Anastasia Lepeshinskaya mezzosopran. Tjeljabinsk operahus ble stående uten en stemme

Anastasia Lepeshinskaya

Operasanger (mezzosopran).

Uteksaminert fra Krasnoyarsk statlig akademi musikk og teater (2002).
Fra 2002 til 2012 - solist av Krasnoyarsk statlig teater opera og ballett. Fra 2012 til 2017 - solist i Chelyabinsk-staten akademisk teater Opera og ballett oppkalt etter M.I. Glinka, siden 2017 - solist ved Yekaterinburg State Academic Opera and Ballet Theatre. Siden 2017 - solist ved Moskva-teatret " Ny Opera" oppkalt etter E.V. Kolobov.

Hun turnerte i Storbritannia, USA, Serbia, Kina, Thailand.

teaterverk

Olga ("Eugene Onegin"),
Joanna D'Arc ("Maid of Orleans")
Polina, Milovzor ("Spadedronningen"; alle operaer av P.I. Tsjaikovskij),
Lyubasha ("Tsarens brud" av N.A. Rimsky-Korsakov),
Cherubino (" Figaros ekteskap»),
Den tredje dame ("Tryllefløyten"; begge operaer av W.A. Mozart), Rosina ("Barberen fra Sevilla" av G. Rossini),
Amneris (Aida av G. Verdi),
Siebel (Faust av Charles Gounod),
Carmen ("Carmen" av J. Bizet),
Suzuki ("Madama Butterfly" av G. Puccini),
Maddalena (Rigoletto av G. Verdi), samt bratsjpartiene i kantaten «Moskva» av P.I. Tsjaikovskij, «Requiem» av D.B. Kabalevsky, Symfoni nr. 1 av A.N. Scriabin, oratorier «Gloria» av A. Vivaldi, «Paul» av F. Mendelssohn, «The History of a Master» av V. Primak, i «Høytidelige vesper» og «Requiem» av V.A. Mozart, messe i C-dur L.V. Beethoven.

priser og utmerkelser

Prisvinner XI Internasjonal konkurranse unge utøvere av den russiske romantikken "Romansiada" (1. pris, Moskva, 2007)
Vinner av den regionale festivalen "Theatrical Spring" i kategorien "For å skape et overbevisende vokal- og scenebilde" (for å fremføre delene av Suzuki (Madama Butterfly av G. Puccini) og Lelya (The Snow Maiden av N.A. Rimsky-Korsakov, Krasnoyarsk , 2008)
Vinner av «Theatrical Spring»-festivalen i kategorien «Beste kvinnelige birolle i musikalsk fremføring"for Olgas del (Eugene Onegin av P.I. Tsjaikovskij, Krasnoyarsk, 2009)
vinner av II International Competition for Young People operasangere til minne om M.D. Mikhailova (III-prisen, Cheboksary, 2011)
Vinner av XXVII Sobinovsky Vocal Competition Competition musikk festival(1. premie, Saratov, 2014)
Vinner av Golden Lyre-prisen (Chelyabinsk, 2015)
Prisvinner av den regionale festivalen for profesjonelle teatre "Stage 2015" i nominasjonen "Performance of an Opera Part" (for å ha utført rollen som Joanna i stykket "Joan of Arc" (basert på operaen "The Maid of Orleans" av P.I. Tchaikovsky), Chelyabinsk, 2015)
Vinner av lovgivende forsamlings pris Chelyabinsk-regionen innen kultur og kunst (2016)
Vinner av Carlo Zampighi Operasangkonkurranse (2. pris, Galeata, Italia, 2016).

Operahuset i Chelyabinsk ble stående uten en ledende solist - 31. januar sangeren, med hvem i fjor De største forhåpningene til byens kulturelle fellesskap var knyttet til Anastasia Lepeshinskaya. Sangerinnen drar til Yekaterinburg Opera and Ballet Theatre, hvor hun ble tilbudt mer gunstige forhold.

For meg er dette først og fremst en mulighet til å komme videre faglig og kreativt. Dette teatret inviterer stadig forskjellige dirigenter og regissører, nye skjer hele tiden interessante prosjekter", det er mye flere muligheter for utvikling," forklarte Anastasia Lepeshinskaya oss.

