Korsord på temat konstnärliga symboler för världens folk. Poetiska symboler för världens länder

Konstnärliga symboler för världens folk - vad är de? Föreställ dig att du har kommit till ett obekant land. Vad kommer främst att intressera dig? Vilka sevärdheter kommer att visas för dig först? Vad dyrkar och tror folket i detta land på? Vilka legender, myter och legender berättas? Hur dansar och sjunger de? Och många många andra. Och många många andra.

Egypten - PYRAMIDER Pyramiderna är byggda på Nilens vänstra västra strand (väst dödsriket) och tornade sig över allt de dödas stad otaliga gravar, pyramider, tempel. EGYPTISKA PYRAMIDER, de egyptiska faraonernas gravar. Den största av dem är pyramiderna i Cheops, Khafre och Mikerin i El Giza i antiken ansågs vara ett av världens sju underverk. Uppförandet av pyramiden, där grekerna och romarna redan såg ett monument över kungars och grymhetens oöverträffade stolthet, som dömde hela Egyptens folk till meningslöst byggande, var den viktigaste kulthandlingen och var tänkt att uttrycka, uppenbarligen, landets och dess härskares mystiska identitet.

Den största av de tre Den största av de tre pyramiderna i Cheops. Keopspyramiden. Dess höjd var ursprungligen 147 m, dess höjd var ursprungligen 147 m, och längden på sidan av basen var 232 m, och längden på sidan av basen var 232 m. För dess konstruktion, 2 miljoner 300 tusen enorma stenar block krävdes, medelvikt varav 2,5 ton Plattorna var inte fästa med murbruk, bara en extremt exakt passning håller dem. Under antiken var pyramiderna kantade med polerade vita kalkstensplattor, deras toppar var täckta med kopparplattor som gnistrade i solen (endast Cheops-pyramiden bevarade kalkstensfodret, araberna använde beläggningen av andra pyramider i konstruktionen av Vita moskén i Kairo). För dess konstruktion krävdes 2 miljoner 300 tusen enorma stenblock, vars medelvikt är 2,5 ton. Plattorna fästes inte med murbruk, bara en extremt exakt passform håller dem. Under antiken var pyramiderna kantade med polerade vita kalkstensplattor, deras toppar var täckta med kopparplattor som gnistrade i solen (endast Cheops-pyramiden bevarade kalkstensfodret, araberna använde beläggningen av andra pyramider i konstruktionen av Vita moskén i Kairo).

Nära Khafre-pyramiden reser sig en av antikens och vår tids största statyer, en figur av en liggande sfinx huggen ur klippan med porträttdrag av farao Khafre själv. Nära Khafre-pyramiden reser sig en av antikens och vår tids största statyer, en figur av en liggande sfinx huggen ur klippan med porträttdrag av farao Khafre själv. Pyramid av Khafre Khafre

America - Statue of Liberty Frihetsgudinnan - fågelperspektiv STATUE OF LIBERTY är en kolossal skulptur belägen på Liberty Island i New Yorks hamn. Statyn i form av en kvinna med en brinnande fackla i höger hand upphöjd symboliserar frihet. Statyns författare fransk skulptör F. Bartholdi. Statyn donerades av Frankrike till USA 1876 för hundraårsjubileet av USA:s självständighet.

Japan - sakura SAKURA, en typ av körsbär (körsbärssand). Den växer och odlas som prydnadsväxt främst på Långt österut(trädet är symbolen för Japan). Blommorna är rosa, dubbla, bladen är lila på våren, gröna eller orange på sommaren, lila eller bruna på hösten. Frukterna är oätliga. SAKURA, en typ av körsbär (körsbärssand). Den växer och odlas som prydnadsväxt främst i Fjärran Östern (trädet är en symbol för Japan). Blommorna är rosa, dubbla, bladen är lila på våren, gröna eller orange på sommaren, lila eller bruna på hösten. Frukterna är oätliga.

Sakura anses vara den konstnärliga symbolen för Japan. Sakura anses vara den konstnärliga symbolen för Japan. vackra blommor rosa, dubbla, löv lila på våren, gröna eller orange på sommaren, lila eller bruna på hösten. Vackra blommor är rosa, dubbla, bladen är lila på våren, gröna eller orange på sommaren, lila eller bruna på hösten. Under sakura-grenarna gör älskare önskningar och kysser. Under sakura-grenarna gör älskare önskningar och kysser. Bilden av ett blommande körsbär används också på nationella japanska kostymer. Bilden av ett blommande körsbär används också på nationella japanska kostymer. Sakurablomman är en levande varelse som kan uppleva samma känslor som en person. Sakurablomman är en levande varelse som kan uppleva samma känslor som en person.

Kina - Kinesiska muren KINA MUR, en fästningsmur i norra Kina; storslagna arkitektoniska monument Gamla Kina. KINAS STORA VUR, en fästningsmur i norra Kina; grandios monument av arkitektur i det antika Kina. Längden är enligt vissa antaganden ca 4 tusen km, enligt andra över 6 tusen km 10 m. Byggd huvudsakligen på 300-talet f.Kr. e. Helt restaurerad del av den stora kinesisk vägg nära Peking. höjd 6,6 m, i vissa områden upp till 10 m. Byggd huvudsakligen på 300-talet f.Kr. e. En del av Kinesiska muren nära Peking har totalrenoverats.

Novodevichy-klostret För att hedra födelsen av arvtagaren, den blivande tsaren Ivan IV, 1532 i Kolomenskoye, nära Moskva, på den höga branta stranden av Moskvafloden, uppfördes Kristi Himmelsfärdskyrkan. Dess konstruktion markerar utseendet på nya aacentriska stenhöfttemplar, dynamiskt riktade uppåt. I närheten, i byn Dyakovo, byggdes kyrkan för halshuggning av Johannes döparen, som utmärks av ovanlig arkitektur. För att hedra födelsen av arvtagaren, den framtida tsaren Ivan IV, 1532 i Kolomenskoye nära Moskva, på den höga branta stranden av Moskvafloden, uppfördes Kristi himmelsfärdskyrka. Dess konstruktion markerar utseendet på nya aacentriska stenhöfttemplar, dynamiskt riktade uppåt. I närheten, i byn Dyakovo, byggdes kyrkan för halshuggning av Johannes döparen, som utmärks av ovanlig arkitektur. Evenemanget var byggandet av Intercession Cathedral på södra sidan av Röda torget på vallgraven, mer känd som St. Basil's Cathedral. Evenemanget var byggandet av Intercession Cathedral på södra sidan av Röda torget på vallgraven, mer känd som St. Basil's Cathedral.

St. Basil's Cathedral En av de mest berömda kyrkorna i Moskva, byggd under namnet Pokrovsky-katedralen för att hedra segern över Kazan Khanate på högtiden för Jungfruns förbön. Därefter gav den bifogade kyrkan St Basil den Välsignade namnet till hela templet. Brokig färgning återspeglar smaker från senare tid (1600-talet). Templet målades ursprungligen rött och vit färg. Intercession Cathedral tänktes som den första stadstäckande katedralen som byggdes utanför Kremls murar och var tänkt att symbolisera tsarens enhet med folket. En av de mest berömda kyrkorna i Moskva, byggd under namnet Pokrovsky-katedralen för att hedra segern över Kazan-khanatet på högtiden för jungfruns förbön. Därefter gav den bifogade kyrkan St Basil den Välsignade namnet till hela templet. Brokig färgning återspeglar smaker från senare tid (1600-talet). Templet målades ursprungligen i rött och vitt. Intercession Cathedral tänktes som den första stadstäckande katedralen som byggdes utanför Kremls murar och var tänkt att symbolisera tsarens enhet med folket.

