Japansk kunst å se i det fjerne. Japans kunstneriske kultur: utvikling og typer

Hallo, kjære lesere søkere etter kunnskap og sannhet!

I dag inviterer vi deg til å berøre det vakre og snakke om kunst gamle japan. I artikkelen nedenfor vil vi kort gjennomgå stadiene av historien som påvirket dannelsen av japansk kunst, og deretter dvele ved hver av komponentene i mer detalj. Du vil lære om funksjonene til ikke bare tradisjonelle typer, som arkitektur, maleri, men også om kampkunst, miniatyrer, teater, parker og mye mer.

Så artikkelen lover å være interessant, og viktigst av alt - informativ!

Historiske perioder

The Land of the Rising Sun har en unik kultur, nedfelt i tradisjonelle originale bygninger og templer, malerier, skulpturer, dekorasjoner, hager, litterære verk. I siste århundrene Slike ikke-trivielle områder som tresnitt, poesi, origami, bonsai, ikebana og til og med manga og anime blir stadig mer populært. Alle tok form i lang tid, forankret i antikken.

Svært lite var kjent om denne tiden før begynnelsen av forrige århundre, fordi Japan var et ganske lukket land for resten av verden. Imidlertid har det blitt utført en rekke studier siden den gang, de arkeologiske utgravningene som funnene er fantastiske. De viser at det allerede i det andre årtusen f.Kr. var et kulturelt japansk samfunn, og primitive stammer bodde på øyene for 15-12 tusen år siden.

Japansk kultur begynte å ta form rundt det 4. årtusen f.Kr., men nådde sitt høydepunkt i middelalderen – i perioden fra 600- til 1700-tallet.

Gammel japansk historie begynner med forhistorisk tid og slutter med Heian-scenen på 800-900-tallet, selv om mange forskere tilskriver mer sene perioder. I denne forbindelse skilles tre hovedstadier, som igjen er delt inn i mindre perioder, eller jidai. Hver av dem er preget av utseendet til nye produkter, strukturer, stiler.

1. Primitivt fellessystem

Det primitive samfunnet i Japan eksisterte i den neolitiske epoken, da de første steinverktøyene dukket opp, så vel som under Jomon- og Yayoi-perioden. Det antas at Jōmon varte fra det 10. årtusen til det 4. århundre f.Kr. Så begynte den første keramikken å dukke opp, som hadde samme navn som hele epoken - jomon.

Jōmon lerkar

Disse karene var asymmetriske i form og hadde tradisjonelle ornamenter i form av et vridd tau. Det antas at de ble brukt i ulike ritualer og ritualer. Samtidig dukket det opp ulike typer smykker - øredobber, armbånd og halskjeder laget av leire, dyretenner, skjell, steiner, krystall.

Øredobber og armbånd av leire fra Jomon-perioden

I det tredje århundre f.Kr. begynte Yayoi-tiden, som varte i seks århundrer. Deretter lokalbefolkningen de lærte å dyrke risavlinger, tok opp jordbruk, fortsatte å mestre keramikkkunsten, og begynte også å smelte metaller, hvorav det viktigste var jern, laget våpen av kobber og klokker av bronse.

Dotaku bronseklokke, slutten av Yayoi-tiden

• Dannelsen av staten Japansk stat begynte å ta form fra det 4. til det 8. århundre. Denne perioden er kjent som Kofun- og Yamato-perioden. Så dukket det opp et helt nettverk av gravhauger i landet, og Japan selv begynte å bevege seg nærmere det himmelske riket, og tok uunngåelig i bruk religion - og med det - arkitektur, skulptur. Tidens viktigste bygning er Horyu-ji, representert ved en pagode i fem lag. Spesielle skulpturer laget av leire, kalt "khaniva", begynte å bli installert nær haugene.

Horyu-ji, Japan

• Etablering av lover Dette stadiet faller på periodene Nara (VIII århundre) og Heian (sent VIII-XII århundre). I det øyeblikket kommer japanerne enda nærmere naboene - kineserne og koreanerne, sammen med det buddhistiske konseptet, låner de også konfucianske og taoistiske konsepter, tar i bruk metallbearbeidingsteknikker, konstruksjonsmetoder og bygningsdesign, nye trender innen maleri. Arkitektur er spesielt i endring - enkle shinto-helligdommer blir erstattet av buddhistiske stupaer som ligner på indiske. I boliger vanlige folk i stedet for bar jord, dukket det opp treplanker på gulvet, og tak av sypress dukket opp på toppen.

Skildring av Nara-perioden i Japan

Hvis vi snakker om et senere tidspunkt, kan vi skille flere perioder og deres viktigste kulturelle trekk:

• Karakum (XII-XIV århundre) - utseendet til samurai og kampsport;
• Sengoku og Jidai (XV-XVI århundrer) - tiden for europeisk ekspansjon inn i østens verden, der kristendommen og vestlige kulturelle trender trengte inn til og med inn i landet til den stigende solen;
• Edo (XVII-XIX århundrer) - kraften til den berømte Tokugawa-familien, preget av isolasjonen av Japan og utviklingen av kulturell identitet.

Alt som skjedde senere er allerede ny tid og modernitet, og nå er det utvilsomt, selv i relativt lukkede Japan, en viss kulturell globalisering- opplevelsen til vestlige mestere blir adoptert, og i vesten blir japanske motiver på sin side mote. Imidlertid har Japans kunst alltid hatt en spesiell smak, hatt egenskaper som er unike for den.

Enkelhet, proporsjonalitet med mennesket, konsisthet, naturlige materialer, enhet med naturen - slik kan du karakterisere japanske mesterverk, både gamle og moderne.

