Edward hopper jobber. One Story America: Edward Hopper

Det er et så fengende maleri som fanger betrakteren umiddelbart. Det er ingen forvirring, årvåkenhet, alt ser ut til å være klart med en gang, som forelsket ved første blikk. Det er ikke overraskende at nøye gransking, refleksjon og empati kan skade slik kjærlighet. Er det mulig å finne noe dypt, solid der, bak den ytre glansen? Er ikke et faktum.

Ta for eksempel den mest fasjonable for de andre hundre årene med impresjonisme. Sannsynligvis, for dagens massepublikum er det ingen mer populær trend i maleriets historie. Men som en kunstnerisk retning viste impresjonismen seg å være overraskende forbigående, etter å ha eksistert i sin rene form i korte tjue år. Grunnleggerne forlot til slutt hjernebarnet sitt, og følte utmattelsen av ideer og metoder. Renoir vendte tilbake til de klassiske formene til Ingres, og Monet gikk videre til abstraksjonismen.

Det motsatte skjer også. Maleriene er beskjedne og upretensiøse, motivene er ordinære, og teknikkene er tradisjonelle. Her er et hus ved veien, her er en jente ved vinduet, men generelt sett en banal bensinstasjon. Ingen atmosfære, ingen lyseffekter, ingen romantiske lidenskaper. Hvis du trekker på skuldrene og går videre, vil alt forbli slik. Og stopper du opp og ser, finner du en avgrunn.

Slik er maleriet til Edward Hopper, en av de mest kjente amerikanske kunstnerne i det tjuende århundre.

Legger ikke merke til Europa

Hoppers biografi inneholder nesten ingen lyse hendelser og uventede vendinger. Han studerte, dro til Paris, jobbet, giftet seg, fortsatte å jobbe, fikk anerkjennelse ... Ingen kasting, skandaler, skilsmisser, alkoholisme, opprørende krumspring - ingenting "stekt" for den gule pressen. I dette ligner Hoppers livshistorie på maleriene hans: utad er alt enkelt, ja til og med rolig, men i dypet er det en dramatisk spenning.

Allerede i barndommen oppdaget han evnen til å tegne, der foreldrene støttet ham på alle mulige måter. Etter skolen studerte han illustrasjon ved korrespondanse i et år, og gikk deretter inn på den prestisjetunge New York Art School. Amerikanske kilder siterer en hel liste over hans kjente medstudenter, men navnene deres sier nesten ingenting til det russiske publikummet. Med unntak av Rockwell Kent, forble de alle artister av nasjonal betydning.

I 1906 avsluttet Hopper studiene og begynte å jobbe som illustratør i et reklamebyrå, men om høsten dro han til Europa.

Jeg må si at en reise til Europa nesten var en obligatorisk del yrkesopplæring for amerikanske artister. På den tiden lyste Paris-stjernen sterkt, og unge og ambisiøse mennesker ble trukket dit fra hele verden for å bli med på de siste prestasjonene og trendene innen verdensmaleriet.

Det er overraskende hvor forskjellige konsekvensene av denne bryggingen i en internasjonal gryte er. Noen, som spanjolen Picasso, ble raskt fra studenter til ledere og ble selv trendsettere på kunstnerisk vis. Andre forble alltid imitatorer, uansett hvor talentfulle de enn var, som Mary Cassatt og James Abbot McNeil Whistler. Atter andre, som russiske kunstnere, vendte tilbake til hjemlandet, smittet og ladet med ånden ny kunst, og allerede hjemme banet de veien fra verdenskunstens bakgårder til dens avantgarde.

Hopper var den mest originale av alle. Han reiste rundt i Europa, var i Paris, London, Amsterdam, returnerte til New York, reiste igjen til Paris og Spania, tilbrakte tid på europeiske museer og møtte europeiske kunstnere ... Men bortsett fra kortsiktige påvirkninger, gjør ikke maleriet hans det. avsløre alt som er kjent med moderne trender. Ingenting i det hele tatt, selv paletten ble så vidt lysnet opp!

Han satte pris på Rembrandt og Hals, senere - El Greco, fra mestrene nær i tid - Edouard Manet og Edgar Degas, som allerede var blitt klassikere på den tiden. Når det gjelder Picasso, hevdet Hopper ganske seriøst at han ikke hadde hørt navnet hans mens han var i Paris.

Det er vanskelig å tro, men faktum består. Postimpresjonistene hadde nettopp gått bort, fauvistene og kubistene brøt allerede spydene, futurismen dukket opp i horisonten, maleriet brøt bort fra bildet av det synlige og fokuserte på problemene og begrensningene i bildeplanet, Picasso og Matisse strålte . Men det så ikke ut til at Hopper så det.

Og etter 1910 krysset han aldri Atlanteren, selv da maleriene hans ble stilt ut i den amerikanske paviljongen på den prestisjetunge Venezia-biennalen.

Kunstner på jobb

I 1913 slo Hopper seg ned i New York på Washington Square, hvor han bodde og arbeidet i mer enn femti år – til slutten av sine dager. Samme år solgte han sitt første maleri, utstilt på den berømte Armory Show i New York. Det virket som om karrieren begynner lovende og suksessen er ikke langt unna.

Det ble ikke så rosenrødt. "Armory Show" ble tenkt som den første utstillingen i USA Moderne kunst og har som sådan vært en stor suksess. Hun vendte øynene til amatører, kritikere og kunstnere bort fra realismen og vendte dem mot avantgarden, selv om det ble ledsaget av latterliggjøring og skandaler. På bakgrunn av Duchamp, Picasso, Picabia, Brancusi, Braque, så Hoppers realisme provinsiell og utdatert ut. Amerika bestemte at det var nødvendig å ta igjen Europa, velstående samlere ble interessert i oversjøisk kunst, og enkeltsalg av innenlandske verk gjorde ingen forskjell.

Hopper jobbet som kommersiell illustratør i mange år. Han forlot til og med maleriet og viet seg til etsing, en teknikk på den tiden mer egnet for trykkreproduksjon. Han var ikke i tjenesten, jobbet deltid med magasinbestillinger og opplevde alle vanskelighetene ved denne stillingen, og til tider falt han i depresjon.

Imidlertid, i det som da var New York, var det en kunstbeskytter som bestemte seg for å samle verkene til amerikanske kunstnere spesifikt - Gertrude Whitney, datter av millionæren Vanderbilt; forresten, den som kannibalen Ellochka uten hell konkurrerte med, og byttet en tesil fra Ostap Bender for en av de tolv stolene.

Nattskygger.

