O valor da criatividade de Musorgsky na cultura musical russa. Criatividade vocal de câmara de Musorgsky

Chereneva Yulia Nikolaevna

"O tema da nacionalidade nas obras de M.P. Mussorgsky"

(no exemplo da ópera "Boris Godunov")

Instituição de ensino orçamentária municipal

educação adicional para crianças

"Escola de Arte Infantil do Distrito de Chaikovskaya"

Telefone: 8-3424152798 (fax), 8-3424152051,

[e-mail protegido]

Pugina Svetlana Nikolaevna,

professor de disciplinas teóricas

Introdução

A segunda metade do século 19 é a época do grande alvorecer de toda a arte russa. O acentuado agravamento das contradições sociais leva, no início dos anos 1960, a um grande recrudescimento social. As ideias revolucionárias dos anos 60 foram refletidas na literatura, pintura e música. As principais figuras da cultura russa lutaram pela simplicidade e acessibilidade da arte e, em suas obras, buscaram mostrar de forma realista a vida do simples povo russo.

Em todos os aspectos, a cultura musical da Rússia estava se renovando. Neste momento, um círculo musical chamado "The Mighty Handful" é formado. Eles se autodenominavam herdeiros de M. I. Glinka. O principal para eles era a personificação na música do povo, a personificação é verdadeira, brilhante, sem enfeites e compreensível para um grande público.

Um dos compositores mais originais, Modest Petrovich Mussorgsky, estava especialmente imbuído da ideia de nacionalidade. Como artista realista, ele gravitou em torno de um tópico socialmente apontado, revelando de forma consistente e consciente a ideia de nacionalidade em seu trabalho.

O objetivo deste trabalho: o papel da nacionalidade na obra de M. Mussorgsky no exemplo da ópera "Boris Godunov".

Considere as etapas da trajetória de vida de M. Mussorgsky relacionadas ao tema folclórico

Analise cenas folclóricas na ópera "Boris Godunov"

"Mighty Handful" e canção folclórica

Na criatividade musical dos anos 60, o círculo musical "The Mighty Handful" ocupou o lugar de destaque. Para isso, ele recebeu o direito de um enorme talento, coragem criativa, força interior. nas reuniões poderoso punhado» jovens músicos estudados os melhores trabalhos herança clássica e modernidade. Aqui as visões étnicas dos compositores foram formadas.

No círculo de Balakirev, havia um estudo cuidadoso e amoroso da canção folclórica. Não há identidade nacional sem verdadeira arte, e um verdadeiro artista nunca será capaz de criar isolado da riqueza do povo. M.I. Glinka foi o primeiro a traduzir sutil e altamente artisticamente as melodias do povo russo em suas obras, ele revelou as características e padrões da criatividade musical folclórica russa. “Não fazemos música; cria um povo; nós apenas gravamos e arranjamos”, disse M. Glinka. Foram os princípios de Glinka que os compositores de The Mighty Handful seguiram, mas sua atitude em relação ao folclore marcou um novo período em comparação com a de Glinka. Se Glinka ouviu canções folclóricas, às vezes as gravou e as recriou em suas obras, então os Kuchkistas estudaram sistemática e cuidadosamente composições folclóricas de várias coleções, canções especialmente gravadas e processadas. Naturalmente, também houve reflexões sobre o significado da canção folclórica em arte musical.

Em 1866, foi publicada uma coleção de canções folclóricas compiladas por M. Balakirev, resultado de vários anos de trabalho. N. Rimsky-Korsakov coletou e estudou cuidadosamente canções folclóricas, que mais tarde foram incluídas na coleção “Cem canções folclóricas russas” (1878).

Os membros do "Mighty Handful" sabiam muito sobre canções folclóricas. Todos eles nasceram longe de São Petersburgo

(apenas A. Borodin é uma exceção) e, portanto, são ouvidos desde a infância canção popular e a amava muito. M. Mussorgsky, que viveu os primeiros dez anos na província de Pskov, escreveu que "a familiarização com o espírito da vida folclórica russa foi o principal ímpeto para improvisações musicais antes do início do conhecimento das regras mais elementares de tocar piano". N. Rimsky-Korsakov conseguiu em sua infância observar o antigo rito de despedida do entrudo, preservado dos tempos pagãos, acompanhado de canto e dança; sua mãe e seu tio cantavam bem canções folclóricas. C. Cui, nascido em Vilna, desde a infância conhecia muito bem as canções polonesas, lituanas e bielorrussas.

Foi a canção folclórica, a confiança nela - foi o que antes de tudo ajudou os compositores a determinar seus caminhos na arte.

^ Atitude de M. P. Mussorgsky para a canção folclórica

M. Mussorgsky amava apaixonadamente a canção folclórica. Ele o estudou em várias coleções e fez anotações de melodias que o interessavam para suas composições. É verdade que Mussorgsky não combinou as canções que gravou em uma coleção, não as processou, não as preparou para publicação, como M. Balakirev e N. Rimsky-Korsakov. Ele fazia essas anotações de tempos em tempos, em folhas separadas de papel musical, mas quase sempre anotava quando e de quem gravou a música.

As origens do amor do compositor pelo povo estão na infância. Na aldeia de Karevo, onde passou a infância, estava rodeado de canções por todos os lados. Uma das imagens favoritas de sua infância era a da babá, uma mulher dedicada e gentil. Ela conhecia muitas canções e contos de fadas. Basicamente, seus contos de fadas eram sobre o simples povo russo, sobre sua vida e destino. Pelo resto de sua vida, Modest se lembrou de seus contos de fadas - às vezes assustadores, às vezes engraçados, mas sempre fascinantes e emocionantes. Este foi seu primeiro contato com o mundo da fantasia popular. Ao ouvir essas histórias, ele, ainda muito pequeno, gostava de se esgueirar até o piano e, ficando na ponta dos pés, captar harmonias bizarras nas quais imaginava a personificação de imagens mágicas.

Longo noites de inverno ele ouviu o canto das garotas girando. Nos feriados, ele próprio participava de bailes de roda, brincadeiras, bailes, assistia a apresentações de farsas. Ele se lembra bem das melodias folclóricas aprendidas na infância. Naquela época, ele passava os dias na companhia de crianças camponesas; em sua família não era proibido. E os tratava com facilidade, de igual para igual, esquecendo que era um “mestre”. Com eles dividia brincadeiras e brincadeiras e participava de discussões sérias, além de sua idade, sobre dificuldades. Vida cotidiana.

Talvez isso se deva ao fato de que sangue misto corre em suas veias: sua avó paterna, Arina Yegorovna, era uma simples serva. O avô se casou com ela depois que eles tiveram filhos, e então eles tiveram que ser adotados. Modest tem o prazer de pensar que entre seus ancestrais há uma mulher do povo (aliás, Arina Yegorovna é sua madrinha). Em geral, a infância na aldeia aparece para Modest nas memórias de uma felicidade às vezes brilhante e serena.

Quando Mussorgsky tinha 34 anos, ele desistiu de sua parte na propriedade em favor de seu irmão. Ele estava enojado com a posição de um proprietário de terras vivendo às custas dos camponeses. Mussorgsky se lembra de conversas com camponeses desde a infância, ele se lembra de seu difícil destino, visto com seus próprios olhos. Ele se lembra dos gritos e lamentações dos camponeses. Posteriormente, em muitas de suas obras com tema folclórico, havia temas de lamentações ou lamentações que ele lembrava desde a infância.

O modesto Petrovich se lembra de conversas com camponeses desde a infância, seu difícil destino, visto com seus próprios olhos. Ele se lembra dos gritos e lamentações dos camponeses. Posteriormente, em muitas de suas obras, pode-se encontrar temas de lamentações ou lamentações que ele lembrava desde a infância.

O MP Mussorgsky valorizava as pessoas comuns. Portanto, o tema da nacionalidade é o tema principal de sua obra. Em uma de suas cartas, ele escreveu: “… Como fui atraído e atraído por esses campos nativos…. - não era à toa que na infância gostava de ouvir os camponeses e se dignava a ser tentado por suas canções ... ”(carta a V. Nikolsky)

Na década de 1980, Mussorgsky conheceu e tornou-se amigo de Ivan Fyodorovich Gorbunov, que se tornou famoso por suas representações de cenas da vida popular, mercantil e burocrática. O modesto Petrovich apreciou muito seu talento. Gorbunov cantou para Mussorgsky a canção "The Baby Came Out", que foi incluída no "Khovanshchina" como a canção de Marfa.

Para trabalhar na Feira Sorochinskaya, Mussorgsky precisava de uma canção folclórica ucraniana. 27 canções folclóricas ucranianas foram preservadas em seus registros. Ele gravou muitas canções de diferentes rostos familiares. Um deles foi o escritor Vsevolod Vladimirovich Krestovsky, que gostava de Arte folclórica e escreveu uma série de canções, lendas e contos no espírito popular.

Em 1871, Mussorgsky participou de uma reunião da Geographical Society. O famoso contador de histórias T. G. Ryabinin realizou épicos lá. Mussorgsky fez algumas anotações muito interessantes. Ele introduziu o canto do épico "Sobre o Volga e Mikula" na cena perto de Kromy.

O tema da nacionalidade é vividamente incorporado pelo compositor na ópera Boris Godunov.

^ Ópera "Boris Godunov"

Por natureza, Mussorgsky foi um excelente dramaturgo musical. Foi no teatro que ele conseguiu mostrar os fenômenos da realidade de forma tão completa e vívida. Ele era um grande mestre em criar personagens humanos vivos na música e transmitia não apenas os sentimentos de uma pessoa, mas também sua aparência, hábitos, movimentos. Mas o principal que atraiu o compositor ao teatro foi a oportunidade de mostrar na ópera não só um indivíduo, mas também a vida de todo um povo, páginas de sua história que ecoavam com a modernidade dramática.

