Kinesisk samtidskunst. Kinas kunst er en verdenskulturarv

På verdensscenen, moderne kinesisk kunst dukket opp relativt nylig. Den såkalte "kinesiske boomen" skjedde i 2005, da prisene på malerier av moderne kinesiske kunstnere av et lite antall objektive årsaker økte mer enn tidoblet. På verdensscenen har kinesisk samtidskunst dukket opp relativt nylig. Den såkalte "kinesiske boomen" skjedde i 2005, da prisene på malerier av moderne kinesiske kunstnere av et lite antall objektive årsaker økte mer enn tidoblet. Det er en oppfatning at det faktisk føres en informasjonskrig på det internasjonale kunstmarkedet. Å gjennomføre avtaler på flere millioner dollar for å kjøpe kinesisk kunst støttes ikke alltid av fakta. Ofte er det tilfeller av forsinkelse i betalingen av partiet på grunn av tilsynekomsten av tvil om ektheten til monumentet. Så for eksempel det meste dyrt bilde, auksjonert hos Christie's i 2011, Qi Baishis Long Life, Peaceful Land har vært lagret i to år. Ved hjelp av slike tilfeller som den kinesiske regjeringen, media, forhandlere, blir kostnadene for kunstverk kunstig oppblåst. Eksperter sier derfor at "den kinesiske regjeringen fører en politikk for å forfalske den velstående, stabile og velstående bakgrunnen til Kina for å tiltrekke utenlandske investorers penger til landet." Takket være kunngjøringen av rekordsalg, har kinesiske auksjonshus og representasjonskontorer i verden i Kina blitt de internasjonale lederne på kunstmarkedet, noe som har tillatt å heve prisene på verk fra Kina. Samme på for tiden det er ganske vanskelig å vurdere kinesiske kunstobjekter, siden det ikke finnes hensiktsmessige kriterier, noe som også bidrar til en fri tolkning av verdien av et verk. Derfor, ifølge Abigail R. Esman, er "såpeboblen" av kunstobjekter gunstig for den kinesiske regjeringen. På sin side øker kinesiske samtidskunsthandlere unaturlig prisene for verkene til kunstnerne de beskytter. I følge Dr. Claire McAndrew, "Bommen i det kinesiske markedet har vært drevet av økende formue, sterk innenlandsk forsyning og kjøperinvesteringer. At Kina har tatt en ledende posisjon på det globale kunstmarkedet betyr ikke at landet vil beholde sin posisjon i årene som kommer. Det kinesiske markedet vil møte utfordringen med å realisere mer stabil og langsiktig vekst.»

Likevel, for øyeblikket, er kinesiske kunstnere kjente og populære over hele verden, de utgjør opptil 39% av inntektene i markedet for samtidskunst. Dette faktum har både objektive forklaringer, og basert på den personlige, subjektive smaken til kjøperen, og så videre, som bør forstås ytterligere.

"Asiatisk kunst er raskt i ferd med å bli internasjonal, og det har vært en betydelig økning i kjøp fra både resten av Asia og Vesten," sa Kim Chuan Mok, leder for den sørasiatiske maleavdelingen. For øyeblikket er de dyreste artistene i Kina Zeng Fanzhi, Cui Ruzhou, Fan Zeng, Zhou Chunya og Zhang Xiaogang. Samtidig ble arbeidet til Zeng Fanzhi "The Last Supper" i 2013 solgt på Sotheby's for 23,3 millioner dollar, som er et rekordbeløp ikke bare for det asiatiske markedet, men også for det vestlige, og plasserer det på fjerdeplass på listen over de fleste dyre arbeider samtidskunstnere.

På tre år har Kina gått utenom USA og Storbritannia når det gjelder salg på kunstmarkedet, som i utgangspunktet inntok en ledende posisjon i verden. Blant Christies avdelinger er det asiatiske kunstmarkedet på andre plass når det gjelder viktighet og lønnsomhet.I følge Artprice står Kina for 33 % av markedet for samtidskunst, mens amerikansk – 30 %, britisk – 19 %, og fransk – 5 % .

Hvorfor er kinesisk samtidskunst så populær?

I dag er kinesisk kunst ekstremt relevant og viktig, blant annet fordi Kina selv har blitt det. Kunst sentrert rundt et økonomisk sterkt sentrum. Men det er ganske konkrete forklaringer på prisoppgangen.