Deretter prøvde Whitney å donere samlingen sin av amerikanske samtidskunstnere til Metropolitan Museum of Art, men ledelsen hans anså ikke gaven verdig. Den avviste samleren grunnla, i gjengjeldelse, sitt eget museum i nærheten, som fortsatt vurderes beste museum Amerikansk kunst.

Kveldsvind. 1921 Museum of American Art, New York

Men det er i fremtiden. Mens Hopper var på besøk i Whitney Studio, hvor han i 1920 hadde sin første separatutstilling - 16 malerier. Noen av etsningene hans vakte også oppmerksomhet fra publikum, spesielt "Night Shadows" og "Evening Wind". Men han kunne ennå ikke bli frilansartist og fortsatte å tjene penger på illustrasjon.

Familie og anerkjennelse

I 1923 møtte Hopper sin fremtidig kone Josephine. Familien deres var sterk, men familie liv vanskelig. Jo forbød mannen sin å male nakenbilder og poserte om nødvendig for seg selv. Edward var sjalu på henne selv for katten. Alt ble forverret av hans taushet og dystre karakter. «Noen ganger var det å snakke med Eddie som å kaste en stein ned en brønn. Med ett unntak: lyden av å falle i vannet kunne ikke høres, "innrømmet hun.

Edward og Joe Hopper. 1933

Likevel var det Jo som minnet Hopper om mulighetene med akvarell, og han vendte tilbake til denne teknikken. Han stilte snart ut seks verk på Brooklyn Museum, og ett av dem ble kjøpt av museet for 100 dollar. Kritikere reagerte vennlig på utstillingen og la merke til vitaliteten og uttrykksfullheten til Hoppers akvareller, selv med de mest beskjedne emnene. Denne kombinasjonen av ytre tilbakeholdenhet og uttrykksfull dybde ville bli Hoppers varemerke for resten av årene.

I 1927 solgte Hopper maleriet «Two in auditorium” for 1500 dollar, og med disse pengene fikk paret sin første bil. Kunstneren fikk muligheten til å gå på skisser, og det landlige provinsielle Amerika ble i lang tid et av hovedmotivene for maleriet hans.

To i auditoriet. 1927. Museum of Art, Toledo

I 1930 fant en annen viktig begivenhet sted i kunstnerens liv. Filantrop Stephen Clark donerte maleriet sitt "Railway House" til New Yorks Museum of Modern Art, og det har hengt fremtredende der siden.

Så, kort før sin femtiårsdag, gikk Hopper inn i tiden for anerkjennelse. I 1931 solgte han 30 verk, inkludert 13 akvareller. I 1932 deltok han i den første vanlige utstillingen til Whitney-museet og gikk ikke glipp av den neste før han døde. I 1933, til ære for kunstnerens jubileum, presenterte Museum of Modern Art et retrospektiv av hans arbeid.

I de neste tretti årene av sitt liv jobbet Hopper fruktbart, til tross for helseproblemer som oppsto i alderdommen. Jo overlevde ham med ti måneder og testamenterte hele familiesamlingen til Whitney-museet.

Midnighters. 1942. Institutt for kunst, Chicago

I årene med modenhet skapte kunstneren mange anerkjente mesterverk, for eksempel "Early Sunday Morning", "Night Owls", "Office in New York", "People in the Sun". I løpet av denne tiden mottok han mange priser, reiste til Canada og Mexico, ble presentert på flere retrospektive og separatutstillinger.

Overvåkingsbeskyttelse

Det kan ikke sies at maleriet hans ikke utviklet seg i alle disse årene. Likevel fant Hopper sine favoritttemaer og -bilder tidlig, og hvis noe har endret seg, er det troverdigheten til deres legemliggjøring.

Hvis man skulle finne en kort formel for Hoppers arbeid, ville det være «fremmedgjøring og isolasjon». Hvor er karakterene hans på vei? Hvorfor fryses de midt på dagen? Hva hindrer dem i å starte en dialog, nå ut til hverandre, rope og svare? Det er ikke noe svar, og for å være ærlig er det nesten ingen spørsmål, i hvert fall for dem. Slik er de, dette er livet, dette er verden som skiller mennesker med usynlige barrierer.

Denne usynligheten av barrierer bekymret Hopper alvorlig, og det er derfor det er så mange vinduer i maleriene hans. Glass er et visuelt ledd, men en fysisk barriere. Heltene og heltinnene hans, sett fra gaten, ser ut til å være åpne for verden, men faktisk er de lukkede, fordypet i seg selv – ta en titt på Night Owls eller The Office i New York. En slik dualitet gir opphav til en gripende kombinasjon av skjør sårbarhet og hardnakket utilgjengelighet, til og med uinntagelighet.

Hvis vi tvert imot sammen med karakterene ser ut gjennom glasset, så lurer vinduet igjen, bare erter med muligheten for å se noe. Best case scenario ytre verden kun angitt av en rekke trær eller bygninger, og ofte er ingenting synlig i vinduet, som for eksempel i "Kveldsvind" eller i maleriet "Automat".

automat. 1927. Kunstsenter, Des Moines. USA

Generelt er Hoppers vinduer og dører preget av samme kombinasjon av åpenhet og nærhet som for animerte karakterer. Litt på gløtt ramme, svaiende gardiner, lukkede persienner, halvlukkede dører streifer fra bilde til bilde.

Gjennomsiktig er ugjennomtrengelig, og det som skal forene skiller. Derav den konstante følelsen av mystikk, understatement, mislykket kontakt.

Ensomhet blant mennesker, i en storby, foran alle, har blitt et tverrgående tema for kunsten på 1900-tallet, bare her, med Hopper, er det ikke ensomheten de løper fra, men hvor de blir frelst. Nærheten til karakterene hans oppleves som en naturlig form for selvforsvar, og ikke som et innfall eller karaktertrekk. Lyset som strømmer over dem er smertelig nådeløst, og de blir for åpenlyst vist offentlig, og en slags likegyldig trussel lurer i verden rundt dem. Derfor, i stedet for eksterne barrierer, er det nødvendig å bygge interne.

Selvfølgelig, hvis veggene på kontoret blir ødelagt, vil arbeidseffektiviteten øke, for foran hverandre, og enda mer for sjefen, blir folk mindre distrahert og chatter. Men når alle er under overvåking, stopper kommunikasjonen og stillhet blir den eneste formen for forsvar. Heltene er behersket, instinkter undertrykkes, lidenskaper drives dypt – siviliserte, kultiverte mennesker i den beskyttende rustningen til ytre anstendighet.

