Os melhores teatros de Londres. Jogo dos Teatros da Inglaterra

Teatro O primeiro teatro da corte, que existiu em 1672-1676, foi definido pelo próprio czar Alexei Mikhailovich e seus contemporâneos como uma espécie de "diversão" e "frieza" moderna à imagem e semelhança dos teatros dos monarcas europeus. O teatro da corte real não apareceu imediatamente. russos

Secretaria Municipal de Educação da Administração de Polysaevo

Centro de informação e metodológico

Municipal instituição educacional

"Média escola compreensiva Nº 35"

História do teatro no Reino Unido

projeto de pesquisa

Polisaevo 2007

Secretaria Municipal de Educação da Administração de Polysaevo

Centro de informação e metodológico

Instituição de ensino municipal

"Escola secundária nº 35"

História do teatro no Reino Unido

Daria Putintseva,

Proposto pesquisar contém uma descrição da história do teatro na Grã-Bretanha. O projeto de pesquisa caracteriza o teatro inglês desde a Idade Média até a atualidade, seus rumos e tendências. A obra traça a formação e o desenvolvimento das principais tendências teatrais, a originalidade da luta teatral em estágios diferentes desenvolvimento histórico. É dada especial atenção à questão das especificidades nacionais do teatro inglês.

História do teatro no Reino Unido: pesquisar / . - Polysaevo: Centro de Informação e Metodologia, 2007.

Nota explicativa

Objetivo do trabalho: familiarização com uma cultura estrangeira.

Tarefas de trabalho: expandindo o conhecimento cultural sobre o Reino Unido.

O teatro inglês é parte integrante da cultura mundial. As melhores tradições da arte nacional inglesa enriqueceram o processo teatral mundial. O trabalho de atores, diretores e dramaturgos ingleses conquistou amor e reconhecimento muito além das fronteiras da Inglaterra.

O trabalho de atores, diretores e dramaturgos da Grã-Bretanha há muito goza de reconhecimento e amor na Rússia.

A história do teatro está há muito associada à história da humanidade. A partir dessa página inicial da história, à medida que a humanidade se lembra de si mesma, também se lembra do teatro, que se tornou seu eterno companheiro.

Você ama teatro tanto quanto eu amo? - perguntou nosso grande compatriota Vissarion Belinsky aos seus contemporâneos, profundamente convencidos de que uma pessoa não pode deixar de amar o teatro.

Você ama teatro? Com a mesma pergunta há mais de 20 séculos, poderiam ter-se dirigido aos seus espectadores, que enchiam os bancos de pedra dos enormes anfiteatros sob céu aberto Hellas, os grandes pais do antigo teatro Ésquilo e Sófocles, Eurípides e Aristófanes.

Seguindo-os, já em outros séculos, outras épocas históricas, com apelo semelhante aos seus contemporâneos, Shakespeare e Ben Jonson na Inglaterra poderiam virar. E todos eles, perguntando às pessoas da sua época: “Você gosta de teatro?” - teria o direito de contar com uma resposta afirmativa.

O teatro, a literatura e a música ingleses são parte integrante da cultura mundial. As melhores tradições da cultura inglesa enriqueceram o mundo processo cultural, conquistou amor e reconhecimento muito além das fronteiras da Inglaterra.

O trabalho dos dramaturgos ingleses há muito goza de reconhecimento e amor na Rússia. Os maiores atores do teatro russo atuaram nas tragédias de Shakespeare.

Na história da cultura inglesa distinguem-se os seguintes períodos principais: a Idade Média, o Renascimento, o século XVII, o século XVIII (Idade do Iluminismo), o século XIX (romantismo, realismo crítico), período final do século XIX século - início do século XX (1871 - 1917) e século XX, em que se distinguem dois períodos: 1917 - 1945. e 1945 – presente.

Primeira Idade Média ( V – XI séculos)

No século 6 aC, as Ilhas Britânicas foram invadidas pelos celtas. No século I DC, a Grã-Bretanha foi conquistada pelos romanos. O domínio do Império Romano continuou até o século V, quando os anglo-saxões e os jutos invadiram o território da Grã-Bretanha. As tribos anglo-saxãs trouxeram sua língua, cultura e modo de vida para as Ilhas Britânicas.

A história do teatro medieval é a história da luta entre as visões religiosas e idealistas da vida e a visão de mundo realista do povo.

Durante muitos séculos na vida dos povos da Europa feudal, foram preservadas as tradições das festividades rituais pagãs, contendo elementos de teatralização: o confronto do Inverno e do Verão, os Jogos de Maio, nos quais eram encenadas esquetes com a participação do Rei e Rainha de maio, etc. etc. Trupes percorreram a Europa diversões folclóricas - histrions. Sabiam fazer tudo: cantar, dançar, fazer malabarismos, atuar. Representando cenas cômicas, muitas vezes eles não apenas divertiam o público, mas também ridicularizavam aqueles que oprimiam e oprimiam pessoas comuns. Portanto, a igreja proibiu os jogos rituais, perseguiu os histrions, mas foi impotente para destruir o amor do povo pelas apresentações teatrais.

Num esforço para tornar o serviço religioso - a liturgia - mais eficaz, os próprios clérigos começam a usar formas teatrais. Surge o primeiro gênero de teatro medieval - o drama litúrgico (séculos IX-XIII). Durante a liturgia, os sacerdotes encenaram histórias das Sagradas Escrituras. Com o tempo, apresentações de dramas litúrgicos são retiradas da igreja para o alpendre e o cemitério.

XI – XV século

No século 11, as Ilhas Britânicas foram conquistadas pelos normandos. Isso contribuiu para a influência francesa na vida cultural do país.

