บ้าน › ระบบทำความเย็น › โรงละครแห่งฝรั่งเศส ปลายศตวรรษที่ 19 การบรรยายเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ของโรงละครต่างประเทศในหัวข้อ "โรงละครโรแมนติกฝรั่งเศส" สื่อการศึกษาและระเบียบวิธีในหัวข้อ

โรงละครแห่งฝรั่งเศส ปลายศตวรรษที่ 19 การบรรยายเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ของโรงละครต่างประเทศในหัวข้อ "โรงละครโรแมนติกฝรั่งเศส" สื่อการศึกษาและระเบียบวิธีในหัวข้อ

ในปี พ.ศ. 2413 เกิดสงครามระหว่างฝรั่งเศสและปรัสเซีย ซึ่งฝรั่งเศสพ่ายแพ้ และเมื่อวันที่ 18 มีนาคม พ.ศ. 2414 การปฏิวัติของชนชั้นกรรมาชีพเกิดขึ้นในปารีสซึ่งสถาปนาการปกครองแบบเผด็จการของชนชั้นกรรมาชีพซึ่งกินเวลา 72 วัน - นี่คือประชาคมปารีส

หลังจากความพ่ายแพ้ วงการปฏิกิริยาได้พยายามฟื้นฟูระบอบกษัตริย์ แต่ในไม่ช้าก็เห็นได้ชัดว่าความพยายามเหล่านี้จะจบลงอย่างเลวร้าย ในปี พ.ศ. 2418 สมัชชาแห่งชาติได้จัดตั้งสาธารณรัฐรัฐสภาขึ้นในประเทศ เป็นสาธารณรัฐที่สาม ("สาธารณรัฐที่ไม่มีพรรครีพับลิกัน") เธอแทบไม่เปลี่ยนแปลงอะไรในชีวิตทางสังคม และโรงละครยังคงอยู่โดยไม่มีการเปลี่ยนแปลงมากนัก ก่อนหน้านี้ Dumas (ลูกชาย), Sardou, Ogier ขึ้นครองราชย์บนเวที มีการแสดงละคร, บทประพันธ์, การ์ตูนโอเปร่า, มหกรรมและบทวิจารณ์มากมาย โรงละครยังคงห่างไกลจากชีวิต มันยังคงถูกจำกัดให้อยู่ในขอบเขตของธีมแคบ ๆ และปิดในรูปแบบของรูปแบบศิลปะ และความคิดทางสังคม (วงการประชาธิปไตย ปัญญาชนก้าวหน้า) เกี่ยวข้องกับปัญหาสังคมมากมาย รูปแบบของการต่อสู้ทางชนชั้นเกิดขึ้นในงานศิลปะ แต่มันไม่ได้สะท้อนให้เห็นในละครเวที

ในสภาพแวดล้อมดังกล่าว หลักการทางอุดมการณ์และสุนทรียะของทิศทางศิลปะใหม่ได้ก่อตัวขึ้น - ความเป็นธรรมชาติ – ซึ่งยืนยันวิธีการทางวิทยาศาสตร์ในการศึกษาชีวิตและปฏิเสธอัตนัยโรแมนติก และศีลธรรม นี่หมายถึงการแนะนำวิธีการที่พัฒนาขึ้นในสาขาวิทยาศาสตร์ธรรมชาติในชีววิทยาสรีรวิทยา (การค้นพบของนักสรีรวิทยาชาวรัสเซีย Sechenov และ Pavlov ในสาขากิจกรรมประสาทที่สูงขึ้นการค้นพบของนักวิทยาศาสตร์ชาวเยอรมัน Mendel, Weismann ใน เช่น สาขาพันธุกรรม) เชื่อกันว่าการให้ความรู้ทางวิทยาศาสตร์ที่ถูกต้องเกี่ยวกับชีวิตของสังคมนั้นทำได้โดยใช้วิธีการทางวิทยาศาสตร์ทางชีววิทยาและสรีรวิทยาเท่านั้น และตัวเลขของแนวโน้มนี้ก็หยิบยกประเด็นทางสังคมที่รุนแรงขึ้นมาอย่างกล้าหาญในผลงานของพวกเขา แนวโน้มที่ก้าวหน้าของลัทธิธรรมชาตินิยมแสดงออกในข้อเท็จจริงที่ว่าประเพณีที่กินสัตว์อื่นของชนชั้นนายทุน การต่อสู้เพื่อเงิน ภาพความจริงของชีวิตคนยากจน ฯลฯ ได้รับการพรรณนาไว้ในนวนิยายและงานละคร อย่างไรก็ตาม ในเร็วๆ นี้ ลักษณะของธรรมชาตินิยมที่พูดถึงวิกฤติของวัฒนธรรมก็ถูกเปิดเผยในไม่ช้า ลัทธิธรรมชาตินิยมถ่ายโอนกฎทางชีววิทยาไปสู่ด้านความสัมพันธ์ทางสังคม และสิ่งนี้ได้ขจัดคำถามเกี่ยวกับความอยุติธรรมทางสังคมออกไป ลัทธิธรรมชาตินิยมกำหนดโครงสร้างและขนบธรรมเนียมของสังคมชนชั้นกลางโดยกฎหมายทางชีววิทยา และสิ่งนี้ทำให้ศิลปะธรรมชาติมีลักษณะมืดมน แต่งแต้มด้วยโทนสีที่น่าเศร้า ความชั่วร้ายทางสังคมได้รับการอธิบายโดยกรรมพันธุ์และการถ่ายทอดทางพันธุกรรมเป็นตัวกำหนดลักษณะของบุคคล

อย่างไรก็ตาม ในลัทธิธรรมชาตินิยม แนวโน้มประชาธิปไตยที่ก้าวหน้าก็สังเกตเห็นได้ชัดเจนเช่นกัน ซึ่งบุคคลในโรงละครบางคนรับรู้และเป็นตัวเป็นตน เช่น ในกิจกรรมปฏิรูปของอังเดร อองตวน ผู้สร้างโรงละครอิสระ ซึ่งพยายามเป็นอิสระทางเศรษฐกิจ อุดมการณ์ และศิลปะ ศัพท์จากอำนาจเศรษฐีกระฎุมพีมหาชน..

แต่เนื่องจากนักธรรมชาติวิทยาอธิบายความชั่วร้ายโดยกรรมพันธุ์ พวกเขาจึงไม่ได้สร้างภาพจำและสถานการณ์ทั่วไป พวกเขาถือว่างานศิลปะเป็นการพรรณนาถึง "ชิ้นส่วนของชีวิต" ที่ถูกต้องแม่นยำในการถ่ายภาพ และค่อนข้างเร็ว ทิศทางนี้เริ่มล้าสมัย

เอมิล โซล่า (1840-1902) เป็นนักทฤษฎีทิศทางธรรมชาติในโรงละคร

บทบัญญัติทางทฤษฎีของธรรมชาตินิยมสะท้อนให้เห็นในบทความของเขาในคอลเลกชัน "นวนิยายทดลอง", "นักเขียนบทละครของเรา", "ธรรมชาตินิยมในโรงละคร"ในเรื่องนี้เขาวิจารณ์อย่างต่อเนื่องและลึกซึ้งเกี่ยวกับสถานะของศิลปะการละครในฝรั่งเศส และนี่คือด้านที่แข็งแกร่งที่สุดของงานเขียนของเขา: เขาตั้งคำถามเกี่ยวกับความสัมพันธ์ระหว่างโรงละครกับชีวิตของสังคม ตั้งคำถามถึงลักษณะเฉพาะของโรงละครซึ่งประกอบด้วย "การแสดงละคร" ซึ่งไม่อนุญาตให้มีการแทรกซึมของ ความจริงของชีวิตที่มีในวรรณกรรมขึ้นบนเวที เขาเชื่อว่าการต่ออายุโรงละครทำได้โดยการต่ออายุละคร และละครควรสะท้อนชีวิตจริง เขายืนยันความสม่ำเสมอของการเกิดขึ้นของลัทธิธรรมชาตินิยมซึ่งกำลังเข้ามาแทนที่ลัทธิโรแมนติกซึ่งหมดแรงไปแล้ว Zola เปรียบเทียบวรรณกรรมของศิลปินแท้อย่าง Stendhal, Balzac, Flaubert, Goncourt กับ “นักเขียนละคร” ที่เขียนเรื่องราวโดยไม่คำนึงถึงความจริง ใช้ชีวิตปลอมๆ ที่พร้อมจะ “ปั่นป่วนเพื่อให้ได้มาซึ่งชื่อเสียง...อย่างช่ำชอง หยิบเหรียญห้าฟรังค์เพื่อปรบมือ”

Zola ฝันถึงโรงละครที่จะก้าวไปไกลกว่ากรอบเวทีและแสดงฝูงชนชาวปารีสที่มีชีวิตชีวาที่หลากหลายบนเวทีอันกว้างใหญ่ ความสนใจในละครพื้นบ้าน ดึงดูดนักเขียนบทละครที่มีใจเดียวกันพูดถึงความเป็นประชาธิปไตยในรายการของเขา Zola เชื่อว่าการเกิดขึ้นของละครแนวธรรมชาติจะเปลี่ยนโครงสร้างทางศิลปะทั้งหมดของโรงละคร หากการแสดงละครสร้าง "ชิ้นส่วนของชีวิต" ขึ้นมาใหม่ สิ่งนี้จะนำไปสู่การปฏิเสธการแสดงประเภทสมัยใหม่อย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ ซึ่งปัจจุบันกลายเป็นการแสดงละครอย่างเข้มข้น อุดมคติของเขาคือ "นักแสดงที่ศึกษาชีวิตและถ่ายทอดมันด้วยความเรียบง่ายที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้"

นอกจากนี้เขายังให้ความสำคัญกับการออกแบบการแสดง: ในการตกแต่งจำเป็นต้องสังเกตสีประวัติศาสตร์ที่แน่นอนเช่นเดียวกับเครื่องแต่งกายซึ่งต้องสอดคล้องกับตำแหน่งทางสังคมของตัวละครอาชีพและตัวละครของเขา

บทความเหล่านี้โดย Zola กลายเป็นพื้นฐานทางทฤษฎีสำหรับการต่อสู้เพื่อประชาธิปไตยของโรงละคร มรดกอันน่าทึ่งของ Zola ประกอบด้วยบทละคร: "เทเรซา ราควิน" (1873), "ทายาทแห่ง Rabourdain"(พ.ศ. 2417) และ "โรสบัด" (1879).

ใน Thérèse Raquin โซลาต้องการสาธิต "อุปกรณ์ธรรมชาตินิยมทั่วไป" และในแง่นี้ ละครเรื่องนี้มีลักษณะเป็นโปรแกรม

บทละครแสดงรายละเอียดเกี่ยวกับชีวิตของครอบครัวชนชั้นกลาง - ชีวิตที่จำเจและน่าเบื่อ แต่ความน่าเบื่อหน่ายนี้ถูกระเบิดโดยสัญชาตญาณความรักที่เปล่งประกายของ Teresa Raquin ที่มีต่อเพื่อนของสามีของเธอ เธอประสบกับแรงดึงดูดทางร่างกายที่ไม่อาจต้านทานได้ ซึ่งนำไปสู่อาชญากรรม - สู่การฆาตกรรมสามีของเทเรซา แต่คนรักที่กลายเป็นอาชญากรถูกทรมานด้วยความรู้สึกผิดชอบชั่วดีพวกเขากลัวการลงโทษ ความกลัวในสิ่งที่พวกเขาทำทำให้พวกเขาคลั่งไคล้และพวกเขาก็ตาย ในบทละคร มีการอธิบายภาพการฆาตกรรมของสามีอย่างละเอียดพร้อมรายละเอียดทั้งหมด จากนั้นจึงเริ่มมีอาการและพัฒนาการของอาการป่วยทางจิตของอาชญากรที่นำไปสู่การเสียชีวิตของพวกเขา

"ทายาทแห่ง Rabourdain"- เรื่องตลกซึ่งเป็นที่มาของเรื่องตลกมารยาทของ Ben Jonson เรื่อง "Volpone หรือ Foxes" Zola เชื่อว่าแผนการของ Ben Jonson นั้นเป็นนิรันดร์เพราะมันสร้างขึ้นจากทายาทที่โลภมากที่รอการตายของญาติผู้มั่งคั่งและในตอนท้ายของการเล่นปรากฎว่าไม่มีความมั่งคั่ง ด้วยละครเรื่องนี้ Zola ต้องการฟื้นฟูการแสดงตลกของชาติ ให้กลับคืนสู่รากเหง้าของละครตลกของ Moliere โดยทั่วไป ไปจนถึงประเพณีของชาติที่สูญหายไปในโรงละครสมัยใหม่

