것이 풍경화에 영향을 미치고 현실적인 경향을 자극했습니다.

세기 후반의 가장 위대한 화가이자 그래픽 아티스트는 Honore Fragonard(1732-1806)였습니다. 17세에 프라고나르는 부셰(Boucher)의 작업장으로 갔으며, 부셰(Boucher)는 그를 샤르댕(Chardin)에게 보냈습니다. 샤르댕과 6개월을 보낸 후 젊은 예술가는 부시로 돌아왔습니다. 프라고나르는 교사가 대량 주문을 처리하도록 도와야 했습니다. 1752년에 프라고나르는 성서 이야기를 작곡한 공로로 로마상을 받았습니다. 1756년에 그는 로마에 있는 프랑스 아카데미의 학생이 되었습니다. 이탈리아의 5년은 예술가에게 매우 유익한 시간이었습니다. 그는 더 이상 부시의 눈으로 세상을 볼 수 없었다.

프라고나르. Villa d "Este의 대형 노송나무. 드로잉. 세척된 비스트르. 1760년 비엔나, 알베르티나.

프라고나르의 작품은 주로 17~18세기 이탈리아 회화의 영향을 많이 받았습니다. 그는 또한 고대 석관의 부조를 복사하고 고대 주제, 즉 1760년대 Bacchic 장면에 대한 즉흥 연주를 만들었습니다. 이 기간 동안 프라고나르의 멋진 풍경 그림은 공기와 빛으로 가득 차 있었습니다. 유연하고 자유로운 그래픽 기법은 지각의 감각적 미묘함에 부합합니다. 대기의 안개, 골목길의 햇빛 유희를 전달하면서 그는 그림에 부드러운 빛과 음영 전환을 도입하여 비스트르 또는 잉크 세척 기술을 풍부하게 했습니다. 그는이 세월과 낙관적 인 사랑을 받았습니다. 프라고나르의 초기 풍경화는 젊은 화가의 첫 번째 성공 중 하나입니다.

1761년 가을, 프라고나르는 파리로 돌아왔습니다. 1760년대는 그의 예술이 성숙해지는 시기이다. 여전히 논란의 여지가 많았습니다. 전통적인 형태의 로코코는 현실적인 탐구를 주장했습니다. 그러나 신화 장르에서도 서정적 주제가 주요 주제가되었습니다. 1764년 겨울에 그는 "Kallira를 구하기 위해 자신을 희생하는 사제 Korez" 프로그램을 마쳤습니다. 이 큰 그림은 1765년 루브르 살롱에 전시되었습니다. 후세의 영향을 받아 작성되었습니다. 이탈리아 거장, 조건부 연극이 많이 있지만 수사법을 통해 감정이 깨집니다. 사진은 성공했습니다. 루브르 박물관의 아폴로 갤러리를 위한 대형 천장을 제작하라는 아카데미의 명령(1766)은 학자라는 칭호를 약속했습니다. 그러나이 작업은 Fragonard에 의해 완료되지 않았으며 역사적인 장르에서 돌아섰고 1769 년부터 루브르 박물관의 살롱 전시를 중단했습니다. 그는 학계의 역사화 교리에 분명히 혐오감을 느꼈습니다. 동시대 사람들은 그가 역사적 화가의 위대한 사상과 영광을 버리고 귀족 내실에서 그의 작품의 인기에 만족했다고 한탄했습니다.

사실, 젊은 거장의 예술은 1760년대에 구체화되었습니다. 서정적이고 친밀합니다. 프라고나르의 작품 속 일상 생활 장면, 풍경, 초상화는 개성, 자연에 대한 관심, 이 시대 프랑스 예술 문화의 특징적인 느낌으로 특징지어집니다. 프라고나르 예술의 특징은 아마도 18세기 다른 화가들의 예술보다 쾌락의 시적인 쾌락주의가 물들어 있다는 것입니다. 아시다시피 18세기의 쾌락주의입니다. 논란이 되는 현상이었습니다. 쾌락의 철학은 수백만 명의 실제 존재 조건과 충돌했고, 민주당 루소의 불 같은 분노가 그 위에 떨어진 것은 아무것도 아닙니다. 그러나 동시에 현실적이고 세상적인 관능에 대한 주장이 그것과 연결되었습니다. 프랑스 유물론자들은 귀족의 타락과 성도의 위선을 존재의 모든 풍요를 누릴 수있는 사람의 권리와 대조했습니다. 즉, 교육자 라 메트리(La Mettrie)가 “방탕의 적, 쾌락의 친구”가 되라는 요구는 위선과 성직자들의 중세 도덕성에 대한 항의처럼 들렸다. 쇠퇴하는 귀족의 관습을 반영한 로코코 회화의 만족스러운 에로티시즘은 예술을 파괴했습니다. 그리고 프라고나르의 작품에는 고귀한 문화의 전형적인 특징이 담겨 있습니다. 그러나 그의 가장 좋은 점에서 그는 Boucher의 아류의 냉담한 정교함에서 자유롭고 그 안에는 진정한 감정이 많이 있습니다.

"큐피드의 셔츠 도난"(루브르), "Bathing Naiads"(루브르)와 같은 신화적인 장면조차도 구체적인 삶의 성격을 획득하고 시청자를 친밀한 존재 영역으로 이동시킵니다. 이 사진들은 감각적인 행복으로 가득 차 있습니다. 부드러운 구성의 리듬, 부드럽고 떨리는 그림자, 밝고 따뜻하고 다채로운 색조가 감성적인 환경을 조성합니다. 프라고나르의 장면에 담긴 사랑에 대한 갈망은 생생한 교활함과 뻔뻔스러운 조롱과 결합됩니다.

프라고나르 예술의 정서적 포화는 그의 기술의 기질, 가볍고 역동적인 스트로크의 자유, 빛과 공기 효과의 미묘함을 결정했습니다. 그는 즉흥 연주자로서 놀라운 재능을 부여 받았으며 항상 그를 조명한 아이디어를 완전히 구현하지는 않았습니다. 프라고나르의 회화 체계에서는 표현이 절묘한 장식주의와 결합되며, 색채는 샤르댕처럼 사물의 양감과 물질성을 전달하지 못한다.

1760년대의 가장 유명한 작품 중 하나인 "Swing"(1767, 런던, 월리스 컬렉션)은 고객의 음모에 따라 제작되었습니다. 금융가 Saint-Julien은 예술가가 그네에서 사랑하는 사람을 묘사하기를 원했습니다. 공원의 친밀한 구석은 요염한 내실처럼 보입니다. 우아한 자태의 팔랑거리는 움직임, 나방의 실루엣을 연상시키는 옷의 윤곽, 나른한 눈빛의 귀여운 유희, 이 모든 것이 스파이시한 로카유의 세련미가 가득한 이미지를 만들어낸다.

그러나 Fragonard의 작업에는 Laundresses (Amiens)와 유사한 장르 장면이 많이 있습니다. 거대한 회색 철탑 근처의 오래된 공원에는 세탁부들이 린넨을 널고 있습니다. 색상은 순수하고 투명하며 오래된 돌에 부드러운 반사로 흩어져 있는 태양 광선의 광채를 전달합니다. 어두운 단풍은 오래된 돌에 그림자를 드리우고 회색은 올리브, 회색 및 녹색으로 짜여져 있습니다. 색상의 신선함, 뉘앙스의 풍부함, 획의 가벼움-이 모든 것이 Boucher의 에피곤의 느리고 부자연스러운 방식에 반대되었으며 19세기 풍경의 색상 정복을 예상했습니다.

프라고나르의 자연에 대한 매력은 일상적인 장면에 활력을 불어넣고 풍경 장르를 풍부하게 하며 초상화 속 모델의 개성을 높이 평가하게 만들었습니다. 프라고나르의 초상화("Saint-Non", 바르셀로나)는 화려하고 변덕스럽습니다. 작가의 관심은 내면 세계의 정확한 유사성과 복잡성이 아니 었습니다. 그는 초상화 속의 영혼의 흥분, 장식적인 범위, 화려한 의상의 특이성을 좋아했습니다. 프라고나르의 초상화 작품 중 디드로(파리, 개인소장)의 이미지가 눈에 띄는데, 이 장르의 그래픽 작품으로는 “마담 프라고나르”(중국 잉크; 베장송), “마거리트 제라드”(bistre, ibid.) 등이 있다. 그의 장점은 선입견으로부터 초상화의 해방, 감정의 진실성에 대한 열정, 표현의 즉각성이었습니다.

