Hem › Salong › Problemet med att skapa en idealisk stad. Idealisk stad

Problemet med att skapa en idealisk stad. Idealisk stad

Renässansen är en av de viktigaste perioderna i kulturell utveckling mänskligheten, eftersom det är vid denna tid som grunderna för i grunden ny kultur, det finns en mängd idéer, tankar, symboler som aktivt kommer att användas av efterföljande generationer i framtiden. På XV-talet. i Italien föds en ny bild av staden, som utvecklas mer som ett projekt, en framtidsmodell än en riktig arkitektonisk förkroppsligande. Naturligtvis gjorde de i renässansens Italien en hel del försköning av städer: de rätade ut gator, planade fasader, spenderade mycket pengar på att skapa trottoarer, etc. Arkitekter byggde också nya hus, passade in dem i tomma utrymmen, eller i sällsynta fall , uppförde dem istället för demolerade gamla byggnader. I allmänhet förblev den italienska staden i verkligheten medeltida i sitt arkitektoniska landskap. Det var inte en period av aktiv stadsutveckling, men det var just vid den här tiden som stadsfrågor började erkännas som ett av de viktigaste områdena för kulturbyggande. Många intressanta avhandlingar dök upp om vad en stad är och inte bara som ett politiskt, utan också som ett sociokulturellt fenomen. Hur framstår en ny stad i renässanshumanisternas ögon, annorlunda än den medeltida?

I alla sina stadsplaneringsmodeller, projekt och utopier, befriade staden sig först och främst från sin heliga prototyp - det himmelska Jerusalem, arken, som symboliserar utrymmet för mänsklig frälsning. Under renässansen, idén idealisk stad, som skapades inte utan till den gudomliga prototypen, utan som ett resultat av individuella kreativ aktivitet arkitekt. Den berömda L. B. Alberti, författare till de klassiska tio böckerna om arkitektur, hävdade att ursprungliga arkitektoniska idéer ofta kommer till honom på natten, när hans uppmärksamhet distraheras och han har drömmar där saker dyker upp som inte avslöjar sig själva under vakenhet. Denna sekulariserade beskrivning av den skapande processen skiljer sig helt från de klassiska kristna seende handlingarna.

Den nya staden dök upp i verk av italienska humanister som inte motsvarar de himmelska utan de jordiska reglerna i dess sociala, politiska, kulturella och inhemska syfte. Det byggdes inte på principen om helig-rumslig sammandragning, utan utifrån en funktionell, helt sekulär rumslig avgränsning, och var indelad i utrymmen av torg, gator, som var grupperade kring viktiga bostads- eller offentliga byggnader. En sådan rekonstruktion, även om den faktiskt utfördes i viss utsträckning, till exempel i Florens, realiserades i större utsträckning inom bildkonsten, i konstruktionen av renässansmålningar och i arkitektoniska projekt. Renässansstaden symboliserade människans seger över naturen, den optimistiska tron att "separationen" av den mänskliga civilisationen från naturen till dess nya mänskliga skapade värld hade rimliga, harmoniska och vackra grunder.

Renässansmannen är en prototyp av civilisationen av erövringen av rymden, som med sina egna händer fullbordade det som visade sig vara oavslutat av skaparen. Det är därför, när de planerade städer, var arkitekter förtjusta i att skapa vackra projekt, baserade på den estetiska betydelsen av olika kombinationer av geometriska former, där det var nödvändigt att placera alla byggnader som var nödvändiga för stadssamhällets liv. Utilitaristiska överväganden bleknade i bakgrunden och de arkitektoniska fantasiernas fria estetiska spel underkuvade dåtidens stadsplanerares medvetande. Idén om fri kreativitet som grund för individens existens är ett av renässansens viktigaste kulturella imperativ. Arkitektonisk kreativitet i det här fallet förkroppsligade också denna idé, som uttrycktes i skapandet av byggnadsprojekt som såg mer ut som några intrikata prydnadsfantasier. I praktiken visade sig dessa idéer främst implementeras i skapandet av olika typer av stenbeläggningar, som täcktes med regelbundna plattor. Det var dem, som de viktigaste innovationerna, som stadsborna var stolta över och kallade dem "diamant".

Staden var ursprungligen tänkt som en konstgjord produkt, som motsatte sig naturligheten i den naturliga världen, eftersom den, till skillnad från den medeltida staden, underkuvade och behärskade livsutrymmet och inte bara passade in i terrängen. Därför hade renässansens idealstäder en strikt geometrisk form i form av en kvadrat, kors eller oktagon. Enligt det träffande uttrycket av I. E. Danilova var den tidens arkitektoniska projekt så att säga överlagrade på terrängen från ovan som ett sigill på det mänskliga sinnets dominans, som allt är föremål för. I New Age:s era försökte människan göra världen förutsägbar, rimlig, för att bli av med det ofattbara spelet med slumpen eller förmögenheten. Sålunda hävdade L. B. Alberti i sitt arbete "Om familjen" att förnuftet spelar en mycket större roll i civila angelägenheter och i mänskligt liv än förmögenhet. Den berömda teoretikern för arkitektur och stadsplanering talade om behovet av att testa och erövra världen och utvidga reglerna för tillämpad matematik och geometri till den. Ur denna synvinkel var renässansstaden den högsta formen för att erövra världen, rymden, eftersom stadsbyggnadsprojekt innebar omorganiseringen av det naturliga landskapet som ett resultat av att pålägga det ett geometriskt rutnät av avgränsade utrymmen. Det var, till skillnad från medeltiden, en öppen modell, vars centrum inte var katedralen, utan torgets fria utrymme, som öppnade sig från alla håll med gator, med utsikt i fjärran, bortom stadsmuren.

Moderna specialister inom kulturområdet ägnar mer och mer uppmärksamhet åt problemen med den rumsliga organisationen av renässansstäder, i synnerhet temat för torget, dess tillkomst och semantik diskuteras aktivt vid olika internationella symposier. R. Barth skrev: ”Staden är ett tyg som inte består av likvärdiga element i vilka deras funktioner kan listas, utan av element som är betydande och obetydliga ... Dessutom måste jag notera att allt större värde de börjar ge meningsfull tomhet istället för det meningsfulla. Med andra ord blir elementen mer och mer betydelsefulla inte i sig själva, utan beroende på var de befinner sig.

Den medeltida staden, dess byggnader, kyrkan förkroppsligade fenomenet närhet, behovet av att övervinna någon fysisk eller andlig barriär, oavsett om det är en katedral eller ett palats som liknar en liten fästning, detta är en speciell, avskild från världen utanför Plats. Penetration där symboliserade alltid bekantskap med någon dold hemlighet. Torget, å andra sidan, var en symbol för en helt annan era: det förkroppsligade idén om öppenhet inte bara uppåt utan också åt sidorna, genom gator, gränder, fönster etc. Människor kom alltid in på torget från ett slutet utrymme. Däremot skapade vilket torg som helst känslan av ett omedelbart öppet och öppet utrymme. Stadens torg symboliserade så att säga själva processen för befrielse från mystiska hemligheter och förkroppsligade ett öppet avsakraliserat utrymme. L. B. Alberti skrev att den viktigaste utsmyckningen av städer gavs av position, riktning, korrespondens, placering av gator och torg.

Dessa idéer stöddes av den verkliga praktiken av kampen för att befria stadsrum från kontrollen av enskilda familjeklaner, som ägde rum i Florens under XIV och XV-talen. F. Brunelleschi designar under denna tidsperiod tre nya torg i staden. Gravstenar för olika ädla personer tas bort från torgen, marknader byggs om därefter. Idén om öppet utrymme förkroppsligas av L. B. Alberti i förhållande till väggarna. Han rekommenderar att man använder pelargångar så ofta som möjligt för att betona väggarnas konventionella som ett hinder. Därför uppfattas bågen vid Alberti som motsatsen till de låsta stadsportarna. Bågen är alltid öppen, som om den fungerar som en ram för öppningsvyer och på så sätt binder samman stadsrummet.

Renässansurbanisering innebär inte stadsrummets närhet och isolering, utan tvärtom dess distribution utanför staden. Det aggressiva offensiva patoset hos "naturens erövrare" demonstreras av Francesco di Giorgio Martinis projekt. Yu. M. Lotman skrev om denna rumsliga impuls, karakteristisk för hans avhandlingar. Martinifästningar har i de flesta fall formen av en stjärna, som blottas åt alla håll av väggarnas hörn med bastioner som är kraftigt utskjutna. Denna arkitektoniska lösning berodde till stor del på uppfinningen av kanonkulan. Kanonerna, som var monterade på bastioner långt fram i rymden, gjorde det möjligt att aktivt motverka fienderna, träffa dem på stort avstånd och hindra dem från att nå huvudväggarna.

Leonardo Bruni, i sina lovordande verk om Florens, presenterar oss snarare än en riktig stad, utan en förkroppsligad sociokulturell doktrin, för han försöker "korrigera" den urbana layouten och beskriva byggnadernas placering på ett nytt sätt. Som ett resultat av detta visar sig Palazzo Signoria vara i centrum av staden, varifrån, som en symbol för urban makt, ringar av murar, befästningar etc., bredare än i verkligheten, divergerar. I denna beskrivning avgår Bruni från den slutna modellen av en medeltida stad och försöker förkroppsliga ny idé idén om urban expansion, som är en slags symbol för en ny era. Florens intar närliggande landområden och lägger under sig stora territorier.

Således den idealiska staden i XV-talet. skapas inte i en vertikal sakraliserad projektion, utan i ett horisontellt sociokulturellt rum, som inte förstås som en frälsningssfär, utan som en bekväm livsmiljö. Det är därför den ideala staden avbildas av konstnärer från 1400-talet. inte som något avlägset mål, utan inifrån, som en vacker och harmonisk sfär av mänskligt liv.

Det är dock nödvändigt att notera vissa motsägelser som ursprungligen fanns i bilden av renässansstaden. Trots det faktum att under denna period uppträdde magnifika och bekväma bostäder av en ny typ, skapade i första hand "för folkets skull", börjar själva staden redan uppfattas som en stenbur, vilket inte tillåter utvecklingen av en fri kreativ mänsklig personlighet. Det urbana landskapet kan uppfattas som något som strider mot naturen, och det är som bekant naturen (både mänsklig och icke-mänsklig) som är föremål för estetisk beundran för dåtidens konstnärer, poeter och tänkare.

Början av urbaniseringen av det sociokulturella rummet, även i dess primära, rudimentära och entusiastiskt uppfattade former, väckte redan en känsla av ontologisk ensamhet, övergivenhet i den nya, "horisontella" världen. I framtiden kommer denna dualitet att utvecklas, förvandlas till en akut motsägelse av den moderna tidens kulturella medvetande och leda till framväxten av utopiska anti-urbana scenarier.

Vi har den största informationsbasen i RuNet, så du kan alltid hitta liknande frågor

Detta ämne tillhör:

Kulturologi

Teori om kultur. Kulturologi i systemet för socio-humanitär kunskap. Vår tids grundläggande kulturteorier och skolor. Kulturens dynamik. kulturhistoria. Forntida civilisation - vaggan europeisk kultur. kultur Europeisk medeltid. Faktiska problem modern kultur. Kulturens nationella ansikten i en globaliserad värld. Språk och kulturkoder.

Detta material innehåller avsnitt:

Kultur som villkor för samhällets existens och utveckling

Kulturologi som självständigt kunskapsområde

Begrepp om kulturstudier, dess objekt, ämne, uppgifter

Kulturkunskapens struktur

Metoder för kulturforskning

Enheten av historiska och logiska i förståelsen av kultur

Gamla idéer om kultur

Att förstå kultur under medeltiden

Förståelse av kultur i den europeiska filosofin i modern tid

Allmänna egenskaper hos kulturstudier under XX-talet.

O. Spenglers kulturella koncept

Integrationsteori om kultur P. Sorokin

Psykoanalytiska kulturbegrepp

Grundläggande tillvägagångssätt för analys av kulturens väsen

Kulturens morfologi

Kulturens normer och värderingar

Kulturens funktioner

Renässanskonst i Italien (XIII-XVI århundraden).

MATERIAL I RESURSEN http://artclassic.edu.ru VI ANVÄNDE I SAMMANSTÄLLNING AV SIDA

Funktioner av renässansens konst i Italien.