"โรสบัด"เป็นการเล่นที่อ่อนกว่า การผลิตละครของ Zola ไม่ประสบความสำเร็จมากนัก การวิจารณ์ของชนชั้นกลางและสาธารณชนที่ได้รับการศึกษาเกี่ยวกับบทละครของ Sardou, Ogier, Dumas son, Labiche ไม่ยอมรับบทละครของ Zola

ในยุค 80 นวนิยายหลายเล่มของ Zola ถูกจัดแสดงซึ่งนำเสนอบนเวทีด้วย: "Nana", "The Womb of Paris", "Germinal" ฯลฯ การแสดงละครของ "Germinal" มีความสำคัญอย่างยิ่งโดยที่ความขัดแย้งหลัก อยู่ระหว่างคนงานเหมืองกับนายทุน การผลิตนี้กลายเป็นเหตุการณ์ที่ไม่เพียง แต่เป็นศิลปะเท่านั้น แต่ยังรวมถึงสังคมและการเมืองด้วย

ความหมายที่แท้จริงของการแสดงละครของ Zola ถูกกำหนดโดย A. Antoine:

“ต้องขอบคุณ Zola ที่ทำให้เราได้รับอิสรภาพในโรงละคร เสรีภาพในการแสดงละครเวทีเรื่องใดก็ได้ ในหัวข้อใดก็ได้ เสรีภาพในการนำผู้คน คนงาน ทหาร ชาวนาขึ้นเวที ทั้งหมดนี้เป็นเสียงที่ไพเราะและงดงามของฝูงชน ”

คุณลักษณะที่น่าสนใจประการหนึ่งของโรงละครแห่งสาธารณรัฐที่สามคือความดึงดูดใจในธีมวีรบุรุษ-โรแมนติก นี่เป็นเพราะอารมณ์ที่เกิดจากความพ่ายแพ้ในสงครามฝรั่งเศส - ปรัสเซีย ความสนใจในธีมฮีโร่แสดงออกมาในรูปแบบของการฟื้นคืนชีพของละครโรแมนติกและการเกิดขึ้นของละครแนวนีโอโรแมนติก เอ็ดมันด์ โรสแตนด์.

แต่ธีมของวีรบุรุษ-โรแมนติกบนเวทีไม่ได้กลายเป็นการแสดงออกถึงความรู้สึกนึกคิดในระบอบประชาธิปไตย และแรงจูงใจในความรักชาติมักจะเสื่อมถอยกลายเป็นความรู้สึกชาตินิยม

อย่างไรก็ตามในละคร เอ็ดมันด์ โรสแตนด์ (พ.ศ.2411-2461) แนวโรแมนติกแสดงออกมาอย่างชัดเจนที่สุด ตัวเขาเองเป็นคนที่มีมุมมองแบบอนุรักษ์นิยม ดังนั้นในการทำงานของเขา เขาจึงพยายามหลีกหนีจากความทันสมัยที่มีปัญหาทางสังคมไปสู่โลกแห่งความงามอันหรูหรา

แต่โลกทัศน์และความคิดสร้างสรรค์มักจะขัดแย้งกัน Rostand ในฐานะผู้ชายและพลเมืองมีลักษณะของความกล้าหาญอันสูงส่งและศรัทธาในความแข็งแกร่งทางจิตวิญญาณของมนุษย์ นี่คือสิ่งที่น่าสมเพชของความโรแมนติกของเขา เขาพยายามสร้างภาพวีรบุรุษของนักสู้ที่แข็งขันเพื่ออุดมการณ์แห่งความดีและความงาม และความปรารถนาเหล่านี้สอดคล้องกับสังคมประชาธิปไตย

การเปิดตัวที่น่าทึ่งคือภาพยนตร์ตลกเรื่อง "Romance" ในปี พ.ศ. 2437 ซึ่งจัดแสดงบนเวทีเรื่อง Comedy Francaise ในบทละครนี้มีความเข้าใจที่ไร้เดียงสาเกี่ยวกับแนวโรแมนติกซึ่งทำให้เกิดรอยยิ้ม แต่สัมผัสได้ด้วยความจริงใจและความรู้สึกอิ่มเอมใจในบทกวี คอมเมดี้เต็มไปด้วยความรู้สึกเศร้าเล็กน้อยเสียใจต่อโลกที่ไร้เดียงสาและกวีที่จากไป และในแง่นี้ ละครก็เข้ากันได้ดีกับกระแสสุนทรียะและโวหารที่เกิดขึ้นในช่วงหลายปีที่ผ่านมา

แต่ความรุ่งโรจน์ของ Rostand นำมาโดยละครอีกเรื่องของเขา - "Cyrano de Bergerac" ซึ่งจัดแสดงในปี พ.ศ. 2440 ที่โรงละคร Porte Saint-Martin ในปารีส แนวคือแนวฮีโร่คอมเมดี้ ประการแรกคือความสำเร็จที่นี่โดยฮีโร่ซึ่งมีภาพลักษณ์บางอย่างของชาติฝรั่งเศสและ ตัวละครพื้นบ้าน. Cyrano de Bergerac - กวีแห่งศตวรรษที่ 17, นักคิดอิสระและนักปรัชญา, นักเขียนบทละครและนักรบ; เขาเป็นผู้ปกป้องผู้อ่อนแอต่อผู้แข็งแกร่ง กล้าหาญและมีไหวพริบ ยากจนและใจกว้าง เป็นอัศวินผู้สูงศักดิ์

เขาปรากฏตัวในบทละครในฐานะคู่ต่อสู้ที่ดุร้ายของขุนนางผู้โหดเหี้ยมและจงใจ ในฐานะอัศวินและผู้อุปถัมภ์ของทุกคนที่ต้องการการปกป้อง นอกจากนี้เขายังอุทิศให้กับความรักที่เสียสละของเขาที่มีต่อร็อกแซน เขาน่าเกลียด เขามีจมูกโต และเธอไม่ตอบสนองความรู้สึกของเขา เธอหลงใหลในคริสเตียนที่หล่อเหลาและใจแคบ และ Cyrano ต้องการให้คริสเตียนคู่ควรกับความรักของ Roxana จึงเขียนจดหมายถึงเธอในนามของเขา และในช่วงออกเดททุกคืน เขาบอกคำที่ถูกต้องแก่ Christian จากนั้นตัวเขาเองก็พูดคำที่เขาอยากจะพูดในนามของเขาเอง

เกิดสงครามระหว่างฝรั่งเศสและสเปน Cyrano แสดงความกล้าหาญและความกล้าหาญอันยิ่งใหญ่ในสนามรบ และนอกจากนี้ เขายังเขียนจดหมายถึง Roxanne ในนามของ Christian และมอบพวกเขาด้วยตัวเอง ข้ามแนวหน้าและเสี่ยงชีวิตของเขา คริสเตียนกำลังจะตาย ร็อกซาน่าเก็บความทรงจำเกี่ยวกับเขาไว้ 15 ปีผ่านไป และ Cyrano ก็ระลึกถึงความทรงจำของเขา เขายังคงรัก Roxana โดยไม่เปิดเผยความรักต่อเธอ ไปเยี่ยมเธอทุกวัน และเธอเดาโดยบังเอิญว่าจดหมายทั้งหมดไม่ได้เขียนถึงเธอโดย Christian แต่โดย Cyrano (เมื่อเขาขออ่านจดหมายจาก Christian โดยไม่ต้องดูข้อความ) ร็อกแซนน์ตกใจกับการค้นพบนี้ แต่ชีวิตผ่านไป...

Cyrano de Bergerac คือผลงานชิ้นเอกของ Rostand

คุณยังสามารถตั้งชื่อละครเรื่อง "Eaglet" ซึ่งอุทิศให้กับลูกชายของนโปเลียน - ดยุคแห่ง Reichstadt ซึ่งหลังจากการล่มสลายของนโปเลียนก็ถูกทิ้งให้อยู่กับปู่ของเขาที่ศาลออสเตรีย ที่นี่ภาพของชายหนุ่มที่ถูกฉีกออกจากบ้านเกิดเมืองนอนและความฝันในการฟื้นฟูประเทศของเขาถูกเขียนออกมาอย่างโรแมนติก ภาพของทหารเก่า Flambeau ผู้ซึ่งปกป้องลูกชายของจักรพรรดิของเขานั้นช่างน่าทึ่ง ละครจบลงด้วยฉากอันน่าสมเพชของการตายของ "อินทรี" ที่นี่ - ทั้งองค์ประกอบที่โรแมนติกและไพเราะ, บทบาทที่ชนะมากมาย, ฉากที่น่าตื่นเต้น เหมือนบทละครที่ผ่านๆ มา แต่งเป็นบทกลอนไพเราะ นักแสดงหลายคนรวมไว้ในละครของพวกเขา ดังนั้น Sarah Bernhardt ที่มีชื่อเสียงจึงรับบทเป็น Duke of Reichstadt ที่ประสบความสำเร็จอย่างมาก

ในช่วงสุดท้ายของชีวิต Rostand ได้เขียนบทละครเรื่อง "The Last Night of Don Juan" ซึ่งได้รับการประเมินในเชิงบวกจากสื่อฝรั่งเศสหัวก้าวหน้าว่าเป็นงานที่มีความลึกซึ้งทางปรัชญาอย่างแท้จริง

Rostand เข้าสู่ประวัติศาสตร์ของโรงละครด้วยบทละคร Cyrano de Bergerac ซึ่งเป็นบทละครเกี่ยวกับกวีในศตวรรษที่ 17 ที่กบฏต่อโลกแห่งความถ่อยและหยาบคาย

ในตอนท้ายของศตวรรษที่สิบเก้า ในละครและการละคร หลักการเชิงอุดมคติและสุนทรียะของทิศทางใหม่กำลังก่อตัวขึ้น - สัญลักษณ์

นักสัญลักษณ์มองว่าความเป็นจริงเป็นสิ่งที่ผิวเผินไม่มีอยู่จริงเหมือนม่านที่แยกบุคคลออกจากสาระสำคัญลึกลับของโลกจากพลังที่กำหนดเส้นทางและชะตากรรมของผู้คน ดังนั้น ความไร้ประโยชน์ของการพรรณนาชีวิตที่เหมือนจริง เพราะแก่นแท้ของชีวิตเป็นหลักการที่ไม่มีเหตุผล ซึ่งสามารถระบุได้ด้วยคำใบ้ของมัน - เครื่องหมาย.

กระแสนิยมนี้มาจากแนวคิดทางปรัชญาที่ปฏิเสธโรงละครที่มีอยู่เดิมทั้งในด้านรูปแบบและเนื้อหา การปฏิเสธความเป็นจริงเป็นรูปแบบหนึ่งของการต่อสู้กับโรงละครประเภทที่ครอบงำ ซึ่งหลักการสมจริงที่ยากไร้ได้ถือกำเนิดขึ้นใหม่เป็นแบบธรรมชาติที่เรียบๆ และถูกรวมเข้ากับเรื่องประโลมโลกหรือความตลกขบขันของละครชนชั้นนายทุนเล็กน้อยได้อย่างง่ายดาย โรงละครประเภทนี้ตรงกันข้ามกับโรงละคร มุ่งมั่นเพื่อความเข้าใจเชิงปรัชญาของการเป็นอยู่ ก้าวข้ามขีดจำกัดของชีวิตประจำวัน

นักเขียนบทละครและนักทฤษฎีสัญลักษณ์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดคือนักเขียนชาวเบลเยียม มอริส เมเทอร์ลิงค์ (พ.ศ.2405-2492). งานของเขาเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับวัฒนธรรมฝรั่งเศสและมีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาละครและโรงละครในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20

แนวคิดที่ตามมาโดย Maeterlinck มีดังนี้: เหตุผลและความรู้สึกไม่สามารถช่วยให้ความรู้เกี่ยวกับโลกนี้ได้ มีเพียงการเริ่มต้นที่ไม่ลงตัวของชีวิตฝ่ายวิญญาณของบุคคล - จิตวิญญาณของเขา - เท่านั้นที่สามารถรู้สึกถึงความใกล้ชิดของโลกอื่นที่เป็นศัตรูกับมนุษย์ โลกนี้ถูกพรรณนาไว้ในละครของ Maeterlinck ว่าเป็นพลังแห่งโชคชะตาที่ชั่วร้าย หลีกเลี่ยงไม่ได้ และไม่อาจหลีกเลี่ยงได้ การปะทะกันของมนุษย์กับกองกำลังเหล่านี้เป็นพื้นฐานของความขัดแย้งในบทละครของ Maeterlinkk ในยุค 90