A ópera "Boris Godunov" teve um significado especial para o compositor: foi o resultado de quase dez anos de trabalho. E, ao mesmo tempo, o início do grande florescimento de seu poderoso talento original, que deu à cultura russa muitas criações brilhantes.

O libreto da ópera foi baseado na obra de A.S. Pushkin. A tragédia de Pushkin reflete os eventos históricos distantes do Tempo das Perturbações. Na ópera de Mussorgsky, eles receberam um som novo e moderno. A ideia da incompatibilidade do povo e do regime czarista foi especialmente enfatizada pelo compositor. Afinal, um monarca, mesmo dotado de mente e alma, como mostra Boris - poeta e compositor - não pode e não quer conceder liberdade ao povo. Essa ideia soou nítida e moderna e ocupou as mentes russas progressistas na segunda metade do século XIX. “O passado no presente” - foi assim que o compositor definiu sua tarefa.

O personagem central da ópera é o povo. O gênero da ópera é definido como um drama musical folclórico.

Compilando o libreto, Mussorgsky fez alterações na tragédia de Pushkin. Ele enfatizou especialmente a ideia do papel decisivo do povo. Então eu mudei o final. O poeta no final da tragédia "o povo está calado". E com Mussorgsky, o povo está protestando, se revoltando. Esta imagem da revolta popular, que conclui a ópera, é talvez a mais importante (IV acto).

A ópera "Boris Godunov" começa com uma pequena introdução orquestral, na qual os fagotes conduzem a longa melodia monofônica do estilo folk. O início da introdução soa como uma triste reflexão, como uma história do autor. Mussorgsky não citou ou, como costumavam dizer nos velhos tempos, "não emprestou" a melodia original, mas essa melodia se formou nele, como uma maravilhosa coroa de entonações de canções líricas camponesas e prolongadas. As madeiras estão afinadas com a flauta do pastor, e é difícil acreditar que o compositor tenha escrito esta música. “O impulso espiritual - o pensamento da pátria - sugeriu a Mussorgsky o talo da melodia, a partir do qual a música começou a crescer mais, mais, mais fundo, camada por camada ... O ouvido naturalmente, facilmente abraça a melodia, e o a memória vai se lembrar disso por toda a ópera, vai segurá-lo firmemente como um esqueleto sem nem mesmo perceber » outras opções. Enquanto isso, a força da impressão da germinação da melodia e suas mudanças orgânicas é tal que parece indubitável que foi precisamente esse modesto tema musical, que o pensamento de Mussorgsky apreendeu desde o início, levou-o a descobertas maravilhosas, à distância , nas extensões da música. .V.Asafiev.

Introdução - melodia russa, uma voz começa, às vezes parece que o início da introdução é cantado em uníssono vozes masculinas e só então outras vozes, do povo, se juntam a eles. O motivo da entrada é profundamente sofrido. Não é à toa que a ópera foi definida pelo compositor como um drama musical folclórico: o povo é tudo e o drama é todo mundo. Em forma de dístico, o tema principal da introdução volta repetidamente, juntando-se a outras vozes da orquestra. E se transforma de uma reclamação triste em um estrondo formidável da força de pessoas poderosas - isso está no baixo de violoncelos, contrabaixos e fagotes.

Já na primeira foto, Mussorgsky faz sentir a profunda discórdia dentro do estado moscovita entre o povo e as elites governantes e cria uma verdadeira imagem de um povo forçado e oprimido que ainda não percebeu sua força.

O compositor revela a tragédia do estado do povo de várias maneiras. Em uma série de episódios cotidianos que caracterizam a indiferença da multidão à eleição do czar em curso, Mussorgsky usa seu método favorito de mostrar o conteúdo trágico por meio de uma forma aparentemente cômica. Não sem humor, ele transmite a perplexidade do público ("Mityukh e Mityukh, por que estamos gritando?"), Desenha as disputas femininas e a briga que se desenrolou ("Pomba, vizinha", etc.). Nos recitativos executados por grupos corais e vozes individuais do coro, as entonações características do dialeto popular são reproduzidas com precisão. recitativo coral- uma técnica inovadora, introduzida pela primeira vez por Mussorgsky. Um povo oprimido, oprimido e completamente indiferente àquele que se senta no trono real - tal é o herói do prólogo.

Os pontos de referência na ação musical da imagem também são duas apresentações do refrão "Para quem você está nos deixando". Embora, de acordo com a cenografia, o choro aqui não seja real, mas apenas encenado, este refrão, tal como o tema da introdução, é percebido como uma expressão de genuínos sentimentos folclóricos. Tal é o poder de suas entonações de canções folclóricas, nas quais se expressava toda a dor acumulada na alma do camponês. O povo, lamentando tristemente, volta-se para Godunov: "Por quem você está nos deixando, nosso pai?" Há uma dor tão antiga neste coro que fica claro que as pessoas não podem permanecer em tal estado de escravidão por muito tempo.

Aqui, elementos de lamentação e música lírica prolongada se fundiram. A influência do estilo de canção camponesa se reflete na liberdade da respiração melódica, na variabilidade das fórmulas de compasso e na captura gradual de um alcance cada vez mais amplo pela melodia. É também característico o tipo de polifonia, em que cada uma das vozes mantém a sua independência, realizando variantes da melodia principal de forma a fundir-se com outras vozes de tempos a tempos num som uníssono.

Na segunda foto do prólogo, Boris é coroado rei. Praça no Kremlin de Moscou. O poderoso toque de sinos acompanha o casamento de Boris. O povo está de joelhos esperando o surgimento do novo rei. O coro soa "Oh, que glória ao sol vermelho no céu." é o mesmo tema brilhante pessoas. O tema do coro é uma canção folclórica laudatória, repetidamente usada por compositores russos. Quando Boris Godunov aparece, o povo - por ordem do boiardo Shuisky - o elogia:

Cinco anos separam os eventos do Prólogo e do Ato I. As contradições entre o povo e o rei conseguiram se aprofundar. Na 1ª foto, Pimen passa em nome do povo sua sentença ao rei-criminoso. Na 2ª foto, a atitude hostil do povo em relação ao governo de Borisov é revelada no exemplo dos vagabundos Varlaam e Misail e da dona da taverna.

As imagens dos personagens nas duas pinturas do primeiro ato são diferentes. Na cena da cela, o majestoso Pimen, que muito viu e experimentou, sábio por muitos anos de experiência de vida, personifica Sabedoria popular e consciência. Esta imagem é uma expressão generalizada das altas qualidades morais do povo russo. Varlaam é uma figura cotidiana do gênero, cujas características refletem características positivas e negativas inerentes a um determinado tipo social. Varlaam pertence às camadas inferiores recitadas do estado de Borisov e, naturalmente, acaba sendo o portador de um espírito rebelde e recalcitrante. Por trás da aparência cômica de Varlaam, pode-se adivinhar uma força poderosa e heróica, desperdiçada sem rumo na vadiagem e na embriaguez. As imagens de Pimen e Varlaam desempenham um papel importante na ópera. Não foi à toa que Mussorgsky forçou Pimen a reaparecer na cena da duma boyar com uma história sobre a cura milagrosa do pastor e assim expressar o veredicto do povo diante de Boris; Varlaam, junto com Misail, atua pela segunda vez perto de Kromy como um dos líderes do levante popular.

Na segunda cena 1 da ação, os números das músicas desempenham um papel importante. O episódio central de toda a imagem é a canção de Varlaam "Como foi em Kazan na cidade". O compositor precisava de uma cor diferente aqui: ele precisava mostrar o tema da batalha dos tempos do passado heróico da Rússia. Da canção de dança, Mussorgsky pega apenas o primeiro verso e acrescenta a ele uma canção histórica conhecida do povo. Musicalmente, ele resolve em uma melodia de dança, usando autêntica tema folclórico. Não apenas a folia bêbada é ouvida na voz de Varlaam. Uma força enorme e irreprimível é sentida neste homem. É ele quem levantará uma revolta popular contra o rei - o "apóstata".

Impressões infantis das lamentações, lamentações dos camponeses inspiraram outra imagem da ópera - o Santo tolo - em Mussorgsky. O santo tolo é uma imagem muito vívida do povo russo. Sua imagem, a personificação da eterna dor do povo, simboliza a posição desprivilegiada do povo. Mas não importa quão grande seja a humilhação, um sentimento elevado vive entre as pessoas dignidade humana e a fé na justa retribuição não esmorece. Essas características também encontraram sua expressão na imagem do Santo Louco.

A caracterização inicial do herói é dada em uma canção triste, que é cantada nesta cena (como em Pushkin) para um texto sem sentido. A música é precedida por uma breve introdução de três compassos contendo o tema musical principal do Holy Fool. No motivo de fundo (segundo canto repetindo monotonamente) há entonações de lamentação. Eles são sobrepostos por um segundo motivo, de tipo próximo ao primeiro e baseado na entonação de oração, reclamação, frequentemente usada por Mussorgsky.

Nas entonações do Santo Louco, começa a soar a melodia do coro, com a qual o povo da praça se volta para o rei. O povo esperava que o czar saísse do templo e desse ao povo sua graça real. Na música, a princípio, como no coro do Prólogo (“A quem nos deixas”), ouve-se uma lamentação, um pedido, mas aos poucos a oração se transforma em exclamação e grito.

Após um grito estridente, as pessoas abaixam a cabeça (a melodia diminui), a dinâmica do coro se esvai, a multidão se separa para Godunov. Este é o medo do rei - o ungido de Deus. O refrão de "Kleb" termina com o som com que começou. As orações do povo continuam a ser ouvidas na festa do Santo Louco.