Spasskaya-tornet i Moskva Kreml Den gamla delen av Moskva har en radiell-cirkulär layout. Moskvas historiska kärna är Kremls ensemble, bredvid ligger Röda torget. Den gamla delen av Moskva har en radiell-cirkulär layout. Moskvas historiska kärna är Kremls ensemble, bredvid ligger Röda torget.

Klockstapel "Ivan den store" viktigt event var byggandet av nya tegelväggar och torn i Kreml, som byggdes i sex av de arton tornen var gångportar. Kreml förvandlades till en av de mäktigaste europeiska fästningarna. En viktig händelse var uppförandet av nya tegelväggar och torn i Kreml, som byggdes i sex torn av arton hade passageportar. Kreml förvandlades till en av de mäktigaste europeiska fästningarna.

Mer än tvåhundrafemtio länder, flera tusen nationaliteter, nationaliteter, folk - stora som små - existerar och interagerar med varandra på planeten Jorden. Och var och en av dem har sina egna egenskaper, seder och traditioner, som bildats genom århundradena. karaktärsdrag. Det finns också konstnärliga symboler världens folk, som återspeglar deras idé om att vara, religion, filosofi och annan kunskap och begrepp. I olika länder de skiljer sig från varandra och har den unika och originalitet som är inneboende i den här eller den delen av planeten. De är inte direkt beroende av statsmakten utan bildas ibland vid byten av myndigheter och härskare av folket själva. Vilka är de konstnärliga symbolerna för världens folk i ordets allmänt accepterade bemärkelse?

Symbol

Grovt sett är en symbol ett hypertrofierat tecken. Det vill säga en bild, som regel, schematisk och villkorad, av ett objekt, djur, växt eller koncept, kvalitet, fenomen, idé. Det skiljer sig från det heliga sammanhanget, ögonblicket av normativitet och social eller religiöst-mystisk andlighet, uttryckt i bilden (som regel schematiskt och förenklat).

Konstnärliga symboler för världens folk

Förmodligen har varje land sitt eget konstgjorda mirakel"gjord av människor. Det var inte förgäves att de "sju miraklen" pekades ut i gamla dagar, som naturligtvis ansågs vara ursprungliga konstnärliga symboler (den första listan veks, som de säger, av Herodotus på 500-talet f.Kr.). ny era- den hade bara tre mirakel). De inkluderade Babylons trädgårdar, statyn av Zeus och andra. Listan har varierat genom århundradena: vissa namn har lagts till, andra har försvunnit. Många konstnärliga symboler för världens folk har inte överlevt till denna dag. När allt kommer omkring fanns det faktiskt hela tiden bland olika folk en omätlig mängd. Bara siffran sju ansågs vara helig, magisk. Nåväl, tiden har idag bara bevarat några få symboler för världens folk.

Tema: Konstnärliga symboler för världens folk.

Mål: Att introducera eleverna till de konstnärliga symbolerna för världens folk,avslöja innebörden av bilden av rysk björk i poesi, målning och musik

Uppgifter: Utvecklingen av estetisk smak och kreativitet;

Bildande av kunskap om symbolerna för världens folk;

Studenternas förvärv av färdigheter i valet av information, förmågan att lyfta fram de viktigaste viktiga punkterna och kreativt presentera dem i självständigt arbete.

Planerade lärandemål :

Personlig: visa intresse för att lära sig nytt material; kognitiv aktivitet; är medvetna om sina intressen och mål, känslor, uttrycker dem på ett adekvat sätt; förstå andras känslomässiga tillstånd; göra ömsesidiga eftergifter olika situationer kritiskt reflektera över sitt beteende.

Ämne: kommer att lära Installerafigurativt-associativa kopplingar mellan arkitektoniska monument, musikverk, visuella konsterna och litteratur.

Metasubject: kommer att lära definiera syftet och problemet i lärandeaktiviteter; följa normerna för kollektiv kommunikation; planera aktiviteter i en inlärningssituation; bestämma problemet med konstnärlig överdrift, sätt att uppnå målet; utveckla förmågan att föra en diskussion, ställa frågor, argumentera, försvara sin åsikt, förmågan att arbeta med information: systematisera, strukturera den; arbeta enligt plan.

Under lektionerna:

Att organisera tid

Uppdatera elevernas kunskaper om ämnet:

Inte riktigt

A) Romanen "Livet och fantastiska äventyr Robinson Crusoe" skrev engelsk författare D. Defoe? (Ja).

B) ordet "civilisation" på antik grekiska låter som "civil, offentlig, stat"? (nej, från latin och andra romare).

C) Civilisation - nivån av material och andlig utveckling samhället (ja).

D) Kultur förknippas med ordet "kult" och betyder vördnad, dyrkan (ja).

E) I Ozhegovs ordbok har ordet "kultur" följande betydelse: Bearbetning, vård, odling" och "mental och moralisk utbildning" (nej, i V. Dahls ordbok)

E) Begreppet "civilisation" är bredare än begreppet "kultur" (ja)

G) Kultur är ett tillfälligt begrepp, och civilisationen är universell (nej, tvärtom)

H) Vi kallar en kultiverad person för någon som agerar i enlighet med normer för tänkande och beteende som accepteras i samhället (ja)

I) bild kulturpersonäven under antikens tidevarv försökte han återskapa Pythagoras (nej, Platon)

K) Är Konfucius en japansk tänkare? (nej, kinesiska)

L) Levde konstnären Hieronymus Bosch på 1400-talet i Nederländerna? (Ja)

III . Studerar nytt ämne:

Jag kan inte föreställa mig Ryssland utan en björk, -
hon är så ljus på slaviska,
som kanske är annorlunda i århundraden
från en björk - all Rus' föddes.
Oleg Shestinsky

Presentation av ämnet och målen för lektionen. Vem kan säga vad dessa ord handlar om? Vad är en björk för en rysk person? Idag på lektionen ska vi göra lite resa jorden runt och bekanta dig med de konstnärliga symbolerna för världens folk, ta en promenad genom "björkcalicons land" och, naturligtvis, kasta dig in i de inhemska vidder som är bekanta för oss från barndomen.

2. Att lära sig nytt material .

Lärare: Det finns mer än 250 länder på vår planet, där flera tusen olika folk lever,som var och en har sina egna traditioner och egenskaper.Du måste ha hört dessa kombinationer mer än en gång.: "Tysk prydlighet", "franskt tapperhet","Afrikanskt temperament", "kyla englichan", "italienarnas förvirring", "georgiernas gästfrihet", etc.Bakom var och en av dem finns de egenskaper och egenskaper som har utvecklats bland ett visst folk genom åren.

Väl inne konstnärlig kultur? Har den liknandestabila bilder och egenskaper? Otvivelaktigt. Varje nation har sin egen simoxar, som speglar konstnärliga idéer om världen.

Föreställ dig att du har kommit till ett obekant land. Vad, först och främst,intresserar dig? Naturligtvis, vilket språk talas här? Vilka sevärdheter kommer att visas först? Vad dyrkar de och vad tror de på? Vilka legender, myter och legender berättas? Hur de dansaroch sjunga? Och många många andra.

Vad kommer till exempel att visas för dig om du besöker Egypten?

Studerande: Dantika pyramider, anses vara ett av världens underverk och har länge blivit detden konstnärliga symbolen för detta land.

Studerande: På den steniga platånöknar, kastade klara skuggor på sanden, i mer än fyrtio århundradenkostade tre enorma geometriska kroppar– felfritt korrekttetraedriska pyramider, gravar av faraonerna Cheops, Khafre och Mikerin. Deras ursprungliga foder har länge gått förlorat, plundratroddrum med sarkofager, men varken tid eller människor kunde bryta deras idealiskt stabila form. Trianglar av pyramider på bakgrunden av thblå himmel är synlig från överallt, som en påminnelse om evigheten.