Nos séculos XIII-XIV. um novo gênero de performance teatral medieval aparece – mirakl ("milagre"). As tramas dos milagres são emprestadas das lendas sobre os santos e a virgem Maria.

Pináculo do teatro medieval – mistério . Desenvolve-se nos séculos XIV-XV, durante o apogeu das cidades medievais. Mistérios são jogados nas praças da cidade. A apresentação do mistério foi massiva - e de acordo com o número de participantes, a Alegoria" href="/text/category/allegoriya/" rel="bookmark"> alegórica. Personagens de moralidade geralmente personificavam várias propriedades humanas, seus vícios e virtudes .

O herói da moralidade é uma pessoa em geral. “Every man” - esse era o nome da moralidade inglesa do final do século XV. Nesta peça, a Morte apareceu a cada pessoa e chamou-a para uma “longa viagem”, permitindo-lhe levar consigo qualquer companheiro. Uma pessoa recorreu à Amizade, ao Parentesco, à Riqueza, mas foi recusada em todos os lugares. Força, Beleza, Razão, Cinco Sentidos concordaram em acompanhar uma pessoa, mas à beira da sepultura todos o abandonaram. Apenas Boas Ações pulou na sepultura com ele. Moralite abandonou os assuntos bíblicos, mas manteve a edificação religiosa.

Farsa - o primeiro gênero de teatro medieval que rompeu com a moral religiosa. A farsa, gênero alegre e satírico, ridicularizava os conceitos sociais, políticos e morais da sociedade feudal. Cavaleiros tolos, mercadores gananciosos, monges voluptuosos atuam na farsa. Mas o verdadeiro herói desse gênero, de todas as tramas não muito decentes, mas sempre engraçadas e farsas, é um malandro alegre do povo comum. Numa farsa, quem enganou todo mundo tem razão.

A experiência das performances farsescas foi amplamente utilizada pelo teatro das épocas subsequentes. As comédias de Shakespeare adotaram não apenas os métodos bufões da farsa, mas também o espírito do livre-pensamento popular que as preenchia.

Renascimento

Em XV - séculos XVI nos países europeus, está ocorrendo “a maior convulsão progressiva de todas experimentada pela humanidade até então” - a transição da Idade Média feudal para o novo tempo, marcada por Período inicial desenvolvimento do capitalismo. Esta era de transição foi chamada de Renascença ou Renascença.

Esta foi a época nova cultura, rompendo com os dogmas religiosos, uma era de rápido desenvolvimento da arte e da literatura, revivendo os ideais da antiguidade. Grandes oportunidades para ativos atividade criativa. Nesta época ocorre a formação da cultura nacional.

O século 16 na Inglaterra foi o apogeu do drama. O teatro inglês respondeu aos interesses populares e foi extraordinariamente popular numa atmosfera de ascensão nacional. No final do século XVI havia cerca de vinte teatros em Londres; entre eles, o James Burbage Theatre e o Philip Hensloe Theatre eram especialmente famosos. O desenvolvimento da cultura teatral não ocorreu sem dificuldades, o principal obstáculo foram as ações dos puritanos, que consideravam o teatro um assunto “demoníaco”.

Os dramaturgos da época incluíam Robert Greene, Thomas Kidd, Christopher Marlowe e outros.

As peças de Beaumont (1584-1616) e Fletcher (1579-1625) caracterizam outra época na história do teatro inglês. Eles procuraram aristocratizar o teatro, introduzir uma certa sofisticação e decência nas apresentações teatrais. As ideias nobres e monarquistas tornam-se objeto de atenção especial no teatro de Beaumont e Fletcher. Pedidos de serviço altruísta ao rei são constantemente ouvidos no palco.

Willian Shakespeare

O teatro da Renascença inglesa deve seu apogeu, em primeiro lugar, a William Shakespeare. A dramaturgia de Shakespeare é o resultado de todo o desenvolvimento anterior do drama, o ápice do teatro.

“A tragédia nasceu na praça” - escreveu, referindo-se às origens distantes da obra de Shakespeare - o teatro popular de mistérios medievais. As tradições do teatro de praças - ampla cobertura de acontecimentos, alternância de episódios cômicos e trágicos, dinâmica de ação - foram preservadas pelos antecessores de Shakespeare - os dramaturgos R. Green, K. Marlo e outros. Eles trouxeram ao palco ideias amantes da liberdade, mostraram novos heróis com vontade forte e caráter completo.

No primeiro período "otimista" de sua obra, Shakespeare escreveu comédias repletas de clima alegre e alegre. Mas quando o “mar de desastres” se abriu diante do olhar penetrante do poeta, quando o curso inexorável da história expôs cada vez mais nitidamente as contradições entre o feudalismo e o capitalismo emergente, herói perfeito em suas obras ele foi substituído por um amante do poder, um egoísta e ganancioso, e às vezes um criminoso.

Pela primeira vez esta reviravolta foi revelada na tragédia "Hamlet". Mas os heróis de Shakespeare não se curvaram diante do mundo do mal. Entrando na luta e sendo vítimas de seus oponentes todo-poderosos, os heróis das tragédias de Shakespeare, mesmo com sua própria morte, afirmaram a fé no homem e em seu destino brilhante. É nisso que reside a imortalidade das tragédias de Shakespeare e seu som moderno.

Teatro Shakespeare O Globe foi colocado entre outros teatros - na margem sul do Tâmisa, nos arredores de Londres, quando as autoridades proibiram espetáculos em

Willian Shakespeare

Teatro Globo". Aparência.

a própria cidade. O prédio era coroado por uma pequena torre, onde uma bandeira tremulava durante a apresentação.