มุมมองทางสุนทรียศาสตร์ของ Maeterlinck แสดงอยู่ในหนังสือ The Treasure of the Humble (1896) ในบทความเรื่อง The Tragedy of Everyday Life and Silence

พื้นฐานของวิธีการทางศิลปะของโรงละครใหม่คือการรับสัญลักษณ์ - การกำหนดแบบดั้งเดิมที่ให้สูตรชีวิตที่น่าเศร้าแก่ผู้ชมโดยปราศจากชีวิตประจำวัน ตามแนวคิดของ Maeterlinck ชีวิตประจำวันที่แท้จริงไม่สามารถเป็นเป้าหมายหลักของภาพได้ แต่เป็น "ชีวิตจริง" นั่นคือ ไม่สามารถพรรณนาถึงชีวิตที่เข้าถึงความรู้ไม่ได้

โรงละครในอุดมคติอ้างอิงจาก Maeterlinkk คือโรงละครแบบคงที่ซึ่งควรลดการกระทำภายนอกให้เหลือน้อยที่สุด สิ่งสำคัญอยู่ในสิ่งที่ซ่อนอยู่ แต่รู้สึกว่าอยู่เบื้องหลังสิ่งปกคลุมภายนอกของชีวิต คุณสมบัติเหล่านี้ทำให้เกิดความรู้สึกหวาดกลัว นำผู้ชม (หรือผู้อ่าน) ไปสู่โลกที่มืดมนซึ่งดูเหมือนฝันร้าย Maeterlinck เองกำหนดบทละครดังต่อไปนี้: ละครเหล่านี้ "เต็มไปด้วยความศรัทธาในพลังอันยิ่งใหญ่ที่ไม่เคยเกิดขึ้นมาก่อนและร้ายแรงซึ่งไม่มีใครรู้เจตนา แต่ดูเหมือนว่าไม่เป็นมิตรในจิตวิญญาณของละคร ใส่ใจทุกการกระทำของเรา รอยยิ้มที่ไม่เป็นมิตร ชีวิต ความสงบสุข และความสุข" "

ภาพลักษณ์ที่เป็นสัญลักษณ์ของมนุษยชาติ ตาบอดและไร้หนทางที่ Maeterlinck มอบให้ในละคร "ตาบอด" (1890).

ในเวลากลางคืน คนตาบอดรวมตัวกันในป่าทึบภายใต้ท้องฟ้าที่หนาวเย็นและสูงชัน ในหมู่พวกเขามีทั้งคนแก่ คนหนุ่มสาว และเด็ก พวกเขาทั้งหมดกำลังรอใครบางคนอยู่ พวกเขามีมัคคุเทศก์ซึ่งเป็นนักบวชซึ่งบอกว่าเขากำลังจะไปไกลและบอกให้พวกเขารอ แต่เขาตายและศพของเขาอยู่ที่นั่น แต่คนตาบอดไม่รู้เรื่องนี้และบังเอิญไปสะดุดกับร่างของนักบวช พวกเขาเต็มไปด้วยความกลัว ด้วยการมรณกรรมของบาทหลวง ศรัทธาที่ชี้นำเส้นทางของพวกเขาก็พินาศเช่นกัน พวกเขาไม่รู้ว่าตัวเองอยู่ที่ไหน ไปไหน ทำอะไร พวกเขาถูกทิ้งไว้ตามลำพังและทำอะไรไม่ถูก พวกเขาฟังเสียงกลางคืน ได้ยินเสียงคลื่นทะเลดังก้องลมเย็นพัดใบไม้ร่วงหล่นเด็กเริ่มร้องไห้ ทันใดนั้นได้ยินเสียงฝีเท้าในระยะไกล ขั้นตอนกำลังจะมาถึง เราหยุดอยู่ท่ามกลางพวกเขา "คุณคือใคร? - ความเงียบ.

ในบทละครยุคแรกๆ ของ Maeterlinck สัญญาณของความเสื่อมโทรมแสดงให้เห็นอย่างชัดเจน: ความกลัวต่อชีวิต การไม่เชื่อในจิตใจและความแข็งแกร่งของมนุษย์ ความคิดเกี่ยวกับหายนะ เกี่ยวกับความไร้ประโยชน์ของการดำรงอยู่ พระเอกหายไป. สถานที่ของเขาถูกยึดโดยผู้ที่ตกเป็นเหยื่อของหิน ตัวละครที่ไร้พลังและน่าสมเพชไม่สามารถเข้าร่วมในความขัดแย้งที่น่าทึ่งได้

แต่ในผลงานของ Maeterlink มีอีกแง่มุมหนึ่งที่ทำให้เห็นว่าเขาเป็นศิลปินที่ยิ่งใหญ่และกระสับกระส่ายในตัวเขา เขาพยายามที่จะค้นหาคำตอบสำหรับคำถามที่น่ากลัวของชีวิตสมัยใหม่ในปรัชญาและศิลปะ เขาไม่ยอมรับโรงละครที่ให้บริการแก่ชนชั้นนายทุนน้อยและชนชั้นนายทุนส่วนใหญ่ และกำลังมองหาวิธีการใหม่ของโรงละครในรูปแบบใหม่ และจากมุมมองนี้ ในการค้นหาของเขา เขาเข้าใกล้การค้นพบที่น่าทึ่งและบนเวทีของ A.P. เชคอฟ (การปฏิเสธภาพลักษณ์ของตัวละครที่โดดเด่น, รูปแบบใหม่ของความขัดแย้งที่น่าทึ่ง, "คลื่นใต้น้ำ" - หลักการของข้อความย่อย, ความหมายของการหยุดชั่วคราว, การสร้างอารมณ์ ฯลฯ )

ในตอนต้นของศตวรรษที่ยี่สิบ ลักษณะของการละครของ Maeterlinkk เปลี่ยนแปลงไปอย่างมาก ภายใต้อิทธิพลของกระแสสังคมที่เกิดขึ้นในช่วงหลายปีที่ผ่านมาในประเทศนี้ เขาจึงหันมาใช้ชีวิตจริง ตอนนี้เขาตระหนักถึงบทบาทของอุปกรณ์ทางศิลปะที่อยู่เบื้องหลังสัญลักษณ์นี้ ภาพลักษณ์ของฮีโร่ของเขาได้รับเลือดเนื้อความคิดและความหลงใหล ในละครอิงประวัติศาสตร์ "มนต์วรรณา"(พ.ศ. 2445) ทรงตั้งประเด็นปัญหาหน้าที่พลเมือง กล่าวถึงศรัทธาในมนุษย์ รักแท้และศีลธรรม ในละคร "ซิสเตอร์เบียทริซ"(พ.ศ. 2443) เมเทอร์ลิงค์ตีความเนื้อเรื่องของปาฏิหาริย์ในยุคกลางด้วยวิธีใหม่ โดยเปรียบเทียบการบำเพ็ญตบะในโบสถ์ที่มืดมนกับความสุขและความทรมานของชีวิตมนุษย์

ในปี 1908 Maeterlinkk สร้างบทละคร "นกสีฟ้า",ซึ่งกลายเป็นผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขา เธอได้รับความนิยมนี้ด้วยธีมเบา ๆ ที่ส่งเสริมชีวิตซึ่งกำหนดบรรยากาศทั้งหมดของละคร ฮีโร่ของบทละครคือเด็กๆ และชีวิตก็ปรากฏราวกับเห็นผ่านสายตาของเด็ก พวกเขาเปิดโลกรอบตัวที่เต็มไปด้วยความงามและจิตวิญญาณและต้องการความกล้าหาญและความรู้สึกที่ดีจากบุคคล และถ้าก่อนหน้านี้ Maeterlinck พูดถึงโศกนาฏกรรมในชีวิตประจำวัน ตอนนี้เขาพูดถึงความงามและบทกวีของมัน การเล่นนั้นยอดเยี่ยม เต็มไปด้วยปาฏิหาริย์ การแปลงร่างที่น่าอัศจรรย์ นี่คือเรื่องราวการผจญภัยของเด็กชายทิลทิลและมิทิลน้องสาวของเขาที่ต้องการตามหานกสีฟ้าวิเศษ นกสีฟ้าเป็นสัญลักษณ์ของความสุขและความงาม และเธออาศัยอยู่ในบ้านของพวกเขา แต่เด็ก ๆ ไม่รู้เรื่องนี้จึงออกเดินทาง

บทละครเป็นสัญลักษณ์ แต่สัญลักษณ์เป็นคำอุปมาเชิงกวีที่ช่วยให้เข้าใจจิตวิญญาณของธรรมชาติ

การแสดงละครในปี 1908 บนเวทีของ Moscow Art Theatre มีส่วนอย่างมากต่อความสำเร็จของละคร

ละครเรื่องอื่น ๆ ก็ดึงดูดความสนใจของผู้กำกับเช่นกัน - "ความตายของเทนทาจิล"(พ.ศ. 2437) ซึ่งดึงดูดความสนใจของเมเยอร์โฮลด์ให้ทำงานในสตูดิโอที่โพวาร์สกายาในปี พ.ศ. 2448 "ตำนานเสียดสี" "ปาฏิหาริย์แห่งนักบุญอันตน"(1903) จัดแสดงโดย Vakhtangov ในปี 1921 ในสตูดิโอของเขา

Maeterlinck ปฏิบัติตามกฎแห่งการเสียดสี นำเสนอจินตนาการอย่างกล้าหาญในภาพลักษณ์ของสังคมสมัยใหม่เพื่อแสดงให้เห็นถึงความหน้าซื่อใจคดของศีลธรรมของชนชั้นนายทุนในระยะใกล้

ละครเรื่องนี้เกิดขึ้นในบ้านชนชั้นกลางผู้มั่งคั่ง ในวันงานศพของมาดามฮอร์เตนเซ่เจ้าของผู้ล่วงลับ ทายาทได้เชิญแขกจำนวนมากมางานกาล่าดินเนอร์เพื่อเป็นเกียรติแก่ความทรงจำของป้าของพวกเขาอย่าซ่อนความสุขที่ได้รับมรดกมากมาย ทันใดนั้นชายชราขอทานก็เข้ามาในบ้านโดยประกาศตัวเองว่าเป็นนักบุญแอนโธนี เขาได้ยินคำอธิษฐานของสาวใช้เวอร์จิเนียซึ่งเป็นคนเดียวที่เสียใจอย่างสุดซึ้งต่อการตายของมาดามฮอร์เตนเซ และมาเพื่อชุบชีวิตผู้เสียชีวิต แต่ปรากฎว่าไม่มีใครต้องการมัน อย่างไรก็ตามนักบุญได้เอาชนะการต่อต้านของญาติทำให้ผู้ตายฟื้นคืนชีพ แต่ Hortense ที่ฟื้นคืนชีพเริ่มดุว่า "ผู้ชายคนนี้" ที่ทำพรมในห้องของเธอสกปรก และญาติไม่พอใจส่งนักบุญให้ตำรวจ Hortense ตายอย่างสมบูรณ์เพื่อความสุขของทายาทแล้ว

การเล่นนี้มีลักษณะของปาฏิหาริย์ใกล้เคียงกับประเพณีของเรื่องตลกพื้นบ้านซึ่งเน้นความเป็นประชาธิปไตยของการเสียดสีต่อต้านชนชั้นกลาง

ผลงานของ Maeterlinck เป็นขั้นตอนสำคัญในการพัฒนาละครของยุโรปตะวันตกและมีอิทธิพลอย่างมากต่อสุนทรียศาสตร์ของโรงละครในศตวรรษที่ 20

จากผลงานที่ตามมาของเขาเราสามารถแยกแยะละครเรื่อง Burgomaster of Stilmond (1919) ซึ่งแสดงถึงตอนที่น่าสลดใจของการต่อสู้ของชาวเบลเยียมกับไกเซอร์เยอรมนี การเล่นครั้งสุดท้ายของ Maeterlinck เรื่อง Joan of Arc (1940)