Lärare: Om du har ett möte med Paris kommer du säkert att vilja klättra upp till toppen av det berömda Eiffeltornet, som också har blivit känt.symbolen för denna fantastiska stad. Vad vet du om henne?

Studerande: Byggd 1889år som utsmyckning av världsutställningen, väckte den först parisarnas indignation och indignation. Samtida som tävlade med varandra ropade:

"Vi protesterar mot denna kolumn av bultad plåt, mot denna löjliga och svindlande fabriksskorsten, uppförd för att förhärliga industriell vandalism. Byggandet av detta värdelösa och monstruösa Eiffeltorn i centrala Paris är inget annat än en profanering ... "

Intressant nog var denna protest undertecknad mycket kända figurer kulturer: kompositören Charles Gounod, författarna Alexandre Dumas, Guy de Maupassant... Poeten Paul Verlaine sa att detta "skeletttorn inte skulle hålla länge", men hans dystra prognos var inte avsedd att gå i uppfyllelse. Eiffeltornet står fortfarande kvar och är ett tekniskt underverk.

Studerande: På den tiden var det den högsta byggnaden i världen, dess höjd var 320 meter! Tornets tekniska data är häpnadsväckande även idag: femton tusen metalldelar sammankopplade med mer än två miljoner nitar bildar ett slags "järnspets". Sju tusen ton vilar på fyra pelare och utövar inte mer tryck på marken än en man som sitter på en stol. Hon skulle rivas mer än en gång, och hon tornar stolt över Paris och ger en möjlighet att beundra stadens sevärdheter från fågelperspektiv...

Lärare: Och vilka är de konstnärliga symbolerna för USA, Kina, Ryssland?

Studerande: Frihetsgudinnan för USA, kejserligt palats"Förbjudna staden" för Kina, Kreml för Ryssland.

Lärare : Men många folk har sina egna speciella, poetiska symboler. Berätta om en av dem?

Studerande: Bisarrt böjda grenar av underdimensionerade körsbär - sakura - en poetisk symbol för Japan.

Om du frågar:

Vad är själen

Öarna i Japan?

I doften av fjällkörsbär

Vid gryningen.

Norinaga (Översatt av V. Sanovich)

Lärare : Vad är så attraktivt i körsbärsblommor Japanska? Kanske,ett överflöd av vita och ljusrosa sakurablad på kala grenar som ännu inte hunnit täckas med grönska?

Blommornas skönhet bleknade så snabbt!

Och ungdommens skönhet var så flyktig!

Livet har gått förgäves...

Tittar på det långa regnet

Och jag tänker: som i världen är allt inte för alltid!

Komachi (Översatt av A. Gluskina)

Studerande : Poeten attraheras av förgänglighetens skönhet, livets bräcklighet och förgänglighet. Körsbär blommar snabbt och ungdomen är flyktig.

Lärare : Som konstnärlig teknik använder författaren?

Studerande: Personifiering. En körsbärsblomma för en poet är en levande varelse som kan uppleva samma känslor som en person.

Lärare:

Vårdimma, varför gömde du dig

Körsbärsblommor som nu flyger omkring

På bergens sluttningar?

Inte bara glans är oss kärt, -

Och det bleknande ögonblicket är värt beundran!

Tsurayuki (Översatt av V. Markova)

Lärare : Kommentarrader.

Studerande: Körsbärsblomblad bleknar aldrig. Snurrar glatt och flyger tilljorden från det minsta andetag av vinden och täck jorden innan devissnade med blommor. Själva ögonblicket är viktigt, blomningens bräcklighet. namnmen detta är källan till skönhet.

Lärare: Den vita stammen har blivit en konstnärlig poetisk symbol för Rysslandbjörk.

Jag älskar rysk björk
Antingen ljust eller sorgligt
I en blekt sarafan,
Med näsdukar i fickorna
Med vackra spännen
Med gröna örhängen.
Jag älskar henne elegant
Det där klara, sjudande,
Så sorgligt, gråtande.
Jag älskar rysk björk.
Böjd lågt under vinden
Och böjer sig, men går inte sönder!
A. Prokofiev.

Lärare : Redan i vuxen ålder sa Igor Grabar: ”Vad kan vara vackrare än en björk, det enda trädet i naturen, vars stam är bländande vit, medan alla andra träd i världen har mörka stammar. Fantastiskt, övernaturligt träd, sagoträd. Jag blev passionerat kär i den ryska björken och målade den länge nästan ensam.

Lärare: Temat för fosterlandet är nära sammanflätat med bilden av björken. Varje Yesenin-linje värms av en känsla av gränslös kärlek till Ryssland.

Björk

Vit björk

Under mitt fönster.

täckt av snö,

Exakt silver.

På fluffiga grenar

snögräns

Borstar blommade ut

Vit lugg.

Och det finns en björk

I sömnig tystnad

Och snöflingorna brinner

I gyllene eld

En gryning, lat

Gå runt,

Duschar grenar

Nytt silver. 1913

Lärare . Vita björkar berör inte bara vår själ utan även utlänningar. Efter att ha besökt Moskva fick den berömda fotbollsspelaren Pele frågan vad som imponerade och gillade honom mer i Ryssland. Han svarade: "Björkar".

Lärare: Hundratals år kommer att gå, men björken kommer att symbolisera vårt odödliga och mäktiga hemland.

Och låt oss nu övergå till de konstnärliga symbolerna för vårt lilla hemland.

Vad tror du kommer att vara symbolen för regionen Varna? Just det, tornet i Tamerlane.

Studerande. Mausoleet byggdes på en kulle nära en uttorkad sjö inte långt från stadsdelen Varna.

Tornet byggdes på 1300-talet. Det är ett sällsynt exempel på tidig muslimsk arkitektur i Södra Ural. Förutom Kesene är liknande mausoleer kända i Basjkirien: mausoleerna i Turakhan och Hussein-Bek. Det finns hundratals små högar runt mausoleet.

Byggnaden av själva mausoleet ligger på ett rektangulärt område avgränsat av en vallgrav och vallar. Den är byggd av platt fyrkantigt bränt tegel och har formen av en 12-sidig pyramid monterad på ett 12-sidigt prisma. Prismat vilar på en låg cylinder: nedanför är huvudbyggnaden av det kubiska mausoleet. Entrén på södra sidan är dekorerad med en portal.

IV . Primär förståelse och konsolidering

Box med frågor.

Killarna skriver frågor på papperen om ämnet för lektionen (8-10), läser dem högt så att det inte blir några upprepningar, viker papperen och lägger dem i en låda. Barn går ut, tar ett papper utan att titta, läser upp frågan och säger svaret. Du kan hjälpa klassen.

V . Sammanfattande. Reflexion

Fyller i tabellen.

VI . Läxa - skriva ett meddelande om någon konstnärlig bild av världens folk.