풍경화에서 프라고나르는 와토의 전통으로 돌아갔지만, 와토의 우울한 공상은 존재의 감각적 기쁨으로 대체되었습니다.

로베르와 달리 프라고나르의 풍경에는 ​​건축적 모티프가 지배적이지 않으며, 자연의 구체적인 이미지를 형성하는 환경인 공간적 관계와 빛의 효과에 우선권을 부여합니다. 원근법은 눈을 깊이 있게 유도하지만 대부분의 경우 직선이 아닙니다. 중간 계획은 bosquet, 나무 덩어리, 파빌리온으로 채워져 있습니다. 그들 주위를 휘감으면 골목이나 길은 마법의 빛으로 비춰져 먼 곳으로 이어지지만 지평선은 일반적으로 숲, 테라스, 계단으로 닫혀 있습니다. 프라고나르의 풍경은 언제나 친밀하다. 빌라 데스테(Villa d'Este)의 호화로운 바로크 공원에서 프라고나르는 화려함과 엄격한 대칭이 결여된 보기 드문 코너를 발견했는데, 이 코너는 관중들로 둘러싸인 시끄러운 분수에서 제거되었습니다.

작은 진동 스트로크는 나뭇잎에 햇빛의 반사와 섬광을 전달합니다. 이 플래시는 어두운 물체 주위에 빛의 확산 후광을 만듭니다. 깊은 곳에서 부드러운 빛이 흘러나와 나무의 실루엣을 비춥니다. 폭포수처럼 쏟아지는 빛이 프라고나르의 그림을 가득 채우는데, 이는 그의 그래픽의 가장 놀라운 특성 중 하나입니다. 그래픽 기술의 본질은 종이 자체의 색상 표현력도 변화시킵니다. 나무의 면류관은 계단의 흰 돌보다 햇빛에 더 부드럽게 빛납니다.

1770년대에는 프라고나르의 풍경은 더욱 단순해지고 더욱 진지해진다. 점차 장식된 자연의 자리가 평범한 자연으로 채워지고 있다(“제노바 근처의 해변”, 세피아, 1773). 민속 생활의 장면으로 일상 장르가 풍부해지면서 이런 일이 일어났다는 점은 주목할 만합니다. 프라고나르의 장르와 조경 예술의 발전에서 가장 중요한 것은 그가 1773-1774년에 착수한 이탈리아 여행이었습니다. 이 기간 동안 이탈리아의 예술적 분위기는 이미 새로운 것이었습니다. 로마의 Medici Villa에서는 Vincent, Suve, Menajo와 같은 젊은 고전주의자들이 공부했습니다. 그러나 프라고나르는 고전주의의 원칙이 아니라 사실적인 풍경과 일상적인 장면을 이탈리아에서 가져왔습니다.

Fragonard의 작업에는 La Fontaine의 Tales, Ariosto의 Furious Roland, Cervantes의 Don Quixote 등 여러주기의 삽화가 알려져 있습니다. Ariosto의 삽화는 세피아와 연필 스케치로 유지되었습니다. 때로는 서정적으로 부드럽고 때로는 드라마틱한 표현력 있는 터치와 그림 같은 명암대비로 인해 시적 이야기의 자유롭고 생동감 넘치는 리듬, 예상치 못한 억양의 변화를 전달할 수 있었습니다. 이 그림에서는 루벤스의 우화적 구성과 베네치아의 그래픽인 Tiepolo 및 Gasparo Diziani의 영향이 눈에 띕니다. 삽화로 책을 장식하는 로코코 일러스트레이터와 달리 프라고나르는 시의 주요 사건과 영웅에 대해 알려주는 일련의 시트를 만듭니다. 이것은 일러스트레이션을 표현하는 색다른 새로운 방법입니다. 그러나 그는 인물의 심층적 특성화보다 삶에서 일어나는 특별한 사건의 화려한 표현을 선호합니다.

후기 기간에도 프라고나르의 작업은 이 대가의 전형적인 문제 범위에 머물렀습니다. 물론 고귀한 문화의 전통과 주로 관련된 그의 서정적이고 친밀한 예술은 1780 년대에 승리 한 혁명적 고전주의에 내재 된 영웅적 이상을 유기적으로 인식 할 수 없었습니다. 그러나 혁명 기간 동안 프라고나르는 예술적인 삶, 예술 심사위원이자 루브르 박물관의 큐레이터가 되었습니다.

18세기 중반 프랑스 조각. 마스터가 등장하여 새로운 길을 시작했습니다.

Jean Baptiste Pigalle(1714-1785)은 그의 스승인 J.-B.보다 겨우 10살 어렸습니다. 레모인; 그러나 그의 작품에는 근본적으로 새로운 특성이 많이 포함되어 있습니다. Pigalle이 1736-1739 년에 공부했던 로마의 테라코타에서 제작 된 그의 작품 중 가장 인기있는 "Mercury"는 여전히 매우 전통적입니다 (1744 년에 그는 대리석 버전의 학자라는 칭호를 받았습니다). 날개 달린 샌들을 조정하는 머큐리의 복잡한 포즈는 우아하고 교묘하고 용감한 것이 있으며 주제의 친밀함에 따라 소재 처리가 절묘합니다. 그와 가까운 곳에는 세기 중반 장식 조각의 예인 "Venus"(대리석, 1748, 베를린)가 있습니다. 그녀는 구름 위에 앉아있는 것으로 표현되고, 불안정한 자세로 나른한 행복을 느끼며 그 모습이 지지대에서 미끄러질 것 같습니다. 선율의 부드러움, 비율의 정교함, 마치 안개에 싸인 듯한 대리석의 섬세한 가공 등이 모두 초기 Pigalle의 세련된 이상을 전형적으로 보여줍니다. 그러나 이미 여기에는 로코코의 친밀한 음표가 형태의 놀라운 자연 성과 결합되어 있습니다. 여성의 몸. Pigalle은 나중에 "무자비한"이라고 불릴 것입니다. 그리고 실제로 Dancourt(1771, Notre Dame Cathedral)와 Saxony의 Maurice(1753-1776)의 무덤에는 우화의 수사뿐 아니라 많은 동기의 궁극적인 자연스러움도 있습니다. 퐁파두르 후작의 수많은 초상화 화가 중 누구도 그녀의 실제 모습을 그렇게 정확하게 전달하지 못했습니다 (뉴욕, 개인 소장품). 라투르에서도 그녀는 너무 예뻤다. 그러나 특히 자연에 대한 이러한 관심은 볼테르의 대리석 조각상(1776, 파리, 프랑스 연구소 도서관)에서 드러났습니다. 1770년에 볼테르는 그의 움푹 들어간 눈과 양피지 같은 볼에 대해 편지에 썼습니다. Pigalle은 여기에서 "영웅적인 알몸"이라는 고전적인 공식을 따랐지만 동시에 이러한 모든 노년의 징후를 이미지로 옮겼습니다. 그러나 그의 예술에서 자연의 정확한 전달은 항상 높은 수준의 일반화로 이어지지 않았으며 일반적으로 수사적 장치를 동반했습니다.

Pigalle과 거의 같은 나이에 Etienne Maurice Falcone(1716-1791)이 있었습니다. The Bronze Horseman의 창시자는 18세기 최고의 조각가 중 한 명이었습니다. 목수의 아들인 팔콘(Falcone)은 18세에 르모안(Lemoine)의 견습생이 되었습니다. Pigalle과 마찬가지로 그도 퐁파두르 시대의 트렌드세터인 Boucher의 영향력이 거의 전적인 시대에 시작되었습니다. 그러나 Falcone은 "쾌락의 예술"에 대해 Pigalle보다 더 대담했고, 그의 지평은 더 넓었고, 과거의 기념비적 예술의 유산은 그를 미래의 작품을 위해 준비시켰습니다. Falcone은 그의 조각상의 정맥에 "살아있는 피가 흐른다"고 말하면서 Puget의 작업을 높이 평가했습니다. 고대에 대한 깊은 연구는 나중에 마르쿠스 아우렐리우스 동상에 대한 관찰이라는 논문으로 이어졌습니다. 처음에는 많은 것을 결정했습니다. 중요한 작업 Falcone - "사자에게 고통받는 Croton의 Milo"(석고 모델, 1745) - 줄거리의 극적인 성격, 구성의 역학, 신체의 가소성 표현. 1755년 살롱에는 대리석 '밀롱'이 전시되었습니다. 그러나 첫 경험 이후 팔코네의 창의적인 길은 이 시대의 예술가에게 일반화되었습니다. 그는 Marquise Pompadour와 Crecy의 Bellevue의 고귀한 저택을 위해 우화적인 구성과 장식 조각을 수행해야했습니다. Flora (1750), Threatening Cupid and Bather (1757)입니다. 그들은 로코코의 친밀감, 이 스타일의 특징인 비율의 우아한 우아함, 유연한 형태의 부드러움, 구불구불한 윤곽의 기발한 리듬, 미끄러지는 움직임의 용이함이 지배적입니다. 그러나 팔코네는 또한 로코코의 주제를 미묘한 시가 부여된 주제로 바꾸었습니다.