เช่นเดียวกับประเทศอื่นๆ ในยุโรป ต้นกำเนิดของโรงละครฝรั่งเศสนั้นเกี่ยวข้องกับศิลปะของนักแสดงและนักดนตรีที่เดินทางท่องเที่ยวในยุคกลาง (นักเล่นกล) เกมพิธีกรรมในชนบท - ความลึกลับและปาฏิหาริย์ที่ช่างฝีมือในเมืองเล่น (ดู โรงละครยุคกลาง). คณะละครสมัครเล่นไม่มีสถานที่แสดงถาวร และการแสดงเป็นกิจกรรมสุ่ม จากวินาทีเท่านั้น ครึ่งหนึ่งของ XVIวี. การแสดงกลายเป็นงานฝีมือ การแสดงกลายเป็นเรื่องปกติ จำเป็นต้องมีห้องโถงที่มีอุปกรณ์พิเศษสำหรับการแสดงละคร

การแสดงละครใบ้ปลุกม่ายสาว การแสดงตลก จากจิ๋วฝรั่งเศสเก่า

Henri Louis Lequin เป็น Orosmenes ในโศกนาฏกรรมของ Voltaire Zaire

Jean Baptiste Molière แต่งตัวเป็น Arnolf โรงเรียนสำหรับภรรยา โดย Molière

Benoît Constant Coquelin ใน Le Funny Pretenders ของ Molière ศิลปิน Viber ศตวรรษที่ 19

ออกแบบเครื่องแต่งกายสำหรับโศกนาฏกรรม "Andromache" โดย J. Racine ศิลปิน แอล. มารินี ศตวรรษที่ 18

Benoît Constant Coquelin (1841-1909) - นักแสดงและนักทฤษฎีการละครชาวฝรั่งเศส

Sarah Bernard เป็น Hamlet ในโศกนาฏกรรมชื่อเดียวกันโดย W. Shakespeare]

ฉากจากบทละคร "The Power of Darkness" โดย L. N. Tolstoy "โรงละครฟรี" โดย A. Antoine ปารีส. พ.ศ. 2431

Jean Vilar และ Gerard Philippe ในโศกนาฏกรรม "Sid" โดย P. Corneille โรงละครประชาชนแห่งชาติ (มทร.).

Jean Louis Barrault บนเวที

ในปี ค.ศ. 1548 โรงละคร Burgundy Hotel แห่งแรกในปารีสได้เปิดทำการ ด้วยการถือกำเนิดขึ้น โรงละครมืออาชีพนักเขียนบทละครมืออาชีพคนแรกปรากฏตัวซึ่งเขียนบทละครสำหรับคณะนี้โดยเฉพาะ การพัฒนาทัศนียภาพเริ่มต้นขึ้นโดยที่คณะเดินทางไม่เคยจัดการได้อย่างง่ายดาย การแสดงแต่ละครั้งมักจะประกอบด้วยสองส่วน - โศกนาฏกรรม, อภิบาลหรือโศกนาฏกรรม - และเรื่องตลก บนเวทีของโรงแรมเบอร์กันดีเมื่อต้นศตวรรษที่ 17 นักเล่นตลกที่มีชื่อเสียง (นักแสดงตลก) Tabarin, Gauthier-Gargil, Gros-Guillaume, Turlepin เล่น

ศตวรรษที่ 17 ในฝรั่งเศส - ยุครุ่งเรืองของศิลปะคลาสสิก ลัทธิคลาสสิกสร้างโรงเรียนสอนละครเวทีที่กำหนดรูปแบบการแสดงมาเป็นเวลาหลายปี: ความเคร่งขรึมและความสง่างามของการเคลื่อนไหว ท่วงท่าและอากัปกิริยาของนักแสดง ทักษะในการท่องบท ความสำเร็จของทิศทางใหม่ในโรงละครฝรั่งเศสเกี่ยวข้องกับผลงานของ Pierre Corneille (1606-1684), Jean Racine (1639-1699), Jean-Baptiste Molière (1622-1673)

โศกนาฏกรรมของ Pierre Corneille ส่วนใหญ่จัดแสดงที่โรงละคร Marais ซึ่งเปิดในปารีสในปี 1634 ธีมหลักของผลงานของ Corneille Sid (1637), Horace (1640), Cinna (1641) คือการต่อสู้ในจิตวิญญาณของฮีโร่ของ ความหลงใหลและสำนึกในหน้าที่และเกียรติยศ โลกของการแสดงละครของเขานั้นรุนแรงและยิ่งใหญ่ ตัวละครของเขาไร้ที่ติ มีอุดมคติ และในความมั่นคงภายในนั้นพวกเขาต่อต้านความแปรปรวนของโลกภายนอก แนวคิดเกี่ยวกับยุครุ่งเรืองของลัทธิสมบูรณาญาสิทธิราชย์สะท้อนให้เห็นในงานของ Corneille: วีรบุรุษแห่งโศกนาฏกรรมของเขาเสียสละความรู้สึกและบ่อยครั้งที่ชีวิตของพวกเขาในนามของหน้าที่ต่อรัฐ พระมหากษัตริย์ และไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ความสนใจเป็นพิเศษในผลงานของ Corneille เกิดขึ้นในฝรั่งเศสในช่วงเวลานั้นในประวัติศาสตร์ที่ต้องการศรัทธาในวีรบุรุษในอุดมคติ ผู้กอบกู้ปิตุภูมิ ฮีโร่ดังกล่าวคือ Sid ในโศกนาฏกรรมที่มีชื่อเดียวกัน บทบาทนี้ประสบความสำเร็จอย่างมากโดยนักแสดงที่ยอดเยี่ยม เจอราร์ด ฟิลิปป์ (พ.ศ. 2465-2502) ในช่วงหลายปีหลังจากสิ้นสุดสงครามโลกครั้งที่สองซึ่งเกี่ยวข้องกับความหวังของผู้คนในการเปลี่ยนแปลงประชาธิปไตย

ผลงานของ Jean Racine ซึ่งเป็นศิลปินร่วมสมัยที่อายุน้อยกว่าของ Corneille มีความเชื่อมโยงอย่างแยกไม่ออกกับโรงละคร Burgundy Hotel ซึ่งแสดงโศกนาฏกรรมเกือบทั้งหมดที่เขาเขียนขึ้น ราซีนถูกดึงดูดโดยพื้นที่แห่งความรู้สึกของมนุษย์มากที่สุด ซึ่งยกย่องความรัก การต่อสู้ของกิเลสตัณหาที่ขัดแย้งกัน ซึ่งแตกต่างจาก Corneille ใน Racine ซึ่งงานของเขาเกิดขึ้นในช่วงหลายปีที่ผ่านมาของปฏิกิริยาทางการเมืองในฝรั่งเศส อำนาจเผด็จการดูเหมือนจะเป็นพลังที่ไม่เป็นมิตรต่อสารพัด โศกนาฏกรรมของนางเอกที่ชื่นชอบหญิงสาวและสวย: Junia (“ Britanic”, 1669), Andromache และ Berenice (ในผลงานชื่อเดียวกันในปี 1667 และ 1670) - ประกอบด้วยการปะทะกับเผด็จการที่กดขี่อย่างแม่นยำ

ในโศกนาฏกรรมที่โด่งดังที่สุดเรื่องหนึ่งของเรซีน เรื่อง Phaedra (1677) ความหลงใหลและศีลธรรมต่อสู้กันในจิตวิญญาณของนางเอก และความกระหายในความสุขส่วนตัวขัดแย้งกับความรู้สึกผิดชอบชั่วดี

จากนักแสดงหญิง M. Chanmelet นักแสดงคนแรกในบทบาทของ Phaedra และนางเอกของ Racine คนอื่นๆ ในโรงแรม Burgundy และ T. Duparc ซึ่งเล่นในคณะเดียวกัน เป็นผู้ริเริ่มประเพณีของบทบรรยายที่นุ่มนวล ดนตรี และเต็มไปด้วยอารมณ์เมื่อแสดงโศกนาฏกรรมของ Racine ความสง่างามตามธรรมชาติของการเคลื่อนไหวและท่าทาง ราซีนเองยืนอยู่ที่ต้นกำเนิดของประเพณีเหล่านี้ โดยแสดงที่โรงแรมเบอร์กันดีและในฐานะผู้กำกับการแสดงของเขา จากช่วงเวลาของการแสดงครั้งแรก ประวัติบนเวทีของ Phaedra ไม่ได้ถูกขัดจังหวะ บทบาทของ Phaedra แสดงโดยนักแสดงหญิงที่ดีที่สุดในโลกรวมถึงในประเทศของเรา - E. S. Semenova, M. N. Ermolova, A. G. Koonen

ศตวรรษที่ 18 เรียกว่า Age of Enlightenment ผู้รู้แจ้งชาวฝรั่งเศสที่ยิ่งใหญ่ที่สุดคนหนึ่งคือวอลแตร์ (Marie Francois Arouet, 1694-1778) เขาเชื่อในพลังอันยิ่งใหญ่ของจิตใจมนุษย์และเชื่อมโยงความหวังของเขาสำหรับการเปลี่ยนแปลงของโลกกับการตรัสรู้ วอลแตร์เป็นคนที่มีจิตใจเฉียบแหลมและมีพรสวรรค์รอบด้าน เป็นทั้งกวี นักเขียนบทละคร นักจุลสาร และนักวิจารณ์ ในบรรดาโศกนาฏกรรมคลาสสิกที่โด่งดังที่สุดของเขา ได้แก่ Brutus (1731), Zaire (1732), The Death of Caesar (1735) และอื่น ๆ

ใน ละครฝรั่งเศสแนวใหม่เกิดขึ้น - ละครชนชั้นนายทุนน้อย, "ตลกน้ำตาไหล", ตลกเสียดสี, เปิดโปงประเพณีของสังคมศักดินา ฮีโร่ใหม่ปรากฏตัวบนเวที - นักการเงิน "ถุงเงิน" ("Turcare" โดย A. Lesage, 1709) คนรับใช้ที่ฉลาด (ผลงานโดย P. Beaumarchais)

Pierre Augustin Beaumarchais (1732-1799) ซึ่งเป็นผู้รู้แจ้งรุ่นใหม่ในละครตลกเสียดสีเรื่อง The Barber of Seville (1775) และ The Marriage of Figaro (1784) สร้างภาพลักษณ์ของ Figaro - คนรับใช้ที่มีความสามารถ มีพลัง และกล้าหาญ . เขาพูดกับขุนนางจากเวทีด้วยคำพูดที่มีชื่อเสียง: "คุณสร้างปัญหาให้กับตัวเองนั่นคือทั้งหมด"

ผลงานของวอลแตร์และโบมาเช่ส์และการแสดงที่มีพรสวรรค์บนเวทีมีบทบาทสำคัญในการเตรียมอุดมการณ์ของการปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งใหญ่ในปี ค.ศ. 1789-1799

ในศตวรรษที่สิบแปด ในด้านทัศนียภาพและการแสดงนั้น พยายามทำให้การแสดงเข้าใกล้ความจริงของชีวิตและความถูกต้องทางประวัติศาสตร์มากขึ้น จำนวนโรงภาพยนตร์เพิ่มมากขึ้น และตลอดศตวรรษที่ผ่านมา บุคลิกของนักแสดง เกมการแสดง ดึงดูดความสนใจเป็นพิเศษจากทั้งผู้ชมและนักทฤษฎีศิลปะ บทความของนักปรัชญาวัตถุนิยมและนักการศึกษาที่โดดเด่น Denis Diderot "The Paradox of the Actor" (1773-1778) เน้นย้ำถึงความจำเป็นที่นักแสดงจะต้องใช้ความรู้สึกรองลงมาเพื่อเหตุผลควบคุมเกมของเขาซึ่งไม่ได้ยกเว้นความจริงใจของเขาเลย พฤติกรรมบนเวทีและในขณะเดียวกันก็ช่วยให้เขารักษาสัดส่วน

ตัวแทนที่โดดเด่นของการตรัสรู้คลาสสิกคือนักแสดงของComédie Francaise Michel Baron (1653-1729), Henri Louis Lequin (1729-1778), นักแสดงหญิง Adrienne Lecouvreur (1692-1730), Marie Dumesnil (1713-1802), Cleron ( 1723-1803).

การปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งใหญ่ ค.ศ. 1789-1794 พระราชกฤษฎีกาเกี่ยวกับเสรีภาพของโรงละครซึ่งรับรองโดยสภาร่างรัฐธรรมนูญเมื่อวันที่ 19 มกราคม พ.ศ. 2334 ได้นำอิสรภาพจากการผูกขาดของราชวงศ์มาสู่โรงละครฝรั่งเศสและโรงละครส่วนตัวใหม่ประมาณ 20 แห่งก็ปรากฏขึ้นทันที การเฉลิมฉลองยอดนิยมการแสดงละครจำนวนมากยังกำหนดการปรากฏตัวของประเภทเวทีใหม่ - ชาดก, ละครใบ้, oratorios ซึ่งร้องเพลงแห่งชัยชนะของการปฏิวัติ; เรื่องตลกทางการเมือง (ดู การแสดงละครจำนวนมาก)

ในช่วงหลายปีของการปฏิวัติ Comedy Francaise ได้เปลี่ยนชื่อเป็น Theatre of the Nation แต่เนื่องจากคณะของเขาส่วนใหญ่ต่อต้านการเปลี่ยนแปลงของการปฏิวัติ นักแสดงที่มีแนวคิดปฏิวัติจึงก่อตั้งขึ้น โรงละครใหม่- "Theatre of the Republic" นำโดย Francois Joseph Talma โศกนาฏกรรมที่โดดเด่น (1763-1826) ซึ่งเป็นตัวแทนของลัทธิคลาสสิคปฏิวัติ ต่อจากนั้นคณะละครของฝรั่งเศสที่เก่าแก่ที่สุดทั้งสองคณะก็ได้กลับมารวมตัวกันอีกครั้ง

ศตวรรษที่ 19 นำมาซึ่งการปฏิเสธแบบจำลอง กฎ ความเชื่อในงานศิลปะ นั่นคือ รากฐานของลัทธิคลาสสิก การต่อสู้กับศิลปะดั้งเดิมนั้นมอบให้โดยผู้สนับสนุนรุ่นเยาว์ในทิศทางใหม่ - แนวโรแมนติก ในแถลงการณ์มากมายของพวกเขา - "Racine and Shakespeare" (1823-1825) โดย Stendhal, "The Theatre of Clara Gasoul" (1825) โดย P. Merimee, "Preface to" Cromwell "" (1827) โดย V. Hugo - นักเทศน์ ของแนวจินตนิยมอาศัยแนวคิดเรื่องเสรีภาพในการวางแผน รูปแบบ ลักษณะการแสดงเป็นหลัก ได้รับอิทธิพลจากบทละครอิสระของ W. Shakespeare, P. Calderon และ F. Schiller แนวโรแมนติกนี้ยืนกรานให้เคารพใน "สีท้องถิ่น" นั่นคือในเงื่อนไขที่แท้จริงของการกระทำ ขยายขอบเขตและปฏิเสธเอกภาพของเวลา และสถานที่. อย่างไรก็ตาม การแสดงละครที่สร้างขึ้นโดยชาวโรแมนติกไม่ได้คำนึงถึงความเป็นไปได้ของเวทีและนักแสดงร่วมสมัย และในแง่นี้ การแสดงบนเวทีแบบดั้งเดิมจึงเป็นเรื่องยากมาก ดังนั้นนักแสดงที่ดีที่สุดของละครโรแมนติกของ V. Hugo และ A. Dumas père ในช่วงปีแรก ๆ จึงไม่ใช่นักแสดงของ Comédie Française ที่มีความจงรักภักดีต่อประเพณี แต่เป็นศิลปินที่ก่อตั้งโดยโรงเรียนละครใบ้หรือเรื่องประโลมโลก นักแสดงหญิง Marie Dorval (พ.ศ. 2341-2392) ได้รวบรวมภาพของวีรสตรีที่ต่อสู้เพื่อความรักของพวกเขาบนเวทีด้วยพลังทะลุทะลวง หนึ่งในบทบาทที่ดีที่สุดของเธอคือ Marion Delorme ในละครชื่อเดียวกันโดย V. Hugo ปิแอร์ โบเคจ (พ.ศ. 2342 - ราว พ.ศ. 2405) มีชื่อเสียงจากการสร้างภาพลักษณ์ของวีรบุรุษกบฏในละครสังคมและละครประโลมโลกโดยวี. ฮูโก บุตรชายของเอ. ดูมาส์ งานโรแมนติกที่สมจริงและในเวลาเดียวกันของ Frederic-Lemaître (1800-1876) ได้รับการชื่นชมอย่างสูงจากผู้ร่วมสมัยของเขา บทบาทที่โด่งดังที่สุดของเขาคือ Ruy Blas ในละครชื่อเดียวกันโดย V. Hugo, Keene ในละครของ A. Dumas père Keene หรือ Genius and Debauchery ชนชั้นนายทุนที่ฉลาดและคนโกง Robert Maker ในภาพยนตร์ตลกชื่อเดียวกัน เขียนโดย Frederic-Lemaitre เอง พวกเขาเล่นในโรงละครของถนน (โรงละครส่วนตัวขนาดเล็กใน Grands Boulevards ในปารีส) ซึ่งเกิดขึ้นในครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ผู้ชมที่นี่มีความเป็นประชาธิปไตยมากกว่าใน Comédie Francaise เธอตอบสนองต่ออารมณ์ความรู้สึกของนักแสดงอย่างชัดเจน ความถูกต้องของประสบการณ์บนเวที ความถูกต้องของลักษณะทางสังคมและชีวิตประจำวัน

อย่างไรก็ตามหลังจากนั้นไม่นานนักแสดงก็ปรากฏตัวใน Comedie Francaise ซึ่งเป็นการผสมผสานระหว่างบทบาทคลาสสิกและโรแมนติกในละครของพวกเขา

การปฏิเสธสามัญสำนึกแบบฟิลิสเตียคือสิ่งที่เกิดขึ้นในละครในยุค 50 ศตวรรษที่ 20 กระแส "ดราม่าไร้สาระ". บทละครโดย Arthur Adamov, Eugène Ionesco, Jacques Genet, Samuel Beckett จัดแสดงในโรงละครส่วนตัวขนาดเล็กและแสดงลางสังหรณ์อันน่าเศร้าเกี่ยวกับความตาย หายนะที่กำลังจะเกิดขึ้น และการไร้ที่พึ่งของมนุษย์

ในช่วงทศวรรษที่ 60-70 ศตวรรษที่ 20 หากปราศจากอิทธิพลของแนวคิดของละคร B. Brecht ในฝรั่งเศส โรงละครการเมืองกำลังพัฒนาอย่างแข็งขัน ซึ่งเป็นลักษณะปฏิกิริยาที่แข็งขันของประชาชนต่อการกระทำที่เกิดขึ้นบนเวที

ในบรรดาผลงานละครที่น่าสนใจที่สุดในยุค 70-80 ศตวรรษที่ 20 เป็นผลงานของผู้กำกับ Jean Louis Barraud, Ariana Mnushkina ("Theater of the Sun"), Roger Planchon ("Theater de la Cite" ในเขตชานเมืองของ Lyon), Patrice Cherro และอื่น ๆ

ปัจจุบันมีคณะละครหลายร้อยแห่งในฝรั่งเศส ส่วนใหญ่ถูกสร้างขึ้นสำหรับหนึ่งฤดูกาลและไม่ได้รับความช่วยเหลือจากรัฐ

โรงละครฝรั่งเศส

ในการแสดงในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 - ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 มีแนวโน้มที่จะขยายขอบเขตของการกระทำจริงมีการปฏิเสธกฎแห่งเอกภาพของเวลาและสถานที่

การเปลี่ยนแปลงที่ส่งผลกระทบต่อศิลปะการละครไม่สามารถส่งผลกระทบต่อการตกแต่งเวทีได้ ไม่เพียงแต่อุปกรณ์บนเวทีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงสถานที่ในโรงละครที่ต้องมีการปรับโครงสร้างองค์กรอย่างรุนแรง แต่ในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 การเปลี่ยนแปลงดังกล่าวเป็นเรื่องยากมาก

สถานการณ์เหล่านี้ทำให้ตัวแทนของโรงเรียนละครใบ้สมัครเล่นเข้ามาแทนที่นักแสดงยุคใหม่โดยชอบธรรม พวกเขากลายเป็นนักแสดงที่ดีที่สุดในงานละครนวัตกรรมใหม่

ภาพพาโนรามา ไดโอรามา และนีโอรามาที่งดงามค่อยๆ แพร่หลายในศิลปะการแสดงของศตวรรษที่ 19 L. Daguerre เป็นหนึ่งในมัณฑนากรระดับปรมาจารย์ที่มีชื่อเสียงที่สุดในฝรั่งเศสในช่วงเวลาที่อยู่ระหว่างการตรวจสอบ

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 19 การเปลี่ยนแปลงยังส่งผลกระทบต่ออุปกรณ์ทางเทคนิคของเวทีโรงละครอีกด้วย: ในช่วงกลางทศวรรษ 1890 เวทีหมุนได้ซึ่งใช้ครั้งแรกในปี 1896 ระหว่างการผลิตโอเปร่าของโมสาร์ทเรื่อง Don Giovanni ของ K. Lautenschläger ถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลาย .

นักแสดงหญิงชาวฝรั่งเศสที่มีชื่อเสียงที่สุดคนหนึ่งในศตวรรษที่ 19 คือ Catherine Josephine Rafin Duchenois ที่เกิดในปารีส (พ.ศ. 2320-2378) การเปิดตัวบนเวทีของเธอเกิดขึ้นในปี พ.ศ. 2345 ในช่วงหลายปีที่ผ่านมานักแสดงหญิงวัย 25 ปีปรากฏตัวครั้งแรกบนเวทีของโรงละคร Comedie Francaise ในปี 1804 เธอได้เข้าสู่ส่วนหลักของคณะละครในฐานะนักสังคมสงเคราะห์

ในปีแรกของการทำงาน Catherine Duchenois ผู้แสดงบทโศกนาฏกรรมบนเวทีต้องต่อสู้เพื่อฝ่ามือกับนักแสดงหญิง Georges อย่างต่อเนื่อง ซึ่งแตกต่างจากเกมของการแสดงครั้งสุดท้าย Duchenois ดึงดูดความสนใจของผู้ชมด้วยความอบอุ่นและบทเพลงเสียงที่นุ่มนวลและจริงใจของเธอไม่สามารถทำให้ใครเฉยได้

ในปี 1808 Georges เดินทางไปรัสเซีย และ Catherine Duchenois กลายเป็นนักแสดงนำหญิงโศกนาฏกรรมของ Comédie Française

ในบรรดาบทบาทที่สำคัญที่สุดของนักแสดงหญิง Phaedra สามารถสังเกตได้ เล่นชื่อเดียวกัน Racine, Andromache ใน “Hector” โดย Luce de Lancival, Agrippina ใน “Germanicus” โดย Arno, Valeria ใน “Sulla” โดย Jouy, Mary Stuart ในบทละครชื่อเดียวกันโดย Lebrun เป็นต้น

บทละครของนักแสดงหญิง Marie Dorval (1798-1849) ก็สมควรได้รับความสนใจเป็นพิเศษเช่นกัน ( ข้าว. 64) ด้วยแรงบันดาลใจและทักษะที่ไม่ธรรมดา บนเวที ภาพของผู้หญิงที่ท้าทายสังคมในการต่อสู้เพื่อความรักของพวกเขา

Marie Dorval เกิดในครอบครัวนักแสดง วัยเด็กของเธอถูกใช้ไปบนเวที ถึงกระนั้นหญิงสาวก็ค้นพบความสามารถในการแสดงที่ไม่ธรรมดา ในบทบาทเล็ก ๆ ที่ผู้กำกับมอบหมายให้เธอเธอพยายามรวบรวมภาพทั้งหมด

ในปี 1818 มารีเข้าไปใน Paris Conservatory แต่ออกไปหลังจากนั้นไม่กี่เดือน เหตุผลของการกระทำนี้คือความไม่ลงรอยกันของระบบการฝึกอบรมนักแสดงในสถาบันการศึกษาแห่งนี้ด้วย บุคลิกภาพที่สร้างสรรค์พรสวรรค์รุ่นเยาว์ ในไม่ช้า Marie Dorval ก็กลายเป็นสมาชิกของคณะการแสดงของโรงละครบนถนน Port-Saint-Martin ที่ดีที่สุดแห่งหนึ่ง ที่นี่มีการแสดงบทบาทของ Amalia ในละครประโลมโลกของ Ducange เรื่อง "Thirty Years หรือ Life of a Gambler" ซึ่งทำให้นักแสดงหญิงได้รับความนิยมอย่างไม่น่าเชื่อ ในการแสดงนี้มีการเปิดเผยความสามารถอันมหาศาลของ Marie เธอได้แสดงละครที่เชี่ยวชาญของเธอต่อผู้ชมในเมือง: หลังจากสามารถก้าวข้ามภาพลักษณ์ที่ไพเราะและค้นหาความรู้สึกของมนุษย์ที่แท้จริงได้