Oppmerksomhet utover

Svært ofte gir Hoppers malerier inntrykk av et stoppet øyeblikk. Og dette til tross for at bevegelsen i selve bildet ikke er indikert i det hele tatt. Men den oppfattes som en filmramme som nettopp har erstattet den forrige og er klar til å vike for den neste. Det er ingen tilfeldighet at Hopper ble så verdsatt av amerikanske filmskapere, spesielt Hitchcock, og Hollywood-standarder for innramming av en ramme ble i stor grad dannet under hensyntagen til hans innflytelse.

Det var naturlig for kunstneren å rette betrakterens oppmerksomhet ikke så mye mot det avbildede øyeblikket som mot de imaginære hendelsene som gikk forut for eller fulgte det. Denne ferdigheten, sjelden i maleriets historie, kombinerte paradoksalt nok prestasjonene til impresjonismen, med dens økte oppmerksomhet på øyeblikket, og post-impresjonismen, som ønsket å komprimere tidens gang til et øyeblikkelig kunstnerisk bilde.

Hopper lyktes virkelig med å feste et unnvikende øyeblikk av å være til lerretet og samtidig antyde den uopphørlige strømmen av tid som brakte ham til overflaten og umiddelbart tar ham inn i fortidens mørke dyp. Hvis futurismen forsøkte å skildre bevegelse direkte på det pittoreske planet, så tar Hopper den ut av maleriets grenser, men lar den ligge innenfor grensene for vår oppfatning. Vi ser det ikke, men vi føler det.

På samme måte klarer kunstneren å omdirigere oppmerksomheten vår utover bildet, ikke bare i tid, men også i rom. Karakterene ser et sted utenfor, seerens blikk trekkes dit av motorveien som flyr forbi bensinstasjonen, og videre jernbaneøyet klarer å fange bare den siste bilen i toget. Og oftere er han der ikke lenger, toget suste forbi, og vi glir ufrivillig og uten hell ut med blikket etter ham langs skinnene.

Dette er Amerika som det er – ingen lengsel etter de tapte, ingen glorifisering av fremskritt. Men hvis det bare var Amerika, ville ikke Hopper ha falt til verdensberømmelse, akkurat som mange av hans samtidige med ingen dårligere ferdigheter ikke fikk det. Faktisk klarte Hopper å berøre universelle følelser ved å bruke nasjonalt materiale. Han banet vei for internasjonal anerkjennelse Amerikansk maleri, selv om det ble brakt til de ledende rollene i verdenskunsten etterkrigskunstnere, ikke gjenkjent av Hopper selv.

Veien hans er unik. I den turbulente verden av levende kunstneriske bevegelser klarte han å ikke bukke under for noens innflytelse og å gå langs den smale veien mellom romantikk og samfunnskritikk, mellom avantgarde-besettelsen av konsepter og den bevisste naturalismen til presisjonisme og hyperrealisme, forbli tro mot seg selv til slutten.

Den amerikanske kunstneren Edward Hopper regnes av noen som en urbanist, andre som en representant for magisk realisme, og noen er en forløper for popkunst. Fans av Hoppers arbeid kaller ham entusiastisk «en drømmer uten illusjoner» og «en poet av tomme rom». Alle meninger forenes av Hoppers dramatiske lerret kalt "Nattugler". Den er gjenkjennelig som Leonardo Da Vincis Mona Lisa, Edvard Munchs The Scream eller Coolidge's Dogs Playing Poker. Den utrolige populariteten til dette verket har plassert ham blant popkulturens ikoner.

(Edward Hopper , 1882-1967) var en fremtredende representant for amerikaneren sjangermaleri XX århundre. Og selv om det var i denne perioden nye trender innen kunst ble født, forble han likegyldig til avantgardeendringene og eksperimentene til kollegene. Samtidige som holdt tritt med moten var glad i kubisme, surrealisme og abstrakt kunst, og Hoppers maleri ble ansett som kjedelig og konservativt. Edward led, men endret ikke sine idealer: " Hvordan kan de ikke forstå: originaliteten til kunstneren er ikke oppfinnsomhet og ikke en metode, spesielt ikke en fasjonabel metode, det er kvintessensen av personlighet ».

Og personligheten til Edward Hopper var veldig kompleks. Og veldig lukket. Og i en slik grad at etter hans død var kanskje den eneste kilden til informasjon om hans liv og karakter dagboken til hans kone. I et av intervjuene sa hun:

En dag prøvde en ansatt i New Yorker-magasinet å skrive et essay om Edwards liv. Og jeg kunne ikke. Det var ikke noe materiale. Ingenting å skrive om. Hans ekte biografi Jeg kunne bare skrive. Og det ville være ren Dostojevskij« .

Så han var fra barndommen, selv om gutten vokste opp i en god familie til eieren av en syklebutikk i byen Nyack (New York). Familien var ikke fremmed for kunst: i helgene kom far, mor og barn noen ganger til New York på besøk kunstutstillinger eller gå på teater. Gutten skrev i all hemmelighet ned inntrykkene sine i en tykk notatbok. Det var mye gjemt der for voksne. Spesielt hans opplevelser og motvilje, da han i en alder av 12 plutselig vokste 30 cm i løpet av sommeren og begynte å se fryktelig tafatt og rank ut. Klassekamerater ved hver sving hånet og ertet ham om dette. Kanskje fra denne uheldige hendelsen beholdt Edward Hopper for alltid smertefull sjenanse, isolasjon og stillhet. Hans kone skrev i dagboken sin: Å si hva som helst til Ed er som å kaste en stein ned en bunnløs brønn. Hører ikke sprutet «.

Naturligvis gjenspeiles dette i stilen til maleriene hans. Hopper likte å male livløse interiører og ørkenlandskap: jernbane blindveier som fører til ingensteds, øde kafeer, der ensomheten kommer gjennom. Vindusåpninger var et konstant ledemotiv i arbeidet hans. Kunstneren så å si etter en vei ut av sin lukkede verden. Eller kanskje han i all hemmelighet åpnet inngangen for seg selv: sollyset som falt gjennom vinduene inn i rommene varmet litt kulden i Hoppers asketiske malerier. Vi kan si at på bakgrunn av hans dystre landskap og interiør, legemliggjør solstrålene på lerretene hans nøyaktig metaforen " en lysstråle i et mørkt rike «.

Men for det meste skildret Hopper ensomhet i maleriene sine. Hoppers jevne solnedganger, gater og hus er ensomme. Par som er avbildet på lerretene hans ser ikke mindre ensomme ut, spesielt par. Gjensidig misnøye og fremmedgjøring mellom en mann og en kvinne er et konstant tema for Edward Hopper.

