Portrett av en herre med hånden på brystet. Ridder med hånden på brystet Greco mannsportrett med hånden på brystet
El caballero de la mano en el pecho"Ridder med en hånd på brystet"- maleri av den spanske kunstneren El Greco, malt i Toledo rundt 1580. Mest kjent for sin serie samfunnsportretter av ukjente caballeros i svarte kapper og hvite kuttere mot mørk bakgrunn. For tiden lagret i Prado.
Caballero-stillingen kan bety å avlegge en ed, eller vise tillit når man inngår en kontrakt, eller adelig fødsel karakter, eller til og med et hemmelig betinget signal. Et gyldent sverd og medaljong indikerer rikdom og tilhørighet til det høye samfunnet. Karakterens utseende er typisk for en adelsmann fra den spanske gullalderen. Under restaureringen av maleriet viste det seg at bakgrunnen i utgangspunktet ikke var svart, men lysegrå, men over tid ble maleriet mørkere. Rikdommen av nyanser på mørke klær indikerer påvirkningen fra den venetianske malerskolen på El Greco.
Det ble tidligere antatt at "Ridderen med hånden på brystet" er et portrett av Cervantes, men nå er de fleste kunsthistorikere tilbøyelige til å tro at portrettet skildrer Juan de Silva y Ribera, tredje markis av Montemayor og alcalde av Alcazar av Toledo. Kunstkritiker Alex Burghart og kunstner Robert Shrive tillater muligheten for at dette er et selvportrett av kunstneren.
Skriv en anmeldelse om artikkelen "Ridder med en hånd på brystet"
Notater
Utdrag som karakteriserer ridderen med hånden på brystet
«Tvert imot, alt ser ut til å være bra, kusine,» sa Pierre med den vanen med lekenhet som Pierre, som alltid flau utholdt sin rolle som velgjører foran prinsessen, tilegnet seg i forhold til henne.– Ja, det er bra... god trivsel! I dag fortalte Varvara Ivanovna meg hvor forskjellige troppene våre er. Du kan sikkert tilskrive det ære. Og folket har gjort helt opprør, de slutter å lytte; Jenta mi begynte å være frekk også. Snart begynner de å slå oss også. Du kan ikke gå på gata. Og viktigst av alt, franskmennene vil være her i morgen, hva kan vi forvente! "Jeg ber om en ting, mon fetter," sa prinsessen, "beordre meg til å bli tatt til St. Petersburg: Uansett hva jeg er, kan jeg ikke leve under Bonapartes styre."
- Kom igjen, kusine, hvor får du informasjonen din fra? Imot…
- Jeg vil ikke underkaste meg din Napoleon. Andre vil ha det... Hvis du ikke vil gjøre det...
- Ja, jeg skal gjøre det, jeg bestiller det nå.
Prinsessen var tilsynelatende irritert over at det ikke var noen å være sint på. Hun satte seg på en stol og hvisket noe.
"Men dette blir formidlet til deg feil," sa Pierre. "Alt er stille i byen, og det er ingen fare." Jeg leste akkurat nå...” Pierre viste prinsessen plakatene. – Greven skriver at han svarer med livet sitt at fienden ikke vil være i Moskva.
"Å, denne greven din," sa prinsessen sint, "er en hykler, en skurk som selv oppfordret folket til å gjøre opprør." Var det ikke han som skrev i de dumme plakatene at hvem han enn var, dra ham etter emblemet til utgangen (og så dum)! Den som tar det, sier han, vil ha ære og ære. Så jeg var ganske fornøyd. Varvara Ivanovna sa at folket hennes nesten drepte henne fordi hun snakket fransk...
"Ja, det er så... Du tar alt veldig til deg," sa Pierre og begynte å spille kabal.
Til tross for at kabalen hadde fungert, dro ikke Pierre til hæren, men forble i det tomme Moskva, fortsatt i den samme angsten, ubesluttsomheten, i frykt og samtidig i glede, og ventet noe forferdelig.
Dagen etter dro prinsessen om kvelden, og sjefssjefen hans kom til Pierre med nyheten om at pengene han krevde for å utstyre regimentet ikke kunne fås med mindre én eiendom ble solgt. Daglig leder forklarte generelt overfor Pierre at alle disse foretakene til regimentet var ment å ødelegge ham. Pierre hadde problemer med å skjule smilet sitt mens han lyttet til managerens ord.
"Vel, selg den," sa han. - Hva kan jeg gjøre, jeg kan ikke nekte nå!
Det er nesten ingen bevis igjen om livet til kreteneren Domenico Theotokopouli, kunstneren som erobret spanske Toledo under navnet El Greco, det vil si grekeren. "Dårskapene" til karakteren hans og den merkelige billedmessige måten forbløffet mange og tvang dem til å ta opp pennen - men bare noen få bokstaver har overlevd. En av dem inneholder følgende linjer: «... været var vakkert, vårsolen skinte mildt. Det ga glede for alle, og byen så festlig ut. Se for deg min overraskelse da jeg gikk inn i El Grecos studio og så at skoddene på vinduene var lukket, og derfor var det vanskelig å se hva som var rundt. El Greco satt selv på en krakk og gjorde ingenting, men våken. Han ønsket ikke å gå ut med meg, fordi sollyset ifølge ham forstyrret hans indre lys...»
Det er nesten ingen bevis igjen om mannen Domenico, bare ekko: at han levde i storslått stil, holdt et rikt bibliotek, leste mange filosofer og også saksøkte klienter (de elsket ham, men oftere forsto han ham ikke), døde nesten i fattigdom - som de tynne strålene av dagslys bryter lyset gjennom sprekkene i de "lukkede skodder" i livet hans. Men de distraherer ikke fra det viktigste - fra det indre lyset som fyller maleriene til kunstneren El Greco. Spesielt portretter.
Det er ingen landskap som åpner seg bak personen som blir portrettert, det er ingen overflod av detaljer som tiltrekker et nysgjerrig blikk. Selv heltens navn er ofte utelatt fra bildet. Fordi alt dette ville hindre deg i å se ansiktet. Og øyne, dype, mørke, ser rett på deg. Det er vanskelig å rive deg løs fra dem, og hvis du tvinger deg selv til å se gesten, stopper du opp igjen i tankene.
Dette er "Portrettet av en kavaler med hånden på brystet" (1577-1579), malt av mesteren kort tid etter at han flyttet til Toledo. Dette portrettet er anerkjent som et av de beste i spansk maleri på 1500-tallet. Outlander El Greco skapte "levende bilder spansk liv og historie", som fanger opp "ekte levende vesener, som i seg selv kombinerer alt som bør beundres i vårt folk, alt heroisk og ukuelig, med de motsatte egenskapene som ikke kan annet enn å reflekteres uten å ødelegge selve essensen" (A. Segovia). Aristokrater fra de gamle familiene til Toledo ble de sanne heltene til El Greco, han så dem Indre lys- deres edelhet og verdighet, plikttroskap, intelligens, forfining av oppførsel, mot, ytre tilbakeholdenhet og indre impuls, hjertets styrke, som vet hva det lever og dør for...