O momento culminante da ópera - a revolta do povo, é o coro do povo rebelde "O poder disperso, a força esclarecida, a ousadia é valente." Este é o verdadeiro pináculo de todas as cenas folclóricas. texto e parcialmente personagem musical deste coro é inspirado em amostras do chamado ladrão, valentes canções folclóricas. O coro "Disperso, esclarecido" destaca-se de todos os outros pelo seu carácter obstinado e poderoso, bem como pela grandeza e desenvolvimento da forma. Ele é escrito em um formulário dinâmico de três partes com um grande código estendido. EM tópico principal força indomável e impulso violento são incorporados. Combina mobilidade, rapidez com peso e poder. A repetição repetida (como se estivesse “perfurando”) do tônico cria uma sensação de firmeza e força; o salto melódico para a sexta soa como uma expressão de proeza e alcance. O tema tem como pano de fundo o acompanhamento móvel, como que incitando, incitando a melodia.

A introdução sucessiva de vozes na sequência ascendente dá a impressão de gritos violentos e discordantes (essa impressão é ainda reforçada pelas exclamações agudas dos instrumentos de sopro que sustentam o tema). Ao mesmo tempo, a introdução imitativa de vozes cria um aumento contínuo que leva ao segundo som ainda mais poderoso do tema. Desta vez, o tecido orquestral é mais complicado (em particular, aparecem motivos de sopro penetrantes e sibilantes, construídos sobre ecos do tema). As vozes do coro se entrelaçam em um som simultâneo, formando uma complexa textura polifônica no espírito da polifonia folclórica e apenas em pontos de pivô que se fundem em uníssono. A parte do meio se distingue por um arrojo especial, ardor. Aqui reina a alegria, provocada por uma sensação de liberdade inusitada. Este coro é a expressão de uma nova qualidade que a imagem do povo alcançou no seu desenvolvimento. Entoacionalmente, está conectado com episódios de outras cenas folclóricas (canção de Varlaam, coro do prólogo "Para quem você está nos deixando").

"Boris Godunov" é um novo tipo de ópera que marcou uma nova etapa no desenvolvimento do mundo arte operística. Nesta obra, que reflecte as ideias progressistas de libertação dos anos 60 e 70, mostra-se verdadeiramente a vida de todo um povo em toda a sua complexidade, revela-se profundamente as trágicas contradições do sistema estatal baseado na opressão das massas. Mostrar a vida de um país inteiro é combinado com uma representação vívida e convincente do mundo interior dos indivíduos e seus complexos e diversos personagens.

Conclusão

A música folclórica não só alimentou o trabalho dos compositores membros da comunidade chamada "O Poderoso Punhado" com belos temas, como os ajudou a tornar suas obras confiáveis ​​em relação ao mercado nacional ou características históricas.

A obra de Mussorgsky é alimentada pelo sopro da revolução camponesa. Segundo Stasov, Mussorgsky mostrava em sua música "um oceano de povo russo, vida, personagens, relacionamentos, infortúnio, fardo insuportável, humilhação, bocas fechadas".

Mussorgsky pela primeira vez na história da ópera, não só russa, mas também mundial, quebrou o hábito de apresentar o povo como algo unido. Mussorgsky combina essa imagem generalizada de uma infinidade de tipos individuais. Não é à toa que o gênero da ópera "Boris Godunov" foi definido como um drama musical folclórico.

Boris Godunov é um novo tipo de ópera que marcou uma nova etapa no desenvolvimento da arte da ópera mundial.

Mussorgsky fez do povo o personagem principal

O primeiro plano mostra o coro folclórico, seu dinamismo. No início da ópera, o povo fica inativo e, no final da ópera (ao contrário de A. Pushkin), eles se rebelam e se levantam

Dividiu os coros e escolheu réplicas individuais das pessoas

Introduziu uma técnica inovadora - recitativo coral

O compositor apresenta novas imagens: vagabundos, mendigos, órfãos

Na ópera, Mussorgsky contou com uma canção folclórica camponesa: lamentações, lamentações, fala arrastada, cômica, coral, dança.

As origens do folclore dão uma originalidade brilhante à música. O compositor é fluente em gêneros de canções folclóricas. A imagem de um povo reprimido e submisso é acompanhada por entonações de lamento e uma canção arrastada; a folia espontânea das forças que fogem para a liberdade é transmitida pelos ritmos violentos do tipo dança e jogo. Existem exemplos do uso direto de melodias folclóricas genuínas. Elementos da música de dança penetram na música de Varlaam, as entonações de lamentação e versos espirituais - na parte do Santo Louco.

Mussorgsky foi um excelente dramaturgo musical. Transmitiu com maestria não apenas os sentimentos e o caráter de uma pessoa, mas também a aparência, hábitos, movimentos. Ele se esforçou para mostrar na ópera não apenas um indivíduo, mas também a vida de toda uma nação, páginas de sua história, que ecoavam com a modernidade dramática.

M. Mussorgsky é um verdadeiro compositor folk, que dedicou toda a sua obra à história da vida, tristezas e esperanças do povo russo. Sua música refletia nítida Problemas sociais A vida russa nos anos 60-70. A obra de Mussorgsky foi tão original e inovadora que ainda exerce forte influência sobre compositores de diversos países.

Bibliografia

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Compositores do "Poderoso Punhado". M. "Música", 1968.

M. P. Mussorgsky: Monografia popular. L. "Música", 1979.

Literatura Musical. Clássicos musicais russos. Terceiro ano de estudo / M. Shornikova. Rostov n/a: Phoenix, 2005.

Literatura musical russa: Para 6 - 7 células. Escola de música infantil. M. "Música", 2000.