Renässansens konst uppstod på basis av humanism (från latinets humanus - "människa") - en trend av socialt tänkande som har sitt ursprung på 1300-talet. i Italien, och sedan under andra hälften av 1400- och 1500-talen. sprids till andra europeiska länder. Humanismen förkunnade människans högsta värde och hennes bästa. Anhängarna av denna trend trodde att varje person har rätt att fritt utvecklas som person och förverkliga sina förmågor. Humanismens idéer var mest fullständigt och levande förkroppsligade i konsten, vars huvudtema var en vacker, harmoniskt utvecklad person med obegränsade andliga och kreativa möjligheter. Humanisterna inspirerades av antiken, som fungerade för dem som en källa till kunskap och en modell för konstnärlig kreativitet. Italiens stora förflutna, som ständigt påminde om sig själv, uppfattades på den tiden som den högsta perfektion, medan medeltidens konst verkade oduglig och barbarisk. Termen "väckelse", som uppstod på 1500-talet, innebar födelsen av en ny konst som återupplivade klassisk antik kultur. Men renässansens konst har mycket att tacka för medeltidens konstnärliga tradition. Det gamla och det nya var oupplösligt förenade och konfronterade. Med all den motsägelsefulla mångfalden av dess ursprung präglas renässanskonsten av en djup och grundläggande nyhet. Det lade grunden till den europeiska kulturen i modern tid. Alla större konstformer - måleri och grafik, skulptur, arkitektur - har förändrats enormt.
Inom arkitekturen, de kreativt omarbetade principerna från antiken beställningssystem , nya typer av offentliga byggnader uppstod. Måleri berikades av linjära och flygperspektiv kunskap om människokroppens anatomi och proportioner. Jordiskt innehåll penetrerade konstverkens traditionella religiösa teman. Ökat intresse för antik mytologi, historia, vardagsscener, landskap, porträtt. Tillsammans med de monumentala väggmålningarna som prydde arkitektoniska strukturer, en bild dök upp; oljemålning uppstod.
Konst har ännu inte upphört att vara ett hantverk, men konstnärens kreativa individualitet, vars aktiviteter vid den tiden var mycket olika, hade redan tagit första platsen. Den universella talangen hos renässansmästarna är fantastisk - de arbetade ofta samtidigt inom arkitektur, skulptur och målning, kombinerade sin passion för litteratur, poesi och filosofi med studiet av de exakta vetenskaperna. Konceptet med en kreativt rik, eller "renässans" personlighet blev senare ett känt ord.
I renässansens konst var vägarna för vetenskaplig och konstnärlig förståelse av världen och människan nära sammanflätade. Dess kognitiva innebörd var oupplösligt förenad med sublim poetisk skönhet, i sin strävan efter naturlighet gick den inte ner i det småaktiga vardagslivet. Konst har blivit ett universellt andligt behov.
Bildandet av renässanskulturen i Italien skedde i ekonomiskt oberoende städer. I uppkomsten och blomstringen av renässansens konst, kyrkan och de okrönta suveränernas magnifika domstolar - spelade de härskande förmögna familjerna, som var de största beskyddarna och kunderna av verk av målning, skulptur och arkitektur, en viktig roll. De viktigaste centra för renässanskulturen var först städerna Florens, Siena, Pisa, sedan Padua, Ferrara, Genua, Milano och senare, under andra hälften av 1400-talet, den rika handelsmannen Venedig. På XVI-talet. huvudstad Italiensk renässans blev Rom. Sedan dess har alla andra kulturcentra, utom Venedig, förlorat sin tidigare betydelse.
Under den italienska renässansen är det vanligt att särskilja flera perioder:

Proto-renässans (andra hälften av XIII-XIV-talen),

Tidig renässans (XV-talet),

Högrenässans (slutet av 1400-talet - första tredjedelen av 1500-talet)

Sen renässans (sista två tredjedelar av 1500-talet).

Proto-renässans

I den italienska kulturen under XIII-XIV-talen. Mot bakgrund av fortfarande starka bysantinska och gotiska traditioner började drag av en ny konst dyka upp, som senare skulle kallas renässansens konst. Därför kallades denna period av dess historia Proto-renässans(från grekiskan "protos" - "först", d.v.s. förberedde början av renässansen). Det fanns ingen liknande övergångsperiod i något av de europeiska länderna. I själva Italien uppstod och utvecklades proto-renässanskonst endast i Toscana och Rom.
I den italienska kulturen var egenskaperna hos det gamla och det nya sammanflätade. Medeltidens sista poet och den nya erans första poet, Dante Alighieri (1265-1321), skapade det italienska litterära språket. Det Dante startade fortsatte med andra stora florentinare på 1300-talet - Francesco Petrarch (1304-1374), grundaren av europeisk lyrisk poesi, och Giovanni Boccaccio (1313-1375), grundaren av romangenren (novell) i världen litteratur. Erans stolthet är arkitekterna och skulptörerna Niccolo och Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio och målaren Giotto di Bondone .
Arkitektur
Italiensk arkitektur följde under lång tid medeltida traditioner, vilket främst tog sig uttryck i användningen av ett stort antal gotiska motiv. Samtidigt var den italienska gotiken i sig mycket annorlunda än den gotiska arkitekturen i norra Europa: den drogs mot lugnet stora former, jämna ljusa, horisontella indelningar, breda väggytor. År 1296 började bygget i Florens Santa Maria del Fiore-katedralen. Arnolfo di Cambio ville kröna katedralens altare med en enorm kupol. Men efter arkitektens död 1310 blev bygget försenat, det blev klart redan under perioden Tidig renässans. År 1334, enligt Giottos design, påbörjades byggandet av katedralens klocktorn, den så kallade campanile - ett smalt rektangulärt torn med horisontella indelningar efter golv och eleganta gotiska fönster, vars lansettbågform var bevarad i italiensk arkitektur under lång tid.
Bland de mest kända stadspalatsen är Palazzo Vecchio (Palazzo della Signoria) i Florens. Man tror att den byggdes av Arnolfo di Cambio. Det är en tung kub med ett högt torn, kantad med hård stenrustikation. Fasaden i tre våningar är dekorerad med parade fönster inskrivna i halvcirkelformade bågar, vilket ger hela byggnaden ett intryck av återhållsam åtstramning. Byggnaden definierar utseendet på den gamla stadskärnan och invaderar torget med en hård bulk.
Skulptur
Tidigare än inom arkitektur och måleri skisserades konstnärliga sökningar i skulptur, och framför allt i den pisanska skolan, vars grundare var Niccolò Pisano (cirka 1220 - mellan 1278 och 1284). Niccolo Pisano föddes i Apulien, i södra Italien. Man tror att han studerade skulptur i de södra skolorna, där andan av återupplivandet av antikens klassiska traditioner blomstrade. Utan tvekan studerade Niccolo den skulpturala utsmyckningen av senromerska och tidiga kristna sarkofager. Dagens tidigaste kända verk skulptör - sexkantig marmor predikstol, gjord av honom för dopkapellet i Pisa (1260), - blev ett enastående verk av renässansskulptur och hade en enorm inverkan på dess vidare utveckling. Skulptörens huvudsakliga prestation är att han lyckades ge volym och uttrycksfullhet till formerna, och varje bild har kroppslig kraft.
Från verkstaden hos Niccolò Pisano kom de anmärkningsvärda skulpturmästarna från proto-renässansen - hans son Giovanni Pisano och Arnolfo di Cambio, även känd som arkitekt. Arnolfo di Cambio (cirka 1245 - efter 1310) drogs mot monumental skulptur, där han använde sina livsobservationer. Ett av de bästa verk han gjorde tillsammans med sin far och son Pisano - Fontän på Piazza Perugia(1278). Fonte Maggiore, dekorerad med många statyer och reliefer, har blivit stadens stolthet. Det var förbjudet att dricka djur av den, att ta vatten i vintunnor eller i otvättad disk. Stadsmuseet har bevarat fragment av liggande figurer gjorda av Arnolfo di Cambio för fontänen. I dessa figurer lyckades skulptören förmedla all rikedomen i människokroppens rörelser.
Målning
I den italienska renässansens konst intog väggmålning en dominerande plats. Den gjordes i freskteknik. Med färger beredda på vatten skrev de antingen på våt gips (egentligen en fresk) eller på torr - denna teknik kallas "a secco" (översatt från italienska - "torr"). Det huvudsakliga bindemedlet för gips är kalk. Därför att kalk tar lite tid att torka, freskmålning måste göras snabbt, ofta i delar, mellan vilka det fanns förbindande sömmar. Från andra hälften av XV-talet. fresktekniken började kompletteras med att måla en secco; den senare möjliggjorde långsammare arbete och tillät efterbehandling av delar. Arbetet med väggmålningarna föregicks av produktionen av sinopia - hjälpritningar applicerade under fresken på det första lagret av gips. Dessa ritningar gjordes med röd ockra, som bröts från lera nära staden Sinop, belägen vid Svarta havets kust. Enligt stadens namn kallades färgen Sinop, eller sinopia, senare började själva ritningarna kallas på samma sätt. Sinopia användes i italiensk måleri från 1200-talet till mitten av 1400-talet. Men inte alla målare tog hjälp av sinopia - till exempel, Giotto di Bondone, den mest framstående representanten för eran av proto-renässansen, klarade sig utan dem. Gradvis övergavs synopien. Från mitten av XV-talet. Kartonger användes i stor utsträckning i målning - förberedande ritningar gjorda på papper eller på tyg i storleken på framtida verk. Ritningens konturer överfördes till våt gips med hjälp av koldamm. Den blåstes genom hålen som borrades i konturen och pressades in i gipsen med något vasst verktyg. Ibland förvandlades synopia från en skiss till en färdig monumental ritning, och kartonger fick värdet av självständiga målningsverk.

Grundaren av den nya italienska målarstilen är Cimabue (egentligen Cenny di Pepo, ca 1240 - ca 1302). Cimabue var känd i Florens som en mästare av högtidliga altarmålningar och ikoner. Hans bilder präglas av abstraktion och statisk karaktär. Och även om Cimabue följde bysantinska traditioner i sitt arbete, försökte han i sina verk uttrycka jordiska känslor, mjuka upp den bysantinska kanonens stelhet.
Piero Cavallini (mellan 1240 och 1250 – omkring 1330) bodde och verkade i Rom. Han är författare till mosaikerna i kyrkan Santa Maria in Trastevere (1291), samt fresker av kyrkan Santa Cecilia in Trastevere (cirka 1293). Cavallini gav i sina verk formerna volym och påtaglighet.
Prestationer Cavallini antog och fortsatte Giotto di Bondone(1266 eller 1267 - 1337), proto-renässansens största konstnär. Namnet Giotto är förknippat med en vändning i utvecklingen av italiensk måleri, dess brytning med medeltida konstnärliga kanoner och traditionerna för italiensk-bysantinsk konst på 1200-talet. Mest kända verk Giotto - fresker i Arenakapellet i Padua (1304-06). Freskerna utmärker sig genom sin klarhet, okomplicerade berättelse, närvaron av vardagliga detaljer som ger vitalitet och naturlighet åt de avbildade scenerna. Giotto förkastar den kyrkokanon som dominerade dåtidens konst och skildrar sina karaktärer som liknar riktiga människor: med proportionella, hukiga kroppar, runda (snarare än långsträckta) ansikten, rätt skärning av ögonen, etc. Hans helgon svävar inte över marken, utan står stadigt på den med båda fötterna. De tänker mer på det jordiska än på det himmelska och upplever helt mänskliga känslor och känslor. För första gången i den italienska målningens historia förmedlas sinnestillståndet hos hjältarna i en målning genom ansiktsuttryck, gester, hållning. Istället för den traditionella gyllene bakgrunden avbildar Giottos fresker landskap, interiörer eller skulpturella grupper på basilikans fasader.
Under andra hälften av XIV-talet. den pittoreska skolan i Siena kommer i förgrunden. Den största och mest raffinerade mästaren i Sienesisk målning på XIV-talet. var Simone Martini (ca 1284-1344). Borsten av Simone Martini äger den första bilden i konsthistorien av en betong historisk händelse med ett porträtt av en samtida. Denna bilden " Condottiere Guidoriccio da Fogliano"i rummet Mappamondo (World Maps) i Palazzo Publico (Siena), som var prototypen för många framtida ryttarporträtt. Altartavlan The Annunciation av Simone Martini, som nu förvaras i Uffizierna i Florens, åtnjuter välförtjänt berömmelse.

Funktioner av renässansen. Proto-renässans

Funktioner av renässansen

Tidig renässans

På XV-talet. Italiens konst intog en dominerande ställning i Europas konstnärliga liv. Grunden till en humanistisk sekulär (d.v.s. inte kyrklig) kultur lades i Florens, vilket drev Siena och Pisa i bakgrunden. Den politiska makten här tillhörde köpmän och hantverkare, det starkaste inflytandet på stadens angelägenheter utövades av flera förmögna familjer, som ständigt konkurrerade med varandra. Denna kamp slutade i slutet av 1300-talet. Medicis bankhus seger. Dess huvud, Cosimo de' Medici, blev den outtalade härskaren över Florens. Författare, poeter, vetenskapsmän, arkitekter, konstnärer strömmade till Cosimo Medicis hov. Renässanskulturen i Florens nådde sin höjdpunkt under Lorenzo de' Medici, med smeknamnet den magnifika. Lorenzo var en stor beskyddare av konst och vetenskap, skaparen av den platonska akademin, där de framstående sinnena i Italien, poeter och filosofer samlades, där raffinerade debatter hölls som lyfte andan och sinnet.