Temaet hadde ganske livsviktig grunnlag: i sitt førtiende år giftet Hopper seg med sin jevnaldrende Josephine Nivison, som han hadde kjent siden kunstskolen i New York. De dreide seg i de samme kretsene, var forbundet av samme interesser, hadde lignende syn på mange ting. Men familielivet deres var fylt med alle slags stridigheter og skandaler, noen ganger til kamper. Ifølge konas dagbok var den frekke ektemannen skyld i alt. Samtidig er det, ifølge bekjentes erindringer, klart at Jo selv var langt fra idealet om vokteren av familiens ildsted. For eksempel, da artistvennene hennes en gang spurte henne: " Hvilken Favoritt mat Edward?" sa hun arrogant, " Synes du ikke at det i vår krets er for mye deilig mat og for lite godt maleri? Vår favorittrett er en vennlig boks med stuede bønner.«.

Hoppers malerier av par skildrer tydelig tragedien i forholdet hans til kona. De levde i lidelse og torturerte hverandre, og samtidig var de uatskillelige. De ble forent av en kjærlighet til fransk poesi, maleri, teater og kino - dette var nok til at de kunne holde sammen. Josephine var til og med en muse og hovedmodellen for Edwards malerier etter 1923. I et par sene besøkende på spisestuen, avbildet i hans maleri «Nattugler», skildret forfatteren nok en gang tydelig seg selv og sin kone, er fremmedgjøringen av mannen og kvinnen som sitter ved siden av hverandre så tydelig.

"Midnighters" (Nighthawks), 1942, Edward Hopper

Ved en tilfeldighet er det bildet "Midnighters" ble et kultkunstverk i USA. (I originalen heter det " Nighthawks", som også kan oversettes som " ugler"). Edward Hopper malte Night Owls i 1942, like etter angrepet på Pearl Harbor. Hendelsen forårsaket en følelse av undertrykkelse og angst i hele Amerika. Dette forklarte den dystre, diffuse atmosfæren på Hoppers lerret, der besøkende på spisestedet er ensomme og omtenksomme, den øde gaten er opplyst av det svake lyset fra et butikkvindu, og et livløst hus fungerer som bakgrunn for alt. Forfatteren benektet imidlertid at han ønsket å uttrykke en form for depresjon. Med hans ord, han kanskje ubevisst avbildet ensomhet i stor by ».

Hoppers midnattskafe er uansett et kritisk avvik fra bykafeene hans kolleger har skildret. Vanligvis bar disse etablissementene alltid og overalt en teft av romantikk og kjærlighet. Vincent van Gogh, som skildrer en nattkafé i Arles, brukte ikke svart maling i det hele tatt, folket hans sitter på en åpen terrasse, og himmelen, som et felt med blomster, er strødd med stjerner.

« Nattterrasse cafe", Arles, 1888, Vincent van Gogh

Er det mulig å sammenligne hans brokete palett med kulheten og gjerrigheten til Hoppers farger? Og ikke desto mindre, ser man på maleriet "Nattugler", blir det klart at bak den understrekede konsiseheten i Hoppers forfatterskap ligger en avgrunn av uttrykksfullhet. Hans tause karakterer, fordypet i sine egne tanker, ser ut til å være deltakere i et drama på en scene oversvømmet med dødelig fluorescerende lys. Betrakteren er hypnotisk påvirket av geometrien til parallelle linjer, den jevne rytmen til de livløse vinduene i nabobygningen, som gjenspeiles av setene langs bardisken, kontrasten til massive steinvegger og gjennomsiktig skjørt glass, bak hvilke figurene av fire mennesker tok tilflukt på en øy av lys ... Det ser ut til at forfatteren bevisst låste dem her, gjemte seg fra gatens likegyldige mørke - ser du nøye, kan du se at det ikke er en eneste synlig utgang fra rommet.

Maleriet "Nattugler" hadde stor innvirkning på amerikansk kultur. Postmodernister har brukt maleriet til utallige parodiske nyinnspillinger basert på litteratur, film og maleri.

Hentydninger og parodier av dette verket av Edward Hopper finnes i mange malerier, filmer, bøker og sanger. Tom Waits kåret et av albumene hans " Nighthawks på Diner» — « Midnighters på spisestedet". Dette lerretet er et av favorittverkene til regissør David Lynch. Det påvirket også utseendet til byen i filmen av Ridley Scott "Blade Runner".

Inspirert av Night Owls laget den østerrikske artisten Gottfried Helnwein en kjent nyinnspilling kalt " Veien av knuste drømmer ". I stedet for ansiktsløse karakterer plasserte han 4 kjendiser i det kosmiske tomrommet av ensomhet - Marilyn Monroe, Humphrey Bogart, Elvis Presley og James Dean. Dermed antydet hvor meningsløst deres liv og talenter har sunket ned i tomrommet for tidlig: Presley døde som et resultat av langvarig bruk og misbruk av alkohol og narkotika; Marilyn døde av en overdose antidepressiva; Bogarts død var også et resultat av alkoholmisbruk, og James Dean døde i en tragisk bilulykke.

Andre forfattere av falske nyinnspillinger har brukt amerikanske ikoniske verk fra forskjellige kunstfelt. Først av alt, den mest populære - amerikansk kino med sin kjente karakterer, tegneseriesuperhelter og verdenskjente historier. Den dystre stilen til svart-hvitt film noir passet perfekt til stemningen i Hoppers maleri ( Mørk film ).

For å være sikker, se "kuttet" av rammer fra noir-filmene på 40-tallet, som er erstattet av sangen " Veien av knuste drømmer ". (I 2005 uttalte medlemmer av Punk Green Day-gruppen at deres andre singel mottok denne tittelen og relaterte plakater under direkte påvirkning av Hoppers maleri).

Også ironisk nok spilte nyinnspillingene på mange andre Hollywood-fetisjer.

stjerne krigen
stjerne krigen
Simpsons
familiemann
basert på kulttegneserien The Adventures of Tintin

Supermann og Batman
Zombie
nyinnspilling på temaet m/f "Dead Bride", regissert av Tim Burton

Ikke unngikk skjebnen til å bli parodi-remakes av Hoppers malerier er annerledes populære show og serier.

parodiplakat på temaet for komedie-TV-serien "Seinfeld" (1989-1998)
parodiplakat på temaet for krimserien "C.S.I.: Crime Scene Investigation"

Selvfølgelig, i parodiene ble det lukkede rommet til kafeen spilt opp, understreket av forfatteren i bildet hans.