1757년부터 팔코네는 세브르 도자기 제조소의 예술 감독이 되었습니다. 기념비적 인 구성에 끌린 그는 10 년 동안 "Apollo and Daphne", "Hebe"등 Sevres 비스킷의 모델을 만들어야했습니다. 프랑스 도자기 개발을 위해 그의 활동은 매우 중요했습니다. 하지만 조각가 자신에게는 힘든 시기였다. 1750년대 말, 1760년대 초에 고대의 경향은 시대의 특징이었던 미묘한 굴절에서 팔코네의 작품에서 느껴졌습니다. 이 시기의 작품에서는 사상의 내용을 보다 풍부하게 추구하고 조형 언어의 엄격함과 절제를 추구한 것이 눈에 띈다. 대규모 그룹 "Pygmalion and Galatea"(1763), "Tender Sadness"(1763, Hermitage)가 있습니다. 행복한 순간의 바위 같은 애매함은 사건의 중요성, 생각의 심각성에 대한 감각으로 대체됩니다. 예술 문화의 새로운 경향과 팔코네의 진보적 견해로 인한 이러한 변화는 러시아 시대 그의 예술의 개화를 준비했습니다.

Augustin Pajou(1730-1809)는 기념비적 장식 조각의 대가였습니다. 그는 베르사유 극장과 교회, Palais Royal, Les Invalides, 파리의 Justice Palace를 조각상으로 장식했습니다. 그가 만든 수많은 흉상은 J.-B. 외부를 전달하는 미묘함이 있지만 깊은 심리학이없는 우아한 초상화의 장엄함을 지닌 Lemoine.

Clodion(1738-1814)이라는 별명을 가진 Michel Claude가 페이지와 가깝습니다. 그러나 그는 친밀한 장르 장면인 프라고나르(Fragonard)에 훨씬 더 가깝습니다. Adam과 Pigalle의 학생인 Clodion은 1759년에 로마 학술상을 받았습니다. 이탈리아에서 그는 1762년부터 1771년까지 오랫동안 머물렀으며 그곳에서도 명성을 얻었고 수집가들 사이에서 인기 있는 대가로서 파리로 돌아왔습니다. 목성 조각상 아카데미에 입학 한 후 그는 "역사적 장르"에서 작업을 거의 중단했으며 학자라는 칭호를받지 못했습니다. 그의 작은 조각품, 장식용 얕은 부조 및 꽃병, 촛대 및 촛대는 고귀한 저택을 위해 만들어졌습니다. Clodion의 스타일은 Herculaneum 발굴 중에 알려지게 된 고대 예술의 영향을 받아 이탈리아 시대부터 형성되기 시작했습니다. Clodion 예술의 골동품 장면은 미묘하게 관능적 인 성격을 얻었습니다. 그의 난교, 님프 및 목신, 사티로스 및 큐피드는 고대 프로토 타입이 아닌 로카유 장면에 가깝습니다.

그들은 플롯 모티프의 더 우아한 성격과 프랑스 예술 문화에서 고전주의 형성 기간의 특징인 절제된 구성 리듬으로 인해 초기 단계의 로코코와 구별됩니다. 우아함과 활력의 특별한 합금 인 Clodion의 작업에서는 미묘한 서정성과 부드러운 그림이 주요한 것입니다. 테라코타 "요정"(모스크바, 푸쉬킨 미술관)과 Sevres 제조소 (Hermitage)에서 1788 년 그의 모델에 따라 제작 된 도자기 옅은 "팬의 헤르메를 설정하는 님프"가 있습니다.

18세기 후반 사실적인 초상화 조각의 최대 거장. 장 앙투안 우동(1741-1828)이었습니다. 이것은 혁명 시대와 직접적으로 관련된 새로운 세대의 조각가였습니다. 그가 선택한 방향은 로코코 예술의 이념적 기반과 세련된 형태를 거부했습니다. 조각가 자신의 명료하고 냉정한 사고방식과 현실적인 사고방식은 구파의 관습과 신고전주의의 수사적 극단을 극복하는데 기여했다. Houdon에게 어떤 종류의 모델보다 자연을 결정적으로 선호하는 것은 흔한 일이 아니라 실제로 그의 작업을 이끄는 원칙입니다.

젊었을 때 그는 Houdon에게 훌륭한 실무 지식을 전달한 Pigalle과 Slodz의 지도를 받았습니다. 솔로몬과 사베카이 여왕의 구제를 위해 로마상을 받은 후돈은 로마에서 4년(1764-1768) 동안 공부했습니다. 우동은 로마에 있는 프랑스 아카데미의 학생으로서 고대 조각상과 당시 17세기 인기 조각가들의 작품을 연구했습니다. 퓨젯과 베르니니. 그러나 Houdon의 첫 번째 독립 작품은 고대나 바로크처럼 보이지 않았습니다. 당국은 그에게 최면을 걸지 않았습니다. 그러나 그는 오랫동안 열심히 해부학을 공부했으며 로마 해부학 극장에서 체계적으로 일했습니다. 그 결과는 1767년 Houdon이 만든 유명한 "Ecorche"였습니다. 피부가 없고 근육이 열려 있는 남성 인물의 이미지입니다. 26세 학생이 만든 이 이미지를 바탕으로 이후 여러 세대의 조각가들이 연구를 시작했습니다. 기술적 지식의 철저함과 자연 법칙에 대한 관심은 로마 시대에 강화된 Houdon의 향후 활동을 위한 가장 중요한 기반입니다.

이 기간 동안 그는 로마의 마리아 델리 안젤리 성당(Site Maria degli Angeli) 교회를 위해 두 개의 대리석 조각상을 만들었습니다. 그들의 큰 크기는 미켈란젤로 내부의 웅장함과 잘 어울렸습니다. 이 조각상 중 단 하나만 살아남았습니다. 브루노. Houdon이 기념비적인 조각품으로 전환했다는 사실은 프랑스 플라스틱의 전통적인 챔버 형태를 극복하려는 그의 열망이 확고하다는 것을 입증합니다. 이 조각상을 만들면서 Houdon은 이미지의 내적 의미, 자세와 움직임의 엄격한 제한을 달성하고 싶었습니다. 바로크 효과를 피한 것이 눈에 띈다. 그럼에도 불구하고 우돈 예술의 중요한 경향을 나타내는 산타마리아 델리 안젤리의 조각상은 그 자체로 매우 평범하고 건조하다. 그들에게서 거장의 성숙한 작품을 보는 것은 과장일 것입니다. 보르게세 미술관의 석고 모형으로 알려진 세례 요한의 형상에서는 구성의 인위성과 조형적 형태의 무기력함을 느낄 수 있다.

1768년 말에 조각가는 파리로 돌아왔습니다. 그는 아카데미에 배정되었고 살롱에서 로마 작품과 일련의 초상화를 선보였습니다. 벽화가로서의 특정 기술을 가지고 이탈리아에서 돌아온 Houdon은 이 길을 따르지 않았습니다. 한편으로 그는 공식적인 명령을 거의받지 못했고 예술을 이끄는 왕실 관리들 사이에 후원자가 없었습니다. 그는 프랑스 밖에서 명령을 찾아야 했습니다. 그는 특히 1770년대에 Catherine II, Coburg-Gotha의 독일 공작 및 러시아 귀족을 위해 많은 일을 했습니다. 판테온의 페디먼트 구호부터 나폴레옹의 거대한 청동상에 이르기까지 많은 기념비적 구성이 우리에게 도달하지 못했습니다. 이런 의미에서 Houdon은 특히 운이 좋지 않았습니다. 그러나 반면에 Houdon 작업의 본질은 초상화에 대한 그의 끊임없는 매력을 확신시킵니다. 이것이 가장 강한 장르그의 작품의 초상화가 기념비적이고 문제가 많은 장르가 된 것은 Houdon의 예술에서 아무것도 아닙니다.