Sjansene for avansement i nabofeltet er faktisk mange ganger større: Ekaterinburg-teatret har 20 operaer på repertoaret, mens vi bare har 15, og ny produksjon"Carmen" er oppført som " Gylden maske" Forresten, sammen med balletten "Romeo og Julie", mottok Jekaterinburg så mange som 12 nominasjoner, bare Bolshoi Theatre har flere.

Nå blir jeg allerede introdusert for repertoaret, det er ikke vanskelig, mange av delene er allerede kjent for meg, sa Lepeshinskaya.
Ifølge henne gikk avskjeden med Chelyabinsk-teatret rolig, nå bestemmer ledelsen muligheten for å fortsette samarbeidet i en rekke produksjoner, inkludert operaen "Joan of Arc", der Lepeshinskaya opptrådte hovedpartiet. For to år siden ga operaen troppen pris på den regionale Scenefestivalen, og ble også nominert til Gullmasken. Selvfølgelig vil jeg håpe på det beste, men vage tvil råder, og årsaken til dem tørker ikke ut.

Som ordtaket sier, stort skip- stor svømmetur. Lepeshinskaya var i utgangspunktet det beste oppkjøpet operatroppen for alle de siste årene. Akk, hun nådde Chelyabinsk-taket veldig raskt. Det er ikke noe overraskende i det faktum at sangeren ble lagt merke til og invitert til Jekaterinburg; et annet faktum forårsaker forvirring - i vårt teater holdt de henne ikke spesielt tilbake, sannsynligvis med tanke på, i henhold til den gode gamle tradisjonen, at ingen er uerstattelig. Det er sant: det er mange artister i troppen, gode stemmer lite, som et resultat, ser seeren alle mer eller mindre betydningsfulle produksjoner bare på premieren - verken "Faust", eller "Joan", eller "Et liv for tsaren", eller "Eugene Onegin" er ikke på februar-spillet. . Av de ikoniske produksjonene er det kun «The Queen of Spades» som vises på scenen én gang i februar.
Det er også umulig å kompensere for operamesterverk på bekostning av ballettmesterverk - i løpet av hele februar kan balletomaner, hvis de virkelig vil, bare besøke teatret to ganger for å se det beste alternativet"Esmeralda" og "Nøtteknekkeren". Premieren ble presentert med stor fanfare moderne ballett Bare noen få utvalgte fikk se «Ida»; det er ukjent når den blir tilgjengelig for vanlige seere - plakaten er stille om dette til april, og da er det ikke langt unna for sesongslutt.

Totalt vil teatret over 28. februardager kun være vertskap for 14 forestillinger. Til sammenligning vil våre naboer i Jekaterinburg være vertskap for 20 forestillinger, fem av dem har premiere. Dette til tross for at teatret i en hel uke praktisk talt er inne i full kraft vil dra på turné til golden-domed.

Teateret vårt har også vært aktivt involvert i turnéaktiviteter de siste årene - for andre år på rad har det gjennomført kommersielle turneer i hele Europa. Han foretrekker å leie ut sin egen scene, og mottar betydelig kompensasjon for dette. Det er klart at teatre, i likhet med andre kulturinstitusjoner, lenge har vært vedvarende finansiert på restbasis, og vellykket handel kan bare ønskes velkommen. Nå er også tillitsmennene opptatt med å ta vare på gullkalven – ikke alt er så verst i det danske kongeriket. Men hvorfor forlater fortsatt flest operahuset? beste artister(Lepeshinskaya er ikke den eneste, bare den siste som sluttet), premierer skjer bare et par ganger i året, og premiereshow har du ikke tid til å utstede hele sesongen? Akk, svarene er skuffende.

P.S.
Onsdag delte de nyutnevnte tillitsmennene ut stipender til kunstnere som glorifiserer Chelyabinsk med sitt arbeid Opera teater. Anastasia Lepeshinskaya ble ikke sett på listen over prisvinnere.