ข้าว. 64. Marie Dorval เป็น Kitty Bell

ในปี 1831 Dorval รับบทเป็น Ardel d'Hervey ในละครโรแมนติกเรื่อง Antony โดย A. Dumas และอีกไม่กี่เดือนต่อมาเธอก็ได้รับบทนำในละครของ V. Hugo เรื่อง Marion

แม้จะมีความจริงที่ว่าบทละครบทกวีมอบให้กับนักแสดงหญิงด้วยความยากลำบาก เนื่องจากบทกลอนเป็นแบบแผนที่ขัดแย้งกับอารมณ์ความรู้สึกของเธอในทันที แต่มารีก็ประสบความสำเร็จในการรับมือกับบทบาทนี้ Marion แสดงโดย Dorval ทำให้เกิดพายุแห่งความสุขไม่เพียง แต่ในหมู่ผู้ชมเท่านั้น แต่ยังรวมถึงผู้เขียนผลงานด้วย

ในปี 1835 นักแสดงหญิงได้เปิดตัวในละครเรื่อง Chatterton ของ Vigny ที่เขียนขึ้นเพื่อเธอโดยเฉพาะ คิตตี้ เบลล์ ที่แสดงโดยดอร์วาล ปรากฏตัวต่อหน้าผู้ชมในฐานะหญิงสาวผู้เงียบขรึม เปราะบาง ซึ่งกลายเป็นผู้มีความรักอันยิ่งใหญ่

Marie Dorval - นักแสดงหญิงที่มีเสียงแหบและมีลักษณะผิดปกติ - กลายเป็นสัญลักษณ์ของความเป็นผู้หญิงสำหรับผู้ชมในศตวรรษที่ 19 การแสดงของนักแสดงอารมณ์นี้สามารถแสดงความรู้สึกของมนุษย์ได้อย่างลึกซึ้งสร้างความประทับใจไม่รู้ลืมให้กับคนรุ่นเดียวกัน

Pierre Bocage นักแสดงชาวฝรั่งเศสชื่อดัง (พ.ศ. 2342-2405) ผู้ซึ่งได้รับชื่อเสียงในฐานะนักแสดงนำในละครเรื่อง Victor Hugo และ Alexandre Dumas-son ได้รับความรักเป็นพิเศษจากสาธารณชน

Pierre Bocage เกิดมาในครอบครัวของคนงานธรรมดา ๆ โรงงานทอผ้ากลายเป็นโรงเรียนแห่งชีวิตสำหรับเขาซึ่งเด็กชายเข้ามาด้วยความหวังว่าจะช่วยพ่อแม่ของเขา ปิแอร์เริ่มให้ความสนใจในงานของเชคสเปียร์ตั้งแต่ยังเป็นเด็ก ซึ่งเป็นตัวกระตุ้นให้เขาหลงใหลในละครเวที

โบเคจซึ่งอาศัยอยู่กับความฝันของโรงละคร เดินเท้าไปยังเมืองหลวงเพื่อเข้าไปในเรือนกระจก ผู้ตรวจสอบรู้สึกทึ่งกับรูปร่างหน้าตาที่น่าทึ่งและอารมณ์ที่ผิดปกติของชายหนุ่ม ไม่มีอุปสรรคใด ๆ

อย่างไรก็ตามการศึกษาของเขาที่ Paris Conservatory กลายเป็นช่วงสั้น: ปิแอร์ไม่มีเงินเพียงพอที่จะจ่ายค่าเรียน แต่ยังต้องใช้ชีวิตด้วย ในไม่ช้าเขาก็ถูกบังคับให้ออกจากสถาบันการศึกษาและเข้าสู่คณะการแสดงของโรงละครบนถนนแห่งหนึ่ง เป็นเวลาหลายปีที่เขาตระเวนไปตามโรงละคร โดยทำงานครั้งแรกที่ Odeon จากนั้นไปที่ Porte Saint-Martin และอื่น ๆ อีกมากมาย

ภาพที่สร้างขึ้นโดย Bocage บนเวทีเป็นเพียงการแสดงออกถึงทัศนคติของนักแสดงที่มีต่อความเป็นจริงโดยรอบ คำแถลงของเขาที่ไม่เห็นด้วยกับความปรารถนาของผู้มีอำนาจที่จะทำลายความสุขของมนุษย์

Pierre Bocage เข้าสู่ประวัติศาสตร์ของโรงละครฝรั่งเศสในฐานะนักแสดงที่ดีที่สุดของบทบาทของวีรบุรุษกบฏในละครสังคมของ Victor Hugo (Didier ใน Marion Delorme), ลูกชายของ Alexandre Dumas (Antoni ใน Antony), F. Pia (Ango ใน Ango) และ เป็นต้น

Bocage เป็นผู้ริเริ่มสร้างภาพลักษณ์ของวีรบุรุษโรแมนติกผู้โดดเดี่ยวและผิดหวังในชีวิตบนเวที ถึงวาระที่ต้องตายในการต่อสู้กับชนชั้นปกครอง บทบาทแรกของแผนดังกล่าวคือแอนโธนีในละครชื่อเดียวกันโดย A. Dumas the son; การเปลี่ยนจากความสิ้นหวังเป็นความสุขอย่างฉับพลัน จากเสียงหัวเราะเป็นเสียงสะอื้นไห้อย่างขมขื่นนั้นได้ผลอย่างน่าประหลาดใจ ผู้ชมจดจำภาพของ Anthony ที่แสดงโดย Pierre Bocage เป็นเวลานาน

นักแสดงกลายเป็นผู้มีส่วนร่วมในเหตุการณ์ปฏิวัติปี 1848 ในฝรั่งเศส ด้วยความเชื่อในชัยชนะของความยุติธรรม เขาปกป้องแรงบันดาลใจในระบอบประชาธิปไตยด้วยอาวุธในมือ

การล่มสลายของความหวังเพื่อชัยชนะแห่งความยุติธรรมในโลกสมัยใหม่ไม่ได้บังคับให้โบเคจเปลี่ยนโลกทัศน์ของเขา เขาเริ่มใช้เวทีของโรงละครโอเดียนเพื่อต่อสู้กับความเด็ดขาดและการกดขี่ของเจ้าหน้าที่รัฐ

ในไม่ช้านักแสดงก็ถูกกล่าวหาว่าทำกิจกรรมต่อต้านรัฐบาลและถูกไล่ออกจากตำแหน่งผู้อำนวยการโรงละคร อย่างไรก็ตาม จนถึงวาระสุดท้าย ปิแอร์ โบเคจ ยังคงเชื่อมั่นในชัยชนะแห่งความยุติธรรมและปกป้องอุดมคติของเขา

นอกเหนือจากนักแสดงหญิงในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 เช่น C. Duchenois และ M. Dorval แล้ว Louise Rosalie Allan-Depreo (1810-1856) ที่มีชื่อเสียง เธอเกิดที่เมือง Mons ในครอบครัวของผู้อำนวยการโรงละคร สถานการณ์นี้กำหนดไว้ทั้งหมด ชะตากรรมต่อไปหลุยส์ โรซาลี.

บรรยากาศของชีวิตการแสดงละครคุ้นเคยกับนักแสดงชื่อดังตั้งแต่วัยเด็ก เมื่ออายุได้สิบขวบเด็กผู้หญิงที่มีความสามารถได้รับการยอมรับในสภาพแวดล้อมการแสดงบทบาทของเด็ก ๆ ที่เธอเล่นในโรงละคร Comedie Francaise ของปารีสทำให้ไม่มีใครสนใจ

ในปีพ. ศ. 2370 หลังจากจบการศึกษาจากชั้นเรียนการละครของเรือนกระจก Louise Allan-Depreo ได้รับการศึกษาด้านการแสดงอย่างมืออาชีพ เมื่อถึงเวลานั้นนักแสดงสาวก็มีชื่อเสียงแล้วและเธอก็ไม่แปลกใจกับข้อเสนอให้เข้าร่วมคณะการแสดงของ Comedie Francaise Theatre ซึ่งเธอทำงานจนถึงปี 1830 ในช่วงปี 1831 ถึง 1836 Allan-Depreo ฉายแววบนเวทีของโรงละคร Gimnaz

การเดินทางไปรัสเซียมีบทบาทสำคัญในชีวิตการแสดงของ Louise Rosalie: ที่นี่ในคณะละครฝรั่งเศสของ Mikhailovsky Theatre เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเธอใช้เวลาสิบปี (พ.ศ. 2380-2390) เพื่อพัฒนาทักษะการแสดงของเธอ

เมื่อกลับไปที่บ้านเกิดของเธอ Allan-Depreo ได้เข้าร่วมคณะ Comedie Francaise อีกครั้งและกลายเป็นหนึ่งในนักแสดงหญิงที่ดีที่สุดในบทบาทของการแสดงที่ยิ่งใหญ่ เกมของเธอดึงดูดความสนใจของชนชั้นสูงในสังคมฝรั่งเศสและรัสเซีย: มารยาทที่ประณีตและสง่างามความสามารถในการสวมชุดการแสดงละครด้วยความสง่างามเป็นพิเศษ - ทั้งหมดนี้มีส่วนสร้างภาพลักษณ์ของ coquettes ฆราวาสที่ไม่สำคัญ

Louise Rosalie Allan-Depreo มีชื่อเสียงในฐานะนักแสดงในบทละครโรแมนติกโดย Alfred de Musset ในบรรดาบทบาทที่โด่งดังที่สุดของนักแสดงหญิงคนนี้ ได้แก่ Madame de Lery ใน Caprice (1847), Marquise ในละครเรื่อง The Door Must Be Open or Closed (1848), Countess Vernon ในโศกนาฏกรรมที่คุณไม่สามารถคาดการณ์ได้ทุกอย่าง (1849) Duchess Bouillon ใน "Adrienne Lecouvreur" (1849), Jacqueline ใน "The Candlestick" (1850), Countess d'Autret ใน "The Ladies' War" (1850) และอื่นๆ

ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ละครใบ้เริ่มได้รับความนิยมอย่างกว้างขวาง ตัวแทนที่ดีที่สุดของประเภทนี้คือ Jean Baptiste Gaspard Debureau (1796-1846)

เขาเกิดในครอบครัวของหัวหน้าคณะละครและบรรยากาศที่สนุกสนานของโรงละครตั้งแต่วัยเด็กเติมเต็มชีวิตของเขา จนกระทั่งปี 1816 Jean Baptiste Gaspard ทำงานในทีมของบิดา จากนั้นย้ายไปที่คณะ Rope Dancers ซึ่งทำงานที่โรงละคร Funambul ซึ่งเป็นกลุ่มการแสดงที่เป็นประชาธิปไตยที่สุดกลุ่มหนึ่งในเมืองหลวงของฝรั่งเศส

ในฐานะส่วนหนึ่งของคณะ Rope Dancers เขารับบทเป็น Pierrot ในละครใบ้เรื่อง Harlequin Doctor ซึ่งทำให้นักแสดงวัย 20 ปีประสบความสำเร็จเป็นครั้งแรก ผู้ชมชอบฮีโร่ของ Debureau มากจนนักแสดงต้องนำภาพนี้ไปใช้ในละครใบ้เรื่องอื่นๆ อีกหลายเรื่อง ได้แก่ "The Raging Bull" (1827), "The Golden Dream หรือ Harlequin and the Miser" (1828), "The Whale" (1832) และ "Pierrot ในแอฟริกา" (1842)

ใน ต้น XIXศตวรรษในโรงละครตลกขบขันแนวตลกพื้นบ้านยังคงครอบงำ Jean Baptiste Gaspard Debureau นำความหมายมาสู่การแสดงละครใบ้ล้อเลียน โดยนำการแสดงพื้นบ้านที่ไม่มีคำพูดมาเข้าใกล้การผลิตที่มีความหมายลึกซึ้งของโรงละครมืออาชีพสมัยใหม่

สิ่งนี้อธิบายถึงความนิยมของ Pierrot ของ Deburov ซึ่งต่อมาได้กลายเป็นฮีโร่การ์ตูนพื้นบ้าน ในภาพนี้ ลักษณะประจำชาติโดยทั่วไปของตัวละครชาวฝรั่งเศสถูกแสดงออกมา - ความคล่องแคล่ว ความเฉลียวฉลาด และการเสียดสีที่กัดกร่อน