Essentiell variation, eller semantisk modifiering, konstnärlig bild, men också dess andliga kärna är konstsymbol, agerar i estetiken hos en av de betydande kategorierna. Inuti bilden är det den där väsentliga komponenten som är svår att isolera på analytisk nivå, vilket målmedvetet reser sig mottagarens ande andlig verklighet, inte ingår i själva konstverket. Till exempel, i den redan nämnda "Solrosor" av Van Gogh, formas den faktiska konstnärliga bilden i första hand kring den visuella bilden av en bukett solrosor i en keramisk kanna, och för de flesta tittare kan den vara begränsad till detta. På en djupare nivå av konstnärlig uppfattning hos mottagare med ökad konstnärlig och estetisk mottaglighet, börjar denna primära bild utvecklas till en konstnärlig symbol som absolut trotsar den verbala beskrivningen, men det är han som öppnar porten för betraktarens ande till några andra verkligheter, fullt inse estetisk händelse av denna bild. Symbolen som en djup komplettering av bilden, dess väsentliga konstnärliga och estetiska (icke-verbaliserade!) innehåll vittnar om verkets höga konstnärliga och estetiska betydelse, den höga talangen eller till och med genialitet hos mästaren som skapade det. Otaliga konstverk på en genomsnittlig (om än bra) nivå har som regel bara en konstnärlig bild, men inte en symbol. De tar inte mottagaren till högre nivåer andlig verklighet, men är begränsade till de emotionella-psykologiska och till och med fysiologiska nivåerna av mottagarens psyke. Nästan de flesta verk av realistiska och naturalistiska trender, komedier, operetter, all masskonst är på denna nivå - de har konstnärliga bilder, men saknar konstnärlig symbolik. Det är typiskt endast för hög konst av något slag och helig kult verk av hög konstnärlig kvalitet.

Tillsammans med detta finns det i världskonsten hela klasser av konstverk (och ibland hela enorma epoker - till exempel konst forntida Egypten), där den konstnärliga bilden praktiskt taget reduceras till en symbolisk. Absoluta exempel på sådan konst är gotisk arkitektur, bysantinsk-rysk ikon perioden av dess storhetstid (XIV-XV århundraden för Rus') eller Bachs musik. Många andra specifika konstverk kan citeras från nästan alla dess typer och perioder av historien, där symboliska konstverk, eller konstnärlig symbol. Här är det en konkret utformad sinnligt uppfattad verklighet, mer riktad än bilden, som hänvisar mottagaren till den andliga verkligheten i processen av icke-utnyttjande, andligt aktiv kontemplation av verket. I processen av estetisk kommunikation med en symbol uppstår en unik supertät figurativt-semantisk substans av estetiskt vara-medvetande, som har avsikten att utvecklas till en annan verklighet, till ett holistiskt andligt kosmos, till ett fundamentalt icke-verbaliserat multi- nivå semantiskt utrymme, sitt eget betydelsefält för varje mottagare, fördjupning i vilket ger honom estetisk njutning, andlig glädje, en känsla av njutning av att känna en djup osammanfogad sammansmältning med detta fält, upplösas i det samtidigt som personlig självmedvetenhet och intellektuell distans bibehålls .

I det konstnärligt-semiotiska området är symbolen någonstans mellan den konstnärliga bilden och tecknet. Deras skillnad observeras i graderna av isomorfism och semantisk frihet, i orienteringen mot olika nivåer uppfattning av mottagaren, i nivån av andlig och estetisk energi. Graden av isomorfism gäller främst yttre form motsvarande semantiska strukturer och minskningar från mimetiken (i termens snäva betydelse mimesis) konstnärlig bild (här når den övre gräns i vad som kallas likhet) genom en konstnärlig symbol till ett konventionellt tecken, som i regel saknar isomorfism i förhållande till det betecknade. Graden av semantisk frihet är den högsta för en symbol och bestäms till stor del av en viss "identitet" (Schelling), "balans" (Losev) av "idén" och den yttre "bilden" av symbolen. I tecknet och den konstnärliga bilden är det lägre, eftersom i tecknet (= i den filosofiska symbolen, och på konstnivån - identisk med tecknet när det gäller funktioner allegorier) den är väsentligen begränsad av en abstrakt idé som råder över bilden, och vice versa i den konstnärliga bilden. Med andra ord, i tecknet (lika med allegori) den rationella idén, och i bilderna av (klassisk) konst, begränsar en tillräckligt hög grad av isomorfism med prototypen den semantiska friheten för dessa semiotiska formationer i jämförelse med den konstnärliga symbolen.

Följaktligen är de inriktade på olika nivåer av uppfattning: tecknet (allegorin) - till det rent rationella, och den konstnärliga bilden och symbolen - till det andliga och estetiska. I det här fallet, symbolen (överallt, som i fallet med bilden, vi pratar O konstnärlig symbol) har ett skarpare fokus på de högsta nivåerna av andlig verklighet än en bild, vars konstnärliga och semantiska fält är mycket bredare och mer mångsidigt. Slutligen är nivån av andlig-estetisk (meditativ) energi för en symbol högre än för en bild; han verkar ackumuleras mytenergi, en av de utstrålningar som i regel verkar. Symbolen är mer avsedd för mottagare med ökad andlig och estetisk mottaglighet, vilket kändes väl och uttrycktes i deras texter av symbolikteoretiker och ryska religiösa tänkare från det tidiga nittonhundratalet, som vi redan har sett upprepade gånger och som vi kommer att uppehålla vid här .

Symbolen innehåller i sig själv i en vikt form och avslöjar för medvetandet något som i sig är otillgängligt för andra former och metoder för kommunikation med världen, att vara i den. Därför kan den inte på något sätt reduceras till begreppen förnuft eller till några andra (utom sig själv) metoder för formalisering. Meningen i en symbol är oskiljaktig från dess form, den existerar bara i den, lyser igenom den, utvecklas från den, för endast i den, i dess struktur, finns något som är organiskt inneboende (tillhör essensen) symboliserat. Eller, som A.F. Losev, ”betecknaren och det betecknade här är ömsesidigt reversibla. Idén ges konkret, sensuellt, visuellt finns det inget i den som inte skulle finnas med i bilden, och vice versa.

Om en konstnärlig symbol skiljer sig från en filosofisk symbol (=tecken) på semantisk nivå, så skiljer den sig i viss mån från kulturella, mytologiska, religiösa symboler väsentligen eller väsentligt. En konstnärlig eller estetisk symbol är en dynamisk, kreativ förmedlare mellan det gudomliga och det mänskliga, sanning och utseende (utseende), idé och fenomen på nivån av andlig och estetisk upplevelse, estetisk medvetenhet (d.v.s. på den semantiska nivån). I ljuset av en konstnärlig symbol öppnas holistiska andliga världar för medvetande, inte utforskas, inte avslöjas, inte uttalas och inte beskrivs på något annat sätt.

I sin tur har religiös-mytologiska symboler (eller allmänkulturella, arketypiska) dessutom betydande eller åtminstone energi gemensamt med det som symboliseras. Det kristna tänkandet har närmat sig kärnan i en sådan förståelse av symbolen sedan patristikernas tid, men den uttrycktes och formulerades tydligast av Fr. Pavel Florensky, förlitar sig på patristikernas erfarenheter, å ena sidan, och på teorierna från hans samtida-symbolister, särskilt hans lärare Vyach. Ivanova, å andra sidan.

Han var övertygad om att "i namnet - det namngivna, i symbolen - det symboliserade, i bilden - verkligheten hos det avbildade närvarande, och det är för att symbolen Det finns symboliserad" 277. I verket "Imeslavie as a philosophical premiss" gav Florensky en av de mest rymliga definitionerna av en symbol, som visar dess dubbla natur: "Varet, som är större än sig själv, är den grundläggande definitionen av en symbol. A symbol är något som är det som inte är sig självt, större än det och ändå i huvudsak manifesteras genom det. Vi avslöjar denna formella definition: en symbol är en sådan varelse, vars energi, sammansmält eller, mer exakt, sammansmält med energi från någon annan, mer värdefull enhet i detta avseende, bär på detta sätt i sig detta senare.