I 2001 Kina ble med i WTO, som påvirket økningen i tilstedeværelsen av auksjonshus i regionen, som igjen begynte å tilpasse seg de personlige preferansene til nye kjøpere. I det første tiåret av det 21. århundre ble det således åpnet rundt hundre auksjonshus i Kina. Både lokalt, som Poly International, China Guardian, og internasjonalt: Siden 2005 har Forever International Auction Company Limited operert i Beijing under en lisens hentet fra Christie's, i 2013-2014 åpnet verdenslederne Christie's og Sotheby's sine direkte representasjonskontorer i Shanghai, Beijing og Hong Kong. Som et resultat, hvis Kinas andel av verdens kunstmarked i 2006 var 5%, var den allerede i 2011 omtrent 40%.

I 2005 var det en såkalt "Kinesisk boom", der prisene for verk av kinesiske mestere steg kraftig fra flere titusener til en million dollar. Så hvis et av Mask Series-maleriene av Zeng Fanzhi i 2004 ble solgt for 384 000 HKD, så allerede i 2006 gikk et verk fra samme serie for 960 000 HKD. Uta Grosenick, en tysk kunsthistoriker, mener at dette skyldes lokalet olympiske leker Beijing. "Oppmerksomhet til moderne Kina overført til kinesisk samtidskunst, som viste seg å være forståelig for det vestlige publikum.

I perioder med økonomisk ustabilitet vokser kunstmarkedet. 2007-2008 år er preget av spesialister som en periode skarp økning salg av maleri som helhet med 70 %, og øker også etterspørselen etter kinesisk samtidskunst. Dette kan sees i Zeng Fanzhis salg på Sotheby's og Christies auksjoner. I 2008, kriseåret, slo han prisrekord. Maleriet "Mask series No. 6" ble solgt hos Christies for 9,66 millioner dollar, som overstiger det dyreste salget for 2007 og 2006 med nesten 9 ganger. Under den økonomiske krisen er kunst den nest mest populære alternative ressursen etter luksusvarer. "Tilstedeværelsen av hamstringsobjekter i selskapets portefølje gjør det ikke bare mulig å diversifisere risiko, men også å gi ekstra lønnsomhet, som er foran noen aksjemarkedsindikatorer."

For kinesiske gründere, som er hovedkjøperne, ser det ut til å investere i kunst å være det mest rasjonelle og lovende, siden det kinesiske kommunistpartiet har begrenset eiendomsspekulasjon, noe som har ført til behovet for å finne nye måter å løse problemet på. Kunstobjekter er ideelle for å bevare investorens anonymitet."Mest kjente måter store investeringer i representantenes kunst utviklingsland, spesielt Kina, er møter for hedgefond og private equity-organisasjoner, der det faktiske kjøpet av et stykke i en portefølje av flere gjenstander av kunstobjekter, men ikke kjøp av eierskap. Forbudet mot eksport av kapital på over 50 000 dollar per år har kinesiske investorer lært å omgå. En undervurdert arbeidskostnad er deklarert, differansen overføres til utenlandske kontoer. Dermed er det nesten umulig å beregne utstrømningen av kapital til et annet land. "Bilder for slike investorer er et instrument for en investeringsmekanisme, ideelt med tanke på hemmelighold." For disse formålene ble det i løpet av det første tiåret av 1900-tallet dannet institusjoner i Kina som gjorde det mulig å investere i hamstringsanlegg. Så, for øyeblikket i Kina er det mer enn 25 fond med kunstneriske verdier og kunstutveksling, spesialutgaver utstedes for å hjelpe til med å gjøre de riktige og lønnsomme investeringene.

Populariteten til investeringer i samtidskunst begynte å øke med økende antall unge gründere og øke levelønn representant for middelklassen i BRIC-landene. Så i Kina er det for øyeblikket 15 milliardærer, 300 000 millionærer, og gjennomsnittet lønn er 2000$. "Samtidskunst fra andre halvdel av det tjuende århundre er helt riktig for unge forretningsmenn som kanskje ikke har tid til å gå på museer og gallerier eller lese bøker og bla i kataloger." Disse menneskene har ofte ikke riktig utdanningsnivå, men har nok penger til riktig investering, som fører til et stort antall Kinesiske investorer i kunst og små kunstsamlere av denne. Men de vet at produktet vil øke i pris, og derfor vil det senere være mulig å videreselge det lønnsomt.

I Asia, Russland og Midtøsten har kjøpet av kunstgjenstander en stor økonomiske, kulturelle og "status" konnotasjoner. Dermed er kunstobjektet også en positivistisk investering som bestemmer statusen til eieren og hever hans prestisje og posisjon i samfunnet. "Når kinesiske investorer ønsker å diversifisere investeringsporteføljen sin, henvender de seg oftest til luksusvarer, sier analytikere ved Artprice-nettstedet, så for at de skal kjøpe et maleri samtidskunstner det er som å kjøpe noe i en Louis Vuitton-butikk."