Dag etter dag stopper besøkende til Prado-galleriet foran den ukjente hidalgoen, overrasket med ordene: «Som levende...» Hvem er han, denne ridderen? Hvorfor åpner han hjertet sitt med en slik oppriktighet? Hvorfor er øynene hans så attraktive? Og denne edsgesten? Og sverdets feste?.. Ut fra disse spørsmålene ble det kanskje født en legende om at personen som er avbildet i portrettet er en annen stor spanjol: Miguel de Cervantes. En kriger og forfatter som fortalte verden historien om en ridder med trist bilde, som ble gitt den samme guddommelige gaven som El Greco - å se mennesker som de burde være, å se deres indre lys...
til magasinet "Man Without Borders"
Kanskje et av de tidligste portrettene av El Greco laget i Spania er det såkalte "Portrettet av en kavaler med hånden på brystet" (ca. 1577-1579). Dette bevises først og fremst av en mer tradisjonell, mørk malerstil bygget på nyanser av brunlige toner med et tett, glatt penselstrøk. En psykologisk nøytralitet i tolkningen er typisk, som senere vil vike for en mye mer aktiv karakterisering.
Dette berømte portrettet av El Greco representerer så å si et kanonisk bilde av en adelsmann i sin tid. Elegant, veldig rolig, med høyre hånd på brystet i en gest av ed eller overbevisning, legemliggjør den ukjente caballero karakteristikken til det spanske aristokratiet samfunngo, altså uttrykket i utseende likevekt, tilbakeholdenhet, verdighet.
Håndtaket til Toledo-sverdet er en veltalende detalj av hans strenge utseende, en svart dress dekorert med høy krage og mansjetter laget av snøhvit blonder. Antonina Vallantin bemerker med rette at denne typen spanjoler penetrerte scenen og allerede levde på sidene av romaner, men for å bli avbildet, måtte han vente på El Grecos ankomst til Toledo.
Portrettet har imidlertid intern inkonsekvens, siden det ideelle aspektet av bildet ikke helt samsvarer med personligheten til personen som blir portrettert - er en lite meningsfull natur avbildet. Inntrykket oppnås av lerretets billedstruktur, der ansiktet og hånden med et symbolsk arrangement av fingre kommer frem fra den mørke bakgrunnen som lyse flekker; Den dyrebare skjønnheten til tynne, glitrende blonder og sverdets feste, som om de henger i luften, får spesiell skjørhet. Frigjøringen av caballeroens blikk, utstyrt med den typiske Elgrekens merkelige øyne, forsterker bildets uttrykksfullhet.
Mann i kunstens speil: portrettsjanger
Portrett(Fransk portrett) - et bilde av en bestemt person eller gruppe mennesker. Portrettsjangeren ble utbredt i antikken innen skulptur, og deretter innen maleri og grafikk. Men ytre likhet er ikke det eneste en kunstner må formidle. Det er mye viktigere når mesteren overfører den indre essensen til en person til lerretet og formidler tidens atmosfære. Skilleinngangsdør Og kammer portretter. Det er portretterdobler Og gruppe. De er ment å dekorere statsrom, og å prise visse personer, og å bevare minnet om mennesker forent av profesjonelle, åndelige og familiebånd. Spesiell kategoribeløper seg til selvportrett, som kunstneren skildrer seg selv på.
Hvilke som helst av portrettene kan tilskrives enten et psykologisk portrett eller
til en portrett-karakter, eller til en portrett-biografi.
Kunst hjelper å kjenne en person. Ikke bare for å se hans ytre utseende
ansikt, men også for å forstå dens essens, karakter, humør, etc. Portrettet er nesten
alltid realistisk. Tross alt er hovedmålet anerkjennelsen av det avbildededet er en person på den. Imidlertid er vanligvis ikke kunstnerens oppgave å nøyaktigkopiering eksterne funksjoner modeller, ikke en imitasjon av naturen, men en "bildemessig gjenskaping" av bildet av en person. Det er ikke tilfeldig at ønsket dukker oppbare kjenne deg igjen i portrettet, og kanskje til og med oppdage noe nytt i seg selv.
Betrakteren formidler ufrivillig kunstnerens holdning til modellen. Viktig
er alt som uttrykker følelser, holdning til livet, mot mennesker: ansiktsuttrykk
avbildet ansikt, øyeuttrykk, leppelinje, hodevending, holdning,
gest.
Ofte tolker vi et verk fra perspektivet til en person i dag
dag, tillegger vi karaktertrekkene som er helt uvanlige for hans tid, det vil si at vi streber etter å forstå det ukjente gjennom det kjente.
Det er også veldig viktig å vise den sosiale posisjonen til personen som blir portrettert, for å skape et typisk bilde av en representant for en viss epoke.
Som sjanger dukket portretter opp for flere tusen år siden i antikkens kunst. Blant freskene til det berømte Knossos-palasset, funnet av arkeologer under utgravninger på øya Kreta, er det hele linjen billedlige bilder av kvinner knyttet til XVI århundre f.Kr. Selv om forskere kalte disse bildene "hoffdamer", vet vi ikke hvem de kretiske mestrene prøvde å vise - gudinner, prestinner eller edle damer kledd i elegante kjoler.
"Pariser". Freske fra Knossos-palasset, 1500-tallet f.Kr.
Det mest kjente portrettet av en ung kvinne, kalt "Parisian Woman" av forskere. Vi ser foran oss et profilbilde (i henhold til datidens kunsttradisjoner) av en ung kvinne, veldig flørtende og ikke neglisjerende kosmetikk, som det fremgår av øynene hennes, skissert i en mørk kontur og lyst malte lepper.
Kunstnerne som skapte freskoportretter av sin samtid, fordypet seg ikke i modellenes egenskaper, og den ytre likheten i disse bildene er veldig relativ.
Religiøse ideer i det gamle Egypt knyttet til kulten
død, bestemte ønsket om å formidle en portrettliknelse i et skulpturelt bilde av en person: sjelen til den avdøde måtte finne sin beholder.
På begynnelsen av 1900-tallet. arkeologer har oppdaget et fantastisk portrett av dronning Nefertiti for hele verden.
Opprettet i XIV århundre f.Kr e.,dette bildet overrasker med glattheten til profillinjene, den fleksible nakkens ynde, den luftige lettheten og flytende overgangene til de uregelmessige, men sjarmerende trekkene i en kvinnes ansikt.
Nefertiti var ikke bare dronningen av Egypt, hun ble æret som en gudinne. Den mest kjente og kanskje vakreste av de egyptiske faraoenes koner bodde sammen med sin kronede ektemann i et enormt, luksuriøst palass på den østlige bredden av Nilen.
I antikkens Hellas kunst er en spesiell plass okkupert av generaliserte, idealiserte bilder av helter eller guder. I sammenslåingen av det åndelige og fysiskekunstnere og skulptører så legemliggjørelsenmenneskets skjønnhet og harmoni. 