A ação aconteceu ao ar livre - uma massa de gente ficou em frente ao palco, cidadãos ricos instalaram-se nas galerias, que circundavam as paredes redondas do teatro em três níveis. O palco foi dividido em 3 partes: a frontal - o proscênio, a posterior, separada por duas colunas laterais e coberta por uma cobertura de palha, e a superior - em forma de varanda. O palco foi decorado com tapetes e esteiras, e um painel foi pendurado em cima: preto - nas tragédias e azul - nas comédias. A cena da ação foi indicada por um detalhe (a árvore indicava que a ação estava acontecendo na floresta, e o trono - no palácio).

A composição da trupe era pequena - apenas 8 a 12 pessoas. Às vezes, cada ator tinha que desempenhar até três ou mais papéis em uma peça. As heroínas foram interpretadas por jovens bonitos e frágeis. Os maiores atores trágicos foram Edward Alleyn, que interpretou com sucesso especial nas peças de K. Marlo e Richard Burbage - melhor desempenho papéis de Hamlet, Lear, Otelo e Macbeth. Richard Tarlton e William Kemp estrelaram papéis cômicos.

XVII século

Se durante o Renascimento na Inglaterra a dramaturgia e o teatro estavam no seu apogeu, os costumes teatrais em Londres naquela época eram bastante livres, a total facilidade reinava tanto no palco quanto no auditório, e atores e espectadores não tinham vergonha de expressões, então no Século 17 eles foram perseguidos pelos puritanos.

Na Renascença, era possível ver no palco um mágico com um cachorro, que representava "e o Rei da Inglaterra, o Príncipe de Gales, e quando ele se senta de costas, então o Papa e o Rei da Espanha". Alguma senhora de uma comédia poderia dizer no palco que você pode adivinhar pela urina, ou um cavalheiro - anotar onde ele fez xixi. “Nosso palco às vezes tem a mesma sujeira e fedor que Smithfield (um subúrbio de Londres onde aconteciam feiras e às vezes hereges eram queimados), diz Ben Jonson. “Tudo ali é chamado pelo seu nome próprio”, escreveu Voltaire no século XVIII sobre Cena inglesa.

A moral teatral pode ser inferida do anônimo "Protesto ou reclamação de atores contra a supressão de sua profissão e sua expulsão de vários teatros" (1643). “Prometemos para o futuro nunca admitir em nossas lojas de seis centavos mulheres promíscuas que vão lá apenas para serem levadas com elas por aprendizes e escriturários de advogados, e nenhum outro tipo de mulher, exceto aquelas que vêm com seus maridos ou parentes próximos. A atitude em relação ao tabaco também mudará: não será vendido... quanto a palavrões e baixezas semelhantes que podem escandalizar as pessoas decentes, mas pessoas más empurre-os para a devassidão, então os expulsaremos completamente junto com autores imorais e rudes - poetas.

Fazer peças e representá-las foi declarado uma atividade pecaminosa; visitar o teatro foi veementemente condenado e considerado um ato nocivo e pernicioso. Com a chegada dos puritanos ao poder, as apresentações teatrais na Inglaterra foram proibidas. Em 2 de setembro de 1642, o Parlamento inglês fechou os teatros e proibiu todas as apresentações, argumentando que os espetáculos "muitas vezes expressam alegria e frivolidade desenfreadas", enquanto se deveria direcionar os pensamentos para "arrependimento, reconciliação e voltar-se para Deus". Cinco anos mais tarde, o Parlamento confirmou esta resolução, agora em termos mais duros e ordenando que as pessoas (actores) desobedientes fossem enviadas para a prisão como criminosas. A cultura viveu uma crise aguda. A Igreja lutou longa e fortemente contra os espetáculos teatrais. “Os teatros estão cheios, mas as igrejas estão vazias”, queixam-se os padres puritanos. No teatro, “reinam os gestos livres, os discursos soltos, os risos e o ridículo, os beijos, os abraços e os olhares imodestos”, indignam-se os clérigos. “Ali a palavra de Deus é violada e a religião divina estabelecida em nosso estado é profanada”, afirma o prefeito.

Teatro Século XVII Parecia à burguesia puritana da Inglaterra um teatro de libertinagem e depravação, um teatro que servia aos gostos dos aristocratas e corrompia as pessoas comuns.

Também havia defensores. O dramaturgo Thomas Nash escreveu em 1592 que os enredos das peças são emprestados das crônicas inglesas, os grandes feitos dos ancestrais são recuperados do "túmulo do esquecimento" e, assim, a condenação da "modernidade degenerada e mimada" é emitida, que nas peças “a mentira dourada com a santidade exterior é dissecada”.

As características da cultura foram determinadas pelos acontecimentos da revolução burguesa. As contradições de classe entre a burguesia e os grandes proprietários de terras agravaram-se, o governo da república burguesa foi chefiado por Oliver Cromwell, depois a monarquia Stuart foi restaurada.

Os Stuarts, que retornaram ao poder, reabriram os teatros em 1660, e a brilhante mas imoral comédia da era da Restauração, por assim dizer, confirmou a avaliação negativa dada ao teatro pelos associados de Cromwell.

Após o golpe de estado, Guilherme III de Orange chegou ao poder. O movimento popular cresceu.

Guilherme III não fechou os teatros, mas por decreto de 01.01.01 alertou estritamente os atores que “se continuarem a representar peças que contenham expressões contrárias à religião e à decência, e permitirem a blasfêmia e a imoralidade no palco, então por isso eles devem responder com a cabeça.