Arkitektur

Under Cosimo och Lorenzo Medici ägde en verklig revolution rum i Florens arkitektur: omfattande konstruktioner lanserades här, vilket avsevärt förändrade stadens ansikte. Förfadern till renässansarkitekturen i Italien var Filippo Brunelleschi(1377-1446) - arkitekt, skulptör och vetenskapsman, en av skaparna av den vetenskapliga teorin om perspektiv. Brunelleschis största ingenjörsprestation var konstruktionen av kupolen. Santa Maria del Fiore-katedralen i Florens. Tack vare sitt matematiska och tekniska geni lyckades Brunelleschi lösa sin tids svåraste problem. Den största svårigheten som befälhavaren mötte orsakades av den gigantiska spännvidden på mittkorset (42 m), vilket krävde särskilda ansträngningar för att underlätta spridningen. Brunelleschi löste problemet genom att tillämpa en genialisk design: en lätt ihålig kupol bestående av två skal, ett ramsystem av åtta bärande ribbor förbundna med ringar som omger dem, en ljus lykta som stängde och belastade bågen. Kupolen på katedralen Santa Maria del Fiore blev föregångaren till många kupolförsedda kyrkor i Italien och andra europeiska länder.

Brunelleschi var en av de första i Italiens arkitektur som kreativt förstod och ursprungligen tolkade det gamla ordningssystemet ( Ospedale degli Innocenti (Sky för hittebarn), 1421-44), markerade början på skapandet av kupolförsedda kyrkor baserade på den antika ordningen ( San Lorenzos kyrka ). En sann pärla från den tidiga renässansen skapades av Brunelleschi på uppdrag av en rik florentinsk familj Pazzi kapell(börjad 1429). Humanismen och poesin i Brunelleschis verk, den harmoniska proportionen, lättheten och elegansen i hans byggnader, att hålla kontakten med gotikens traditioner, den kreativa friheten och vetenskapliga giltigheten av hans idéer bestämde Brunelleschis stora inflytande på den efterföljande utvecklingen av renässansens arkitektur.

En av de viktigaste resultaten av italiensk arkitektur på XV-talet. var skapandet av en ny typ av stadspalats, palatset, som fungerade som förebild för senare tiders offentliga byggnader. Funktioner från 1400-talets palats är en tydlig uppdelning av byggnadens slutna volym i tre våningar, en öppen innergård med sommargolvsarkader, användning av rost (sten med en grovt fasad eller konvex frontyta) för fasadbeklädnad, samt en kraftigt utdragen dekorativ taklist . Ett slående exempel på denna stil är huvudbyggnaden av Brunelleschis student Michelozzo di Bartolommeo (1396-1472), hovarkitekten för familjen Medici, - Palazzo Medici - Riccardi (1444-60), som fungerade som en modell för byggandet av många florentinska palats. Skapandet av Michelozzo är nära Palazzo Strozzi(grundad 1481), vilket förknippas med namnet på arkitekten och skulptören Benedetto da Maiano (1442-97).

En speciell plats i den italienska arkitekturens historia upptas av Leon Battista Alberti(1404-72). En mycket begåvad och brett utbildad man, han var en av de mest lysande humanisterna på sin tid. Omfånget av hans intressen var ovanligt varierande. Den omfattade moral och juridik, matematik, mekanik, ekonomi, filosofi, poesi, musik, måleri, skulptur, arkitektur. Alberti, en lysande stylist, lämnade många verk på latin och italienska. I Italien och utomlands gjorde Alberti berömmelse som en framstående konstteoretiker. De berömda avhandlingarna "Tio böcker om arkitektur" (1449-52), "Om målning", "Om statyn" (1435-36) hör till hans penna. Men arkitekturen var Albertis främsta yrke. I arkitektoniskt arbete drog Alberti till modiga, experimentella lösningar, innovativt med hjälp av det gamla konstnärliga arvet. Alberti skapade en ny typ av stadspalats ( Palazzo Rucellai ). Inom religiös arkitektur, i strävan efter storhet och enkelhet, använde Alberti motiv av romerska triumfbågar och arkader i utformningen av fasader ( Kyrkan Sant'Andrea i Mantua 1472-94). Namnet Alberti anses med rätta vara en av de första bland de stora skaparna av den italienska renässansens kultur.

Skulptur

På XV-talet. Italiensk skulptur, som har fått en självständig betydelse oberoende av arkitektur, blomstrar. Beställningar för utsmyckning av offentliga byggnader börjar komma in i det konstnärliga livets praktik; konsttävlingar hålls. En av dessa tävlingar - för tillverkning av brons av de andra norra dörrarna till det florentinska dopkapellet (1401) - anses vara en betydande händelse som öppnade ny sida i den italienska renässansskulpturens historia. Segern vanns av Lorenzo Ghiberti (1381-1455).

En av sin tids mest utbildade personer, den första historikern Italiensk konst, en lysande ritare, Ghiberti ägnade sitt liv åt en typ av skulptur - relief. Huvudprincipen för hans konst Ghiberti ansåg balansen och harmonin mellan alla delar av bilden. Toppen av Ghibertis arbete var östra dörrarna till dopkapellet i Florens (1425-52), som förevigade mästarens namn. Dörrarnas dekoration inkluderar tio fyrkantiga kompositioner gjorda av förgylld brons (" Skapelsen av Adam och Eva”), med sin ovanliga uttrycksfullhet som påminner om pittoreska målningar. Konstnären lyckades förmedla rymdens djup, mättad med bilder av naturen, figurer av människor, arkitektoniska strukturer. Med Michelangelos lätta hand började de östra dörrarna till det florentinska dopkapellet kallas "Paradises portar".

Ghiberti-verkstaden blev en skola för en hel generation konstnärer, i synnerhet den berömda Donatello, den stora reformatorn av italiensk skulptur, arbetade där. Donatellos verk (ca 1386-1466), som absorberade de demokratiska traditionerna för kulturen i Florens på 1300-talet, är en av topparna i utvecklingen av konsten från den tidiga renässansen. Den förkroppsligade sökandet efter nya, realistiska sätt att skildra verkligheten, karakteristiska för renässanskonsten, extra uppmärksamhet till människan och hennes andliga värld. Inflytandet från Donatellos arbete på utvecklingen av italiensk renässanskonst var enormt.

Den andra generationen av florentinska skulptörer drogs mot mer lyrisk, fridfull, sekulär konst. Den ledande rollen i den tillhörde familjen skulptörer della Robbia. Familjens överhuvud, Lucca della Robbia (1399/1400 - 1482), blev känd för sitt användande av glasyrtekniken i rund skulptur och relief. Tekniken med glasyr (majolica), känd från antiken för folken i Mindre Asien, fördes till den iberiska halvön och ön Mallorca (därav dess namn) under medeltiden och spreds sedan brett i Italien. Lucca della Robbia skapade medaljonger med reliefer på en djupblå bakgrund för byggnader och altare, girlander av blommor och frukter, majolikabyster av Madonnan, Kristus och helgon. Denna mästares glada, eleganta, vänliga konst fick ett välförtjänt erkännande av sina samtida. Stor perfektion i majolikatekniken uppnåddes också av hans brorson Andrea della Robbia (1435-1525) ( reliefer på fasaden av Ospedale degli Innocenti).

Målning

Den enorma roll som Brunelleschi spelade i arkitekturen under den tidiga renässansen, och Donatello i skulpturen, tillhörde Masaccio (1401-1428) i måleriet. Masaccio dog ung, innan han nådde 27 års ålder, och ändå hann han göra mycket inom måleriet. Den berömda konsthistorikern Vipper sa: "Masaccio är ett av de mest självständiga och konsekventa genierna i den europeiska måleriets historia, grundaren av en ny realism ..." Masaccio fortsätter sökandet efter Giotto och bryter modigt med medeltida konstnärliga traditioner. I fresk "Trinity"(1426-27), skapad för kyrkan Santa Maria Novella i Florens, för första gången i en väggmålning målning av Masaccio tillämpar fullt perspektiv. I väggmålningarna av Brancacci-kapellet i kyrkan Santa Maria del Carmine i Florens (1425-28) - huvudskapandet av hans korta liv - ger Masaccio bilderna en aldrig tidigare skådad vitalitet, betonar fysiskheten och monumentaliteten hos hans karaktärer, förmedlar mästerligt det känslomässiga tillståndet i bildernas psykologiska djup. I Fresk "Expulsion from Paradise" konstnären löser sin tids svåraste uppgift att avbilda en naken människofigur. Masaccios hårda och modiga konst hade en enorm inverkan på renässansens konstnärliga kultur.

Utvecklingen av målningen från den tidiga renässansen var tvetydig: konstnärerna gick sina egna, ibland på olika sätt. Den sekulära början, önskan om en fascinerande berättelse, den lyriska jordiska känslan fick ett levande uttryck i verk av Fra Filippo Lippi (1406-69), en munk av karmelitorden. Charmig mästare, författare till många altarkompositioner, bland vilka målningen anses vara den bästa « Tillbedjan av barnet » skapat för kapellet i Palazzo Medici - Riccardi, lyckades Filippo Lippi förmedla mänsklig värme och poetisk kärlek till naturen i dem.

I mitten av XV-talet. målningen av centrala Italien upplevde en snabb blomning, ett utmärkt exempel som kreativitet kan tjäna Piero della Francesca(1420-92), renässansens största konstnär och konstteoretiker. Den mest anmärkningsvärda skapelsen av Piero della Francesca - cykel av fresker i kyrkan San Francesco i Arezzo, som är baserade på legenden om det livgivande korset. Freskerna, arrangerade i tre nivåer, spårar historien om det livgivande korset från allra första början, när ett heligt träd växer från fröet från paradisträdet av kunskap om gott och ont på Adams grav. ("Adams död") till slutet, när den bysantinske kejsaren Heraclius högtidligt återlämnar den kristna reliken till Jerusalem (« Strid mellan Heraclius och Chosroes » ). Piero della Francescas arbete gick utöver lokala målarskolor och bestämde utvecklingen av italiensk konst i allmänhet.

Under andra hälften av 1400-talet arbetade många begåvade hantverkare i norra Italien i städerna Verona, Ferrara och Venedig. Bland målarna från denna tid är den mest kända Andrea Mantegna (1431-1506) - en mästare i staffli och monumentalmålning, tecknare och gravör, skulptör och arkitekt. Konstnärens bildmässiga sätt kännetecknas av jakten på former och teckningar, rigoriteten och sanningshalten hos generaliserade bilder. Tack vare figurernas rumsliga djup och skulpturala karaktär får Mantegna intrycket av en verklig scen som fryses för ett ögonblick - hans karaktärer ser så voluminösa och naturliga ut. Större delen av sitt liv bodde Mantegna i Mantua, där han skapade sitt mest kända verk - väggmålning "Chamber degli Sposi" i markisen L. Gonzagas lantslott. Enbart med hjälp av målning skapade han här en lyxig renässansinteriör, en plats för ceremoniella mottagningar och helgdagar. Mantegnas konst, som åtnjöt stor berömmelse, påverkade hela det norditalienska måleriet.

En speciell plats i målningen av den tidiga renässansen tillhör Sandro Botticelli(egentligen Alessandro di Mariano Filipepi), som föddes 1445 i Florens i familjen till en förmögen lädergarvare. År 1459-64. den unge mannen studerar målning med den berömde florentinske mästaren Filippo Lippi. 1470 öppnade han sin egen verkstad i Florens, och 1472 blev han medlem i St. Lukas-gillet.

Botticellis första skapelse var kompositionen "Strength", som han framförde för handelsdomstolen i Florens. Den unga konstnären fick snabbt kundernas förtroende och fick berömmelse, vilket lockade uppmärksamheten från Lorenzo den magnifika, den nya härskaren i Florens, blev hans hovmästare och favorit. Botticelli utförde de flesta av sina målningar för hertigens och andra adliga florentinska familjers hus, såväl som för kyrkor, kloster och offentliga byggnader i Florens.

Andra hälften av 1470- och 1480-talen blev för Botticelli en period av kreativ blomning. För huvudfasaden av kyrkan Santa Maria Novella skriver han kompositionen " Tillbedjan av Magi"- ett slags mytologiserat gruppporträtt familjen Medici. Några år senare skapar konstnären sin berömda mytologiska allegori "Våren".