I sin berømte "Discoball", skulptøren fra det 5. århundre. f.Kr e Miron streber først og fremst etter å formidle en følelse av bevegelse med stabilitet og monumentalitet av kroppens linjer, uten å fokusere publikums oppmerksomhet på ansiktstrekkene. 
Statuen av Afrodite, gudinnen for kjærlighet og skjønnhet, skulpturert av billedhuggeren Praxiteles på 400-tallet utstråler spesiell ømhet og varme. f.Kr. for et tempel på øya Kreta. Det er ingen guddommelig storhet i dette bildet, bildet pusterfantastisk fred og kyskhet. 
Portrettet av Caracalla fanger bildet av en sterk, ond og kriminell mann. Strikkede øyenbryn, en rynket panne, et mistenksomt, mysende blikk og sensuelle lepper forbløffer med kraften i egenskapene. Et sterkt hode er satt på en tykk, muskuløs nakke. Bratte hårkrøller presses tett til hodet og understreker dens runde form. De har ikke en dekorativ karakter, som i forrige periode. En liten asymmetri i ansiktet formidles: høyre øye er mindre og plassert under venstre, munnlinjen er skråstilt. Skulptøren som skapte dette portrettet hadde all rikdommen av virtuose marmorbehandlingsteknikker; all hans dyktighet var rettet mot å skape et verk som med ytterste uttrykksfullhet formidler de fysiske og mentale egenskapene til Caracallas personlighet.
Det romerske portrettet er assosiert med kulten av forfedre, med ønsket om å bevare deres utseende for ettertiden. Dette bidro til utviklingen av realistiske portretter. Han kjennetegnes av de individuelle egenskapene til en person: storhet,
tilbakeholdenhet eller grusomhet og despoti, spiritualitet eller arroganse.
Portrettsjangerens storhetstid begynte i renessansen, da verdens viktigste verdi ble en aktiv og målrettet person, i stand til å endre denne verden og gå mot oddsen. På 1400-tallet begynte kunstnere å lage uavhengige portretter, som viste modeller mot bakteppet av panoramiske majestetiske landskap.
B. Pinturicchio. "Portrett av en gutt", kunstgalleri, Dresden
Pinturicchio (Pinturicchio) (ca. 1454-1513) Italiensk maler fra den tidlige renessansen, først og fremst kjent for sine bemerkelsesverdige fresker.
Dette er "Portrait of a Boy" av B. Pinturicchio. Tilstedeværelsen av fragmenter av naturen i portretter skaper imidlertid ikke integritet, enhet av en person og verden rundt ham; personen som blir portrettert ser ut til å skjule det naturlige landskapet. Bare i portretter fra 1500-tallet oppstår harmoni, et slags mikrokosmos
Portrettkunst fra renessansen ser ut til å kombineres
testamenter fra antikken og middelalderen. Det høres høytidelig ut igjen
en salme til en mektig mann med sitt unike fysiske utseende, åndelige verden, individuelle karaktertrekk og temperament.
En anerkjent mester i portrettsjangeren var den tyske kunstneren Albrecht Durer, hvis selvportretter fortsatt gleder seerne og fungerer som et eksempel for kunstnere.
I "Selvportrett" Albrecht Durer(1471–1528) gjettes ønsket kunstner for å finne en idealisert helt. Bilder av universelle genier fra 1500-tallet, mestere fra høytiden Renessanse - Leonardo da Vinci og Rafael Santi - personifiser ideell person den tiden.
Michelangelo da Caravaggio(1573-1610) Italiensk "Lute Player" St. Petersburg, State Hermitage Museum
Blant de berømte portrettmesterverkene fra den tiden er "The Lute Player" Michelangelo da Caravaggio(1573-1610), der kunstneren utvikler et motiv hentet fra den virkelige hverdagen.
El Greco(1541-1614) Spania. Portrett av en mann med hånden på brystet
På slutten av det 16. århundre i arbeidet til den spanske kunstneren El Greco
(1541-1614) dukker det opp en ny type portrett, hvor ikkeden vanlige interne konsentrasjonen til en person, intensiteten til hansåndelig liv, absorpsjon i ens egen indre verden. For å gjøre dette bruker kunstneren skarpe lyskontraster, originalefarge, rykkete bevegelser eller frosne positurer. De bleke langstrakte ansiktene han fanget utmerker seg ved deres spiritualitet og unike skjønnhet.ansikter med store mørke, tilsynelatende bunnløse øyne.I XVII århundre viktig plass i Europeisk maleri okkupert av et intimt (kammer)portrett, hvis formål er å vise en persons sinnstilstand, hans følelser og følelser. Den nederlandske kunstneren Rembrandt, som malte mange sjelfulle bilder, ble en anerkjent mester i denne typen portretter.
«Portrait of an Old Lady» (1654) er gjennomsyret av oppriktig følelse, og disse verkene presenterer betrakteren for vanlige mennesker som verken har edle forfedre eller rikdom. Men for Rembrandt, som åpnet en ny side i portrettsjangerens historie, var det viktig å formidle den åndelige godheten til modellen hans, hennes virkelig menneskelige egenskaper.
På 1600-tallet hovedkriteriet for kunstnerskap blir materiell verden, oppfattet gjennom sansene. I portrettet erstattet imitasjon av virkeligheten uforståeligheten og uforklarligheten til en persons mentale manifestasjoner og hans mangfoldige åndelige impulser. Sjarmen til myk fløyel og luftig silke, myk pels og skjørt glass, mykt, matt lær og glitrende hardt metall formidles på dette tidspunktet med høyeste dyktighet.
Portretter av den store nederlenderen Rembrandt(1606-1669) regnes ikke uten grunn som toppen av portrettkunst. De fikk med rette navnet på portretter-biografier. Rembrandt har blitt kalt lidelsens og medfølelsens dikter. Mennesker som er beskjedne, trengende, glemt av alle er nære og kjære for ham. Kunstneren behandler de "ydmykede og fornærmede" med spesiell kjærlighet. Når det gjelder arten av hans kreativitet, sammenlignes han med F. Dostojevskij. Hans portrettbiografier gjenspeiler en kompleks skjebne full av motgang og motgang vanlige folk som til tross for de harde prøvelsene som rammet dem, ikke har mistet sin menneskeverd og varme.
Har så vidt passert terskelen som skiller 1600-tallet. fra XVIII vil vi se i portrettene en annen type mennesker, forskjellig fra deres forgjengere. Høvisk aristokratisk kultur brakte rokokko-stilen i forgrunnen med sine sofistikerte, forførende, omtenksomt sløve, drømmende fraværende bilder.
Tegne portretter av kunstnere Antoine Watteau(1684-1721), Francois Boucher(1703-1770) og andre er lette, smidige, fargen er full av grasiøse nyanser og er preget av en kombinasjon av utsøkte halvtoner.
Lysbilde 27 A. Watteau. (1684-1721)Mezzeten
Maleri av rokokko og nyklassisistisk epoke.
Maleri fransk maler Antoine Watteau "Mezzeten". I perioden 1712-1720 ble Watteau interessert i å male scener fra teaterliv. Watteau brukte skisser av skuespillernes positurer, gester og ansiktsuttrykk han likte, som han laget i teatret, som ble for ham et fristed for levende følelser. Det romantiske og melankolske bildet av helten fra det rettferdige teateret, en skuespiller som fremfører en serenade, i filmen "Mezzeten" er full av kjærlighetspoesi.