Solist ved Chelyabinsk State Academic Opera and Ballet Theatre oppkalt etter M. Glinka, utdannet ved Krasnoyarsk Academy of Music and Theatre, vinner av internasjonale konkurranser Anastasia Lepeshinskaya vant førsteprisen på Sobinov Music Festival i Saratov.

Solist ved Chelyabinsk State Academic Opera and Ballet Theatre oppkalt etter M. Glinka, utdannet ved Krasnoyarsk Academy of Music and Theatre, vinner av internasjonale konkurranser Anastasia Lepeshinskaya vant førsteprisen på Sobinov Music Festival i Saratov.

Sangeren kom til Chelyabinsk fra Krasnoyarsk. I vårt teater var det først turnéforestillinger i skuespill. Og umiddelbart i operaen "Carmen" overrasket Anastasia publikum med sitt temperament, skjønnhet og viktigst av alt, stemmen hennes.

— "Dette er en av favorittdelene mine," innrømmer sangeren. — Jeg «gikk» til Carmen i lang tid. Hun fremførte habanera og segedilla på konserter, studerte fransk og gikk på flamenco. Jeg kan ikke bare synge etter å ha lært noter og et par bevegelser: Jeg trenger å forstå, føle og elske...

— Hver av forestillingene dine i forestillinger er en åpenbaring: Lyubasha i " Til tsarens brud"fantastisk...

— Det er umulig ellers," sier Anastasia, "det er umulig å ikke leve i denne musikken." Hun har en sjel ut og inn. Forresten, som student drømte jeg om Lyubashas rolle, men igjen, det tok meg lang tid å nærme meg den.

— Hvem er lærerne dine?

— På akademiet begynte jeg i klassen til Ekaterina Ioffe, Hvorostovskys lærer, men fortsatte studiene og avsluttet med Lydia Ammosovna Lazareva. Jeg opprettholder et veldig nært forhold til henne til i dag: Lydia Ammosovna inokulerte meg mot kreativ rastløshet, lærte meg å forstå og realisere mine evner. Jeg tar godt vare på stemmen min. Og først og fremst synger jeg det som passer stemmen min godt, som den ikke kan lide av. Derfor jobber jeg alltid nøye med operapartituret. Først i et stort parti i Krasnoyarsk ble Rosina i Barberen i Sevilla. Jeg beklager veldig at Chelyabinsk-teatrets repertoar ikke inkluderer Rossinis operaer: «Barberen fra Sevilla», «Askepott» og «Den italienske kvinnen i Alger». Jeg ville elske å synge «The Favorite» av Donizetti.

Generelt har jeg sunget siden barndommen, jeg elsker å synge i et ensemble: som skolejente sang jeg i Sofia barne- og ungdomskor. Gruppen turnerte mye, ikke bare i Russland, men også i utlandet: de var i Italia og Sveits. På sitt andre besøk i Sveits deltok de i produksjonen og fremføringen av " Tryllefløyten» Mozart. De sang på tysk med sveitsiske solister. Dette var min første opplevelse av å komme inn operaforestilling. Da jeg studerte ved akademiet, sang jeg i ensemblet av solister «We Sing to You». Vi fremførte mye kantate og oratoriemusikk, hvor jeg sang solo for bratsj, og turnerte i Amerika og Serbia. Jeg dro forresten fra Tomsk for en tur til Amerika, hvor jeg fikk førstepremien på Romansiada. Gallakonsert, prisutdeling... og jeg har et tog. Og jeg, i en konsertkjole, sprang langs perrongen, hoppet inn i den siste vognen, og gaver og premier ble bokstavelig talt kastet etter meg mens jeg gikk.

— Er dette slutten på din Romansiada?

— Nei. Jeg deltok ikke i siste runde det året All-russisk konkurranse, holdt i Moskva. Men året etter, 2007, vant hun Grand Prix i Tomsk.

Generelt forsto jeg først ikke romansene som ble tilbudt meg å opptre for å delta i Romansiada. Men etter å ha deltatt i Siberian Tour i Tomsk for første gang, skjønte jeg hvilket "gull" det var og ble gjennomsyret av følelsene som ligger i disse små mesterverkene.

— Vil du forberede et konsertprogram på Filharmonien, for eksempel?