År 1481 beordrade påven Sixtus IV en grupp målare, bland vilka var Botticelli, att dekorera hans kapell med fresker, som senare fick namnet "Sixtinska". Fresker i Sixtinska kapellet av Botticelli Kristi frestelse », « Scener ur Moses liv », « Bestraffning av Korea, Dathan och Aviron". Under de närmaste åren färdigställde Botticelli en serie av 4 fresker baserade på noveller från Boccaccios Decameron, skapade hans mest kända mytologiska verk ("The Birth of Venus", " Pallas och Kentaur”), samt flera altarkompositioner för florentinska kyrkor (“ Jungfru Marias kröning », « San Barnabas altare"). Många gånger vände han sig till bilden av Madonnan (" Madonna del Magnificat », « Madonna med granatäpple », « Madonna med en bok”), arbetade också i porträttgenren (“ Porträtt av Giuliano Medici”, ”Porträtt av en ung kvinna”, ”Porträtt av en ung man”).

På 1490-talet, under perioden av sociala rörelser som skakade Florens och munken Savonarolas mystiska predikningar, uppträdde moraliserande anteckningar och dramatik i Botticellis konst ("Förtal", " Klagoång för Kristus », « mystisk jul"). Under inflytande av Savonarola, i ett anfall av religiös upphöjelse, förstörde konstnären till och med några av sina verk. I mitten av 1490-talet, med Lorenzo den magnifikas död och utvisningen av hans son Pietro från Florens, förlorade Botticelli sin berömmelse som en stor konstnär. Bortglömd lever han tyst ut sitt liv i brodern Simons hus. År 1510 dog konstnären.

Botticellis utsökta konst med inslag av stilisering (dvs generalisering av bilder med konventionella tekniker - förenkling av färg, form och volym) anses vara en av höjdpunkterna i utvecklingen av målning. Botticellis konst, till skillnad från de flesta av de tidiga renässansmästarna, var baserad på personlig erfarenhet. Exceptionellt känslig och uppriktig gick Botticelli igenom en svår och tragisk väg av kreativt sökande - från den poetiska uppfattningen av världen i sin ungdom till mystik och religiös upphöjelse i vuxen ålder.

TIDIG VÄCKELSE

Högrenässans

Högrenässansen, som gav mänskligheten så stora mästare som Leonardo Da Vinci, Raphael, Michelangelo, Giorgione, Titian, Bramante, täcker en relativt kort tidsperiod - slutet av 1400-talet och den första tredjedelen av 1500-talet. Endast i Venedig fortsatte konstens blomstring fram till mitten av seklet.

Grundläggande förändringar förknippade med de avgörande händelserna i världshistorien, framgångarna för avancerade vetenskapliga tankar, utökade oändligt människors idéer om världen - inte bara om jorden utan också om rymden. Uppfattningen om världen och den mänskliga personligheten verkade vara förstorad; i konstnärlig kreativitet återspeglades detta inte bara i den majestätiska omfattningen av arkitektoniska strukturer, monument, högtidliga freskcykler och målningar, utan också i deras innehåll, uttrycksfullhet i bilder. Högrenässansens konst är en livlig och komplex konstnärlig process med bländande ljusa uppgångar och efterföljande kriser.

Donato Bramante.

Rom blev centrum för högrenässansarkitekturen, där en enda klassisk stil bildades på grundval av tidigare upptäckter och framgångar. Mästare använde kreativt det antika ordningssystemet och skapade strukturer, vars majestätiska monumentalitet var i samklang med eran. Donato Bramante (1444-1514) blev den största representanten för högrenässansarkitekturen. Bramantes byggnader kännetecknas av monumentalitet och storhet, harmonisk perfektion av proportioner, integritet och klarhet i kompositionella och rumsliga lösningar och fri, kreativ användning av klassiska former. det högsta kreativ prestation Bramante är en rekonstruktion av Vatikanen (arkitekten skapade faktiskt en ny byggnad, organiskt inklusive utspridda gamla byggnader i den). Bramante skrev också utformningen av Peterskyrkan i Rom. Med sitt arbete bestämde Bramante arkitekturens utveckling på 1500-talet.

Leonardo Da Vinci.

I mänsklighetens historia är det inte lätt att hitta en annan på samma sätt lysande personlighet, som grundaren av högrenässansens konst Leonardo Da Vinci(1452-1519). Den omfattande karaktären av aktiviteterna för denna store konstnär, skulptör, arkitekt, vetenskapsman och ingenjör blev tydlig först när spridda manuskript från hans arv undersöktes, som numrerade över sju tusen ark med vetenskapliga och arkitektoniska projekt, uppfinningar och skisser. Det är svårt att nämna det kunskapsområde som hans geni inte skulle ha berört. Leonardos universalism är så obegriplig att den berömda biografen över renässansfigurerna, Giorgio Vasari, inte kunde förklara detta fenomen på annat sätt än genom himlens ingripande: "Vad denne man än vänder sig till, varje handling bär gudomlighetens stämpel."

I sin berömda "Treatise on Painting" (1498) och andra anteckningar ägnade Leonardo stor uppmärksamhet åt studiet av människokroppen, information om anatomi, proportioner, förhållandet mellan rörelser, ansiktsuttryck och en persons känslomässiga tillstånd. Leonardo var också upptagen med problemen med chiaroscuro, volymetrisk modellering, linjärt och flygperspektiv. Leonardo hyllade inte bara konstteorin. Han skapade ett antal magnifika altartavlor och porträtt. Leonardos pensel tillhör ett av världens mest kända verk - "Mona Lisa" ("La Gioconda"). Leonardo skapade monumentala skulpturala bilder, designade och byggde arkitektoniska strukturer. Leonardo är fortfarande en av renässansens mest karismatiska personligheter än i dag. Ett stort antal böcker ägnas åt honom, hans liv studeras på det mest detaljerade sättet. Och ändå förblir mycket i hans arbete ett mysterium och fortsätter att väcka människors sinnen.

Rafael Santi.

Raphael Santis (1483-1520) konst hör också till den italienska renässansens höjder. Idén om sublim skönhet och harmoni är förknippad med Rafaels arbete i världskonstens historia. Det är allmänt accepterat att i konstellationen av lysande mästare från högrenässansen var det Raphael som var den främsta bäraren av harmoni. Den obevekliga strävan efter en ljus, perfekt början genomsyrar alla Rafaels verk, utgör hans inre mening. Hans verk är utomordentligt attraktivt i sin naturliga elegans (" Sixtinska Madonna"). Kanske var det därför som mästaren fick en sådan extraordinär popularitet hos allmänheten och hade många anhängare bland artister hela tiden. Raphael var inte bara en fantastisk målare, porträttmålare, utan också en muralist som arbetade i fresktekniken, en arkitekt och en dekoratör. Alla dessa talanger manifesterades med särskild kraft i hans målningar av påven Julius II:s lägenheter i Vatikanen ("Athens skola"). I en briljant konstnärs konst föddes en ny bild av en renässansman - vacker, harmonisk, perfekt fysiskt och andligt.

Michelangelo Buonarotti.

Samtida Leonardo Da Vinci och Rafael var deras eviga rival - Michelangelo Buonarroti , störste mästare Högrenässans - skulptör, målare, arkitekt och poet. Mina kreativt sätt denna renässansens titan började med skulptur. Hans kolossala statyer har blivit en symbol för en ny man - en hjälte och en kämpe ("David"). Mästaren uppförde många arkitektoniska och skulpturala strukturer, varav den mest kända är Medici-kapellet i Florens. Glansen i dessa verk bygger på den kolossala spänningen i karaktärernas känslor ( Sarkofag av Giuliano de' Medici). Men särskilt kända är målningarna av Michelangelo i Vatikanen, i Sixtinska kapellet, där han visade sig vara en lysande målare. Kanske har ingen i konstens värld, varken före eller efter Michelangelo, skapat karaktärer så starka i kropp och själ (“ Adams skapelse"). Den enorma, otroligt komplexa fresken i taket gjordes av konstnären ensam, utan assistenter; Hon är fortfarande oöverträffad än i dag. monumentalt verk Italiensk målning. Men förutom väggmålningarna i taket i Sixtinska kapellet skapade mästaren, redan på sin ålderdom, den starkt inspirerande "Sista domen" - en symbol för kollapsen av idealen från hans stora tid.

Michelangelo arbetade mycket och fruktbart inom arkitekturen, i synnerhet övervakade han byggandet av Peterskyrkan och ensemblen Capitol Square i Rom. Den store Michelangelos verk utgjorde en hel era och var långt före sin tid, det spelade en kolossal roll i världskonsten, i synnerhet påverkade det utformningen av barockens principer.

Giorgione och Titian.

I historien om högrenässansens konst gick Venedig in på en ljus sida, där målningen är på topp. Giorgione anses vara den första mästaren under högrenässansen i Venedig. Hans konst är väldigt speciell. Andan av klar harmoni och någon speciell intim kontemplation och drömmar härskar i den. Han skrev ofta förtjusande skönheter, riktiga gudinnor. Vanligtvis är detta en poetisk fiktion - förkroppsligandet av en pipdröm, beundran för en romantisk känsla och en vacker kvinna. I hans målningar finns en antydan till sensuell passion, söt njutning, ojordisk lycka. Med Giorgiones konst fick det venetianska måleriet en helitaliensk betydelse och hävdade dess konstnärliga drag.

Titian in gick till den italienska konstens historia som en titan och chef för den venetianska skolan, som en symbol för dess storhetstid. I denna konstnärs arbete manifesterades andedräkten från en ny era med speciell kraft - stormig, tragisk, sensuell. Titians verk kännetecknas av en exceptionellt bred och mångsidig täckning av typer och genrer av måleri. Tizian var en av grundarna av den monumentala altarmålningen, landskapet som en självständig genre, olika typer av porträtt, inklusive högtidliga-ceremoniella sådana. I sitt arbete perfekta bilder sida vid sida med ljusa karaktärer, tragiska konflikter - med scener av jublande glädje, religiösa kompositioner - med mytologiska och historiska målningar.

Tizian utvecklade en ny målningsteknik, som hade ett exceptionellt inflytande på den fortsatta, fram till 1900-talet, utvecklingen av världskonsten. Tizian tillhör världsmåleriets största färgare. Hans målningar lyser av guld och ett komplext utbud av vibrerande lysande färgtoner. Tizian, som levde i nästan ett sekel, överlevde renässansens ideals kollaps, mästarens verk tillhör hälften av senrenässansen. Hans hjälte, som går in i kampen mot fientliga styrkor, dör, men behåller sin storhet. Inflytandet från Tizians stora verkstad påverkade all venetiansk konst.

HÖG VÄCKLING

Sen renässans

Under andra hälften av XVI-talet. i Italien växte nedgången i ekonomin och handeln, katolicismen gick in i en kamp med den humanistiska kulturen, konsten var i djup kris. Det stärkte antirenässanstendenser, förkroppsligade i mannerism. Manierism påverkade dock nästan inte Venedig, vilket i andra halvlek XVI-talet blev huvudfokus för den sena renässansens konst. I linje med den höghumanistiska renässanstraditionen, under de nya historiska förhållandena i Venedig, utvecklades arbetet av de stora mästarna under senrenässansen, berikade med nya former - Palladio, Veronese, Tintoretto.

Andrea Palladio

Verket av den norditalienska arkitekten Andrea Palladio (1508-80), baserat på en djup studie av antik och renässansarkitektur, är en av höjdpunkterna i konsten under senrenässansen. Palladio utvecklade arkitekturens principer, som utvecklades i den europeiska klassicismens arkitektur på 1600- och 1700-talen. och fick namnet palladianismen. Arkitekten beskrev sina idéer i det teoretiska verket Four Books on Architecture (1570). Byggnaderna i Palladio (främst urbana palats och villor) är fulla av graciös skönhet och naturlighet, harmonisk fullständighet och strikt ordning, de kännetecknas av klarhet och ändamålsenlighet i planering och en organisk koppling med miljön ( Palazzo Chiericati). Förmågan att harmonisera arkitekturen med det omgivande landskapet manifesterade sig med särskild kraft i Palladio-villorna, genomsyrade av en elegisk och upplyst naturkänsla och präglad av klassisk klarhet och enkelhet i former och komposition ( Villa Capra (Rotonda)). Palladio skapade den första monumentala teaterbyggnaden i Italien, Teatro Olimpico. Palladios inflytande på arkitekturens utveckling under de följande århundradena var enormt.

Veronese och Tintoretto..

Festlig, livsbejakande karaktär Venetiansk renässans tydligast manifesterad i Paolo Veroneses verk. En monumental konstnär skapade han magnifika dekorativa ensembler av vägg- och takmålningar med många karaktärer och underhållande detaljer. Veronese skapade sin egen stil: hans spektakulära, spektakulära målningar är fulla av känslor, passion och liv, och hjältarna, den venetianska adeln, finns vanligtvis i patricierpalats eller mot bakgrund av lyxig natur. De bärs med av storslagna fester eller förtrollande festligheter ("Marriage at Cana"). Veronese var mästaren på det glada Venedig, dess triumfer, poeten över dess gyllene briljans. Veronese hade en exceptionell gåva som kolorist. Hans färger genomsyras av ljus, intensiva och ger inte bara föremål färg, utan de förvandlas själva till ett föremål, förvandlas till moln, tyg, en människokropp. På grund av detta multipliceras den verkliga skönheten hos figurer och föremål med skönheten i färg och textur, vilket ger en stark känslomässig påverkan på betraktaren.