APLICATIVO

Anexo 1

O modesto Petrovich Mussorgsky

Apêndice 2

A obra de Mussorgsky está associada às melhores tradições clássicas, principalmente às obras de Glinka e Dargomyzhsky. No entanto, sendo um seguidor da escola do realismo crítico, Mussorgsky percorreu o caminho espinhoso de um descobridor ao longo de sua vida. Seu lema criativo eram as palavras: "Para novas praias! Sem medo, através da tempestade, baixios e armadilhas!" Serviram de estrela guia ao compositor, apoiando-o nos momentos de adversidade e desilusão, inspirando-o nos anos de intensa procura criativa. Mussorgsky viu as tarefas da arte em revelar a verdade da vida, sobre a qual sonhava contar às pessoas, entendendo a arte não apenas como um meio de comunicação entre as pessoas, mas também como um meio de educar as pessoas. O auge do legado de Mussorgsky são seus dramas musicais folclóricos Boris Godunov e Khovanshchina. Essas obras brilhantes de um dos maiores compositores russos são uma verdadeira revelação na história do desenvolvimento do drama da ópera mundial. O destino do povo preocupava Mussorgsky acima de tudo. Ele ficou especialmente fascinado pelos eventos históricos de épocas críticas; durante esses períodos, na luta pela justiça social, grandes massas humanas começaram a se mover. Nas óperas "Boris Godunov" e "Khovanshchina" Mussorgsky mostrou várias épocas históricas e vários grupos sociais, revelando com verdade não apenas os eventos externos da trama, mas também o mundo interior dos personagens, as experiências dos personagens. Um sutil psicólogo e dramaturgo, Mussorgsky, por meio da arte, conseguiu transmitir à sua sociedade contemporânea uma nova e avançada compreensão da história, deu uma resposta às questões mais atuais e prementes da vida. Nas óperas de Mussorgsky, o povo se torna o personagem principal, é mostrado no processo de desenvolvimento histórico; pela primeira vez no palco da ópera, imagens de agitação popular e revolta popular são incorporadas com força realista. "Boris Godunov" e "Khovanshchina" são obras verdadeiramente inovadoras. A inovação de Mussorgsky é determinada principalmente por suas visões estéticas, vem de um desejo constante de um verdadeiro reflexo da realidade. Nas óperas de Mussorgsky, a inovação se manifestou em uma ampla variedade de áreas. A imagem do povo na ópera e nos gêneros oratórios em todos os momentos foi realizada através do coro. EM coros de ópera Mussorgsky, também aparece um psicologismo genuíno: cenas de corais de massa revelam a vida espiritual das pessoas, seus pensamentos e aspirações. O significado dos coros em "Khovanshchina" e "Boris Godunov" é infinitamente grande; os coros dessas óperas surpreendem com sua diversidade, veracidade e profundidade realistas. De acordo com o método de construção musical, os coros de Mussorgsky podem ser divididos em dois grupos. O primeiro inclui aqueles em que as vozes dos intérpretes soam todas juntas, ao mesmo tempo (coros "compactos") com ou sem orquestra. Para o segundo - coros, que poderiam ser chamados de "dialógicos". Na ópera "Boris Godunov" no prólogo há uma grande cena folclórica construída sobre o princípio do diálogo livre, onde o coro é dividido em vários grupos; grupos individuais se destacam personagens; eles trocam observações (um tipo especial de recitativo coral), discutem, discutem eventos. Aqui a composição dos participantes muda o tempo todo - ou a voz do solista é ouvida, então toda a multidão (coro) canta, então vários vozes femininas, então solista novamente. É com base nesse princípio que Mussorgsky constrói grandes cenas de massa em suas óperas. Essa forma de apresentação coral contribui para a revelação mais realista do caráter e dos humores de uma multidão heterogênea e diversa. Tanto em coros como em outras formas de ópera, Mussorgsky, por um lado, segue o estabelecido tradições da ópera , por outro lado, ele os modifica livremente, subordinando o novo conteúdo de suas obras. Ele se voltou para grandes obras operísticas e dramáticas já no período inicial de sua obra (1858 - 1868). Ele foi atraído por três assuntos completamente diferentes; "Oedipus Rex" (1858) baseado na tragédia de Sófocles, "Salambo" (1863) baseado no romance de Flaubert e "The Marriage" (1865) baseado na comédia de Gogol; no entanto, todas as três composições permaneceram inacabadas. No enredo de "Oedipus Rex", Mussorgsky estava interessado em situações de conflito agudo, um choque de personagens fortes e o drama de cenas de massa. O compositor de dezenove anos ficou fascinado com o enredo, mas não conseguiu desenvolver e concluir seus planos. De toda a música da ópera, apenas a introdução e o palco no templo para o coro e a orquestra foram preservados. A ideia da ópera "Salambo" surgiu sob a influência da ópera "Judith" de Serov; ambas as obras são caracterizadas pelo antigo sabor oriental, a monumentalidade do enredo heróico e o drama dos sentimentos patrióticos. O próprio compositor escreveu o libreto da ópera, modificando significativamente o conteúdo do romance de Flaubert. As cenas e fragmentos sobreviventes da música de "Salambo" são muito expressivos (a Oração de Salambo, a cena do sacrifício, a cena do Mato na prisão, etc.). Mais tarde, eles foram usados ​​​​em outras obras operísticas de Mussorgsky (em particular, na ópera "Boris Godunov"). Mussorgsky não terminou a ópera "Salambo" e nunca mais voltou a ela; no decorrer do trabalho, descobriu que seu enredo histórico lhe era estranho e distante, que realmente não conhecia a música do Oriente, que sua obra começava a se desviar da verdade da imagem, aproximando-se dos clichês da ópera. "Desde meados dos anos 60, na literatura, pintura e música russas há uma grande atração pela reprodução realista da vida folclórica, suas verdadeiras imagens e tramas da vida. Mussorgsky começa a trabalhar em uma ópera baseada na comédia "Casamento" de Gogol, esforçando-se para a transmissão mais fiel das entonações da fala, com a intenção de musicar a prosa de Gogol sem nenhuma alteração, seguindo exatamente cada palavra do texto, revelando cada nuance sutil dele. A ideia de "ópera conversacional" foi emprestada por Mussorgsky de Dargomyzhsky , que escreveu sua ópera de Pushkin "The Stone Guest" no mesmo princípio. Mas tendo completado o primeiro ato de "The Marriage", Mussorgsky percebeu as limitações de seu método escolhido de ilustrar todos os detalhes de um texto verbal sem características generalizadas, e sentiu claramente que este trabalho serviria apenas como uma experiência para ele. Com esta obra termina o período de buscas e dúvidas, o período de formação da individualidade criativa de Mussorgsky. Para sua nova composição, a ópera "Boris Godunov", o compositor empreendeu com tanto entusiasmo e entusiasmo que em dois anos a música foi escrita e a partitura da ópera foi feita (outono de 1868 - dezembro de 1870). A flexibilidade do pensamento musical de Mussorgsky permitiu ao compositor introduzir na ópera as mais diversas formas de apresentação: monólogos, árias e ariosos, conjuntos diversos, duetos, tercetos e coros. Este último revelou-se o mais característico da ópera, onde existem tantas cenas de massa e onde as entonações de fala musicalizadas na sua infinita variedade se tornam a base da apresentação vocal. Depois de criar o drama folclórico social e realista Boris Godunov, Mussorgsky afastou-se das grandes tramas por algum tempo (década de 70, período das "reformas"), para mais tarde voltar a se dedicar à criatividade operística com entusiasmo e paixão. Seus planos são grandiosos: ele começa a trabalhar simultaneamente no drama musical histórico "Khovanshchina" e na ópera cômica baseada na história de Gogol "Sorochinsky Fair"; ao mesmo tempo, estava amadurecendo a decisão de escrever uma ópera baseada em um enredo da época do levante de Pugachev - "Pugachevshchina" baseado na história de Pushkin "A Filha do Capitão". Esta obra deveria ser incluída na trilogia de óperas históricas que cobrem as revoltas populares espontâneas da Rússia nos séculos XVII-XVIII. No entanto, a ópera revolucionária "Pugachevshchina" nunca foi escrita. Mussorgsky trabalhou em "Khovanshchina" e "Sorochinsky Fair" quase até o fim de seus dias, não terminando completamente as duas óperas, que posteriormente tiveram muitas edições; aqui, falando sobre as formas de apresentação vocal e instrumental no processo de sua formação, gostaria de lembrar mais uma vez que em "Casamento" em busca da "verdade nos sons" (Dargomyzhsky), Mussorgsky abandonou completamente os números e conjuntos acabados. Nas óperas "Boris Godunov" e "Khovanshchina" encontramos todos os tipos de números de ópera. Sua estrutura é diversa - de três partes (ária de Shaklovity) a grandes cenas de recitação livre (monólogo de Boris na cena com os sinos). Em cada nova ópera Mussorgsky usa cada vez mais conjuntos e coros. Em "Khovanshchina", escrita após "Boris Godunov", há quatorze coros, o que deu motivos ao comitê teatral para chamá-la de "ópera coral". É verdade que nas óperas de Mussorgsky existem relativamente poucas árias completas e incomparavelmente mais arioso - isto é, características musicais pequenas e profundamente emocionais dos personagens. Adquirem grande importância a ária-história e as formas vocais quotidianas, organicamente ligadas à dramaturgia do todo, bem como os monólogos, onde o texto verbal determina e dirige a estrutura musical. O auge e o resultado da busca nesta área foi o papel de Martha da ópera "Khovanshchina". Foi nesta festa que o compositor conseguiu a “maior síntese” da expressividade da fala com a melodia genuína. Nas óperas de Mussorgsky, o papel da orquestra é muito importante. Em introduções instrumentais e cenas independentes, a orquestra muitas vezes não apenas "finaliza", mas também revela o clima principal e o conteúdo da ação e, às vezes, a ideia de toda a obra. A orquestra desempenha características musicais constantes ou os chamados leitmotifs, que desempenham um papel crucial nas óperas de Mussorgsky. Leitmotivs e leittems são interpretados pelo compositor de maneiras diferentes: às vezes, material musical completamente idêntico aparece em diferentes situações correspondentes aos eventos da trama; Em outros casos tema musical, mudando gradualmente sua aparência, revela os aspectos espirituais internos de uma determinada imagem. Transformando-se, porém, o tema sempre mantém seus contornos básicos. Em um esforço para alcançar a maior vitalidade e veracidade em esboços de personagens individuais, bem como em cenas de multidão de gênero, Mussorgsky também faz uso extensivo de melodias folclóricas genuínas em seus dramas musicais. Em "Boris Godunov" o coro da segunda foto do prólogo "Já como a glória do sol vermelho no céu", a canção de Varlaam "How yong cavalga" do primeiro ato, coros na cena perto de Kromy - "Não é um falcão voa", "O sol, a lua desapareceu"; o texto folclórico tornou-se a base da canção de Shynkarka e do coro "Dispersed, cleared up", e em sua parte central foi utilizada a canção folk "Play, my bagpipes". Em "Khovanshchina", além de vários hinos de igreja, que formaram a base dos coros cismáticos (o segundo e terceiro atos, os coros "Vitória, em vergonha"), um coro de estranhos (atrás da cena) foi escrito para melodias folclóricas "Era uma vez um padrinho" do primeiro ato, a música "A Baby Came Out" de Martha, refrões ("Near the River", "Sat Late in the Evening", "Floats, Swims a Swan") de o quarto ato. O folclore ucraniano é amplamente representado na "Feira de Sorochinsky": no segundo ato - a canção de Kuma "Ao longo das estepes, ao longo dos livres", o tema do dueto "Doo-doo, ru-doo-doo", a canção de Khivri " Trampled the Stitch" e sua própria canção sobre Brudeus; na segunda cena do terceiro ato - uma verdadeira canção de dança folclórica de Parasi "Green Periwinkle" e a canção de casamento "On the Bank at the Headquarters", que se tornou o principal material musical de toda a cena final da ópera. A orquestra de Mussorgsky é baseada em grupo de string. O uso de instrumentos solo na ópera "Boris Godunov"* é limitado. Os instrumentos de sopro são introduzidos pelo compositor com muito cuidado. O uso de qualquer técnica colorística nas partituras de Mussorgsky é raro, via de regra - em casos especiais. Assim, por exemplo, apenas uma vez na cena do toque do sino o compositor colore a partitura introduzindo o piano (quatro mãos). O aparecimento de uma harpa e uma trompa inglesa na cena de amor na fonte ("Boris Godunov") também deve ser atribuído a um dispositivo colorístico especial. O estudo da obra operística de Mussorgsky - sua maestria na transferência de cenas folclóricas de massa, fala musical e linguagem harmônica - permite sentir a proximidade da dramaturgia do compositor com nossa época. A obra de Mussorgsky não é apenas um passado histórico; os temas de hoje vivem em seus escritos. As visões estéticas de Mussorgsky estão inextricavelmente ligadas ao florescimento da identidade nacional na era dos anos 60. século XIX e nos anos 70. - com correntes do pensamento russo como o populismo, etc. No centro de sua obra está o povo como "uma pessoa animada por uma única ideia", os acontecimentos mais importantes da história nacional, nos quais a vontade e o julgamento do povo são manifestado com grande força. Em histórias do passado doméstico, ele buscava respostas para questões contemporâneas. Ao mesmo tempo, Mussorgsky estabeleceu como objetivo a personificação das "melhores características da natureza humana", a criação de retratos psicológicos e musicais. Ele se esforçou por um estilo original e verdadeiramente nacional, caracterizado pela confiança na arte camponesa russa, a criação de formas originais de drama, melodia, condução de voz, harmonia, etc., correspondendo ao espírito desta arte. No entanto, o musical A linguagem de Mussorgsky, o sucessor das tradições de M.I.A.S. Dargomyzhsky, é marcada por uma novidade tão radical que muitas de suas descobertas foram aceitas e desenvolvidas apenas no século XX. Tal, em particular, é a dramaturgia "polifônica" multidimensional de suas óperas, suas formas livremente variantes, longe das normas dos clássicos da Europa Ocidental (incluindo sonatas), bem como sua melodia - natural, "criada pela fala", ou seja - crescendo das entonações características da fala russa, canções e assumindo uma forma correspondente à estrutura de sentimentos desse personagem. A linguagem harmónica de Mussorgsky é igualmente individual, onde se combinam elementos da funcionalidade clássica com os princípios da harmonia da canção folclórica, com técnicas impressionistas, com consequências de sonoridades expressionistas.

