Värdet av A. Ostrovsky i den ryska litteraturens historia

Dramatikern lade nästan inte in politiska och filosofiska problem, ansiktsuttryck och gester, genom att leka med detaljerna i deras kostymer och vardagsmiljö. För att förstärka de komiska effekterna, introducerade dramatikern vanligtvis mindre personer i handlingen - släktingar, tjänare, vana, slumpmässiga förbipasserande - och sidoförhållanden i vardagen. Sådana är till exempel Khlynovs följe och herrn med mustasch i The Hot Heart, eller Apollo Murzavetsky med sin Tamerlane i komedin Wolves and Sheep, eller skådespelaren Schastlivtsev under Neschastlivtsev och Paratov i The Forest and the Dowry, etc. dramatikern, som tidigare, försökte avslöja karaktärernas karaktärer inte bara i själva händelseförloppet, utan i inte mindre utsträckning också genom särdragen i deras vardagsdialoger - "karakterologiska" dialoger, estetiskt bemästrade av honom i "His People .. .".
Således, i den nya kreativitetens period, fungerar Ostrovsky som en etablerad mästare med ett komplett system av dramatisk konst. Hans berömmelse, hans sociala och teatrala kopplingar fortsätter att växa och bli mer komplexa. Själva överflödet av pjäser som skapades under den nya perioden var resultatet av en ständigt ökande efterfrågan på Ostrovskys pjäser från tidningar och teatrar. Under dessa år arbetade dramatikern inte bara outtröttligt själv, utan fann styrkan att hjälpa mindre begåvade och nybörjare författare, och ibland aktivt delta med dem i deras arbete. Så i kreativt samarbete med Ostrovsky skrevs ett antal pjäser av N. Solovyov (de bästa av dem är "The Marriage of Belugin" och "Wild Woman"), liksom P. Nevezhin.
Ostrovskij bidrog ständigt till uppsättningen av sina pjäser på scenerna i Moskva Maly och St. Petersburg Alexandria. brister. Han såg att han inte avbildade den ädla och borgerliga intelligentian i dess ideologiska strävan, vilket Herzen, Turgenev och delvis Goncharov gjorde. I sina pjäser visade han det vardagliga sociala livet för vanliga representanter för handelsklassen, byråkratin, adeln, ett liv där personliga, i synnerhet kärlekskonflikter, manifesterade konflikter mellan familje-, monetära och egendomsintressen.
Men Ostrovskijs ideologiska och konstnärliga medvetenhet om dessa aspekter av det ryska livet hade en djup nationell och historisk betydelse. Genom de vardagliga relationerna mellan de människor som var livets mästare och mästare avslöjades deras allmänna sociala tillstånd. Precis som, enligt Chernyshevskys träffande anmärkning, var det fega beteendet hos en ung liberal, hjälten i Turgenevs berättelse "Asya", på en dejt med en flicka ett "sjukdomssymptom" för all ädel liberalism, dess politiska svaghet, så vardagliga tyranni och rovdjursbeteende från köpmän, tjänstemän och adelsmän var ett symptom på en mer fruktansvärd sjukdom på deras fullständiga oförmåga att åtminstone till viss del ge deras verksamhet en rikstäckande progressiv betydelse.
Detta var ganska naturligt och naturligt under tiden före reformen. Då var Voltovs, Vyshnevskys, Ulanbekovs tyranni, arrogans, predation en manifestation av livegenskapets "mörka rike", redan dömt att rivas. Och Dobrolyubov påpekade med rätta att även om Ostrovskys komedi "inte kan ge en nyckel till att förklara många av de bittra fenomen som skildras i den", kan den ändå lätt leda till många analoga överväganden relaterade till det livet, som den inte direkt berör." Och kritikern förklarade detta med det faktum att "typerna" av småtyranner, uppfödda av Ostrovsky, "inte är det. innehåller sällan inte bara uteslutande handels- eller byråkratiska, utan också allmänna (d.v.s. rikstäckande) drag. Med andra ord Ostrovskys pjäser 1840-1860. indirekt avslöjade det autokratisk-feodala systemets alla "mörka riken".
Under decennierna efter reformen förändrades situationen. Sedan "vändes allt upp och ner" och det nya, borgerliga systemet för det ryska livet började gradvis "passa in". Och frågan om hur just detta nya system "inpassades" var av enorm nationell betydelse, i vilken utsträckning den nya härskande klassen, den ryska bourgeoisin, kunde delta i kampen för att avskaffa livegenskapets "mörka rikes" överlevnad och hela systemet med autokratisk markägare.
Nästan tjugo nya pjäser av Ostrovsky på samtida teman gav ett klart negativt svar på denna ödesdigra fråga. Dramatikern skildrade, liksom tidigare, en värld av privata sociala, hushålls-, familje- och egendomsförhållanden. Allt var inte klart för honom i de allmänna tendenserna i deras utveckling, och hans "lyra" gjorde ibland inte riktigt, "korrekta ljud" i detta avseende. Men på det hela taget innehöll Ostrovskijs pjäser en viss objektiv inriktning. De avslöjade både resterna av det gamla "mörka riket" av despotism och det nyligen framväxande " mörka rike"Borgersk predation, pengahype, förstörelsen av alla moraliska värden i en atmosfär av universellt köp och försäljning. De visade att ryska affärsmän och industrimän inte är kapabla att förverkliga den nationella utvecklingens intressen, att vissa av dem, som Khlynov och Akhov, bara är kapabla att ägna sig åt grova nöjen, andra, som Knurov och Berkutov, kan bara underordna allt omkring dem deras rovdjursintressen, "varg", och för tredje parter, såsom Vasilkov eller Frol Pribytkov, täcks vinstintressena endast av yttre anständighet och mycket snäva kulturella krav. Ostrovskys pjäser, utöver deras författares planer och avsikter, skisserade objektivt en viss utsikt till nationell utveckling - utsikterna till den oundvikliga förstörelsen av alla rester av det gamla "mörka riket" av enväldig livegen despotism, inte bara utan deltagande av bourgeoisin, inte bara över huvudet, utan tillsammans med förstörelsen av sitt eget rovdjuriga "mörka rike"
Den verklighet som skildras i Ostrovskys vardagliga pjäser var en livsform som saknade ett rikstäckande progressivt innehåll och avslöjade därför lätt inre komisk inkonsekvens. Ostrovsky ägnade sin enastående dramatiska talang åt att avslöja det. Baserat på traditionen av Gogols realistiska komedier och berättelser, återuppbygga den i enlighet med de nya estetiska krav som ställs " naturlig skola” på 1840-talet och formulerad av Belinsky och Herzen spårade Ostrovsky den komiska inkonsekvensen i det sociala och vardagliga livet i de styrande skikten i det ryska samhället, grävde ner sig i ”detaljernas värld”, med tanke på tråd efter tråd i ”det dagliga nätets nät”. relationer”. Detta var huvudprestationen av den nya dramatiska stilen skapad av Ostrovsky.

Essä om litteratur om ämnet: Betydelsen av Ostrovskys arbete för litteraturens ideologiska och estetiska utveckling

Andra skrifter:

1. A. S. Pushkin gick in i Rysslands historia som ett extraordinärt fenomen. Det är inte bara störste poet, men också grundaren av den ryska litterärt språk, grundaren av ny rysk litteratur. "Pushkins musa", enligt V. G. Belinsky, "fostrades och fostrades av tidigare poeters verk." På Läs mer......
2. Alexander Nikolayevich Ostrovsky... Det här är ett ovanligt fenomen. Hans roll i historien om utvecklingen av rysk dramaturgi, scenkonst och hela den nationella kulturen kan knappast överskattas. För utvecklingen av det ryska dramat gjorde han lika mycket som Shakespeare i England, Lone de Vega i Spanien, Molière Läs mer ......
3. Tolstoj var mycket sträng mot hantverksförfattare som skrev sina "verk" utan verklig passion och utan övertygelse om att människor behövde dem. Passionerad, osjälvisk entusiasm för kreativitet behöll Tolstoj till de sista dagarna av sitt liv. Vid tiden för arbetet med romanen "Resurrection" erkände han: "Jag läser mer ......
4. A. N. Ostrovsky anses med rätta vara sångaren i handelsmiljön, fadern till det ryska vardagsdramat, rysk teater. Ett sextiotal pjäser tillhör hans penna, varav de mest kända är "Dowry", " Sen kärlek”, ”Skog”, ”Tillräckligt enkelhet för varje visman”, ”Vårt folk – vi kommer att bosätta sig”, ”Åskväder” och Läs mer ......
5. På tal om "en persons stelhet" kraft av "tröghet, domningar", noterade A. Ostrovsky: "Det är inte utan anledning som jag kallade denna kraft Zamoskvoretskaya: där, bortom Moskvafloden, hennes kungarike, där hennes tron. Hon kör in en man i ett stenhus och låser järngrinden bakom sig, hon klär sig Läs mer ......
6. I europeisk kultur romanen förkroppsligar etik, eftersom kyrkoarkitektur förkroppsligar idén om tro, och sonetten förkroppsligar idén om kärlek. En enastående roman är inte bara en kulturell händelse; det betyder mycket mer än bara ett steg framåt i det litterära hantverket. Detta är ett monument av eran; monumentalt monument, Läs mer ......
7. Den skoningslösa sanningen som Gogol berättade om sitt samtida samhälle, brinnande kärlek till människorna, den konstnärliga perfektionen av hans verk - allt detta bestämde rollen som stor författare i rysk och världslitteraturs historia, för att fastställa principerna kritisk realism, i utvecklingen av demokratiska Läs mer ......
8. Krylov tillhörde de ryska upplysningarna på 1700-talet, med Radishchev i spetsen. Men Krylov misslyckades med att komma till idén om ett uppror mot envälde och livegenskap. Han trodde att det var möjligt att förbättra det sociala systemet genom moralisk omskolning av människor, att sociala frågor borde lösas Läs mer ......

I samband med 35-årsdagen av Ostrovskys verksamhet skrev Goncharov till honom: "Du ensam byggde byggnaden, vid vars bas du lade hörnstenarna till Fonvizin, Griboyedov, Gogol. Men först efter er kan vi, ryssar, stolt säga: "Vi har vår egen, ryska, nationalteater." Det borde i rättvisans namn kallas Ostrovsky-teatern.

Den roll som Ostrovskij spelade i utvecklingen av rysk teater och dramatik kan mycket väl jämföras med den betydelse Shakespeare hade för den engelska kulturen och Molière för franskan. Ostrovskij ändrade karaktären på den ryska teaterrepertoaren, sammanfattade allt som hade gjorts före honom och öppnade nya vägar för dramaturgi. Hans inflytande på teaterkonsten var exceptionellt stort. Detta gäller särskilt Moskva Maly-teatern, som också traditionellt kallas Ostrovsky-huset. Tack vare den stora dramatikerns många pjäser, som bekräftade realismens traditioner på scenen, utvecklades den nationella skådespelarskolan ytterligare. En hel galax av anmärkningsvärda ryska skådespelare på materialet i Ostrovskys pjäser kunde levande visa sin unika talang, för att bekräfta originaliteten hos rysk teaterkonst.