Monument til Peter I av fransk billedhugger Etienne Maurice Falconet
Jakten på det heroiske, betydningsfulle, monumentale i kunsten henger sammen på 1700-tallet. med tiden for revolusjonære endringer. Et av verdens kunsts geniale skulpturportretter er monumentet
Peter I fransk billedhugger Etienne Maurice Falconet(1716-1791), reist i St. Petersburg i 1765-1782 Han er ment som et bilde på et geni og en skaper. Ukuelig energi, fremhevet av hestens og rytterens raske bevegelse, kommer til uttrykk i den maktfulle gesten til en utstrakt hånd, i den modige åpenhet et ansikt med fryktløshet, vilje, klarhet i ånden.
XIX århundre introduserte variasjonen av kunstnerisk smak og relativiteten til skjønnhetsbegrepet i portrettkunsten. Innovative oppdrag i maleriet er nå rettet mot en tilnærming til virkeligheten, mot søket etter mangfoldet av bilder.
Eugene Delacroix(1798-1863). Portrett av F. Chopin
I løpet av romantikkens periode blir et portrett oppfattet som et bilde av det indre "jeget" til en person utstyrt med fri vilje. Ekte romantisk patos dukker opp i portrettet av F. Chopin av franskmennene
romantisk artist Eugene Delacroix(1798-1863).
Foran oss er et ekte psykologisk portrett, som formidler lidenskapen, gløden til komponistens natur, hans indre essens. Bildet er fylt med raske, dramatiske bevegelser. Denne effekten oppnås ved å snu Chopins figur, den intense fargen på bildet, kontrasterende chiaroscuro, raske, intense strøk,
Den kunstneriske strukturen til Delacroix sitt portrett er i samsvar med musikken til Etude
E-dur for piano av Chopin. Bak henne står ekte bilde- Om-
fedrelandets tider. Tross alt, en dag, da favorittstudenten hans spilte denne etuden,
Chopin løftet hendene med utropet: "Å, mitt moderland!"
Chopins melodi, ekte og kraftfull, var hans viktigste uttrykksmiddel, hans språk. Kraften til melodien hans ligger i dens styrke
innvirkning på lytteren. Det er som en utviklende tanke, som ligner utfoldelsen av handlingen i en historie eller innholdet i historisk viktige
meldinger.
I portrettkunst fra XX-XXI århundrer. Betinget kan to retninger skilles. En av dem fortsetter de klassiske tradisjonene for realistisk kunst, og glorifiserer menneskets skjønnhet og storhet, den andre leter etter nye abstrakte former og måter å uttrykke sin indre verden på.
Representanter for de modernistiske bevegelsene som dukket opp på 1900-tallet vendte seg også mot portrettsjangeren. Den berømte franske kunstneren Pablo Picasso etterlot oss mange portretter. Fra disse verkene kan man spore hvordan mesterens arbeid utviklet seg fra det såkalte. blå periode til kubisme.
Lysbilde 32 Picasso (1881-1973) "Portrett av Ambroise Vollard."
Ideene om analytisk kubisme fant sin opprinnelige legemliggjøring i Picassos verk "Portrait of Ambroise Vollard".
Kreative oppgaver
Finn disse portrettene om hvilke vi snakker om i teksten. Sammenlign dem med hverandre, identifiser lignende og forskjellige funksjoner. Gi din egen tolkning av bildene deres.
Hvilke portretter vil du klassifisere som tradisjonell klassisk kunst, og hvilke vil du klassifisere som abstrakt kunst? Begrunn din mening.
Sammenlign språket i forskjellige retninger portrett maleri. Bestem uttrykksevnen til linjer, farge, farge, rytme, sammensetning av hver av dem.
Lytte musikalske komposisjoner. Match portrettene med de verkene som er i samsvar med bildene som er tatt på dem.
Kunstnerisk og kreativ oppgave
Forbered et album, avis, almanakk, datamaskinpresentasjon (valgfritt) om emnet "Portrettsjangeren i kulturen til forskjellige tider."
Inkluder informasjon om kunstnere, skulptører, grafikere, samt dikt, prosapassasjer, fragmenter musikalske verk, i samsvar med bildene av portrettgalleriet ditt.
LytteMusikalske verk:Chopin Nocturne i h-moll; F. Chopin etude i E-dur;
El Greco - "Portrett av en gentleman med hånden på brystet"Svetlana Obukhova
Det er nesten ingen bevis igjen om livet til kreteneren Domenico Theotokopouli, kunstneren som erobret spanske Toledo under navnet El Greco, det vil si grekeren. "Dårskapene" til karakteren hans og den merkelige billedmessige måten forbløffet mange og tvang dem til å ta opp pennen - men bare noen få bokstaver har overlevd. En av dem inneholder følgende linjer: «... været var vakkert, vårsolen skinte mildt. Det ga glede for alle, og byen så festlig ut. Se for deg min overraskelse da jeg gikk inn i El Grecos studio og så at skoddene på vinduene var lukket, og derfor var det vanskelig å se hva som var rundt. El Greco satt selv på en krakk og gjorde ingenting, men våken. Han ønsket ikke å gå ut med meg, fordi sollyset ifølge ham forstyrret hans indre lys...»
Det er nesten ingen bevis igjen om mannen Domenico, bare ekko: at han levde i storslått stil, holdt et rikt bibliotek, leste mange filosofer og også saksøkte klienter (de elsket ham, men oftere forsto han ham ikke), døde nesten i fattigdom - som de tynne strålene av dagslys bryter lyset gjennom sprekkene i de "lukkede skodder" i livet hans. Men de distraherer ikke fra det viktigste - fra det indre lyset som fyller maleriene til kunstneren El Greco. Spesielt portretter.
Det er ingen landskap som åpner seg bak personen som blir portrettert, det er ingen overflod av detaljer som tiltrekker et nysgjerrig blikk. Selv heltens navn er ofte utelatt fra bildet. Fordi alt dette ville hindre deg i å se ansiktet. Og øyne, dype, mørke, ser rett på deg. Det er vanskelig å rive deg løs fra dem, og hvis du tvinger deg selv, er det å se gesten og stoppe opp igjen i tankene.
Dette er "Portrettet av en kavaler med hånden på brystet" (1577-1579), malt av mesteren kort tid etter at han flyttet til Toledo. Dette portrettet er anerkjent som et av de beste i spansk maleri på 1500-tallet. Den fremmede El Greco skapte "levende bilder av spansk liv og historie", som fanger "ekte levende vesener, og kombinerer i seg selv alt som er å beundre i vårt folk, alt heroisk og ukuelig, med de motsatte egenskapene som ikke kan annet enn å reflekteres, uten å ødelegge selve essensen» (A. Segovia). Aristokrater fra de eldgamle familiene i Toledo ble de sanne heltene i El Greco, han så deres indre lys - deres adel og verdighet, plikttroskap, intelligens, forfining av oppførsel, mot, ytre tilbakeholdenhet og indre impuls, hjertets styrke, som vet hva den lever og dør for...