Maleri

Japan, som du vet, sto fra hverandre i lang tid, grensene var stengt for andre land. Da japanerne, med ankomsten av det 7. århundre, begynte å kommunisere oftere og oftere med naboene sine, for å knytte bånd til den kontinentale verden, oppdaget de maling, pergament, blekk og med dem kunst.

Til å begynne med var det ekstremt enkelt og konsist: enkle bilder ble laget på svart eller hvitt papir, vanligvis en av tre farger - gul, grønn eller rød. Men gradvis vokste ferdighetene til lokale malere, og i stor grad på grunn av spredningen av Buddhas lære, ettersom flere og flere bilder ble skapt fra livet til læreren og hans elever.

Bilder med buddhistiske temaer i det gamle Japan

På 900-tallet hadde Japan allerede dannet sin egen gren av maleri, som var uavhengig av kineserne. Samtidig begynte buddhismens rolle å svekkes, og religiøse motiver ble erstattet av de såkalte sekulære, det vil si sekulære, som var spesielt populære under Tokugawa-familiens regjeringstid.

Shoguns fra Tokugawa-dynastiet

Kaiga, som japanerne kalte maleriet, fikk helt andre former og stiler, og naturen tok en viktig plass i det. Siden den gang har maleriet manifestert seg i nye former:

• Yamato-e - hovedskole malere. Det oppsto på 900-1000-tallet og ble støttet av Kunstakademiet under keiseren. Verkene var rullede ruller som skildret litterære emner, kombinert med dyktig kalligrafi. Det var to hovedtyper av ruller: emakimono - mange meter lang, brettet horisontalt og ofte sett på bordet, og kakimono - brettet vertikalt og hengt på veggen. Vanligvis ble silke eller papir malt i yamato-e-stilen, men senere ble keramiske retter, nasjonale klær, vifter, vegger og skjermer i økende grad brukt som lerret. Det ble lagt særlig vekt på å formidle sinnstilstanden.
• Sumi-e - som en uavhengig stil ble dannet rundt XIV århundre. Funksjonene er bruken av akvarell og svart-hvitt-farger.
• Portretter - ble populært i XIII-XIV århundrer.
• Landskap - oppnådd popularitet i XIV-XV århundrer, hovedsakelig på grunn av spredningen av Zen-buddhismen over hele landet, som er basert på ideen om kontemplasjon og enhet med naturen.
• Ukiyo-e er et karakteristisk lyst maleri på brettene. Den dukket opp på 1600-tallet og inneholdt bilder av natur, kjente japanske geisha- eller Kabuki-teaterkunstnere. Et århundre senere ble denne trenden så populær at den til og med vant europeernes hjerter - de begynte å bruke denne stilen i sine egne verk.

Tradisjonelt Ukiyo-e-trykk

arkitektonisk retning

Opprinnelig var japansk arkitektur begrenset til konstruksjonen av gamle tradisjonelle hus- haniwa. De ble opprettet før det 4. århundre, og deres utseende kan bare bedømmes av de overlevende miniatyrmodellene og -tegningene, siden de ikke har overlevd til i dag.

Her gikk livet og livet til vanlige mennesker. Dette var originale dugouts, dekket ovenfra med en halmtak. Den ble støttet av spesielle trerammer.

Senere dukket takayuka opp - en analog av kornmagasiner. De besto også av spesielle støttebjelker, som gjorde det mulig å redde avlingen fra naturkatastrofer og skadedyr.

Omtrent på samme tid, i I-III århundrer, begynte templer å dukke opp eldgammel religion Shinto til ære for gudene som beskytter naturkreftene. De ble oftest bygget av ubehandlet og umalt sypress, og hadde en lakonisk rektangulær form.

Stråtaket eller furutaket var gavl, og selve strukturene ble bygget på søyler omgitt av paviljonger. En annen karakteristisk Shinto-helligdommer - U-formede porter foran inngangen.

I Shinto er det en lov om fornyelse: hvert tjuende år ble templet ødelagt, og nesten nøyaktig det samme, men nytt, ble bygget på samme sted.

Det mest kjente slike tempel heter Ise. Den ble først bygget i begynnelsen av det 1. årtusen og ble ifølge tradisjonen stadig gjenoppbygd. Ise består av to lignende komplekser som ligger litt fra hverandre: den første er dedikert til solens krefter, den andre er dedikert til fruktbarhetens guddom.

Siden 600-tallet begynte den buddhistiske læren som kom fra Kina og Korea å spre seg i Land of the Rising Sun, og med det prinsippene for å bygge buddhistiske templer. Først representerte de kinesiske kopier, men senere begynte en spesiell, virkelig japansk stil å spores i tempelarkitekturen.

Strukturene ble bygget asymmetrisk, som om de smeltet sammen med naturen. Konsisthet og klarhet i former, en treramme, kombinert med et steinfundament, pagoder i flere nivåer, ikke for lyse farger - dette er det som skiller datidens helligdommer.

Mange av dem har overlevd til i dag. Arkitekturmonumenter inkluderer Horyu-ji fra begynnelsen av 700-tallet med sitt berømte gylne tempel og 40 andre bygninger, Todai-ji fra midten av 800-tallet i byen Nara, som fortsatt regnes som den største trekonstruksjonen på planet. Samtidig er buddhistisk arkitektur tett sammenvevd med skulptur og maleri, som skildrer guddommer og motiver fra lærerens liv.