Symbol, enligt Florensky, i grunden antinomisk, de där. förenar saker som utesluter varandra ur det endimensionella diskursiva tänkandets synvinkel. Därför är dess natur svår att förstå av en person med modern europeisk kultur. Men för tänkandet hos forntida människor uppvisade symbolen inga svårigheter, eftersom den ofta var huvudelementet i detta tänkande. De personifieringar av naturen i folkdiktningen och i antikens poesi, som nu uppfattas som metaforer, är på intet sätt sådana, - trodde Florenskij, - det är just detta. symboler i ovanstående mening, och inte "dekorationer och smaksättningar av stil", inte retoriska figurer. "... För den antika poeten var elementens liv inte ett stilfenomen, utan ett affärsmässigt uttryck för essensen." För en modern poet är det bara i ögonblick av speciell inspiration ”dessa djupa skikt av andligt liv bryter igenom jordskorpan av vår tids världsbild, som är främmande för dem, och poeten talar till oss i ett begripligt språk om ett liv som är obegripligt. till oss med alla vår egen själs varelser” 279.

Symbolen, i förståelsen av Fr. Paul, har "två trösklar för mottaglighet" - övre och nedre, inom vilka han fortfarande är en symbol. Den övre skyddar symbolen från "överdrift av materiens naturliga mystik", från "naturalism", när symbolen är helt identifierad med arketypen. Antiken hamnade ofta i denna ytterlighet. New Age kännetecknas av att man går bortom den nedre gränsen, när ämneskopplingen mellan symbolen och arketypen bryts, ignoreras deras gemensamma substans-energi, och symbolen uppfattas endast som ett tecken på arketypen, och inte som en material-energibärare.

Symbolen, är Florensky övertygad om, är "ett fenomen utanför den innersta essensen", upptäckten av själva essensen, dess förkroppsligande i yttre miljön. Det är i denna mening till exempel i helig och världslig symbolik som kläder fungerar som en symbol för kroppen. Tja, den ultimata manifestationen av en sådan symbol i konsten är, enligt Florensky och kyrkans gamla fäder, ikon som ett idealiskt sakralt konstnärligt fenomen, begåvat med arketypens energi.

Resultatet inom det filosofiska sökandet efter att förstå den konstnärliga symbolen sammanfattades i ett antal verk A.F. Losev, precis som Florensky, som ansåg sig symbolist. I The Dialectic of Artistic Form visar han, som vi har sett, ontologin för utvecklingen av en uttrycksfull serie från den ursprungliga till eidos – myt – symbol – personlighet etc. Symbolen uppträder därför i det tidiga Losev som en emanation, eller uttryck, myt. "Äntligen under symbol Jag förstår den sidan myt, vilket är speciellt uttrycksfull. Symbolen är mytens semantiska uttrycksfullhet, eller mytens yttre ansikte"280. Med hjälp av symbolen når det väsentliga uttrycket för första gången nivån av yttre manifestation. Myten, som grund och djupt medvetandeliv, uppenbarar sig utanför i symbolen och komponerar faktiskt den (symbolen) livsviktig grund, dess mening, dess väsen. Losev känner djupt denna myt- och symboldialektik och försöker fixa den så exakt som möjligt på det verbala planet. ”Symbolen är mytens eidos, myten är som eidos, livets ansikte. Myten är symbolens inre liv, det element i livet som föder dess ansikte och yttre utseende. Så, i myten, fann den väsentliga betydelsen, eller eidos, en djup förkroppsligande i "livets element", och i symbolen fick den en yttre uttryck, de där. faktiskt dök upp i konstnärlig verklighet.

Losev tog sig an problemet med symbolen under hela sitt liv. I ett av sina senare verk, The Problem of the Symbol and Realist Art (1976), ger han följande utökade sammanfattning av sin forskning:

"1) Symbolen för en sak är verkligen dess innebörd. Detta är dock en sådan betydelse som konstruerar den och genererar den modellmässigt. Samtidigt är det omöjligt att stoppa vare sig på det faktum att symbolen för en sak är dess reflektion, eller på det faktum att symbolen för en sak ger upphov till själva saken. Och i båda fallen går symbolens specificitet förlorad, och dess förhållande till saken tolkas i stil med metafysisk dualism eller logicism, länge borta i historien.Symbolen för en sak är dess reflektion, men inte passiv, inte död, utan en som bär styrka och kraft i sig själv, verkligheten själv, eftersom en gång den mottagna reflektionen bearbetas i medvetandet, analyseras i tanken, renas från allt slumpmässigt och obetydligt och kommer till en återspegling av inte bara tingens sinnliga yta, utan deras interna lagar.I denna mening måste man förstå att symbolen för en sak ger upphov till en sak "Genererar" i detta fall betyder "förstår" samma objektiva sak, men i dess inre regelbundenhet, och inte i kaoset av slumpmässiga högar." Denna generation är bara penetration i själva sakernas djupa och regelbundna grund, representerad i sinnesreflektion, endast mycket vag, obestämd och kaotisk.

2) Symbolen för en sak är dess generalisering. Men denna generalisering är inte död, inte tom, inte abstrakt och inte fruktlös, utan en som tillåter, eller snarare, till och med kommandon att återvända till generaliserade saker och införa en semantisk regelbundenhet i dem. Med andra ord, den generalitet som finns i symbolen, implicit, innehåller redan allt symboliserat, även om det är oändligt.

3) Symbolen för en sak är dess lag, men en sådan lag som genererar saker på ett semantiskt sätt, och lämnar intakt hela deras empiriska konkretitet.

4) Symbolen för en sak är en saks regelbundna ordning, men ges i formen allmän princip semantisk konstruktion, i form av en genererande modell.

5) Symbolen för en sak är dess inre-externa uttryck, men den är utformad enligt den allmänna principen för dess konstruktion.

6) Symbolen för en sak är dess struktur, men inte ensam eller isolerad, utan laddad med en ändlig eller oändlig serie av motsvarande individuella manifestationer av denna struktur.

7) Symbolen för en sak är dess tecken, dock inte död och orörlig, utan föder många, och kanske otaliga regelbundna och enstaka strukturer, utpekade av den i allmän syn som ett abstrakt givet ideologiskt bildspråk.

8) Symbolen för en sak är dess tecken, som inte har något gemensamt med det omedelbara innehållet i de singulariteter som betecknas här, men dessa distinkta och motsatta markerade singulariteter bestäms här av den allmänna konstruktiva principen som förvandlar dem till en enhetlig helhet , regisserad på ett visst sätt.

9) Symbolen för en sak är identiteten, interpenetrationen av det betecknade saken och det ideologiska bildspråket som betecknar det, men denna symboliska identitet är en enkeluppdelad helhet, bestämd av den eller den enda principen, som genererar den och vänder den till en ändlig eller oändlig serie av olika naturligt erhållna singulariteter, som övergår i den allmänna identiteten hos den princip eller modell som gav upphov till dem som i en viss gemensam för dem begränsa ". 282

I det estetiska tänkandets historia utvecklades det klassiska symbolbegreppet mest av symbolisterna under det sena 1800-talet och början av 1900-talet, som vi redan har diskuterat ovan. På nittonhundratalet begreppet symbol intar en framträdande plats i den hermeneutiska estetiken. Särskilt, G.G. Gadamer trodde att symbolen till viss del är identisk spel; den hänvisar inte förnimmaren till något annat, som många symbolister trodde, utan den förkroppsligar sin mening i sig själv, den manifesterar själv sin mening, som konstverket som bygger på den, d.v.s. är en "ökning av vara". Således markerar Gadamer förstörelsen av den traditionella klassiska förståelsen av symbolen och skisserar nya icke-klassiska förhållningssätt till den, på de semantiska variationer som postmodernismens estetik och många konstpraktiker under andra hälften av 1900-talet kommer att baseras på.