No mesmo ano, 1698, um tratado foi publicado por um certo teólogo puritano chamado Jeremy Collier sob o título muito pitoresco "Uma breve pesquisa sobre a imoralidade e a impiedade do palco inglês". O teólogo condenou severamente a prática teatral existente. Ele escreveu que havia raiva e raiva no palco. “O sangue e a barbárie estão quase divinizados”, que “o conceito de honra está pervertido, os princípios cristãos são humilhados”, que “demônios e heróis são feitos do mesmo metal”, e exigiu uma reestruturação radical dos teatros, transformando-os em um espécie de escola de virtude, boas maneiras e decência: “ O objetivo das peças é encorajar a virtude e expor o vício, mostrar a fragilidade da grandeza humana, as repentinas vicissitudes do destino e as consequências nefastas da violência e da injustiça.

A burguesia inglesa já não queria o encerramento dos teatros, como acontecia antes, mas a sua adaptação às necessidades da classe. Embora a “revolução gloriosa” de 1688 tenha provocado uma aliança entre a burguesia e a nova nobreza, a hostilidade ainda persistia. As posições dos latifundiários ainda eram fortes, embora os aristocratas se submetessem à situação, não estavam de forma alguma completamente reconciliados. Ataques à aristocracia também foram ouvidos em apresentações teatrais.

Em 1713, Joseph Addison (1672-1719) tentou estabelecer a tragédia clássica no palco inglês.

Nessa época surgiu um novo gênero - o drama, mas a comédia não quis abrir mão de seus cargos. Os espectadores, que derramaram lágrimas abundantes nas apresentações de The London Merchant e ficaram horrorizados com o final sombrio da peça, queriam rir de vez em quando. Esta oportunidade foi dada a eles por Fielding e, mais tarde, por Oliver Goldsmith e Richard Brinsley Sheridan.

Goldsmith queria reviver a "comédia gay" da época de Shakespeare e Ben Jonson. Em seu tratado Uma experiência de teatro ou comparação de uma comédia alegre e sentimental (1733), ele falou diretamente sobre isso e escreveu diversas peças cômicas sem moralizar, sem muita tendenciosidade, zombando alegremente da inexperiência dos jovens que são facilmente enganado. As peças estão cheias de erros engraçados, os personagens são retratados com bastante naturalidade.

No entanto, Richard Brinsley Sheridan (1751-1816) deixou a maior marca na história do drama inglês deste período. Ele escreveu por pouco tempo. Todas as suas melhores peças foram criadas em cinco anos. O incêndio em seu teatro em Drury Lane desferiu o último golpe no escritor.

O classicismo em sua forma clássica não conseguiu encontrar terreno firme na Inglaterra. Houve duas razões para isso: a situação política do país e a autoridade do teatro de Shakespeare.

Quanto a Shakespeare, ele eclipsou tanto as conquistas do drama antigo que depois dele era simplesmente impensável confiar inteiramente no exemplo dos autores gregos antigos. Os dramaturgos ingleses que trabalharam para o teatro não puderam seguir Ésquilo, Sófocles e Eurípides tão incondicionalmente como fizeram os seus homólogos franceses. Diante deles estava o exemplo de Shakespeare, que trabalhou de acordo com um sistema completamente diferente e alcançou resultados sem precedentes.

Em 1644, o Globe Theatre de Shakespeare foi demolido, reconstruído após um incêndio em 1613, em 1649 - os teatros Fortune e Phoenix, em 1655 - Blackfriars. Atores dispersos por todo o país, entraram nos soldados, desapareceram sem deixar rasto, segundo um autor anônimo do século XVII (Historia histrionica).

Em 1643, os atores redigiram um comovente documento anônimo: uma denúncia sobre a supressão de sua profissão. “Recorremos a você, grande Febo, e a você, nove irmãs - musas, patronas da mente e protetoras de nós, pobres atores humilhados”, escreveram. “Se, com a ajuda da sua intervenção todo-poderosa, pudéssemos nos instalar novamente em nossos antigos teatros e voltar à nossa profissão ...” Os atores escreveram que as comédias e tragédias que representavam eram “uma reprodução viva das ações das pessoas ”, que o vício neles foi punido e a virtude recompensada, que “a fala inglesa foi expressa da maneira mais correta e natural”. Febo e nove irmãs - musas, mecenas das artes, não responderam. O teatro sofreu danos irreparáveis.

John Milton, o maior poeta inglês do século XVII, não compartilhava da atitude negativa dos puritanos em relação às apresentações teatrais. Milton foi especialmente resoluto contra os dramaturgos e o teatro da era da Restauração, que tinha um caráter enfaticamente divertido. Milton considerava a tragédia, os exemplos clássicos da arte grega antiga, o principal elemento da arte dramática. Imitando-os, introduziu um coro comentando o que estava acontecendo e estabeleceu a unidade do tempo: a duração dos acontecimentos da tragédia não ultrapassa 24 horas. A unidade de lugar e ação é rigorosamente mantida.

Período de restauração

O período da Restauração começou na Inglaterra logo após a morte de Cromwell.

As proibições impostas pelos puritanos às apresentações teatrais e vários tipos de entretenimento foram suspensas. Os teatros foram reabertos, mas eram muito diferentes do teatro inglês do século XVI - início do XVII século e seu projeto externo, e a natureza das peças. No palco foram utilizados cenários ricos e figurinos magníficos.

As comédias de William Wycherley (1640-1716) e William Congreve (1670-1729) tiveram um sucesso particular.

Teatros ingleses "Drury Lane" e "Covent Garden"

Vamos visitar os teatros de Londres agora. Em 1663, foi construído em Londres o Drury Lane Theatre, que recebeu o direito ao monopólio na escolha do repertório. Em 1732 apareceu outro maior teatro- Jardim Convent. Havia pouca ordem nos teatros de Londres. O público, invadindo o auditório, correu direto pelos bancos das arquibancadas para ocupar lugares mais próximos do palco. De vez em quando aconteciam uma espécie de “motins teatrais” - o público, insatisfeito com a atuação, o aumento dos preços, qualquer intérprete, abafava as vozes dos atores, jogava frutas neles e às vezes subia no palco.