Todai-ji tempel

Ved overgangen til 1100- og 1200-tallet begynte føydalismen i staten, og derfor ble Shinden-stilen, som er preget av prakt, populær. Den ble erstattet av sein-stilen, i spissen for det er enkelhet og litt intimitet: i stedet for vegger er det nesten vektløse skjermer, på gulvet er det matter og tatami.

Samtidig begynte palasser-templer av lokale føydale herrer å dukke opp. Mesterverk av denne typen struktur er den berømte Kinkaku-ji fra 1300-tallet, eller Golden Pavilion, samt Ginkaku-ji fra 1400-tallet, også kjent som Silver Temple.

Ginkakuji-tempelet (den gyldne paviljongen)

Sammen med palasser-templer i XIV-XV århundrer begynte landskapshagekunst å dukke opp. På mange måter skyldes dets utseende penetrasjonen av Zens kontemplative lære i Japan. Hager begynte å dukke opp rundt templer og store boliger, der hovedkomponentene ikke bare var planter, blomster, men også steiner, vann, samt sand- og rullesteinshauger, som symboliserer vannelementet.

Den unike byen Kyoto er kjent over hele verden.

En annen type hage er en tehage, som kalles "tyaniva". Den omkranser tehuset, hvor det holdes en spesiell, rolig seremoni, og en spesiell sti går gjennom hele hagen til huset. Etter å ha dukket opp i middelalderen, finnes pulling overalt i dag.

Skulpturell retning

Skulptur i det gamle Japan er for det meste forbundet med religiøse og rituelle tradisjoner. Også i III-V århundrer folk lærte å lage små figurer kalt dogu.

Dogu avbildet mennesker, dyr, og gitt at de ble funnet i hauger, kan vi konkludere med at de ble lagt i graven sammen med de døde - dette var deres tjenere som kunne være nyttige i den neste verden. Dogu var leire, bronse, tre, lakk figurer. Senere ble det også opprettet større statuer av guddommer nær hauger og shinto-helligdommer.

dogu figur

Buddhismens ankomst til landet påvirket selvfølgelig den lokale skulpturen. Tallrike monumenter til Buddha begynte å dukke opp på 600-700-tallet. Etter de kinesiske og koreanske mesterne begynte lokale skulptører sin reise.

På 900-tallet begynte den skulpturelle retningen å utvikle seg enda mer, men endret seg utseende buddhaer og - de begynte å ha flere, opptil tusen, ansikter og hender. Oftest var de laget av sterke tresorter, lakk, bronse, leire.

Mange vakre monumenter har overlevd til i dag. For eksempel, i tempelet til Haryu-ji, sitter en majestetisk Buddha-figur på en lotusblomst, og i Todai-ji er det et helt ensemble av guddommer ledet av en 16 meter lang Buddha, som ble skapt av skulptørene Kaikei og Unkei .

Andre typer

Japansk kunst er mangefasettert, og du kan snakke om det i timevis. La oss snakke om flere andre typer kunst som oppsto i antikken.

• Kalligrafi

Det kalles sedo, som betyr «varslingsveien». Kalligrafi i Japan dukket opp takket være de vakre hieroglyfene som ble lånt fra kineserne. I mange moderne skoler regnes det som et obligatorisk fag.

• haiku eller haiku

Haiku er en spesiell japansk lyrisk poesi som dukket opp på 1300-tallet. Poeten kalles "haijin".

• Origami

Dette navnet oversettes som "papir som har blitt brettet." Origami kommer fra Midtriket og ble opprinnelig brukt i ritualer og var en okkupasjon for adelen, men har nylig spredt seg over hele verden.

eldgammel kunst origami i japan

• Ikebana

Ordet i oversettelse betyr "levende blomster". Som origami ble den opprinnelig brukt i ritualer.

• Miniatyrer

De to vanligste typene miniatyrer er bonsai og netsuke. Bonsai er kopier av ekte trær i sterkt redusert form. Netsuke er små figurer som talisman sjarm som dukket opp på 1700- og 1800-tallet.

• Kampsport

De er først og fremst assosiert med samurai - en slags ridderlighet, ninja - leiemordere, leiesoldater, bushido - krigere.

• Teaterkunst

Mest kjent teater, stoltheten til alle japanere - klassisk teater Kabuki. Detaljer om teaterkunst i Japan kan du lese .

Kabuki teater i Japan

Konklusjon

Som vi kan se av artikkelen, er Japan en hel skattkammer av mesterverk av kunst, ikke bare på nasjonalt, men også på global skala. Siden antikken, som begynner lenge før vår tidsregning, begynte japanerne å skape og skape vakre ting rundt: malerier, bygninger, statuer, dikt, parker, miniatyrer - og dette er ikke hele listen.

Det er interessant at trekkene som er nedfelt i den japanske kulturen i antikken også spores i vår tids kreasjoner - disse er enkelhet, konsisthet, naturlighet, ønsket om harmoni med naturen.

Tusen takk for oppmerksomheten, kjære lesere! Vi håper at du i dag har lært mye om et så mystisk og fjernt land som Japan. Bli med oss ​​- legg igjen kommentarer, del lenker til artikler med venner - vi vil bli veldig glade for å utforske mystisk verdenØst med deg!

Ser deg snart!

God ettermiddag, kjære lesere! Jeg fortsetter utvalget av spillefilmer om Japan som jeg anbefaler å se. Filmer, som bøker, lar deg bli kjent med livsstilen, mentaliteten og kulturen til innbyggerne i landet med den stigende solen.