Lista das principais obras

Ópera "Boris Godunov" (1869, 2ª edição 1872)

Ópera "Khovanshchina" (c.1873-1880, não concluída). Subtítulo: Drama musical folclórico. Toda a música foi preservada no cravo, exceto o final do 2º ato (após a observação de Shaklovity "E ordenado a ser encontrado") e algumas partes do 5º ato (a cena de Martha e Andrey Khovansky não é harmonizada, " Martha's Love Funeral" está perdido e, provavelmente, a cena final da autoimolação dos cismáticos). Dois fragmentos do 3º ato (o coro dos arqueiros e o canto de Marta) foram preservados na partitura. Editores: N. A. Rimsky-Korsakov (1883), B.V. Asafiev (1931), D. D. Shostakovich (1958). Edição crítica do cravo: P.A. Lamm (1932).

Ópera “Casamento. Um evento absolutamente incrível em três atos ”(1868, não finalizado). Subtítulo: Experiência da Música Dramática em Prosa. Baseado no texto da peça de mesmo nome de N.V. Gogol. Dedicado a V. V. Stasov. O ato I no cravo foi preservado. Editores: M. M. Ippolitova-Ivanov (1931), G. N. Rozhdestvensky (1985). Edições: 1908 (partitura para piano, editada por N. A. Rimsky-Korsakov), 1933 (edição do autor).

Ópera "Feira Sorochinsky" (1874-1880, não concluída). Baseado na história de mesmo nome de N.V. Gogol. Dedicatórias: "Dumka Parasi" - E. A. Miloradovich, "Canção de Khivri" - A. N. Molas. Em 1886, na edição do autor, foram publicadas "Canção de Khivri", "Dumka Parasi" e "Hopak de casais alegres". Editores: Ts. A. Cui (1917), V. Ya. Shebalin (1931).

Ópera "Salambo" (1863-1866, não concluída). Subtítulo: Baseado no romance de G. Flaubert "Salambo", com a introdução de poemas de V. A. Zhukovsky, A. N. Maikov, A. I. Polezhaev. A ópera deveria ter quatro atos (sete cenas). No cravo está escrito: “A Canção das Baleares” (1º ato, 1ª cena). Cena no templo de Tanita em Cartago (2º ato, 2º quadro), Cena em frente ao templo de Moloch (3º ato, 1º quadro), Cena na masmorra da Acrópole. Calabouço na rocha. Mato acorrentado (4º ato, 1ª cena), coro feminino(Sacerdotisas consolam Salammbo e a vestem com roupas de casamento) (4º ato, 2ª cena), ed.: 1884 (partitura e cravo do Coro Feminino da 2ª cena do 4º ato, editado e organizado por N. A. Rimsky- Korsakov), 1939 (ed.). Editado por Zoltan Peszko (1979)

Para voz e piano: Jovens anos. Coleção de romances e canções (1857-1866). Infantil. Episódios da vida de uma criança. Ciclo vocal para as palavras do compositor (1870) Com a babá (1868; dedicado ao "grande professor da verdade musical A.S. Dargomyzhsky"; título variante: Criança). "Sem sol" Ciclo vocal em versos de A. A. Golenishchev-Kutuzov (1874). Canções e danças da morte. Ciclo vocal em versos de A. A. Golenishchev-Kutuzov (1877). Arranjos de números vocais das óperas Casamento, Boris Godunov, Sorochinskaya Fair, Khovanshchina para voz e piano

Canções e romances inacabados: Montanha de urtiga. Sem precedentes (palavras de Mussorgsky; título variante: Entre o céu e a terra) Carta grave (palavras de Mussorgsky; título variante: "Destino do Mal", "Morte do Mal"; sobre a morte de N.P. Opochinina). Agora realizado em ed. V.G. Karatygina

Para piano: Quadros de uma Exposição, um ciclo de peças (1874); orquestrado por vários compositores, incluindo Maurice Ravel, Sergei Gorchakov (1955), Lawrence Leonard, Keith Emerson e outros Polka "Ensign" (1852). Intermezzo. dedicada A. Borodin (1861). "Memórias de Beltov e Lyuba" improvisadas (1865). Babá e eu. Das memórias da infância (1865). Scherzo "Costureira" (1871), etc.

Para orquestra e coro: March of Shamil, para quatro partes coro masculino e solistas (tenor e baixo) com orquestra (1859). dedicada A. Arseniev. Noite na Montanha Careca ("Noite de Ivan na Montanha Careca") (1867), imagem sinfônica; ed.: 1886 (editado por N. A. Rimsky-Korsakov). Intermezzo in modo classico (para orquestra, 1867). dedicada Alexander Porfiryevich Borodin; ed. 1883 (editado por N. A. Rimsky-Korsakov). Captura de Kars. Marcha solene para grande orquestra (1880); ed.: 1883 (editado e organizado por N. A. Rimsky-Korsakov). Scherzo B-dur para orquestra; cit.: 1858; dedicado a: A. S. Gussakovsky; ed.: 1860. Joshua Nun, para solistas, coro e piano (1866; 1877, segunda edição para Nadezhda Nikolaevna Rimskaya-Korsakova; 1883, edição editada e arranjada por N. A. Rimsky-Korsakov). A derrota de Sennacherib, para coro e orquestra com as palavras de J. G. Byron de "Jewish Melodies" (1867; 1874 - segunda edição, com pós-escrito de Mussorgsky "Segunda apresentação, aprimorada de acordo com os comentários de Vladimir Vasilyevich Stasov"; 1871 - edição, para coro com piano). Alla marcia notturna. Pequena marcha para orquestra (na natureza da procissão noturna) (1861).

Composições não sobreviventes e/ou perdidas: Tempestade no Mar Negro. Grande quadro musical para piano. Vocaliza para três vozes femininas: Andante cantabile, Largo, Andante giusto (1880). Sonata em dó maior para piano. a 4 mãos (1861).

Criatividade vocal de câmara de M.P. Mussorgsky

A miniatura vocal leva lugar significativo na obra do compositor. Mussorgsky desenvolve as tradições de seus predecessores, dos quais Dargomyzhsky é o mais próximo dele.

I. As fontes primárias literárias de romances e canções estão associadas aos nomes de Nekrasov e Golenishchev-Kutuzov (os ciclos “Sem o Sol” e “Canções e Danças da Morte” foram criados em seus textos), que Mussorgsky descobre para a música russa . Além disso, Mussorgsky costumava criar seus próprios textos (o ciclo "Infantil"). Ele era um bom estilista e sabia recriar o tipo de fala da pessoa de que precisava.

II. A linguagem musical está associada a várias configurações:

1. O princípio da generalização através do gênero. Esse princípio se baseia no fato de que cada gênero em si carrega uma certa carga semântica. O compositor recorre a um determinado gênero para revelar o sentido da composição por meio dele.

2. Leitura paradoxal do gênero (“Canções e Danças da Morte”).

3. Recitativo característico. Mussorgsky desenvolve a abordagem de Dargomyzhsky, buscando a fusão máxima de música e palavras. O recitativo característico incorpora a imagem de uma pessoa pertencente a uma determinada classe social em uma situação de vida e estado emocional específicos. Nesse sentido, é interessante o ciclo “Infantil”, onde são reproduzidos o comportamento e a fala da criança em diversas situações. Mussorgsky consegue captar a diferença entre a fala infantil e a fala adulta na música.

4. É muito significativo o papel da parte do piano, que vai além do âmbito do acompanhamento, pois carrega uma carga semântica séria.

III. Temas de romances e canções.

1. O tema lírico surgiu no período inicial da criatividade. É mais claramente revelado no ciclo "Young Years";

2. O apelo ao tema social caracteriza o período maduro da obra de Mussorgsky. Este tema é revelado em vários retratos característicos:

a) as imagens dos camponeses são personificadas com profundo psicologismo, simpatia e compaixão. Este grupo de canções inclui "Lullaby to Eremushka", "Kalistrat", "Trepak" do ciclo "Songs and Dances of Death";

b) as imagens dos santos tolos aparecem pela primeira vez na música russa com Mussorgsky (contrapartes ocidentais - Rigoletto, Quasimodo). Um exemplo dessa imagem na miniatura vocal de Mussorgsky é Svetik Savishna;

c) imagens do clero - "Seminário";

d) imagens da infância. O mundo da infância é revelado em dois planos - como um mundo brilhante de espontaneidade, sinceridade ("travesso" do ciclo "Infantil"). Outro “avião” é a infância, ofuscada por adversidades e preocupações: “O Órfão”, “Lullaby” de “Canções e Danças da Morte”;

e) imagens satíricas - "Rayok", "Cabra".

3. O tema da guerra em Mussorgsky é marcado por um pathos trágico incomum, embora não haja tantas obras que o revelem. Exemplos são a balada "Forgotten", "Commander" de "Songs and Dances of Death".

4. O tema da morte em Mussorgsky é resolvido com uma tragédia particular. Um ciclo vocal separado é dedicado a ela - "Canções e Danças da Morte". O plano inicial do ciclo previa 12 obras, mas foram criadas 3 - o compositor deu-lhes o título de "Ela". Em seguida, o "Comandante" foi ativado.