Og de kalde tonene i bildet og palettens askese fikk mange jokere til å assosiere seg med verdensrommet.

Alle slags amerikanske klisjeer av bylandskapet var også i bruk.

Vel, der det er en nattgate og det ikke er noen politi i nærheten, er det ganske logisk at det kan dukke opp en gategraffiti-bølle Banksy, men her kaster han plaststoler inn i et kafévindu.

Du kan fortsatt gi hundrevis av eksempler på ironiske nyinnspillinger av Edward Hoppers malerier, laget om alle slags emner. Dette er en av de vanligste internett-memes. Og slik fruktbarhet bekrefter bare at ekte mesterverk ikke er underlagt tid.

Det er bilder som umiddelbart og lenge fanger betrakteren i deres fangenskap – de er som musefeller for øynene. Den enkle mekanikken til slike bilder, oppfunnet i samsvar med teorien om betingede reflekser til akademiker Pavlov, er tydelig synlig i reklame- eller reporterfotografier. I alle retninger stikker kroker av nysgjerrighet, begjær, smerte eller medfølelse ut av dem – avhengig av formålet med bildet – salg av vaskepulver eller innsamling av veldedige midler. Etter å ha blitt vant til en strøm av slike bilder som et sterkt stoff, kan man overse, gå glipp av, som smakløse og tomme, bilder av en annen art - ekte og levende (i motsetning til de første, som bare imiterer livet). De er ikke så vakre, og fremkaller absolutt ikke typiske ubetingede følelser, de er uventede og budskapet deres er tvilsomt. Men bare de kan kalles kunst, den ulovlige «stjålne luften» til Mandelstam.

I ethvert kunstfelt er det kunstnere som har skapt ikke bare sine egne unik verden, men også et system for visjon av den omgivende virkeligheten, en metode for å overføre hverdagslivets fenomener til virkeligheten til et kunstverk – inn i den lille evigheten til et bilde, en film eller en bok. En av disse kunstnerne, som utviklet sitt eget unike system for analytisk syn og så å si implanterte øynene til sine tilhengere, var Edward Hopper. Det er nok å si at mange av verdens filmskapere, inkludert Alfred Hitchcock og Wim Wenders, anså seg i gjeld til ham. I fotografiets verden kan hans innflytelse sees i eksemplene til Stephen Shore, Joel Meyerowitz, Philip-Lorca diCorcia: listen fortsetter. Det ser ut til at ekko av Hoppers "detached look" kan sees selv hos Andreas Gursky.

Foran oss ligger et helt lag av moderne visuell kultur med sin egen spesielle måte å se verden på. En utsikt ovenfra, en utsikt fra siden, en utsikt over en (kjedet) passasjer fra vinduet på et elektrisk tog - halvtomme transformatorstasjoner, uferdige gester av de som venter, likegyldige veggflater, kryptogrammer av jernbaneledninger. Det er neppe legitimt å sammenligne malerier og fotografier, men hvis det var tillatt, så ville vi vurdert mytologisk konsept"avgjørende øyeblikk" (Decisive Moment), introdusert av Cartier-Bresson, på eksemplet med Hoppers malerier. Hoppers fotografiske øye fremhever umiskjennelig hans "avgjørende øyeblikk". Med all den imaginære sjansen er bevegelsene til karakterene i maleriene, fargene til de omkringliggende bygningene og skyene nøyaktig koordinert med hverandre og underlagt identifiseringen av dette "avgjørende øyeblikket". Riktignok er dette et helt annet øyeblikk enn i fotografiene til den berømte Zen-fotografen Henri Cartier-Bresson. Der er det toppmomentet for bevegelsen gjort av en person eller et objekt; øyeblikket da situasjonen som filmes nådde sin maksimale uttrykksfullhet, noe som gjør det mulig å skape et bilde som er karakteristisk for dette spesielle øyeblikket med et klart og entydig plot, en slags klem eller kvintessens av et "vakkert" øyeblikk som bør stoppes for enhver pris . I henhold til forskriftene til doktor Faust.

Philippe-Lorca di Corchia "Eddie Anderson"

I premisset om å stoppe et vakkert eller forferdelig øyeblikk, oppstår moderne journalistisk narrativ fotografering, og som et resultat, reklamefotografering. Begge bruker bildet kun som et mellomledd mellom ideen (produktet) og forbrukeren. I dette begrepssystemet blir bildet en tydelig tekst som ikke tillater noen utelatelser eller uklarheter. Imidlertid er sekundærkarakterene til magasinfotografier nærmere meg - de vet fortsatt ikke noe om det "avgjørende øyeblikket".

Det «avgjørende øyeblikket» i Hoppers malerier henger noen øyeblikk bak Bressons. Bevegelsen der har bare så vidt begynt, og gesten har ennå ikke tatt en fase av sikkerhet: vi ser dens fryktsomme fødsel. Og derfor – Hoppers maleri er alltid et mysterium, alltid en melankolsk usikkerhet, et mirakel. Vi observerer et tidløst gap mellom øyeblikkene, men energiintensiteten i dette øyeblikket er like stor som i det kreative tomrommet mellom Adams hånd og Skaperen i Det sixtinske kapell. Og hvis vi snakker om gester, så er Guds avgjørende gester ganske bressonske, og de uavslørte gestene til Adam er Hopperske. Den første er litt "etter", den andre er heller "før".

Mysteriet med Hoppers malerier ligger også i det faktum at karakterenes faktiske handlinger, deres "avgjørende øyeblikk", bare er et hint om det sanne "avgjørende øyeblikk", som allerede befinner seg utenfor rammen, utenfor rammen, ved imaginært punkt for konvergens av mange andre mellomliggende "avgjørende øyeblikk". øyeblikk" malerier.

Ved første øyekast mangler Edward Hoppers malerier alle de ytre egenskapene som kan tiltrekke seg betrakteren - kompleksiteten til komposisjonsløsningen eller det utrolige fargevalget. Monotone fargerike overflater dekket med trege strøk kan kalles kjedelige. Men i motsetning til «normale» malerier, påvirker Hoppers arbeid på en ukjent måte selve synsnerven og etterlater betrakteren i tankene i lang tid. Hva er mysteriet her?

Akkurat som en kule med forskjøvet tyngdepunkt treffer hardere og mer smertefullt, slik er det semantiske og kompositoriske tyngdepunktet i Hoppers malerier fullstendig forskjøvet inn i et slags imaginært rom utenfor selve bildet. Og i dette ligger hovedgåten, og av denne grunn blir maleriene på en eller annen måte de semantiske negativene til vanlige malerier, bygget etter alle billedkunstens regler.