ปิแอร์โรต์ซึ่งถูกเฆี่ยนตี ประหัตประหาร และความอัปยศอดสูนับครั้งไม่ถ้วน ไม่เคยเสียความสงบ รักษาความเลินเล่ออย่างไม่ย่อท้อ ซึ่งช่วยให้เขาได้รับชัยชนะจากสถานการณ์ที่ซับซ้อนที่สุด

ตัวละครนี้แสดงโดย Debureau ปฏิเสธคำสั่งที่มีอยู่อย่างขุ่นเคือง เขาต่อต้านโลกแห่งความชั่วร้ายและความรุนแรงด้วยสามัญสำนึกของชาวเมืองหรือชาวนาที่เรียบง่าย

ในการแสดงละครใบ้ในช่วงก่อนหน้านี้นักแสดงในบทบาทของ Pierrot จำเป็นต้องใช้การแต่งหน้าที่เรียกว่าตลก: เขาทำให้ใบหน้าขาวขึ้นและโรยด้วยแป้งหนา ๆ เพื่อรักษาประเพณีนี้ Jean-Baptiste Gaspard ใช้เครื่องแต่งกายของ Pierrot ที่มีชื่อเสียงระดับโลกเพื่อสร้างภาพลักษณ์: กางเกงฮาเร็มสีขาวยาว เสื้อเบลาส์ไม่มีปกกว้าง และผ้าพันแผลสีดำที่เป็นสัญลักษณ์บนศีรษะของเขา

ต่อมาในละครใบ้ที่ดีที่สุดของเขานักแสดงพยายามสะท้อนถึงชะตากรรมอันน่าเศร้าของคนจนในโลกที่ไม่ยุติธรรมซึ่งมีความเกี่ยวข้องในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ต้องขอบคุณทักษะอันชาญฉลาดของเขาที่ผสมผสานความเยื้องศูนย์ที่ยอดเยี่ยมและการสะท้อนอย่างลึกซึ้งของแก่นแท้ภายในของตัวละครอย่างกลมกลืน เขาสร้างภาพที่ยอดเยี่ยม

เกมของ Debureau ดึงดูดความสนใจของผู้มีปัญญาทางศิลปะที่ก้าวหน้าในศตวรรษที่ 19 นักเขียนชื่อดัง - C. Nodier, T. Gauthier, J. Janin, J. Sand และคนอื่น ๆ พูดอย่างกระตือรือร้นเกี่ยวกับนักแสดงคนนี้

อย่างไรก็ตาม Jean-Baptiste Gaspard Debureau เข้าสู่ประวัติศาสตร์ศิลปะการแสดงละครโลกไม่ใช่ในฐานะนักสู้เพื่อความยุติธรรม แต่เป็นเพียงนักแสดงในบทบาทของตัวละครในนิทานพื้นบ้านยอดนิยม ประเพณีที่ดีที่สุดของงานของ Debureau ในฐานะนักแสดงได้สะท้อนให้เห็นในผลงานของ M. Mars นักแสดงชาวฝรั่งเศสที่มีพรสวรรค์

นักแสดงหญิงที่โดดเด่นในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 คือ Virginie Dejazet (1798-1875) เธอเกิดในครอบครัวของศิลปินการเลี้ยงดูที่ได้รับบนเวทีมีส่วนทำให้การพัฒนาความสามารถบนเวทีของเธอเร็วขึ้น

ในปี พ.ศ. 2350 เด็กหญิงผู้มีความสามารถดึงดูดความสนใจของผู้ประกอบการที่โรงละคร Vaudeville ในปารีส Virginie ตอบรับข้อเสนอเข้าร่วมคณะการแสดงด้วยความกระตือรือร้น เธออยากทำงานในโรงละครของเมืองหลวงมานานแล้ว

การทำงานใน Vaudeville มีส่วนช่วยในการพัฒนาทักษะของนักแสดงสาว แต่เธอก็ค่อยๆหยุดตอบสนอง ออกจากโรงละครแห่งนี้ Virginie เริ่มงานที่ Variety ตามด้วยคำเชิญไปที่ Gimnaz และ Nuvota ซึ่งนักแสดงหญิงแสดงจนถึงปี 1830

ความรุ่งเรืองของกิจกรรมสร้างสรรค์ของเธอเกิดขึ้นในปี พ.ศ. 2374-2386 เมื่อ Virginie Dejazet ฉายแววบนเวทีของ Palais Royal Theatre ในปีต่อๆ มา นักแสดงหญิงได้ขัดขวางการทำงานร่วมกันกับคณะละครของปารีส และออกไปเที่ยวทั่วประเทศบ่อยครั้ง บางครั้งก็อยู่ที่โรงละครประจำจังหวัดเป็นเวลาหนึ่งหรือสองฤดูกาล

ในฐานะปรมาจารย์ด้านการแสดง เดจาซีประสบความสำเร็จในการแสดงเป็นแดร็กควีน โดยรับบทเป็นเด็กชายคราด มาร์คีส์ผู้เอาใจ เด็กสาวและหญิงชรา เธอแสดงบทบาทที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดในการแสดงดนตรีและเรื่องตลกโดย Scribe, Bayard, Dumanoir และ Sardou

ผู้ร่วมสมัยของ Virginie Dejazet มักชี้ให้เห็นถึงความสง่างามที่ไม่ธรรมดาของนักแสดงหญิง ความสามารถในการพูดบนเวที และความสามารถในการใช้ถ้อยคำที่แม่นยำของเธอ

นางเอกที่ร่าเริงและมีไหวพริบของ Dejaze ซึ่งแสดงบทต่างๆ ได้อย่างง่ายดาย ทำให้นักแสดงหญิงประสบความสำเร็จ เป็นเวลานานทำให้เธอเป็นที่ชื่นชอบของสาธารณชนในเมืองใหญ่ที่มีความต้องการสูง และแม้ว่าละครของ Virginie จะไม่สอดคล้องกับรสนิยมดั้งเดิมของผู้ชมจำนวนมาก

ความเก่งกาจของนักแสดงหญิงและลักษณะประจำชาติอย่างลึกซึ้งในการแสดงของเธอแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนที่สุดในการแสดงเพลงของเบเรนเงร์ (ในบทพูดคนเดียวของเบเรนเจอร์เรื่อง "Lisette Béranger" ในเพลง "Béranger's Songs" โดย Clairville และ Lambert-Tibout)

Eliza Rachel (พ.ศ. 2364-2401) นักแสดงหญิงชาวฝรั่งเศสที่มีชื่อเสียงที่สุดคนหนึ่งซึ่งทำงานในยุคโรแมนติกในบทบาทที่น่าเศร้าคือ (รูปที่ 65). เธอเกิดในปารีสในครอบครัวของชาวยิวที่ยากจนซึ่งขายของเล็ก ๆ น้อย ๆ ตามท้องถนนในเมือง ในวัยเด็กเธอแสดงความสามารถที่โดดเด่น: เพลงที่เธอแสดงดึงดูดผู้ซื้อจำนวนมากมาที่ถาดของพ่อ

ข้าว. 65. ราเชลเป็นเฟดรา

พรสวรรค์ทางศิลปะโดยธรรมชาติทำให้ Eliza วัย 17 ปีเข้าร่วมคณะการแสดงของ Comedy Francaise โรงละครชื่อดังของฝรั่งเศส บทเปิดตัวของเธอบนเวทีนี้คือคามิลล์ในบทละครฮอเรซของคอร์นีลล์

ควรสังเกตว่าในช่วงทศวรรษที่ 30 ของศตวรรษที่ 19 ละครของโรงละครในเมืองหลวงส่วนใหญ่มีพื้นฐานมาจากผลงานของนักเขียนนวนิยาย (V. Hugo, A. Vigny ฯลฯ ) ด้วยการปรากฏตัวในโลกแห่งการแสดงละครของดาราที่สดใสอย่าง Eliza Rachel การผลิตภาพยนตร์คลาสสิกที่ถูกลืมจึงกลับมาดำเนินต่อ

ในเวลานั้นภาพของ Phaedra ในการเล่นชื่อเดียวกันโดย Racine ถือเป็นตัวบ่งชี้ทักษะการแสดงสูงสุดในประเภทโศกนาฏกรรม บทบาทนี้ทำให้นักแสดงหญิงประสบความสำเร็จอย่างล้นหลามและได้รับการยอมรับจากผู้ชม Phaedra รับบทโดย Eliza Rachel ถูกนำเสนอว่าเป็นบุคลิกที่หยิ่งผยองและดื้อรั้น ซึ่งเป็นศูนย์รวมของคุณสมบัติที่ดีที่สุดของมนุษย์

ช่วงกลางทศวรรษที่ 1840 ถูกทำเครื่องหมายด้วยกิจกรรมการท่องเที่ยวของนักแสดงหญิงที่มีพรสวรรค์: การเดินทางของเธอไปทั่วยุโรปได้รับการยกย่อง โรงเรียนภาษาฝรั่งเศสศิลปะการแสดงละคร ครั้งหนึ่งราเชลไปเยือนรัสเซียและอเมริกาเหนือ ซึ่งการแสดงของเธอได้รับคะแนนสูงจากนักวิจารณ์ละคร

ในปี 1848 การแสดงจากบทละครของ J. Racine "Gofalia" ได้จัดแสดงบนเวทีของ Comedie Francaise ซึ่ง Eliza Rachel มีบทบาทหลัก ภาพที่เธอสร้างขึ้นซึ่งกลายเป็นสัญลักษณ์ของความชั่วร้าย พลังทำลายล้าง ค่อยๆ เผาวิญญาณของผู้ปกครอง ทำให้นักแสดงสามารถแสดงความสามารถที่โดดเด่นของเธอได้อีกครั้ง

ในปีเดียวกัน Eliza ตัดสินใจเปิด Marseillaise โดย Rouget de Lisle บนเวทีในเมืองหลวง ผลลัพธ์ของการแสดงนี้คือความสุขของแกลเลอรีและความขุ่นเคืองของผู้ชมที่นั่งอยู่ในแผงลอย

หลังจากนั้นนักแสดงหญิงที่มีพรสวรรค์ก็ว่างงานอยู่ระยะหนึ่งเพราะ Eliza ถือว่าละครสมัยใหม่ส่วนใหญ่ไม่คู่ควรกับความสามารถระดับสูงของเธอ อย่างไรก็ตาม การแสดงบนเวทียังคงดึงดูดนักแสดง และในไม่ช้า เธอก็เริ่มซ้อมอีกครั้ง

กิจกรรมการแสดงละครบั่นทอนสุขภาพที่ย่ำแย่ของราเชล นักแสดงหญิงวัย 36 ปีล้มป่วยด้วยวัณโรคและเสียชีวิตในอีกไม่กี่เดือนต่อมา ทิ้งมรดกอันล้ำค่าของทักษะที่ไม่มีใครเทียบได้ให้กับลูกหลานผู้สำนึกคุณ

นักแสดงที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคนหนึ่งในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 คือนักแสดงที่มีพรสวรรค์ Benoit Constant Coquelin (1841-1909) ความสนใจในศิลปะการแสดงละครที่เขาแสดงในวัยเด็กกลายเป็นเรื่องของชีวิต

การเรียนที่ Paris Conservatory กับ Renier นักแสดงชื่อดังในช่วงหลายปีที่ผ่านมาทำให้ชายหนุ่มที่มีพรสวรรค์สามารถขึ้นเวทีและเติมเต็มความฝันเก่าของเขาได้

ในปี 1860 Coquelin ได้เปิดตัวบนเวทีของ Comedie Francaise Theatre บทบาทของ Gros Rene ในละครที่สร้างจากบทละคร Love Annoyance ของ Molière ทำให้นักแสดงมีชื่อเสียง ในปี พ.ศ. 2405 เขามีชื่อเสียงในฐานะผู้แสดงบทฟิกาโรในบทละครของโบมาเช่เรื่อง The Marriage of Figaro

อย่างไรก็ตาม โกเกอแลงเล่นบทที่ดีที่สุดของเขา (สกานาเรลใน The Unwilling Doctor, Jourdain ใน The Tradesman in the Nobility, Mascarille ใน The Funny Cossacks, Tartuffe ในบทละครชื่อเดียวกันของ Molière) หลังจากออกจาก Comédie Française ในปี 1885

นักวิจารณ์หลายคนยอมรับภาพที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดซึ่งสร้างโดยนักแสดงที่มีพรสวรรค์ในการผลิตผลงานของMolière ในช่วงสุดท้ายของความคิดสร้างสรรค์ในละครของ Coquelin บทบาทในบทละครของ Rostand ได้รับชัยชนะ