Den totala motsatsen till Veronese var hans samtida Tintoretto (1518-94) - den italienska renässansens sista stora mästare. Överflödet av yttre konstnärliga influenser upplöstes i Tintorettos unika kreativa individualitet. I sitt arbete var han en gigantisk gestalt, skaparen av vulkaniskt temperament, våldsamma passioner och heroisk intensitet. Hans verk var en stor framgång både bland samtida och efterföljande generationer. Tintoretto kännetecknades av en verkligt omänsklig förmåga att arbeta, outtröttligt sökande. Han kände sin tids tragedi skarpare och djupare än de flesta av sina samtida. Mästaren gjorde uppror mot de etablerade traditionerna inom bildkonsten - iakttagandet av symmetri, strikt balans, statisk; utökade rymdens gränser, mättade den med dynamik, dramatisk handling, började uttrycka mänskliga känslor mer levande. 1590 . Manierismens konst avviker från renässansens ideal om den harmoniska uppfattningen av världen. Människan är utlämnad till övernaturliga krafter. Världen verkar instabil, skakig, i ett tillstånd av förfall. Manieristiska bilder är fulla av ångest, rastlöshet, spänningar. Konstnären flyttar sig bort från naturen, strävar efter att överträffa den och följer i sitt verk en subjektiv "inre idé", vars grund inte är den verkliga världen, utan kreativ fantasi; medlet för prestation är det "vackra sättet" som summan av vissa tekniker. Bland dem är figurernas godtyckliga förlängning, den komplexa serpentinrytmen, overkligheten i fantastiskt utrymme och ljus, och ibland kalla genomträngande färger.

Jacopo Pontormo (1494-1556) var manérismens största och mest begåvade mästare, en målare av komplext kreativt öde. I hans berömd målning « Nedstigning från korset» kompositionen är instabil, figurerna är pretentiöst trasiga, de ljusa färgerna är skarpa. Francesco Mazzola, med smeknamnet Parmigianino (1503-40) älskade att imponera på tittaren: till exempel skrev han sin " Självporträtt i en konvex spegel". Avsiktlig medvetenhet utmärker honom berömd målning « Madonna med lång hals ».

Medici-hovmålaren Agnolo Bronzino (1503-72) är känd för sina ceremoniella porträtt. De ekade den era av blodiga illdåd och moraliskt förfall som grep de högsta kretsarna i det italienska samhället. Bronzinos ädla kunder är så att säga åtskilda från betraktaren på ett osynligt avstånd; styvheten i deras poser, obehagligheten i deras ansikten, rikedomen i deras kläder, gesterna av deras vackra framhänder - allt detta är som ett yttre skal som döljer ett inre bristfälligt liv. I porträttet av Eleanor av Toledo med sin son (ca 1545) förstärks den kalla, distanserade bildens otillgänglighet av att betraktarens uppmärksamhet helt absorberas av det platta stora mönstret av hertiginnans magnifika brokadkläder. Den typ av hovporträtt som skapades av manieristerna påverkade porträttkonsten på 1500-1600-talen. i många andra europeiska länder.

Manierismens konst var övergångsmässig: renässansen höll på att försvinna in i det förflutna, tiden var inne för en ny alleuropeisk konstnärlig stil- barock.

Konst från den norra renässansen.

Länder Norra Europa hade inte sitt gamla förflutna, men renässanstiden sticker ut i deras historia: från vändningenXV – XVIför andra halvlekXVIIårhundrade. Denna tid kännetecknas av renässansens ideals penetration i olika kultursfärer och den gradvisa förändringen i dess stil. Liksom i renässansens födelseplats, i konsten från den norra renässansen, förändrade intresset för den verkliga världen formerna för konstnärlig kreativitet. Men konsten i de nordliga länderna präglades inte av det italienska måleriets patos, som glorifierade man-titanens makt. Borgarna (de så kallade förmögna stadsborna) värderade mera integritet, trohet mot plikt och ord, äktenskapslöftets helighet och härden. I borgerliga kretsar utvecklades deras eget ideal om en person - ett tydligt, nyktert, fromt och affärsmässigt. Borgarnas konst poetiserar den vanliga genomsnittsmänniskan och hans värld - vardagslivets och enkla tings värld.

Renässansmästare i Nederländerna.

Nya drag i renässanskonsten dök upp främst i Nederländerna, som var ett av de rikaste och mest industrialiserade länderna i Europa. På grund av deras omfattande internationella relationer Nederländerna accepterade nya upptäckter mycket snabbare än andra nordiska länder.

Renässansstil i Nederländerna öppnade Jan Van Eyck(1390-1441). Hans mest kända verk är Gent altartavla, på vilken konstnären började arbeta med sin bror och fortsatte att arbeta efter hans död på egen hand i ytterligare 6 år. Gentaltaret, skapat för stadens katedral, är ett tvåvåningsveck, på 12 brädor varav bilder av vardagen, vardagen (på de yttre brädorna, som var synliga när folden stängdes) och festlig, jublande, förvandlad liv (på de inre dörrarna, som visades öppna under kyrkliga helgdagar). Detta är ett konstmonument som glorifierar det jordiska livets skönhet. Van Eycks känslomässiga känsla - "världen är som ett paradis", vars varje partikel är vacker - uttrycks klart och tydligt. Konstnären förlitade sig på många observationer från naturen. Alla figurer och föremål har tredimensionell volym och vikt. Bröderna Van Eycke var bland de första som upptäckte möjligheterna oljemålning; från denna tidpunkt börjar den gradvisa förskjutningen av tempera därav.

Under andra halvan av XVårhundradet, fullt av politiska och religiösa stridigheter, i konsten i Nederländerna, sticker en komplex, säregen konst ut Hieronymus Bosch(1450?-1516). Detta är en mycket nyfiken konstnär med en extraordinär fantasi. Han levde i sin egen och hemska värld. I Boschs målningar finns en kondensering av medeltida folkloreframställningar, groteska montage av det levande och det mekaniska, det fruktansvärda och det komiska. I hans kompositioner, som inte hade ett centrum, finns ingen huvudperson. Utrymmet i flera lager är fyllt med många grupper av figurer och föremål: monstruöst överdrivna reptiler, paddor, spindlar, fruktansvärda varelser där delar av olika varelser och föremål kombineras. Syftet med Boschs kompositioner är moralisk uppbyggelse. Bosch finner inte harmoni och perfektion i naturen, hans demoniska bilder påminner om livskraften och allestädes närvarande av världens ondska, om kretsloppet av liv och död.

Mannen i Boschs målningar är patetisk och svag. Så, i triptyken Transport av hö» konstnären avslöjar mänsklighetens historia. Den vänstra flygeln berättar historien om Adam och Evas fall, den högra skildrar Helvetet och alla fasor som väntar syndare här. Den centrala delen av bilden illustrerar det folkliga ordspråket "Världen är en höstack, var och en tar ur den vad han lyckas greppa." Bosch visar hur människor slåss om en fläck hö, dör under hjulen på en vagn, försöker klättra på den. På toppen av vagnen, som avsäger sig världen, sjunger och kysser älskare. På ena sidan av dem finns en ängel och på den andra djävulen: vem vinner? Läskiga varelser drar vagnen till underjorden. Bakom alla människors handlingar ser Gud förvirrad. En ännu dystrare stämning genomsyras av bilden " Att bära korset”: Kristus bär sitt tunga kors, omgiven av vidriga människor med utbuktande ögon och gapande munnar. För deras skull offrar Herren sig själv, men hans död på korset kommer att lämna dem likgiltiga.

Bosch hade redan dött när en annan berömd holländsk konstnär föddes - Pieter Brueghel den äldre(1525-1569), med smeknamnet Muzhitsky för många målningar som skildrar böndernas liv. Brueghel tog som grund för många ämnen folkliga ordspråk, vanliga människors vardagliga bekymmer. Fullständigheten av bilderna av målningarna " bondbröllop"och" bonddans"bär kraften av folkets element. Till och med bilderna bibliska berättelser Brueghels verk är bebodda av holländarna, och händelserna i det avlägsna Judéen äger rum mot bakgrund av snötäckta gator under hans mörka himmel. hemland (« Johannes Döparens predikan"). Visar till synes oviktigt, mindre, konstnären talar om det viktigaste i människors liv, återskapar andan i sin tid.

En liten duk Jägare i snön” (januari) från serien ”Årstider” anses vara ett av världsmåleriets oöverträffade mästerverk. Trötta jägare med hundar återvänder hem. Tillsammans med dem går betraktaren in i kullen, från vilken ett panorama av en liten stad öppnar sig. Snötäckta flodens stränder, taggiga träd frös i den klara frostiga luften, fåglar flyger, sitter på trädgrenar och hustak, människor är upptagna med sina dagliga aktiviteter. Alla dessa till synes småsaker, tillsammans med himlens blå, svarta träd, vit snö, skapar i bilden ett panorama av världen som konstnären passionerat älskar.

Brueghels mest tragiska målning Liknelsen om de blinda"Skrivet av konstnären strax före hans död. Hon illustrerar evangelieberättelse"Om en blind leder den blinde, kommer de båda att falla i gropen." Kanske är detta en bild av mänskligheten, förblindad av dess begär, på väg mot sin död. Brueghel dömer dock inte, men genom att förstå lagarna för människors förhållande till varandra, med miljön, tränga in i den mänskliga naturens väsen, avslöjar människorna själva deras plats i världen.

Målning i Tyskland under renässansen.

Funktioner av renässansen i konsten i Tyskland visas senare än i Nederländerna. Den tyska humanismens, sekulära vetenskapens och kulturens storhetstid faller på de första årenXVIV. Det var en kort period då tysk kultur gav världen det högsta konstnärliga värdet. Först och främst bör de inkludera verk Albrecht Dürer(1471-1528) - den tyska renässansens viktigaste konstnär.

Durer - typisk representant Renässansen, han var målare, gravör, matematiker och ingenjör, skrev avhandlingar om befästning och konstteori. På självporträtt han framstår som intelligent, ädel, koncentrerad, full av djupa filosofiska reflektioner. I målningarna nöjer sig Dürer inte med formell skönhet, utan försöker ge ett symboliskt uttryck för abstrakta tankar.

En speciell plats i Dürers kreativa arv tillhör Apocalypse-serien, som omfattar 15 stora träsnitt. Dürer illustrerar förutsägelserna från "Johannes teologens uppenbarelse", till exempel arket " fyra ryttare"symboliserar fruktansvärda katastrofer - krig, pest, svält, orättfärdig dom. Föranmälan om förändring, hårda prövningar och katastrofer, uttryckta i gravyrer, visade sig vara profetiska (reformationen och bönderna och religionskrig som följde på den började snart).

En annan stor konstnär på den tiden var Lucas Cranach den äldre(1472-1553). Eremitaget rymmer hans målningar Madonna och barn under äppelträdet"och" Kvinnligt porträtt". I dem ser vi en kvinnas ansikte, fångat i många av mästarens målningar (det kallas till och med "Cranach"): en liten haka, en smal ögonslits, gyllene hår. Konstnären skriver noggrant ut smycken och kläder, hans målningar är en fröjd för ögat. Bildernas renhet och naivitet får dig återigen att titta in i dessa målningar. Cranach var en underbar porträttmålare, han skapade bilder av många kända samtida - Martin Luther (som var hans vän), hertig Henrik av Sachsen och många andra.

Men den mest kända porträttmålaren från den nordliga renässansen kan utan tvekan erkännas som en annan tysk målare. Hans Holbein den yngre(1497-1543). Under lång tid var han den engelske kungen Henriks hovmålareVIII. I sitt porträtt förmedlar Holbein perfekt kungens imponerande natur, som inte är bekant med tvivel. Små intelligenta ögon på ett köttigt ansikte förråder en tyrann i honom. Porträtt av Heinrich VIII var så pålitlig att han skrämde folk som kände kungen. Holbein målade porträtt av många kända personer från den tiden, i synnerhet statsmannen och författaren Thomas More, filosofen Erasmus av Rotterdam och många andra.

Utvecklingen av renässanskulturen i Tyskland, Nederländerna och några andra europeiska länder avbröts av reformationen och de religionskrigen som följde den. Efter detta kom tiden för bildandet av nya principer inom konsten, som gick in i nästa steg i dess utveckling.

Renässanskonst

Renässans- detta är storhetstid för all konst, inklusive teatern, litteraturen och musiken, men utan tvekan var den främsta bland dem, som mest fullständigt uttryckte sin tids anda, de sköna konsterna.