I icke-klassisk estetik, de traditionella kategorierna av konstnärlig bild Och symbol ofta ersatts och ersatts av konceptet simulacrum- "likhet", som inte har någon prototyp, arketyp. Vissa tänkare av den postmoderna inriktningen behåller begreppen symbolen och det symboliska, men är fyllda i andan av den strukturella psykoanalytiska teorin med icke-traditionellt innehåll. Särskilt, J. Lacan tolkar det symboliska som det primära universella i förhållande till vara och medvetande, genererar hela det semantiska universum av symboliskt tal, som det enda verkliga och tillgängliga för mänsklig uppfattning, genererar personen själv genom handlingen att namnge honom.

Kanon

Under ett antal epoker och trender inom konsten, där den konstnärliga symbolen snarare än bilden var dominerande, spelades en framträdande roll i kreativitetsprocessen av kanoniskt konstnärligt tänkande, normativiseringen av kreativiteten, kanoniseringen av systemet av figurativa och uttrycksfulla medel och principer. Därför, först och främst, på nivån av implicit estetik kanon blev en av de väsentliga kategorierna inom klassisk estetik, som definierade en hel klass av fenomen i konsthistorien. Vanligtvis betyder det ett system av interna kreativa regler och normer som råder i konsten under någon historisk period eller i någon konstnärlig riktning och fixerar de viktigaste strukturella och konstruktiva lagarna för specifika typer av konst.

Kanonikalitet är främst inneboende i antik och medeltida konst. Proportionskanonen etablerades i plast från det antika Egypten människokropp, som omtänktes av de antika grekiska klassikerna och teoretiskt fixerades av skulptören Polykleitos (400-talet f.Kr.) i avhandlingen "Kanon" och praktiskt taget gestaltad i statyn "Dorifor", även kallad "Kanon". Systemet med idealiska proportioner av människokroppen som utvecklades av Polykleitos blev normen för antiken och, med vissa förändringar, för konstnärer från renässansen och klassicismen. Vitruvius tillämpade termen "kanon" på uppsättningen regler för arkitektonisk kreativitet. Cicero använde det grekiska ordet "kanon" för att beteckna ett mått på talstilen. I patristik kanon hela den heliga skrifts texter, legaliserade av kyrkomöten, kallades.

I bildkonsten i öst och Europeisk medeltid, särskilt inom kulten, etablerades den ikonografiska kanonen. Utvecklad i processen av flera hundra år gammal konstnärlig praktik, de viktigaste kompositionsscheman och motsvarande delar av bilden av vissa karaktärer, deras kläder, ställningar, gester, landskap eller arkitekturdetaljer har funnits sedan 900-talet. fastställdes som kanoniska och fungerade som modeller för konstnärer i länderna i det östkristna området fram till 1600-talet. Bysantinsk sång och poesi lydde också sina egna kanoner. I synnerhet kallades en av de mest komplexa formerna av bysantinsk hymnografi (700-talet) "kanon". Den bestod av nio låtar, som var och en hade en specifik struktur. Den första versen i varje sång (irmos) sammanställdes nästan alltid på basis av teman och bilder hämtade från Gamla testamentet, i de återstående verserna utvecklades irmos teman poetiskt och musikaliskt. I västeuropeisk musik från XII-XIII-talen. under namnet "kanon" utvecklas en speciell form av polyfoni. Dess element bevarades i musiken fram till 1900-talet. (av P. Hindemith, B. Bartok, D. Shostakovich och andra). Den kanoniska standardiseringen av konsten i klassicismens estetik är välkänd och utvecklas ofta till formalistisk akademiism.

Problemet med kanon sattes på en teoretisk nivå i estetik och konststudier först på 1900-talet; mest produktiva i verk av P. Florensky, S. Bulgakov, A. Losev, Yu. Lotman och andra ryska vetenskapsmän. Florenskij och Bulgakov övervägde problemet med kanon i förhållande till ikonmåleri och visade att den ikonografiska kanon konsoliderade mänsklighetens månghundraåriga andligt-visuella erfarenheter (de kristnas försonliga erfarenheter) genom att tränga in i den gudomliga världen, vilket maximalt frigjorde "den konstnärens kreativa energi till nya prestationer, till kreativa upp- och nedgångar” 283 . Bulgakov såg i kanonen en av de väsentliga formerna av "kyrkotradition".

Losev definierade kanonen som "en kvantitativ och strukturell modell av ett konstverk av en sådan stil, som, som en viss sociohistorisk indikator, tolkas som principen att konstruera en känd uppsättning verk" 284 . Lotman var intresserad av den informationssemiotiska aspekten av kanon. Han trodde att den kanoniserade texten inte är organiserad enligt det naturliga språkets modell, utan "enligt principen om musikalisk struktur", och fungerar därför inte så mycket som en informationskälla som dess aktivator. Den kanoniska texten omorganiserar subjektets information på ett nytt sätt, "kodar om hans personlighet" 285 .

Kanonens roll i processen för konstens historiska existens är tvåfaldig. Som bärare av traditionerna för visst konstnärligt tänkande och motsvarande konstnärliga praktik, uttryckte kanonen på den strukturella och konstruktiva nivån det estetiska idealet för en viss era, kultur, människor, konstnärlig riktning, etc. Detta är dess produktiva roll i kulturhistorien. När det estetiska idealet och hela systemet för konstnärligt tänkande förändrades med förändringen av kulturella och historiska epoker, blev kanonen från en svunnen tid en broms för konstens utveckling, vilket hindrade den från att adekvat uttrycka sin tids andliga och praktiska situation. I processen av kulturell och historisk utveckling övervinns denna kanon av nya kreativa erfarenheter. I ett visst konstverk är det kanoniska schemat inte bärare av själva den konstnärliga innebörden, som uppstår på grundval av dess (i "kanoniska" konster, tack vare det) i varje konstnärligt skapande eller estetisk uppfattning, i processen för bildandet av en konstnärlig bild.

Den konstnärliga och estetiska betydelsen av kanon ligger i det faktum att det kanoniska schemat, som på något sätt är materiellt eller bara existerar i konstnärens sinne (och i uppfattningen av bärarna av denna kultur), är konstruktiv grund för en konstnärlig symbol, som om det provocerar en begåvad mästare att konkret övervinna det inom henne genom själva systemet av föga märkbara, men konstnärligt betydelsefulla avvikelser från det i nyanserna av alla element i det bildliga och uttrycksfulla språket. I uppfattarens psyke väckte det kanoniska schemat ett stabilt komplex av information som var traditionell för hans tid och kultur, och specifika konstnärligt organiserade variationer av elementen i formen fick honom att titta djupt in i en till synes välbekant, men alltid något ny bild, till önskan att tränga in i dess väsentliga, arketypiska grunder, till upptäckten av några som fortfarande är okända om dess andliga djup.

New Age-konsten, med start från renässansen, går aktivt bort från kanoniskt tänkande mot en personlig-individuell typ av kreativitet. Upplevelsen av "katedralen" ersätts av konstnärens individuella upplevelse, hans ursprungliga personliga vision av världen och förmågan att uttrycka den i konstnärliga former. Och bara i snabb-kultur, som börjar med popkonst, konceptualism, poststrukturalism och postmodernism, i systemet för konstnärligt och humanitärt tänkande, principer nära kanoniska, vissa simulacra kanon på nivån för de konventionella principerna för kreativitet, när det inom områdena konstproduktion och dess verbala beskrivning (den senaste konsthermeneutiken), säregna kanoniska tekniker och typer av skapande av konstprodukter och deras verbala stöd bildas. Idag kan man tala om "kanonerna", eller snarare popkonstens kvasikanoner, konceptualism, "ny musik", "avancerad" konstkritik, filosofisk och estetisk diskurs, etc., vars innebörd endast är tillgänglig för dem "initierad" i "regelspelen" inom dessa kanoniskt-konventionella utrymmen och är stängd från alla andra medlemmar i samhället, oavsett vilken nivå av andlig-intellektuell eller estetisk utveckling de befinner sig på.