Dag etter dag stopper besøkende til Prado-galleriet foran den ukjente hidalgoen, overrasket med ordene: «Som levende...» Hvem er han, denne ridderen? Hvorfor åpner han hjertet sitt med en slik oppriktighet? Hvorfor er øynene hans så attraktive? Og denne edsgesten? Og sverdets feste?.. Ut fra disse spørsmålene ble det kanskje født en legende om at personen som er avbildet i portrettet er en annen stor spanjol: Miguel de Cervantes. En kriger og forfatter som fortalte verden historien om en ridder med trist bilde, som ble gitt den samme guddommelige gaven som El Greco - å se mennesker som de burde være, å se deres indre lys...
Og andre malerier fra Prado-museet i Eremitasjen...
El Greco "Kristus omfavner korset" 1600 - 1605
Avbildet på bakgrunn av en stormfull himmel som er typisk for El Greco, omfavner Kristus korset med sine grasiøse hender, og ser oppover med rolig undergang. Maleriet ble en stor suksess, og mange versjoner av det ble laget i El Grecos verksted.
El Greco "Hellig familie med St. Anne og lille døperen Johannes" ca. 1600 - 1605
Den sene perioden av El Grecos arbeid er preget av bruk av gjennomtrengende farger og blinker; rommet er fullstendig fylt med figurer som skjuler horisonten. Former malt med et vibrerende penselstrøk mister sin materialitet. Lille døperen Johannes kaller betrakteren til stillhet for ikke å forstyrre freden til spedbarnet Kristus...
Velasquez - Portrett av Filip IV Portrett av kong Filip IV. 1653-1657
Grunnleggende psykologisk portrett V Europeisk kunst grunnlagt av den spanske maleren Diego Rodriguez de Silva Velazquez. Han ble født inn i en fattig adelsfamilie i Sevilla og studerte med Herrera den eldste og Pacheco. I 1622 kom han først til Madrid. I praktisk forstand var denne turen ikke veldig vellykket - Velazquez fant ikke et verdig sted for seg selv. Han håpet å møte den unge kong Filip IV, men møtet fant ikke sted. Likevel nådde ryktene om den unge kunstneren hoffet, og allerede neste år, 1623, inviterte den første ministeren, hertug de Olivares (også en innfødt av Sevilla), Velazquez til Madrid for å male et portrett av kongen. Dette verket, som ikke har nådd oss, gjorde et så hyggelig inntrykk på monarken at han umiddelbart tilbød Velazquez stillingen som hoffkunstner. Snart utviklet det seg ganske bra mellom kongen og Velazquez. vennlige forhold, noe som ikke var veldig typisk for ordenen som hersket ved det spanske hoffet. Kongen som styrte det største imperiet i verden ble ikke ansett som en mann, men en guddom, og kunstneren kunne ikke engang regne med edle privilegier fordi han tjente til livets opphold ved å jobbe. I mellomtiden beordret Philip at fremover bare Velazquez male portrettene hans. Den store monarken var overraskende sjenerøs og støttet Velazquez. Kunstnerens atelier lå i de kongelige leilighetene, og der ble det installert en stol for Hans Majestet. Kongen, som hadde nøkkelen til verkstedet, kom hit nesten hver dag for å observere kunstnerens arbeid. Mens han var i kongelig tjeneste fra 1623 til 1660, malte Velazquez rundt et dusin portretter av sin overherre. Av disse har litt mer enn 10 malerier nådd oss. Dermed malte Velazquez i gjennomsnitt sin overherre omtrent en gang hvert tredje år. Å male portretter av kongen var Velazquez sin jobb, og han gjorde jobben perfekt. Takket være dette har vi et kompleks av verk som er unikt på sin egen måte: Velazquez sine portretter sporer livet til kong Philip så tydelig, som senere ble en skikk først i fotografiets tidsalder. Evolusjon er tydelig synlig i kunstnerens malerier. For det første endrer kongen seg selv, 18 år gammel i det første portrettet og 50 år gammel i det siste; ansiktet hans bærer preg av alder og åndelige forandringer. For det andre blir kunstnerens oppfatning av modellen hans dypere, og går fra overfladisk til innsiktsfull. Over tid endres måten modellen presenteres på og kunstneriske teknikker. Velazquez sin måte blir forvandlet under påvirkning av hans egen kreativ vekst, så vel som under påvirkning av moderne innenlandske og utenlandske tradisjoner. Dette portrettet under brystet viser Filip IV mot en mørk bakgrunn, iført svarte klær med en hvit krage som tydelig fremhever monarkens ansikt. Velazquez unngår prangende luksus i portrettet av kongen og viser " menneskelig ansikt» monark uten smiger eller høvisk list. Vi føler tydelig at personen som ser på oss fra lerretet er ulykkelig, de siste årene av hans regjeringstid var ikke lette for kongen. Dette er en mann som har kjent skuffelse, men samtidig en mann hvis kjøtt er fylt med medfødt storhet, som ingenting kan rokke ved. En annen stor kunstner, spanjolen til kjernen - Pablo Ruiz Picasso sier dette om bildet av den spanske kongen: "vi kan ikke forestille oss en annen Filip IV enn den som ble skapt av Velazquez ..."
"Portrett av kong Filip IV" (ca. 1653 - 1657)
En av siste portretter monark. Det er interessant å merke seg at det ikke er et eneste element her som snakker om den kongelige statusen til personen som blir portrettert. Velazquez tjente Filip IV i nesten førti år - fra 1623 til hans død, og malte portretter av kongen og hans familie, store emnelerreter for den kongelige samlingen.
Diego Velazquez "Portrett av narren Don Diego de Acedo" (El Primo) ca. 1644
Diego Velazquez "Portrett av dronning Marianna av Østerrike" 1652-1653
Titian (Tiziano Vecellio) "Venus med Amor og organisten" 1555
Musikeren spiller, sitter ved føttene til Venus og beundrer gudinnens nakne kropp, og spiller distrahert med Amor. Noen så på dette maleriet som et rent erotisk verk, mens andre oppfattet det symbolsk – som en allegori over følelser, der syn og hørsel fungerer som verktøy for kunnskap om skjønnhet og harmoni. Titian skrev fem versjoner av dette temaet.
Paolo Veronese (Paolo Cagliari) - "Angrende Maria Magdalena" 1583
Etter sin omvendelse viet Maria Magdalena livet sitt til omvendelse og bønn, og trakk seg tilbake fra verden. I dette maleriet er hun avbildet ser inn i himmelen og badet i guddommelig lys. Maleriet er malt i tykke mørke farger, karakteristisk for Veroneses stil i den sene perioden av arbeidet hans. Før de gikk inn i de spanske kongelige samlinger, tilhørte verket til den engelske kongen Charles I (henrettet 1649)
Anthony Van Dyck "Portrett av en mann med en lut" 1622-1632
Anthony Van Dyck skylder sin berømmelse nettopp til sjangeren portrett, som inntok en ganske lav posisjon i hierarkiet til europeisk maleri. På dette tidspunktet hadde imidlertid en tradisjon for portrettkunst allerede utviklet seg i Flandern. Van Dyck malte hundrevis av portretter, flere selvportretter, og ble en av skaperne av stilen til seremonielle portretter på 1600-tallet. I portretter av sine samtidige viste han deres intellektuelle, følelsesmessig verden, åndelig liv, levende karakter av en person.