Japanske spillefilmer:

1. Keiser, en felles film mellom Japan og USA, utgitt i 2012, sjanger - militærhistorie, regissert av Pitter Webber. Filmen viser hendelsene som fant sted i Japan etter andre verdenskrig, da amerikanske tropper ankom Japan for å gjenopprette orden, arrestere krigsforbrytere og bestemme den fremtidige utviklingen i Japan. Synet på situasjonen vises gjennom øynene til en amerikansk general som elsket en japansk jente før krigen. Han trengte å bestemme graden av skyldfølelse til keiser Hirohito av Japan for å utløse krigen.

Filmen er interessant fra et historisk synspunkt, da den viser de virkelige hendelsene fra den tiden. Og Japan presenteres ikke bare som et aggressorland, men også som et berørt land - byer er fullstendig ødelagt og brent, hundretusenvis av mennesker ble brent i eksplosjonen av atombomber.

2. Shinsengumi, året filmen ble laget 1969, laget i Japan, regissert av Tadashi Sawashima.

Filmen viser de siste årene av Tokugawa-shogunatet. Da en liten avdeling ble dannet fra en gruppe frie samurai (ronin) for å beskytte den siste shogunen til Tokugawa-klanen, den såkalte avdelingen til det selverklærte politiet. Denne militære avdelingen av desperate og modige samuraier ble ledet av Kondo Isami, en bonde av fødsel. Avdelingen var berømt for sin uovertrufne militære behendighet i hånd-til-hånd-kamp og for ideene om shogunatets seier over keisermakten.

Om samme emne kan du finne en dokumentar som gjenoppretter hendelsene fra den tiden og gir en objektiv vurdering av handlingene til Shinsengumi-avdelingen og dens sjef, Kondo Isami. Filmen er basert på historiske hendelser Og Spillefilm endrer praktisk talt ikke essensen av dokumentaren.

3. Skjult blad, laget i Japan, utgitt i 2004, regissert av Yoji Yamada. Sjangeren til filmen er drama, melodrama. Filmen foregår i midten av det nittendeårhundre i det lille fyrstedømmet Unasaku på nordvestkysten av Japan. I løpet av denne perioden skjer det store endringer i landet, samuraiene gjenoppbygges på vestlig vis og mestrer skytevåpen og nye måter å krigføring på. En konflikt begynner mellom den gamle livsstilen og alt nytt som raskt fanger japanernes liv.

På bakgrunn av forholdet mellom en mann og en kvinne vises bildet av en samurai diskret, som består i streng overholdelse av æresreglene, i verdighet og ærlighet. Etter å ha sett denne filmen, kommer du nok en gang til den konklusjon at stereotypen om at samurai er en militant klasse er feil. Med ordene til filmens helt, "for en samurai er det like vanskelig å drepe en person som noen andre."

4. Min regnfulle dager, produksjon Japan 2009, dramasjanger. Filmen viser livet til skolejenter som gjør enjo-kasai. Alt endres når hovedperson møter en ung mann, en historielærer. Denne romantiske filmen forteller om utviklingen av forholdet mellom dem. Veldig søt og rørende film.

5. Kjærlighet på et spesielt nivå- produksjon Japan, filmregissør Naoto Kumazawa, utgivelsesår 2014, melodrama sjanger.

Det hele starter på videregående, Kururuki Yuni er en videregående elev, smart, hun har høye karakterer i alle disipliner bortsett fra engelsk. Hun er målrettet og smart, skjuler alle følelser dypt i seg selv og er derfor veldig ensom.

En ung engelsklærer, Sakurai, tildeler Yunis daglige klasser. Hva fikk ham til å gjøre det? Ønsket om å lære Kukuruki språket eller ønsket om å ta jenta ut av skallet hennes. Men uansett hva det var, førte de ekstra engelsktimene til et resultat som ingen forventet. Filmen er søt, alle handlingene er rolige med et minimum av ord og et følelsesspill, vakre skuespillere, rolig musikalsk akkompagnement. Designet for et kvinnelig tenåringspublikum. Kan virke litt stramt.

6. Jeg vil klemme deg- produksjon Japan, filmregissør Akihiko Shioto, utgivelsesår 2014.

trist og Rørende historie forholdet mellom gutten Masami og jenta Tsukasa er basert på virkelige hendelser. Filmen foregår på øya Hokkaido. En dag ankommer en gruppe unge basketballspillere treningsstudioet, som samtidig var reservert av en gruppe funksjonshemmede. Denne hendelsen tillot drosjesjåføren Masami, som har spilt basketball siden skolen, å møte Tsukasa, som ble ufør som følge av en bilulykke.

Tsukasa liker ikke å bli behandlet som en invalid. Etter å ha overlevd de alvorlige konsekvensene av ulykken og gradvis vendt tilbake til livet, ble hun sterk. Masami er på sin side en snill og mild person. Forholdet deres ble ikke forstått av foreldrene på begge sider, men til tross for dette fortsatte de unge å møtes. Innse at forholdet til unge mennesker oppriktige foreldre også ble forelsket i Tsukasa. Det var et fantastisk bryllup med en kjekk ung mann og en jente i rullestol, men livet har sin egen måte ...

Med denne artikkelen begynner jeg en serie artikler om historien til japansk kunst. Disse innleggene vil hovedsakelig fokusere på maleri fra Heian-perioden, og denne artikkelen er en introduksjon og beskriver kunstens utvikling fram til 800-tallet.