Nesta Londres turbulenta do século XVIII, os atores tentaram agir com decoro e falar com vozes comedidas. Porém, o classicismo inglês não era completo, integral - era constantemente “corrigido” pela tradição realista vinda de Shakespeare.

O ator Thomas Betterton (1635 - 1710) desempenhou o papel de Hamlet como Burbage o fez uma vez, tendo recebido instruções do próprio Shakespeare. O ator James Quinn (1693 - 1766), que parecia muito classicista aos britânicos, desempenhou o papel de Falstaff de forma bastante realista. Em 1741, Charles Maclean (1697-1797) interpretou Shylock de forma realista em O Mercador de Veneza, de Shakespeare. No mesmo ano, David Garrick (1717 - 1779), que se tornou o ator realista mais importante do século XVIII, desempenhou o papel de Ricardo III. Garrick desempenhou papéis cômicos e trágicos igualmente bem. Como mímico, Garrick não conhecia igual. Seu rosto poderia representar consistentemente todos os matizes e transições de sentimentos. Ele sabia ser engraçado, patético, majestoso, assustador. Garrick era um ator muito inteligente, com uma técnica ricamente desenvolvida e precisa, e ao mesmo tempo um ator de sentimento. Certa vez, enquanto interpretava o Rei Lear na tragédia de Shakespeare, Garrick ficou tão entusiasmado que arrancou a peruca e jogou-a de lado.

Garrick dirigiu o Drury Lane Theatre por muitos anos, onde montou uma companhia notável e encenou 25 peças de Shakespeare. Antes dele, ninguém trabalhou com tanta consciência e teimosia nas produções das peças de Shakespeare. Depois de Garrick, aprenderam a apreciar Shakespeare muito mais do que antes. A fama deste ator trovejou por toda a Europa.

A criatividade de Garrick resumiu o desenvolvimento do teatro do século XVIII - do classicismo ao realismo.

século 18

Idade da iluminação

No século XVIII, iniciou-se uma era de transição, culminando na revolução burguesa francesa. O movimento de libertação desenvolveu-se, tornou-se necessário destruir o feudalismo e substituí-lo pelo capitalismo.

Literatura inglesa

A era turbulenta deu vida ao florescimento da cultura democrática, incluindo a criatividade teatral.

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século 20

1945 – presente

Após a Segunda Guerra Mundial, em ligação com a formação do sistema socialista mundial e o crescimento da guerra de libertação nacional dos povos, o colapso do Império Britânico tornou-se inevitável e natural. Os teatros representam eventos turbulentos e decisivos e convulsões sociais.

Nos primeiros anos após a Segunda Guerra Mundial, o escritor mais popular da Inglaterra foi John Boynton Priestley. Ele escreveu mais de quarenta peças. Os mais significativos deles são Dangerous Corner (1932) e Time and the Conways (1937).

Nas peças de Priestley, a influência da dramaturgia de Chekhov é palpável. Priestley busca transmitir o drama da vida cotidiana, mostrar a vida com todos os seus meios-tons, revelar os personagens não só dos personagens principais, mas também dos secundários.

As peças de John Osborne (1929) desempenharam um papel importante na cultura inglesa. As peças de John Osborne estimularam um surto no desenvolvimento do drama inglês na década de 60.

Em 1956, a peça Look Back in Anger, de John Osborne, foi encenada no Royal Court Theatre, que foi um sucesso retumbante. O dramaturgo transmitiu com muita precisão o estado de espírito da juventude inglesa da época. Jimmy Porter entrou em cena - o jovem herói "zangado", como os críticos o chamavam. Este jovem de baixo, que havia entrado em um ambiente social hostil, tinha pouca ideia do que era uma existência digna. Ele pegou em armas, sem poupar esforços, contra os valores morais existentes, o modo de vida tradicional. vida pública, em parte contra leis sociais. Esses mesmos traços distinguem alguns dos personagens, tanto modernos quanto históricos, das peças de John Arden, Sheila Delaney e outros.

As habilidades dos atores e diretores progressistas em alguns países são aperfeiçoadas com base em material dramático clássico, nos melhores exemplos de literatura realista. Eles usam os clássicos para apresentar problemas contemporâneos agudos. Ator inglês Laurence Olivier, na forma de Otelo, transmitiu um protesto furioso contra a civilização burguesa emergente. Hamlet serviu a Paul Scofield para expressar os pensamentos tristes e difíceis da jovem geração de intelectuais europeus do pós-guerra que se sentia responsável pelos crimes cometidos no mundo.

As produções das peças de Shakespeare do diretor inglês Peter Brook desfrutam de um merecido sucesso de público.

A arte teatral dos últimos tempos é caracterizada por muitas pequenas trupes profissionais, semiprofissionais e não profissionais, vagando de uma localidade noutro; revitalização de teatros estudantis; o crescente protesto de atores e diretores contra o comércio de arte. Os jovens costumam usar o palco para discussões políticas acirradas. O teatro sai às ruas, onde são apresentadas apresentações semi-improvisadas.

Quase todos os fenômenos da criatividade teatral na Inglaterra são permeados por cruéis contradições internas, repletas de choques de tendências ideológicas e estéticas opostas.

John Osborne é um defensor do teatro que critica a ordem social no mundo capitalista, que é a arma mais convincente da época.

As peças de John Osborne determinaram o desenvolvimento do drama inglês na década de 1960.