O gênero de "Dança da Morte" desenvolveu-se na pintura medieval. Os afrescos desse gênero representavam uma dança redonda da morte com pessoas de várias propriedades e classes, ou a morte alcançando as pessoas em vários momentos, muitas vezes brilhantes e alegres de suas vidas - em uma caçada, em um banquete. Momentos particularmente significativos no conteúdo dessas obras são o contraste entre vida e morte, a presença constante da morte (uma pessoa pode morrer a qualquer momento), a igualdade das pessoas diante da morte (o poder, a riqueza, a sorte não podem salvar de isto). Até certo ponto, Mussorgsky segue essa tradição, pois cada obra do ciclo corresponde a um determinado gênero e revela uma situação de vida específica. Gêneros do ciclo - "Canção de ninar", "Serenata", "Trepak", marcha - "Comandante".

Ao mesmo tempo, características de teatralização aparecem no ciclo. Cada obra abre com uma introdução que introduz a ação no cenário.

"Canção de ninar"- um diálogo entre a mãe de uma criança moribunda e a morte. Os comentários da mãe tornam-se cada vez mais intensos à medida que se desenvolvem, o tema da morte permanece inalterado (o análogo é o "Rei da Floresta" de Schubert).

"Serenata"- cavaleiro, não lírico: a morte aparece para uma garota moribunda na forma de um cavaleiro.

"Trepak"- camponês bêbado congelante. Utiliza a técnica de representação sonora - a imagem de uma nevasca. A música consiste em duas seções contrastantes: um monólogo da morte no espírito de um trepak "Ah, um velho, um homenzinho miserável" e uma imagem de um sonho de morte paradoxalmente feliz. A morte é revelada aqui como libertadora das adversidades da vida.

"Comandante"é o culminar de todo o ciclo. Este trabalho é o maior e mais complexo em design de todos os 4, é composto por várias seções: I - introdutório, fazendo um desenho da batalha; II - o aparecimento da morte "então, iluminada pela lua"; III - monólogo da morte "A batalha acabou"; IV - dança da morte "Dança da terra pesada e úmida" - esta última seçãoé o resultado semântico de todo o ciclo.

Quase nenhum dos clássicos russos se compara a M.P. Mussorgsky, um brilhante compositor autodidata, na originalidade, audácia e originalidade das formas de concretizar ideias que em muitos aspectos anteciparam a arte musical do século XX.

Mesmo entre pessoas afins, ele se destacou por sua coragem, aspiração e consistência na defesa de ideais.

trabalho vocal de Mussorgsky

A música vocal ocupa um lugar decisivo no património criativo do compositor. Na coleção "Young Years" (anos 50-60), ele continua desenvolvendo a linha de A. Dargomyzhsky com tendência a se intensificar. A coleção marcou o início da maturidade criativa do compositor e determinou a gama de imagens e humores (com exceção dos satíricos, que apareceriam posteriormente); as imagens desempenham um papel importante vida camponesa, a personificação dos personagens dos personagens-representantes do povo. Não é por acaso que os romances com as palavras de N. Nekrasov ("Calistrat", "Lullaby to Eremushka") são considerados o ápice da coleção.

MP Mussorgsky

Até o final dos anos 60. as obras do compositor são preenchidas imagens satíricas(toda uma galeria de sátiras está incorporada em "Raik"). À beira dos períodos maduros e tardios, surge o ciclo “Infantil” em texto próprio, que é uma série de esquetes psicológicos (o mundo pelos olhos de uma criança).

Mais tarde, a obra de Mussorgsky é marcada pelos ciclos "Canções e Danças da Morte", "Sem o Sol", a balada "Forgotten".

As obras vocais de Modest Petrovich como um todo cobrem a seguinte gama de humores:

• letra da música, presente nas primeiras composições e posteriormente pintado em tons cada vez mais trágicos. A culminação lírico-trágica desta linha é o ciclo vocal Sem o Sol (1874);

• uma linha de "fotos folclóricas", esboços, cenas da vida camponesa(“Kalistrat”, “Lullaby to Eremushka”, “Orphan”, “Flower Savishna”), levando a alturas como a balada “Forgotten” e “Trepak” do ciclo “Songs and Dances of Death”;
• linha de sátira social(romances dos anos 60-70: “Seminário”, “Clássico”, “Cabra” (“Conto de Fadas Secular”), culminando em “Rayok”).

Um grupo separado de obras que não pertencem a nenhuma das opções acima é o ciclo vocal "Children's" (1872) e "Songs and Dances of Death" (exceto "Trepak").

Desenvolvendo-se de letras a começos cotidianos, esboços satíricos ou sociais, a música vocal do compositor Mussorgsky é cada vez mais repleta de humores trágicos, que se tornam quase definidores em sua obra posterior, incorporada na íntegra na balada "Forgotten" e "Songs and Dances of Morte". Às vezes mais, às vezes menos distintamente, mas o tema trágico soou antes - já em "Calistrat" ​​​​e "Lullaby Yeryomushka" uma angústia agudamente dramática é sentida.

Ele repensa a essência semântica da canção de ninar, mantendo apenas as características externas do gênero. Então, tanto "Kalistrat" ​​quanto "Lullaby to Eremushka"

(que Pisarev chamou de "uma canção de ninar vil")

- não apenas embalar; é um sonho de felicidade para uma criança. No entanto, aguda tema sonoro a incompatibilidade entre realidade e sonho transforma a canção de ninar em lamento (o ápice deste tema será apresentado pelo ciclo “Canções e Danças da Morte”).

Uma peculiar continuação do tema trágico é observada

• V « Órfão" (uma criancinha implorando),
• « Svetik Savishna" (a dor e a dor do santo tolo rejeitado pela esposa do comerciante - a imagem mais plenamente incorporada no santo tolo da ópera "Boris Godunov").

Um dos picos trágicos da música de Mussorgsky é a balada "Forgotten" - uma obra que uniu os talentos de Vereshchagin (na série anti-guerra que ele escreveu, coroada com "A Apoteose da Guerra", há uma pintura "Forgotten", que formou a base para a ideia da balada), Golenishchev-Kutuzov (texto) . O compositor também introduz na música a imagem da família de um soldado, usando a justaposição contrastante de imagens: o mais alto grau de tragédia é alcançado ao justapor, sobre o fundo de uma canção de ninar, as promessas de uma mãe embalando seu filho e falando sobre o retorno iminente de seu pai, e a frase final:

"E aquele é esquecido - um mente."

O ciclo vocal "Canções e Danças da Morte" (1875) - clímax criatividade vocal Mussorgsky.

Historicamente na arte da música imagem da morte, esperando e tirando a vida muitas vezes nos momentos mais inesperados, foi expresso em duas hipóteses principais:

• estática morta, rigidez (durante a Idade Média, a sequência Dies irae tornou-se um desses símbolos);

• a imagem da morte na Dança macabra (dança da morte) - tradição vinda das sarabandas espanholas, onde o enterro acontecia em movimento, solene dança fúnebre; se reflete na obra de Berlioz, Liszt, Saint-Saens, etc.

A inovação de Mussorgsky em relação à incorporação desse tema reside no fato de que a Morte agora não apenas "dança", mas também canta.

O ciclo vocal em grande escala consiste em 4 romances, em cada um dos quais a morte aguarda a vítima:

• 1 hora "canção de ninar". A morte canta uma canção de ninar sobre a cama do bebê;

• 2 horas "Serenata". Assumindo a forma de um cavaleiro andante, a Morte canta uma serenata sob a janela de uma moribunda;
• 3 horas "Trepak". O camponês congela na nevasca, na estepe gelada, e a Morte canta sua canção para ele, prometendo luz, alegria e riqueza;
• 4 horas "Comandante". Um grand finale onde a Morte aparece no campo de batalha como um general, abordando os caídos.

A essência ideológica do ciclo é um protesto e luta contra a onipotência da morte para expor suas mentiras, o que é enfatizado pela “falsidade”, insinceridade no uso de cada um dos gêneros cotidianos que fundamentam suas partes.

Linguagem musical de M.P. Mussorgsky

Base de entonação recitativa e parte de piano magistralmente projetada obras vocais o compositor é realizado através de formas, muitas vezes marcadas com sinais do estilo de um autor individual.

criatividade da ópera

Assim como a música vocal, gênero ópera Mussorgsky revela vividamente a originalidade e o poder do talento do compositor, bem como suas visões avançadas, aspirações ideológicas e estéticas.

3 óperas são concluídas no patrimônio criativo

"Boris Godunov", "Khovanshchina", "Feira Sorochinsky";

permaneceu não realizado

"Salambo" (enredo histórico),

"Casamento" (há 1 ação),

uma série de planos que não foram realizados.

O momento unificador das óperas (exceto O Casamento) é a presença imagens folclóricas como fundamental, e são usados:

• V plano Geral como imagem coletiva do povo, o povo como um único herói;

• representação individualizada de heróis individuais - representantes do povo.

Era importante para o compositor recorrer às histórias folclóricas. Se a ideia de "Salambo" foi a história do confronto entre Cartago e Roma, então em outras óperas ele não se preocupa com história antiga, mas - Rus' nos momentos das maiores convulsões, no momento mais conturbado de sua história ("Boris Godunov", "Khovanshchina").

A obra para piano de Mussorgsky

A obra para piano deste compositor é representada pelo único ciclo "Pictures at an Exhibition" (1874), que, no entanto, entrou para a história da música como uma obra brilhante e marcante do pianismo russo. A ideia é baseada nas obras de V. Hartmann, um ciclo composto por 10 peças é dedicado à sua memória ( « Anão", " fechadura velha”,“ Parque das Tulherias ”,“ Gado ”,“ Balé dos Pintinhos Incubados ”,“ Dois Judeus ”,“ Mercado de Limoges ”,“ Catacumbas ”,“ Baba Yaga ”,“ Golden Gate ”ou“ Heroic Gate ”), alternando periodicamente com um tema especial - "Caminhada". Por um lado, retrata o próprio compositor caminhando pela galeria das obras de Hartmann; por outro lado, incorpora o princípio nacional russo.

A originalidade génica do ciclo, por um lado, remete para uma típica suite programática, por outro, para a forma rondal, onde o “Walk” funciona como refrão. E tendo em conta que o tema “Caminhadas” nunca se repete exactamente, surgem as características de variação.