Jōmon-periode
Japansk kultur har svært eldgamle røtter – de tidligste funnene dateres tilbake til det 10. årtusen f.Kr. e. men offisielt regnes begynnelsen av Jomon-perioden for å være 4500 f.Kr. e. Om denne perioden nekokit skrev et veldig bra innlegg.
Det unike med Jemon-keramikk er at utseendet til keramikk, sammen med utviklingen av landbruket, vanligvis indikerer begynnelsen av den neolitiske epoken. Men selv i mesolitisk tid, flere tusen år før bruken av jordbruket, skapte Jomons jeger-samlere keramikk med en ganske kompleks form.

Til tross for det veldig tidlige utseendet til keramikk, utviklet folket i Jomon-tiden teknologi veldig sakte og holdt seg på steinalderens nivå.

I løpet av den midtre Jōmon-perioden (2500-1500 f.Kr.) dukket det opp keramiske figurer. Men i både mellom- og senperioden (1000-300 f.Kr.) forblir de abstrakte og svært stiliserte.

Fra Ebisuda, Tajiri-cho, Miyagi.H. 36,0.
Jomon-perioden, 1000–400 f.Kr.
Tokyo nasjonalmuseum

Forresten, ufologer mener at dette er bilder av romvesener. I disse figurene ser de romdrakter, briller og oksygenmasker i ansiktet, og bildene av spiraler på "romdraktene" regnes som kart over galakser.

Yayoi-periode
Yayoi er en kort periode i Japansk historie, som varte fra 300 f.Kr. til 300 e.Kr., der de mest dramatiske kulturelle endringene i det japanske samfunnet fant sted. I løpet av denne perioden brakte stammene som kom fra fastlandet og fortrengte urbefolkningen på de japanske øyene sin kultur og nye teknologier, som risdyrking og bronsebehandling. Igjen ble det meste av kunsten og teknologien fra Yayoi-perioden importert fra Korea og Kina.

Kofun-periode
Mellom 300 og 500 år ble stammeledere gravlagt i hauger kalt "Kofun". Denne perioden kalles med dette navnet.

Ting som de døde kunne trenge ble lagt i gravene. Dette er mat, verktøy og våpen, smykker, keramikk, speil og de mest interessante - leirefigurer kalt "haniwa".

Fra Kokai, Oizumi-machi, Gunma.H.68.5.
Kofun-perioden, 600-tallet.
Tokyo nasjonalmuseum

Den nøyaktige hensikten med figurene er fortsatt ukjent, men de finnes på alle gravplassene i Kofun-tiden. Fra disse små figurene kan man forestille seg hvordan folk levde på den tiden, ettersom mennesker er avbildet med verktøy og våpen, og noen ganger ved siden av hus.

Disse skulpturene, som er påvirket av kinesiske tradisjoner, har uavhengige elementer som bare er iboende i lokal kunst.

Kvinnelig danser, vestlige Han-dynastiet (206 f.Kr.–9. e.Kr.), 2. århundre f.Kr.
Kina
Metropolitan Museum of Art, NY

I løpet av Kofun-perioden blir figurene mer raffinerte og mer og mer annerledes. Dette er bilder av soldater, jegere, sangere, dansere og så videre.

Fra Nohara, Konan-machi, Saitama. Present H. 64.2, 57.3.
Kofun-perioden, 600-tallet.
Tokyo nasjonalmuseum

Det er et annet trekk ved disse skulpturene. Haniva representerer ikke bare en sosial funksjon, men også stemningen til figuren. En kriger har for eksempel et strengt uttrykk i ansiktet. og på ansiktene til bøndene store smil.

Fra Iizuka-cho, Ota-shi, Gunma.H. 130,5.
Kofun-perioden, 600-tallet.
Tokyo nasjonalmuseum

Asuka-perioden
Siden Yayoi-perioden har japansk visuell kunst vært uatskillelig fra koreansk eller kinesisk kunst. Dette blir mest merkbart på det syvende og åttende århundre, da japansk kunst raskt begynte å utvikle seg til en rekke visuelle sjangere.

På 600-tallet skjedde kardinalendringer i det japanske samfunnet: den første japanske staten Yamato tok endelig form, og også i 552 kom buddhismen til Japan, og brakte med seg buddhistisk skulptur og konseptet med et tempel, som forårsaket utseendet av templer i Japan - som Shinto, så vel som buddhistiske.
Shinto-helligdommer fulgte arkitekturen til kornmagasinene (De tidligste shinto-helligdommene var kornmagasiner hvor det ble holdt høstfeiringer. Under rituelle høytider trodde folk at gudene festet med dem.)
Shinto guder – først og fremst naturkrefter slik at arkitekturen til disse helligdommene er integrert med naturen, som elver og skoger. Dette er viktig å forstå. I Shinto-arkitekturen var menneskeskapte strukturer ment å være forlengelser av den naturlige verden.

Det første buddhisttempelet, Shitennoji, ble først bygget i 593 i Osaka. Disse tidlige templene var imitasjoner av koreanske buddhistiske templer, bestående av en sentral pagode omgitt av tre bygninger og en overbygd korridor.

Spredningen av buddhismen la til rette for kontakter mellom Japan og Korea med Kina og integreringen av kinesisk kultur i japansk kultur.

Japan er det minste landet Langt øst- 372 tusen kvadratkilometer. Men bidraget som Japan har gitt til verdenskulturens historie er ikke mindre enn bidraget fra de store eldgamle statene.

Opprinnelsen til kunsten i dette eldgamle landet går tilbake til det 8. årtusen f.Kr. Men den viktigste scenen i alle områder av sin kunstnerisk liv det var en periode som begynte på 6-700-tallet fra R.Kh. og fortsatte til midten av 1800-tallet. Utviklingen av japansk kunst gikk ujevnt frem, men den kjente ikke til for skarpe endringer eller kraftige nedganger.