A originalidade da dramaturgia de Sean O'Casey, notável dramaturgo anglo-irlandês, é determinada pela ligação com os irlandeses tradição folclórica. Suas peças são caracterizadas por uma combinação bizarra de trágico e

Laurence Olivier como Ricardo III

"Ricardo III" W. Shakespeare

cômico, real e fantástico, cotidiano e patético. Os dramas de O'Casey usam as convenções do teatro expressionista.

Movimento teatros folclóricos perseguindo objetivos principalmente educacionais, varreu toda a Europa. Na Inglaterra, o Workshop Theatre surgiu e ganhou grande fama sob a direção de Joan Littlewood.

O primeiro teatro de Londres, chamado Theatre, foi inaugurado em 1577 pelo ator James Burbage em Shoreditch. Poucos meses depois, um segundo teatro foi inaugurado nas proximidades, chamado Cortina. Logo Burbage e seu filho Thomas, que ficou mais famoso que seu pai, organizaram o Black Brothers Theatre - em homenagem à ordem monástica dominicana, já que o palco estava montado no refeitório do antigo mosteiro. No entanto, todos os teatros eram constantemente atacados pelas autoridades de Londres, que amaldiçoavam estes estabelecimentos como um demônio do inferno e uma fonte de infortúnio, um lugar de ociosidade e libertinagem, uma reunião de pessoas cruéis excitadas ao ver meninos em roupas femininas. - ou seja, um lugar para quem prefere assistir a uma peça ao som da trombeta do que ouvir um sermão ao som de um sino.

Em Southwark, os atores tinham mais força de vontade do que na cidade, onde a vida dos teatros era severamente limitada pelas regras estabelecidas pelas autoridades. Além disso, Tula pode ser facilmente alcançada de barco ou de ponte. Na altura do encerramento dos mosteiros, parte de Southwark, que anteriormente pertencia ao mosteiro de Bermondsey e ao mosteiro da Bem-Aventurada Virgem Maria, tornou-se propriedade do rei. Em 1550 foi vendido à cidade por cerca de mil libras. Restaram apenas dois terrenos não vendidos, que permaneceram fora da jurisdição da cidade. Em um havia uma prisão, o outro se chamava ("Jardim de Paris"); foi nesses dois locais que surgiram os teatros da época da Rainha Elizabeth, livres das proibições e da censura de Londres. No Rose Theatre, construído em 1587, as peças de Marlowe foram encenadas pela primeira vez, e o talento de Edward Alleyn floresceu no palco aqui. Depois vieram os teatros "Swan" (em 1596), "Globe" (em 1599; um décimo dele pertencia a Shakespeare) e em 1613 - "Hope".

Os londrinos foram atraídos para estes e outros teatros por trombetas barulhentas e bandeiras agitadas. O dinheiro era recolhido dos visitantes diretamente no teatro e colocado em uma caixa especial, que era então trancada em uma pequena sala - a bilheteria (no “caixa-caixa”). Os espectadores sentaram-se em poltronas dispostas em fileiras ao redor do palco, ou em bancos diretamente no palco, e a apresentação começou com suas altas exclamações. Os atores representavam seus papéis e o público os interrompia com gritos, insultos ou elogios indignados ou de aprovação. Isso continuou até o final do ato, após o qual o palco se encheu de dançarinos, malabaristas e acrobatas; vendedores ambulantes com bandejas e cestos espremidos pelos corredores entre as poltronas dos espectadores, vendendo tortas, frutas, fitoterápicos, livrinhos; os homens eram bons com as mulheres. Os trabalhadores do teatro fumavam frequentemente, o ar estava cheio de fumaça de tabaco, as cadeiras de madeira muitas vezes pegavam fogo e o público corria para as portas. pegou fogo no mesmo ano em que Nadezhda foi inaugurado; apenas uma pessoa ficou ferida no processo - suas calças pegaram fogo, mas ele rapidamente as apagou derramando cerveja de uma garrafa.

Perto dos teatros havia jardins com ursos, arenas para atrair touros amarrados com cães, locais para brigas de galos, que atraíam um público diversificado - ricos e pobres, nobres e comuns. Depois de apreciar a atuação de Otelo ou Eduardo II, no dia seguinte o público foi assistir no Jardim de Paris o urso sendo iscado por cães, os galos de briga, que, soltando as esporas, cobriram a areia da arena com sangue e penas, os cães voando longe dos golpes de touros loucos (os cães eram apanhados em armadilhas de vime para não ficarem aleijados quando caíssem e pudessem continuar a lutar), em pessoas cortando com espadas, cortando as orelhas e os dedos uns dos outros sob a aprovação ruidosa da multidão.

Teatros do West End

A face das ruas do West End mudou dramaticamente. Muitos edifícios do século XVIII. foram reconstruídas tanto por fora como por dentro de acordo com o gosto da época. Assim, na Grafton Street (hoje Salão de Helena Rubinstein), a Sra. Arthur James exibiu sua riqueza com uma impressionante reforma de uma casa projetada na década de 1750. Senhor Robert Taylor.

Muitos edifícios construídos em estilo georgiano, regencial e Estilos vitorianos, deu origem a novos teatros como o Duke of York Theatre, o New Theatre, The Rock, o Palladium, o Gaiety, Her Highness' Theatre, o London Pavilion, o Palace, o Apollo, o Wyndhams, Hippolrom, Strand, Aldwich , Globe, Queens e Coliseu. Todos eles foram construídos durante os últimos dez anos do reinado da Rainha Vitória e nove anos do reinado do próprio Eduardo.