Além do mais, « Pictures at an Exhibition" incorporam as possibilidades expressivas do piano:

• colorístico, graças ao qual o som "orquestral" é alcançado;
• virtuosismo;
• na música do ciclo é palpável a influência do estilo vocal do compositor (tanto cantoria como recitatividade e declamação).

Todas essas características fazem de Pictures at an Exhibition uma obra única na história da música.

Música sinfônica de M.P. Mussorgsky

Uma obra indicativa no campo da criatividade sinfônica é Ivan's Night on Bald Mountain (1867), um sabá das bruxas que continua a tradição de Berlioz. O significado histórico da obra reside no fato de ser um dos primeiros exemplos de fantasia maligna na música russa.

Orquestração

A inovação de MP Mussorgsky como compositor em sua abordagem da parte orquestral não foi imediatamente compreendida: a descoberta de novos horizontes foi percebida por vários contemporâneos como desamparo.

O princípio principal para ele era alcançar a expressão máxima na expressão com o uso mínimo de meios orquestrais, ou seja, sua orquestração assume a natureza de um vocal.

A essência da abordagem inovadora para o uso de meios musicais e expressivos, o músico formulou algo assim:

"... para criar formas expressivas de fala e, com base nelas - novas formas musicais."

Se compararmos Mussorgsky e os grandes clássicos russos, em cuja obra a imagem do povo é uma das principais, então:

• ao contrário de Glinka, que se caracteriza por um método de exibição de retrato, para Modest Petrovich o principal é a exibição de imagens folclóricas em desenvolvimento, em processo de formação;
• Mussorgsky, ao contrário de Glinka, destaca personagens individuais que representam as pessoas das massas. Além disso, cada um deles atua como portador de um determinado símbolo (por exemplo, Pimen de Boris Godunov não é apenas um sábio, mas a personificação da própria história).

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O modesto Petrovich Mussorgsky(1839-1981) - Compositor russo de importância mundial, à frente de seu tempo. Um inovador cujo legado se tornou uma fonte de ideias na arte do século XX, um reformador da arte europeia (junto com Goya, Schumann, Gogol, Berlioz, Flaubert, Dostoiévski). Um artista verdadeiramente russo pela grandeza de sua alma, para quem a música não era uma profissão, mas um propósito de vida. Ele tinha um talento artístico único e intuição. homem exclusivamente destino difícil e personagem, espiritualmente rico e versátil em interesses (história, filosofia, literatura), Mussorgsky foi um excelente escritor, autor de suas canções e libreto, cantor e pianista. As visões estéticas do compositor são caracterizadas pela independência e originalidade dos julgamentos, convicção em suas opiniões sobre a arte. Seus ídolos musicais eram Palestrina, Bach, Beethoven, Liszt, Berlioz. Mussorgsky é um romântico russo, um homem da “era Schumann”: seguindo Glinka, Gogol, Dargomyzhsky, Dostoiévski, Repin, ele experimentou a fronteira clássico-romântica como um teste da espiritualidade russa e como ascetismo pessoal. Por outro lado, Mussorgsky é um russo pintor realista, um homem da época da recuperação pública. Suas opiniões foram formadas sob a influência de ideias socialmente acusatórias de populismo. Mussorgsky via na música uma conversa viva e direta com as pessoas: as frases musicais são construídas de acordo com as leis da expressividade da entonação da fala. Ele se considerava fora dos círculos e escolas, em últimos anos dissociou-se do "Poderoso Punhado", declarou o isolamento de sua música e visão de arte. O primeiro entre os músicos a chamar a atenção para a complexidade incompreensível da natureza humana e da psique, foi um mestre da tragédia e do grotesco e um psicólogo-dramaturgo em óperas.

Nasceu na aldeia de Karevo, província de Pskov, na família de um proprietário de terras, representante da família Rurik. Estudou piano com a mãe, aos 9 anos executou o concerto de Field. Em 1849 ele ingressou na Escola de Pedro e Paulo em São Petersburgo, e em 1852 - na Escola de Guardas. Logo a primeira obra de Mussorgsky, a polca para piano Ensign, foi publicada. Por vários anos ele teve aulas de piano com A. Gerke. Em 1856 começou a escrever uma ópera baseada na história de Hugo. No mesmo ano, ele entrou no Regimento de Guardas Preobrazhensky. Em 1857 ele conheceu A. Dargomyzhsky e Ts. Cui, e através deles com M. Balakirev e

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V. Stasov, tornou-se membro do "Mighty Handful". Depois de nervoso e crise espiritual aposentado do exército, passou a se dedicar à composição musical. A música de Mussorgsky começou a aparecer em programas de concertos públicos. Em 1863-1865. trabalhou no libreto e na música da ópera "Salambo" baseada no conto homónimo de G. Flaubert. Naquela época, ele serviu como oficial em um dos ministérios, mas em 1867 foi expulso do serviço. No verão de 1867, Mussorgsky escreveu sua primeira obra significativa para orquestra, Night on Bald Mountain. A próxima ideia operística de Mussorgsky foi "Casamento" baseada no texto da comédia de Gogol (permaneceu inacabada).

No início de 1869, ele voltou ao serviço público, conseguiu completar a versão inicial da ópera Boris Godunov para seu próprio libreto baseado em Pushkin e N. Karamzin, e então começou a preparar sua nova versão. Em 1872, a ópera foi novamente rejeitada, mas trechos dela começaram a ser executados publicamente, e o cravo foi publicado pela editora V. Bessel. Por fim, o Teatro Mariinsky aceitou a ópera para produção. A estréia de Boris Godunov foi um grande sucesso (1874).

Em 1870, Mussorgsky completou o ciclo vocal "Infantil" com suas próprias palavras e, dois anos depois, começou a trabalhar em sua segunda ópera histórica "Khovanshchina" (drama musical folclórico). Durante a década de 1870 Mussorgsky compôs os ciclos vocais “Without the Sun” e “Songs and Dances of Death” (para poemas do poeta A. Golenishchev-Kutuzov) e o ciclo para piano “Pictures at an Exhibition”, inspirado nos desenhos de V. Hartmann. Ao mesmo tempo, interessou-se pela ideia de criar a ópera cômica "Sorochinsky Fair" baseada em Gogol. Em 1878 fez uma viagem ao sul da Rússia como acompanhante da cantora Daria Leonova, compôs "Canção de Mefistófeles sobre uma pulga". Em 1881 ele foi internado em um hospital, onde morreu.

Arte vocal de câmara. O final de 1865, todo o ano de 1866, 1867 e parte de 1868 são considerados o período de criação de toda uma série de romances, que estão entre as obras mais perfeitas de Mussorgsky. Seus romances eram principalmente monólogos, que o próprio compositor enfatizou (por exemplo, o romance “Leaves farfalharam tristemente” tem o subtítulo “ história musical"). O gênero favorito de Mussorgsky era a canção de ninar. Ele a usou com muita frequência: desde a “Canção de Ninar para a Boneca” do ciclo “Infantil” até a trágica canção de ninar em “Canções e Danças da Morte”. Nessas canções, havia carinho e ternura, humor e tragédia, pressentimentos tristes e desesperança.

Em maio de 1864, os compositores criaram uma peça vocal da vida folclórica - "Calistrat" ​​​​para as palavras de Nekrasov. No tom de toda a narrativa de "Calistratus" pode-se traçar um humor folclórico azedo, mas em maior medida o significado da obra é trágico, porque esta é uma canção-parábola sobre a triste e desesperada sorte dos pobres .

Em 1866-1868, Modest Petrovich criou várias imagens folclóricas vocais: "The Orphan", "Seminarian", "Pick Mushrooms" e "Mischievous". Eles são uma imagem espelhada dos poemas de Nekrasov e

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pinturas dos Andarilhos. Ao mesmo tempo, o compositor experimentou o gênero satírico. Ele criou duas canções - "Goat" e "Classic", que vão além do tema usual das obras musicais. Mussorgsky descreveu a primeira música como um "conto de fadas secular", no qual o tema do casamento desigual é abordado. No "Clássico" a sátira é dirigida contra crítico musical Famintsyn, que era um fervoroso oponente da nova escola russa.

Em seu famoso romance "Rayok" Mussorgsky tentou desenvolver os mesmos princípios do "Clássico", aprimorando-os ainda mais. Este romance é uma imitação de um teatro folclórico de marionetes com um ladrador. Esta peça musical mostra todo um grupo de oponentes da associação Mighty Handful.

A cena vocal "Seminarista" mostra um menino saudável e simples do campo que está enfiando palavras latinas chatas e completamente desnecessárias, enquanto as lembranças da aventura que ele acabou de viver vêm à sua cabeça. Durante o culto na igreja, ele olhou para a filha do padre, pelo que foi espancado pelo pai dela. A comédia da composição vocal reside na alternância de um murmúrio inexpressivo em uma nota com um padrão de palavras latinas sem sentido com uma ampla, rude, mas não desprovida de ousadia e força, a canção do seminarista sobre a beleza do padre Stesha e sobre seu ofensor - o padre. Em The Seminarist, Mussorgsky criou uma paródia do canto da igreja de acordo com a posição social de seu herói. O prolongado canto triste, combinado com um texto completamente inapropriado, produz uma impressão cômica. O manuscrito de O Seminarista foi impresso no exterior, mas a censura russa o proibiu, referindo-se ao fato de que esta cena mostra objetos sagrados e relações sagradas de forma engraçada. Essa proibição irritou terrivelmente Mussorgsky. Em uma carta a Stasov, ele escreveu: “Até agora, os músicos foram censurados; a proibição do "Seminarista" serve de argumento para que dos rouxinóis das "barracas da floresta e admiradores lunares" os músicos se tornem membros sociedades humanas, e se tudo de mim fosse banido, eu não pararia de esculpir uma pedra até que estivesse exausto.