1777년 우동은 학자라는 칭호를 받았습니다. Diana(Gotha)의 석고 모형은 1년 전의 것이었습니다. 그녀의 외모는 큰 영향을 미쳤습니다. Houdon은 고대로부터 영감을 받았습니다. 가볍게 옷을 입은 요염한 님프와 로코코 바칸테스(Rococo Bacchantes)와는 대조적으로 그는 다이애나에게 벌거벗은 모습을 보여주어 그녀의 벌거벗음에 특별한 가혹함, 심지어 차가움을 더했습니다. 1770년대에 발전한 고전주의의 경향은 실루엣의 명쾌함과 쫓기는 듯한 형태의 명쾌함 모두에서 나타난다. 18세기 다른 거장들의 작품을 배경으로. Diana는 매우 지적인 작품인 것 같습니다. 동시에 다이애나에게는 이상한 단정 한 세속 여성의 모습, 우아한 포즈의 우아함에는 세기 귀족 문화의 정신이 스며 들어 있습니다.

우돈의 사실적인 초상화의 전성기는 혁명 직전 수십 년인 1770~1780년대에 해당됩니다. 그의 작품은 이 시기의 살롱에 정기적으로 등장했습니다. 예를 들어, 1777년 전시회에는 Houdon이 처형한 흉상이 약 20개 있었습니다. 그의 작품에는 150점이 넘는 초상화가 있습니다. 그의 패턴은 다양하다. 그러나 당시의 진보적 인 사람들, 사상가, 전사, 의지와 에너지를 가진 사람들을 묘사하는 Houdon의 관심은 특히 눈에.니다. 이는 그의 초상화 작업에 큰 사회적 의미를 부여했습니다.

이 기간 동안 Houdon의 예술은 형태의 어떤 특징이나 참신함을 나타내지 않습니다. 참신함은 모든 종류의 속성, 우화적인 모티프, 장식품 및 휘장을 제거하여 최대한의 단순함으로 구성되어 있기 때문에 숨겨져 있습니다. 그러나 이것은 많은 것입니다. 이를 통해 Houdon은 묘사되는 인물의 내면 세계에 집중할 수 있었습니다. 그의 창의적인 방법라투르법에 가깝다.

우동은 18세기 프랑스 미술의 가장 사실적인 전통, 즉 분석성과 미묘한 심리학의 계승자입니다. Houdon이 누구를 묘사하든 그의 초상화는 모든 것에 질문하고 분석하는 세기의 정신적 정수가 되었습니다.

내면의 삶의 강렬함은 Marquise de Sabran의 초상화(테라코타, c. 1785, 베를린)의 특징입니다. 오른쪽 어깨까지 올라오는 옷의 가볍게 접힌 부분, 컬링된 컬, 역동적인 목의 굴곡은 약간 급격하게 고개를 돌리는 표현을 전달합니다. 이는 활기차고 움직이는 캐릭터의 특징인 신속하게 반응하는 능력으로 인식됩니다. 자연의 생동감은 리본으로 가로막힌 자유로운 헤어스타일의 그림 같은 '획'과 얼굴과 옷에 반사되는 빛의 놀이에서 드러납니다. 높은 광대뼈와 넓은 얼굴은 보기 흉합니다. 날카로운 미소와 고정된 표정 속에서 날카롭고 조롱하는 마음이 빛난다. Marquise de Sabran의 지성에는 그녀 시대의 매우 특징적인 것이 있습니다.

Houdon의 가장 중요한 작품 중 하나-아마도 혁명 이전 시대의 그의 창조적 개화의 정점-Voltaire 동상 (Leningrad, Hermitage, 또 다른 옵션은 파리에있는 프랑스 코미디 극장의 로비입니다). Houdon은 1778년에 이 초상화 작업을 시작했는데, 이는 "페르네의 총대주교"가 사망하기 직전이며, 그는 파리로 승리를 거두었습니다. Houdon은 포즈와 움직임을 즉시 발견하지 못한 것으로 알려져 있습니다. 세션 중에는 동시대 사람들이 조각가에게 기대했던 빨리 피곤한 84 세 남성의 승리의 웅장 함을보기가 어려웠습니다. 그의 재능의 장점이 아니었던 우동의 상상력은 우연히 도움을 받았다. 기억을 되살리는 활발한 발언 교환은 볼테르의 마음에 다시 불을 붙였다. 그러므로 철학자의 자세는 매우 표현력이 풍부합니다. 그는 상상의 대담자를 향해 몸을 돌렸고 그의 오른손은 이 날카로운 움직임을 도왔습니다. 뼈만 남은 긴 손가락이 의자 팔걸이에 달라붙었습니다. 회전의 긴장감은 다리 위치와 몸통의 노력, 심지어 의자 모양에서도 느껴집니다. 바닥의 홈은 수직이고 위에서 보면 나선형으로 비틀어지는 것처럼 보입니다. 팔의 움직임을 전송합니다. 볼테르의 주름진 얼굴에는 주의력과 집중된 생각이 모두 있습니다. 눈썹이 콧등으로 이동합니다. 그러나 그에게서 가장 주목할만한 것은 볼테르의 본성의 특징인 비꼬는 미소, 즉 뛰어난 논증가의 치명적인 아이러니의 불길로 이데올로기적 적을 물리칠 준비가 되어 있는 마음의 숨겨진 에너지의 표현입니다. Houdon의 작업에서 Voltaire의 이미지는 당시 유행했던 "신격화"와는 거리가 멀습니다. 그 강점은 가장 위대한 대표자 중 한 사람의 성격, 대담한 혁명적 사고 시대, 편견에 대한 무자비한 비판으로 의인화 된 계몽주의의 가장 중요한 특징을 드러낸다는 사실에 있습니다.

Houdon이 만든 Voltaire 동상은 역사적인 초상화라고 할 수 있으며 전체 시대를 담고 있습니다. 이에 대해 Houdon은 수사학과 우화의 전통적인 길을 따르지 않았습니다. 고전주의의 명백한 기술인 고대 토가조차도 고대 철학자의 속성이 아니라 노쇠한 날씬함을 성공적으로 숨기고 기념비적 동상에 필요한 형태의 일반화를 제공하는 평범한 헐렁한 옷으로 인식됩니다.

Houdon은 "조국의 영광이나 행복을 구성한 사람들의 이미지를 포착하는"조각가의 좋은 기회에 대해 썼습니다. 이는 그가 계몽자인 Voltaire와 Rousseau, Diderot와 d'Alembert, 그리고 18세기의 많은 저명한 과학자와 정치인들로 만든 초상화 갤러리에 완전히 적용됩니다.

음악계의 위대한 혁명가이자 혁명 직전의 특징인 영웅적인 애절함과 드라마로 가득 찬 작품을 선보인 작곡가 글룩(1775, 바이마르)의 흉상 초상화는 주목할 만하다. 작곡가의 자세에서, 그의 옷의 넓고 헐렁한 접힌 부분에서 우리는 특별한 범위와 영적인 힘의 상승을 느낍니다. 고개를 돌리는 것은 단호하고 대담함과 에너지가 짐작됩니다. 큰 머리카락이 엉켜있습니다. 마치 생각의 긴장으로 인해 높은 이마가 주름져 있습니다. 보는 사람의 시선이 바뀌고 그의 열정은 비극적 인 통찰력, 열정적 인 마음 상태를 표현합니다. 글룩은 마치 비일상적인 음악을 듣는 것처럼 묘사되어 있지만, 그에게 영감을 주는 의지와 용기는 초상화의 비유적인 소리를 확장시키며, 그 속에서 당대의 위대한 사상의 숨결을 느끼게 한다. 얼굴의 변화하는 삶의 자연스러움에도 불구하고 작곡가의 이미지는 창의적인 영감의 영역인 특별한 숭고한 영역으로 승격됩니다.