Stil

En annan betydelsefull kategori inom konstfilosofin och konsthistorien är stil. Det är faktiskt mer fri i form av manifestation och ett slags modifiering kanon, mer exakt - ganska stabil för en viss period i konsthistorien, en specifik riktning, trend, skola eller en konstnär, svår att beskriva ett system på flera nivåer av principer för konstnärligt tänkande, sätt för figurativa uttryck, figurativa och uttrycksfulla tekniker, konstruktiva och formella strukturer och så vidare. Under XIX-XX århundradena. denna kategori utvecklades kraftfullt av många konsthistoriker och teoretiker, estetiker och filosofer. Konstkritikernas skola G. Wölfflin, A. Riegl och andra förstod med stil ett ganska stabilt system av formella drag och element i organisationen av ett konstverk (planhet, volym, pittoreska, grafik, enkelhet, komplexitet, öppen eller stängd form, etc.) och på grundval av detta är det möjligt att betrakta hela konsthistorien som en överindividuell stilhistoria ("konstens historia utan namn" - Wölfflin). A.F. Losev definierade stil som "principen att konstruera hela potentialen hos ett konstverk på basis av dess olika överstrukturella och extrakonstnärliga uppdrag och dess primära modeller, men som känns immanent av verkets konstnärliga strukturer" 286 .

U. Spengler i Europas nedgång ägnade han särskild uppmärksamhet åt stilen, som ett av kulturens främsta och väsentliga kännetecken, dess vissa epokala stadier. För honom är stil en "metafysisk formkänsla", som bestäms av "andlighetens atmosfär" i en viss era. Det beror inte på personligheter, inte heller på materialet eller typerna av konst, eller ens på konstens riktningar. Som ett slags metafysiskt element i detta kulturstadium skapar den "stora stilen" i sig personligheter, trender och epoker inom konsten. Samtidigt förstår Spengler stil i en mycket vidare mening än konstnärlig och estetisk. "Stiler följer varandra, som vågor och pulser. De har ingenting gemensamt med enskilda konstnärers personlighet, deras vilja och medvetande. Tvärtom är det stilen som skapar mest typ konstnär. Stil, liksom kultur, är ett ursprungsfenomen i den strikta goteiska bemärkelsen, oavsett stilen på konsten, religionerna, tankarna eller själva livsstilen. Precis som "naturen" är stil en ständigt ny upplevelse av en vaken person, hans alter ego och spegelbild i omvärlden. Det är därför i den allmänna historiska bilden av någon kultur kan det bara finnas en stil - stilen i denna kultur 287 . Samtidigt håller Spengler inte med om den ganska traditionella klassificeringen av "stora stilar" i konsthistorien. Han menar till exempel att gotik och barock inte är olika stilar: "detta är ungdom och ålderdom av samma uppsättning former: västerlandets mogna och mogna stil" 288 . Den moderna ryska konstkritikern V.G. Vlasov definierar stil som "formens konstnärliga betydelse", som känsla”en konstnär och en åskådare av den omfattande integriteten i processen för konstnärlig gestaltning i historisk tid och rum. Stil är den konstnärliga upplevelsen av tiden. Han förstår stil som "en kategori av konstnärlig uppfattning" 289 . Och denna serie av ganska olika definitioner och förståelser av stil kan fortsättas 290 .

Var och en av dem har något gemensamt och något som motsäger andra definitioner, men på det stora hela upplevs det att alla forskare är tillräckligt känna(förstår i sig) den djupa essensen av detta fenomen, men kan inte exakt uttrycka det i ord. Detta indikerar återigen att stil, liksom många andra fenomen och företeelser av konstnärlig och estetisk verklighet, är en relativt subtil fråga så att den kan definieras mer eller mindre adekvat och entydigt. Här är endast några cirkulära beskrivande tillvägagångssätt möjliga, vilket så småningom kommer att skapa i läsarens uppfattning en ganska adekvat uppfattning om vad som faktiskt diskuteras.

På nivån kulturepoker och konsttrender, forskare talar om konststilarna i det antika Egypten, Bysans, romansk, gotisk, klassicism, barock, rokoko, jugend. Under perioder av suddighet av de globala stilarna i en era eller en stor trend, pratar de om stilarna i enskilda skolor (till exempel för renässansen: stilarna i de sienesiska, venetianska, florentinska och andra skolor) eller stilarna i specifika artister (Rembrandt, Van Gogh, Gauguin, Bergman, etc.).

I konsthistorien uppstod stora stilar som regel i syntetiska epoker, då huvudkonsten i viss mån bildades efter principen om någon form av enande kring och utifrån den ledande konsten, som vanligtvis var arkitektur. Målning, skulptur, brukskonst, ibland styrdes musiken av det, d.v.s. om det principsystem för att arbeta med form och konstnärlig bild (i synnerhet principer för att organisera rymden), som växer fram inom arkitekturen. Det är tydligt att stilen inom arkitektur och andra former av konst (precis som livsstilen eller tankestilen – man talar också om sådana stilar) har formats historiskt och intuitivt, omedvetet. Ingen har någonsin satt sig en specifik uppgift: att skapa en sådan och en stil, kännetecknad av sådana och sådana egenskaper och egenskaper. Faktum är att den "stora" stilen är en komplext medierad optimal konstnärlig uppvisning och uttryck på makronivå (nivån för en hel epok eller en stor konstnärlig rörelse) av vissa väsentliga andliga, estetiska, ideologiska, religiösa, sociala, ämnespraktiska egenskaper hos en viss historisk gemenskap av människor, ett specifikt etnohistoriskt kulturstadium ; en sorts makrostruktur av konstnärligt tänkande, adekvat för en viss sociokulturell, etnohistorisk gemenskap av människor. Konstens specifika material, tekniken och tekniken för deras bearbetning i den kreativa processen kan också ha viss inverkan på stilen.

Stil är till viss del ett materiellt fixerat, relativt bestämt system av figurativt-expressiva principer för konstnärligt tänkande, väl och korrekt uppfattat av alla mottagare med en viss nivå av konstnärlig känsla, estetisk känslighet, ”stilkänsla”; detta är någon mer eller mindre tydligt känd tendens till en holistisk konstnärlig gestaltning, som uttrycker djupa andliga och plastiska intuitioner (kollektivt konstnärligt omedvetet, plastiska arketyper, protoformer, katedralupplevelser etc.) av en viss era, historisk period, riktning, kreativ personlighet, stiger till att känna sin tidsanda; det är bildligt talat estetisk handstil epoker; optimal för en given era (riktningar, skolor, personligheter) estetisk displaymodell(karaktäristika principer för organisation konstnärliga medel och uttrycksmetoder), internt förandligas avgörande för denna era icke-verbaliserade principer, ideal, idéer, kreativa impulser från verklighetens högsta nivåer. Om det inte finns den här andligheten försvinner stilen. Endast dess yttre spår finns kvar: sätt, system för mottagningar.

Stil, trots all påtaglighet av en högt utvecklad estetisk känsla av dess närvaro i vissa konstverk, är inte ens för "stora" stilfenomen något absolut bestämt och "rent". Med närvaron och dominansen av en integrerad uppsättning av vissa dominerande stilistiska egenskaper i den, innehåller nästan varje verk av denna stil alltid element och egenskaper som är slumpmässiga för det, främmande för det, vilket inte bara inte förringar "stilfullheten" hos detta verk, utan tvärtom, förstärker dess konstnärliga värde, aktivitet, dess konkreta vitalitet som ett estetiskt fenomen i just denna stil. Så, till exempel, förekomsten av många romanska element i monumenten av gotisk arkitektur betonar bara uttrycket för dessa monuments gotiska originalitet.