Det er fra dette kunstrom og et mystisk lys strømmer, som innbyggerne i maleriene ser ut som om de er trollbundet. Hva er det - de siste strålene fra solnedgangen, lyset fra en gatelykt eller lyset fra et uoppnåelig ideal?

Til tross for de bevisst realistiske plottene til maleriene og asketiske kunstneriske teknikker, sitter ikke betrakteren igjen med en følelse av unnvikende virkelighet. Og det ser ut til at Hopper bevisst gir tilskueren et triks for synlighet slik at tilskueren ikke kan skjelne det viktigste og viktigste bak de falske trekkene. Er det ikke det virkeligheten rundt oss gjør?

Et av Hoppers mest kjente malerier er NightHawks. Foran oss er et panorama nattgate. En lukket tom butikk, de mørke vinduene i bygningen overfor, og på vår side av gaten - et utstillingsvindu av en nattkafé, eller som de heter i New York - dykk, der det er fire personer - ektepar, en ensom mann som nipper til sin longdrink, og en bartender ("Vil du ha den med eller uten is?"). Å nei, selvfølgelig tok jeg feil - en mann i en hatt som ser ut som Humphrey Bogart og en kvinne i en rød bluse er ikke mann og kone. Snarere er de hemmelige elskere, eller ... Er mannen til venstre en speildobbel av den første? Alternativer multipliseres, et plot vokser ut av understatement, slik det skjer under en spasertur rundt i byen når du ser inn i åpne vinduer avlytting av slumper av samtaler. Uferdige bevegelser, uklare betydninger, ubestemte farger. En forestilling vi ikke ser fra begynnelsen og som neppe vil se finalen. I beste fall en av handlingene. Dårlige skuespillere og en dårlig regissør.

Det er som om vi titter gjennom en sprekk inn i andres umerkelige liv, men så langt skjer ingenting - men er det vanlig liv så ofte skjer det noe. Jeg ser ofte for meg at noen langveisfra ser på livet mitt - her sitter jeg i en lenestol, her reiste jeg meg, skjenket te - ikke noe mer - de gjesper sikkert av kjedsomhet ovenpå - det er ingen vits eller plot. Men for å lage et plot er det ganske enkelt nødvendig med en ekstern løsrevet observatør, som avskjærer det overflødige og introduserer tilleggsbetydninger - slik blir fotografier og filmer født. Snarere gir selve bildenes interne logikk opphav til plottet.

Edward Hopper. "Hotellvindu"

Kanskje er det vi ser i Hoppers malerier bare en imitasjon av virkeligheten. Kanskje dette er utstillingsdukkenes verden. En verden som liv er fjernet fra, er som skapningene i flaskene til Zoologisk museum, eller utstoppede hjort, som bare de ytre skallene gjenstår fra. Noen ganger skremmer Hoppers malerier meg med denne monstrøse tomheten, det absolutte vakuumet som skinner gjennom hvert slag. Veien til absolutt tomhet startet av Black Square endte med Hotel Window. Det eneste som ikke tillater oss å kalle Hopper en fullstendig nihilist, er nettopp dette fantastiske lyset utenfra, disse uferdige gestene til karakterene, som understreker atmosfæren til den mystiske forventningen til viktig begivenhet, som ikke skjer. Det virker for meg som Dino Buzzati og hans "Tatar Desert" kan betraktes som en litterær analog av Hoppers verk. Gjennom hele romanen skjer det absolutt ingenting, men atmosfæren av forsinket handling gjennomsyrer hele romanen – og i påvente av store hendelser leser man romanen til slutt, men ingenting skjer. Maleri er mye mer kortfattet enn litteratur, og hele romanen kan illustreres med Hoppers maleri «People in the Sun» alene.

Edward Hopper. "Folk i solen"

Hoppers malerier blir et slags bevis på det motsatte - slik forsøkte middelalderfilosofer å bestemme Guds egenskaper. Mørkets nærvær beviser eksistensen av lys. Kanskje dette er hva Hopper gjør - viser en grå og kjedelig verden, han er bare med denne subtraksjonshandlingen negative egenskaper antyder eksistensen av andre realiteter som ikke kan reflekteres med de midlene som er tilgjengelige for å male. Eller, med ordene til Emil Cioran, «vi kan ikke forestille oss evigheten på noen annen måte enn å eliminere alt som skjer, alt som er målbart for oss».

Og likevel er Hoppers malerier forent av ett plot, ikke bare innenfor rammen av kunstnerens biografi. I sekvensen deres representerer de en serie bilder som en spionerende engel ville se fly over verden, se inn i vinduene til kontorskyskrapere, gå inn i usynlige hus, spionere på vårt umerkelige liv. Dette er hvordan Amerika er, sett med en engels øyne, med sine endeløse veier, endeløse ørkener, hav, gater der du kan studere det klassiske perspektivet. Og skuespillerne, litt som mannekenger fra nærmeste supermarked, litt som mennesker i sin lille ensomhet midt i en stor lys verden, blåst av alle vindene.

Edward Hopper (Edward Hopper) kunsthistorikere gir forskjellige navn. «Kunstner av tomme rom», «tidens poet», «dyster sosialistisk realist». Men uansett hvilket navn du velger, endrer det ikke essensen: Hopper er en av de flinkeste representantene Amerikansk maleri, hvis verk ikke kan la noen være likegyldige.

Bensinstasjon, 1940

Den amerikanske kreative metoden tok form under den store depresjonen i USA. Ulike forskere av Hoppers arbeid har en tendens til å finne ekko i verkene hans med forfatterne Tennessee Williams, Theodore Dreiser, Robert Frost, Jerome Salinger, med kunstnerne DeKirko og Delvaux, senere begynner de å se en refleksjon av arbeidet hans i filmverkene til David Lynch ...

Det er ikke sikkert kjent om noen av disse sammenligningene har et reelt grunnlag, men én ting er klart: Edward Hopper klarte på en svært subtil måte å skildre tidsånden, formidle den i heltenes posisjoner, i de tomme rommene på lerretene hans. , i et unikt fargevalg.

Dette omtales som representanter for magisk realisme. Faktisk er karakterene hans, miljøet han plasserer dem i, helt enkle i innenlandsk plan. Likevel reflekterer lerretene hans alltid en slags understatement, reflekterer alltid en skjult konflikt, gir opphav til det meste ulike tolkninger. Noen ganger når det til det absurde. For eksempel ble maleriet hans "Nattkonferanse" returnert av samleren til selgeren, fordi han så en skjult kommunistisk konspirasjon i det.