I centrum för Ostrovskijs dramaturgi står ett problem som har gått igenom hela den ryska klassiska litteraturen: människans konflikt med de ogynnsamma livsvillkoren som står emot henne, ondskans olika krafter; hävdandet av individens rätt till fri och allsidig utveckling. Inför läsare och åskådare av den store dramatikerns pjäser avslöjas ett brett panorama av det ryska livet. Detta är i grund och botten ett uppslagsverk över liv och seder från en hel historisk era. Köpmän, tjänstemän, godsägare, bönder, generaler, skådespelare, köpmän, matchmakers, affärsmän, studenter - flera hundra karaktärer skapade av Ostrovsky gav en total uppfattning om den ryska verkligheten på 40-80-talet. i all dess komplexitet, mångfald och inkonsekvens.

Ostrovsky, som skapade ett helt galleri av underbara kvinnliga bilder, fortsatte den ädla tradition som redan hade definierats i de ryska klassikerna. Dramatikern upphöjer starka, integrerade naturer, som i ett antal fall visar sig vara moraliskt överlägsna en svag, osäker hjälte. Dessa är Katerina ("Åskväder"), Nadya ("Elev"), Kruchinina ("Skyldig utan skuld"), Natalia ("Arbetsbröd") och andra.

Efter att reflektera över den ryska dramatiska konstens originalitet, på dess demokratiska grund, skrev Ostrovsky: "Folkförfattare vill prova sig fram till en fräsch publik, vars nerver inte är särskilt böjliga, vilket kräver stark dramatik, stor komedi, vilket orsakar uppriktiga, högljudda skratt , heta, uppriktiga känslor, livliga och starka karaktärer. I huvudsak är detta ett kännetecken för de kreativa principerna för Ostrovsky själv.

Dramaturgin hos författaren till "Åskväder" kännetecknas av genrediversitet, en kombination av tragiska och komiska, vardagliga och groteska, farsartade och lyriska inslag. Hans pjäser är ibland svåra att hänföra till en viss genre. Han skrev inte så mycket drama eller komedi som "livsspel", enligt den träffande definitionen av Dobrolyubov. Handlingen i hans verk utförs ofta på ett brett livsrum. Livets brus och prat bröt ut, blir en av faktorerna som avgör händelsernas omfattning. Familjekonflikter utvecklas till sociala. material från webbplatsen

Dramatikerns skicklighet manifesteras i noggrannheten hos sociala och psykologiska egenskaper, i dialogens konst, i träffande, livliga folktal. Karaktärernas språk blir för honom ett av huvudmedlen för att skapa en bild, ett instrument för realistisk typifiering.

En stor kännare av muntlig folkkonst, Ostrovsky används ofta folkliga traditioner, folkvisdomens rikaste skattkammare. Låten kan ersätta hans monolog, ordspråk eller talesätt och bli pjäsens titel.

Ostrovskys kreativa erfarenhet hade en enorm inverkan på den fortsatta utvecklingen av rysk dramatik och teaterkonst. V. I. Nemirovich-Danchenko och K. S. Stanislavsky, grundare av Moskva Konstteater, sökte skapa "en folkteater med ungefär samma uppgifter och i samma planer som Ostrovskij drömde om." Den dramatiska innovationen av Tjechov och Gorkij skulle ha varit omöjlig utan att bemästra de bästa traditionerna från deras anmärkningsvärda föregångare.

Hittade du inte det du letade efter? Använd sökningen

På denna sida finns material om ämnena:

• Essä om Ostpovskys liv, dess betydelse för utvecklingen av den ryska teatern
• Ostrovsky artiklar om teatern
• sammanfattning av Ostrovsky-teatern

Introduktion

Alexander Nikolayevich Ostrovsky... Det här är ett ovanligt fenomen. Alexander Nikolaevichs betydelse för utvecklingen av rysk dramaturgi och scenen, hans roll i prestationerna för all rysk kultur är obestridlig och enorm. Ostrovsky fortsatte med de bästa traditionerna inom rysk progressiv och utländsk dramaturgi och skrev 47 originalpjäser. Vissa går hela tiden på scen, filmas i filmer och på tv, andra sätts nästan aldrig upp. Men i allmänhetens och teaterns medvetande lever en viss stereotyp av uppfattning i förhållande till det som kallas "Ostrovskys pjäs". Ostrovskys pjäser är skrivna för alla tider, och det är inte svårt för publiken att se våra nuvarande problem och laster i dem.

Relevans:Hans roll i historien om utvecklingen av rysk dramaturgi, scenkonst och hela den nationella kulturen kan knappast överskattas. Han gjorde lika mycket för utvecklingen av den ryska dramaturgin som Shakespeare gjorde i England, Lope de Vega i Spanien, Molière i Frankrike, Goldoni i Italien och Schiller i Tyskland.

Ostrovsky dök upp i litteraturen under mycket svåra förhållanden i den litterära processen, på hans kreativa väg fanns det gynnsamma och ogynnsamma situationer, men trots allt blev han en innovatör och en enastående mästare i dramatisk konst.

Inflytandet från de dramatiska mästerverken av A.N. Ostrovsky var inte begränsad till teaterscenen. Det gällde även andra konstformer. Den folkkaraktär som är karakteristisk för hans pjäser, det musikaliska och poetiska inslaget, färgglattheten och klarheten hos storskaliga karaktärer, handlingarnas djupa vitalitet har väckt och fortsätter att väcka uppmärksamheten hos framstående kompositörer i vårt land.

Ostrovsky, som är en enastående dramatiker, en märklig kännare av scenkonst, visade sig också som en offentlig person av stor skala. Detta underlättades i hög grad av att dramatikern genom hela sin livsväg var "i nivå med åldern".
Mål:Inflytandet från dramaturgin av A.N. Ostrovsky i skapandet av den nationella repertoaren.
Uppgift:Följ A.N.s kreativa väg Ostrovsky. Idéer, väg och innovation av A.N. Ostrovsky. Visa betydelsen av A.N. Ostrovsky.

1. Rysk dramaturgi och dramatiker före A.N. Ostrovsky

.1 Teater i Ryssland före A.N. Ostrovsky

Ursprunget till det ryska progressiva dramat, i linje med vilket Ostrovskys verk uppstod. Den nationella folkteatern har en bred repertoar, bestående av bufflekar, mellanspel, Petrushkas komiska äventyr, farsartade skämt, "björn"-komedier och dramatiska verk av en mängd olika genrer.

Folkteatern kännetecknas av ett socialt spetsigt tema, frihetsälskande, anklagande satirisk och heroiskt-patriotisk ideologi, djup konflikt, stora, ofta groteska karaktärer, en tydlig, tydlig komposition, vardagsspråk, skickligt användande av en mängd olika komiska medel. : utelämnanden, förvirring, tvetydighet, homonymer, oxymoroner.

”Genom sin karaktär och sitt spelsätt är folkteatern en teater med skarpa och tydliga rörelser, svepande gester, extremt högljudd dialog, kraftfull sång och vågad dans – här hörs och ses allt långt borta. Folkteatern tolererar till sin natur inte en oansenlig gest, ord återgivna i en underton, allt som lätt kan uppfattas i en teatersal med publiken helt tyst.

Genom att fortsätta traditionerna för muntligt folkdrama har det ryska skriftliga dramat gjort stora framsteg. Under andra hälften av 1700-talet, med översättningens och imiterande dramaturgins överväldigande roll, uppträdde författare olika riktningar, strävar efter bilden inhemska seder som brydde sig om skapandet av en nationellt original repertoar.

Bland de första pjäserna hälften av XIX talet utmärker sig sådana mästerverk av realistisk dramaturgi som Griboyedovs Ve från vett, Fonvizins undervegetation, Gogols Regeringsinspektören och Marriage.

Med hänvisning till dessa verk har V.G. Belinsky sa att de "skulle göra ära åt all europeisk litteratur". Kritikern uppskattade mest komedierna "Wee from Wit" och "The Government Inspector" och trodde att de kunde "berika vilken europeisk litteratur som helst."

De enastående realistiska pjäserna av Griboedov, Fonvizin och Gogol beskrev tydligt de innovativa trenderna inom rysk dramaturgi. De bestod av aktuella sociala ämnen, i ett uttalat offentligt och till och med sociopolitiskt patos, i en avvikelse från den traditionella kärleks- och hushållsintrigen som bestämmer hela utvecklingen av handlingen, i strid med handlingens och kompositiva kanoner för komedi och intriger. , i miljön för utveckling av typiska och samtidigt individuella karaktärer, nära besläktade med den sociala miljön.

Dessa innovativa trender, manifesterade i bästa pjäserna progressiv inhemsk dramatik, började författare och kritiker inse och teoretiskt. Så Gogol förbinder framväxten av rysk progressiv dramaturgi med satir och ser originaliteten hos komedi i dess sanna publik. Han noterade med rätta att "komedin ännu inte har tagit ett sådant uttryck från något av folken."

När A.N. Ostrovsky, rysk progressiv dramaturgi hade redan mästerverk i världsklass. Men dessa verk var fortfarande ytterst få till antalet och avgjorde därför inte den dåvarande teaterrepertoarens ansikte. En stor skada för utvecklingen av progressiv inhemsk dramatik var att pjäserna av Lermontov och Turgenev, försenade av censur, inte kunde dyka upp i tid.

De allra flesta verk som fyllde teaterscen, sammanställda översättningar och bearbetningar av västeuropeiska pjäser, samt scenexperiment av inhemska författare i skyddande mening.

Den teatrala repertoaren skapades inte spontant, utan under aktivt inflytande från gendarmkåren och Nicholas I:s vakande öga.

Nicholas I:s teaterpolitik förhindrade uppkomsten av anklagende-sateriska pjäser på alla möjliga sätt nedlåtande för produktionen av rent underhållande, autokratisk-patriotiska dramatiska verk. Denna policy visade sig misslyckas.

Efter decembristernas nederlag kom vaudevillen i förgrunden i teaterrepertoaren, som länge tappat sin sociala skärpa och förvandlats till en lätt, tanklös, skarpt effektiv komedi.

Oftast kännetecknades en enaktars komedi av en anekdotisk handling, lekfulla, aktuella och ofta lättsinniga kupletter, töntigt språk och geniala intriger vävda av roliga, oväntade incidenter. I Ryssland tog vaudeville fart på 1910-talet. Den första, men misslyckade, vaudeville anses vara "The Cossack Poet" (1812) av A.A. Shakhovsky. En hel svärm av andra följde honom, särskilt efter 1825.

Vaudeville åtnjöt Nicholas I:s speciella kärlek och beskydd. Och hans teaterpolitik hade sin effekt. Teater - 30-40-tal 1800-talet blev vaudevilles rike, där man till övervägande del ägnade kärlekssituationer uppmärksamhet. "Ack", skrev Belinsky 1842, "som fladdermöss har en vacker byggnad tagit vår scen i besittning av vulgära komedier med pepparkakskärlek och ett oundvikligt bröllop! Detta är vad vi kallar "plot". När du tittar på våra komedier och vaudeviller och tar dem som ett uttryck för verkligheten, kommer du att tro att vårt samhälle bara är engagerat i kärlek, bara lever och andas, att det är kärlek!