- Spise. Vi diskuterte denne muligheten med den kunstneriske lederen Vladimir Osherov og med sjefdirigenten for Malakit-orkesteret Viktor Lebedev.

— Anastasia, hva brakte deg til Chelyabinsk? Du var så vellykket kreativt liv i Krasnoyarsk? Med troppen til Krsnoyarsk Theatre opptrådte du i England i mer enn tre måneder, reiste landet i lengden og bredden...

— Ja. I England satte jeg til og med en slags rekord for meg selv: Jeg sang Suzuki i Madama Butterfly tretti ganger, Flora i La Traviata 25 ganger.

— Og Chelyabinsk?

— Helt år Jeg kom til denne avgjørelsen. Jeg tvilte lenge på det, så nøye på byen: ville den akseptere meg? Tross alt kom jeg først hit på tur. Så skjønte jeg: byen aksepterte meg. Og jeg ble forelsket i Chelyabinsk, dens brede gater, åpne områder, alt her så ut til å være vidåpent. Jeg ble umiddelbart forelsket i Kirovka. Og så - jeg tror at nivået på troppen i Chelyabinsk-teatret er høyt.

Jeg godtar endringer hvis de er nødvendige. Jeg er lei av å sitte på ett sted. Jeg dro til Sobinovsky-festivalen for å muntre meg opp...

Svetlana Babaskina

P. S. Anastasia Lepeshinskaya slo til på den prestisjetunge festivalen, og mottok førstepremie og anerkjennelse fra juryen og publikum. Gratulerer henne med seieren, vi ønsker sangeren nye suksesser. Og til alle som vil høre det vakker stemme, informerer vi deg: 28. juni synger Anastasia i stykket «Trubadur».

Den unge sangeren Anastasia Lepeshinskaya kan med rette kalles en stigende stjerne i Krasnoyarsk-operaen. Repertoaret hennes inkluderer roller så forskjellige i karakter som Lel og Rosina, Olga Larina og Cherubino, Suzuki og Carmen, og mange av dem har mottatt regionale priser. Og for tre år siden ble Anastasia vinneren av førsteprisen i Romansiada International Vocal Competition.

Multilateral utvikling

"Jeg tror at deltakelse i konkurranser er nødvendig for hver sanger," bemerket artisten i et intervju med VK. "Og det viktigste i dem er ikke engang seier, men selve deltakelsen - det renser sinnet, det endrer bare synspunkter og prioriteringer radikalt.

Hvordan?

Du hører andre synge, du ser hva som skjer generelt musikalsk verden. Og du forstår hva du er verdt. Det er alltid en spesiell spenning ved konkurranser, for der lytter de ikke bare til deg, men vurderer deg også. Etter konkurranser er ingenting skummelt lenger, så det ser ut til at hver sanger burde gå gjennom dem minst én gang.

Etter å ha vunnet Romansiada tok du, i tillegg til å jobbe i teateret, også aktiv konsertvirksomhet?

Ikke så aktiv som jeg ønsker enda. ( Smiler.) Kanskje fordi jeg ikke ber noen om noe. Men når de tilbyr meg å snakke et sted, svarer jeg alltid med glede. Og jeg har blitt overbevist mer enn én gang: Når det virkelig er nødvendig, ordner alt seg av seg selv. For eksempel hadde jeg i februar solo program med Krasnoyarsk Philharmonic Russian Orchestra. Og tilbake i februar, Peter Kazimir og jeg og Krasnoyarsky kammerorkester presenterte en konsert tidlig musikk, vi gjentar den 19. april med mindre tillegg. Konsertopptredener operakunstnere generelt nødvendig.

Er de virkelig nødvendige?

Selvfølgelig kan du ikke henge deg opp i bare én ting! Vi må utvikle oss på mange måter. gå til symfonikonserter, lytte instrumental musikk– dette bidrar til å trenge dypere inn i ulike musikalske stiler, som så manifesterer seg i hans egen fremføringsstil. Du kan formidle fargen på ethvert instrument med stemmen din. Og sangeren må kunne slå seg sammen med orkesteret, og ikke være atskilt fra det. Dette er en veldig viktig subtilitet. Da jeg for eksempel forberedte Polinas del for " Spardame", jeg lyttet til alle Tsjaikovskijs symfonier for å komme inn i atmosfæren til musikken hans.