For forretningsmenn og tjenestemenn i Kina er kjøp av kunstverk, spesielt av lokale mestere, av interesse, siden det er et lag med s.k. "kultiverte funksjonærer" som tar imot bestikkelser i denne formen. Takstmannen før auksjonsstart undervurderer markedsverdien av bildet slik at det ikke lenger kan være bestikkelse. Denne prosessen ble kalt "Yahui" og ble som et resultat "en mektig drivkraft for Kinas kunstmarked."

En av grunnene til populariteten til kinesisk samtidskunst er malestil, forståelig og interessant ikke bare for kineserne selv, men også for vestlige kjøpere. Kunstnere fra Kina var i stand til nøyaktig å reflektere de "kulturelle og politiske fenomenene i den moderne asiatiske verden", spesielt siden spørsmålene om kollisjonen mellom øst og vest ikke slutter å være relevante i dag. På Kinas territorium gjennomføres mediepropaganda om aktiv deltakelse i utviklingen av landets kunstmarked. Mer enn 20 TV-programmer, 5 magasiner tilbys mottakernes oppmerksomhet, som dekker emner som "deltagelse i kunstauksjoner", "identifikasjon av kunstrelikvier", etc. I følge den offisielle nettsiden auksjonshus Poly International: "Poly– Auksjon visuell kunst, hvis hovedmål er å returnere kunst til folket i Kina”, hvorfra følger følgende årsak til den økte etterspørselen etter kinesisk kunst.

"En kinesisk mann vil ikke kjøpe et kunstverk fra en ikke-kineser." Fra etisk synspunkt, fag nasjonal kunst kjøpt av investorer eller samlere fra et gitt land. Dermed hever de prisene for arbeidet til sine landsmenn og gjennomfører den ideologiske settingen - de returnerer kunst til hjemlandet. Mange samlere er innbyggere i regionen, og denne økningen i sørasiatisk kunst er i tråd med tilstrømningen av kunst fra Singapore, Malaysia, Thailand og Filippinene, sier Kim Chuan Mok, leder for Sør-Asias maleravdeling.

Kunstgjenstander, inkludert samtidsmalerier, kjøpes inn for dannelse av samlinger av nye museer i Kina. For øyeblikket er det et fenomen med "museumsboom" i Kina, så i 2011 ble det åpnet henholdsvis 390 museer i Kina, det er behov for deres verdig fylling. I Kina er det mest på en enkel måte er anskaffelse av verk på auksjon av auksjonshus, og ikke direkte fra kunstneren eller gjennom galleriet, forklarer dette faktumet med økt både tilbud og etterspørsel etter kinesisk samtidskunst.

For øyeblikket er Kina ledende på markedet for samtidskunst. Til tross for at verkene til lokale kunstnere hovedsakelig kjøpes direkte i Kina, og sjeldnere i utlandet, kineserne selv, populariteten til kinesere moderne maleri og dens betydning i sammenheng med det globale kunstmarkedet kan ikke benektes. Den "kinesiske boomen" som begynte for omtrent ti år siden forlater ikke verden, og mesterne slutter aldri å forbløffe både med verkene deres og prisene.

Bibliografi:

1. Wang Wei Samling av aktiviteter og former for presentasjon av nasjonal kunst i PRC-museer: avhandling - St. Petersburg, 2014. - 202 s.
2. Gataullina K.R., Kuznetsova E.R. Komparativ analyse oppførsel til kjøpere av samtidskunst i Russland og europeiske land// Økonomi: i går, i dag, i morgen, 2012, s.20-29
3. Drobinina russiske og kinesiske kunstinvestorer. Det er få likheter // Elektronisk ressurs: http://www.bbc.com/ (Åpnet 03/12/2016)
4. Zavadsky Kjære kineser // Elektronisk ressurs: http://www.tyutrin.ru/ru/blogs/10-ochen-dorogie-kitaytsy (Åpnet 06/07/2016)
5. Investering i kunst er et tegn på den økonomiske krisen.//Elektronisk ressurs: http://www.ntpo.com/ (Tilsøkt 12.03.2016)
6. Kinesisk kunstmarked//Elektronisk ressurs: http://chinese-russian.ru/news/ (Tilsøkt 13.03.2016)
7. Zhang Daley. Verdien og verdiene til Kinas marked for samtidskunst//Elektronisk ressurs: http://jurnal.org/articles/2014/iskus9.html (Tilsøkt 03/12/2016)
8. Shchurina S.V. "Finansielle risikoer ved investeringer i kunstobjekter"// Elektronisk ressurs: http://cyberleninka.ru/ (Tilsøkt 12.03.2016)
9. Avery Booker Kina er nå verdens største kunst- og antikvitetsmarked, men hva betyr det?// Elektronisk ressurs: http://jingdaily.com/ (Tilsøkt 04/09/2016)
10. Jordan Levin Kina blir en viktig aktør i den internasjonale kunstverdenen//Elektronisk ressurs: http://www.miamiherald.com/entertainment/ent-columns-blogs/jordan-levin/article4279669.html