그리고 Gluck의 초상화와 Houdon의 다른 작품은 민주적입니다. 웃고 있는 아내의 활기차고 매력적인 초상화(석고, 1787년경, 루브르 박물관)에는 뭔가 단호하게 평민적인 면이 있습니다. 그의 모델은 지위나 지위가 우월하다고 주장하지 않습니다. 그들의 고상함은 그들의 활동의 사회적 중요성에 있으며, 이는 초상화에서 영웅의 "사회적 행동"을 전달하는 Houdon의 창의적인 개념의 주요 특징 중 하나입니다. 따라서 예를 들어 미라보(1790년대, 베르사유)의 초상화에 나오는 숙련된 연설가의 모습이 매우 미묘하게 포착됩니다.

모델의 도움으로 실제 얼굴 모양을 매우 정확하게 재현한 Houdon은 캐릭터의 본질을 독창적으로 포착했습니다. 거장의 초상화 사실주의의 가장 강력한 측면 중 하나는 초상화 속 표정의 표현력입니다. 눈동자에는 대리석 조각을 남겨 빛나고 표정에 특별한 표현력을 더했습니다. Rodin은 Houdon에 대해 다음과 같이 말했습니다. “그를 찾는 것은 표현의 절반 이상입니다. 그의 눈에는 영혼이 풀렸다.

프랑스의 혁명적 고조와 관련하여 혁명 이후 우동의 현실적인 예술은 이전의 의미를 잃습니다. 황실 구성원의 고전적인 초상화인 알렉산더 1세의 흉상(1814)은 차갑고 추상적이며, 제국의 형식은 우동의 방식에 적대적이었습니다. 1803년에 그는 미술학교에서 가르치기 시작했고, 1814년부터 조각을 완전히 그만뒀다.

Houdon, Robert 및 18세기 후반의 다른 많은 거장들의 작품의 가장 중요한 특징입니다. 프랑스 예술 문화의 고전주의 발전으로 인해. 이 새로운 스타일의 형성 가능성은 이미 세기 중반에 눈에 띄었습니다. 고대에 대한 관심은 새로운 고고학적 발견 이후 더욱 생생해졌고, 많은 예술가들이 방문한 헤르쿨라네움 발굴을 통해 자극을 받았습니다. 그러나 이것은 지난 25년 동안 새로운 고전주의가 주요 추세가 되었다는 사실을 설명할 수 없습니다. G. V. Plekhanov의 말에 따르면 "구 질서의 반대자들이 영웅주의의 필요성을 느꼈을 때"예술에서 그의 주도적 역할이 필요한 것으로 판명되었습니다. G.V. 플레하노프, 선출됨 철학적 작품, vol.V, M., 1958.). 꿈의 정신으로 가족의 미덕에 대한 설교는 시민의 미덕에 대한 긍정, 영웅적 행위에 대한 촉구로 대체되었습니다. K. Marx가 말했듯이“부르주아 사회가 아무리 영웅적이라 할지라도 영웅주의, 자기 희생, 테러, 시민주의가 있기 때문에 영웅주의, 공화주의 이상의 모델을 찾고 있던 고대가 필요했습니다. 탄생을 위해서는 전쟁과 민족의 전투가 필요했습니다 » ( K. 마르크스 iF. Engels, Soch., 8권, 120페이지.).

고전주의의 첫 번째 표현은 아직 혁명 이전 시대의 활기찬 예술 운동과 유사하지 않습니다. 1760년대~1770년대의 친숙한 건축 장식 내에서 개발된 골동품 모티프, 기술, 플롯. 이러한 추세의 그림은 David (1763; Fontainebleau)의 교사 인 Vienne (1716-1809)의 "Cupids of Cupids"가 특징입니다. 그림은 고대에서 영감을 얻었지만 그 줄거리는 재미 있고 캐릭터의 "즐거운 우아함"은 사실 매우 전통적입니다.

특히 1760년대 중반부터 장식 및 응용 예술 분야에서도 새로운 경향이 나타났습니다. 내부는 구조적, 구분의 명확성을 획득하고 연속적인 장식 패턴은 벽의 차분한 표면으로 대체되고 절제된 그래픽 모티프와 Hubert Robert의 장식 풍경과 같은 이젤 구성으로 장식됩니다. Riesener에서 Jacob에 이르기까지 가구 제작자는 골동품 형태를 사용하여 고고학 출판물에서 퍼냈습니다. 가구는 건설적이 되어 바닥에 단단히 서 있습니다. 기발한 윤곽선 대신 엄격한 직선이 특징입니다. 매끄러운 표면은 양각 메달로 장식되어 있으며 장식에는 골동품 모티프가 우세합니다. 이 시기 최고의 인테리어 중에는 J.-A.의 베르사유 궁전 인테리어가 있습니다. 가브리엘(예: 루이 16세 도서관, 1774)

이때 절대주의 예술 정책이 바뀌고있었습니다. 예술 아카데미와 왕립 건물 관리국(공식 기관)은 예술을 규제하기 위해 노력합니다. 로코코식 목회자들은 더 이상 왕실 관리들을 만족시키지 못하고, 낡은 절대주의를 뒷받침할 수 있는 '장엄한 양식'을 되살릴 필요가 있다. 역사 장르의 거장들은 로코코의 "용감한 신화"의 전통적인 형태를 버리고 있습니다. Gabriel François Doyen(1726-1806), Louis Lagrené the Elder(1725-1808) 및 다른 사람들은 크고 무겁고 화려한 그림을 결합하여 "장엄한" 주제를 만듭니다. 초상화에서는 이상화 경향이 더욱 강해집니다(엘리자베스 비제 르브룬). 학자들의 역사화는 선한 군주의 '시민적 미덕'을 미화하기 시작합니다. 1780년에 화가 수베(Suvet)는 "당기빌리에 씨의 보살핌으로 루이 16세 통치 기간에 예술에 자유가 부여되었습니다"라는 거창한 이름의 그림으로 학자라는 칭호를 받았습니다.

1774년 왕립 건축청장이 된 앙기빌리에 백작은 최고 예술을 적극적으로 추구했으며, 그의 전임자인 마리니 후작 시대에는 코친 아카데미의 비서였던 마리니 후작이 화가들을 위해 아첨하는 충성스러운 음모를 고안해 냈습니다. : "8월, 야누스 신전의 문을 닫는다", "티투스가 죄수들을 풀어준다", "마르쿠스 아우렐리우스가 사람들을 굶주림과 전염병으로부터 구한다." D "안지비예는 더욱 단호하게 행동한다. 골동품 이야기는 위험합니다. 너무 독재적으로 들립니다. 그리고 왕실 관리는 역사화에 민족적 주제를 장려하여 반동적이고 군주제적인 성격을 부여했습니다. 예술 생활을 규제하면 아카데미를 제외한 모든 예술 기관이 강제 폐지됩니다. 1776년에 성 루크 아카데미는 "D" Anzhiviye의 보살핌으로 폐지되었고, 박해 이후 Colise와 Correspondence 살롱은 폐쇄되었습니다. 이 모든 것은 "도덕을 정화"해야 한다는 잘못된 구실로 이루어졌습니다. 왕실 건물의 감독은 이 시대의 가장 큰 진보적 예술가인 조각가 Houdon과 화가 David에게 비우호적이었습니다.

이러한 조건 하에서 반응 증가, 대중 봉기, 사회적 모순의 악화 및 프랑스 사회의 혁명을 향한 움직임이 가속화되는 동안 Jacques Louis David가 이끄는 혁명적 고전주의의 진보적 예술이 형성되었습니다.

다음 권에서 고려되는 혁명 이전 수십 년 동안 다비드의 작품은 고전주의의 프랑스 전체 예술 운동의 필수적인 부분이었습니다. 1780년대에 다비드가 만든 영웅적 이미지는 프랑스인의 시민을 일깨워야 했습니다. 그들의 극심한 열정이 마음에 불을 붙였습니다. 1790년 자코뱅당 중 한 사람이 데이비드를 "그의 천재성이 혁명을 더 가깝게 만든" 예술가라고 불렀던 것은 당연합니다. 다비드의 고전주의는 18세기 프랑스 회화의 진보적인 경향에서 비롯되었습니다. 동시에 그는 로코코 귀족 문화의 전통을 반박하여 19 세기 예술의 새로운 문제 발전의 시작이되었습니다.