Japansk kunst utviklet i spesielle naturlige og historiske forhold. Japan ligger på fire store øyer (Honshu, Hokkaido, Kyushu og Shioku) og mange mindre. I lang tid hun var uinntagelig og kjente ikke til ytre kriger. Japans nærhet til fastlandet påvirket etableringen av kontakter med Kina og Korea i antikken. Dette satte fart i utviklingen av japansk kunst.

Japansk middelalderkunst vokste under påvirkning av koreanske og kinesiske kulturer. Japan tok i bruk det kinesiske manuset og trekk ved det kinesiske verdensbildet. Buddhismen ble Japans statsreligion. Men japanerne brøt kinesiske ideer på sin egen måte og tilpasset dem til deres livsstil.

Japansk hus, japansk interiør
Det japanske huset er like klart og enkelt på innsiden som det er på utsiden. Det ble holdt konstant rent. Gulvet, polert til en glans, var dekket med lette stråmatter - tatami, og delte rommet inn i jevne rektangler. Sko ble fjernet ved dørstokken, ting ble oppbevart i skap, kjøkkenet var adskilt fra boligkvarteret. På rommene var det som regel ingen faste ting. De ble brakt inn og tatt bort etter behov. Men hver ting i et tomt rom, det være seg en blomst i en vase, et bilde eller et lakkbord, vakte oppmerksomhet og fikk en spesiell uttrykksevne.

Alle typer kunst er assosiert med utformingen av rommet til et hus, tempel, palass eller slott i middelalderens Japan. Hver fungerte som et komplement til den andre. For eksempel komplementerte og satte en dyktig valgt bukett i gang stemningen som ble formidlet i landskapsmaleriet.

Den samme upåklagelige presisjonen, den samme følelsen av materiale, som i dekorasjonen av et japansk hus, ble følt i produktene til dekorativ kunst. Ikke uten grunn ved teseremonier, som den største juvelen, ble redskapene laget av hender brukt. Dens myke og ujevne crock holdt sporet av fingrene som skulpturerte våt leire. Rosa-perle, turkis-lilla eller grå-blå glasurer var ikke fengende, men de følte utstrålingen av naturen selv, med livet som hvert gjenstand for japansk kunst er assosiert.

Japansk keramikk
Uglasert, håndstøpt og brent ved lav temperatur, leirekar lignet på keramikk fra andre eldgamle folk. Men de hadde allerede funksjoner som er unike for japansk kultur. Mønstrene til kanner og tallerkener av forskjellige former reflekterte ideer om elementene i orkaner, hav og ildpustende fjell. Fantasien til disse produktene så ut til å ha blitt tilskyndet av naturen selv.

Massive, nesten en meter høye kanner med et fast mønster av konvekse leirebunter ligner enten svingete skjell, eller forgrenede korallrev, eller floker av alger, eller taggete kanter av vulkaner. Disse majestetiske og monumentale vasene og bollene tjente ikke bare hjemlige, men også rituelle formål. Men i midten av det 1. årtusen f.Kr. bronsegjenstander kom i bruk og keramiske redskaper mistet sin rituelle hensikt.

Ved siden av keramikk dukket det opp nye produkter av kunstnerisk håndverk - våpen, smykker, bronseklokker og speil.

Japanske husholdningsartikler
På 900-1200-tallet e.Kr. ble smaken til det japanske aristokratiet avslørt i dekorativ kunst. Glatte, fuktbestandige lakkartikler, drysset med gull- og sølvpulver, lette og elegante, som om de lyser opp skumringen i japanske rom, og utgjorde et stort utvalg av hverdagsting. Lakk ble brukt til å lage skåler og skrin, kister og bord, musikkinstrumenter. Hver eneste lille ting i templet og hverdagen - sølvbestikk til mat, vaser til blomster, mønstret papir til bokstaver, broderte belter - avslørte japanernes poetiske og emosjonelle holdning til verden.

Japansk maleri
Med utviklingen av monumental palassarkitektur ble aktiviteten til malere ved rettsskolen mye mer aktiv. Kunstnere måtte male store overflater ikke bare av vegger, men også av flerfoldede papirbrettingsskjermer, som spilte rollen som både malerier og bærbare skillevegger i rommet. Et trekk ved den kreative måten til talentfulle håndverkere var valget av en stor, flerfarget detalj av landskapet på det enorme planet av et veggpanel eller en skjerm.

Komposisjonene av blomster, urter, trær og fugler, utført av Kano Eitoku på gylden skinnende bakgrunn med tykke og saftige flekker, generaliserte ideer om universets kraft og storhet. Representanter for Kano-skolen, sammen med naturlige motiver, inkludert i maleriene og nye emner som gjenspeiler livet og livet til den japanske byen på 1500-tallet.

Det var også monokrome landskap på palassskjermene. Men de har en flott dekorativ effekt. Slik er skjermen malt av Sesshus tilhenger, Hasegawa Tohaku (1539-1610). Dens hvite matte overflate tolkes av maleren som et tykt tåkeslør, hvorfra silhuettene av gamle furutruk, som syner, plutselig bryter ut. Med bare noen få dristige blekkklatter, skaper Tohaku et poetisk bilde av en høstskog.

De monokrome landskapsrullene, med sin myke skjønnhet, kunne ikke matche stilen til palasskamrene. Men de beholdt sin betydning som en uunnværlig del av chashitsu-tepaviljongen, designet for åndelig konsentrasjon og fred.