Globalisering

På 1990-tallet så en periode med transformasjon i Kina på mange områder av livet, inkludert kunst. Store byer endret utseende fullstendig: landet ble oversvømmet av utenlandske varer og deres kinesiske kopier, en bølge av jobbsøkere og bedre liv. Hvis kinesisk modernisme på 80-tallet først og fremst var assosiert med den sosiopolitiske situasjonen i landet, så siden 90-tallet begynte grensen mellom kinesisk og internasjonal samtidskunst aktivt å utviskes. Som i det økonomiske og kunstneriske livet i Kina, har globaliseringsprosessen begynt.

I motsetning til de heroiske og idealistiske stemningene " ny bølge”, på 90-tallet fikk kunst i Kina en kynisk farge. Forbudet etter 1989 mot all offentlig aktivitet uten tillatelse fra myndighetene fikk mange kunstnere til å vende seg til sarkasme. En annen en viktig faktor som påvirket kunstverdenen på den tiden var den raske kommersialiseringen av det kinesiske samfunnet, som også påvirket kunstnerens forhold til publikum.

Som et resultat nektet en gruppe unge kunstnere, for det meste uteksaminerte fra Central Academy of Arts, bevisst å investere dyp betydning i sitt arbeid, etter å ha gjort den såkalte overgangen fra "dybde" til "overflate". Oppkalt etter 1991-utstillingen med samme navn, reflekterte New Generation-gruppen i sine arbeider sarkasme i forhold til ulike samfunnsproblemer. Og det mest ekstreme eksemplet på denne trenden var kynisk realisme ( Liu Xiaodong, Fang Lijun og andre).

Født på 60-tallet, hadde ikke kunstnerne i denne generasjonen de åndelige sårene etter kulturrevolusjonens hendelser. De kontrasterte hverdagen med de store ideene og målene til den nye bølgen: ved å forlate alle åpenlyse politiske uttalelser og teoretiske systemer, fokuserte de ganske enkelt på kreativ praksis.

En annen viktig kunstnerisk bevegelse på begynnelsen av 90-tallet var popkunsten, som senere utviklet seg til to uavhengige retninger. Politisk popkunst (f.eks. Wang Guangyi) viste en nytenkning av fortidens politiske visuelle kultur: bildene av revolusjonen ble revidert og kombinert med bildene fra den vestlige markedskulturen. Kulturell popkunst fokuserte mer på nåtiden, og tegnet bilder og stiler fra ulike områder av populær visuell kultur, spesielt reklame.

Kynisk realisme og politisk popkunst er de mest kjente trendene i kinesisk samtidskunst i Vesten. Men på 90-tallet ble en annen retning utviklet - konseptuell kunst, opprinnelig presentert av New Analyst-gruppen ( Zhang Peili Og Qiu Zhijie).

Siden midten av 1990-tallet har også forestillinger spredt seg, som hovedsakelig var konsentrert til den såkalte East Village i forstedene til Beijing. Dette er perioden med masochistiske "65 kg" Zhang Huang,

revurdere kalligrafi-tradisjonen til Qiu Zhijie, familieserie Zhang Xiaogang.

På midten av 1990-tallet hadde de fleste kunstnere frigjort seg fra byrden fra kulturrevolusjonen. Arbeidet deres begynte å gjenspeile problemene i det moderne kinesiske samfunnet mer. Resultatet ble en ny bevegelse kalt Gaudy Art, som ved å kombinere de visuelle elementene fra kynisk realisme og kulturell popkunst, både latterliggjorde og utnyttet den kommersielle kulturens vulgaritet. Verk av kunstnere ( Luo-brødrene, Xu Yihui (Xu Yihui)) i denne retningen har blitt veldig populær blant både gallerier og utenlandske samlere. På den ene siden var de «fargerike» verkene rettet mot forbrukersamfunnet, på den andre siden var de selv gjenstander for dette forbruket.

Samtidig ga en gruppe performance- og installasjonskunstnere drivkraft til utviklingen av ikke-kommersielle prosjekter som representerte aktiv samhandling med samfunnet. Men i stedet for bare å reflektere endringene i samfunnet, slik New Generation-kunstnerne gjorde, forsøkte de å uttrykke sin egen holdning til disse sosiale transformasjonene (Zhang Huan, Wang Jinsong, Zhu Fadong).