Centenas de prédios antigos foram demolidos para dar lugar a lojas, grandes galerias comerciais com suntuosas janelas de vidro laminado e portas de mogno incrustadas com latão. Em 1901, as paredes de terracota da Harrods General Store em Brompton Road começaram a subir. Foi rapidamente seguida pela construção de novas lojas de rua em estilo barroco exagerado, como Wearing and Gillows (1906), de dimensões colossais, em particular, o imponente edifício que o comerciante começou a construir em 1909 Harry Selfridge de Wisconsin.

Quando a loja da Selfridge foi concluída, a Regent Street já havia mudado completamente; o Aldwych Loop cruzava o labirinto de ruas ao norte de Strand, em frente à Somerset House, tornou-se repleto de edifícios monumentais e a Kingsway Street se estendia ao norte até Holborn.

Se você tiver a oportunidade de visitar a cidade inglesa de Stratford, não deixe de visitar o Shakespeare Royal Theatre.

O Globe Theatre de Shakespeare é um dos teatros mais antigos da Inglaterra. O Globe está localizado na margem sul do Tâmisa. Em primeiro lugar, as primeiras apresentações das obras de Shakespeare no palco trouxeram fama ao teatro. O edifício foi reconstruído três vezes por vários motivos, o que é Rica história Teatro Shakespeare.

O surgimento do teatro shakespeariano

A história do Globe Theatre remonta a 1599, quando em Londres, onde a arte teatral sempre foi tratada com amor, os edifícios dos teatros públicos foram construídos um após o outro. Para a construção da nova arena foram utilizados materiais de construção - estruturas de madeira que sobraram de outra construção - os primeiros teatro público com o nome lógico "Teatro".

Os proprietários do antigo edifício do Teatro, a família Burbage, construíram-no em Shoreditch em 1576, onde alugaram um terreno.

Quando os preços dos terrenos subiram, eles desmontaram o antigo prédio e transportaram materiais para o Tâmisa, onde ergueram uma nova instalação - o Shakespeare's Globe Theatre. Quaisquer teatros foram construídos fora da influência do município de Londres, o que foi explicado pelas opiniões puritanas das autoridades.

Durante a era de Shakespeare, houve uma transição da arte teatral amadora para a profissional. Surgiram trupes de atuação, inicialmente levando uma existência errante. Eles viajaram pelas cidades e se apresentaram em feiras. Representantes da aristocracia começaram a ter atores sob seu patrocínio: eles os aceitaram nas fileiras de seus servos.

Isto deu aos atores uma posição na sociedade, embora fosse muito baixa. As trupes eram frequentemente chamadas de acordo com este princípio, por exemplo, “Servos do Lord Chamberlain”. Mais tarde, quando Jaime I chegou ao poder, apenas membros da família real começaram a patrocinar os atores, e as trupes começaram a ser renomeadas como "Servos de Sua Majestade o Rei" ou outros membros da família real.

A trupe do Globe Theatre era uma parceria de atores em ações, ou seja. os acionistas recebiam rendimentos de taxas de desempenho. Os irmãos Burbage, como William Shakespeare, são os principais dramaturgos da trupe, e três outros atores eram acionistas do Globe. Atores coadjuvantes e adolescentes trabalhavam no teatro recebendo salário e não recebiam rendimentos de apresentações.

O teatro de Shakespeare em Londres tinha a forma de um octaedro. Auditório O "Globo" era típico: uma plataforma oval sem teto, cercada por um grande muro. A arena ganhou esse nome devido à estátua de Atlanta localizada na entrada, que sustentava o globo. Esta bola ou globo estava rodeada por uma fita com a famosa inscrição " O mundo inteiro é teatro(tradução literal - “O mundo inteiro está agindo”).

O teatro de Shakespeare acomodava de 2 a 3 mil espectadores. No lado interno do muro alto havia alojamentos para representantes da aristocracia. Acima deles havia uma galeria para pessoas ricas. O restante ficou localizado ao redor do palco, que ia para o auditório.

O público deveria ficar de pé durante a apresentação. Algumas pessoas especialmente privilegiadas estavam sentadas bem no palco. Os ingressos para pessoas ricas que estão dispostas a pagar por assentos na galeria ou no palco custam muito mais do que assentos nas barracas – ao redor do palco.

O palco era uma plataforma baixa elevada cerca de um metro. No palco havia uma escotilha que conduzia sob o palco, de onde fantasmas apareciam à medida que a ação avançava. No palco em si, raramente havia mobília e nenhum cenário. Não havia cortina no palco.

Acima dos bastidores havia uma varanda, onde apareciam os personagens que, segundo a peça, estão no castelo. Havia uma espécie de tribuna no palco superior, onde também aconteciam as ações cênicas.

Ainda mais alto havia uma estrutura semelhante a uma cabana onde eram representadas cenas fora da janela. Curiosamente, quando uma apresentação começou no Globe, uma bandeira foi pendurada no telhado desta cabana, que era visível de longe e era um sinal de que uma apresentação estava acontecendo no teatro.

A pobreza e alguma austeridade da arena determinaram que o mais importante que acontecia no palco era o jogo dos atores e a força da dramaturgia. Não houve adereços para uma compreensão mais completa da ação, muita coisa ficou à mercê da imaginação do público.

Vale ressaltar que o público nas barracas durante a apresentação costumava comer nozes ou laranjas, o que foi confirmado pelas descobertas de arqueólogos durante as escavações. O público pôde discutir em voz alta alguns momentos da performance e não esconder suas emoções da ação que viu.

O público também comemorou suas necessidades fisiológicas logo no salão, então a falta de teto foi uma espécie de salvação para o olfato dos amantes da arte teatral. Portanto, representamos aproximadamente a grande parcela de dramaturgos e atores que fazem performances.