18세기는 러시아 역사의 전환점 중 하나였다. 이 시대의 영적 요구에 부응하는 문화는 빠르게 세속적 성격을 갖기 시작했으며 이는 예술과 과학의 융합으로 인해 크게 촉진되었습니다. 따라서 오늘날 당시의 지리적 "토지 지도"와 신흥 조각 사이의 예술적 차이를 찾는 것은 매우 어렵습니다(A.F. Zubov의 작품 제외). 세기 전반기의 대부분의 판화는 기술 도면처럼 보입니다. 예술과 과학의 화해는 예술가들의 지식에 대한 관심을 일깨웠습니다.

회화에서는 새롭고 사실적인 예술의 장르가 윤곽을 잡고 정의되었습니다. 그 중 주된 역할은 초상화 장르에 의해 획득되었습니다. 종교미술에서는 인간의 사상이 경시되고 신의 사상이 숭상되었기 때문에 세속미술은 인간의 형상에서 출발할 수밖에 없었다.

창의력 I. M. Nikitin

러시아 국가 초상화 장르의 창시자는 Ivan Maksimovich Nikitin(1690년경 ~ 1741년경 출생)이었습니다. 우리는 이 작가의 전기를 잘 모르지만, 희소한 정보만으로도 이례적이었다는 것을 알 수 있습니다. 성직자의 아들인 그는 원래 가부장적 합창단에서 노래를 불렀으나 나중에 Antillernaya 학교(미래의 포병 아카데미)에서 수학 교사가 되었습니다. Peter I는 미술에 대한 초기 열정을 알게되었고 Nikitin은 장학생으로 이탈리아로 파견되어 베니스와 피렌체 아카데미에서 공부할 기회를 가졌습니다. 해외에서 돌아와 러시아 사실주의 학교를 이끄는 화가는 평생 동안 표트르 대왕 시대의 이상에 충실했습니다. Anna Ioannovna 통치 기간 동안 그는 야당에 합류하여 시베리아 망명 대가를 지불하고 돌아와서 (Elizabeth Petrovna 가입 기간 동안) 길에서 사망했습니다.

Nikitin의 재능은 이미 그의 초기 작품, 예를 들어 Rus에서 시작된 궁정 극장의 후원자 역할을 했던 Peter I의 사랑하는 여동생 Natalya Alekseevna(1714)의 초상화에서 볼 수 있습니다. 작가의 기술적 무능함을 드러내는 캔버스 (벨벳 맨틀 주름의 나무 강성이 특히 인상적입니다)는 동시에 그녀의 가까운 사람들이 그녀를 알았던 것처럼 통통하고 노화 된 공주의 모습을 진실하게 전달합니다. 그녀의 병적인 비만은 피부의 누런색으로 인해 더욱 악화되었습니다(곧 1716년에 그녀는 수종으로 사망했습니다).

주인의 성숙한 창의성 기간은 Peter I 자신의 자연스러운 초상화뿐만 아니라 "바닥 Hetman의 초상화"(1720 년대)와 같은 뛰어난 작품도 적절하게 표현할 수 있습니다.

기술적 실행 측면에서 Nikitin의 창작은 18세기 유럽 회화 수준에 상당히 가깝습니다. 구도가 엄격하고 형태가 부드럽게 조형되었으며 색상이 풍부하고 따뜻한 배경이 실제 깊이감을 만들어냅니다.

이미지는 세기 초 예술에서는보기 드문 단순함으로 매료됩니다. 헤트만은 땋은 머리로 풍성하게 수놓은 정장을 입고 있지만, 관객들보다 캠페인 분위기에 더 익숙해진 느낌이다. 그의 남자다운 얼굴은 바람과 태양으로 인해 굳어졌다. 캠페인에서 덮은 모자 아래에서 햇볕에 타지 않은 이마 만 밝아지고 눈에 띄게됩니다. 평원을 들여다보는 데 익숙한 눈은 약간 염증이 생기고 붉어진 눈꺼풀 아래에서 탐색하는 듯한 표정을 짓고 있습니다.

"바닥 헤트 만"은 오늘날의 시청자에게 용감한 사람, 즉 그의 관대함 때문이 아니라 지칠 줄 모르는 노력과 능력 덕분에 주목을받은 동시대 예술가의 이미지로 인식됩니다.

그러나 Nikitin의 장점을 지적한 후에는 묘사되는 사람의 성격이 "얼굴에 쓰여진"경우에만 화가가 묘사 된 사람의 내면적 특성을 달성했다고 규정해야합니다. Nikitin의 작업은 원칙적으로 초상화 장르의 초기 문제를 해결하여 사람들의 개별 외모의 독창성을 보여줍니다.

18세기 전반의 다른 러시아 초상화 화가 중에는 네덜란드에서 회화 교육을 받은 A. M. Matveev(1701 - 1739)도 있습니다. 최고의 작품 Golitsyns (1727-1728)의 초상화와 그가 젊은 아내와 함께 자신을 묘사 한 자화상 (1729)을 고려하는 것이 관례입니다.

Nikitin과 Matveev는 모두 Petrine 시대의 러시아 초상화 개발에서 현실적인 추세를 가장 분명하게 드러냅니다.

XVIII 세기 중반의 러시아 예술. 창의력 A.P. Antropov

Nikitin이 정한 전통은 소위 Bironism을 포함하여 Peter의 가장 가까운 후계자의 통치 기간의 예술에서 직접적인 발전을 얻지 못했습니다.

18세기 중반 초상화 화가들의 창작물은 그 시대가 더 이상 전임자 니키틴이 마음대로 사용할 수 있었던 비옥한 재료를 그들에게 제공하지 않았음을 증언합니다. 그러나 묘사 된 외모의 모든 특징을 경계하고 성실하게 고정하면 개별 초상화가 진정한 비난의 힘을 얻게되었습니다. 이는 특히 Alexei Petrovich Antropov(1716 - 1795)의 작업에 적용됩니다.

A. M. Matveev의 학생이자 장인 출신인 그는 마침내 수많은 법원 건물의 기술 및 예술 작업을 담당하는 건물의 "그림 같은 팀"을 구성했습니다. 그의 작품은 1/4세기의 Nikitin의 작품과 마찬가지로 18세기 중반에도 당시의 문서로 남아 있었습니다. 그는 A. M. Izmailova (1754), Peter III (1762) 및 작가의 창의적인 방식의 독창성과 민속 응용 예술의 전통이 장식적으로 나타나는 기타 캔버스의 초상화를 실행했습니다. 순수한(로컬) 색상의 밝은 점들이 서로 융합된 조합입니다.

"피터 3세의 초상"에서 이 장식적인 색상을 사용하면 궁전 배경의 화려함과 배경에 묘사된 인물 사이의 불일치를 즉시 알 수 있습니다. 작은 머리, 좁은 어깨, 불균형하게 긴 다리가 이러한 인상을 더욱 강화합니다. 초상화를 보면서 당신은 미래의 황후 캐서린 2 세인 피터 3 세의 아내의 이야기를 무의식적으로 믿습니다. "노트"에서 그녀는 남편이 어린이 군인 게임을 좋아했다고보고합니다 (그런데 Peter III는 군복을 입고 야전 사령관의 지휘봉을 들고 그림의 깊이에 전투 장면이 표시됩니다).

Antropov의 활동은 18세기 중반을 제외하고 전체 후반을 다룹니다. 그럼에도 불구하고 그의 작품 분석을 통해 18세기 전반 미술사에 대한 고려를 완료하는 것이 좋습니다. 왜냐하면 러시아 예술 문화가 더욱 발전하면서 다른 과제가 확인되었기 때문입니다. 개인의 외모가 독특하다는 사람의 이미지는 출발점에 불과했습니다.

18세기 후반 러시아 미술

18세기 후반 러시아는 중세 예술 문화의 낡은 형태에서 완전히 벗어나 유럽 국가들에서는 흔하지 않은 영적 발전의 길에 들어섰습니다. 유럽에 대한 일반적인 방향은 임박한 1789년 프랑스 혁명에 의해 결정되었습니다. 사실, 신흥 러시아 부르주아지는 여전히 약했다. 봉건 기초에 대한 공격의 역사적 임무는 러시아의 대표자들이 계몽되어야 할 선진 고귀한 지식인의 활동과 연결되어 있음이 밝혀졌습니다! XVIII 세기는 점차 다음 세기 초의 Decembristism에 이르렀습니다.