I løpet av 80-tallet brukte avantgardekunstnere og -kritikere begrepet "modernisme" for å referere til samtidskunst, mens på 90-tallet, spesielt etter 1994, begynte begrepene "faktisk" eller "eksperimentell" kunst å bli brukt stadig oftere. Det vil si at kinesisk samtidskunst etter hvert har blitt en del av verden. Og da et betydelig antall artister dro til USA, Japan og europeiske land (hvorav mange kom tilbake til Kina på 2000-tallet), fikk de som ble igjen i hjemlandet også muligheten til å reise verden rundt. Fra det øyeblikket slutter kinesisk samtidskunst å være et eksklusivt lokalt fenomen og smelter sammen i verden.

Publikasjonen

1992 viste seg å være et viktig år for Kina, ikke bare når det gjelder økonomiske reformer, men også i kunstverdenen. De første som tok hensyn til den kinesiske avantgarden var (selvfølgelig etter myndighetene) utenlandske samlere og kritikere, for hvem hovedkriteriet for kunstnerisk vurdering av verkene og kunstneren selv var "uformalitet". Og først og fremst vendte avantgarde-artister, i stedet for å vente på anerkjennelse fra staten, blikket mot det internasjonale markedet.

Tenk deg at du befinner deg i et anstendig samfunn, og vi snakker om samtidskunst. Som det sømmer seg en normal person, forstår du det ikke. Vi tilbyr en ekspressguide til de viktigste kinesiske samtidskunstkunstnerne, som du kan holde et smart ansikt med gjennom hele samtalen, og kanskje til og med si noe relevant.

Hva er "kinesisk samtidskunst" og hvor kom den fra?

Fram til Mao Zedongs død i 1976 varte en «kulturell revolusjon» i Kina, der kunst ble sidestilt med undergravende antirevolusjonære aktiviteter og utryddet med et glødende jern. Etter diktatorens død ble forbudet opphevet og dusinvis av avantgarde-artister kom ut av skjul. I 1989 arrangerte de den første store utstillingen i Beijing Nasjonalgalleriet, vant hjertene til vestlige kuratorer, som umiddelbart gjenkjente på lerretene tragedien i det kommunistiske diktaturet og systemets likegyldighet overfor individet, og moroa endte der. Myndighetene spredte utstillingen, skjøt studenter på Den himmelske freds plass og stengte den liberale butikken.

Det ville ha tatt slutt, men det vestlige kunstmarkedet ble så fast og ukontrollert forelsket i kinesiske kunstnere som klarte å erklære seg selv at kommunistpartiet ble forført av den forlokkende internasjonale prestisje og ga alt tilbake som det var.

Hovedstrømmen til den kinesiske avantgarden kalles " kynisk realisme”: Gjennom de formelle metodene for sosialistisk realisme, vises de forferdelige realitetene i det psykologiske sammenbruddet av det kinesiske samfunnet.

De mest kjente artistene

Yue Minjun

Hva den skildrer: Karakterer med identiske ansikter som fniser under henrettelse, skyting osv. Alle kledd som kinesiske arbeidere eller Mao Zedong.

Hva er interessant: Ansiktene til arbeiderne gjentar latteren til Maitreya Buddha, som råder til å smile og se inn i fremtiden. Samtidig er dette en referanse til kinesiske arbeideres kunstig glade ansikter på propagandaplakater. Smilets groteske viser at hjelpeløshet og frossen redsel skjuler seg bak lattermasken.

Zeng Fanzhi

Hva den skildrer: Kinesiske menn med hvite masker limt til ansiktet, scener fra sykehuslivet, Nattverden med kinesiske pionerer

Hva er interessant: i tidlige arbeider- ekspressiv pessimisme og psykologisme, i de senere - vittig symbolikk. Spente skikkelser gjemmer seg bak masker og blir tvunget til å spille pålagte roller. Nattverden er avbildet innenfor veggene på en kinesisk skole, elever i røde slips sitter ved bordet. Judas er europeer forretningsstil klær (skjorte og gult slips). Dette er en allegori om det kinesiske samfunnets bevegelse mot kapitalismen og den vestlige verden.

Zhang Xiaogang

Hva den skildrer: monokrome familieportretter i stil med tiåret av "kulturrevolusjonen"

Det som er interessant: det fanger den subtile psykologiske tilstanden til nasjonen i løpet av årene med den kulturelle revolusjonen. Portrettene viser figurer som poserer i kunstig korrekte positurer. Frosne ansiktsuttrykk gjør ansikter like, men forventning og frykt leses i hvert uttrykk.Hvert familiemedlem er lukket i seg selv, individualitet slås ut av knapt merkbare detaljer.