Kunstverk av japanske mestere forblir ikke bare tro mot eldgamle stiler, men har også alltid noe nytt i seg som ingen andre kunstverk har. I japansk kunst er det ikke plass for klisjeer og maler. I den, som i naturen, er det ikke to helt identiske kreasjoner. Og selv nå kan ikke kunstverk av japanske mestere forveksles med kunstverk fra andre land. I japansk kunst har tiden gått ned, men den har ikke stoppet opp. I japansk kunst har tradisjonene fra antikken overlevd til i dag.

Har en veldig rik historie; dens tradisjon er omfattende, med Japans unike posisjon i verden som i stor grad påvirker de dominerende stilene og teknikkene til japanske kunstnere. Kjent faktum At Japan har vært ganske isolert i århundrer skyldes ikke bare geografi, men også den dominerende japanske kulturelle tilbøyeligheten til isolasjon som har preget landets historie. I løpet av århundrene av det vi kan kalle "japansk sivilisasjon", utviklet kultur og kunst seg atskilt fra de i resten av verden. Og dette er til og med merkbart i praksisen med japansk maleri. For eksempel er Nihonga-maleriene blant stiftene i japansk malerpraksis. Det er basert på over tusen års tradisjon, og maleriene er vanligvis laget med pensler på ditt (japansk papir) eller egina (silke).

Imidlertid har japansk kunst og maleri blitt påvirket av utenlandsk kunstnerisk praksis. For det første var det kinesisk kunst på 1500-tallet og kinesisk maleri og den kinesiske kunsttradisjonen som var spesielt innflytelsesrik på flere måter. Fra og med 1600-tallet ble japansk maleri også påvirket av vestlige tradisjoner. Spesielt i førkrigstiden, som varte fra 1868 til 1945, ble japansk maleri påvirket av impresjonisme og europeisk romantikk. Samtidig ble nye europeiske kunstbevegelser også betydelig påvirket av japansk kunstneriske teknikker. I kunsthistorien omtales denne påvirkningen som "japanisme", og den er spesielt viktig for impresjonistene, kubistene og kunstnere knyttet til modernismen.

Den lange historien til japansk maleri kan sees på som en syntese av flere tradisjoner som skaper deler av en anerkjent japansk estetikk. For det første har buddhistisk kunst og malemetoder, så vel som religiøst maleri, satt et betydelig preg på estetikken til japanske malerier; vannblekkmaling av landskap i tradisjonen med kinesisk litterært maleri er et annet viktig element som er anerkjent i mange kjente japanske malerier; maleri av dyr og planter, spesielt fugler og blomster, er noe som ofte forbindes med japanske komposisjoner, det samme er landskap og scener fra hverdagen. Til slutt hadde eldgamle ideer om skjønnhet fra filosofien og kulturen i det gamle Japan stor innflytelse på japansk maleri. Wabi, som betyr forbigående og barsk skjønnhet, sabi (skjønnheten til naturlig patina og aldring) og yugen (dyp ynde og subtilitet) påvirker fortsatt idealene i utøvelse av japansk maleri.

Til slutt, hvis vi fokuserer på å velge de ti mest kjente japanske mesterverkene, må vi nevne ukiyo-e, som er en av de mest populære kunstsjangrene i Japan, selv om den tilhører grafikk. Den dominerte japansk kunst fra 1600- til 1800-tallet, med kunstnere som tilhørte denne sjangeren som produserte tresnitt og malerier av emner som f.eks. vakre jenter, kabuki-skuespillere og sumobrytere, samt scener fra historien og folkeeventyr, reisescener og landskap, flora og fauna og til og med erotikk.

Det er alltid vanskelig å lage en liste over de beste bildene fra kunstneriske tradisjoner. Mange fantastiske verk vil bli ekskludert; Denne listen inneholder imidlertid ti av de mest gjenkjennelige japanske maleriene i verden. Denne artikkelen vil kun presentere malerier laget fra 1800-tallet til i dag.

Japansk maleri har en ekstremt rik historie. Gjennom århundrene har japanske kunstnere utviklet et stort antall unike teknikker og stiler, som er Japans mest verdifulle bidrag til kunstverdenen. En av disse teknikkene er sumi-e. Sumi-e betyr bokstavelig talt "blekktegning", og kombinerer kalligrafi og blekkmaling for å skape en sjelden skjønnhet av penselmalte komposisjoner. Denne skjønnheten er paradoksal - eldgammel, men moderne, enkel, men kompleks, modig, men likevel avdempet, og reflekterer utvilsomt det åndelige grunnlaget for kunst i Zen-buddhismen. Buddhistiske prester brakte den harde blekkblokken og bambusbørsten til Japan fra Kina i det sjette århundre, og i løpet av de siste 14 århundrene har Japan utviklet en rik arv av blekkmaleri.

Rull ned og se 10 japanske malerimesterverk

1. Katsushika Hokusai "Dream of the Fisherman's Wife"

Et av de mest gjenkjennelige japanske maleriene er The Dream of the Fisherman's Wife. Den ble malt i 1814 av den berømte kunstneren Hokusai. Med strenge definisjoner kan ikke dette fantastiske verket av Hokusai betraktes som et maleri, ettersom det er et ukiyo-e tresnitt fra Young Pines (Kinoe no Komatsu), som er en tre-binders shunga-bok. Komposisjonen skildrer en ung ama-dykker seksuelt sammenvevd med et par blekkspruter. Dette bildet var svært innflytelsesrikt på 1800- og 1900-tallet. Verket påvirket senere kunstnere som Felicien Rops, Auguste Rodin, Louis Ocock, Fernand Khnopf og Pablo Picasso.