Kveldsmøte, 1949

Mest kjent maleri Hopper - "Nattugler". På en gang hang reproduksjonen på rommet til nesten alle amerikanske tenåringer. Handlingen i bildet er ekstremt enkel: I vinduet på en nattkafé sitter tre besøkende ved bardisken, de blir servert av en bartender. Det virker som ingenting bemerkelsesverdig, men alle som ser på bildet av en amerikansk kunstner, føler nesten fysisk den transcendente, vonde følelsen av ensomheten til en person i en storby.

Midnighters, 1942

Hoppers magiske realisme ble ikke akseptert av hans samtidige på den tiden. Med en generell trend mot mer "interessante" metoder - kubisme, surrealisme, abstraksjonisme - virket maleriene hans kjedelige og uuttrykkelige.
«De forstår aldri Hopper sa, at originaliteten til kunstneren ikke er en fasjonabel metode. Dette er kvintessensen av hans personlighet."

I dag regnes hans arbeid ikke bare som en milepæl i amerikansk kunst, men et kollektivt bilde, tidsånden hans. En av hans biografier skrev en gang: "Etterkommere vil lære mer om den tiden fra maleriene til Edward Hopper enn fra noen lærebok." Og kanskje på en måte har han rett.

Hver nasjonal skole maleri kan markere flere av sine beste representanter. Akkurat som russisk maleri fra 1900-tallet er umulig uten Malevich, er det også amerikansk maleri uten Edward Hopper . Det er ingen revolusjonerende ideer og akutte temaer i verkene hans, det er ingen konflikter og komplekse plott, men alle er gjennomsyret av en spesiell atmosfære som vi ikke alltid er i stand til å føle i. Hverdagen. Hopper brakte amerikansk maleri til verdensnivå. Hans tilhengere var David Lynch og andre senere artister.

Kunstnerens barndomsår og ungdom

Edward Hopper ble født i 1882, i Nuascu. Familien hans hadde en gjennomsnittlig inntekt, og var derfor i stand til å gi unge Edward en skikkelig utdannelse. Etter å ha flyttet til New York i 1899, studerte han ved School of Advertising Artists og gikk deretter inn på den prestisjetunge Robert Henry School. Foreldre var veldig støttende ung kunstner og prøvde å utvikle talentet sitt.

Tur til Europa

Etter endt utdanning Edward Hopper jobbet bare ett år i reklamebyrået i New York og dro allerede i 1906 til Europa. Denne turen skulle åpne for ham de allerede kjente kunstnerne fra andre skoler, for å introdusere ham for Picasso, Manet, Rembrandt, El Greco, Degas og Hals.

Konvensjonelt kan alle kunstnere som har besøkt Europa eller studert der, deles inn i tre kategorier. Den første reagerte umiddelbart på eksisterende erfaring store mestere og raskt erobret hele verden med sin innovative stil eller genialiteten til arbeidet deres. Picasso tilhører selvsagt i større grad denne kategorien. Andre, faktisk egen karakter eller andre grunner, forble ukjent, selv om det er veldig dyktige artister. Atter andre (som er mer anvendelig for russiske malere) tok den ervervede erfaringen med seg til hjemlandet og skapte sine beste verk der.

Men allerede i denne perioden er isolasjonen og originaliteten til stilen iverkene til Edward Hopper. I motsetning til alle unge artister, brenner han ikke for noen nye skoler og teknikker og tar alt ganske med ro. Med jevne mellomrom returnerte han til New York, og dro deretter igjen til Paris. Europa har ikke fanget det helt. Imidlertid ville det være feil å anta at en slik holdning karakteriserer Hopper som en infantil eller en person som ikke fullt ut kan sette pris på den allerede eksisterende briljante kunstneriske arven til andre mestere. Dette er akkurat stilen til kunstnerenEdward Hopper - innytre ro og ro, bak som det alltid er en dyp mening.

Etter Europa

Som allerede nevnt ble alle mesternes verk produsert på Edward Hopper et levende, men kortvarig inntrykk. Han ble raskt interessert i teknikken og stilen til denne eller den forfatteren, men vendte alltid tilbake til sin egen. Degas beundret ham også i størst grad. Det kan sies at stilene deres til og med gjentok. Men verkene til Picasso, som Hopper selv sa, la han ikke engang merke til. Det er ganske vanskelig å tro på et slikt faktum, for Pablo Picasso var kanskje den mest kjente blant kunstnere. Faktum gjenstår imidlertid.

Etter at han kom tilbake til New York, forlot Hopper aldri Amerika.

Komme i gang på egenhånd

Veien til Edward Hopper, selv om den ikke var fylt med dramaer og skarpt dissonante skandaler, var fortsatt ikke lett.

I 1913 kom kunstneren tilbake til New York for alltid, og slo seg ned i et hus på Washington Square. Begynnelsen på en karriere ser ut til å gå bra – den førstemaleri av Edward Hopperble solgt i samme 1913. Imidlertid tar denne suksessen midlertidig slutt. Hopper viste først arbeidet sitt på Armory Show i New York, som ble tenkt som en utstilling av samtidskunst. Her spilte Edward Hoppers stil med det dårlig spøk- på bakgrunn av avantgarde-malerier av Picasso, Picabia og andre malere, så Hoppers malerier ganske beskjedne og til og med provinsielle ut. Ideen hans ble ikke forstått av hans samtidige.Malerier av Edward Hopperble oppfattet av både kritikere og seere som vanlig realisme, uten noen kunstnerisk verdi. Slik begynner den stille perioden. Hopper opplever økonomiske vanskeligheter, så han blir tvunget til å ta stillingen som illustratør.

Før anerkjennelse

Edward Hopper opplever situasjonens vanskeligheter og tar på seg private bestillinger for kommersielle publikasjoner. For en stund forlater kunstneren til og med maleri og arbeider i teknikken for etsing - gravering, som hovedsakelig utføres på en metalloverflate. På 1910-tallet var det etsing som var mest tilpasset trykkerivirksomhet. Hopper hadde aldri vært i tjenesten, så han måtte jobbe med stor flid. I tillegg påvirket denne situasjonen også helsen hans - ofte falt kunstneren i alvorlig depresjon.

På bakgrunn av dette kan det antas at Edward Hopper som maler kunne miste sine ferdigheter i de årene han ikke malte. Men dette skjedde heldigvis ikke.