Zhang Huang

Hva den skildrer: Kunstneren fikk berømmelse gjennom opptredenene sine. For eksempel kler han av seg, smører seg med honning og sitter i nærheten av et offentlig toalett i Beijing til fluene dekker ham fra topp til tå.

Hva er interessant: konseptualist og masochist, utforsker dybden av fysisk lidelse og tålmodighet.

Cai Guoqiang

Det han skildrer: nok en mester i forestillinger. Etter henrettelsen av studenter på Den himmelske freds plass sendte kunstneren en melding til romvesener - han bygde en modell av plassen og sprengte den. En kraftig eksplosjon var synlig fra verdensrommet. Siden den gang har mange ting eksplodert for romvesener.

Det som er interessant: han gikk fra konseptualist til hoffpyrotekniker i kommunistpartiet. Den spektakulære visuelle komponenten i hans senere verk ga ham berømmelse som en virtuos. I 2008 inviterte den kinesiske regjeringen Cai Guoqiang til å lede et pyroteknisk show ved OL.

Salg av kinesisk samtidskunst slo alle rekorder på auksjoner, Sotheby's tredobbelte auksjoner av asiatisk samtidskunst, utstillinger av moderne og samtids kinesisk kunst vises på museer over hele verden. St. Petersburg var intet unntak, hvor det i september ble holdt en utstilling med kinesiske kunstnere i Loftprosjektet "Etazhi". 365 magazine var interessert i hvor en slik interesse for kinesisk samtidskunst kom fra, og vi bestemte oss for å tilbakekalle 7 nøkkelfigurer, uten hvem det ville vært helt annerledes.

«Samtidskunst» er motarbeidet tradisjonell kunst. I følge den berømte kritikeren, Wu Hong, har begrepet "moderne kunst" en dyp avantgarde-betydning, som vanligvis angir at forskjellige komplekse eksperimenter finner sted i det tradisjonelle eller ortodokse malesystemet. Faktisk utvikler moderne kinesisk kunst nå seg utrolig raskt, og konkurrerer med europeisk kunst både kulturelt og økonomisk.

Hvor kom hele fenomenet moderne kinesisk kunst fra? I de første årene av Mao Zedongs regjeringstid (siden 1949), var det en økning i kunsten, folk håpet på en lysere fremtid, men i virkeligheten var det total kontroll. De vanskeligste tidene begynte med begynnelsen av "kulturrevolusjonen" (siden 1966): kunsthus begynte å stenge. utdanningsinstitusjoner og kunstnerne selv ble forfulgt. Rehabiliteringen begynte først etter Maos død. Kunstnere ble med i hemmelige sirkler der de diskuterte alternative kunstformer. Den heftigste motstanderen av maoismen var Zvezda-gruppen. Det inkluderte Wang Keping, Ma Desheng, Huang Rui, Ai Weiwei og andre. "Hver artist er en liten stjerne," sa en av grunnleggerne av gruppen, Ma Desheng, "og selv de store artistene i universet er bare små stjerner."

Av artistene i denne gruppen er Ai Weiwei den mest kjente. I 2011 tok han til og med førsteplassen på listen over de mest innflytelsesrike personene i kunstbransjen. I noen tid bodde kunstneren i USA, men i 1993 kom han tilbake til Kina. Der drev han, i tillegg til kreativt arbeid, skarp kritikk av den kinesiske regjeringen. Ai Weiweis kunst inkluderer skulpturelle installasjoner, video og fotografiske verk. I verkene sine bruker kunstneren tradisjonell kinesisk kunst i bokstavelig: han knuser eldgamle vaser (Dropping a Han Dynasty Urn, 1995-2004), tegner Coca Cola-logoen på en vase (Han-dynastieturn med Coca-Cola-logo, 1994). I tillegg til alt dette har Ai Weiwei noen veldig uvanlige prosjekter. For 1001 lesere av bloggen hans betalte han for turen til Kassel og dokumenterte denne turen. Kjøpte også 1001 Qing-dynastiet stoler. Hele prosjektet, kalt Fairytale («Fairy Tale»), kunne sees i 2007 på Documenta-utstillingen.

Ai Weiwei har også arkitektoniske prosjekter: i 2006 tegnet kunstneren, i samarbeid med arkitekter, et herskapshus i delstaten New York for samleren Christopher Tsai.