Det är ingen slump att det finns en teori om att renässansen började med det faktum att konstnärer inte längre var nöjda med ramarna för den dominerande "bysantinska" stilen och, på jakt efter modeller för sitt arbete, var de första att vända sig till till antiken. Termen "renessans" (renässans) introducerades av tänkaren och konstnären från själva eran, Giorgio Vasari ("Biografi över kända målare, skulptörer och arkitekter"). Så han kallade tiden från 1250 till 1550. Ur hans synvinkel var detta tiden för antikens väckelse. För Vasari framstår antiken på ett idealiskt sätt.

I framtiden har innehållet i termen utvecklats. Väckelsen började betyda vetenskapens och konstens frigörelse från teologin, en kylning mot kristen etik, födelsen av nationella litteraturer, människans önskan om frihet från den katolska kyrkans restriktioner. Det vill säga, renässansen, i huvudsak, började betyda humanism.

REVIVAL, RENAISSANCE(Fransk renais sance - återfödelse) - en av de största epoker, en vändpunkt i utvecklingen av världskonsten mellan medeltiden och den nya tiden. Renässansen täcker XIV-XVI-talen. i Italien, XV-XVI århundraden. i andra europeiska länder. Dess namn - renässans (eller renässans) - denna period i utvecklingen av kultur mottogs i samband med återupplivandet av intresset för gammal konst. Men dåtidens konstnärer kopierade inte bara gamla mönster, utan lade också in ett kvalitativt nytt innehåll i dem. Renässansen bör inte betraktas som en konstnärlig stil eller riktning, eftersom det i denna tid fanns olika konstnärliga stilar, trender, strömningar. Renässansens estetiska ideal bildades utifrån en ny progressiv världsbild - humanismen. Den verkliga världen och människan utropades till det högsta värdet: Människan är alla tings mått. Den kreativa personens roll har särskilt ökat.

Tidens humanistiska patos förkroppsligades bäst i konsten, som liksom under tidigare århundraden syftade till att ge en bild av universum. Det nya var att man försökte förena det materiella och det andliga till en helhet. Det var svårt att hitta en person som var likgiltig för konst, men företräde gavs åt konst och arkitektur.

Italiensk målning från 1400-talet mestadels monumentala (fresker). Måleriet intar en ledande plats bland olika typer av konst. Det överensstämmer till fullo med renässansprincipen om att "imitera naturen". Ett nytt visuellt system bildas på grundval av studiet av naturen. Konstnären Masaccio gjorde ett värdigt bidrag till utvecklingen av en förståelse för volym, dess överföring med hjälp av chiaroscuro. Upptäckten och det vetenskapliga belägget för lagarna för linjärt och luftperspektiv påverkade avsevärt det europeiska måleriets vidare öde. Ett nytt plastspråk för skulptur håller på att bildas, dess grundare var Donatello. Han återupplivade den fristående runda statyn. Hans bästa verk är skulpturen av David (Florens).

Inom arkitekturen återuppstår principerna för det antika ordningssystemet, vikten av proportioner höjs, nya typer av byggnader bildas (stadspalats, lantvilla etc.), arkitekturteorin och konceptet om en idealstad är utvecklas. Arkitekten Brunelleschi byggde byggnader där han kombinerade den antika förståelsen av arkitektur och den sena gotikens traditioner, vilket uppnådde en ny figurativ andlighet av arkitektur, okänd för de gamla. Under högrenässansen förkroppsligades den nya världsbilden bäst i verk av konstnärer som med rätta kallas genier: Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Giorgione och Titian. De sista två tredjedelarna av 1500-talet kallas senrenässansen. Vid den här tiden omfattar krisen konst. Det blir reglerat, hövligt, tappar sin värme och naturlighet. Men enskilda stora artister - Titian, Tintoretto fortsätter att skapa mästerverk under denna period.

Den italienska renässansen hade en enorm inverkan på konsten i Frankrike, Spanien, Tyskland, England och Ryssland.

Uppgången i utvecklingen av konsten i Nederländerna, Frankrike och Tyskland (XV-XVI århundraden) kallas den norra renässansen. Målarna Jan van Eycks, P. Brueghel den äldres arbete är denna periods höjdpunkt i konstens utveckling. I Tyskland var A. Dürer den tyska renässansens största konstnär.

De upptäckter som gjordes under renässansen inom området andlig kultur och konst var av stor historisk betydelse för utvecklingen av europeisk konst under de följande århundradena. Intresset för dem fortsätter än i dag.

Renässansen i Italien gick igenom flera stadier: tidig renässans, högrenässans, sen renässans. Florens blev renässansens födelseplats. Grunden till den nya konsten utvecklades av målaren Masaccio, skulptören Donatello och arkitekten F. Brunelleschi.

Den första som skapade målningar istället för ikoner var proto-renässansens största mästare Giotto. Han var den första som strävade efter att förmedla kristna etiska idéer genom skildringen av verkliga mänskliga känslor och upplevelser, och ersatte symbolik med skildringen av verklig rymd och specifika föremål. På Giottos berömda fresker i Arenakapellet i Padua du kan se ganska ovanliga karaktärer bredvid helgonen: herdar eller en spinnare. Varje enskild person i Giotto uttrycker ganska bestämda upplevelser, en bestämd karaktär.

Under den tidiga renässansens era inom konst sker utvecklingen av det antika konstnärliga arvet, nya etiska ideal bildas, konstnärer vänder sig till vetenskapens prestationer (matematik, geometri, optik, anatomi). Den ledande rollen i bildandet av de ideologiska och stilistiska principerna för konsten från den tidiga renässansen spelas av Florens. I bilderna skapade av sådana mästare som Donatello, Verrocchio, dominerar ryttarstatyn av condottiere Gattamelata David av Donatello de heroiska och patriotiska principerna ("St. George" och "David" av Donatello och "David" av Verrocchio).

Masaccio var grundaren av renässansmåleriet.(väggmålningar i Brancacci-kapellet, "Trenity"), kunde Masaccio förmedla rymdens djup, kopplade ihop figuren och landskapet med en enda kompositionsidé och gav individer porträttexpressivitet.

Men bildandet och utvecklingen av det bildliga porträttet, som återspeglade renässanskulturens intresse för människan, är förknippade med namnen på konstnärerna i Umrbi-skolan: Piero della Francesca, Pinturicchio.

Konstnärens verk skiljer sig från den tidiga renässansen Sandro Botticelli. Bilderna han skapade är andliga och poetiska. Forskare noterar abstraktionen och den förfinade intellektualismen i konstnärens verk, hans önskan att skapa mytologiska kompositioner med komplicerat och krypterat innehåll ("Våren", "Venus födelse").En av Botticellis biografer sa att hans Madonnor och Venuser ger intryck av att förlust, vilket orsakar oss en känsla av outplånlig sorg... Vissa av dem förlorade himlen, andra - jorden.

"Vår" "Venus födelse"

Kulmen i utvecklingen av den italienska renässansens ideologiska och konstnärliga principer är Högrenässans. Grundaren av högrenässansens konst är Leonardo da Vinci, en stor konstnär och vetenskapsman.

Han skapade hela raden Mästerverk: "Mona Lisa" ("La Gioconda") Strängt taget kännetecknas Giocondans ansikte av återhållsamhet och lugn, leendet som skapade hennes världsberömmelse och som senare blev en oumbärlig del av Leonardoskolans verk är märks knappt i den. Men i det mjukt smältande diset som omsluter ansiktet och figuren lyckades Leonardo få känna den gränslösa variationen hos mänskliga ansiktsuttryck. Även om ögonen på Gioconda tittar uppmärksamt och lugnt på betraktaren, på grund av skuggan av hennes ögonhålor, kan man tycka att de rynkar en aning; hennes läppar är sammanpressade, men knappt märkbara skuggor är skisserade nära deras hörn, vilket får dig att tro att de varje minut kommer att öppnas, le, tala. Själva kontrasten mellan hennes blick och halvleendet på hennes läppar ger en uppfattning om den motsägelsefulla karaktären av hennes upplevelser. Det var inte förgäves som Leonardo torterade sin modell med långa sessioner. Som ingen annan lyckades han förmedla skuggor, nyanser och halvtoner i denna bild, och de ger upphov till en känsla av darrande liv. Inte konstigt att Vasari trodde att man på halsen på Mona Lisa kan se hur en ven slår.

I porträttet av Gioconda förmedlade Leonardo inte bara kroppen och luftmiljön som omsluter den perfekt. Han lade också in en förståelse för vad ögat behöver för att en bild ska ge ett harmoniskt intryck, varför allt ser ut som om formerna naturligt föds ur varandra, som händer i musik när en spänd dissonans löses upp. med ett harmoniskt ackord. Gioconda är perfekt inskriven i en strikt proportionell rektangel, hennes halvfigur bildar något helt, vikta händer ger hennes bild fullständighet. Nu kunde det naturligtvis inte vara fråga om de bisarra lockarna från den tidiga bebådelsen. Men oavsett hur mjuka alla konturer är, är det vågiga locket i Giocondas hår i samklang med den genomskinliga slöjan, och det hängande tyget som kastas över axeln finner ett eko i de mjuka slingrarna på den avlägsna vägen. I allt detta visar Leonardo sin förmåga att skapa enligt lagarna för rytm och harmoni. ”Teknikmässigt har Mona Lisa alltid ansetts vara något oförklarligt. Nu tror jag att jag kan svara på den här gåtan”, säger Frank. Enligt honom använde Leonardo tekniken han utvecklade "sfumato" (italienska "sfumato", bokstavligen - "försvann som rök"). Tricket är att föremålen i målningarna inte ska ha tydliga gränser, allt ska gå smidigt från det ena till det andra, föremålens konturer mjukas upp med hjälp av den lätta luftdisen som omger dem. Den största svårigheten med denna teknik ligger i de minsta slagen (cirka en kvarts millimeter) som inte är tillgängliga för igenkänning vare sig i mikroskop eller med röntgenstrålar. Det tog alltså flera hundra sessioner att måla en da Vinci-målning. Bilden av Mona Lisa består av cirka 30 lager flytande, nästan genomskinlig oljefärg. För sådant smyckesarbete var konstnären tydligen tvungen att använda ett förstoringsglas. Kanske förklarar användningen av en sådan arbetsintensiv teknik under en lång tid arbete med porträttet - nästan 4 år.

, "Sista måltiden" gör ett bestående intryck. På väggen, som om man skulle övervinna den och ta med betraktaren in i en värld av harmoni och majestätiska visioner, utspelar sig det uråldriga evangeliedramat om vilseledd tillit. Och detta drama finner sin upplösning i en allmän impuls riktad mot huvudpersonen - en make med ett sorgset ansikte, som accepterar det som händer som oundvikligt. Kristus hade just sagt till sina lärjungar: "En av er kommer att förråda mig." Förrädaren sitter med de andra; de gamla mästarna avbildade Judas sittande separat, men Leonardo tog fram sin dystra isolering mycket mer övertygande och höljde sina ansikten med en skugga. Kristus är undergiven sitt öde, full av medvetenhet om offret av sin bedrift. Hans lutande huvud med sänkta ögon, hans händers gest är oändligt vacker och majestätisk. Ett charmigt landskap öppnar sig genom fönstret bakom hans gestalt. Kristus är centrum för hela kompositionen, i all den där virveln av passioner som rasar runt. Hans sorg och lugn är så att säga eviga, naturliga - och detta är den djupa innebörden av dramat som visas. Han letade efter källorna till perfekta former av konst i naturen, men N. Berdyaev anser honom vara ansvarig för den kommande processen av mekanisering och mekanisering av mänskligt liv, som slet en person från naturen.

Målning uppnår klassisk harmoni i kreativitet Raphael. Hans konst utvecklas från de tidiga kyliga umbriska bilderna av Madonnas (Madonna Conestabile) till världen av "glad kristendom" av florentinska och romerska verk. "Madonna med en guldfink" och "Madonna i en fåtölj" är mjuka, humana och till och med vanliga i sin mänsklighet.

Men bilden av den "sixtinska madonnan" är majestätisk och förbinder symboliskt de himmelska och jordiska världarna. Mest av allt är Raphael känd som skaparen av milda bilder av Madonnor. Men i måleriet förkroppsligade han både renässansens universella människas ideal (porträtt av Castiglione) och dramat av historiska händelser. Den sixtinska madonnan (ca 1513, Dresden, konstgalleri) är ett av konstnärens mest inspirerade verk. Skrivet som en altartavla för kyrkan i klostret St. Sixtus in Piacenza, denna målning, när det gäller design, komposition och tolkning av bilden, skiljer sig väsentligt från Madonnorna under den florentinska perioden. Istället för en intim och jordisk bild av en vacker ung jungfru som nedlåtande följer två spädbarns nöjen, har vi här en underbar vision som plötsligt dök upp på himlen på grund av en gardin som drogs tillbaka av någon. Omgiven av en gyllene strålglans, högtidlig och majestätisk, går Maria genom molnen och håller Kristusbarnet framför sig. Vänster och höger knä framför hennes St. Sixtus och St. Barbara. Den symmetriska, strikt balanserade kompositionen, silhuettens klarhet och den monumentala generaliseringen av formerna ger den sixtinska madonnan en speciell storhet.