Tilbake etter "stillhet"

Som ethvert talent trengte Edward Hopper hjelp. Og i 1920 var kunstneren så heldig å møte en viss Gertrude Whitney, en veldig velstående kvinne som var veldig interessert i kunst. Hun var datteren til den da kjente millionæren Vanderbilt, så hun hadde råd til å være kunstens beskytter. Så Gertrude Whitney ønsket å samle arbeidet til amerikanske kunstnere og, selvfølgelig, hjelpe dem og gi betingelser for arbeid.

Så i 1920 organiserte hun for Edward Hopper hans første utstilling. Nå reagerte publikum på arbeidet hans med stor interesse. Slikmalerier av Edward Hopper,som "Evening Wind" og "Night Shadows", samt noen av etsningene hans.

Det var imidlertid ennå ikke en dundrende suksess. Og Hoppers økonomiske situasjon ble knapt bedre, så han ble tvunget til å fortsette å jobbe som illustratør.

Etterlengtet anerkjennelse

Etter flere år med "stillhet" vender Edward Hopper fortsatt tilbake til å male. Han har håp om at talentet hans vil bli verdsatt.

I 1923 gifter Hopper seg med Josephine Verstiel, en ung kunstner. Familielivet deres var ganske vanskelig - Jo var sjalu på mannen sin og forbød ham til og med å tegne naken kvinnelig natur. Slike detaljer om det personlige livet er imidlertid ikke viktige for oss. Interessant nok var det Jo som rådet Hopper til å prøve seg med akvarell. Og vi må hylle, denne stilen førte ham til suksess.

Den andre utstillingen ble arrangert på Brooklyn Museum. Seks verk av Edward Hopper ble presentert her. Museet anskaffet et av maleriene for sin utstilling. Dette et utgangspunkt kreativt oppsving i kunstnerens liv.

Dannelse av stil

Det var i perioden da Edward Hopper valgte akvarell som sin hovedteknikk at maleriet hans endelig krystalliserte seg. egen stil. Hoppers malerier viser alltid helt enkle situasjoner – mennesker i sin naturlige form, i vanlige byer. Men bak hvert slikt plott ligger et subtilt psykologisk bilde som gjenspeiler dype følelser og sinnstilstander.

For eksempel, Night Owls av Edward Hopperved første øyekast kan de virke for enkle - bare en nattkafé, en kelner og tre besøkende. Dette bildet har imidlertid to historier. I følge en versjon dukket "Nattugler" opp som et resultat av inntrykk fra Van Goghs "Nattkafé i Arles". Og ifølge en annen versjon var handlingen en refleksjon av E. Hemingways historie «The Killers». Filmen "The Killers" ble skutt i 1946 og regnes med rette som personifiseringen av ikke bare litterær kilde, men også stilen til Hoppers maleri. Det er viktig å merke seg det"Nighthawks" av Edward Hopper(referert til som "Midnighters") påvirket i stor grad stilen til en annen artist - David Lynch.

Samtidig forlater ikke Hopper teknikken med etsning. Selv om han ikke lenger opplevde økonomiske vanskeligheter, fortsatte han å lage graveringer. Denne sjangeren påvirket selvfølgelig også mesterens maleri. En særegen kombinasjon av teknikker fikk plass i mange av verkene hans.

Tilståelse

Siden 1930 har Hoppers suksess blitt irreversibel. Verkene hans får mer og mer popularitet og er til stede i utstillingene til nesten alle museer i Amerika. Bare i 1931 ble rundt 30 av maleriene hans solgt. To år senere er New York Museum vertskap for hans separatutstilling. Med forbedringen av den materielle tilstanden forvandles også Hoppers stil. Han har mulighet til å reise utenfor byen og male landskap. Så, i tillegg til byen, begynner kunstneren å male små hus og natur.

Stil

I Hoppers verk ser bildene ut til å fryse, stoppe. Alle de detaljene som er umulige å fange i hverdagen, for å vurdere deres betydning, blir synlige. Dette rettferdiggjør delvis regissørenes interesse for Hoppers malerier. Maleriene hans kan sees som de skiftende rammene i en film.

Hoppers realisme er veldig tett sammenvevd med symbolikk. Et av triksene er åpne vinduer og dører som et uttrykk for klingende ensomhet. Til en viss grad reflekterte denne symbolikken forfatterens sinnstilstand. De litt på gløtte vinduene i rommene, dørene til kafeen, hvor det kun er én besøkende, viser én person blant stor verden. Mange år alene på jakt etter en mulighet til å skape satte sitt preg på kunstnerens holdning. Og på bildene er sjelen til en person så å si åpen, utstilt, men ingen legger merke til den.

Du kan for eksempel se på Edward Hoppers maleri «Reclining nude». Bildet av en naken jente ser ut til å være mettet med apati og stillhet. Og det rolige fargevalget og ustabiliteten til akvarell understreker denne tilstanden av lykke og tomhet. En hel handling tegnes mentalt - en ung kvinne i et tomt rom, fordypet i tankene hennes. Dette er en annen karakteristisk Hoppers verk er en mulighet til å forestille seg situasjonen, omstendighetene som brakte heltene inn i nettopp et slikt miljø.

Glass ble et annet viktig symbol i mesterens malerier. De samme «Midnighters» viser oss karakterene gjennom kafévinduet. Dette trekket kan sees veldig ofte i Hoppers arbeid. Ensomheten til karakterene kommer også til uttrykk på denne måten. Manglende evne eller manglende evne til å starte en samtale - dette er glasset. Den er gjennomsiktig og noen ganger til og med umerkelig, men fortsatt kald og sterk. Som en slags barriere som isolerer heltene fra hele verden. Dette kan sees i maleriene "Automatic", "Morning Sun", "Office in New York".

Modernitet

Inntil slutten av livet sluttet ikke Edward Hopper å jobbe. Min siste bilde«Komikere» skapte han bare to år før sin død. Kunstneren deltok i alle utstillingene til Whitney Hall, et museum laget av hans skytshelgen, Gertrude Whitney. I 2012 ble 8 kortfilmer dedikert til artisten utgitt. Enhver person, selv litt kjent med arbeidet hans, vil si detNighthawks av Edward Hopperdette er et av hans mest kjente malerier. Reproduksjoner av verkene hans er nå etterspurt over hele verden, og originalene er høyt verdsatt. Det unike med talentet hans var fortsatt i stand til å bryte gjennom det avantgardistiske fasjonable på den tiden kritiske synspunkter offentlig, vanskelighetene ved en arbeidsledig stilling. Maleriene til Edward Hopper kom inn i maleriets historie som veldig tynne psykologisk arbeid erobrende med sin dybde og diskréhet.