Arbeidet til Zhang Xiaogang, en symbolistisk og surrealistisk kunstner, er interessant. Maleriene i serien hans Bloodline ("Pedigree") er overveiende monokromatiske med sprut av lyse fargeflekker. Dette er stiliserte portretter av kineserne, vanligvis med store øyne(hvordan ikke huske Margaret Keane). Måten på disse portrettene minner også om familieportretter på 1950- og 1960-tallet. Dette prosjektet er knyttet til barndomsminner, kunstneren ble inspirert av fotografiske portretter av sin mor. Bildene i maleriene er mystiske, de kombinerer spøkelser fra fortid og nåtid. Zhang Xiaogang er ikke en politisert kunstner - han er først og fremst interessert i individualiteten til en person, psykologiske problemer.

Jiang Fengqi er en annen suksessfull artist. Arbeidet hans er veldig uttrykksfullt. Han dedikerte serien «Hospital» til forholdet mellom pasienter og myndigheter. Andre serier av kunstneren viser også hans ganske pessimistiske syn på verden.

Navnet på utstillingen i «Etazhy» er «Liberation of the present from the past». Kunstnere tenker om nasjonale tradisjoner, bruker tradisjonelle, men introduserer også nye teknikker. I begynnelsen av utstillingen, Jiang Jins verk Narcissus and Echo – Shall the water and wind husker ikke. Verket ble laget i form av en triptyk i 2014. Forfatteren bruker teknikken med blekk på papir - sumi-e. Sumi-e-teknikken oppsto i Kina under Song-dynastiet. Dette er et monokromt maleri, som ligner på akvarell. Jiang Jin legemliggjør det tradisjonelle plottet: blomster, sommerfugler, fjell, figurer av mennesker ved elven - alt er veldig harmonisk.

Presentert på utstillingen og videokunst. Dette er et verk av den Beijing-baserte videokunstneren Wang Rui med tittelen "Elsker du meg, elsker du ham?" (2013). Videoen varer i 15 minutter, hvor hender stryker hender laget av is, kan det sees at fingrene deres gradvis smelter. Kanskje kunstneren ønsket å snakke om kjærlighetens forgjengelighet og ustadighet? Eller at kjærlighet kan smelte et iskaldt hjerte?

Verket til Stephen Wong Lo "Flying over the Earth", laget i applikasjonsteknikken, minner om fargevalg bilder fra filmene til Wong Kar-Wai.

Utstillingens stjerner er definitivt to skulpturer av Mu Boyan. Skulpturene hans er groteske, de skildrer veldig feite mennesker. Problem overvektig interesserte kunstneren i 2005, hvoretter han ble inspirert til å lage disse skulpturene. De minner om både opplyste buddhistiske munker og moderne mennesker med problemet med overvekt. Skulpturene "Tøff" (2015) og "Kom igjen!" (2015) er laget i teknikken med farget harpiks. I disse verkene skildrer billedhuggeren heller enn voksne, men babyer.

Hvorvidt moderne kinesiske kunstnere klarte å frigjøre seg fra fortiden er opp til betrakteren å avgjøre, men sammenhengen mellom generasjoner kan tydelig ses i verkene deres, og det blir tydelig at det ikke er så lett å komme seg vekk fra fortiden. Dette bekrefter bruken av sumi-e-teknikken, samt installasjoner som involverer eldgamle artefakter. Til nå har ikke moderne kinesiske kunstnere frigjort seg fra maoismens innflytelse, hvis protest og minne fortsatt er til stede i deres arbeid. Kunstnere stiliserer verkene sine under maoismens tid; minner fra fortiden kan, som for eksempel på lerretene til Zhang Xiaogang, være nøkkelen i kunstnerens arbeid. Den rastløse Ai Weiwei finner på flere og flere forestillinger, men han vender seg også til tradisjonell kultur. Kinesisk kunst har alltid vært, er og vil ha noe å overraske seeren – arven er uendelig, og nye representanter vil fortsette å finne inspirasjon i kinesiske tradisjoner.

Tekst: Anna Kozheurova

Kinesisk samtidskunst: Hao Boyi, Ai Weiwei, Zhao Zhao

Kreativiteten til kunstneren Hao Boyi (haoboyi) minnet verden om hva et klassisk kinesisk trykk er. Han er for tiden leder av China Artists Association. Minner seeren på det orientalsk kunst preget av minimalisme og eleganse, skildrer Boi nøye og behersket naturen. Oftest foretrekker kunstneren å jobbe med tre, men noen ganger bruker han også metall. På graveringene hans er det ingen antydning til en person. Fugler, trær, busker, sol, sumper er avbildet i sin opprinnelige skjønnhet.