Gå klokt fram

EN dramatisk kunst bør en operasanger være interessert?

Uten tvil. Dessverre læres studentersangere knapt skuespillerferdigheter, så du må lære det av kollegene dine i drama - se, absorbere. Jeg lånte personlig mye fra drama for meg selv som skuespiller. Jeg fikk også uvurderlig erfaring med å jobbe med dramasjef Vladimir Gurfinkel, som satte opp operaen «Forlovelse i et kloster» sammen med oss. Dette er faktisk min første regissør, og uansett hva de sier om selve produksjonen, er jeg bare glad for at jeg jobbet med ham på Claras side. Han utarbeidet hvert bilde grundig og søkte fra oss sannheten i vår eksistens på scenen.

Det du sjelden ser i opera...

Ja uheldigvis. Vårt hovedinstrument er stemmen, men skuespillertroverdighet i opera er også veldig viktig.

Og visuell konsistens, ikke sant? Enig, det er lite overbevisende når unge karakterer i opera fremføres av eldre artister, og til og med med enorme figurer!

Du vet, de enorme skikkelsene til operasangere er en utdatert stereotypi. ( Smiler.) Men overraskende nok er det fortsatt utbredt. Selv om den globale trenden for lenge siden har endret seg mot visuell samsvar. Men av en eller annen grunn endres ikke publikums ideer.

Kanskje fordi hun har blitt behandlet med slike "kostnader" for lenge?

Kan være. Men nå er det ingen slike ytterpunkter.

Du nevnte å jobbe med en dramasjef. Har du noen gang hatt følelsen av at ønsket om å matche bildet ofte blir til vanskeligheter for å synge? La oss si at din Olga i «Eugene Onegin» må synge en kompleks arie, og før det skynder hun seg rundt på scenen?

Og tro meg, dette plager meg ikke i det hele tatt! Du trenger bare å kunne distribuere deg selv, å gjøre alt uten fanatisme, klokt. Ja, publikum skal ha følelsen av at artisten løper hodestups. Men faktisk er han internt veldig behersket og kontrollerer seg selv. Alt avhenger av nivået til sangeren. Jeg tror at du må kunne synge i alle posisjoner.

Både sittende og liggende?

Ja, til og med å stå på hodet! Jeg tuller ikke – dette er først og fremst et spørsmål om teknologi. Tross alt er de vestlige sangerne vi beundrer i stand til å gjøre dette, noe som betyr at vi også kan. Og det er også viktig å forstå at det er umulig å gi bort alt på en gang, det skjer ikke på den måten. Festen får gradvis nye farger, det viktigste er å gi det en riktig start. Sangeren bør vite at ikke alle deler kan mestres i ungdommen. Alt må synges i tide.

Det er?

Det er spill jeg ikke engang er klar til å røre ved de neste ti årene. For eksempel Delilah fra Samson og Delilah eller Marfa fra Khovanshchina. Marfa blir sannsynligvis det siste spillet i livet mitt. ( Ler.) Disse delene er for modne stemmer. I tillegg, med alderen, utvides sangerens horisont, livserfaring- alt dette påvirker også stemmens klang, dens farge. Tross alt skjer det også: det virker behagelig å synge med piano, men i det øyeblikket i forestillingen kommer messingblåsene - og det er det, du er som en stemmeløs fisk, fordi du ikke har nok ferdigheter til å synge med slik lyd. Når du ser på notene, må du forestille deg alt som en helhet - hvordan orkesteret høres ut, hva partneren din gjør i en bestemt scene.

Smart start

Forresten, Anastasia, hvilke partier i operaen bør vi begynne med etter din mening?

Jeg begynte med Cherubino i Figaros ekteskap. Og jeg tror at dette er en ideell start for en mezzosopran. Mozarts musikk hjelper virkelig til å komme sammen og konsentrere seg. Du kan begynne med Onegin; Tsjaikovskij skrev det vanligvis for studenter. Eller med Rossini – han har mange flotte mezzoroller. Jeg ville elske å synge i hans "Askepott" eller "En italiener i Algerie". Det er synd at de ikke spiller dem i teatret vårt...