Den tradisjonelle modellen for dette portrettet er Jacob Gautier, en lutenist ved det engelske hoffet fra 1617 til 1647, men tilstedeværelsen av sverdet, og i større grad de stilistiske kjennetegnene til verket indikerer at det må dateres mye tidligere enn Van. Dycks tur til London, noe som sår tvil om denne teorien. Tilstedeværelsen av et musikkinstrument betyr ikke nødvendigvis at modellen var en musiker. Som et symbol ble musikkinstrumenter ofte avbildet i portretter som en indikasjon på den intellektuelle sofistikasjonen og følsomheten til motivet.
Juan Bautista Maino "Tilbedelse av hyrdene" 1612-1614
Et av Mainos mesterverk. I samlingen State Eremitage Det er en annen versjon av denne historien skrevet av Maino. Kunstneren ble født i Pastrana (Guadalajara) og bodde i Roma fra 1604 til 1610. Dette verket, skrevet da han kom tilbake til Spania, viser innflytelsen fra Caravaggio og Orazio Gentileschi. I 1613 ble Maino medlem av Dominikanerordenen, og maleriet ble inkludert i altersyklusen til klosteret St. Peter Martyren i Toledo.
Georges de Latour "The Blind Musician with a Hurdy-Hurdy" ca. 1625-1630
Latour skildrer en gammel blind musiker som spiller en sløyfe, som gjentok denne handlingen flere ganger. Kunstneren, som jobbet under påvirkning av Caravaggios stil, gjengir entusiastisk detaljer - mønsteret som dekorerer musikk Instrument, rynker i ansiktet til en blind mann, håret hans.
Peter Paul Rubens, Jacob Jordaens "Perseus Freeing Andromeda" Ca. 1639-1640
Francisco de Goya "Portrett av Ferdinand VII" 1814-1815
Etter Napoleons nederlag i 1814 vendte Ferdinand VII tilbake til den spanske tronen. Portrettet viser ham i en kongelig kappe foret med hermelin, med et septer og ordrene til Carlos III og det gylne skinn.
Ferdinand VII, som styrte landet til 1833, grunnla Prado-museet i 1819.
Francisco de Goya "Maria von Santa Cruz" 1805
Maria von Santa Cruz, kona til den første direktøren for Prado, var en av de mest ærede kvinnene i Spania i sin tid.
I 1805-portrettet avbildet Goya markisen som musen for lyrisk poesi, Euterpe, tilbakelent på en sofa og holdt en lyre i venstre hånd. Valget av dette spesielle bildet skyldes markisens lidenskap for poesi.
Francisco Goya - "Høst (druehøst)" 1786 - 1787
Francisco GOYA - "Druehøsting" fragment
I 1775 - 1792 skapte Goya syv serier med papptepper for Escorial- og Prado-palassene i utkanten av Madrid. Spesielt dette maleriet tilhører serien av årstider og var ment for spisestuen til prinsen av Asturias i Prado. Goya skildret det klassiske plottet som en hverdagsscene, som gjenspeiler arten av forholdet mellom forskjellige klasser - maleriet skildrer eierne av en vingård med sønnen og hushjelpen.
Francisco Goya "Portrett av general José de Urrutia" (ca. 1798)
José de Urrutia (1739 - 1809) - en av de mest fremtredende spanske militærlederne og den eneste hæroffiseren av ikke-aristokratisk opprinnelse på 1700-tallet som nådde rang som generalkaptein - er avbildet med St. Georgs orden, som ble tildelt ham av den russiske keiserinnen Katarina den store for hans deltakelse i fangsten av Ochakov under Krim-kampanjen i 1789.
Peter Paul Rubens "Portrett av Marie de' Medici." OK. 1622-1625.
Maria Medici (1573 - 1642) var datter av storhertugen av Toscana Francesco I. I 1600 ble hun kone til den franske kongen Henrik IV. Fra 1610 var hun regent for sin unge sønn, den fremtidige kong Ludvig XIII. Hun bestilte en serie verk fra Rubens som glorifiserer seg selv og sin avdøde ektemann. Portrettet viser dronningen iført en enkes hodeplagg og en uferdig bakgrunn.
Domenico Tintoretto "Woman Baring Her Breasts" Ca. 1580-1590
Vicente Lopez Portanha "Portrett av Felix Maximo Lopez, første organist av Royal Chapel" 1820
Spansk nyklassisistisk maler, som beholdt spor av rokokkostilen. Lopez ble ansett som en av de beste portrettmalerne i sin tid, nest etter Francisco de Goya. Han begynte å studere maleri i Valencia i en alder av 13 år, og i løpet av fire år hadde han vunnet flere førstepriser ved Academy of San Carlos, og skaffet ham et stipend for å studere ved hovedstadens prestisjetunge Royal Academy. kunst San Fernando. Etter å ha fullført studiene jobbet Lopez i flere år i verkstedet til Mariano Salvador Maella, læreren hans. I 1814, etter den franske okkupasjonen, var Lopez allerede ganske frisk kjent kunstner Derfor tilkalte den spanske kongen Ferdinand VII ham til Madrid og utnevnte ham til offisiell hoffkunstner, til tross for at den "første kongelige kunstneren" på den tiden var Francisco Goya selv. Vicente Lopez var en produktiv kunstner, han malte malerier om religiøse, allegoriske, historiske og mytologiske emner, men fremfor alt var han selvfølgelig en portrettmaler. I løpet av sin lange karriere malte han portretter av nesten alle kjent person i Spania i første halvdel av 1800-tallet.
Dette portrettet av den første organisten i det kongelige kapell og kjent musiker og komponisten ble skrevet kort før kunstnerens død, og ble fullført av hans eldste sønn Ambrosio Lopez.
Anton Raphael Mengs "Portrett av Maria Luisa av Parma, prinsesse av Asturias" 1766
Juan Sanchez Cotan "Stilleben med vilt, grønnsaker og frukt" 1602
Don Diego de Acedo hadde vært ved retten siden 1635. I tillegg til «buffoon-tjenesten» tjente han som kongelig budbringer og hadde ansvaret for kongens segl. Tilsynelatende snakker bøkene, papirene og skriveredskapene som er avbildet på bildet om disse aktivitetene. Det antas at portrettet ble malt i Fraga, provinsen Huesca, under Filip IVs omvisning i Aragon, hvor han ble ledsaget av Diego de Acedo. I bakgrunnen stiger Malicios-toppen i Guadarrama-fjellkjeden.