Fogo

Em 1613, em julho, durante a estreia de Henrique VIII, de Shakespeare, sobre a vida do monarca, o prédio do Globe pegou fogo, mas o público e a trupe não ficaram feridos. De acordo com o cenário, uma das armas deveria disparar, mas algo deu errado e começou um incêndio. estruturas de madeira e um telhado de palha sobre o palco.

O fim da construção original do Globe marcou uma mudança nos círculos literários e teatrais: na mesma época, Shakespeare parou de escrever peças.

Restauração do teatro após o incêndio

Em 1614, o edifício da arena foi restaurado e foi utilizada pedra na construção. A cobertura acima do palco foi substituída por uma de telhas. A trupe de teatro continuou a atuar até o fechamento do Globe em 1642. Então o governo puritano e Cromwell emitiram um decreto proibindo todas as apresentações de entretenimento, inclusive teatrais. O Globo, como todos os teatros, fechou.

Em 1644, o prédio do teatro foi demolido e em seu lugar foram construídos cortiços. A história da Globo ficou interrompida por quase 300 anos.

A localização exata do primeiro Globe em Londres era desconhecida até 1989, quando a base de sua fundação foi encontrada na Park Street, sob um estacionamento. Os seus contornos estão agora marcados na superfície do parque de estacionamento. Ali também podem estar localizados outros vestígios do Globo, mas agora esta zona está incluída na lista de valores históricos e, portanto, não podem ser realizadas escavações ali.

Palco do Globe Theatre

O surgimento do teatro moderno de Shakespeare

A moderna reconstrução do edifício do Globe Theatre foi proposta não pelos britânicos, o que é surpreendente, mas pelo diretor, ator e produtor americano Sam Wanamaker. Em 1970, organizou o Globe Trust Fund, que pretendia restaurar o teatro, abriu centro educacional e exposição permanente.

O próprio Wanamaker morreu em 1993, mas a inauguração ainda ocorreu em 1997 sob nome moderno Teatro Globe de Shakespeare. Este edifício está localizado a 200-300 metros da antiga localização do Globus. O edifício foi reconstruído de acordo com as tradições da época, além disso, foi o primeiro edifício que foi autorizado a ser construído com telhado de palha após o grande incêndio de Londres em 1666.

As apresentações acontecem apenas na primavera e no verão, porque. o prédio foi construído sem telhado. Em 1995 o primeiro diretor artistico tornou-se Mark Rylance, que foi substituído em 2006 por Dominic Dromgoole.

As excursões ao teatro moderno acontecem diariamente. Mais recentemente, um parque-museu temático dedicado inteiramente a Shakespeare foi inaugurado próximo ao Globe. Além de ver a maior exposição dedicada ao dramaturgo mundialmente famoso, você pode participar de eventos de entretenimento: assistir a uma luta de espadas, escrever um soneto ou participar da produção de uma peça de Shakespeare.

A arte dramática no Reino Unido surgiu há muito tempo. Origina-se de apresentações de rua que aconteciam nos feriados religiosos e serviam como uma espécie de moralização. No Renascimento, todas as áreas da arte adquirem um caráter mais secular e se afastam dos temas religiosos. Foi nessa época que surgiu o teatro, então revolucionário, onde W. Shakespeare, hoje conhecido em todo o mundo, encenou peças.

O desenvolvimento moderno do teatro busca o máximo realismo em todas as suas esferas, repensando até mesmo os enredos clássicos. Agora os teatros da Inglaterra surpreendem não apenas com apresentações interessantes, mas também com a arquitetura original, bem como com as decisões inusitadas dos diretores.

Se você está planejando uma viagem a Londres, não deixe de visitar o Piccadilly Theatre. Existe há mais de oito décadas e agrada aos conhecedores da arte teatral não só com produções clássicas modernas, mas também tradicionais.

Um dos teatros mais antigos de Londres é o Aldwych Theatre, que há mais de um século reúne toda a cidade em torno de si. Atores eminentes como Joan Collins, Vivien Leigh, Basil Rathbone e outros já atuaram em seu palco.

Fãs de brilhante apresentações musicais Vale a pena visitar o New London Theatre. Foram os musicais que trouxeram ao jovem teatro dos anos 70-80 do século passado verdadeira fama entre os jovens. Até agora agrada o público com produções de nível mundial, com brilhantes ações de palco e boa música.

Outro teatro de Londres, conhecido por apresentações no estilo musical e comédia, é o Shaftesbury Theatre. Não faz muito tempo, ele comemorou seu centenário - o trabalho do teatro não parou nem durante a Segunda Guerra Mundial. A construção deste teatro merece atenção especial devido ao seu design antigo e incomum.

Entre teatros modernos Londres destaca o Pinkock Theatre. Resiste adequadamente à concorrência com teatros antigos devido à sua abordagem inovadora à dramaturgia clássica. A cena geralmente usa elementos de modernidade dança de rua e até números acrobáticos para aumentar o efeito da peça.

O edifício da Grande Ópera de Belfast impressiona pela sua beleza. Construída no século XIX, não é apenas um marco arquitetônico no estilo oriental, mas também agrada aos fãs de teatro com repertório clássico e excelente acústica.

centro principal arte dramática no Reino Unido eles chamam o teatro real de Drury Lane. Está localizado em Londres e desempenhou um papel importante no desenvolvimento do teatro no país. Durante a sua existência, muitos atores eminentes conseguiram visitar o seu palco.

Outro monumento arquitetônico da Grã-Bretanha é o Teatro de Sua Majestade. O teatro foi criado no início do século XVIII e no final do século XIX mudou-se para um grande edifício novo, onde ainda se encontra. É um enorme histórico e valor cultural, e o repertório clássico irá agradar a todos os amantes desta forma de arte. Este teatro está localizado em Londres, no oeste de Westminster.