I den här bilden lyckades Raphael, kanske i större utsträckning än någon annanstans, kombinera bildens verklighetstrogna sanning med drag av idealisk perfektion. Bilden av Madonnan är komplex. Den rörande renheten och naiviteten hos en mycket ung kvinna kombineras i honom med fast beslutsamhet och heroisk beredskap för offer. Detta hjältemod gör bilden av Madonnan relaterad till den italienska humanismens bästa traditioner. Kombinationen av det ideala och det verkliga i den här bilden för tankarna till Rafaels välkända ord från ett brev till sin vän B. Castiglione. "Och jag ska säga dig," skrev Raphael, "att för att skriva en skönhet behöver jag se många skönheter ... men på grund av bristen ... hos vackra kvinnor använder jag en idé som kommer till mig . Om det har någon perfektion vet jag inte, men jag försöker mycket hårt för att uppnå det. Dessa ord kastar ljus över konstnärens kreativa metod. Utgår från verkligheten och förlitar sig på den, samtidigt strävar han efter att höja bilden över allt som är oavsiktligt och övergående.

Michelangelo(1475-1564) - utan tvekan en av de mest inspirerade konstnärerna i konsthistorien och, tillsammans med Leonardo da Vinci, den mäktigaste figuren i den italienska högrenässansen. Som skulptör, arkitekt, målare och poet hade Michelangelo ett enormt inflytande på sin samtid och på efterföljande västerländsk konst i allmänhet.

Han ansåg sig vara en florentinare – även om han föddes den 6 mars 1475 i den lilla byn Caprese nära staden Arezzo. Michelangelo älskade djupt sin stad, dess konst, kultur och bar denna kärlek till sina dagars slut. Han tillbringade större delen av sina mogna år i Rom och arbetade för påvarna; dock lämnade han ett testamente, i enlighet med vilket hans kropp begravdes i Florens, i en vacker grav i kyrkan Santa Croce.

Michelangelo uppträdde marmorskulptur Pieta(Kristi klagan) (1498-1500), som fortfarande finns på sin ursprungliga plats - i Peterskyrkan. Detta är ett av de mest kända verken i världskonstens historia. Pietan färdigställdes förmodligen av Michelangelo innan han var 25 år gammal. Detta är det enda verk han har skrivit på. Den unga Maria avbildas med den döde Kristus på knä, en bild lånad från nordeuropeisk konst. Marys blick är inte så ledsen som högtidlig. Detta högsta punkt verk av den unge Michelangelo.

Inte mindre betydande verk av den unge Michelangelo var en gigantisk (4,34 m) marmorbild David(Academy, Florens), avrättad mellan 1501 och 1504, efter att ha återvänt till Florens. Hjälte Gamla testamentet avbildad av Michelangelo i form av en stilig, muskulös, naken ung man som oroligt tittar i fjärran, som om han utvärderar sin fiende - Goliat, som han måste slåss med. Det livliga, spända uttrycket i Davids ansikte är karakteristiskt för många av Michelangelos verk - detta är ett tecken på hans individuella skulpturala sätt. David, Michelangelos mest kända skulptur, har blivit en symbol för Florens och placerades ursprungligen på Piazza della Signoria framför Palazzo Vecchio, det florentinska rådhuset. Med denna staty bevisade Michelangelo för sin samtid att han inte bara överträffade alla samtida konstnärer, utan också antikens mästare.

Målning på Sixtinska kapellets valv 1505 kallades Michelangelo till Rom av påven Julius II för att uppfylla två order. Den viktigaste var freskmålningen av Sixtinska kapellets valv. När han arbetade liggande på höga byggnadsställningar precis under taket, skapade Michelangelo de vackraste illustrationerna till några bibliska berättelser mellan 1508 och 1512. På det påvliga kapellets valv avbildade han nio scener ur Första Moseboken, som började med Ljusets Separation från Mörkret och inkluderade Adams Skapelse, Evas Skapelse, Adams och Evas frestelse och fall och syndafloden. . Runt huvudmålningarna växlar bilder av profeter och sibyllor på marmortroner, andra Gamla testamentets karaktärer och Kristi förfäder.

För att förbereda sig för detta fantastiska arbete gjorde Michelangelo ett stort antal skisser och kartonger, på vilka han avbildade figurerna av sittarna i en mängd olika poser. Dessa kungliga, kraftfulla bilder bevisar konstnärens mästerliga förståelse av mänsklig anatomi och rörelse, vilket gav impulser till en ny riktning i västeuropeisk konst.

Två andra utmärkta statyer, Bunden fånge och en slavs död(båda ca 1510-13) finns i Louvren, Paris. De visar Michelangelos inställning till skulptur. Enligt hans åsikt är figurerna helt enkelt inneslutna i marmorblocket, och det är konstnärens uppgift att befria dem genom att ta bort den överflödiga stenen. Ofta lämnade Michelangelo skulpturerna ofullbordade, antingen för att de inte längre behövdes eller helt enkelt för att de tappade intresset för konstnären.

San Lorenzos bibliotek Projektet med Julius II:s grav krävde arkitektoniska studier, men Michelangelos seriösa arbete på det arkitektoniska området började först 1519, då han beordrades att fasadera biblioteket St. Lawrence i Florens, dit konstnären återvände igen ( detta projekt genomfördes aldrig). På 1520-talet ritade han också den eleganta entréhallen till biblioteket som gränsar till kyrkan San Lorenzo. Dessa strukturer färdigställdes bara några decennier efter författarens död.

Michelangelo, en anhängare av den republikanska fraktionen, deltog under åren 1527-29 i kriget mot Medici. Hans ansvar omfattade byggandet och återuppbyggnaden av Florens befästningar.

Medici kapell. Efter att ha bott i Florens under en ganska lång period slutförde Michelangelo mellan 1519 och 1534 familjen Medicis uppdrag att uppföra två gravar i den nya sakristian i kyrkan San Lorenzo. I en sal med ett högt kupolvalv reste konstnären två magnifika gravar mot väggarna, avsedda för Lorenzo De Medici, hertig av Urbino och för Giuliano De Medici, hertig av Nemours. Två komplexa gravar tänktes som representationer av motsatta typer: Lorenzo - en person innesluten i sig själv, en eftertänksam, tillbakadragen person; Giuliano är tvärtom aktiv, öppen. Ovanför Lorenzos grav placerade skulptören allegoriska skulpturer av morgon och kväll, och ovanför Giulianos grav - allegorier om dag och natt. Arbetet med Medici-gravarna fortsatte efter att Michelangelo återvänt till Rom 1534. Han besökte aldrig sin älskade stad igen.

Sista domen

Från 1536 till 1541 arbetade Michelangelo i Rom med att måla altarväggen i Sixtinska kapellet i Vatikanen. Renässansens största fresk föreställer den yttersta domens dag.Kristus delar med en brinnande blixt i handen obönhörligen alla jordens invånare i de frälsta rättfärdiga, avbildade på kompositionens vänstra sida, och syndare som stiger ned till Dantes helvete (vänster sida av fresken). Strikt efter sin egen tradition målade Michelangelo ursprungligen alla figurerna nakna, men ett decennium senare "klädde" någon puritansk konstnär dem när det kulturella klimatet blev mer konservativt. Michelangelo lämnade sitt eget självporträtt på fresken - hans ansikte är lätt att gissa på huden sliten från den helige martyraposteln Bartolomeus.

Även om Michelangelo under denna period hade andra bilduppdrag, som att måla apostelns kapell (1940), försökte han först och främst ägna all sin kraft åt arkitektur.

Kupolen av Peterskyrkan. 1546 utsågs Michelangelo till huvudarkitekt för Peterskyrkan i Vatikanen, som var under uppbyggnad. Byggnaden byggdes enligt Donato Bramantes plan, men Michelangelo blev i slutändan ansvarig för byggandet av altarabsiden och för utvecklingen av den tekniska och konstnärliga lösningen för katedralens kupol. Slutförandet av byggandet av Peterskyrkan var den florentinska mästarens högsta prestation inom arkitekturområdet. Under sitt långa liv var Michelangelo en nära vän med prinsar och påvar, från Lorenzo de Medici till Leo X, Clement VIII och Pius III, samt många kardinaler, målare och poeter. Konstnärens karaktär, hans position i livet är svår att entydigt förstå genom hans verk - de är så olika. Förutom kanske i poesi, i sina egna dikter, vände sig Michelangelo oftare och djupare till frågor om kreativitet och sin plats i konsten. En stor plats i hans dikter ges till de problem och svårigheter som han hade att möta i sitt arbete, och personliga relationer med de mest framstående representanterna från den tiden.En av renässansens mest kända poeter, Lodovico Ariosto skrev ett epitafium för detta känd konstnär: "Michele är mer än en dödlig, han är en gudomlig ängel."

SIDAN \* MERGEFORMAT 2

federal byrå järnvägstransporter

Siberian State Transport University

Institutionen för "filosofi"

KONSTNÄRLIGA BILDER AV RENAISSANSEN

Uppsats

Inom disciplinen "Kulturologi"

Huvuddesignad

Professorstudent gr. D-111

Bystrova A.N. ___________ Kamyshova E.V.

(signatur) (signatur)

08.12.2012

(datum för inspektion) (datum för inlämning för inspektion)

år 2012

Introduktion

Renässansen anses vara en av de ljusaste perioderna i historien om utvecklingen av europeisk kultur. Vi kan säga att väckelsen är en hel kulturell era i övergångsprocessen från medeltiden till den nya tiden, under vilken en kulturell omvälvning (en vändpunkt, ett skifte) ägde rum. Grundläggande förändringar är förknippade med utrotningen av mytologi.

Trots ursprunget till begreppet renässans (fr. renässans, "renässans"), fanns det ingen återupplivande av antiken och kunde inte vara det. Människan kan inte återvända till sitt förflutna. Renässansen, med hjälp av antikens lärdomar, introducerade innovationer. Han väckte inte tillbaka alla uråldriga genrer, utan bara de som var karakteristiska för hans tids och kulturs strävanden. Renässansen kombinerade en ny läsning av antiken med en ny läsning av kristendomen.

Relevansen av det valda ämnet beror på kopplingen mellan den moderna eran och renässansen - detta är en revolution, först och främst i värdesystemet, i bedömningen av allt som finns och i förhållande till det.

Huvudsyftet med arbetet är att visa på de grundläggande förändringar som har skett i världsbilden för de största gestalterna från den aktuella eran.

1. Renässansens kultur

XIII-XVI Århundradena har varit en tid av stora förändringar inom ekonomi, politik och kultur. Den snabba tillväxten av städer och utvecklingen av hantverk, och senare övergången till manufakturproduktion, förändrade det medeltida Europas ansikte.

Städer kom i förgrunden. Inte långt innan detta var den medeltida världens mäktigaste krafter - imperiet och påvedömet - i djup kris. I XVI århundradet blev den tyska nationens förfallande heliga romerska rike skådeplatsen för de två första antifeodala revolutionerna - det stora bondekriget i Tyskland och det nederländska upproret.

Tidens övergångskaraktär, befrielseprocessen från medeltida vägar som äger rum på alla områden av livet, samtidigt, den fortfarande underutvecklingen av framväxande kapitalistiska relationer kunde inte annat än påverka egenskaperna hos den tidens konstnärliga kultur och estetiska tankar .

Enligt A. V. Stepanov åtföljdes alla förändringar i samhällets liv av en bred förnyelse av kulturen - blomstringen av naturvetenskap och exakt vetenskap, litteratur på nationella språk och konst. Denna förnyelse har sitt ursprung i städerna i Italien och erövrade sedan andra europeiska länder. Författaren menar att efter tryckningens tillkomst öppnade sig oöverträffade möjligheter för spridning av litterära och vetenskapliga verk, och en mer regelbunden och nära kommunikation mellan länder bidrog till att nya konstnärliga trender penetrerade.

Detta innebar inte att medeltiden drog sig undan för nya trender: traditionella idéer bevarades i massmedvetandet. Kyrkan gjorde motstånd mot nya idéer, med hjälp av ett medeltida medel - inkvisitionen. Idén om den mänskliga personens frihet fortsatte att existera i ett samhälle indelat i klasser. Den feodala formen av beroende av bönderna försvann inte helt, och i vissa länder (Tyskland, Centraleuropa) var det en återgång till livegenskapen. Det feodala systemet visade ganska mycket vitalitet. Varje europeiskt land levde ut det på sitt sätt och inom sin egen kronologiska ram. Kapitalismen existerade länge som ett sätt att leva och täckte bara en del av produktionen både i staden och på landsbygden. Den patriarkala medeltida långsamheten började dock sjunka in i det förflutna.