Hieronymus Bosch "Utvinning av dårskapens stein" ca. 1490
Den satiriske scenen med figurer mot landskapsbakgrunn skildrer en operasjon for å fjerne «dumhetens stein». Inskripsjon gotisk skrift lyder: "Mester, fjern steinen raskt. Jeg heter Lubbert Das." Lubbert er et vanlig substantiv som betegner uvitenhet og enkelhet. En kirurg som har på seg en hodeplagg i form av en omvendt trakt, som symboliserer uvitenhet, "fjerner" en stein (vannlilje) fra hodet til en godtroende pasient og krever en sjenerøs betaling fra ham. På den tiden trodde de enfoldige at en stein i hodet var skyld i deres dumhet. Dette er hva sjarlataner utnyttet.
Raphael (Raffaello Santi) "Den hellige familie med et lam" 1507
Maria hjelper den lille Kristus med å sitte på lammet - et kristent symbol på Kristi kommende lidenskap, og St. Joseph ser på dem. Maleriet ble malt i Firenze, hvor kunstneren studerte arbeidet til Leonardo da Vinci, påvirket av komposisjonene hans med Den hellige familie. I Prado-museet er dette det eneste verket av Raphael malt i den tidlige perioden.
Albrecht Durer "Portrett av en ukjent mann" Ca. 1521
Portrettet tilhører den sene perioden av Dürers arbeid. Skrevet på en måte som ligner på stilen nederlandske kunstnere. En hatt med bred rand trekker oppmerksomheten mot ansiktet til personen som blir portrettert; lyset som faller fra venstre konsentrerer betrakterens oppmerksomhet om det. Det andre oppmerksomhetsfokuset i portrettet er hendene, og først og fremst den venstre, der den ukjente personen holder en rulle - tilsynelatende forklarer hans sosiale status.
Rogier van der Weyden "Lamentation" Ca. 1450
Modellen var altertriptyken for Miraflores-klosteret (oppbevart i Berlins kunstgalleri), skapt av Van der Weyden tidligere enn 1444 og gjentatt med noen forskjeller. I denne versjonen, med den øvre delen lagt til i en ukjent periode, Mary, Christ, St. John og giveren (kunden av maleriet) - et medlem av Broers-familien - er avbildet i samme rom. Kunstneren formidler uttrykksfullt sorgen til Guds mor, og klemmer kroppen til hennes døde sønn til brystet hennes. Den tragiske gruppen til venstre står i kontrast med donorskikkelsen, atskilt med en stein. Han er i en tilstand av bønnfull konsentrasjon. På den tiden ba kundene ofte om å avbilde seg selv i malerier. Men bildene deres var alltid sekundære - et sted i bakgrunnen, i mengden osv. Her er giveren avbildet i forgrunnen, men er skilt fra hovedgruppen med stein og farge.
Alonso Cano "Død Kristus støttet av en engel" ca. 1646 - 1652
På bakgrunn av et skumringslandskap støtter en engel Kristi livløse kropp. Den uvanlige ikonografien til dette maleriet forklares av det faktum at det ikke er assosiert med evangeliske tekster, men med den såkalte Kristus fra St. Gregory. Ifølge legenden så pave Gregor den store en visjon av den døde Kristus støttet av to engler. Kano tolket dette plottet annerledes - bare én engel støtter Kristi ubevegelige kropp.
Bartolome Esteban Murillo "Vår Frue av rosenkransen" Ca. 1650 -1655
Arbeidet til Bartolome Esteban Murillo avslutter gullalderen til spansk maleri. Murillos verk er upåklagelig presise i komposisjon, rike og harmoniske i farger, og vakre i ordets høyeste forstand. Følelsene hans er alltid oppriktige og delikate, men i Murillos malerier er det ikke lenger den åndelige kraften og dybden som er så sjokkerende i verkene til hans eldre samtidige. Kunstnerens liv er knyttet til hjemlandet Sevilla, selv om han måtte besøke Madrid og andre byer. Etter å ha studert under den lokale maleren Juan del Castillo (1584-1640), arbeidet Murillo mye på ordre fra klostre og templer. I 1660 ble han president for Academy of Fine Arts i Sevilla.
Med sine malerier av religiøse emner forsøkte Murillo å bringe trøst og trygghet. Det er ingen tilfeldighet at han veldig ofte malte bildet av Guds mor. Bildet av Mary gikk fra maleri til maleri i form av en nydelig ung jente med vanlige ansiktstrekk og et rolig blikk. Hennes uskyldige utseende skulle fremkalle en følelse av søt ømhet hos betrakteren. I dette maleriet avbildet Bartolome Murillo Madonnaen og Jesus med en rosenkrans, tradisjonell katolsk rosenkrans, bønnen som ble gitt for veldig viktig under kunstnerens tid. I dette verket er egenskapene til naturalismen som rådet i verkene til representanter for Sevilla-skolen i første halvdel av 1600-tallet fortsatt merkbare, men Murillos malestil er allerede friere enn i hans tidlig arbeid. Denne frie måten er spesielt tydelig i skildringen av jomfru Marias slør. Kunstneren bruker sterkt lys for å fremheve figurene mot en mørk bakgrunn og skape en kontrast mellom de sarte tonene i ansiktet til Jomfru Maria og kroppen til Kristi barn og de dype skyggene i stoffets folder.
I Andalusia på 1600-tallet var bildet av jomfruen og barnet spesielt etterspurt. Murillo, hvis kreative liv ble tilbrakt i Sevilla, malte mange slike malerier, gjennomsyret av ømhet. I dette tilfellet er Guds mor avbildet med en rosenkrans. Og her, som i de første årene av sitt arbeid, forblir kunstneren tro mot sin lidenskap for lys- og skyggekontraster.
Bartolome Esteban Murillo "Den gode hyrden" 1655-1660
Bildet er gjennomsyret av dyp lyrikk og vennlighet. Tittelen er hentet fra Johannesevangeliet: «Jeg er den gode hyrde». Dette sier at maleriet skildrer Kristus, om enn i det meste tidlig alder. Alt i Murillos film er vakkert og enkelt. Kunstneren elsket å male barn, og han la all denne kjærligheten inn i skjønnheten i bildet av denne gutt-guden. På 1660-1670-tallet, under storhetstiden til hans malerferdigheter, forsøkte Murillo å poetisere karakterene sine, og han ble ofte anklaget for en viss sentimentalitet i bildene og deres bevisste skjønnhet. Disse bebreidelsene er imidlertid ikke helt rettferdige. Barnet som er avbildet på maleriet kan fortsatt sees i dag både i Sevilla og i landsbyene rundt. Og det var nettopp i dette at den demokratiske orienteringen til kunstnerens arbeid ble manifestert - ved å likestille skjønnheten til Madonna med skjønnheten til vanlige spanske kvinner, og skjønnheten til sønnen hennes, lille Kristus, med skjønnheten til gatekråkeboller.
Alonso Sanchez Coelho "Portrett av spedbarnet Isabella Clara Eugenia og Catalina Micaela" 1575
Portrettet viser prinsessen på åtte og ni år som holder en blomsterkrans. Sánchez Coelho malte portretter av infantas - de elskede døtrene til kong Filip II og hans tredje kone Isabella Valois - fra en veldig tidlig alder. Alle portretter er laget i samsvar med kanonene til et hoffportrett - jenter i praktfulle klær og med ufølsom ansiktsuttrykk.