I Barberen fra Sevilla synger du Rosina – er det ikke sopranpartiet?

Faktum er at Rossini skrev den for en koloraturmezzosopran! Som generelt, nesten alle kvinnelige deler i deres operaer. Selv om han også har et alternativ for sopran, følger de nå på teatre rundt om i verden stort sett komponistens anbefalinger, og disse delene fremføres hovedsakelig av mezzoer. Og, etter min mening, med god grunn: Rosina er på ingen måte en lyrisk heltinne. En jente med karakter, hun skapte sin egen skjebne - dette bør formidles i egenskapene til stemmen hennes.

Hvor mye avhenger en rolle i opera av stemmens klang?

Nesten. Sopraner er som regel lyriske heltinner, alle blir forelsket i dem. Mezzoer blir alltid forlatt - de er enten forlatte elskere eller femme fatales. ( Ler.) Intriger som er i stand til ekstreme handlinger for kjærlighetens skyld - enten forgifte noen, eller sette dem opp og som oftest dø på grunn av dette. Rossini er et unntak; operaene hans ender med en lykkelig slutt.

Har du noen gang sunget i eventyr?

Selvfølgelig, etter Cherubino spilte hun ikke i noen eventyr! Først den lille djevelen i stykket "Ay da Balda!", i "Askepott" sang hun Zlyuchka and the Fairy, the Frog i "Teremok", reven i "The Adventures of Pinocchio"... Det er en slik spøk. , spesielt når du spiller en slags skurk - du tuller rundt på scenen, du kan ikke få noe ut av deg selv. Og hvis du også følelsesmessig faller sammen med partnerne dine, er det bare en ferie! Det er synd at de ikke har vært involvert i eventyr på lenge - jeg spiller dem gjerne fra tid til annen, til tross for den store arbeidsmengden på repertoaret. Jeg innså med tiden at eventyr frigjør deg som ingen andre steder – først og fremst som skuespiller. Og når nykommere nekter dem, skader de seg selv. Det er umulig å umiddelbart begynne å synge store partier med høy kvalitet; du må få erfaring et sted! Enhver opptreden på scenen er et påfyll av kreativ bagasje; du kan ikke gi opp noe. Generelt liker jeg det når det er mye jobb. Jeg liker veldig godt produksjonsprosessen, slitsomme øvinger om morgenen og kvelden, og noen flere leksjoner på ettermiddagen, og på slutten av dagen har jeg knapt krefter til å krype til sengs - det er så flott! Og når det er stille, dør jeg av kjedsomhet.

Har du ikke opplevd sceneskrekk på lenge?

Det er fortsatt uro bak scenen før hver opptreden på scenen. Og når jeg går ut til offentligheten, trekker han seg tilbake, jeg slapper umiddelbart av - det er som et stoff. Men heldigvis hadde jeg litt erfaring med å opptre allerede før jeg begynte på teateret. Ferdig utdannet musikkskole, drømte om å bli pianist. Heldigvis gikk det ikke.

Heldigvis?

Ja, fordi jeg var en middelmådig pianist, og med min maksimalisme i yrket skulle alt bare være utmerket. Og så kom jeg inn i "Sofia"-koret - det er hvordan min sangkarriere. Riktignok måtte jeg skille meg av koret etter å ha gått inn på Musikkhøgskolen. Som lærerne forklarte meg, må du enten være solist eller kormedlem. Men den opplevelsen, i tillegg til arbeidet mitt i «Vi synger for deg»-koret, hjelper meg nå mye i teateret. Evnen til å synge i et ensemble, uten å overdøve partnere – dessverre mange operasangere De vet ikke hvordan de skal høre noen på scenen bortsett fra seg selv. Etter å ha jobbet i koret, er det lettere for meg i denne forbindelse.

Storskala batch

Du har to på repertoaret ditt mannlig karakter- Lel og Cherubino. Hvorfor tror du ikke komponistene tildelte disse delene til tenorer?