En av de mest kjente kinesiske samtidskunstnerne - Ai Weiwei- ble kjent ikke bare takket være kreative prosjekter. I hvert materiale om ham er hans opposisjonelle holdning nevnt. Weiwei bodde i USA en stund, så det er klare trender i arbeidet hans Vestlig kunst forrige århundre, kombinert med tradisjonelle østlige retninger. I 2011 toppet han listen over «The 100 most influential people in the art world» ifølge magasinet Art Review. Installasjonene hans er ikke bare kunstobjekter designet for å peke på sosiale problemer men også mye arbeid. Så, for et av prosjektene, samlet kunstneren 6000 krakker i landsbyene i Nord-Kina. Alle er plassert på gulvet i utstillingshallen, og dekker hele overflaten. I hjertet av et annet prosjekt – «IOU» – er en historie fra kunstnerens liv. Navnet er en forkortelse av uttrykket "I Owe You", som oversettes fra engelsk som "I owe you". Faktum er at artistene ble siktet for skatteunndragelse. På 15 dager måtte Weiwei finne 1,7 millioner euro og betale staten. Dette beløpet ble samlet inn takket være de som ikke er likegyldige til arbeidet og livet til den opposisjonelle kunstneren. Dermed ble en installasjon født fra et stort antall kvitteringer for overføring av midler. Weiwei holdt separatutstillinger i New York, San Francisco, Paris, London, Bern, Seoul, Tokyo og andre byer.

Med navnet til en konseptuell kunstner Zhu Yu begrepet "kannibal" henger uløselig sammen. I 2000, på en av utstillingene, presenterte han et provoserende fotoprosjekt, etterfulgt av skandaløse artikler og offentlige undersøkelser. Forfatteren presenterte for publikum en serie bilder der han spiser et menneskefoster. Etter det dukket det opp informasjon i en rekke medier om de merkelige matpreferansene til den kinesiske eliten - visstnok i noen restauranter får elskere av delikatesser servert embryoer. Provokasjonen var selvfølgelig en suksess. Etter det begynte Yus arbeid å bli populært, og han kunne selv begynne å tjene penger på de rare prosjektene sine. Når han snakket om å spise embryoer, bemerket han: «Kunstnere gjorde ikke annet enn å bruke lik i forestillinger, uten å skape noe nytt, blindt kopiere hverandre. Denne situasjonen irriterte meg, jeg ville sette en stopper for disse konkurransene, sette en stopper for dem. Arbeidet mitt var ikke ment for publikum, det måtte løse et internt teknisk problem. Jeg hadde ikke forventet en slik reaksjon." Forresten, utstillingen der Yu viste «Eating People» ble kalt Fuck Off, og Ai Weiwei, nevnt ovenfor, fungerte som dens kurator. Kunstneren har også mer humane prosjekter, for eksempel installasjonen «Pocket Theology». I utstillingshall en hånd henger fra taket og holder et langt tau som dekker hele gulvet. For øyeblikket har Yu flyttet inn i et annet kreativt stadium, blottet for tidligere opprørende. Han ble interessert i hyperrealisme.

Zeng Fanzhi- i dag en av de dyreste kinesiske artistene. I 2001 presenterte han for offentligheten sin versjon av " Det siste måltid". Komposisjonen er lånt fra Leonardo Da Vinci, men alt annet er fantasien til vår samtid. Så det var 13 personer ved bordet kledd som pionerer og med masker i ansiktet. Judas skiller seg ut mot deres bakgrunn, iført en vestlig skjorte og slips, som antyder til seeren at selv Kina, et tradisjonelt land, er påvirket av kapitalismen. I 2013 gikk dette arbeidet under hammeren for 23 millioner dollar.

Nedenfor er verk Zhao Zhao. Kunsthistorikere kaller denne kunstneren en av de mest lovende kinesiske samtidsforfatterne. I tillegg til at samlere fra hele verden villig skaffer seg kreasjonene hans, tar myndighetene også hensyn til dem – i 2012 «gikk» Zhaos verk til en utstilling i New York, men de kinesiske tollvesenet utplasserte festen. Arbeidene hans er assosiative, metaforiske og ofte knyttet til hendelser i kunstnerens liv. For eksempel, en gang en bilulykke ble en inspirasjonskilde for Zhao, der kunstneren trakk oppmerksomheten til hvordan interessante sprekker krøp langs frontruten ...

Zhang Xiaogang- forfatteren av en kjent serie med verk under det generelle navnet "Blood Footprints". Hun er et portrett av mennesker. ulike aldre laget i stil med fotografier, men med kunstneriske innslag. "Kina er én familie, én stor familie. Alle bør stole på hverandre og konfrontere hverandre. Dette var spørsmålet jeg ønsket å rette oppmerksomheten mot og som gradvis, mindre og mindre knyttet sammen med kulturrevolusjonen, og mer med representasjonen av folketilstanden i sinnet», sier kunstneren om «Blodspor». Serien ble opprettet over 10 år, den totale kostnaden overstiger 10 millioner dollar.