계몽은 당대의 가장 큰 일반 문화현상으로서 법이념의 지배 하에 형성되었다. 떠오르는 계급인 부르주아지의 이론가들은 법적 의식의 관점에서 자신의 지배와 봉건 제도를 제거해야 할 필요성을 입증하려고 했습니다. "자연법" 이론의 발전과 계몽자 Charles Montesquieu의 유명한 작품 "법의 정신"의 1748년 출판을 예로 들 수 있습니다. 결과적으로 보복 조치를 취하는 귀족은 임박한 위협에 대한 다른 형태의 저항이 그들의 손을 떠났기 때문에 입법 조항으로 전환했습니다.

서유럽에서는 예술 형식 중에서 연극이 등장했으며, 그 무대는 혁명적 변혁을 위해 사회를 준비하는 아이디어의 트리뷴이 되었습니다. 이 기간은 극장의 사회적, 교육적 역할 문제의 공식화와 해결이 특징입니다. 여기에서는 미학의 황금 기금에 영원히 남아있는 Denis Diderot의 "배우의 역설"과 Gotthold Lessing의 "Hamburg Dramaturgy"를 회상하는 것으로 충분합니다.

20세기 후반 러시아의 경우 예카테리나 2세 정부도 1767년 법전위원회 황후의 '명령'부터 '귀족에게 보내는 편지'까지 광범위한 보호 입법 조치를 취했다. " (1787).

러시아의 계몽은 전적으로 "자연법" 이론의 규정에서 출발했는데, 이 이론은 사회적 지위에 관계없이 개인의 존엄성을 존중할 수 있는 인간의 본성 자체에 내재된 권리, 주권적 처분의 특권을 주장했습니다. 자신의 노동의 결실 등 따라서 러시아 계몽의 견해는 무엇보다도 성격 문제에 끌렸습니다. (동시에 대왕의 프로그램 문서가 프랑스 혁명인간과 시민의 권리 선언이라고 불렸습니다.

50년대에는 F. G. Volkov가 설립한 최초의 공공 극장이 러시아에 등장했습니다. 사실, 극장 수는 많지 않았지만 아마추어 장면의 발전을 고려해야합니다 (모스크바 대학, Smolny 고귀한 처녀 연구소, 젠트리 군단 등). 건축가이자 번역가인 N.A. Lvov의 홈 시어터는 수도 생활에서 중요한 역할을 했습니다. 러시아어 극작이 차지한 장소에서 문학 XVIII세기는 적어도 마음에 대한 정부 후견 수단을 찾기 위해 Catherine II조차도 극적인 구성의 형태를 사용했다는 사실을 말합니다 (그녀는 코미디 "오, 시간!", "Vorchalkina 부인의 이름 날"을 썼습니다) , "사기꾼"등).

상트페테르부르크와 모스크바에는 귀족을 위한 극장 외에도 한때 인쇄 노동자와 공장 견습생의 주도로 중부 및 하부 도시 계층을 위해 설계된 극장이 있었습니다. 그들의 레퍼토리에는 Jean-Baptiste Molière의 드라마, 코미디, 연극이 포함되었습니다. 동시대 사람들은 “폭도, 상인, 점원 및 그들과 같은 사람들”이 공연에 대한 “너무 큰 욕심”을 보여서 “다른 사람들은 행동으로 별로 재미가 없는 다른 오락을 떠나 매일 이러한 광경을 위해 모였다”고 지적했습니다. 마지막으로, 세기 말까지 그 수가 170개에 이르렀던 요새 극장을 기억해야 합니다. 최고의 농노 극단인 Sheremetev는 150명의 배우와 40명의 오케스트라 단원으로 구성되었습니다.

연극 예술은 많은 관중들 앞에서 사건을 매우 구체적으로 시각적으로 전개할 수 있는 능력을 가지고 있습니다. 배우가 무대 유형을 구성하는 재료는 시민이자 사람, 즉 사람으로서의 자신입니다. 18 세기 후반 러시아 회화와 조각의 역사를 특징으로하는 인간 존엄성, 시민 이상을 확인하는 방법에 대한 탐색은 연극 예술 분야의 탐색과 같은 맥락에서 이루어졌습니다.

초상화 장르의 발전

18세기 후반 러시아 미술의 직접적인 역사를 살펴보면서 먼저 소위 친밀한 초상화의 탄생에 대해 이야기해야 합니다. 후자의 특징을 이해하려면 세기 전반의 거장을 포함한 모든 사람이 기념 초상화로도 작업했다는 점에 유의하는 것이 중요합니다. 예술가들은 우선 주로 귀족 계급의 합당한 대표자를 보여 주려고 노력했습니다. 따라서 묘사된 사람은 국가에 대한 봉사를 위한 휘장과 함께 정장을 입고 그려졌으며 종종 연극적인 포즈로 그려져 묘사되는 사람의 높은 사회적 지위를 드러냈습니다.

기념 초상화는 세기 초에 시대의 일반적인 분위기에 따라 결정되었고 나중에는 고객의 확립된 취향에 따라 결정되었습니다. 그러나 실제로는 매우 빠르게 공식적인 것으로 바뀌었습니다. 당시 미술 이론가 A. M. Ivanov는 다음과 같이 말했습니다. “초상화는 스스로 말하는 것처럼 보이며 다음과 같이 발표합니다. ”

의례적인 초상화와 달리 친밀한 초상화는 가까운 친구의 눈에 보이는 모습을 포착하려고 노력했습니다. 더욱이 작가의 임무는 묘사 된 인물의 정확한 모습과 함께 캐릭터의 특징을 드러내고 성격을 평가하는 것이었다.

러시아 초상화 역사상 새로운 시대의 시작은 Fyodor Stepanovich Rokotov (1736 년 출생 – 1808 년 또는 1809 년 출생)의 캔버스로 표시되었습니다.

F. S. Rokotov의 창의성

전기 정보가 부족하여 그가 누구 밑에서 공부했는지 확실하게 확인할 수 없습니다. 화가의 출신에 대해서도 오랜 논쟁이 있었다. 예술가에 대한 초기 인식은 분홍색 (1770 년대)으로 알려지지 않은 V. I. Maikov (1765)의 초상화에서 나타난 그의 진정한 재능에 의해 보장되었습니다. 젊은 사람쏠린 모자 (1770 년대), V. E. Novosiltseva (1780), P. N. Lanskaya (1780 년대).

핑크색의 알려지지 않은 인물의 초상화에는 섬세하고 거의 유치한 특징을 지닌 예쁜 소녀가 묘사되어 있습니다. 핑크색과 은회색 톤의 파스텔 톤은 이미지에 순수함을 더해줍니다. 잊혀지지 않는 것은 미지의 얼굴에 나타난 표정입니다. 그녀의 입술에 반쯤 미소가 스쳐 지나가고, 그늘진 아몬드 ​​모양의 눈이 보입니다. 여기에는 속임수와 일종의 과묵함, 아마도 그 자신의 마음의 비밀이 있을 것입니다. Rokotov의 초상화는 사람에게 영적 의사 소통의 필요성을 일깨우고 주변 사람들을 아는 매력에 대해 말합니다. 그러나 Rokotov 그림의 모든 예술적 장점으로 인해 신비한 반 미소, 그의 길쭉한 눈의 수수께끼 같은 표정이 초상화에서 초상화로 전달되고 드러나지 않고 마치 보는 사람에게 풀도록 제안하는 것처럼 눈에 띄지 않는 것은 불가능합니다. 그 뒤에 숨겨진 자연. 작가가 신비한 인간 캐릭터의 일종의 연극 가면을 만들어 그를 위해 포즈를 취하는 모든 사람들에게 그것을 부과한다는 인상을받습니다.

친밀한 초상화의 추가 개발은 Dmitry Grigorievich Levitsky (1735 - 1822)의 이름과 관련이 있습니다.

창의성 D. G. Levitsky

그는 Kiev-Pechersk Lavra의 조각사인 아버지의 지도 아래 초기 미술 교육을 받았습니다. A.P. Antropov가 수행한 키예프 안드레예프스키 대성당(Kyiv Andreevsky Cathedral) 그림 작업에 참여함으로써 이후 이 거장과 함께 4년 동안 견습을 받고 초상화 장르에 대한 열정을 갖게 되었습니다. Levitsky의 초기 캔버스에서는 전통적인 의식 초상화와의 연관성이 분명하게 드러납니다. 그의 작품의 전환점은 1773~1776년에 공연된 7개의 대형 작품으로 구성된 Smolny Institute for Noble Maidens의 학생들을 맞춤 제작한 초상화 시리즈로 표시되었습니다. 물론 그 명령은 기념 초상화를 의미했습니다. 하숙집에서 펼쳐지는 아마추어 공연 풍경을 배경으로 연극 의상을 입고 한창 성장한 소녀들을 묘사하는 것이 구상됐다.