De stora geografiska upptäckterna spelade en stor roll i detta genombrott. Till exempel 1492. H. Columbus, på jakt efter en väg till Indien, korsade Atlanten och landade nära Bahamas och upptäckte en ny kontinent - Amerika. År 1498 Den spanska resenären Vasco da Gama, efter att ha rundat Afrika, förde framgångsrikt sina skepp till Indiens stränder. MED XVI V. Européer tränger in i Kina och Japan, som de tidigare bara hade den mest vaga uppfattningen om. Från 1510 börjar erövringen av Amerika. I XVII V. Australien upptäcktes. Idén om jordens form har förändrats: F. Magellans resa runt jorden bekräftade gissningen att den har formen av en boll.

Föraktet för allt jordiskt ersätts nu av ett ivrigt intresse för den verkliga världen, för människan, för medvetandet om naturens skönhet och storhet, vilket kunde bevisas genom att analysera renässansens kulturminnen. Teologins företräde framför vetenskapen, obestridligt under medeltiden, skakas av tron på det mänskliga sinnets obegränsade möjligheter, som blir det högsta mått på sanning. Genom att betona intresset för det mänskliga i motsats till det gudomliga, kallade representanter för den nya sekulära intelligentian sig för humanister, och härledde detta ord från begreppet " studia humanitanis ”, vilket betyder studiet av allt som har samband med den mänskliga naturen och hennes andliga värld.

För renässansens verk och konst blev idén om en fri varelse med obegränsade kreativa möjligheter karakteristisk. Det förknippas med antropocentrism i renässansens estetik och förståelsen av det vackra, det sublima, det heroiska. Principen om en vacker konstnärlig och kreativ mänsklig personlighet kombinerades av renässansens teoretiker med ett försök att matematiskt beräkna alla typer av proportioner, symmetri och perspektiv.

Det estetiska och konstnärliga tänkandet i denna era bygger för första gången på mänsklig uppfattning som sådan och på en sensuellt verklig bild av världen. Här är också den subjektivistisk-individualistiska törsten efter livssensationer slående, oavsett deras religiösa och moraliska tolkning, även om den senare i princip inte förnekas. Renässansens estetik fokuserar konsten på naturens imitation. Men i första hand finns här inte så mycket naturen som konstnären, som i sin skapande verksamhet liknas vid Gud.

E. Chamberlin anser att njutning är en av de viktigaste principerna för uppfattningen av konstverk, eftersom detta tyder på en betydande demokratisk trend i motsats till den skolastiska "inlärningen" av tidigare estetiska teorier.

Renässansens estetiska tanke innehåller inte bara idén om absolutisering av den mänskliga individen i motsats till den gudomliga personligheten under medeltiden, utan också en viss medvetenhet om begränsningarna för sådan individualism, baserad på den absoluta självbekräftelsen av individen. Därav tragedins motiv, som finns i verk av W. Shakespeare, M. Cervantes, Michelangelo m.fl.. Detta är den motsägelsefulla karaktären hos en kultur som har avvikit från antika medeltida absoluter, men som på grund av historiska omständigheter ännu inte har hittat nya pålitliga grunder.

Kopplingen mellan konst och vetenskap är ett av kulturens karaktäristiska drag. Konstnärer sökte stöd inom vetenskapen och stimulerade ofta deras utveckling. Renässansen präglas av framväxten av konstnärer-forskare, bland vilka den första platsen tillhör Leonardo da Vinci.

En av renässansens uppgifter är således människans förståelse av en värld fylld av gudomlig skönhet. Världen attraherar en person för att han förandligas av Gud. Men under renässansen fanns det en annan trend en persons känsla av tragedin i hans existens.

2. Bilden av världen och människan i verk av stora mästare renässans

Termen "renässans" (översättning av den franska termen "renässans") indikerar kopplingen mellan den nya kulturen och antiken. Som ett resultat av bekantskapen med öst, särskilt med Bysans, under korstågens tid, blev européer bekanta med antika humanistiska manuskript, olika monument av antik konst och arkitektur. Alla dessa antikviteter började delvis transporteras till Italien, där de samlades in och studerades. Men även i själva Italien fanns det många antika romerska monument, som också började studeras noggrant av representanter för den italienska urbana intelligentsian. I det italienska samhället uppstod ett djupt intresse för de klassiska antika språken, antik filosofi, historia och litteratur. Staden Florens spelade en särskilt viktig roll i denna rörelse. Från Florens kom en rad framstående figurer ny kultur.

Med hjälp av den uråldriga ideologin, skapad en gång i antikens livligaste, i ekonomisk mening, städer, omarbetade den nya bourgeoisin den på sitt eget sätt, formulerade sin nya världsbild, skarpt motsatt feodalismens världsbild som rådde tidigare. Det andra namnet på den nya italiensk kultur– humanismen bara bevisar det.

Humanistisk kultur satte människan själv (humanus - mänsklig) i centrum för dess uppmärksamhet, och inte det gudomliga, överjordiska, som var fallet i medeltida ideologi. Askesen hade inte längre någon plats i den humanistiska världsbilden. Människokroppen, dess passioner och behov sågs inte som något "syndigt" som måste undertryckas eller torteras, utan som ett mål i sig, som det viktigaste i livet. Den jordiska tillvaron erkändes som den enda verkliga. Kunskapen om naturen och människan förklarades som vetenskapens väsen. I motsats till de pessimistiska motiv som dominerade världsbilden hos medeltida skolastiker och mystiker, rådde optimistiska motiv i renässansens världsbild och stämning; de kännetecknades av tro på människan, på mänsklighetens framtid, på det mänskliga förnuftets och upplysningens triumf. En galax av framstående poeter och författare, vetenskapsmän och figurer olika sorter konsten deltog i denna stora nya intellektuella rörelse. Italiens ära kom med av sådana underbara artister: Leonardo da Vinci, Giorgione, Michelangelo, Raphael, Titian.

Renässansens otvivelaktiga prestation var den geometriskt korrekta konstruktionen av bilden. Konstnären byggde bilden med de tekniker han utvecklade. Det viktigaste för den tidens målare var att observera föremålens proportioner. Även naturen föll under matematiska knep.

Med andra ord, konstnärer under renässansen försökte förmedla en korrekt bild av till exempel en person mot naturens bakgrund. Om man jämför med moderna metoder för att återskapa en sedd bild på någon form av duk, kommer troligen ett fotografi med efterföljande justering att hjälpa till att förstå vad renässanskonstnärerna strävade efter.

Renässansmålare trodde att de hade rätt att korrigera naturens brister, det vill säga om en person hade fula ansiktsdrag, korrigerade konstnärerna dem på ett sådant sätt att ansiktet blev sött och attraktivt.

Renässanskonstnärer skildrade bibliska scener och försökte göra det klart att en persons jordiska manifestationer kan skildras tydligare om de använder bibelberättelser. Du kan förstå vad fallet, frestelsen, helvetet eller himlen är, om du börjar bekanta dig med dåtidens konstnärers verk. Samma bild av Madonnan förmedlar till oss skönheten hos en kvinna, och bär också en förståelse för jordisk mänsklig kärlek.

I renässansens konst var således vägarna för vetenskaplig och konstnärlig förståelse av världen och människan nära sammanflätade. Dess kognitiva innebörd var oupplösligt förenad med sublim poetisk skönhet, i sin strävan efter naturlighet gick den inte ner i det småaktiga vardagslivet. Konst har blivit ett universellt andligt behov.

Slutsats

Så, renässansen, eller renässansen, är en era i mänsklighetens liv, präglad av en kolossal uppgång inom konst och vetenskap. Renässansen utropade människan till livets högsta värde.

I konsten var huvudtemat en person med obegränsade andliga och kreativa möjligheter.Renässansens konst lade grunden till den europeiska kulturen i New Age, radikalt förändrade alla huvudtyper av konst.

Inom arkitekturen har nya typer av offentliga byggnader utvecklats.Måleriet berikades med ett linjärt och luftperspektiv, kunskap om människokroppens anatomi och proportioner.Jordiskt innehåll penetrerade konstverkens traditionella religiösa teman. Ökat intresse för antik mytologi, historia, vardagsscener, landskap, porträtt. Det fanns en bild, det fanns en målning oljemålningar. Konstnärens kreativa individualitet tog första platsen i konsten.

I renässansens konst var vägarna för vetenskaplig och konstnärlig förståelse av världen och människan nära sammanflätade.Konst har blivit ett universellt andligt behov.

Utan tvekan är renässansen en av de vackraste epoker i mänsklighetens historia.

BIBLIOGRAFI

Kustodieva T.K. ITALIENSK KONST FRÅN XIII-XVI-TALENS RENAISSANS (ESSÄGUIDE) / Т.К. KUSTODIEVA, KONST, 1985. 318 s.
BILDER AV KÄRLEK OCH SKÖNHET I REÄSSANSENS KULTUR / L.M. BRAGINA, M., 2008. 309 P.
Stepanov A.V. RENAISSANSENS KONST. ITALIEN XIV-XV TALEN / A.V. STEPANOV, M., 2007. 610 P.
Stepanov A.V. RENAISSANSENS KONST. NEDERLÄNDERNA, TYSKLAND, FRANKRIKE, SPANIEN, ENGLAND / A.V. STEPANOV, AZBUKA-CLASSICS, 2009. 640 P.
CHAMBERLIN E. RENAISSANSENS ÅLDER. LIV, RELIGION, KULTUR / E. CHAMBERLIN, CENTERPOLYGRAPH, 2006. 240 s.

Den italienska arkitekturen under den tidiga renässansen (Quattrocento) öppnade en ny period i utvecklingen av europeisk arkitektur, och övergav den dominerande i Europa gotisk konst och genom att godkänna nya principer som byggde på ordersystemet.

Under denna period studerades antik filosofi, konst och litteratur målmedvetet och medvetet. Således var antiken skiktad på medeltidens starka månghundraåriga traditioner, särskilt på kristen konst, på grund av vilka den specifikt komplexa karaktären hos renässansens kultur är baserad på omvandlingen och sammanvävningen av hedniska och kristna ämnen.

Quattrocento är tiden för experimentella sökningar, när inte intuition, som i proto-renässansen, utan exakt vetenskaplig kunskap kom i förgrunden. Nu spelade konst rollen som universell kunskap om omvärlden, om vilken många vetenskapliga avhandlingar från 1400-talet skrevs.

Den första teoretikern inom arkitektur och måleri var Leon Batista Alberti, som utvecklade teorin linjärt perspektiv, baserat på en sann bild i bilden av rymdens djup. Denna teori låg till grund för nya principer för arkitektur och stadsplanering som syftade till att skapa en idealisk stad.

Renässansens mästare började återigen vända sig till Platons dröm om en idealisk stad och en idealstat och förkroppsligade de idéer som redan var de viktigaste i antikens kultur och filosofi - idéerna om harmoni mellan människa och natur, humanismens idéer. Så den nya bilden av den ideala staden var till en början en viss formel, en idé, ett djärvt anspråk på framtiden.

Teorin och praktiken inom renässansens stadsplanering utvecklades parallellt med varandra. Gamla byggnader byggdes om, nya byggdes samtidigt som det skrevs avhandlingar om arkitektur, befästning och ombyggnad av städer. Författarna till avhandlingarna (Alberti och Palladio) var långt före behoven av praktisk konstruktion, och beskrev inte färdiga projekt, utan presenterade ett grafiskt avbildat koncept, idén om en idealisk stad. De förde också resonemang om hur staden skulle ligga vad gäller försvar, ekonomi, estetik och hygien.

Alberti var faktiskt den första att proklamera de grundläggande principerna för renässansens idealiska urbana ensemble, utvecklad genom att syntetisera den gamla känslan för proportioner och den nya erans rationalistiska tillvägagångssätt. Så de estetiska principerna för renässansens stadsplanerare var:

konsekvens av de arkitektoniska skalorna för huvud- och sekundärbyggnaderna;
förhållandet mellan byggnadens höjd och utrymmet framför den (från 1:3 till 1:6);
brist på dissonanta kontraster;
sammansättning balans.

Den idealiska staden var mycket spännande för många av renässansens stora mästare. Leonardo da Vinci funderade också på det, vars idé var att skapa en stad i två plan, där godstransporter rörde sig längs det nedre planet, och mark- och gångvägar var belägna på det övre planet. Da Vincis planer var också förknippade med återuppbyggnaden av Florens och Milano, samt med utformningen av spindelstaden.

I slutet av 1500-talet var många teoretiker inom stadsplanering förbryllade över frågan om defensiva strukturer och kommersiella områden. Så fästningens torn och murar ersattes av jordbastioner, som togs ut från stadsgränserna, på grund av vilka städerna i sina konturer började likna en flerstrålande stjärna.

Och även om inte en enda ideal stad byggdes i sten (förutom små fästningsstäder), blev många principer för att bygga en sådan stad verklighet redan på 1500-talet, när raka breda gator började läggas i Italien och många andra länder som sammankopplade viktiga delar av den urbana ensemblen.

Populär i kategorin: