The Cherry Orchard" som en lyrisk tragikomedie. Betydningen av stykket "The Cherry Orchard" Temaet for Russlands fortid, nåtid og fremtid

Betydningen av stykket "The Cherry Orchard"

A.I. Revyakin. "Ideologisk betydning og kunstneriske trekk ved stykket "Kirsebærhagen" av A.P. Chekhov"
Samling av artikler "Creativity of A.P. Chekhov", Uchpedgiz, Moskva, 1956
OCR-side

9. Betydningen av stykket "Kirsebærhagen"

«The Cherry Orchard» regnes fortjent som den dypeste, mest velduftende av alle dramatiske verk Tsjekhov. Her, tydeligere enn i noe annet stykke, ble de ideologiske og kunstneriske mulighetene til hans sjarmerende talent avslørt.
I dette stykket ga Tsjekhov et grunnleggende riktig bilde av den førrevolusjonære virkeligheten. Han viste at godsøkonomien, assosiert med livegne arbeidsforhold, så vel som dens eiere, er relikvier fra fortiden, at adelens makt er urettferdig, at den hindrer videre utvikling liv.
Tsjekhov motsatte seg borgerskapet til adelen som en vital klasse, men understreket samtidig dets grovt utnyttende vesen. Forfatteren skisserte også utsiktene til fremtiden, der både føydal og borgerlig utnyttelse skulle være fraværende.
Tsjekhovs skuespill, som konvekst skisserte konturene av Russlands fortid og nåtid og uttrykte drømmer om dets fremtid, hjalp datidens seere og lesere til å innse virkeligheten rundt dem. Dens høye ideologiske, patriotiske, moralske patos bidro også til den progressive utdanningen av lesere og seere.
Stykket «Kirsebærhagen» tilhører dem klassiske verk litteratur før oktober, hvis objektive betydning var mye bredere enn forfatterens intensjon. Mange seere og lesere oppfattet denne komedien som en oppfordring til revolusjon, for revolusjonært styrt av det daværende sosiopolitiske regimet.
Av kjent interesse i denne forstand er brevene til Tsjekhov av Viktor Borikovsky, en tredjeårsstudent ved naturavdelingen ved Kazan-universitetet.
"For omtrent en uke siden," skrev V. N. Borikovsky 19. mars 1904, "hørte jeg for første gang ditt siste skuespill, Kirsebærhagen, satt opp her på scenen. Tidligere hadde jeg ikke muligheten til å få den og lese den, akkurat som historien din "Bruden", som gikk foran i tid. Du vet, så snart jeg så denne "evige" studenten, hørte jeg hans første taler, hans lidenskapelige, dristige, muntre og selvsikre kall til livet, til dette levende, nye livet, ikke til en død, som bryter ned og ødelegger alt , en oppfordring til et aktivt, energisk og energisk arbeid, til en modig, fryktløs kamp, ​​- og videre helt til slutten av stykket - jeg kan ikke formidle dette til deg i ord, men jeg opplevde en slik glede, en slik lykke, en så uforklarlig , uuttømmelig lykke! I pausene etter hver akt la jeg merke til ansiktene til alle de tilstedeværende på forestillingen slike strålende, glade og muntre smil, et så livlig, glad uttrykk! Teateret var full full, åndens løft var enorm, ekstraordinær! Jeg vet ikke hvordan jeg skal takke deg, hvordan jeg skal uttrykke min dypeste og dypeste takknemlighet for lykken du ga meg, ham, dem, hele menneskeheten!» (Manuskriptavdelingen til biblioteket oppkalt etter V. I. Lenin. Chekhov, s. 36, 19/1 - 2).
I dette brevet informerte V. N. Borikovsky Tsjekhov om at han ønsket å skrive en artikkel om stykket. Men i det neste brevet, skrevet 20. mars, forlater han allerede intensjonen sin, og tror at ingen vil publisere artikkelen hans, og viktigst av alt, det kan være katastrofalt for forfatteren av stykket.
"Siste gang jeg," skriver V. N. Borikovsky, "skrev til deg at jeg ønsker å publisere en artikkel om Kirsebærhagen din. Etter litt omtanke kom jeg til den konklusjonen at det ville være helt ubrukelig, og faktisk umulig, fordi ingen, ikke en eneste instans ville våge å plassere artikkelen min på sidene deres.
... jeg forsto alt, alt fra det første ordet til det siste. For en idiot vår sensur har spilt for å la noe slikt bli presentert og trykt! Alt salt i Lopakhin og student Trofimov. Du reiser spørsmålet om hva som kalles en kant, gir direkte, bestemt og kategorisk et ultimatum i personen til denne Lopakhin, som har reist seg og er klar over seg selv og alle de omkringliggende livsforholdene, som har sett og forstått sin rolle i hele denne situasjonen. Dette spørsmålet er det samme som Alexander II var tydelig klar over da han i sin tale i Moskva på tampen av frigjøringen av bøndene blant annet sa: «Emansipasjon ovenfra er bedre enn revolusjon nedenfra». Du stiller akkurat dette spørsmålet: «Ovenfra eller nedenfra?»... Og du løser det i betydningen nedenfra. Den "evige" studenten er en kollektiv person, det er alle studenter. Lopakhin og studenten er venner, de går hånd i hånd til den klare stjernen som brenner der ... i det fjerne ... Og jeg kunne sagt mye mer om disse to personlighetene, men uansett, det er ikke verdt det, du selv vet veldig godt hvem de er, hva de er, og meg - jeg vet også. Vel, det er nok for meg. Alle ansiktene i stykket er allegoriske bilder, noen materielle, andre abstrakte. Anya, for eksempel, er personifiseringen av frihet, sannhet, godhet, lykke og velstand i moderlandet, samvittighet, moralsk støtte og høyborg, Russlands beste, selve Skinnende stjerne som menneskeheten går uimotståelig frem mot. Jeg forsto hvem Ranevskaya var, jeg forsto alt, alt. Og jeg er veldig, veldig takknemlig for deg, kjære Anton Pavlovich. Stykket ditt kan kalles et forferdelig, blodig drama, som, Gud forby, hvis det bryter ut. Hvor skummelt, hvor skummelt det blir når de dempete slagene fra en øks høres bak kulissene!! Det er forferdelig, forferdelig! Håret reiser seg, frost på huden!.. Så synd at jeg aldri så deg og aldri sa et eneste ord til deg! Farvel og tilgi, kjære, elskede Anton Pavlovich!
Kirsebærhagen er hele Russland ”(Manuskriptavdelingen ved V.I. Lenin-biblioteket. Tsjekhov, s. 36, 19/1 - 2).
V. Borikovsky ikke forgjeves nevnt sensur. Dette skuespillet gjorde sensurene i stor forlegenhet. Ved å tillate det å bli iscenesatt og trykt, ekskluderte sensuren følgende passasjer fra Trofimovs taler: "... foran alles øyne spiser arbeiderne motbydelig, sover uten puter, tretti til førti i ett rom."
«Å eie levende sjeler - det har tross alt gjenfødt alle dere, som levde før og nå lever, slik at moren din, du, onkel ikke lenger merker at du lever i gjeld, på andres bekostning, på bekostning av de menneskene som du ikke lar gå lenger foran» (A.P. Chekhov, Complete Works and Letters, vol. 11, Goslitizdat, s. 336 - 337, 339).
Den 16. januar 1906 ble The Cherry Orchard utestengt fra folketeatre som et skuespill som skildrer «i levende farger adelens degenerasjon» («A.P. Chekhov». Samling av dokumenter og materialer, Goslitizdat, M., 1947, s. 267).
Stykket "The Cherry Orchard", som spilte en enorm kognitiv og pedagogisk rolle på det tidspunktet det dukket opp, mistet ikke sin sosiale og estetiske betydning i den påfølgende tiden. Den fikk eksepsjonell popularitet i post-oktober-tiden. Sovjetiske lesere og seere elsker og setter pris på henne som en fantastisk kunstdokument førrevolusjonær periode. Hennes ideer om frihet, menneskelighet, patriotisme er kjære for dem. De beundrer dens estetiske fordeler. "The Cherry Orchard" er et svært ideologisk skuespill som inneholder bilder av bred generalisering og lys individualitet. Den utmerker seg ved dyp originalitet og organisk enhet av innhold og form.
Stykket beholder og vil beholde i lang tid en enorm kognitiv, pedagogisk og estetisk verdi.
"For oss, dramatikere, har Tsjekhov alltid ikke bare vært en nær venn, men også en lærer ... Tsjekhov lærer oss mye, som vi fortsatt ikke kan oppnå på noen måte ...
Tsjekhov etterlot oss stafettpinnen til kampen for en lysere fremtid. Sovjetisk kultur«Datert 15. juli 1954),» skrev den sovjetiske dramatikeren B. S. Romashov med rette.

Plasseringen av bildet av Lopakhin i komedien av A.P. Chekhov "The Cherry Orchard" 1. Samordningen av sosiale krefter i stykket. 2. Lopakhin som "livets mester". 3. Funksjoner ved Lopakhins karakter.

Et av de mest kjente skuespillene av A.P. Chekhov er komedien The Cherry Orchard. Tomten er basert på absolutt hverdagslig materiale - salg av en gammel adelig eiendom, hvis eiendom er Kirsebærhagen. Men Tsjekhov er ikke interessert i selve kirsebærhagen, hagen er bare et symbol som betyr hele Russland. Derfor er det skjebnen til moderlandet, dets fortid, nåtid og fremtid, som blir hovedsaken for Tsjekhov. Fortiden i stykket er symbolisert av Ranevskaya og Gaev, nåtiden av Lopakhin, og fremtiden av Anya og Petya Trofimov. Ved første øyekast gir stykket en klar sammenstilling av sosiale krefter i det russiske samfunnet, og utsiktene til en kamp mellom dem er en saga blott. russisk adel erstattes av borgerskapet.

Disse motivene sees også i karakterene til hovedpersonene. Gaev og Ranevskaya er uforsiktige og hjelpeløse, mens Lopakhin er forretningsmessig og driftig, men åndelig begrenset. Men selv om konflikten er basert på konfrontasjon av sosiale krefter, er den dempet i stykket. Den russiske borgerlige Lopakhin er fratatt sitt rovgrep og aggressivitet mot adelen Ranevskaya og Gaev, og adelen motsetter ham ikke i det hele tatt. Det viser seg som om eiendommen med selve kirsebærhagen flyter i Lopakhins hender, og han kjøper den liksom motvillig.
Stykkets ideologiske patos består i fornektelsen av adel-godseiersystemet som foreldet. Men samtidig argumenterer Tsjekhov for det ny klasse borgerskapet fører, til tross for sin aktivitet og styrke, ødeleggelse med seg.
Kapitalister som Lopakhin erstatter virkelig adelen og blir livets herrer. Men deres dominans er kortvarig, fordi de er skjønnhetens ødeleggere. Etter dem kommer nye, unge styrker, som vil gjøre Russland til en blomstrende hage. Chekhov la spesiell vekt på bildet av Lopakhin. Han skrev: «Rollen som Lopakhin er sentral. Hvis det mislykkes, har hele stykket mislyktes.» Lopakhin som "livets mester" kommer for å erstatte Ranevskaya og Gaev. Hvis livets tidligere mestere er verdiløse og hjelpeløse, så er Lopakhin energisk, effektiv, smart. Oi refererer til typen mennesker som jobber fra morgen til kveld. Av sosial opprinnelse er Lopakhin mye lavere enn adelen. Faren hans var en bonde og jobbet for forfedrene til Ranevskaya og Gaev. Han vet hvor vanskelig det var for familien hans, så han gjør alt for å ta mer høy posisjon i samfunnet, tjene mer penger fordi det var med deres hjelp at mye kunne oppnås.
Lopakhin forstår dette, så han jobber utrettelig. Han har det forretningssansen som skiller det nye folket fra de svinnende godseierne som er vant til å leve på bøndenes bekostning. Alt som Lopakhin oppnådde, oppnådde han bare takket være sin intelligens, harde arbeid og ambisjon, som de tidligere mestrene i livet er fratatt. Lopakhin gir Ranevskaya effektiv og praktiske råd, hvoretter Lyubov Andreevna kunne ha reddet eiendommen hennes og kirsebærhagen. Samtidig opptrer Lopakhin fullstendig uinteressert. Han er selvfølgelig en forretningsmann, og det er i hans fordel å kjøpe ut en kirsebærhage, men likevel respekterer han Ranevskaya og familien hennes, så han prøver å hjelpe på alle måter han kan.
Tsjekhov skriver at Lopakhin har en "tynn, øm sjel", tynne fingre, som en kunstners. Men samtidig er han en ekte forretningsmann, som tenker på sin egen fortjeneste og penger.
Dette er selvmotsigelsen i bildet av Lopakhin, som forsterkes i scenen når han kunngjør at han har kjøpt en kirsebærhage. Han er stolt over at han fikk kjøpe et gods hvor forfedrene hans ikke turte å gå over terskelen. I hans oppførsel er både harme over århundrer med livegenskap, og gleden over seier over de tidligere herrene i livet, og troen på hans fremtid smeltet sammen. Han hogger ned en vakker kirsebærhage for å bygge dachaer i stedet. Men det er en klar inkonsekvens her. Lopakhin kommer til å bygge fremtiden ved å ødelegge skjønnhet. Men han bygger dachaer - midlertidige strukturer, så det blir klart at Lopakhin selv er en vikar. En ny generasjon vil komme for å møte ham, som vil skape en fantastisk fremtid for Russland. Men foreløpig er han eier og eier. Ikke rart Petya Trofimov kaller ham et "rovdyr" som innbiller seg at du kan kjøpe alt og selge alt. Og dette "rovdyret" kan ikke stoppes ennå. Hans glede overvinner alle andre følelser. Men Lopakhins triumf er kortvarig, den blir raskt erstattet av en følelse av motløshet og tristhet. Snart vender han seg til Ranevskaya med bebreidende og bebreidende ord: "Hvorfor, hvorfor hørte du ikke på meg? Min stakkars, gode, du kommer ikke tilbake nå. Og som i samklang med alle heltene i stykket, sier Lopakhin: "Å, hvis bare alt dette ville passere, hvis bare vårt vanskelige, ulykkelige liv på en eller annen måte ville endre seg."
Som andre helter føler Lopakhin seg misfornøyd med livet, han forstår at det på en eller annen måte går galt, i feil retning. Det bringer ikke glede eller lykke. Lopakhin er klar over dette og er derfor bekymret. Han ser ut til å føle at kraften til mennesker som ham er kortvarig, at de snart vil bli erstattet av nye mennesker, og de vil bli livets virkelige herrer.

"The Cherry Orchard" er toppverket til A.P. Chekhov. Komedie avsluttet i 1903. Tiden med den største forverringen av sosiale relasjoner, en stormende sosial bevegelse, forberedelsene til den første russiske revolusjonen ble tydelig reflektert i den siste større arbeid dramatiker. I Kirsebærhagen hadde Tsjekhovs generelle demokratiske posisjon effekt. I stykket vises de adel-borgerliges verden på en kritisk måte og mennesker som strever etter et nytt liv skildres i lyse farger. Tsjekhov svarte på datidens mest aktuelle krav. Stykket "The Cherry Orchard", som er fullføringen av det russiske kritisk realisme, slo samtidige med sin ekstraordinære sannferdighet.

Selv om The Cherry Orchard er basert utelukkende på hverdagslig materiale, har livet i den en generaliserende symbolsk betydning. Kirsebærhagen i seg selv er ikke i fokus for Tsjekhovs oppmerksomhet: symbolsk sett er hagen hele moderlandet. Derfor er temaet for stykket Russlands skjebne, dets fremtid. Dens gamle mestere, adelen, forlater scenen, og kapitalistene erstatter den. Men deres dominans er kortvarig, fordi de er ødeleggere av skjønnhet. Imidlertid vil livets virkelige mestere komme og gjøre Russland til en blomstrende hage.

Den ideologiske patosen til stykket ligger i fornektelsen av det adelige-herregårdssystemet, som foreldet. Samtidig argumenterer skribenten for at borgerskapet, som erstatter adelen, til tross for sin livsviktige virksomhet, fører ødeleggelse med seg.

La oss se hvordan representantene fra fortiden er i The Cherry Orchard. Andreevna Ranevskaya er en lettsindig, tom kvinne som ikke ser annet enn rundt seg kjærlighetsinteresser, streber etter å leve vakkert, enkelt. Hun er enkel, ytre sjarmerende og også ytre snill: hun gir fem rubler til en full tiggertramp, kysser lett hushjelpen Dunyasha og behandler graner kjærlig. Men hennes vennlighet er betinget, essensen av hennes natur er egoisme og lettsindighet: Ranevskaya deler ut store almisser, mens hustjenere sulter; arrangerer en unødvendig ball når det ikke er noe å betale gjeld; utad tar hun seg av Firs, og beordrer ham til å bli sendt til sykehuset, men han er glemt i det oppbygde huset. Ranevskaya neglisjerer også mors følelser: datteren hennes forble i omsorgen for en uforsiktig onkel i fem år. Hun gleder seg over sine hjemsteder først på ankomstdagen, hun er trist over salget av eiendommen, men her gleder hun seg over muligheten for å reise til Paris. Og når hun snakker om kjærligheten til fædrelandet, avbryter hun seg selv med bemerkningen: "Men du må drikke kaffe!" Vant til å kommandere beordrer Ranevskaya Lopakhin å gi henne penger. Lyubov Andreevnas overganger fra en stemning til en annen er uventede og raske: hun går fra tårer til moro. Etter min mening er karakteren til denne kvinnen veldig frastøtende og ubehagelig.

Gaev, Ranevskayas bror, er også hjelpeløs og sløv. Alt ved ham er latterlig og absurd: både hans glødende forsikringer om at rentene på boet vil bli betalt, ledsaget av å sende et godteri til munnen hans, og en patetisk tale adressert til skapet. Lettsinnetheten og inkonstansen til denne mannen er også bevist av det faktum at han gråter etter å ha brakt nyheten om salget av eiendommen, men etter å ha hørt lyden av biljardballer, slutter han å gråte.

Tjenere i komedie er også et symbol på det gamle livet. De lever i henhold til regelen "muzhiks med mestrene, herrene med bøndene", og de kan ikke forestille seg noe annet.

Tsjekhov la særlig vekt på kjøpmannen Lopakhin: «Lopakhins rolle er sentral. Hvis det ikke fungerer, vil hele stykket mislykkes.» Lopakhin erstatter Ranevsky og Gaev. Dramatikeren ser den relative progressiviteten til denne borgerlige i det faktum at han er energisk og effektiv, smart og driftig; han jobber fra morgen til kveld. Hans praktiske råd, hvis Ranevskaya hadde akseptert dem, ville ha reddet boet. Lopakhin har en "tynn, øm sjel", tynne fingre, som en kunstners. Imidlertid gjenkjenner han bare utilitaristisk skjønnhet. For å forfølge målene om berikelse, ødelegger Lopakhin skjønnhet og kutter ned kirsebærhagen.

Lopakhinenes regjeringstid er forbigående. De vil bli erstattet av nye folk Trofimov og Anya. De legemliggjør landets fremtid.

I Petya legemliggjorde Tsjekhov en ambisjon for fremtiden. Trofimovene er involvert i den sosiale bevegelsen. Det er Peter som forherliger arbeidet og etterlyser arbeid: «Menneskeheten beveger seg fremover og perfeksjonerer sin styrke. Alt som er utilgjengelig for ham nå vil en dag bli nært, forståelig, men nå må du jobbe, hjelpe av all kraft til de som leter etter sannheten. Det er sant at spesifikke måter å endre den sosiale strukturen på er ikke klare for Trofimov. Han kaller bare deklarativt til fremtiden. Og dramatikeren utstyrte ham med eksentrisitetstrekk (husk episoden med å lete etter kalosjer eller falle ned trappene). Men likevel vekket samtalene hans de omkringliggende menneskene og tvang dem til å se fremover.

Trofimov får støtte av Anya, en jente som er poetisk anlagt og entusiastisk. Petya ber Ranevskayas datter om å snu livet hennes. Og på slutten av komedien sier Anya og Trofimov farvel til fortiden og går inn i et nytt liv. "Ha det, gammelt liv!" sier Anya. Og Petya ekko henne: "Hei, nytt liv!" Med disse ordene ønsket forfatteren selv velkommen til den nye æraen i livet til landet sitt.

Så, i Kirsebærhagen, som i andre Tsjekhovs skuespill, er det en realistisk symbolikk. Selve navnet "Cherry Orchard" er symbolsk. Hagen minner om en vanskelig fortid. "Din bestefar, oldefar og alle dine forfedre var føydale herrer som eide levende sjeler, og er mennesker som ser på deg fra hvert kirsebær i hagen, fra hvert blad, fra hver stamme," sier Trofimov. Men en blomstrende hage er et symbol på skjønnheten i moderlandet, på livet generelt. Lydene er symbolske, spesielt på slutten av stykket: slaget av en øks på et tre, lyden av en brukket streng. De er forbundet med slutten av det gamle livet. Symbolikken her er veldig gjennomsiktig: det gamle livet forlater, det blir erstattet av et nytt.

Tsjekhovs optimisme er veldig sterkt følt. Forfatteren trodde at et lyst, gledelig liv ville komme. Men uansett hvor frekt det høres ut, er det i dag en dårlig dumpingplass for verdens avfall, og ikke en blomstrende hage. OG moderne liv får deg til å tvile på ordene til den store dramatikeren

Trenger du å laste ned et essay? Trykk og lagre - "The Play" The Cherry Orchard ", som er fullføringen av russisk kritisk realisme. Og det ferdige essayet dukket opp i bokmerkene.

Høydepunktet i Tsjekhovs verk, hans " svane sang”er the comedy” The Cherry Orchard ”, fullført i 1903. Tiden med den største forverringen av sosiale relasjoner, en stormfull sosial bevegelse, kom tydelig til uttrykk i det siste store verket. I Kirsebærhagen hadde Tsjekhovs generelle demokratiske posisjon effekt. I stykket vises de adel-borgerliges verden på en kritisk måte og mennesker som strever etter et nytt liv skildres i lyse farger. Tsjekhov svarte på datidens mest aktuelle krav.
Stykkets ideologiske patos ligger i fornektelsen av det adel-lokale systemet som foreldet. Samtidig argumenterer skribenten for at borgerskapet, som erstatter adelen, til tross for dens livsviktige aktivitet, bringer med seg ødeleggelse og chistoganens makt.
Tsjekhov så at det «gamle» var dømt til å visne, for det hadde vokst på skjøre, usunne røtter. En ny, verdig eier må komme. Og denne eieren vises i form av en kjøpmann-entreprenør Lopakhin, som kirsebærhagen går til fra de tidligere eierne, Ranevskaya og Gaev. Symbolsk sett er hagen hele hjemlandet ("hele Russland er vår hage"). Derfor er hovedtemaet for stykket moderlandets skjebne, dets fremtid. De gamle mesterne, adelsmennene Ranevskys og Gaevs, forlater scenen, og kapitalistene Lopakhins erstatter dem.
Bildet av Lopakhin inntar en sentral plass i stykket. Tsjekhov la spesielt vekt på dette bildet: «... rollen til Lopakhin er sentral. Hvis det mislykkes, vil hele stykket mislykkes.» Lopakhin er en representant for Russland etter reformen, knyttet til progressive ideer og strever ikke bare for å avrunde kapitalen, men også for å oppfylle sitt sosiale oppdrag. Han kjøper utleier eiendommerå leie dem ut som dachaer, og mener at hans aktiviteter bringer et bedre nytt liv nærmere. Denne personen er veldig energisk og forretningsmessig, smart og initiativrik, han jobber "fra morgen til kveld", inaktivitet er rett og slett smertefullt for ham. Hans praktiske råd, hvis Ranevskaya hadde akseptert dem, ville ha reddet boet. Lopakhin tar bort favorittkirsebærhagen sin fra Ranevskaya, og føler med henne og Gaev. Det vil si at han har både åndelig finesse, og nåde utvendig og innvendig. Ikke rart Petya legger merke til den subtile sjelen til Lopakhin, de tynne fingrene hans, som en kunstners.
Lopakhin er lidenskapelig opptatt av arbeidet sitt, og er oppriktig overbevist om at det russiske livet er arrangert "usammenhengende", det må gjøres om slik at "barnebarn og oldebarn vil se et nytt liv." Han klager over at det er få ærlige, anstendige mennesker rundt. Alle disse trekkene var på Tsjekhovs tid iboende i et helt lag av borgerskapet. Og skjebnen gjør dem til mestere, til og med til en viss grad arvinger etter verdiene skapt av tidligere generasjoner. Tsjekhov understreker den doble naturen til Lopakhins: de progressive synspunktene til en intellektuell borger og sammenfiltringen av fordommer, manglende evne til å reise seg til forsvaret av nasjonale interesser. «Kom og se hvordan Yermolai Lopakhin treffer kirsebærhagen med en øks, hvordan trærne faller til bakken! Vi skal sette opp dachaer, og våre barnebarn og oldebarn vil se et nytt liv her!» Men den andre delen av talen er tvilsom: det er usannsynlig at Lopakhin vil bygge et nytt liv for ettertiden. Denne kreative delen er utenfor hans makt, han ødelegger bare det som ble skapt i fortiden. Det er ingen tilfeldighet at Petya Trofimov sammenligner Lopakhin med et beist som spiser alt som kommer i veien. Og Lopakhin selv anser seg ikke som en skaper, han kaller seg selv en "mann-mann". Talen til denne helten er også veldig bemerkelsesverdig, som fullt ut avslører karakteren til en forretningsmann-gründer. Talen hans endres avhengig av omstendighetene. Å være i en krets av intelligente mennesker, bruker han barbarier: auksjon, sirkulasjon, prosjekt; i kommunikasjon med vanlige mennesker, sklir dagligdagse ord gjennom talen hans: Jeg antar, hva, du må rydde opp i det.
I stykket The Cherry Orchard argumenterer Tsjekhov for at Lopakhinenes dominans er kortvarig, for de er skjønnhetens ødeleggere. Menneskehetens rikdom som har akkumulert gjennom århundrene skulle ikke tilhøre monetære mennesker, men til virkelig kultiverte mennesker, "i stand til å svare for historiens strenge domstol for sine egne gjerninger."

De bemerkelsesverdige fordelene til The Cherry Orchard og dens innovative funksjoner har lenge vært enstemmig anerkjent av progressive kritikere. Men når det gjelder sjangertrekk spiller, er denne enstemmigheten erstattet av dissens. Noen ser på stykket «Kirsebærhagen» som en komedie, andre som et drama, andre som en tragikomedie. Hva er dette stykket - drama, komedie, tragikomedie?
Før du svarer på dette spørsmålet, bør det bemerkes at Tsjekhov, som strever etter livets sannhet, etter naturlighet, skapte skuespill ikke av rent dramatiske eller komiske, men av veldig kompleks form.
I skuespillene hans realiseres det dramatiske i en organisk blanding med det komiske, og det komiske manifesteres i en organisk sammenveving med det dramatiske.
Tsjekhovs skuespill er en slags sjangerformasjoner som kan kalles dramaer eller komedier, bare med tanke på deres ledende sjangertrend, og ikke den konsekvente implementeringen av prinsippene for drama eller komedie i deres tradisjonelle forstand.
Et overbevisende eksempel på dette er stykket «Kirsebærhagen». Allerede da han fullførte dette stykket, skrev Tsjekhov den 2. september 1903 Vl. I. Nemirovich-Danchenko: "Jeg vil kalle stykket en komedie" (A. P. Chekhov, Complete Works and Letters, vol. 20, Goslitizdat, M., 1951, s. 129).
Den 15. september 1903 informerte han MP Alekseeva (Lilina): "Jeg fikk ikke et drama, men en komedie, noen steder til og med en farse" (Ibid., s. 131).
Tsjekhov kalte stykket en komedie og stolte på de komiske motivene som var rådende i det. Hvis vi, når vi svarer på spørsmålet om sjangeren til dette stykket, husker den ledende trenden i strukturen til bildene og plottet, må vi innrømme at det ikke er basert på en dramatisk, men en komisk begynnelse. Drama betyr drama godbiter skuespill, det vil si de som forfatteren gir sine hovedsympatier.
Slik sett er slike skuespill av A.P. Chekhov som "Onkel Vanya" og "Three Sisters" dramaer. I stykket The Cherry Orchard tilhører forfatterens hovedsympatier Trofimov og Anya, som ikke opplever noe drama.
Å anerkjenne Cherry Orchard som et drama betyr å anerkjenne opplevelsene til eierne av Cherry Orchard, Gaevs og Ranevskys, som virkelig dramatiske, i stand til å fremkalle dyp sympati og medfølelse for mennesker som ikke skal tilbake, men fremover, inn i fremtiden.
Men dette i stykket kunne ikke være og er det ikke. Tsjekhov forsvarer ikke, bekrefter ikke, men avslører eierne av kirsebærhagen, han viser deres tomhet og ubetydelighet, deres fullstendige manglende evne til seriøse opplevelser.
Stykket «Kirsebærhagen» kan heller ikke gjenkjennes som en tragikomedie. For dette mangler hun verken tragikomiske helter, eller tragikomiske situasjoner som går gjennom hele stykket og definerer henne gjennom handling. Gaev, Ranevskaya, Pishchik er for små som tragikomiske helter. Ja, dessuten kommer den ledende optimistiske ideen i stykket med all distinkthet, uttrykt i positive bilder. Dette stykket kalles mer korrekt en lyrisk komedie.
Komedien til The Cherry Orchard bestemmes for det første av det faktum at dens positive bilder, som er Trofimov og Anya, vises på ingen måte dramatisk. Dramatikk er uvanlig for disse bildene, enten sosialt eller individuelt. Både i sitt indre vesen og i forfatterens vurdering er disse bildene optimistiske.
Bildet av Lopakhin er også tydelig udramatisk, som sammenlignet med bildene av de lokale adelene fremstår som relativt positivt og stort. Komedien i stykket bekreftes for det andre av det faktum at av de to eierne av kirsebærhagen er den ene (Gaev) først og fremst gitt komisk, og den andre (Ranevskaya) i slike dramatiske situasjoner, som hovedsakelig bidrar til å vise deres negative essens.
Det komiske grunnlaget for stykket er tydelig synlig, for det tredje, i den komisk-satiriske skildringen av nesten alle de mindre karakterene: Epikhodov, Pishchik, Charlotte, Yasha, Dunyasha.
"The Cherry Orchard" inkluderer også eksplisitte vaudeville-motiver, til og med farse, uttrykt i vitser, triks, hopp, utkledning av Charlotte. Når det gjelder problemstillingene og arten av dens kunstneriske tolkning, er The Cherry Orchard et dypt sosialt skuespill. Den har veldig sterke motiver.
Her ble de viktigste spørsmålene for den tiden reist: avviklingen av adelen og eiendomsøkonomien, dens endelige erstatning med kapitalisme, veksten av demokratiske krefter, etc.
Med et klart uttrykt sosiokomisk grunnlag i stykket «Kirsebærhagen» kommer lyrisk-dramatiske og sosiopsykologiske motiver tydelig til uttrykk: lyrisk-dramatiske og sosiopsykologiske motiver er mest komplette i skildringen av Ranevskaja og Vari; lyrisk og sosiopsykologisk, spesielt i bildet av Anya.
Originaliteten til sjangeren The Cherry Orchard ble veldig godt avslørt av M. Gorky, som definerte dette stykket som en lyrisk komedie.
"EN. P. Chekhov, skriver han i artikkelen "0 skuespill", "skapte ... en helt original type skuespill - en lyrisk komedie" (M. Gorky, Samlede verk, vol. 26, Goslitizdat, M., 1953, s. 422).
Men lyrisk komedie«Kirsebærhagen» oppfattes fortsatt av mange som et drama. For første gang ble en slik tolkning av Kirsebærhagen gitt av Kunstteateret. Den 20. oktober 1903 skrev K. S. Stanislavsky, etter å ha lest Kirsebærhagen, til Tsjekhov: «Dette er ikke en komedie ... dette er en tragedie, uansett utfall et bedre liv Uansett hvordan du åpnet det i siste akt... Jeg var redd for at den andre lesningen av stykket ikke ville fengsle meg. Hvor er det!! Jeg gråt som en kvinne, jeg ville, men jeg kunne ikke holde meg tilbake ”(K, S. Stanislavsky, Artikler. Taler. Samtaler. Brev, red. Art, M., 1953 , s. 150 - 151).
I sine memoarer om Tsjekhov, som dateres tilbake til omkring 1907, karakteriserer Stanislavskij Kirsebærhagen som «det tunge dramaet i russisk liv» (Ibid., s. 139).
K.S. Stanislavsky misforsto, undervurderte kraften til anklagende patos rettet mot representantene for den da avgående verden (Ranevskaya, Gaev, Pishchik), og la i denne forbindelse unødvendig vekt på den lyrisk-dramatiske linjen knyttet til disse karakterene i sin regiavgjørelse av stykket.
Stanislavsky tok dramaet til Ranevskaya og Gaev på alvor, fremmet unødig en sympatisk holdning til dem og til en viss grad dempet den anklagende og optimistiske retningen til stykket, og iscenesatte Kirsebærhagen på en dramatisk måte. Uttrykke ledernes feilaktige synspunkt Kunstteater på The Cherry Orchard skrev N. Efros:
«...ingen del av Tsjekhovs sjel var hos Lopakhin. Men en del av sjelen hans, som skynder seg inn i fremtiden, tilhørte "mortuos", "Cherry Orchard". Ellers bildet av dødsdømte, døende, forlate med historisk scene ville ikke være så ømt» (N. Efros, Kirsebærhagen iscenesatt av Moscow Art Theatre, s., 1919, s. 36).
Ut fra den dramatiske nøkkelen, vekket sympati for Gaev, Ranevskaya og Pishchik, med vekt på dramaet deres, spilte alle deres første utøvere disse rollene - Stanislavsky, Knipper, Gribunin. Så, for eksempel, karakteriserte spillet til Stanislavsky - Gaev, skrev N. Efros: "dette er et stort barn, ynkelig og morsomt, men rørende i sin hjelpeløshet ... Det var en atmosfære av den fineste humor rundt figuren. Og samtidig utstrålte hun stor rørende ... all in auditorium sammen med Firs følte de noe ømt for dette dumme, avfeldige barnet, med tegn på degenerasjon og åndelig forfall, "arvingen" til en døende kultur ... Og til og med de som på ingen måte er tilbøyelige til sentimentalitet, til hvem de harde lover om historisk nødvendighet og klasseskifte er hellige skikkelser på den historiske scenen - til og med de ga sannsynligvis øyeblikk med litt medfølelse, et sukk av sympati eller kondolanser av tristhet til denne Gaev ”(Ibid., s. 81 - 83).
I forestillingen til kunstnerne fra Kunstteateret viste bildene av eierne av kirsebærhagen seg å være klart større, edle, vakre, åndelig komplekse enn i Tsjekhovs skuespill. Det ville være urettferdig å si at lederne av kunsten Teater la ikke merke til eller omgikk komedien " kirsebærhage».
Ved oppsetningen av dette stykket brukte K. S. Stanislavsky dets komediemotiver så mye at han vakte skarpe innvendinger fra dem som anså det som et konsekvent pessimistisk drama.
A. Kugel, basert på sin tolkning av The Cherry Orchard som et konsekvent pessimistisk drama (A. Kugel, Sadness of the Cherry Orchard, Theatre and Art, 1904, nr. 13), anklaget lederne av Art Theatre for at de misbrukte komedie. "Min undring var forståelig," skrev han, "da Kirsebærhagen dukket opp i en lett, morsom, munter forestilling ... Det var den gjenoppstandne Antosha Chekhonte" (A. Kugel, Notes on the Moscow Art Theatre, "Theater og kunst" ”, 1904, nr. 15, s. 304).
Misnøye med den overdrevne, bevisste komedien i sceneforestillingen til Kirsebærhagen på Kunstteateret ble også uttrykt av kritikeren N. Nikolaev. "Når," skrev han, "den undertrykkende nåtiden varsler en enda vanskeligere fremtid, dukker Charlotta Ivanovna opp og passerer, leder en liten hund på et langt bånd og med all sin overdrevne, høyst komiske figur forårsaker latter i auditoriet ... For meg, denne latteren var et kar kaldt vann... Stemningen viste seg å være uopprettelig bortskjemt "(N. Nikolayev, U Artister," Teater og kunst ", 1904, nr. 9, s. 194).
Men den virkelige feilen til de første regissørene av The Cherry Orchard var ikke at de slo mange av de komiske episodene i stykket, men at de neglisjerte komedie som den ledende begynnelsen av stykket. Lederne for kunstteateret avslørte Tsjekhovs skuespill som et tungt drama i det russiske livet, og ga plass til komedien, men bare en underordnet en; sekundær.
M. N. Stroeva har rett i å definere scenetolkningen av stykket Kirsebærhagen ved Kunstteateret som en tragikomedie (M. Stroeva, Chekhov and the Art Theatre, ed. Art, M., 1955, s. 178 og etc.).
Ved å tolke stykket på denne måten viste retningen til kunstteateret representantene for den utadvendte verden (Ranevskaya, Gaeva, Pishchika) mer innvendig rike, positive enn de egentlig er, og overdreven økt sympati for dem. Som et resultat klang det subjektive dramaet til de avreisende folket dypere i forestillingen enn nødvendig.
Når det gjelder den objektivt komiske essensen til disse menneskene, som avslører deres insolvens, ble denne siden tydeligvis ikke tilstrekkelig avslørt i forestillingen. Tsjekhov kunne ikke være enig i en slik tolkning av Kirsebærhagen. S. Lubosh minnes Tsjekhov på en av de første forestillingene av Kirsebærhagen – trist og revet av. "I det fylte teateret var det en lyd av suksess, og Tsjekhov gjentok dessverre:
- Ikke det, ikke det...
- Hva er galt?
– Alt er ikke det samme: både stykket og forestillingen. Jeg fikk ikke det jeg ville. Jeg så noe helt annet, og de kunne ikke forstå hva jeg ville» (S. Lubosh, The Cherry Orchard. Chekhovs jubileumssamling, M., 1910, s. 448).
Tsjekhov protesterte mot den falske tolkningen av skuespillet hans, og skrev i et brev til O.L. Nemirovich og Alekseev ser positivt i skuespillet mitt, ikke det jeg skrev, og jeg er klar til å gi noen ord - at begge aldri leser skuespillet mitt nøye "(A.P. Chekhov, Complete Works and letters, vol. 20, Goslitizdat, M., 1951, s. 265).
Tsjekhov ble rasende over det rent sakte tempoet i forestillingen, spesielt over den smertelig utstrakte akt IV. "Akten, som bør vare maksimalt 12 minutter, har du," skrev han til O. L. Knipper, "er 40 minutter. Jeg kan si én ting: Stanislavsky ødela skuespillet mitt» (Ibid., s. 258).
I april 1904, mens han snakket med direktøren for Alexandrinsky Theatre, sa Tsjekhov:
"Er dette min Cherry Orchard? .. Er dette mine typer? .. Med unntak av to eller tre artister, er ikke alt dette mitt ... jeg skriver livet ... Dette er grått, vanlig liv... Men, dette er ikke kjedelig sutring ... De gjør meg enten til en gråtebaby, eller bare en kjedelig forfatter ... Og jeg skrev flere bind morsomme historier. Og kritikk kler meg ut som en slags sørgende ... De finner ut fra hodet hva de selv vil, men jeg tenkte ikke på det, og jeg så det ikke i en drøm ... Det begynner å gjøre meg sint ”(E. P. K a r p o v, To nylige møter med Anton Pavlovich Chekhov, Yearbook of the Imperial Theatres, 1909, nr. V, s. 7).
I følge Stanislavsky selv kunne ikke Tsjekhov forsone seg med tolkningen av stykket som et tungt drama, "til hans død" (K. S. Stanislavsky, Articles. Speeches. Conversations. Letters, ed. "Art", M., 1953. s. 139).
Dette er forståelig, siden oppfatningen av stykket som et drama endret det dramatisk. ideologisk orientering. Det Tsjekhov lo av, med en slik oppfatning av stykket, krevde allerede dyp sympati.
Tsjekhov forsvarte skuespillet sitt som en komedie, og forsvarte faktisk den riktige forståelsen av det. ideologisk sans. Lederne av Kunstteateret kunne på sin side ikke forbli likegyldige til Tsjekhovs uttalelser om at de ble legemliggjort i Kirsebærhagen på en falsk måte. Stanislavsky og Nemirovich-Danchenko ble tvunget til å innrømme at de hadde misforstått stykket, da de tenkte på teksten til stykket og dets sceneutførelse. Men misforstått, etter deres mening, ikke i hovednøkkelen, men spesielt. Showet har endret seg underveis.
I desember 1908 skrev V. I. Nemirovich-Danchenko: "Se på Kirsebærhagen, og du vil overhodet ikke gjenkjenne i dette blonde grasiøse bildet det tunge og tunge dramaet som Hagen var det første året" (V. I. Nemirovich-Danchenko, brev til N. E. Efros (andre halvdel av desember 1908), Teater, 1947, nr. 4, s. 64).
I 1910, i en tale til kunstnerne ved kunstteatret, sa K. S. Stanislavsky:
«La mange av dere innrømme at dere ikke umiddelbart forsto The Cherry Orchard. År gikk, og tiden bekreftet riktigheten av Tsjekhov. Behovet for mer avgjørende endringer i forestillingen i retningen angitt av Tsjekhov ble tydeligere og tydeligere for lederne av kunstteateret.
Lederne for Kunstteateret gjenopptok stykket Kirsebærhagen etter ti års pause, og gjorde store endringer i det: de satte betydelig fart i utviklingen; de animerte første akt på en komisk måte; fjernet overdreven psykologisme hos hovedpersonene og økte eksponeringen deres. Dette var spesielt tydelig i spillet til Stanislavsky - Gaev, "Hans bilde," bemerket i Izvestia, "avsløres nå først og fremst fra en rent komisk side. Vi vil si at lediggang, herlig dagdrømmer, fullstendig manglende evne til å påta seg i det minste en eller annen form for arbeid og virkelig barnslig uforsiktighet blir avslørt av Stanislavsky til slutten. Den nye Gaev av Stanislavsky er et mest overbevisende eksempel på skadelig verdiløshet. Knipper-Chekhova begynte å spille enda mer openwork, enda enklere, og avslørte Ranevskaya på samme måte som "avslørende" (Yur. Sobolev, Kirsebærhagen ved kunstteateret, Izvestia, 25. mai 1928, nr. 120).
Det faktum at den originale tolkningen av Kirsebærhagen ved Kunstteateret var et resultat av en misforståelse av teksten i stykket ble erkjent av regissørene ikke bare i korrespondanse, i en smal krets av kunstnere ved Kunstteateret, men også før allmennheten. V. I. Nemirovich-Danchenko, som talte i 1929 i forbindelse med 25-årsjubileet for den første forestillingen av The Cherry Orchard, sa: "Og dette vakkert arbeid det ble ikke forstått med det første .. kanskje det vil være nødvendig med noen endringer i forestillingen vår, noen omorganiseringer, i det minste i detaljer; men angående versjonen om at Tsjekhov skrev en vaudeville, at dette stykket skulle settes opp i en satirisk sammenheng, sier jeg med full overbevisning at dette ikke burde være det. Det er et satirisk element i stykket - både i Epikhodov og i andre personer, men ta teksten i hendene og du vil se: der - "gråter", et annet sted - "gråter", men i vaudeville vil de ikke gråte ! Vl. I. N emir o v i ch-Danchenko, Artikler. Taler. Samtaler. Letters, red. Art, 1952, s. 108 - 109).
Det er sant at The Cherry Orchard ikke er vaudeville. Men det er urettferdig at vaudeville angivelig ikke gråter, og på grunnlag av tilstedeværelsen av gråt regnes Kirsebærhagen som et tungt drama. For eksempel, i Tsjekhovs vaudeville "The Bear" gråter grunneieren og lakeien hennes, og i hans vaudeville "Proposal" gråter Lomov og Chubukova stønner. I vaudevillen "Az og Firth" av P. Fedorov gråter Lyubushka og Akulina. I vaudevillen «Lærer og student» av A. Pisarev gråter Lyudmila og Dasha. I vaudevillen The Hussar Girl, gråter Koni Laura. Det er ikke tilstedeværelsen og ikke engang antallet gråt, men gråtens natur.
Når Dunyasha sier gjennom tårer: "Jeg knuste tallerkenen", og Pishchik - "Hvor er pengene?", forårsaker dette ikke en dramatisk, men en komisk reaksjon. Noen ganger uttrykker tårer gledelig spenning: ved Ranevskaya ved hennes første inngang til barnehagen da hun kom tilbake til hjemlandet, hos de hengivne granene, som ventet på ankomsten til elskerinnen hans.
Tårer betegner ofte en spesiell hjertelighet: i Gaev, når man henvender seg til Anya i første akt ("min baby. Mitt barn ..."); ved Trofimov, beroliget Ranevskaya (i første akt) og deretter fortelle henne: "fordi han ranet deg" (i tredje akt); Lopakhin beroliger Ranevskaya (på slutten av tredje akt).
Tårer som uttrykk for akutt dramatiske situasjoner i The Cherry Orchard er svært sjeldne. Disse øyeblikkene kan leses på nytt: i Ranevskayas første akt, når hun møter Trofimov, som minnet henne om hennes druknede sønn, og i tredje akt, i en tvist med Trofimov, når hun igjen husker sønnen sin; ved Gaev - ved retur fra auksjonen; Varyas - etter en mislykket forklaring med Lopakhin (fjerde akt); ved Ranevskaya og Gaev - før siste avkjøring fra huset. Men samtidig vekker ikke det personlige dramaet til hovedpersonene i The Cherry Orchard slik sympati fra forfatteren, som ville vært grunnlaget for dramatikken i hele stykket.
Tsjekhov var sterkt uenig i at det var mange gråtende mennesker i skuespillet hans. "Hvor er de? - han skrev til Nemirovich-Danchenko 23. oktober 1903. – Bare én Varya, men dette er fordi Varya er en gråtebaby av natur, og tårene hennes skal ikke vekke en kjedelig følelse hos betrakteren. Ofte møter jeg "gjennom tårer", men dette viser bare stemningen til ansikter, ikke tårer "(A. P. Chekhov, Komplett samling av verk og brev, vol. 20, Goslitizdat, M., 1951, s. 162 - 163).
Det er nødvendig å forstå at grunnlaget for den lyriske patosen til stykket "The Cherry Orchard" er skapt av representanter ikke for den gamle, men for den nye verden - Trofimov og Anya, deres lyrikk er optimistisk. Dramaet i stykket «Kirsebærhagen» er åpenbart. Dette er dramaet som oppleves av representanter for den gamle verden og er fundamentalt forbundet med beskyttelsen av avvikende livsformer.
Drama knyttet til forsvaret av avreise, egoistiske livsformer kan ikke vekke sympati hos avanserte lesere og seere og er ikke i stand til å bli positiv patos progressive verk. Og naturligvis ble ikke dette dramaet den ledende patosen i stykket Kirsebærhagen.
Men i de dramatiske tilstandene til karakterene i dette stykket er det noe som kan vekke en sympatisk respons fra enhver leser og tilskuer. Man kan ikke sympatisere med Ranevskaya i hovedsak - i tapet av kirsebærhagen, i hennes bitre kjærlighetsvandringer. Men når hun husker og gråter om sin syv år gamle sønn som druknet i elven, er hun menneskelig lei seg. Man kan sympatisere med henne når hun tørker tårene og forteller hvordan hun ble trukket fra Paris til Russland, til hjemlandet, til datteren, og når hun for alltid sier farvel til hjemmet sitt, der de lykkelige årene av barndommen hennes, ungdom, og ungdom passerte ....
Dramaet til The Cherry Orchard er privat, ikke definerende, ikke ledende. Sceneforestillingen til «Kirsebærhagen», gitt av Kunstteatret på dramatisk vis, samsvarer ikke med ideologisk patos Og sjanger originalitet dette stykket. For å oppnå denne korrespondansen kreves det ikke mindre endringer, men grunnleggende endringer i den første utgaven av forestillingen.
For å avsløre stykkets fullstendig optimistiske patos, er det nødvendig å erstatte det dramatiske grunnlaget for forestillingen med en komedie-ikke-lyrisk. Det er forutsetninger for dette i uttalelsene til K. S. Stanislavsky selv. Han understreket viktigheten av en mer levende scenegjengivelse av Tsjekhovs drøm, og skrev:
«I fiksjonen om slutten av fortiden og begynnelsen nåværende århundre han var en av de første som følte revolusjonens uunngåelighet, da den bare var i sin spede begynnelse og samfunnet fortsatte å bade i utskeielser. Han var en av de første som ga en vekker. Hvem, hvis ikke han, begynte å hogge ned en vakker, blomstrende kirsebærhage, og innså at hans tid var gått, at det gamle livet var ugjenkallelig dømt til å bli skrotet... den første, med all sin makt, skjærer ned det foreldede, og den unge jenta, i påvente av, sammen med Petya Trofimov, tilnærmingen ny æra, vil rope til hele verden: "Hei, nytt liv!" - og du vil forstå at "The Cherry Orchard" er i live for oss, tett, samtidsspill at Tsjekhovs stemme høres i den muntert, brennende, for han selv ser ikke bakover, men fremover ”(K. S. Stanislavsky, Samlede verk i åtte bind, vol. 1, red. "Kunst", 1954, s. 275 - 276).
Utvilsomt hadde ikke den første teaterversjonen av Kirsebærhagen den patosen som gjenlyder i ordene til Stanislavskijs nettopp siterte. I disse ordene er det allerede en annen forståelse av Kirsebærhagen enn den som var karakteristisk for lederne av Kunstteateret i 1904. Men for å hevde den komedie-lyriske begynnelsen til The Cherry Orchard, er det viktig å fullt ut avsløre de lyrisk-dramatiske, elegiske motivene, nedfelt i stykket med en så utrolig finesse og kraft, i en organisk fusjon med komisk-satiriske og major-lyriske motiver. . Tsjekhov fordømte ikke bare, latterliggjorde heltene i skuespillet hans, men viste også deres subjektive drama.
Tsjekhovs abstrakte humanisme, assosiert med hans generelle demokratiske posisjon, begrenset hans satiriske muligheter og bestemte de velkjente notatene til den sympatiske fremstillingen av Gaev og Ranevskaya.
Her må man passe seg for ensidighet, forenkling, som forøvrig allerede fantes (for eksempel i oppsetningen av Kirsebærhagen i regi av A. Lobanov i teaterstudioet under ledelse av R. Simonov i 1934) .
Når det gjelder Det kunstneriske teater selv, bør ikke endringen av den dramatiske nøkkelen til den komisk-lyriske medføre en avgjørende endring i tolkningen av alle roller. Mange ting i denne fantastiske forestillingen, spesielt i den nyeste versjonen, er gitt riktig. Det er umulig å ikke huske at ved å avvise den dramatiske løsningen av skuespillet hans, fant Tsjekhov selv i sine første, langt fra modne forestillinger i kunstteateret, mye skjønnhet, utført riktig.

Dette siste spill forfatter, så den inneholder hans mest intime tanker om livet, om skjebnen til moderlandet. Det gjenspeilte mange livserfaringer. Dette er minner fra salget av hjemmet deres i Taganrog, og bekjentskap med Kiselev, eieren av Babkino-eiendommen nær Moskva, der Tsjekhovene bodde i sommermånedene 1885-1887. SOM. Kiselev, som, etter å ha solgt eiendommen sin for gjeld, gikk inn i tjenesten som medlem av styret i en bank i Kaluga, var på mange måter prototypen til Gaev.

I 1888 og 1889 Tsjekhov hvilte på Lintvarev-godset, nær Sumy i Kharkov-provinsen, hvor han så mange forsømte og døende adelige eiendommer. Dermed modnet ideen om et skuespill gradvis i forfatterens sinn, noe som ville gjenspeile mange detaljer om livet til innbyggerne i de gamle edle reirene.

Arbeidet med stykket «Kirsebærhagen» krevde stor innsats fra A.P. Chekhov. "Jeg skriver fire linjer om dagen, og de med uutholdelig pine," fortalte han vennene sine. Imidlertid, overvinne sykdom, hjemlig lidelse, skrev Tsjekhov et "stort skuespill".

Den første forestillingen av The Cherry Orchard på scenen til Moscow Art Theatre fant sted på fødselsdagen til A.P. Tsjekhov - 17. januar 1904. For første gang hedret Kunstteateret sin elskede forfatter og forfatter av skuespill fra mange produksjoner av gruppen, tidsbestemt til å falle sammen med 25-årsjubileet for hans litterære aktivitet.

Forfatteren var alvorlig syk, men kom likevel til premieren. Publikum forventet ikke å se ham, og denne opptredenen forårsaket dundrende applaus. Alle kunstneriske og litterære Moskva samlet i salen. Blant tilskuerne var Andrey Bely, V.Ya. Bryusov, A.M. Gorky, S.V. Rachmaninov, F.I. Chaliapin.

Om sjangeren

Tsjekhov kalte The Cherry Orchard en komedie: "Jeg fikk ikke et drama, men en komedie, noen steder til og med en farse."(Fra et brev til M.P. Alekseeva). "Hele stykket er muntert, useriøst". (Fra et brev fra O.L. Knipper).

Teateret iscenesatte det som et tungt drama fra russisk liv: "Dette er ikke en komedie, dette er en tragedie ... jeg gråt som en kvinne ...".(K.S. Stanislavsky).

A.P. Det virket for Tsjekhov som om teateret gjorde hele stykket i feil tone; han insisterte på at han skrev en komedie, ikke et tårevåt drama, han advarte om at både rollen som Varya og rollen som Lopakhin var komisk. Men grunnleggerne av Kunstteateret K.S. Stanislavsky og Vl.I. Nemirovich-Danchenko, som satte stor pris på stykket, oppfattet det som et drama.

Det er kritikere som anser stykket som en tragikomedie. A.I. Revyakin skriver: «Å anerkjenne The Cherry Orchard som et drama betyr å gjenkjenne opplevelsene til eierne av Cherry Orchard, Gaev og Ranevsky, som virkelig dramatiske, i stand til å vekke dyp sympati og medfølelse for mennesker som ikke ser tilbake, men fremover, inn i fremtiden . Men dette kunne ikke være og er ikke i stykket ... Stykket «Kirsebærhagen» kan heller ikke gjenkjennes som en tragikomedie. Til dette mangler hun verken tragikomiske helter, eller tragikomiske situasjoner.

Debatten om stykkets sjanger fortsetter til i dag. Utvalget av regissørtolkninger er bredt: komedie, drama, lyrisk komedie, tragikomedie, tragedie. Det er umulig å svare entydig på dette spørsmålet.

Et av Tsjekhovs brev inneholder følgende linjer: "Etter sommerendet bør være vinter, etter ungdomsalderdom, etter lykke ulykke og omvendt; en person kan ikke være sunn og munter hele livet, tap venter alltid på ham, han kan ikke redde seg selv fra døden, selv om han var Alexander den store - og du må være klar for alt og behandle alt som uunngåelig nødvendig, uansett hvor trist det er kan være. Alt du trenger å gjøre er å gjøre din plikt etter beste evne, og ingenting annet.» Disse tankene er i harmoni med følelsene som stykket «Kirsebærhagen» vekker.

Konflikter og problemer i stykket

« Skjønnlitteratur derfor kalles det kunstnerisk fordi det skildrer livet slik det virkelig er. Hennes utnevnelse er ubetinget og ærlig sannhet.

A.P. Tsjekhov

Spørsmål:

Hvilken "ubetinget og ærlig" sannhet kunne Tsjekhov se i sent XIXårhundre?

Svar:

Ødeleggelsen av adelige eiendommer, deres overføring i hendene på kapitalistene, noe som indikerer begynnelsen av en ny historisk æra.

Den eksterne tomten til stykket er endring av eiere av huset og hagen, salg av familiens eiendom for gjeld. Men i Tsjekhovs verk er det en spesiell karakter av konflikten, som gjør det mulig å oppdage indre og ytre handlinger, interne og eksterne plott. Dessuten er det viktigste ikke den eksterne tomten, utviklet ganske tradisjonelt, men den interne, som Vl.I. Nemirovich-Danchenko kalte "andre plan", eller "understrøm" .

Tsjekhov er interessert i heltens opplevelser som ikke er erklært i monologer ("De føler ikke hva de sier,"- skrev K.S. Stanislavsky), men manifestert i "tilfeldige" bemerkninger og å gå inn i undertekst - stykkets "understrøm", som innebærer et gap mellom den direkte betydningen av replikaen, dialogen, sceneregi og betydningen de får i konteksten.

Tegn i Tsjekhovs skuespill er de faktisk inaktive. Dynamisk spenning er "skapt av den smertefulle forgjengelighet" av handlinger og gjerninger.

"Under vann" Tsjekhovs skuespill skjuler betydningene som er skjult i den, avslører dualiteten og konflikten som ligger i menneskesjelen helt fra begynnelsen.