Utdelningen av vaudeville underlättades också av det system med förmånsföreställningar som fanns på den tiden. För en förmånsföreställning, som var en materiell belöning, valde artisten ofta en snävt underhållande pjäs, beräknad att bli en kassasuccé.

Teaterscenen var fylld av platta, hastigt sydda verk, där huvudplatsen intogs av flirtande, farsartade scener, anekdot, misstag, slump, överraskning, förvirring, utklädd, gömd.

Under inflytande av social kamp förändrades vaudeville i sitt innehåll. Enligt handlingarnas karaktär gick hans utveckling från kärlekserotisk till vardagsliv. Men kompositionsmässigt förblev han mestadels standard och förlitade sig på extern komedis primitiva medel. En av karaktärerna i Gogols "Theatrical Journey" beskrev den här tidens vaudeville träffande: "Gå bara till teatern: där kommer du varje dag att se en pjäs där den ena gömde sig under en stol och den andra drog ut honom av ben."

Kärnan i massvaudevillen på 30-40-talet av 1800-talet avslöjas av sådana titlar: "Förvirring", "De kom samman, blev blandade och skildes åt." Genom att betona vaudevilles lekfulla och lättsinniga egenskaper började vissa författare kalla dem vaudevillefars, skämtvaudeville, etc.

Efter att ha fastställt "obetydlighet" som grund för innehållet blev vaudeville ett effektivt sätt att distrahera tittarna från verklighetens grundläggande frågor och motsägelser. Underhöll publiken med dumma situationer och fall, vaudeville "från kväll till kväll, från föreställning till föreställning, inokulerade tittaren med samma löjliga serum, som var tänkt att skydda honom från infektion av överflödiga och opålitliga tankar." Men myndigheterna försökte förvandla det till en direkt glorifiering av ortodoxi, autokrati och livegenskap.

Vaudeville, som tog över den ryska scenen under andra kvartalet av 1800-talet, var som regel inte inhemsk och originell. För det mesta var dessa pjäser, med Belinskys ord, "släpade med tvång" från Frankrike och på något sätt anpassade till ryska seder. Vi ser en liknande bild i andra genrer av dramaturgi på 1940-talet. Dramatiska verk som ansågs original visade sig till stor del vara förtäckta översättningar. I jakten på ett skarpt ord, för effekt, för en lätt och rolig handling, var vaudeville-komedispelet från 30- och 40-talen oftast mycket långt ifrån att skildra sin tids sanna liv. Verklighetens människor, vardagliga karaktärer var oftast frånvarande i den. Detta påpekades gång på gång av dåvarande kritiker. Beträffande innehållet i vaudeville skrev Belinsky med missnöje: ”Scenen är alltid i Ryssland, karaktärerna är markerade med ryska namn; men varken det ryska livet, det ryska samhället eller det ryska folket kommer du att känna igen eller se här.” Med hänvisning till isoleringen av vaudevillen från andra kvartalet av 1800-talet från den konkreta verkligheten konstaterade en av de senare kritikerna med rätta att det skulle vara "ett fantastiskt missförstånd" att studera det dåvarande ryska samhället utifrån det.

Vaudeville, utvecklande, visade helt naturligt en önskan om språkets särart. Men samtidigt utfördes talindividualiseringen av karaktärerna i den rent externt - genom att stränga ovanliga, roliga morfologiskt och fonetiskt förvrängda ord, införa felaktiga uttryck, löjliga fraser, ordspråk, ordspråk, nationella accenter, etc.

I mitten av 1700-talet var melodrama mycket populärt på teaterrepertoaren tillsammans med vaudeville. Dess bildande som en av de ledande dramatiska typerna sker i slutet av 1700-talet i samband med förberedelserna och genomförandet av västeuropeiska borgerliga revolutioner. Den moraliska och didaktiska essensen av västeuropeisk melodrama under denna period bestäms huvudsakligen av sunt förnuft, praktisk, didaktik, bourgeoisins moraliska kod, att gå till makten och motsätta deras etniska principer till den feodala adelns fördärv.

Och vaudeville och melodrama i de allra flesta var väldigt långt ifrån livet. Men de var inte bara negativa fenomen. I några av dem, inte alienerade av satiriska tendenser, gjorde progressiva tendenser - liberala och demokratiska - sin väg. Efterföljande dramaturgi använde utan tvekan konsten att vaudeville för att genomföra intriger, extern komedi, skarpt finslipad, elegant ordlek. Hon gick inte förbi melodramatikers prestationer i den psykologiska skildringen av karaktärer, i den känslomässigt intensiva utvecklingen av handlingen.

Medan melodrama historiskt sett föregick romantiskt drama i väst, uppträdde dessa genrer i Ryssland samtidigt. Samtidigt agerade de oftast i förhållande till varandra utan en tillräckligt exakt accentuering av deras egenskaper, smälter samman, passerar varandra.

Om retoriken i romantiska dramer, med hjälp av melodramatiska, falskt patetiska effekter, talade Belinsky skarpt många gånger. "Och om du", skrev han, "vill ta en närmare titt på vår romantiks" dramatiska föreställningar, kommer du att se att de är knådade enligt samma recept som pseudoklassiska dramer och komedier bestod av: samma hackade intriger och våldsamma upplösningar, att samma onaturlighet, samma "dekorerade natur", samma bilder utan ansikten istället för karaktärer, samma monotoni, samma vulgaritet och samma skicklighet.

Melodramer, romantiska och sentimentala, historiskt-patriotiska dramer från 1800-talets första hälft var för det mesta falska, inte bara i sina idéer, intriger, karaktärer utan också i språket. Jämfört med klassicisterna tog sentimentalisterna och romantikerna utan tvekan ett stort steg vad gäller demokratisering av språket. Men denna demokratisering, särskilt bland sentimentalisterna, gick ofta inte utöver det ädla salongens vardagsspråk. De oprivilegierade skikten av befolkningen, de breda arbetarmassornas tal, föreföll dem alltför oförskämt.

Tillsammans med inhemska konservativa pjäser av den romantiska genren, tränger översatta pjäser som är nära dem i sin anda vida in på teaterscenen vid denna tid: romantiska operor"," romantiska komedier "vanligtvis förknippade med balett," romantiska föreställningar ". Även översättningarna av verk av progressiva dramatiker av västeuropeisk romantik, som Schiller och Hugo, hade stor framgång vid denna tid. Men när översättarna tänkte om på dessa pjäser reducerade översättarna sitt "översättningsarbete" till att väcka sympati hos publiken för dem som, när de upplevde livets slag, behöll ödets ödmjuka resignation.

I den progressiva romantikens anda skapade Belinsky och Lermontov sina pjäser under dessa år, men ingen av dem sattes upp på teatern under första hälften av 1800-talet. 1940-talets repertoar tillfredsställer inte bara progressiva kritiker, utan även artister och åskådare. De anmärkningsvärda artisterna på 1940-talet, Mochalov, Shchepkin, Martynov, Sadovsky, var tvungna att slösa sin energi på bagateller, på att spela i facklitteratur endagspjäser. Men eftersom han insåg att pjäser på 1940-talet "föds i svärmar, som insekter", och "det finns inget att se", såg Belinsky, liksom många andra progressiva figurer, inte hopplöst på den ryska teaterns framtid. Missnöjd med vaudevillens platta humor och melodramans falska patos har den avancerade publiken länge levt med drömmen om att originalrealistiska pjäser skulle bli avgörande och ledande på teaterrepertoaren. Under andra hälften av 1940-talet började den avancerade publikens missnöje med repertoaren i viss mån delas av massteaterbesökaren från ädla och borgerliga kretsar. I slutet av 40-talet letade många tittare, även i vaudeville, efter antydningar till verkligheten. De var inte längre nöjda med melodramatiska effekter och vaudevilleeffekter. De ville ha livets pjäser, de ville se vanliga människor på scenen. Den progressiva åskådaren fann ett eko av sina strävanden endast i ett fåtal, sällan förekommande uppsättningar av pjäser av ryska (Fonvizin, Griboyedov, Gogol) och västeuropeiska (Shakespeare, Molière, Schiller) dramatiska klassiker. Samtidigt fick varje ord förknippat med protest, fri, minsta antydan till känslor och tankar som störde honom, ett tiofaldigt värde i betraktarens uppfattning.

Gogols principer, som så tydligt återspeglades i praktiken av den "naturliga skolan", bidrog till upprättandet av realistisk och nationell identitet i teatern. Ostrovsky var den tydligaste exponenten för dessa principer inom dramaturgins område.

1.2 Från tidig kreativitet till mogen

OSTROVSKY Alexander Nikolaevich, rysk dramatiker.

Ostrovsky var beroende av läsning som barn. 1840, efter att ha tagit examen från gymnasiet, skrevs han in vid den juridiska fakulteten vid Moskvas universitet, men lämnade 1843. Sedan gick han in på kontoret för Moskvas konstituerande domstol, senare tjänstgjorde i handelsdomstolen (1845-1851). Denna erfarenhet spelade en betydande roll i Ostrovskys arbete.

Han kom in på det litterära området under andra hälften av 1840-talet. som en följare Gogol tradition fokuserade på den naturliga skolans kreativa principer. Vid den här tiden skapade Ostrovsky prosauppsatsen "Notes of a Resident from the Moscow Region", de första komedierna (pjäsen "Family Picture" lästes av författaren den 14 februari 1847 i professor S.P. Shevyrevs krets och godkändes av honom).

Dramatikern blev vida känd för den satiriska komedin "The Bankrupt" ("Vårt folk - låt oss komma överens", 1849). Handlingen (handlaren Bolshovs falska konkurs, hans familjemedlemmars bedrägeri och hjärtlöshet - dottern till Lipochka och kontoristen, och sedan svärsonen till Podkhalyuzin, som inte löste ut den gamle fadern från skuldhålet , Bolshovs senare insikt) baserades på Ostrovskys iakttagelser om analysen av familjeprocesser, erhållna under tjänstgöring i samvetsdomstolen. Det förstärkta behärskandet av Ostrovsky, ett nytt ord som lät på den ryska scenen, påverkade särskilt i en kombination av spektakulärt utvecklande intriger och levande vardagliga beskrivande inlägg (en matchmakers tal, gräl mellan mor och dotter), som saktar ner handling, men också få dig att känna detaljerna i livet och sederna i handelsmiljön. En speciell roll här spelades av den unika, samtidigt klassificerade och individuella psykologiska färgningen av karaktärernas tal.

Redan i Bankrut identifierades ett tvärgående tema i Ostrovskys dramatiska verk: det patriarkala, traditionella levnadssättet, så som det bevarades i den handels- och småborgerliga miljön, och dess gradvisa degeneration och kollaps, samt de komplexa relationerna. som en person går in i med ett successivt föränderligt sätt att leva.

Efter att ha skapat femtio pjäser under fyrtio år av litterärt arbete (några av dem medförfattare), som blev repertoarbasen för den ryska offentliga, demokratiska teatern, presenterade Ostrovsky på olika stadier av sin kreativa väg på olika sätt huvudtema av din kreativitet. Så, efter att 1850 ha blivit en anställd av tidskriften Moskvityanin känd för sin marktrend (redaktör M.P. Pogodin, anställda A.A. Grigoriev, T.I. Filippov, etc.), Ostrovsky, som var medlem av den så kallade "unga redaktionen", försökte ge tidskriften en ny riktning - att fokusera på idéerna om nationell identitet och identitet, men inte bönderna (till skillnad från de "gamla" slavofilerna), utan den patriarkala handelsklassen. I sina efterföljande pjäser "Sitt inte i din släde", "Fattigdom är inte en last", "Lev inte som du vill" (1852-1855), försökte dramatikern spegla poesi folkliv: ”För att ha rätt att tillrättavisa folket utan att kränka dem är det nödvändigt att visa dem att du vet bra bakom dem; det här är vad jag gör nu, att kombinera det höga med det komiska", skrev han under den "moskovitiska" perioden.

Samtidigt kom dramatikern överens med flickan Agafya Ivanovna (som hade fyra barn från honom), vilket ledde till ett avbrott i relationerna med sin far. Enligt ögonvittnen var hon en snäll, varmhjärtad kvinna, som Ostrovsky var skyldig mycket av sin kunskap om livet i Moskva.

De "moskovitiska" pjäserna kännetecknas av en välkänd utopism när det gäller att lösa konflikter mellan generationer (i komedin "Fattigdom är ingen last", 1854, upprör en lycklig olycka äktenskapet som påtvingats av tyrannfadern och hatad av dottern, arrangerar äktenskap av en rik brud - Lyubov Gordeevna - med en fattig kontorist Mitya) . Men detta inslag i Ostrovskys "muskovitiska" dramaturgi förnekar inte den höga realistiska kvaliteten hos denna cirkels verk. Bilden av Lyubim Tortsov, den berusade brodern till tyrannköpmannen Gordey Tortsov, i pjäsen "Hot Heart" (1868), skriven mycket senare, visar sig vara komplex, dialektiskt förbindande till synes motsatta egenskaper. Samtidigt är Lyubim sanningens härold, bäraren av folkmoralen. Han får Gordey att se klart, efter att ha förlorat en nykter syn på livet på grund av sin egen fåfänga, passion för falska värderingar.

År 1855 lämnade dramatikern, missnöjd med sin position i Moskvityanin (ständiga konflikter och ringa avgifter), tidningen och kom nära redaktörerna för Sovremennik i St. Petersburg (N.A. Nekrasov ansåg Ostrovsky "utan tvekan den första dramatiska författaren"). 1859 publicerades de första samlade verken av dramatikern, vilket gav honom både berömmelse och mänsklig glädje.

Därefter manifesterades två trender i bevakningen av det traditionella levnadssättet - kritiskt, anklagande och poetiskt - fullt ut och smälte samman i Ostrovskys tragedi Åskvädret (1859).

Verket, skrivet inom det sociala dramats genreram, är begåvat med tragiskt djup och historisk betydelse av konflikten på samma gång. Krock mellan två kvinnliga karaktärer- Katerina Kabanova och hennes svärmor Marfa Ignatievna (Kabanikha) - överskrider i omfattning vida konflikten mellan generationer, traditionell för Ostrovsky-teatern. Huvudpersonens karaktär (kallad av N.A. Dobrolyubov "en ljusstråle i ett mörkt rike") består av flera dominanter: förmågan att älska, önskan om frihet, ett känsligt, sårbart samvete. Genom att visa Katerinas naturlighet, inre frihet, betonar dramatikern samtidigt att hon ändå är köttet av det patriarkala levnadssättet.

Efter att ha levt efter traditionella värderingar tar Katerina, efter att ha förrådt sin man, överlämnat till sin kärlek till Boris, vägen att bryta med dessa värderingar och är mycket medveten om detta. Katerinas drama, som fördömde sig själv inför alla och begick självmord, visar sig vara försett med drag av tragedin i en hel historisk ordning, som gradvis förstörs och blir ett minne blott. Eskatologismens stämpel, känslan av slutet, präglas också av attityden hos Marfa Kabanova, Katerinas huvudantagonist. Samtidigt är Ostrovskys pjäs djupt genomsyrad av upplevelsen av "folklivets poesi" (A. Grigoriev), sång och folkloreelement, en känsla av naturlig skönhet (landskapets drag är närvarande i anmärkningarna, står upp i kopiorna av karaktärerna).

Senare stor period dramatikerns verk (1861-1886) avslöjar närheten till Ostrovskijs sökande till utvecklingsvägarna för den samtida ryska romanen - från M.E. Saltykov-Sjchedrin till psykologiska romaner Tolstoj och Dostojevskij.

Komedierna under de "postreforma" åren resonerar kraftfullt med temat "galna pengar", självsökande, skamlös karriärism av företrädare för den fattiga adeln, kombinerat med rikedomen i karaktärernas psykologiska egenskaper, med de ständigt- ökande konsten att bygga dramatikern. Så, "antihjälten" i pjäsen "Enough Stupidity for Every Wise Man" (1868) Egor Glumov påminner en del om Griboyedovs Molchalin. Men det här är Molchalin ny era: för tillfället bidrar Glumovs uppfinningsrika sinne och cynism till hans svindlande karriär som hade börjat. Dessa samma egenskaper, antyder dramatikern, i komedins final kommer inte att låta Glumov falla ner i avgrunden ens efter hans exponering. Temat för omfördelningen av livets välsignelser, uppkomsten av en ny social och psykologisk typ - en affärsman ("Mad Money", 1869, Vasilkov), och till och med en rovaffärsman från adelsmän ("Wolves and Sheep", 1875, Berkutov) existerade i Ostrovskys verk till slutet av hans författares väg. 1869 ingick Ostrovsky ett nytt äktenskap efter Agafya Ivanovnas död från tuberkulos. Från sitt andra äktenskap hade författaren fem barn.

Genre och kompositionsmässigt komplex, full av litterära anspelningar, dolda och direkta citat från rysk och utländsk klassisk litteratur (Gogol, Cervantes, Shakespeare, Molière, Schiller), komedin Skogen (1870) sammanfattar det första decenniet efter reformen. Pjäsen berör teman som utvecklats av rysk psykologisk prosa - den gradvisa förstörelsen av "ädla bon", den andliga nedgången av deras ägare, skiktningen av det andra ståndet och de moraliska kollisioner där människor är inblandade i nya historiska och sociala förhållanden. I detta sociala, inhemska och moraliska kaos är bäraren av mänsklighet och adel en konstens man - en avklassad adelsman och provinsiell skådespelare Neschastlivtsev.

Förutom "folktragedin" ("Åskväder"), den satiriska komedin ("Skogen"), skapar Ostrovsky i det sena skedet av sitt arbete också exemplariska verk inom genren psykologiskt drama ("Dowry", 1878, "Talanger och beundrare", 1881, "Utan skyldig", 1884). Dramatikern i dessa pjäser expanderar, berikar psykologiskt scenkaraktärerna. Genom att korrelera med traditionella scenroller och med vanliga dramatiska rörelser visar sig karaktärer och situationer kunna förändras på ett oförutsett sätt, och påvisar därigenom tvetydigheten, inkonsekvensen i en persons inre liv, oförutsägbarheten i varje vardaglig situation. Paratov är inte bara en "dödlig man", den ödesdigra älskare av Larisa Ogudalova, utan också en man med enkel, grov världslig beräkning; Karandyshev är inte bara en "liten man" som tolererar cyniska "livets mästare", utan också en person med enorm, smärtsam stolthet; Larisa är inte bara en hjältinna som lider av kärlek, idealiskt annorlunda än sin omgivning, utan också under inflytande av falska ideal ("Dowry"). Karaktären av Negina ("Talanger och beundrare") är psykologiskt tvetydigt löst av dramatikern: den unga skådespelerskan väljer inte bara vägen att tjäna konst, föredrar den framför kärlek och personlig lycka, utan går också med på ödet för en bevarad kvinna, det vill säga att hon "praktiskt stärker" sitt val. Den berömda skådespelerskan Kruchininas öde ("Gilty Without Guilt") sammanflätade både uppstigningen till den teatraliska Olympen och ett fruktansvärt personligt drama. Således följer Ostrovsky en väg som är jämförbar med den samtida ryska realistiska prosan - vägen till en allt djupare medvetenhet om komplexiteten i individens inre liv, den paradoxala karaktären av det val hon gör.

2. Idéer, teman och sociala karaktärer i de dramatiska verken av A.N. Ostrovsky

.1 Kreativitet (Ostrovskys demokrati)

Under andra hälften av 1950-talet ingick ett antal stora författare (Tolstoj, Turgenev, Goncharov, Ostrovsky) en överenskommelse med tidskriften Sovremennik om förmånlig leverans av deras verk till den. Men snart bröts detta avtal av alla författare utom Ostrovsky. Detta faktum är ett av vittnesmålen om dramatikerns stora ideologiska närhet till redaktörerna för den revolutionära demokratiska tidskriften.

Efter stängningen av Sovremennik publicerade Ostrovsky, som konsoliderade sin allians med de revolutionära demokraterna, med Nekrasov och Saltykov-Sjchedrin, nästan alla sina pjäser i tidskriften Fatherland Notes.

Ideologiskt mognad når dramatikern höjderna av sin demokrati, främmande västernism och slavofilism i slutet av 60-talet. I sitt ideologiska patos är Ostrovskijs dramaturgi dramaturgin av fredlig-demokratisk reformism, ivrig propaganda för upplysning och mänsklighet och skydd av arbetande människor.

Ostrovskys demokrati förklarar organisk koppling hans arbete med muntlig folkdiktning, vars material han så underbart använde i sina konstnärliga skapelser.

Dramatikern uppskattar M.E. Saltykov-Sjchedrin. Han talar om honom "på det mest entusiastiska sätt, och förklarar att han inte bara anser honom vara en enastående författare, med ojämförliga satirmetoder, utan också en profet i förhållande till framtiden."

Nära förknippad med Nekrasov, Saltykov-Sjtjedrin och andra ledare för den revolutionära bondedemokratin, var Ostrovskij emellertid inte revolutionär i sina sociopolitiska åsikter. I hans verk finns inga krav på en revolutionär omvandling av verkligheten. Det är därför Dobrolyubov, som avslutade artikeln "The Dark Kingdom", skrev: "Vi måste erkänna: vi hittade inte en väg ut ur det" mörka riket "i Ostrovskys verk." Men i helheten av sina verk gav Ostrovsky ganska tydliga svar på frågor om omvandlingen av verkligheten utifrån en fredlig reformistisk demokrati.

Ostrovskys inneboende demokrati bestämdes stor makt hans skarpt satiriska skepnad av adeln, bourgeoisin och byråkratin. I ett antal fall höjdes dessa skepnader till nivån för den mest resoluta kritiken av de härskande klasserna.

Den anklagande satiriska kraften i många av Ostrovskijs pjäser är sådan att de objektivt tjänar orsaken till den revolutionära omvandlingen av verkligheten, som Dobrolyubov talade om: "Det moderna ryska livets strävanden i de mest omfattande dimensionerna kommer till uttryck hos Ostrovsky, som i en komiker, från den negativa sidan. Genom att rita till oss i en levande bild av falska relationer, med alla deras konsekvenser, tjänar han genom samma sak som ett eko av strävanden som kräver en bättre enhet. Som avslutande av denna artikel sa han, och ännu mer bestämt: "Ryskt liv och rysk styrka kallas av konstnären i Åskvädret till en avgörande uppgift."

Under de allra senaste åren har Ostrovsky en tendens att förbättras, vilket återspeglas i att tydliga sociala egenskaper ersätts med abstrakta moraliserande, i uppkomsten av religiösa motiv. Trots allt detta bryter inte tendensen att förbättras mot grunderna för Ostrovskys verk: den manifesterar sig inom gränserna för hans inneboende demokrati och realism.

Varje författare kännetecknas av sin nyfikenhet och iakttagelse. Men Ostrovsky hade dessa egenskaper i högsta grad. Han tittade överallt: på gatan, på ett affärsmöte, i ett vänligt sällskap.

2.2 Innovation A.N. Ostrovsky

Ostrovskys innovation manifesterade sig redan i ämnet. Han vände dramatiskt dramaturgin till livet, till dess vardag. Det var med hans pjäser som innehållet i den ryska dramaturgin blev livet som det är.

Utveckla en högt bred cirkel Samtidigt använde Ostrovsky huvudsakligen materialet för livet och sederna i den övre Volga-regionen och i synnerhet Moskva. Men oavsett handlingens plats avslöjar Ostrovskys pjäser de väsentliga särdragen hos de viktigaste samhällsklasserna, stånden och grupperna i den ryska verkligheten i ett visst skede av deras utveckling. historisk utveckling. "Ostrovskij", skrev Goncharov med rätta, "klottrade hela livet i Moskva, det vill säga den stora ryska staten."

Tillsammans med bevakningen av de viktigaste aspekterna av köpmännens liv gick inte dramaturgin under 1700-talet förbi sådana privata fenomen i köpmanslivet som passionen för hemgift, som förbereddes i en monstruös skala (”Bruden under en slöja, eller det småborgerliga bröllopet” av en okänd författare 1789)

Genom att uttrycka adelns sociopolitiska krav och estetiska smak, vaudeville och melodrama, som översvämmade den ryska teatern under första hälften av 1800-talet, dämpade utvecklingen av vardagsdramatik och komedi, i synnerhet drama och komedi med köpmansteman. Teaterns stora intresse för pjäser med köpmanstema växte fram först på 1930-talet.

Om i slutet av 30-talet och i början av 40-talet fortfarande uppfattades köpmännens liv i dramatisk litteratur som ett nytt fenomen i teatern, så blir det redan under andra hälften av 40-talet en litterär kliché.

Varför vände Ostrovsky sig till köpmanstemat från första början? Inte bara för att köpmansliv bokstavligen omgav honom: han träffade köpmännen i sin fars hus, i tjänsten. På gatorna i Zamoskvorechye, där han bodde i många år.

Under villkoren för upplösningen av förbindelserna mellan feodala och livegna, höll godsägaren Ryssland snabbt på att förvandlas till det kapitalistiska Ryssland. Den kommersiella och industriella bourgeoisin gick snabbt framåt till den offentliga scenen. I processen att omvandla jordägaren Ryssland till det kapitalistiska Ryssland, blir Moskva ett kommersiellt och industriellt centrum. Redan 1832 tillhörde de flesta husen i den "medelklassen", d.v.s. köpmän och stadsbor. År 1845 uttalade Belinsky: "Kärnan i den inhemska Moskvabefolkningen är köpmansklassen. Hur många gamla adelshus har nu övergått i köpmännens ägo!

En betydande del av Ostrovskys historiska pjäser ägnas åt händelserna i den så kallade "Trubbningens tid". Detta är ingen slump. Den turbulenta tiden för "problemen", tydligt präglad av det ryska folkets nationella befrielsekamp, ​​återspeglar tydligt 60-talets växande bonderörelse för sin frihet, med den skarpa kamp av reaktionära och progressiva krafter som utspelade sig under dessa år i samhället , inom journalistik och litteratur.

Dramatikern skildrade det avlägsna förflutna och hade nutiden i åtanke. Han avslöjade det sociopolitiska systemets och de härskande klassernas sår och plågade den samtida autokratiska ordningen. Han ritade in pjäser om förflutna bilder av människor som gränslöst hängivna åt sitt hemland, reproducerade allmogens andliga storhet och moraliska skönhet, och uttryckte därmed sympati för det arbetande folket i sin tid.

Ostrovskys historiska pjäser är ett aktivt uttryck för hans demokratiska patriotism, ett effektivt förverkligande av hans kamp mot modernitetens reaktionära krafter, för dess progressiva strävanden.

Ostrovskijs historiska pjäser, som dök upp under åren av en hård kamp mellan materialism, idealism, ateism och religion, revolutionär demokratism och reaktion, kunde inte lyftas till skölden. Ostrovskijs pjäser betonade vikten av den religiösa principen, och de revolutionära demokraterna förde oförsonlig ateistisk propaganda.

Dessutom uppfattade avancerad kritik negativt själva dramatikerns avvikelse från nuet till det förflutna. Ostrovskys historiska pjäser började få mer eller mindre objektiv utvärdering senare. Deras verkliga ideologiska och konstnärliga värde börjar förverkligas först i sovjetisk kritik.

Ostrovsky, som skildrade nuet och det förflutna, fördes bort av sina drömmar in i framtiden. År 1873. Han skapar ett underbart sagospel "Snöjungfrun". Detta är en social utopi. Den har en fantastisk handling, karaktärer och miljö. Till sin form skiljer den sig djupt från dramatikerns sociala pjäser, den går organiskt in i systemet av demokratiska, humanistiska idéer i hans verk.

I kritisk litteratur om Snöjungfrun påpekades det med rätta att Ostrovskij här ritar ett "bonderike", en "bondegemenskap", och återigen betonade hans demokrati, hans organiska koppling till Nekrasov, som idealiserade bönderna.

Det är med Ostrovsky som den ryska teatern börjar i hans modern förståelse: författaren skapade en teaterskola och ett holistiskt koncept för att spela på teater.

Kärnan i Ostrovskys teater är frånvaron av extrema situationer och motstånd mot skådespelarens tarm. Alexander Nikolaevichs pjäser skildrar vanliga situationer med vanligt folk vars dramer går in i vardagslivet och mänsklig psykologi.

Huvudtankarna med teaterreformen:

· teatern bör byggas på konventioner (det finns en fjärde vägg som skiljer publiken från skådespelarna);

· oföränderlighet av attityd till språk: behärskning talegenskaper uttrycker nästan allt om karaktärerna;

· vadslagning på mer än en skådespelare;

· "Folk går för att se spelet, inte själva pjäsen - du kan läsa den."

Ostrovskys teater krävde en ny scenestetik, nya skådespelare. I enlighet med detta skapar Ostrovsky en ensemble av skådespelare, som inkluderar sådana skådespelare som Martynov, Sergei Vasilyev, Evgeny Samoilov, Prov Sadovsky.

Naturligtvis mötte innovationer motståndare. De var till exempel Shchepkin. Ostrovskys dramaturgi krävde av skådespelaren avskildhet från sin personlighet, vilket M.S. Shchepkin gjorde inte det. Till exempel lämnade han generalrepetitionen av The Thunderstorm, eftersom han var mycket missnöjd med författaren till pjäsen.

Ostrovskys idéer fördes till sitt logiska slut av Stanislavskij.

.3 Socio-etisk dramaturgi av Ostrovsky

Dobrolyubov sa att Ostrovsky "extremt helt exponerade två typer av relationer - familjerelationer och egendomsförhållanden." Men dessa relationer ges dem alltid inom en bred social och moralisk ram.

Ostrovskys dramaturgi är socioetisk. Det väcker och löser problemen med moral, mänskligt beteende. Goncharov uppmärksammade detta med rätta: "Ostrovsky kallas vanligtvis en författare av vardagsliv, moral, men detta utesluter inte den mentala sidan ... han har inte en enda pjäs där det eller det rent mänskliga intresset, känslan, livssanningen inte påverkas." Författaren till "Thunderstorm" och "Dowry" har aldrig varit en trång vardagsarbetare. Han fortsätter de bästa traditionerna inom den ryska progressiva dramaturgin, och i sina pjäser förenar han organiskt familje- och vardagliga, moraliska och vardagliga motiv med djupt sociala eller till och med sociopolitiska.

I hjärtat av nästan alla hans pjäser är huvudtemat med stor social resonans, som avslöjas med hjälp av underordnade privata teman, mestadels vardagliga. Därmed får hans pjäser en tematiskt komplex komplexitet, mångsidighet. Så till exempel det ledande temat i komedin "Egna människor - låt oss lösa!" - otyglad predation, som ledde till illvillig konkurs - utförs i en organisk sammanvävning med dess underordnade privata ämnen: utbildning, relationer mellan äldre och yngre, fäder och barn, samvete och heder, etc.

Strax före framträdandet av "Thunderstorm" N.A. Dobrolyubov publicerade artiklarna "Dark Kingdom", där han hävdade att Ostrovsky "har en djup förståelse för det ryska livet och är bra på att skildra dess viktigaste aspekter skarpt och levande."

Åskvädret fungerade som ett nytt bevis på riktigheten av de påståenden som den revolutionärt-demokratiske kritikern uttryckte. I Åskvädret visade dramatikern hittills med exceptionell kraft konflikten mellan gamla traditioner och nya trender, mellan de förtryckta och förtryckarna, mellan de förtryckta människornas strävanden efter den fria manifestationen av deras andliga behov, böjelser, intressen och det sociala. och familjehushållsordningar som dominerade i förhållandena för livet före reformen.

Beslutar faktiska problem oäkta barn, deras sociala maktlöshet skapade Ostrovsky 1883 pjäsen Guilty Without Guilt. Detta problem berördes i litteraturen både före och efter Ostrovsky. Demokratisk fiktion ägnade särskild uppmärksamhet åt det. Men i inget annat verk lät detta tema med så inträngande passion som i pjäsen Guilty Without Guilt. För att bekräfta dess relevans skrev en samtida till dramatikern: "Frågan om de olagligas öde är en fråga som är inneboende i alla klasser."

I denna pjäs är det andra problemet också högljutt - konst. Ostrovsky knöt dem skickligt och med rätta till en enda knut. Han förvandlade en mamma som letade efter sitt barn till en skådespelerska och vecklade ut alla händelser i en konstnärlig miljö. Därmed smälte två heterogena problem samman till en organiskt oskiljaktig livsprocess.

Sätten att skapa ett konstverk är väldigt olika. Författaren kan gå från ett verkligt faktum som slog honom eller ett problem, en idé som upphetsade honom, från ett överflöd av livserfarenhet eller från fantasin. EN. Ostrovsky utgick som regel från verklighetens konkreta fenomen, men samtidigt försvarade han en viss idé. Dramatikern delade till fullo Gogols bedömning att "idé, tanke styr pjäsen. Utan den finns det ingen enhet i den.” Guidad av denna position skrev han den 11 oktober 1872 till sin medförfattare N.Ya. Solovyov: "Jag arbetade på "The Savage Woman" hela sommaren, och jag trodde i två år, jag har inte bara en enda karaktär eller position, men det finns inte en enda fras som inte strikt skulle följa av idén ... "

Dramatikern har alltid varit en motståndare till frontaldidaktiken, så karakteristisk för klassicismen, men samtidigt försvarade han behovet av fullständig klarhet i författarens ståndpunkt. I hans pjäser kan man alltid känna författaren-medborgaren, en patriot i sitt land, en son till sitt folk, en förkämpe för social rättvisa, agerande antingen som en passionerad försvarare, advokat eller som domare och åklagare.

Ostrovskys sociala, ideologiska och ideologiska ställning avslöjas tydligt i förhållande till de olika avbildade samhällsklasserna och karaktärerna. Genom att visa köpmännen avslöjar Ostrovsky med särskild fullhet sin rovdjursegoism.

Tillsammans med själviskhet är ett väsentligt inslag i bourgeoisin som porträtteras av Ostrovskij förvärvsförmåga, åtföljd av omättlig girighet och skamlöst fusk. Den här klassens förvärvande girighet är alltupptagande. Besläktade känslor, vänskap, heder, samvete byts ut här mot pengar. Glittret av guld överskuggar i denna miljö alla vanliga begrepp om moral och ärlighet. Här ger en förmögen mor sin enda dotter till en gammal man bara för att han "inte pickar efter pengar" ("Family Picture"), och en rik far letar efter en brudgum till sin, även den enda dottern, bara med tanke på det han har " det fanns pengar och en mindre hemgiftsvärk "(" "Egna människor - låt oss lösa!").

I handelsmiljön som porträtteras av Ostrovsky tar ingen hänsyn till andra människors åsikter, önskningar och intressen, och betraktar endast sin egen vilja och personliga godtycke som grunden för sin verksamhet.

Ett väsentligt inslag i den kommersiella och industriella bourgeoisin som porträtteras av Ostrovskij är hyckleri. Köpmännen strävade efter att dölja sin bedrägliga natur under masken av stillsamhet och fromhet. Hycklereligionen som köpmännen bekände blev deras väsen.

Underbar egoism, förvärvande girighet, trång praktiskhet, en fullständig avsaknad av andliga undersökningar, okunnighet, tyranni, hyckleri och hyckleri - detta är de ledande moraliska och psykologiska dragen hos den kommersiella och industriella bourgeoisin före reformen som porträtteras av Ostrovsky, dess väsentliga egenskaper.

Genom att reproducera den förreformiga kommersiella och industriella bourgeoisin med dess livsstil före konstruktionen visade Ostrovsky tydligt att krafterna som motsatte sig den redan växte i livet, vilket obönhörligen undergrävde dess grundvalar. Marken under fötterna på självöverseende despoter blev mer och mer skakig, vilket förebådade deras oundvikliga slut i framtiden.

Verkligheten efter reformen har förändrats mycket i köpmännens ställning. Industrins snabba utveckling, tillväxten av den inhemska marknaden och expansionen av handelsförbindelserna med främmande länder har förvandlat den kommersiella och industriella bourgeoisin inte bara till en ekonomisk utan också till en politisk kraft. Typen av den gamla köpmannen före reformen började ersättas med en ny. En köpman från en annan grupp kom för att ersätta honom.

Som svar på det nya som verkligheten efter reformen introducerade i köpmännens liv och seder, ställer Ostrovsky ännu skarpare i sina pjäser civilisationens kamp med patriarkatet, om nya fenomen med antiken.

Efter det växlande händelseförloppet ritar dramatikern i ett antal av sina pjäser ny typ köpman, bildad efter 1861. Genom att få en europeisk glans, döljer denna köpman sin själviska och rovdjur under yttre rimlighet.

Ostrovskij tecknar representanter för den kommersiella och industriella bourgeoisin under den postreforma eran och avslöjar deras utilitarism, inskränkthet, andliga fattigdom, upptagenhet med intressen för hamstring och hemkomfort. "Borgerligheten", läser vi i det kommunistiska manifestet, "har riva sin rörande sentimentala slöja från familjeförhållandena och reducerade dem till rent monetära relationer." Vi ser en övertygande bekräftelse på denna ställning i familje- och vardagliga relationer för både den förreformiga och i synnerhet den ryska bourgeoisin efter reformen, avbildad av Ostrovskij.

Äktenskap och familjerelationer är här underordnade entreprenörskapets och vinstens intressen.

Civilisationen har utan tvekan effektiviserat tekniken för professionella relationer mellan den kommersiella och industriella bourgeoisin och har gett den glansen av en yttre kultur. Men kärnan i den sociala praktiken för borgerligheten före och efter reformen förblev oförändrad.

När man jämför bourgeoisin med adeln, föredrar Ostrovsky bourgeoisin, men ingenstans, förutom tre pjäser- "Sätt dig inte i din släde", "Fattigdom är inte en last", "Lev inte som du vill", - idealiserar det inte som ett gods. Det är uppenbart för Ostrovsky att de moraliska grunderna för bourgeoisins företrädare bestäms av deras miljös villkor, deras sociala existens, vilket är ett särskilt uttryck för systemet, som bygger på despotism, rikedomens makt. Bourgeoisins kommersiella och entreprenöriella verksamhet kan inte tjäna som en källa till andlig tillväxt mänsklig personlighet, mänsklighet och moral. Bourgeoisins sociala praktik kan bara vanställa den mänskliga personligheten och ingjuta i den individualistiska, asociala egenskaper. Bourgeoisin, som historiskt sett ersätter adeln, är ond i sitt väsen. Men det har blivit en kraft inte bara ekonomisk utan också politisk. Medan köpmännen i Gogol var rädda för borgmästaren som eld och vältrade sig vid hans fötter, behandlar köpmännen i Ostrovsky borgmästaren på ett förtrogenskapligt sätt.

Dramatikern skildrade den kommersiella och industriella bourgeoisin, dess gamla och unga generations angelägenheter och dagar, och visade ett bildgalleri fullt av individuell originalitet, men i regel utan själ och hjärta, utan skam och samvete, utan medlidande och medkänsla. .

Den ryska byråkratin under andra hälften av 1800-talet, med dess inneboende egenskaper karriärism, förskingring och mutor, utsattes också för hård kritik av Ostrovsky. Genom att uttrycka adelns och borgarklassens intressen var det i själva verket den dominerande sociopolitiska kraften. "Tsaristiskt enväldet är", sade Lenin, "ämbetsmännens envälde."

Byråkratins makt, riktad mot folkets intressen, var okontrollerad. Representanter för den byråkratiska världen är Vyshnevskys ("Lönsam plats"), Potrokhovs ("Arbetsbröd"), Gnevyshevs ("The Rich Bride") och Benevolenskys ("The Poor Bride").

Begreppen rättvisa och människovärde finns i den byråkratiska världen i en egoistisk, extremt vulgär mening.

Ostrovsky avslöjar den byråkratiska allmaktens mekanik och målar upp en bild av den fruktansvärda formalism som väckte liv till sådana mörka affärsmän som Zakhar Zakharych ("baksmälla vid en konstig fest") och Mudrov ("Hårda dagar").

Det är helt naturligt att företrädarna för autokratisk-byråkratisk allmakt är strypare av alla fria politiska tankar.

Dessa människor stjäl från statskassan, tar emot mutor, mened, vittvättar det onda och dränker den rättvisa saken i en pappersström av kasuistiskt listigt skvaller, dessa människor är moraliskt förkrossade, allt mänskligt i dem är förvittrat, för dem finns det inget som uppskattas: samvete och heder. säljs för lönsamma platser, led, pengar.

Ostrovskij visade på ett övertygande sätt den organiska sammansmältningen av byråkratin, byråkratin med adeln och bourgeoisin, enheten mellan deras ekonomiska och sociopolitiska intressen.

Genom att återskapa hjältarna i det konservativa borgerliga byråkratiska livet med deras vulgaritet och ogenomträngliga okunnighet, köttätande girighet och elakhet, skapar dramatikern en magnifik trilogi om Balzaminov.

När han blickar framåt i sina drömmar mot framtiden, när han gifter sig med en rik brud, säger hjälten i denna trilogi: "Först skulle jag sy mig en blå kappa med ett svart sammetsfoder ... jag skulle köpa mig en grå häst och en racing droshky och kör längs kroken, mamma, och han styrde ... ".

Balzaminov är personifieringen av vulgära småborgerliga byråkratiska begränsningar. Detta är en typ av stor generaliserande kraft.

Men en betydande del av den småbyråkratin, som socialt befann sig mellan sten och hård, fick själv utstå förtryck från det autokratisk-despotiska systemet. Bland de små tjänstemännen fanns många hederliga arbetare som böjde sig och ofta hamnade under en outhärdlig börda. sociala orättvisor, nöd och nöd. Ostrovsky behandlade dessa arbetare med ivrig uppmärksamhet och sympati. Han dedikerade ett antal pjäser till de små människorna i den byråkratiska världen, där de agerar som de var i verkligheten: gott och ont, smarta och dumma, men båda är utblottade, berövade möjligheten att avslöja sina bästa förmågor.

Mer akut kände deras sociala kränkning, djupare kände deras meningslöshet människor på ett eller annat sätt enastående. Och så var deras liv mestadels tragiska.

Representanter för den arbetande intelligentian i bilden av Ostrovsky är människor med andlig livlighet och ljus optimism, välvilja och humanism.

Principiell direkthet, moralisk renhet, en fast tro på sanningen i ens gärningar och den arbetande intelligentsians ljusa optimism får brinnande stöd från Ostrovsky. Dramatikern skildrar representanterna för den arbetande intelligentsian som sanna patrioter i sitt fosterland, som bärare av ljus, utformade för att skingra mörkret i det mörka riket, baserat på kapitalets makt och privilegier, godtycke och våld, och han lägger sina omhuldade tankar i deras tal.

Ostrovskys sympatier tillhörde inte bara den arbetande intelligentsian utan också vanliga arbetande människor. Han fann dem bland filistinismen - en brokig, komplex, motsägelsefull klass. Genom sina egna strävanden är småborgerligheten knuten till bourgeoisin och genom sin arbetskraft till allmogen. Ostrovsky porträtterar från denna egendom huvudsakligen arbetande människor och visar uppenbar sympati för dem.

Vanligtvis enkla människor i Ostrovskys pjäser är de bärare av ett naturligt sinne, andlig adel, ärlighet, oskuld, vänlighet, mänsklig värdighet och hjärtats uppriktighet.

som visar arbetande människor städer, penetrerar Ostrovsky med djup respekt för deras andliga förtjänster och brinnande sympati för deras svåra situation. Han fungerar som en direkt och konsekvent försvarare av detta sociala skikt.

Ostrovskij fördjupade den ryska dramaturgins satiriska tendenser och agerade som en skoningslös fördömare av de exploaterande klasserna och därmed det autokratiska systemet. Dramatikern skildrade ett socialt system där värdet av den mänskliga personligheten endast bestäms av dess materiella rikedom, där fattiga arbetare upplever tyngd och hopplöshet, och karriärister och muttagare frodas och triumferar. Därmed påpekade dramatikern sin orättvisa och fördärv.

Det är därför i hans komedier och dramer alla positiva karaktärer övervägande befinner sig i dramatiska situationer: de lider, lider och till och med dör. Deras lycka är oavsiktlig eller inbillad.

Ostrovskij stod på sidan av denna växande protest, och såg i den ett tecken i tiden, ett uttryck för en rikstäckande rörelse, början på det som skulle förändra allt liv i arbetarnas intresse.

Att vara en av de smartaste representanterna Den ryska kritiska realismen förnekade Ostrovsky inte bara utan bekräftade också. Genom att använda alla sina skickligheters möjligheter attackerade dramatikern dem som förtryckte folket och vanställde deras själar. Han genomsyrade sitt arbete med demokratisk patriotism och sa: "Som ryss är jag redo att offra allt jag kan för fosterlandet."

Genom att jämföra Ostrovskys pjäser med hans samtida liberal-anklagande romaner och berättelser, skrev Dobrolyubov med rätta i artikeln "A Ray of Light in the Dark Kingdom": "Det är omöjligt att inte erkänna att Ostrovskys verk är mycket mer fruktbart: han fångade sådana allmänna strävanden. och behov som genomsyrar hela det ryska samhället vars röst hörs i alla våra livsfenomen, vars tillfredsställelse är en nödvändig förutsättning för vår fortsatta utveckling.

Slutsats

Den stora majoriteten av 1800-talets västeuropeiska dramaturgi återspeglade borgarklassens känslor och tankar, som dominerade livets alla sfärer, prisade dess moral och hjältar och bekräftade den kapitalistiska ordningen. Ostrovsky uttryckte stämningen, moraliska principer, idéer för landets arbetslag. Och detta avgjorde höjden av hans ideologi, styrkan i hans offentliga protest, den sanningshalten i hans skildring av de typer av verklighet med vilka han så tydligt sticker ut mot bakgrunden av all sin tids världsdrama.

Ostrovskys kreativa verksamhet hade ett kraftfullt inflytande på hela vidareutvecklingen av det progressiva ryska dramat. Det var från honom som våra bästa dramatiker studerade, han undervisade. Det var till honom som blivande dramatiska författare drogs på sin tid.

Ostrovsky hade en enorm inverkan på den fortsatta utvecklingen av rysk dramatik och teaterkonst. IN OCH. Nemirovich-Danchenko och K.S. Stanislavskij, grundarna av Moskvas konstteater, försökte skapa "en folkteater med ungefär samma uppgifter och planer som Ostrovskij drömde om." Den dramatiska innovationen av Tjechov och Gorkij skulle ha varit omöjlig utan att bemästra de bästa traditionerna från deras anmärkningsvärda föregångare. Ostrovsky blev en allierad och vapenkamrat till dramatiker, regissörer och skådespelare i deras kamp för nationalitet och den sovjetiska konstens höga ideologi.

Bibliografi

Ostrovsky dramatisk etisk pjäs

1.Andreev I.M. "Den kreativa vägen för A.N. Ostrovsky "M., 1989

2.Zhuravleva A.I. "EN. Ostrovsky - komiker "M., 1981

.Zhuravleva A.I., Nekrasov V.N. ”Teater A.N. Ostrovsky "M., 1986

.Kazakov N.Yu. "A.N.s liv och arbete. Ostrovsky "M., 2003

.Kogan L.R. "Krönika om A.N.s liv och verk. Ostrovsky "M., 1953

.Lakshin V. ”Teater A.N. Ostrovsky "M., 1985

.Malygin A.A. "The Art of Drama av A.N. Ostrovsky "M., 2005

Internetresurser:

.#"justify">9. Lib.ru/ classic. Az.lib.ru

.Shchelykovo www. Shelykovo.ru

.#"justify">. #"justify">. http://www.noisette-software.com

Liknande verk till - Ostrovskys roll i skapandet av den nationella repertoaren

Sammansättning

Dramatikern lade nästan inte in politiska och filosofiska problem, ansiktsuttryck och gester, genom att leka med detaljerna i deras kostymer och vardagsmiljö. För att förstärka de komiska effekterna, introducerade dramatikern vanligtvis mindre personer i handlingen - släktingar, tjänare, vana, slumpmässiga förbipasserande - och sidoförhållanden i vardagen. Sådana är till exempel Khlynovs följe och herrn med mustasch i The Hot Heart, eller Apollo Murzavetsky med sin Tamerlane i komedin Wolves and Sheep, eller skådespelaren Schastlivtsev under Neschastlivtsev och Paratov i The Forest and the Dowry, etc. dramatiker, som tidigare, försökte avslöja karaktärernas karaktärer inte bara i själva händelseförloppet, utan i inte mindre utsträckning genom egenheterna i deras vardagliga dialoger - "karakterologiska" dialoger, estetiskt bemästrade av honom i "His People .. .".

Således, i den nya kreativitetens period, fungerar Ostrovsky som en etablerad mästare med ett komplett system av dramatisk konst. Hans berömmelse, hans sociala och teatrala kopplingar fortsätter att växa och bli mer komplexa. Själva överflödet av pjäser som skapades under den nya perioden var resultatet av en ständigt ökande efterfrågan på Ostrovskys pjäser från tidningar och teatrar. Under dessa år arbetade dramatikern inte bara outtröttligt själv, utan fann styrkan att hjälpa mindre begåvade och nybörjare författare, och ibland aktivt delta med dem i deras arbete. Så i kreativt samarbete med Ostrovsky skrevs ett antal pjäser av N. Solovyov (de bästa av dem är "The Marriage of Belugin" och "Wild Woman"), liksom P. Nevezhin.

Ostrovskij bidrog ständigt till uppsättningen av sina pjäser på scenerna i Moskva Maly och St. Petersburg Alexandria. brister. Han såg att han inte avbildade den ädla och borgerliga intelligentian i dess ideologiska strävan, vilket Herzen, Turgenev och delvis Goncharov gjorde. I sina pjäser visade han det vardagliga sociala livet för vanliga representanter för handelsklassen, byråkratin, adeln, ett liv där personliga, i synnerhet kärlekskonflikter, manifesterade konflikter mellan familje-, monetära och egendomsintressen.

Men Ostrovskijs ideologiska och konstnärliga medvetenhet om dessa aspekter av det ryska livet hade en djup nationell och historisk betydelse. Genom de vardagliga relationerna mellan de människor som var livets mästare och mästare avslöjades deras allmänna sociala tillstånd. Precis som, enligt Chernyshevskys träffande anmärkning, var det fega beteendet hos den unge liberalen, hjälten i Turgenevs berättelse "Asya", på en dejt med en flicka ett "sjukdomssymptom" för all ädel liberalism, dess politiska svaghet, så köpmäns, tjänstemäns och adelsmäns vardagliga tyranni och rovdjursbeteende var ett symptom på en mer fruktansvärd sjukdom på deras fullständiga oförmåga att åtminstone till viss del ge deras verksamhet en rikstäckande progressiv betydelse.

Detta var ganska naturligt och naturligt under tiden före reformen. Då var Voltovs, Vyshnevskys, Ulanbekovs tyranni, arrogans, predation en manifestation av livegenskapets "mörka rike", redan dömt att skrotas. Och Dobrolyubov påpekade med rätta att även om Ostrovskijs komedi "inte kan ge en nyckel till att förklara många av de bittra fenomen som skildras i den", kan den ändå "lätt leda till många analoga överväganden relaterade till det livet, som den inte direkt berör". Och kritikern förklarade detta med det faktum att "typerna" av småtyranner, uppfödda av Ostrovsky, "inte sällan innehåller inte bara uteslutande köpmän eller byråkratiska, utan också rikstäckande (d.v.s. rikstäckande) drag." Med andra ord Ostrovskys pjäser 1840-1860. indirekt avslöjade det autokratisk-feodala systemets alla "mörka riken".

Under decennierna efter reformen förändrades situationen. Sedan vändes "allt upp och ner" och det nya, borgerliga systemet för det ryska livet började gradvis "passa in" för att delta i kampen för att förstöra resterna av livegenskapets "mörka rike" och hela den enväldiga godsägaren systemet.

Nästan tjugo av Ostrovskys nya pjäser på samtida teman gav ett tydligt negativt svar på denna ödesdigra fråga. Dramatikern skildrade, liksom tidigare, en värld av privata sociala, hushålls-, familje- och egendomsförhållanden. Allt var inte klart för honom i de allmänna tendenserna i deras utveckling, och hans "lyra" gjorde ibland inte riktigt, "korrekta ljud" i detta avseende. Men på det hela taget innehöll Ostrovskijs pjäser en viss objektiv inriktning. De avslöjade både resterna av det gamla "mörka riket" av despotism och det nyligen framväxande "mörka riket" av borgerlig predation, pengahype, förstörelsen av alla moraliska värden i en atmosfär av allmänt köp och försäljning. De visade att ryska affärsmän och industrimän inte är kapabla att förverkliga den nationella utvecklingens intressen, att vissa av dem, som Khlynov och Akhov, bara är kapabla att ägna sig åt grova nöjen, andra, som Knurov och Berkutov, kan bara underordna allt omkring dem deras rovdjursintressen, "varg", och för tredje parter, såsom Vasilkov eller Frol Pribytkov, täcks vinstintressena endast av yttre anständighet och mycket snäva kulturella krav. Ostrovskys pjäser, utöver deras författares planer och avsikter, skisserade objektivt en viss utsikt till nationell utveckling - utsikten till den oundvikliga förstörelsen av alla rester av det gamla "mörka riket" av enväldig livegen despotism, inte bara utan deltagande av bourgeoisin, inte bara över huvudet, utan tillsammans med förstörelsen av sitt eget rovdjuriga "mörka rike"

Den verklighet som skildras i Ostrovskys vardagliga pjäser var en livsform som saknade ett rikstäckande progressivt innehåll och avslöjade därför lätt inre komisk inkonsekvens. Ostrovsky ägnade sin enastående dramatiska talang åt att avslöja det. Med utgångspunkt i traditionen med Gogols realistiska komedier och berättelser, återuppbyggde den i enlighet med de nya estetiska krav som ställdes av "naturskolan" på 1840-talet och formulerades av Belinsky och Herzen, spårade Ostrovsky den komiska inkonsekvensen i det sociala och vardagliga livet i de styrande skikten i det ryska samhället, gräver ner sig i "världsdetaljerna", tittar på tråden efter tråden i "nätet av dagliga relationer". Detta var huvudprestationen av den nya dramatiska stilen skapad av Ostrovsky.

Ostrovsky skrev för teatern. Detta är det speciella med hans gåva. Bilderna och bilderna av livet han skapade är avsedda för scenen. Det är därför som Ostrovskys karaktärers tal är så viktigt, det är därför hans verk låter så ljust. Inte konstigt att Innokenty Annensky kallade honom en realist-utfrågning. Utan iscensättning på scenen var hans verk som om de inte fullbordades, varför Ostrovsky tog så hårt på förbudet mot sina pjäser genom teatral censur. Komedin "Our People - Let's Settle" fick sättas upp på teatern bara tio år efter att Pogodin lyckats publicera den i en tidning.

Med en känsla av oförställd tillfredsställelse skrev A. N. Ostrovsky den 3 november 1878 till sin vän, konstnären Alexandria teater A.F. Burdin: "Jag har redan läst min pjäs i Moskva fem gånger, bland lyssnarna fanns det människor som var fientliga mot mig, och alla erkände enhälligt Hemgiften som det bästa av alla mina verk." Ostrovsky levde "Dowry", ibland bara på henne, hans fyrtionde sak, riktade "sin uppmärksamhet och styrka", ville "avsluta" henne på det mest grundliga sätt. I september 1878 skrev han till en av sina bekanta: ”Jag arbetar med min pjäs av all kraft; det ser inte dåligt ut." Redan ett dygn efter premiären, den 12 november, kunde Ostrovsky få reda på, och tveklöst lärt sig av Russkiye Vedomosti, hur han lyckades "trötta ut hela publiken, ända in till de mest naiva åskådarna". För hon – publiken – har helt klart "växt ur" de där glasögonen som han erbjuder henne. På 1970-talet blev Ostrovskys förhållande till kritiker, teatrar och publik mer och mer komplicerat. Perioden då han åtnjöt allmänt erkännande, som han vann i slutet av femtiotalet och början av sextiotalet, ersattes av en annan, som växte allt mer i olika kretsar av kyla mot dramatikern.

Teatercensuren var strängare än litterär censur. Detta är ingen slump. I grund och botten är teaterkonsten demokratisk, den är mer direkt än litteraturen, den riktar sig till allmänheten. Ostrovsky skrev i sin "Anteckning om situationen för den dramatiska konsten i Ryssland i nuvarande tid" (1881) att "dramatisk poesi är närmare folket än andra grenar av litteraturen. Alla andra verk är skrivna för bildade människor, men dramer och komedier är skrivna för hela folket; dramatiska författare måste alltid komma ihåg detta, de måste vara tydliga och starka. Denna närhet till folket försämrar inte det minsta den dramatiska poesin, utan fördubblar tvärtom sin styrka och låter den inte bli vulgär och småaktig. Ostrovsky talar i sin "Anteckning" om hur teaterpubliken i Ryssland expanderade efter 1861. Ostrovsky skriver till en ny åskådare, inte erfaren i konst, Ostrovsky skriver: "Fin litteratur är fortfarande tråkig för honom och obegriplig, musik också, bara teatern ger honom fullständig njutning, där upplever han som ett barn allt som händer på scenen, sympatiserar med det goda och erkänner det onda, tydligt framställt." För en "fräsch" publik, skrev Ostrovsky, "det krävs starkt drama, storskalig komedi, trotsiga, uppriktiga, högljudda skratt, heta, uppriktiga känslor."

Det är teatern, enligt Ostrovsky, som har sina rötter i folkshowen, har förmågan att direkt och starkt påverka människors själar. Två och ett halvt decennier senare kommer Alexander Blok, som talar om poesi, att skriva att dess essens är i huvudsak "vandrande" sanningar, i förmågan att förmedla dem till läsarens hjärta, som teatern har:

Gå vidare, sorg tjatar!
Skådespelare, behärska hantverket,
Till från den vandrande sanningen
Alla kände sig sjuka och lätta!

("Balagan", 1906)

Den stora vikt som Ostrovsky fäste vid teatern, hans tankar om teaterkonst, om teaterns ställning i Ryssland, om skådespelarnas öde - allt detta återspeglades i hans pjäser. Samtida uppfattade Ostrovsky som en efterträdare till Gogols dramatiska konst. Men nyheten i hans pjäser noterades omedelbart. Redan 1851, i artikeln "A Dream on the Occasion of a Comedy", påpekade den unge kritikern Boris Almazov skillnaderna mellan Ostrovsky och Gogol. Ostrovskys originalitet bestod inte bara i det faktum att han porträtterade inte bara förtryckarna utan också deras offer, inte bara i det faktum att, som I. Annensky skrev, Gogol huvudsakligen var en poet av "visuellt", och Ostrovsky "hörande". ” intryck.

Ostrovskys originalitet, nyhet manifesterades också i valet av livsmaterial, i bildens ämne - han bemästrade nya lager av verkligheten. Han var upptäckaren, Columbus, inte bara av Zamoskvorechye, - som bara vi inte ser, vars röster vi inte hör i Ostrovskys verk! Innokenty Annensky skrev: "... Detta är en virtuos av ljudbilder: köpmän, vandrare, fabriksarbetare och lärare i det latinska språket, tatarer, zigenare, skådespelare och sexarbetare, barer, kontorister och småbyråkrater-Ostrovsky gav ett enormt galleri av typiska tal ...” Skådespelare, teatralisk miljö - också det nya livsmaterialet som Ostrovsky behärskade - allt som var kopplat till teatern tycktes honom vara mycket viktigt.

I livet för Ostrovsky själv spelade teatern en stor roll. Han deltog i produktionen av sina pjäser, arbetade med skådespelare, var vän med många av dem, korresponderade. Han lade mycket ansträngning på att försvara skådespelarnas rättigheter och försökte skapa en teaterskola i Ryssland, sin egen repertoar. Konstnär från Maly Theatre N.V. Rykalova påminde: Ostrovsky, "efter att ha blivit bättre bekant med truppen, blev han vår egen man. Gruppen älskade honom väldigt mycket. Alexander Nikolaevich var ovanligt tillgiven och artig mot alla. Under den livegna regim som rådde vid den tiden, när cheferna sa "du" till artisten, när de flesta av truppen var från livegna, verkade Ostrovskys behandling för alla som någon form av uppenbarelse. Vanligtvis iscensatte Alexander Nikolajevitj sina pjäser själv ... Ostrovsky samlade en trupp och läste en pjäs för henne. Han var fantastiskt bra på att läsa. Alla karaktärer kom ut ur honom som om de levde ... Ostrovsky kände väl till teaterns inre, dolda för publikens ögon, livet bakom scenen. Från och med skogen (1871) utvecklar Ostrovsky teaterns tema, skapar bilder av skådespelare, skildrar deras öde - denna pjäs följs av Comic XVII-talet"(1873), "Talanger och beundrare" (1881), "Skyldig utan skuld" (1883).

Skådespelarnas position på teatern, deras framgång berodde på om de gillades eller inte av de rika åskådarna som satte tonen i staden. Trots allt levde provinstrupperna huvudsakligen på donationer från lokala mecenater, som kände sig som mästare på teatern och kunde diktera deras villkor. Många skådespelerskor levde på dyra gåvor från rika fans. Skådespelerskan, som omhuldade hennes ära, hade det svårt. I "Talanger och beundrare" skildrar Ostrovsky en sådan livssituation. Domna Panteleevna, mamma till Sasha Negina klagar: "Min Sasha är inte glad! Han håller sig mycket noggrant, ja, det finns ingen sådan disposition mellan allmänheten: inga speciella gåvor, ingenting som de andra, som ... om ... ".

Nina Smelskaya, som villigt accepterar beskydd av rika fans, i huvudsak förvandlas till en bevarad kvinna, lever mycket bättre, känner sig mycket mer självsäker på teatern än den begåvade Negina. Men trots det svåra livet, motgångar och förbittring, i bilden av Ostrovsky, behåller många människor som har ägnat sina liv till scenen, teatern vänlighet och adel i sina själar. För det första är det här tragedier som på scen måste leva i en värld av höga passioner. Naturligtvis är adel och andlig generositet inneboende inte bara bland tragedierna. Ostrovsky visar att sann talang, en ointresserad kärlek till konst och teater lyfter människor. Dessa är Narokov, Negina, Kruchinina.

I de tidiga romantiska berättelserna uttryckte Maxim Gorky sin inställning till livet och människorna, sin syn på eran. Hjältarna i många av dessa berättelser är de så kallade luffarna. Författaren framställer dem som modiga, starkhjärtade människor. Huvudsaken för dem är friheten, som luffarna, precis som vi alla, förstår på sitt sätt. De drömmer passionerat om något speciellt liv, långt ifrån det vanliga. Men de kan inte hitta henne, så de vandrar, dricker för mycket, begår självmord. En av dessa personer är avbildad i berättelsen "Chelkash". Chelkash - "en gammal förgiftad varg, välkänd för havanaiserna, en inbiten fyllare och jag

I Fets poesi vävs känslan av kärlek av motsättningar: det är inte bara glädje, utan också plåga och lidande. I Fetovs "kärlekssånger" ger sig poeten så fullständigt åt känslan av kärlek, berusningen av skönheten hos kvinnan han älskar, som i och för sig ger lycka, i vilken även sorgliga upplevelser är stor salighet. Ur världsexistensens djup växer kärleken fram, vilket har blivit föremål för Fets inspiration. Den innersta sfären i poetens själ är kärleken. I sina dikter satte han olika nyanser av kärlekskänsla: inte bara ljus kärlek, beundran av skönhet, beundran, glädje, glädje av ömsesidighet, utan också

I slutet av 90-talet av 1800-talet häpnade läsaren över uppkomsten av tre volymer essäer och berättelser av en ny författare, M. Gorkij. "Stor och originell talang" - sådan var den allmänna bedömningen om den nya författaren och hans böcker. Det växande missnöjet i samhället och förväntan på avgörande förändringar orsakade en ökning av romantiska tendenser i litteraturen. Dessa tendenser återspeglades särskilt tydligt i den unge Gorkys arbete, i sådana berättelser som "Chelkash", "Old Woman Izergil", "Makar Chudra", i revolutionära sånger. Hjältarna i dessa berättelser är människor "med solen i blodet", starka, stolta, vackra. Dessa hjältar är Gorkijs dröm

För mer än hundra år sedan, i en liten provinsstad i Danmark - Odense, på ön Fyn, ägde extraordinära händelser rum. Tysta, lite sömniga gator i Odense fylldes plötsligt av ljudet av musik. En procession av hantverkare, bärande facklor och banderoller, marscherade förbi det starkt upplysta gamla stadshuset och hälsade en lång, blåögd man som stod vid fönstret. För vem tände invånarna i Odense sin eld i september 1869? Det var HC Andersen, som kort tidigare hade valts till hedersmedborgare. hemstad. För att hedra Andersen sjöng hans landsmän en mans och en författares hjältedåd,