Som avslutning på samtalet om stil ska jag försöka ge kort beskrivning en av de "stora" stilarna, som samtidigt visar otillräckligheten i en sådan verbal beskrivning. Låt oss ta till exempel gotiska- en av de största internationella stilarna av utvecklad europeisk konst (korta kännetecken för stilistiska drag klassicism Och barock finns ovan (avsnitt 1. kap. I. § 1), där de framträder som beskrivningar av dragen i det konstnärliga och estetiska medvetandet hos motsvarande trender inom konsten).

Gotisk (termen kommer från "goterna" - en generaliserad namngivning av romarna av europeiska stammar som erövrade det romerska riket på 300-500-talen, en synonym för "barbarer"; som ett kännetecken för konst började renässansens tänkare tillämpa på medeltida konst i en hånfullt nedsättande mening), som dominerade i västeuropeisk konst under XIII-XV-talen, uppstod som den högsta, ultimata och mest adekvata stilistiska formen av konstnärligt uttryck för själva anden. kristen kultur i dess västerländska modifikation (i öst - i det ortodoxa området - ett liknande uttryck var den bysantinska stilen som blomstrade i Bysans och länderna med dess andliga inflytande - särskilt verksam bland de sydslaviska folken och i det antika Ryssland). Det bildades främst inom arkitekturen och spred sig till andra typer av konst, främst relaterat till kristen dyrkan och livsstilen hos medeltida kristna stadsbor.

Den djupa innebörden av denna stil ligger i det konsekventa konstnärliga uttrycket för essensen av den kristna världsbilden, som består i att bekräfta prioriteringen av den andliga principen i människan och universum framför det materiella, med intern djup respekt för materien som bärare av andlig, utan och utanför vilken den inte kan existera på jorden. Gotiken har i detta avseende kanske nått den bästa möjliga i den kristna kulturen. Övervinnandet av materia, material, materialitet genom ande, andlighet förverkligades här med fantastisk kraft, uttryck och konsekvens. Detta var särskilt svårt att implementera i stenarkitektur, och det var här som de gotiska mästarna nådde höjden av perfektion. sätt mödosamt arbete Många generationer av byggare, vägledda av något slags enhetligt katedralkonstnärligt sinne från sin tid, sökte konsekvent efter sätt att fullständigt dematerialisera tempelvalvens tunga stenstrukturer i övergångsprocessen från korsvalvet till revbensvalvet, där uttryck för konstruktiv tektonik ersattes helt av konstnärlig plasticitet.

Som ett resultat är tyngden av materialet (sten) och konstruktionstekniker som syftar till att övervinna dess fysiska egenskaper helt dolda för dem som går in i templet. Det gotiska templet förvandlas med rent konstnärliga medel (genom att organisera det inre rummet och det yttre plastiska utseendet) till ett speciellt skulpturellt och arkitektoniskt fenomen av den väsentliga förvandlingen (transformationen) av det jordiska rum-tidskontinuumet till ett helt annat rum - mer sublimt , extremt spiritualiserad, irrationell-mystisk i sin inre orientering. I slutändan samverkar alla de viktigaste konstnärliga och uttrycksfulla (och de är också konstruktiva och kompositionella) tekniker och element för att skapa den gotiska stilen.

Dessa inkluderar tunna graciösa och komplext profilerade pelare (till skillnad från massiva romanska pelare), som stiger till en nästan otillgänglig höjd till de viktlösa lansettvalven, hävdar övervikten av det vertikala över det horisontella, dynamik (uppstigning, erektion) över statisk, uttryck över vila. I samma riktning arbetar otaliga lansettbågar och valv, på grundval av vilka templets inre utrymme faktiskt är bildat; enorma lansettfönster fyllda med färgade målade glasfönster, vilket skapar en obeskrivlig ständigt vibrerande och växlande ljus och surrealistisk atmosfär i templet; långsträckta skepp som leder betraktarens ande längs en smal, visuellt uppåtgående och långtgående väg till altaret (andligt sett bidrar de också till uppstigning, resning uppåt, in i ett annat utrymme); snidade lansett-flerbladiga stängningsaltare med gotiska bilder av de centrala evangeliehändelserna och karaktärerna och genombrutna lansettaltarstrukturer - retables (franska Retable - bakom bordet). I samma lansettlånga form tillverkas sätena i altaret och templet, service och applicerade föremål samt tempelredskap.

Gotiska tempel utanför och inuti är fyllda med en enorm mängd tredimensionell skulptur, gjord, liksom gotisk målning, på ett sätt nära naturalistiskt, vilket också under medeltiden betonades av den realistiska färgläggningen av skulpturer. Därmed skapades en viss rumslig-miljömässig motsättning mellan den extremt irrationella arkitekturen som strävar efter mystiska avstånd och den jordiska plasticiteten och måleriet som organiskt flyter in i den konstruktivt, men motsätter sig den i anden. På det konstnärliga planet (och detta är ett karakteristiskt drag för den gotiska stilen) uttrycktes kristendomens väsentliga antinomi: enheten av motsatta principer i människan och den jordiska världen: ande, själ, andlig och materia, kropp, kroppslig.

Samtidigt kan man inte tala i bokstavlig mening av den gotiska skulpturens och måleriets naturalism. Detta är en speciell, konstnärligt inspirerad naturalism, fylld med subtil konstnärlig materia, som lyfter uppfattarens ande till de andliga och estetiska världarna. Med den säregna naturalismen av ansiktsuttryck och gester av till synes statyformiga rader av gotiska statyer, är rikedomen och konstnärliga plasticiteten hos vecken av deras kläder, som är föremål för vissa fysiskt obetingade krafter, slående; eller den utsökta krökningslinjen för kropparna hos många gotiska stillastående figurer - den så kallade gotiska kurvan (figurens S-kurva). Gotisk målning är föremål för några speciella lagar för speciella färguttryck. Många nästan naturalistiskt (eller illusoriskt-fotografiskt) utskrivna ansikten, figurer, kläder i altarmålningar förvånar med sin öververkliga ojordiska kraft. Ett enastående exempel i detta avseende är den holländska konstnären Rogier van der Weydens och några av hans elevers konst.

Samma stildrag är karakteristiska för utseende Gotiska tempel: skulpturala, strävan uppåt av hela utseendet på grund av lansettformerna av bågar, valv, alla små arkitektoniska element och slutligen de enorma pilarna som kröner templen av genombrutna mönster, som om de var vävda av stenspets, torn för rent dekorativa och arkitektoniska ändamål; geometriskt noggranna fönsterrosetter och dekorativa, otaliga prydnadsdekorationer, kontrasterande inom en enda hel arkitektonisk organism med semi-naturalistisk plasticitet av skulpturer och frekventa blomsterdekorationer från grenar med löv. Organisk natur och en matematiskt verifierad och geometriskt föreskriven form bildar i gotiken en integrerad högkonstnärlig och högst andlig bild, som orienterar, strävar efter, upphöjer andan hos en troende eller estetiskt subjekt till andra verkligheter, till andra nivåer av medvetande (eller vara). Om vi ​​till detta lägger till ljudatmosfären (akustiken i gotiska kyrkor är utmärkt) hos orgeln och kyrkokören som framför till exempel gregoriansk sång, så kommer bilden av några väsentliga drag i den gotiska stilen att bli mer eller mindre komplett, även om det är långt ifrån tillräckligt.