1773~1774년 겨울에는 학생들이 공연 예술에 큰 성공을 거두어 황실과 외교단도 공연에 참석했다.

황후 자신은 다가오는 교육 기관의 첫 졸업과 관련하여 고객 역할을했습니다. 그녀는 자신의 소중한 꿈, 즉 타고난 권리뿐만 아니라 교육과 깨달음으로 하층 계급보다 높아질 귀족 세대의 러시아 교육에 대한 명확한 기억을 후세에게 남기려고 노력했습니다.

그러나 화가가 작업에 접근한 방식은 예를 들어 "E. I. Nelidova의 초상화"(1773)를 보여줍니다. 소녀는 믿어지는 대로 그녀의 최고의 역할인 Giovanni Pergolesi의 오페라 The Servant-Madam의 무대에서 Serbina의 하녀로 묘사됩니다. 이 하녀는 주인의 따뜻한 성향을 달성한 다음 그와 결혼한 영리한 하녀에 대해 이야기합니다. 가벼운 레이스 앞치마를 손가락으로 우아하게 들어 올리고 교묘하게 고개를 숙인 Nelidova는 소위 세 번째 위치에 서서 지휘봉의 물결을 기다리고 있습니다. (그런데 15세의 '여배우'는 대중의 사랑을 너무 많이 받아 그녀의 연기가 신문에 소개되고 시가 그녀에게 헌정되기도 했다.) 그녀의 연극 공연은 시연할 이유가 아닌 것 같다. 기숙 학교에 심어진 "우아한 매너"이지만 Smolny Institute의 매일 엄격한 규칙에 제약을 받아 젊은 열정을 드러낼 수 있는 기회였습니다. 작가는 무대 액션에서 Nelidova의 완전한 영적 해체를 전달합니다. 풍경 연극 배경이 디자인 된 회색 녹색 음영, 소녀 드레스의 진주 색상-모든 것이이 작업에 종속됩니다. Levitsky는 또한 Nelidova의 성격의 즉각성을 보여줍니다. 화가는 의도적으로 배경의 톤을 더 어둡게 만들었고 동시에여 주인공의 옷을 입고 전경에서 반짝이게 만들었습니다. 감마는 장식적인 특성이 풍부한 회색 녹색과 진주 톤의 비율을 기반으로하며 의상을 장식하는 얼굴, 목, 손 및 리본 색상은 분홍색입니다. 또한 두 번째 경우에는 작가가 지역 색상을 고수하여 교사 Antropov의 방식을 회상하도록 강요합니다.

이 작은 초상화 갤러리에 독창성을 부여한 예술적 업적인 Levitsky는 후속 작업에 통합하여 특히 상원 검사장의 딸인 M. A. Lvova, nee Dyakova(1778 및 1781)의 두 개의 훌륭한 초상화를 만들었습니다.

그 중 첫 번째는 스몰렌스크 여성들과 거의 같은 나이인 18세 소녀를 보여줍니다. 그녀는 차례로 묘사되며 그림에 떨어지는 황금빛 측면 조명으로 그 용이성을 표현적으로 강조합니다. 젊은 여주인공의 빛나는 눈빛은 보는 이의 지나간 어딘가를 몽환적이고 유쾌하게 바라보고, 그녀의 젖은 입술은 시적으로 아련한 미소에 닿는다. 그녀의 외모에는 교활하고 열렬한 용기와 순결한 소심함, 모든 것을 관통하는 행복과 깨달은 슬픔이 있습니다. 아직 완전히 성장하지 않은 캐릭터로, 어른과의 만남에 대한 기대감이 가득하다.

그 소녀는 Levitsky의 절친한 친구 인 건축가와 사랑에 빠졌지 만 그녀의 부모는 딸이 "장인"과 결혼해야한다는 데 동의하지 않았습니다. 그리고 그들은 비밀리에 결혼했습니다. 주인이 첫 번째 초상화에서 그녀를 포착한 것은 바로 그 기간이었습니다. 그녀는 3년 동안 부모님의 집 밑에서 살았으며, 아버지와 어머니가 그들의 분노를 자비로 바꾸시기를 바랐습니다. 결국 그녀의 인내가 승리했습니다.

두 번째 초상화는 젊은 여성이 스물한 살 때 그린 것인데 나이보다 더 늙어 보인다. 그녀의 눈에는 피곤함이 있고, 그녀의 미소에는 괴로움이 스며듭니다. 그녀는 어렵고 어려운 일에 직면해야 했던 것 같습니다. 그러나 차분하고 장엄한 어깨 회전, 자랑스럽게 뒤로 젖힌 머리는 그녀의 자존감을 키우고 성격을 형성한 것이 투쟁이었다는 것을 보여줍니다.

색 구성표가 변경되었습니다. 첫 번째 작업에서 그림은 색조가 통일되어 Rokotov의 색채 검색과 유사합니다. 1781년의 초상화에서는 소리의 강도에 따라 색상이 표현됩니다. 따뜻한 울림 톤은 색상을 긴장시키고 약간 거칠게 만듭니다.

M. A. Lvova, N. I. Novikov, A. V. Khrapovitsky, Mitrofanovs, Bakunina 등의 남편과 아내의 초상화는 80년대로 거슬러 올라가며 Antropov의 가혹한 정확성과 Rokotov의 서정성을 결합한 Levitsky가 가장 유명한 대표자가 되었음을 증언합니다. 18세기 러시아 초상화의 대표작.

18세기 가장 큰 초상화 화가들의 은하계는 Vladimir Lukich Borovikovsky(1757-1825)에 의해 완성되었습니다.

창의성 V. L. Borovikovsky

아버지와 함께 아이콘 그림으로 생계를 꾸린 작은 우크라이나 귀족의 장남인 그는 1787년 캐서린 2세의 도착을 위해 크레멘추그에서 만든 우화 그림으로 처음 주목을 받았습니다. 이로 인해 젊은 주인은 그림 기술을 향상시키기 위해 상트 페테르부르크로 갈 기회를 얻었습니다. 그는 그들이 말했듯이 D.G. Levitsky로부터 교훈을 얻었고 결국 수도의 예술계에 자리 잡았습니다.

작가가 남긴 유산 중 특히 M. I. Lopukhina(1797)의 초상화가 눈에 띈다. 주인은 러시아 역사상 잘 알려진 성의 젊은 여성을 사로 잡았습니다. 그것은 거실이 아니라 풍경을 배경으로 쓰여졌습니다. 익어가는 호밀 밭 옆, 오래된 공원의 펼쳐진 나무 꼭대기 아래. Lopukhina는 대리석 난간에 우아하게 기대어 서 있습니다. 여기서는 침묵 속에서 그녀의 감정 표현을 방해할 수 있는 것이 아무것도 없습니다. 사실, 화가는 그중 하나만 골라냅니다. 즉 나른한 행복입니다. 캔버스에서는 모든 것이 이 느낌의 표현, 그리고 무엇보다도 빛의 변화, 희미한 색상 톤에 종속됩니다. 파란색, 라일락, 올리브 그린의 가장 밝은 전환이 애무하는 바람의 숨결 바로 아래 캔버스를 따라 이어집니다. 간신히 치켜든 무거운 눈꺼풀이 그녀의 눈을 가리고 예민한 몽상적인 표정을 짓게 한다. 어깨부터 내려오는 얇은 숄은 유연한 신체의 우아하고 여유로운 움직임을 강조합니다. 그것은 낮은 손으로 반복되며 구성을 구성하는 모든 선의 둥근 타원에서 반응을 찾습니다(난간 위에 서 있는 유리 안의 구부러진 장미 윤곽에서도 마찬가지입니다).

방금 조사한 것을 포함하여 Borovikovsky의 초상화는 화가가 사람의 이미지를 심화시키는 다음 단계의 새로운 (Levitsky의 업적 이후) 단계로 올라 갔음을 나타냅니다. Levitsky는 러시아 초상화 장르에 인간 캐릭터의 다양성의 세계를 열었습니다. 반면에 보로비코프스키는 정신 상태에 침투하려고 노력했으며 모델의 성격이 어떻게 형성되는지 생각했습니다.