Por outro lado, o talento de Modest Petrovich é revelado no ciclo "Infantil". As canções desta coleção são canções sobre crianças. Neles, o compositor provou ser um psicólogo capaz de revelar todas as características da percepção de mundo de uma criança. O musicólogo Asafiev definiu o conteúdo e o significado desse ciclo como "a formação de uma personalidade reflexiva na criança". Há também uma criança conversando com a babá sobre uma faia de conto de fadas, e a criança que foi colocada em um canto, e ele tenta jogar a culpa no gatinho, e o menino falando sobre sua cabana de galhos no jardim, sobre o inseto que voou para dentro dele, e a menina colocando a boneca para cama. Franz Liszt ficou tão encantado com essas canções que imediatamente desejou transcrevê-las para piano.

No ciclo vocal “Songs and Dances of Death”, o compositor recria a realidade russa, que se revela desastrosa para muitos

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de pessoas. Em termos socialmente acusatórios, o tema da morte está longe de estar na ordem do dia. último lugar na arte russa da época: nas pinturas de Perov, Vereshchagin, Kramskoy, nos poemas de Nekrasov "Frost, Red Nose", "Arina, a Mãe do Soldado", etc. O ciclo vocal de Mussorgsky está nesta linha. Nesta obra, Modest Petrovich utilizou os gêneros de marcha, dança, canção de ninar e serenata, que surgiu do desejo de enfatizar o inesperado e o absurdo da invasão da morte odiada. Mussorgsky, tendo reunido conceitos infinitamente distantes, atingiu uma extrema acuidade na divulgação do tema

O ciclo é composto por quatro canções, que são arranjadas: de acordo com o princípio de aumentar a dinâmica do enredo: "Lullaby", "Serenade", "Trepak", "Commander". A ação cresce gradativamente, da sala aconchegante e isolada em "Lullaby" o ouvinte é transferido para a rua noturna de "Serenade", depois para os campos desertos de "Trepak" e, finalmente, para o campo de batalha em "The Commander" . A oposição da vida e da morte, sua luta eterna entre si - esta é a base dramática de todo o ciclo.

Canção de ninar retrata uma cena de profunda dor e desespero de uma mãe sentada ao lado do berço de uma criança moribunda. Com todos os meios musicais, o compositor tenta enfatizar a ansiedade viva da mãe: e a calma morta da morte. As frases de morte soam insinuantes, ameaçadoramente gentis. No final da música, as frases da mãe começam a soar cada vez mais desesperadas, e a morte simplesmente repete seu monótono "Tchau, tchau, tchau".

Na segunda música, "Serenade", o amor se opõe à morte. A introdução não apenas mostra a paisagem, mas também transmite a atmosfera emocionalmente aquecida da juventude e do amor. Supunha-se que o compositor mostrasse na canção a morte de uma revolucionária na prisão. No entanto, Mussorgsky capturou o destino de muitas mulheres e meninas russas que morreram infrutíferas e inutilmente, não encontrando aplicação para suas forças na vida cotidiana da época, que sufocou muitas vidas jovens.

"Trepak" não é mais uma música, mas uma dança da morte, que ela dança junto com um camponês bêbado. O tema da dança gradualmente se desdobra em uma imagem grande e bastante diversificada. O tema da dança soa simplório ou sinistro e sombrio. O contraste é baseado na oposição de dança e canção de ninar.

A canção "The Commander" foi escrita pelo compositor muito depois das demais, por volta de 1877. O tema principal desta música é a tragédia das pessoas que são obrigadas a enviar seus filhos para os campos de guerra. Durante a composição da música, ocorreram trágicos acontecimentos militares nos Bálcãs, que atraíram a atenção de todos. A introdução da música foi escrita como uma parte independente. A princípio, soa a triste melodia “Deus descanse com os santos”, e então a música conduz o ouvinte ao ponto culminante da canção e de todo o ciclo vocal - a vitoriosa marcha da morte. Mussorgsky pegou a melodia solenemente trágica para esta parte do hino revolucionário polonês "Com a fumaça dos incêndios", que foi executado durante o levante de 1863.

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O ciclo vocal "Canções e Danças da Morte" é o ápice das aspirações realistas do compositor. No século 20, a obra foi orquestrada por D.D. Shostakovich.

Arte da ópera. Em 1868, Modest Petrovich decidiu escrever uma ópera sobre o tema do "Casamento" de Gogol. O brilhante trabalho de Gogol era muito próximo do espírito do compositor. Mussorgsky teve a ideia de musicar toda a obra, não poesia, mas prosa, e ninguém havia feito isso antes dele.

Em julho de 1868, o compositor concluiu o Ato I da ópera e começou a compor o Ato II. Mas ele não fez esse trabalho por muito tempo, pois se deixou levar pelo tema de "Boris Godunov" de Pushkin, que um de seus amigos lhe sugeriu durante noite musical em L.I. Shestakova. Depois de ler a obra de Pushkin, Mussorgsky ficou cativado pela trama.

Ele começou a trabalhar na ópera Boris Godunov em setembro de 1868 e, em 14 de novembro, o Ato I já estava escrito na íntegra. No final de novembro de 1869, a ópera foi concluída em sua totalidade. A velocidade é incrível, visto que o compositor compôs não só música, mas também texto. No verão de 1870, Mussorgsky entregou a ópera finalizada à diretoria dos teatros imperiais. A comissão considerou em sua reunião Este trabalho e não aceitou. A novidade e incomum da música intrigou os veneráveis ​​representantes do comitê de música e artes. Além disso, censuraram o autor pela ausência de papel feminino. A persuasão persistente de amigos e um desejo apaixonado de ver a ópera em Siena o forçaram a assumir a revisão da partitura da ópera. Ele expandiu a composição geral de forma bastante significativa, adicionando cenas separadas. Por exemplo, ele compôs a "cena sob Kromy" e todo o ato polonês.

Após longas provações, em 24 de janeiro de 1874, toda a ópera "Boris Godunov" foi apresentada. Esta performance foi um verdadeiro triunfo para Mussorgsky. Ninguém ficou indiferente à ópera. A geração mais jovem se alegrou e aceitou a ópera com estrondo. Os críticos começaram a envenenar o compositor, chamando sua música de rude e de mau gosto, precipitada e imatura. No entanto, muitos entenderam que uma grande obra havia surgido, igual a qual ainda não havia.

Nos últimos 5-6 anos de sua vida, Mussorgsky ficou fascinado por compor duas óperas ao mesmo tempo: "Khovanshchina" e " Feira de Sorochinskaya". O enredo do primeiro deles foi sugerido a ele por Stasov na época em que a ópera "Boris Godunov" foi encenada no teatro.

A ação da ópera "Khovanshchina" ocorre na era da intensa luta das forças sociais na Rus' em final do século XVII século, que foi a era da agitação popular, tumultos violentos, conflitos palacianos e conflitos religiosos pouco antes do início da atividade de Pedro I. estado russo. O material histórico era tão extenso que não cabia no quadro de uma composição operística. Repensando e selecionando o principal, o compositor retrabalhou várias vezes o plano do cenário e a música da ópera. De muitas coisas, previamente concebidas, Modest Petrovich teve que

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recusar. Khovanshina foi concebida como uma ópera baseada na história russa. Mussorgsky estudou cuidadosamente todos os materiais que ajudaram a criar uma ideia do personagem personagens históricos. Como o compositor sempre teve um desejo especial de caracterização, ele frequentemente transferia fragmentos de documentos históricos genuínos para o texto da ópera na forma de citações: de uma carta anônima com uma denúncia dos Khovanskys, de uma inscrição em um pilar erguido por arqueiros em homenagem à sua vitória, de uma carta régia concedendo misericórdia aos arqueiros arrependidos.

Em "Khovanshina", o compositor antecipou os temas de duas pinturas marcantes do pintor russo V. I. Surikov: "Morning of the Streltsy Execution" e "Boyar Morozova". Mussorgsky e Surikov trabalharam independentemente um do outro, o mais surpreendente é a coincidência da interpretação do tema.

Arqueiros são mostrados mais plenamente na ópera. A originalidade de sua imagem começa claramente se compararmos dois tipos de marcha (o segundo tipo é o Petrovtsy). Streltsy é uma cantoria, proeza, Petrovtsy é uma sonoridade puramente instrumental de uma banda de metais. Com toda a amplitude da exibição da vida popular e da psicologia popular, o povo petrino é delineado na ópera apenas de fora. O ouvinte os vê através dos olhos do povo, para quem o exército de Pedro representa tudo que é cruel, sem rosto, impiedosamente se intrometendo em suas vidas.

Outro grupo folclórico da ópera é o povo estrangeiro de Moscou. O aparecimento desta imagem colectiva explica-se pela vontade do compositor de mostrar os acontecimentos que decorrem não só a partir da posição de quem protagonizou a alcunha, mas também através dos olhos daquela parcela do povo que julga esta luta a partir do fora, embora sejam afetados por ele.

Um papel importante é desempenhado na ópera por outro grupo social - os cismáticos. Eles agem como uma força espiritual especial, que, estando em uma forma incomum cenário histórico condenado à morte física (autoimolação).

No verão de 1873, Modest Petrovich tocou trechos do quinto ato da ópera para seus amigos, sem pressa em colocá-los no papel musical. Somente em 1878 Mussorgsky compôs a cena de Martha com Andrei Khovansky antes da autoimolação. Ele finalmente começou a formar a ópera em 1880.

Em 22 de agosto de 1880, em uma carta a Stasov, Mussorgsky escreveu: “Nossa Khovanshchina acabou, exceto por uma pequena peça na cena final da autoimolação”. Rimsky-Korsakov, e mais tarde Shostakovich, incorporaram à sua maneira a partitura é ideia de Mussorgsky.