2. Tessai Tomioka "Abe no Nakamaro skriver et nostalgisk dikt mens han ser på månen"

Tessai Tomioka er pseudonymet til en kjent japansk kunstner og kalligraf. Han regnes som den siste store kunstneren i Bunjing-tradisjonen og en av de første store kunstnerne i Nihonga-stilen. Bunjinga var en skole for japansk maleri som blomstret i slutten av Edo-perioden blant kunstnere som betraktet seg som litterater eller intellektuelle. Hver av disse kunstnerne, inkludert Tessaia, utviklet sin egen stil og teknikk, men de var alle store fans av kinesisk kunst og kultur.

3. Fujishima Takeji "Soloppgang over Østsjøen"

Fujishima Takeji var en japansk kunstner kjent for sitt arbeid med å utvikle romantikk og impresjonisme i kunstbevegelsen Yoga (vestlig stil) i sent XIX- begynnelsen av XX århundre. I 1905 reiste han til Frankrike, hvor han ble påvirket av datidens franske bevegelser, spesielt impresjonismen, som kan sees i hans maleri fra 1932 Sunrise over the East Sea.

4. Kitagawa Utamaro "Ti typer kvinnelige ansikter, en samling av dominerende skjønnheter"

Kitagawa Utamaro var en fremtredende japansk kunstner som ble født i 1753 og døde i 1806. Han er desidert mest kjent for en serie kalt The Ten Types kvinnelige ansikter. Samling av herskende skjønnheter, temaer Stor kjærlighet klassisk poesi" (noen ganger kalt "Kvinner forelsket", som inneholder separate utskrifter av "Naken kjærlighet" og "Tenksom kjærlighet"). Han er en av de mest betydelige kunstnere som tilhører ukiyo-e tresnittsjangeren.

5. Kawanabe Kyosai "Tiger"

Kawanabe Kyosai var en av de mest kjente japanske kunstnerne fra Edo-perioden. Kunsten hans ble påvirket av Tohaku, en Kano-maler fra 1500-tallet som var den eneste maleren på sin tid som malte skjermer helt i blekk mot en delikat bakgrunn av pulverisert gull. Selv om Kyosai er kjent som tegneserieskaper, har han skrevet noe av det meste kjente malerier i japansk kunsthistorie på 1800-tallet. "Tiger" er et av de maleriene Kyosai brukte akvarell og blekk for å lage.

6. Hiroshi Yoshida Fuji fra Kawaguchi-sjøen

Hiroshi Yoshida er kjent som en av hovedfigurene i Shin-Hanga-stilen (Shin-Hanga er en kunstbevegelse i Japan på begynnelsen av 1900-tallet, under Taisho- og Showa-periodene, som gjenopplivet tradisjonell kunst ukiyo-e, som slo rot i Edo- og Meiji-perioden (XVII - XIX århundrer)). Han ble opplært i tradisjonen med vestlig oljemaleri, som ble adoptert i Japan under Meiji-perioden.

7. Takashi Murakami "727"

Takashi Murakami er trolig den mest populære japanske artisten i vår tid. Arbeidene hans selges for astronomiske priser på store auksjoner, og arbeidet hans inspirerer allerede nye generasjoner av kunstnere, ikke bare i Japan, men også utenfor. Murakami-kunst inkluderer hele linjen media og beskrives vanligvis som et superplan. Arbeidene hans er kjent for sin bruk av farger, med motiver fra japansk tradisjonell og populærkultur. Innholdet i maleriene hans blir ofte beskrevet som "søt", "psykedelisk" eller "satirisk".

8. Yayoi Kusama "gresskar"

Yaoi Kusama er også en av de mest kjente japanske artistene. Hun jobber i en rekke medier, inkludert maleri, collage, scat-skulptur, performancekunst, miljøkunst og installasjon, hvorav de fleste viser hennes tematiske interesse for psykedeliske farger, repetisjon og mønster. En av de mest kjente seriene til denne store artisten er Pumpkin-serien. En polkaprikket vanlig kalebass i knallgul vises mot et nett. Sammen danner alle slike elementer et visuelt språk som er umiskjennelig for kunstnerens stil, og som har blitt utviklet og foredlet gjennom flere tiår med møysommelig håndverk og reproduksjon.

9. Tenmyoya Hisashi "Japanese Spirit #14"

Tenmyoya Hisashi er en moderne japansk kunstner som er kjent for sine neo-nihonga-malerier. Han deltok i gjenopplivingen av den gamle tradisjonen med japansk maleri, som er det stikk motsatte av moderne japansk maleri. I 2000 skapte han også sin en ny stil butouha, som viser en fast holdning til autoritet kunst system gjennom maleriene hans. "Japanese Spirit No. 14" ble opprettet som en del av kunstnerisk opplegg"BASARA", tolket i japansk kultur som den opprørske oppførselen til det lavere aristokratiet under perioden med krigføring av stater, for å frata myndighetene muligheten til å søke perfekt bilde liv, kle seg i pompøse og luksuriøse klær og handle av fri vilje, som ikke samsvarte med deres sosiale klasse.

10. Katsushika Hokusai "Den store bølgen utenfor Kanagawa"

Til slutt er nok The Great Wave utenfor Kanagawa den mest gjenkjennelige japansk maleri noen gang skrevet. Det er egentlig mest kjent verk kunst laget i Japan. Den skildrer store bølger, truende båter utenfor kysten av Kanagawa Prefecture. Selv om den noen ganger forveksles med en tsunami, har bølgen, som navnet på maleriet antyder, mest sannsynlig ganske enkelt en unormalt høy høyde. Maleriet er laget i ukiyo-e-tradisjonen.