Sannsynligvis fordi de ønsket å høre klare ungdomsstemmer fra heltene sine. Men tenorer har fortsatt en annen klang. Jeg personlig liker virkelig disse delene, og ikke bare vokalt, men også skuespill - en interessant transformasjon.

Er Carmen også en reinkarnasjon for deg? Hvor nær er denne heltinnen deg i ånden?

I motsetning til Carmen, liker jeg ikke showdowns. ( Smiler.) Ja, jeg kan noen ganger bli sint, men av natur er jeg ikke så hard som henne. Selv om jeg prøvde å "komme inn i Carmens sko" når jeg øvde og forstå hvorfor hun er slik. Vill, fri, men samtidig oppriktig i følelsene hennes. Hun er som et dyr, hennes instinkter kommer først. Hvis du vil ha noe, vil du gjøre alt for å tiltrekke deg elskeren din. For henne er livet en lek: både i følelsene hennes er alle på knivseggen, og i hennes farlige smuglingsvirksomhet - de kan drepe når som helst. Det er derfor han lever i ett minutt, en konstant drivkraft i kampen for å overleve. Og forresten, jeg anbefaler ikke å begynne med Carmen til noen i teatret.

Hvorfor?

Denne delen er kompleks ikke bare vokalt, men også i skalaen; du må synge den med omhu. Det hender at sangere gir bort alt i habaneraen «Love has wings like a bird» og glemmer at de fortsatt har en enorm scene foran seg i andre akt og en veldig vanskelig finale med en morderduett! Du trenger erfaring og evne til å fordele krefter riktig for å takle et slikt parti. Og du må også være i stand til å spille denne komplekse karakteren slik at alle følelsene av en så motstridende natur blir formidlet til betrakteren. Å stå som en søyle og bare synge vakkert vil ikke røre noen. Jeg forberedte meg veldig nøye på Carmen; hvis det var opp til meg, ville jeg ha utsatt debuten min i den i ytterligere seks måneder.

Hadde du egentlig ingen ambisjoner om å synge en slik del?

Alle har alltid ambisjoner, ellers er det ingenting å gjøre i dette yrket i det hele tatt. Men å slå deg selv i brystet og erklære at du kan gjøre hva som helst... Det er lett å miste stemmen. I opera bør du aldri skynde deg eller hoppe inn over hodet.

Likevel, selv om du sier at tiden ikke var nok, føles det som om du forberedte deg grundig på Carmen - du lærte også å spille kastanjetter...

Jeg lærer fortsatt bare - jeg har bare mestret det grunnleggende. ( Smiler.) Dette ble foreslått av Sergei Rudolfovich (Sergei Bobrov, kunstnerisk leder Krasnoyarsk opera- og ballettteater. — E.K.). Han viste meg hvordan jeg skulle plassere fingrene og hvor jeg skulle slå. Først ble det naturligvis ikke gitt noe i det hele tatt. Stakkars mor og naboer - det var en endeløs grining på teateret og hjemme, det tok en måned før noe begynte å ordne seg.

Wow!

Generelt, hvis jeg gjør noe, prøver jeg å studere det fra alle sider, grundig. Mens Carmen øvde begynte hun også å lære å danse flamenco. Og jeg tok fransktimer. Først prøvde jeg å bare stappe delen med interlineær tolkning - ja, riktig! Du må fortsatt kjenne nyansene til uttale.

Hva synes du om at alle operaer nå fremføres hovedsakelig på originalspråket?

Som sanger er det mer behagelig og gledelig for meg å synge på originalspråket, og lyden er mye bedre. Alle oversettelser er omtrent 70 prosent omtrentlige, de samsvarer ikke med musikken. Jeg kan ikke bedømme bekvemmeligheten til publikum; meningene varierer. Men det virker for meg at hvis en persons øre ikke er innstilt på syngende oppfatning av tale, vil han morsmål Forstår ikke halvparten av teksten. Og det er et flertall av dem i rommet.

Konservativ kunst

Ditt siste arbeid i teatret - Polina i Spardronningen. Er ikke dette et spill for nybegynnere?