Anton Rafael Mengs. Portrett av kong Carlos III. 1767
Charles III ble kalt kanskje den eneste virkelig opplyste monarken i Spanias historie. Det var han som grunnla Prado-museet i 1785, først som et naturhistorisk museum. Charles III drømte om at Prado-museet, sammen med den nærliggende botaniske hagen, skulle bli et senter for vitenskapelig utdanning.
Etter å ha besteget tronen, begynte han å gjennomføre alvorlige politiske og økonomiske reformer, som landet så sterkt trengte på den tiden. Imidlertid var hans innsats forgjeves - sønnen Charles IV delte ikke farens progressive synspunkter, og etter Charles IIIs død var reformene over.
Dette portrettet er helt typisk for sin tid. Med hver eneste detalj trekker kunstneren oppmerksomheten til posisjonen som modellen har: en mantel trimmet med hermelin, et maltesisk kors belagt med juveler, skinnende rustning - uunnværlige attributter for kongelig storhet. Frodig draperi og pilaster (element klassisk arkitektur) er en tradisjonell bakgrunn for slike portretter.
Men allerede i dette portrettet er det overraskende hvordan modellens ansikt presenteres. Mengs gjør ikke noe forsøk på å slanke kongens svulstige nese eller jevne ut foldene i de rynkete kinnene. Takket være maksimal individualitet, skaper dette maleriet en følelse av liv som Mengs' forgjengere ikke kunne oppnå. Portrettet får deg til å føle sympati for Carlos III, som er klar til å "vise" sitt ufullkomne utseende.
Antoine Watteau "Feast in the Park" ca. 1713 - 1716
Denne sjarmerende scenen er et typisk eksempel på Watteaus "galante ferier". En lett tåke som visker ut konturene, en statue av Neptun nesten gjemt i løvet over fontenen og en falmet gylden farge - alt dette formidler en atmosfære av akutt, men flyktig nytelse.
Maleriet tilhørte Isabella Farnese, den andre kona til kong Philip V.
Antonio Carnicero "Rising the Hot Air Balloon in Aranjuez" ca. 1784
Maleriet ble bestilt av hertugen og hertuginnen av Haussouin og fanger ånden fra opplysningstiden, som vekket interesse for prestasjoner vitenskapelige fremskritt. Avbildet virkelig hendelse: i 1784, i Royal Gardens of Aranjuez, i nærvær av monarken, medlemmer av hans familie og hoffmenn, ble det foretatt en luftballongflukt. Antonio Carnicero var kjent for sine vakre sjangerscener, og dette maleriet er et av hans mest ambisiøse verk.
Jose de Madrazo y Agudo "Himmelsk kjærlighet og jordisk kjærlighet" 1813
Francisco de Zurbaran "Agnus Dei. Guds lam" 1635-1640
Et lam ligger på et grått bord og skiller seg skarpt ut mot den mørke bakgrunnen i det skarpt fokuserte skarpe lyset. Enhver person på 1600-tallet ville umiddelbart ha anerkjent ham som "Guds lam" og ville ha forstått at dette var en hentydning til Kristi selvoppofrelse. Lammeullen er fantastisk utformet og virker så myk at det er vanskelig å ta øynene fra dyret og du vil ta på det.
Juan Pantoja de la Cruz "Portrett av dronning Isabella av Valois" ca. 1604 – 1608
Pantoja de la Cruz malte dette portrettet, og gjentok arbeidet til Sofonisba Angishola - originalen brant i palasset i 1604. Kunstneren la bare til en kappe laget av murmeldyrpels til dronningens antrekk.
Sofonisba Angishola var en kunstner fra Cremona som jobbet ved det spanske hoffet. Dette var det første portrettet av den unge dronningen i en serie av kunstneren. Maleriet ble malt på en måte nær spansk, men i varmere og lysere farger.
Jean Rann "Portrett av Carlos III som et barn" 1723
Luis Melendez "Still Life with a Box of Sweets, Pretzel and Other Items" 1770
Den største mesteren av spansk stilleben på 1700-tallet, Luis Melendez ble født i Italia, i familien til en miniatyrkunstner fra Asturias. I 1717 flyttet familien til Madrid, hvor den unge mannen gikk inn i den forberedende avdelingen ved Academy of San Fernando, og tok førsteplassen blant de mest begavede studentene. Imidlertid ble han i 1747 tvunget til å forlate akademiet, etter sin far, som ble utvist fra det som et resultat av konflikten. I løpet av denne perioden besøker Melendez Italia igjen. Til å begynne med hjalp han faren, ble han miniatyrist, og etter at han kom tilbake fra Italia, ble han invitert av Ferdinand VI til å illustrere bøker i det kongelige kapellet i Madrid. I sjangeren stilleben, som kunstneren henvendte seg til på begynnelsen av 1760-tallet, ny fasett hans kreativitet.
Dette stillebenet ble malt inn moden periode kunstnerens kreativitet. På denne tiden dukket det opp luksusgjenstander og sølvtøy i komposisjonene hans. Men likevel holder kunstneren seg til sine idealer og arbeider i tråd med sjangertradisjonen. Den materielle håndgripbarheten til hver av gjenstandene malt på lerret får oss til å huske de beste eksemplene på stilleben i verdenskunsten. Det håndgripelige gjennomsiktige glasset i glasset reflekteres i den matte blanke overflaten på sølvvasen. En myk kringle på en hvit serviett som ser ut til å lukte som nybakt brød. Halsen på en forseglet flaske skinner sløvt. En sølvgaffel stikker litt utover kanten av det opplyste bordet. I komposisjonen til dette stillebenet er det ingen asketisk oppstilling av gjenstander på én rad, karakteristisk for for eksempel Zurbarans stilleben. Kanskje det har noe til felles med nederlandske prøver. Men tonen er mørkere, det er færre objekter og komposisjonen er enklere.
Juan de Arellano "Blomsterkurv" 1670
Spansk barokkkunstner, som spesialiserer seg på skildring av blomsteroppsatser, født i Santorcas i 1614. Først studerte han i studioet til en nå ukjent kunstner, men som 16-åring flyttet han til Madrid, hvor han studerte med Juan de Solis, en kunstner som utførte oppdrag for dronning Isabella. Juan de Arellano levde lenge på små oppdrag, inkludert veggmalerier, inntil han bestemte seg for å fokusere utelukkende på å male blomster og ble en uovertruffen mester på dette feltet. Det antas at mesteren begynte med å kopiere verkene til andre, spesielt italienske, kunstnere; flamske stilleben ga stilen hans eleganse og strenghet. Senere la han til sine egne komposisjonsideer og en karakteristisk fargepalett til denne kombinasjonen.
Den ganske enkle komposisjonen av dette stilleben er karakteristisk for Arellano. Rene, intense plantefarger skiller seg sterkt ut mot en nøytral brunaktig bakgrunn på grunn av intens belysning.