Ikke i noe tilfelle! Jeg tok det faktisk med forsiktighet i begynnelsen; jeg visste ikke om det ville fungere eller ikke? Faktum er at tre deler av repertoaret mitt faktisk er skrevet for kontralto – Olga, Lel og Polina. Men vi har ikke en contralto i teatret nå, dessverre. Denne stemmen er svært sjelden, så delene hans må ofte synges av en mezzo. Men jeg klager ikke, jeg føler meg komfortabel med å utføre dem. Og jeg sang Polina akkurat i tide - det er usannsynlig at jeg selv for noen år siden ville ha vært i stand til å synge den i det hele tatt. Fordi Carmen ikke har en så kompleks arie som Polinas. Polinas romantikk ble tidligere på audition i Grand Theatre: hvis sangeren ikke kunne takle, hadde hun ingenting å gjøre der. Arien skal være jevn gjennom hele området. Og jeg håper jeg lykkes.

Anastasia, tror du opera er en elitekunst?

I alle fall ikke massivt, spesielt i provinsene. Jeg vet ikke om dette er bra eller dårlig. Ja, vi har et veldig hyggelig publikum, de ønsker oss hjertelig velkommen, spesielt tilreisende solister. Men når det gjelder beredskapen hennes, er det mer på nivået "lik det eller ikke liker det". Mange her bruker lang tid på å gjøre seg klare til å gå på teater, for dem er dette en begivenhet. Og opera er en slik kunst at når en person kommer hit for første gang, blir han enten forelsket i den eller begynner å hate den; det virker for meg som det ikke er noen mellomting. Derfor er det viktig at hver forestilling finner sted kl høy level, og ikke bare premierer og noen festivalvisninger, hvor alle yter sitt beste. Slik skal det alltid være, ellers vil vi aldri lære opp publikum til å stadig gå på teater.

Hva synes du om moderne produksjonsløsninger innen opera?

Det er vanskelig for meg å dømme, jeg deltok ikke i slike produksjoner - i vårt teater har vi ikke noe radikalt, en klassisk tilnærming. Men jeg tror at hvis alt gjøres med høy kvalitet, høres orkesteret bra ut, sangerne synger høyt profesjonelt, ingen moderne løsninger vil føre til avvisning. Og hvis den musikalske delen gjøres tilfeldig, vil ikke luksuriøs klassisk design redde deg.

En annen viktig ting er at publikum må være forberedt på noen banebrytende løsninger. Det er ikke tilfeldig at de oppfattes best i kulturelle hovedsteder, hvor den utdannede offentligheten er. Og når en person kommer til teatret for første gang og også går til klassisk opera– han har fortsatt noen forventninger til hva han vil se. Og hvis du overfører handlingen til en annen epoke, til en moderne setting, er ikke alle i stand til umiddelbart å forstå og oppfatte den.

På den annen side, hvordan utvikle kunst i provinsene hvis du bare følger noen kanoner? Likevel står ikke operaen stille.

I dette tilfellet må vi sette opp noen nye operaer med moderne design. Og jeg selv ville ikke nektet å synge i noen moderne arbeid- Hvorfor ikke? Men jeg synes det burde vært en mer tradisjonell tilnærming til klassikerne. Likevel er det lettere å fornye seg i drama, opera er mye mer konservativt – det må være i samsvar med epoken, ellers kan det være på kant med musikken.

VK dossier

Anastasia Lepeshinskaya, solist ved Krasnoyarsk Opera and Ballet Theatre

Født 1. januar 1980 i Krasnoyarsk. Uteksaminert fra Krasnoyarsk Academy of Music and Theatre i solosang. Hun opptrådte i «Sofia»-koret og «Vi vil synge for deg»-koret.

Vinner av 1. premie ved den internasjonale vokalkonkurransen "Romansiada" (Moskva). I 2008 ble hun prisvinner av Krasnoyarsk-ordførerens "Young Talents"-pris og vinner av den regionale festivalen "Theatrical Spring" for å ha skapt et overbevisende vokal- og scenebilde i rollene som Suzuki (Madama Butterfly) og Lelya (The Snow Maiden). ). I 2009 - vinner av Teatervårfestivalen for de beste kvinnelig rolle birolle (Olgas del i Eugene Onegin).

Elena Konovalova, "Evening Krasnoyarsk", nr. 14 (255)