นักแสดงที่มีพรสวรรค์ยังมีชื่อเสียงในฐานะผู้เขียนบทความเชิงทฤษฎีและบทความเกี่ยวกับปัญหาการแสดง ในปี พ.ศ. 2423 หนังสือของเขา "ศิลปะและการละคร" ได้รับการตีพิมพ์ และในปี พ.ศ. 2429 มีการเผยแพร่คู่มือการแสดงที่เรียกว่า "ศิลปะของนักแสดง"

เป็นเวลาสิบเอ็ดปี (ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2441 ถึง พ.ศ. 2452) Coquelin ทำงานเป็นผู้อำนวยการโรงละคร Port-Saint-Martin ผู้ชายคนนี้ทำอะไรมากมายเพื่อพัฒนาศิลปะการแสดงละครในฝรั่งเศส

การพัฒนาทักษะการแสดงควบคู่ไปกับการพัฒนาละคร มาถึงตอนนี้การเกิดขึ้นของนักเขียนชื่อดังเช่น O. de Balzac, E. Zola, A. Dumas-son, พี่น้อง Goncourt และคนอื่น ๆ ซึ่งมีส่วนสำคัญในศิลปะการแสดงบนเวทีในยุคโรแมนติกและความสมจริง

นักเขียนและนักเขียนบทละครชาวฝรั่งเศสชื่อ Honore de Balzac (พ.ศ. 2342-2393) เกิดที่ปารีสซึ่งเป็นบุตรชายของเจ้าหน้าที่ ผู้ปกครองที่ห่วงใยอนาคตของลูกชายได้ให้การศึกษาด้านกฎหมายแก่เขา อย่างไรก็ตาม หลักนิติศาสตร์ดึงดูดชายหนุ่มน้อยกว่ากิจกรรมวรรณกรรม ในไม่ช้าผลงานของ Balzac ก็ได้รับความนิยมอย่างกว้างขวาง ตลอดชีวิตเขียนนวนิยาย เรื่องสั้น และเรื่องสั้นรวมทั้งสิ้น 97 เรื่อง

Honore เริ่มแสดงความสนใจในศิลปะการแสดงละครในวัยเด็กของเขา แต่เขาเขียนผลงานชิ้นเอกที่น่าทึ่งชิ้นแรกในช่วงต้นทศวรรษ 1820 เท่านั้น ผลงานที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดคือโศกนาฏกรรมครอมเวลล์ (พ.ศ. 2363) และละครประโลมโลกเรื่อง The Negro and The Corsican (พ.ศ. 2365) บทละครที่ห่างไกลจากความสมบูรณ์แบบเหล่านี้ประสบความสำเร็จอย่างมากในการแสดงบนเวทีของโรงละครแห่งหนึ่งในกรุงปารีส

ในปีแห่งความเป็นผู้ใหญ่ที่สร้างสรรค์ บัลซัคได้สร้างผลงานละครมากมายที่รวมอยู่ในละครของโรงละครหลายแห่งทั่วโลก: The School of Marriage (1837), Vautrin (1840), Kinola's Hopes (1842), Pamela Giraud (1843) ), เจ้ามือ "(2387) และ" แม่เลี้ยง "(2391) ละครเหล่านี้ได้รับความนิยมอย่างมาก

ภาพทั่วไปที่สร้างขึ้นโดยนักเขียนบทละครของนายธนาคาร นายหน้าค้าหุ้น ผู้ผลิต และนักการเมืองกลายเป็นเรื่องที่น่าเชื่อถืออย่างน่าประหลาดใจ ผลงานเผยให้เห็นแง่ลบของโลกชนชั้นกลาง การปล้นสะดม การผิดศีลธรรม และการต่อต้านมนุษยนิยม ในความพยายามที่จะต่อต้านความชั่วร้ายทางสังคมด้วยความสมบูรณ์แบบทางศีลธรรมของตัวละครในเชิงบวก บัลซัคได้นำเสนอลักษณะทางดนตรีในบทละครของเขา

งานละครส่วนใหญ่ของบัลซัคมีลักษณะเป็นความขัดแย้งเฉียบพลัน อิงจากความขัดแย้งทางสังคม อิ่มตัวด้วยดราม่าลึกล้ำและความเป็นรูปธรรมทางประวัติศาสตร์

เบื้องหลังชะตากรรมของตัวละครแต่ละตัวในละครของ Honore de Balzac มีภูมิหลังชีวิตที่กว้างเสมอ ฮีโร่ที่ไม่สูญเสียความเป็นตัวของตัวเองปรากฏตัวในเวลาเดียวกันในรูปแบบของภาพทั่วไป

นักเขียนบทละครพยายามทำให้งานของเขาเหมือนมีชีวิต เพื่อแนะนำคุณลักษณะเฉพาะของชีวิตในยุคหนึ่งๆ เพื่อให้มีลักษณะการพูดที่ถูกต้องของตัวละคร

ละครบัลซัคซึ่งทิ้งร่องรอยที่เห็นได้ชัดเจนเกี่ยวกับละครในศตวรรษที่ 19 มีผลกระทบอย่างมีนัยสำคัญต่อการพัฒนาศิลปะการแสดงละครโลก

ในบรรดาบทละครที่โด่งดังที่สุดโดยนักเขียนบทละครชาวฝรั่งเศสผู้มีความสามารถ ควรกล่าวถึง Stepmother, Kinola's Hopes ซึ่งรวมอยู่ในละครของโรงละครภายใต้ชื่อ Storm Harbor, Kinola's Dreams; "Eugene Grande" และ "Provincial History" เขียนขึ้นจากนวนิยายเรื่อง "Life of a Bachelor"

Honore de Balzac มีชื่อเสียงไม่เพียง แต่ในฐานะนักเขียนบทละครและนักเขียนเท่านั้น แต่ยังเป็นนักทฤษฎีศิลปะอีกด้วย บทความหลายชิ้นของ Balzac แสดงความคิดของเขาเกี่ยวกับโรงละครใหม่

นักเขียนบทละครพูดอย่างขุ่นเคืองเกี่ยวกับการเซ็นเซอร์ ซึ่งได้กำหนดข้อห้ามในการสะท้อนภาพสะท้อนความเป็นจริงร่วมสมัยบนเวทีอย่างมีวิจารณญาณ นอกจากนี้ บัลซัคยังแปลกแยกจากพื้นฐานทางการค้าของโรงละครในศตวรรษที่ 19 ด้วยอุดมการณ์แบบชนชั้นกลางและความห่างไกลจากความเป็นจริงของชีวิต

เบนจามิน อันเทียร์ (พ.ศ. 2330-2413) นักเขียนบทละครชาวฝรั่งเศสที่มีพรสวรรค์ ผู้แต่งเรื่องประโลมโลก ละครตลก และเพลงประกอบละครมากมาย ทำงานในทิศทางที่แตกต่างจากบัลซัคเล็กน้อย

บทละครของนักเขียนบทละครคนนี้รวมอยู่ในละครของโรงละครบนถนนในเมืองหลวงหลายแห่ง ในฐานะที่เป็นผู้สนับสนุนแนวคิดประชาธิปไตยและพรรครีพับลิกัน Antje พยายามถ่ายทอดแนวคิดเหล่านี้ให้กับผู้ชม ดังนั้นผลงานของเขาจึงมีเสียงวิพากษ์วิจารณ์

ด้วยความร่วมมือกับนักแสดงชื่อดังชาวฝรั่งเศส Frederic Lemaitre นักเขียนบทละครได้เขียนบทละครที่มีชื่อเสียงที่สุดเรื่องหนึ่ง - "Robert Macer" ซึ่งจัดแสดงในปี 1834 บนเวทีของโรงละคร Foli Dramatic ในกรุงปารีส ความสำเร็จของละครเรื่องนี้ส่วนใหญ่มาจากการแสดงที่ยอดเยี่ยมของ Frederic Lemaitre ซึ่งเป็นที่ชื่นชอบของผู้ชม ( ข้าว. 66) และคณะการแสดงทั้งหมด

ข้าว. 66. Lemaitre เป็น Robert Macer

ท่ามกลางบทละครอื่นๆ ของเบนจามิน อันเทียร์ ซึ่งประสบความสำเร็จในหมู่สาธารณชนในเมืองใหญ่ เรื่อง The Carrier (1825), The Masks of Resin (1825), The Rochester (1829) และ The Firestarter (1830) สมควรได้รับความสนใจเป็นพิเศษ ทั้งยังสะท้อนปัญหาสังคมเฉียบพลันของโลกยุคใหม่

ผู้ริเริ่มละครฝรั่งเศสในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 คือนักเขียนที่มีพรสวรรค์ Casimir Jean-Francois Delavigne (2336-2386) ตอนอายุสิบแปดปี เขาเข้าสู่แวดวงวรรณกรรมของฝรั่งเศส และอีกแปดปีต่อมา เขาก็ได้แสดงละครเป็นครั้งแรก

ในปี 1819 Casimir Delavigne เริ่มทำงานที่ Odeon Theatre ซึ่งเป็นหนึ่งในโศกนาฏกรรมครั้งแรกของเขา The Sicilian Vespers ในเรื่องนี้เช่นเดียวกับในผลงานแรก ๆ อื่น ๆ ของนักเขียนบทละครรุ่นเยาว์เราสามารถติดตามอิทธิพลของการแสดงละครคลาสสิกที่มีชื่อเสียงในอดีตซึ่งไม่อนุญาตให้มีการเบี่ยงเบนจากหลักการคลาสสิกที่เป็นที่รู้จักในการสร้างสรรค์ของพวกเขา

ในประเพณีที่เข้มงวดเดียวกันโศกนาฏกรรม "Marino Faglieri" ถูกเขียนขึ้นซึ่งแสดงเป็นครั้งแรกที่โรงละคร "Port-Saint-Martin" ในคำนำของบทละครนี้ เดลาวีญพยายามสร้างหลักการพื้นฐานของมุมมองเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์ของเขา เขาเชื่อว่าในละครสมัยใหม่จำเป็นต้องผสมผสานเทคนิคทางศิลปะของศิลปะคลาสสิกและแนวโรแมนติก

ควรสังเกตว่าในเวลานั้นบุคคลในวรรณกรรมหลายคนยึดมั่นในมุมมองที่คล้ายกัน โดยเชื่ออย่างถูกต้องว่าทัศนคติที่อดทนต่อกระแสต่างๆ ของละครเท่านั้นที่จะทำให้ศิลปะการแสดงละครโลกพัฒนาได้อย่างมีประสิทธิภาพในอนาคต

อย่างไรก็ตาม การปฏิเสธโดยสิ้นเชิงของตัวอย่างศิลปะคลาสสิก โดยเฉพาะอย่างยิ่งในด้านภาษาวรรณกรรมกวี อาจทำให้วรรณกรรมการแสดงละครโดยรวมตกต่ำลงได้

นักเขียนบทละครที่มีพรสวรรค์ได้รวบรวมแนวโน้มที่เป็นนวัตกรรมไว้ในผลงานชิ้นต่อ ๆ ไปของเขาซึ่งสำคัญที่สุดคือโศกนาฏกรรม "Louis XI" ซึ่งเขียนขึ้นในปี พ.ศ. 2375 และจัดแสดงในอีกไม่กี่เดือนต่อมาบนเวทีของโรงละคร Comedie Francaise

โศกนาฏกรรมของ C. J. F. Delavigne ซึ่งโดดเด่นด้วยบทกวีโรแมนติก การแสดงภาพที่มีชีวิตชีวาและสีสันของท้องถิ่นที่ละเอียดอ่อน แตกต่างอย่างมากจากบทละครคลาสสิกแบบดั้งเดิม

ภาพลักษณ์ของ King Louis XI ซึ่งแสดงบนเวทีโดยนักแสดงที่ดีที่สุดของฝรั่งเศสและประเทศในยุโรปอื่น ๆ ซ้ำแล้วซ้ำเล่าได้กลายเป็นหนึ่งในสภาพแวดล้อมการแสดงที่เป็นที่ชื่นชอบมากที่สุด ดังนั้นในรัสเซียบทบาทของหลุยส์จึงแสดงได้อย่างสมบูรณ์แบบโดยนักแสดงมากความสามารถ V. Karatygin ในอิตาลี - โดย E. Rossi

ตลอดชีวิตของเขา Casimir Jean-Francois Delavigne ยึดมั่นในมุมมองต่อต้านนักบวชของผู้สนับสนุนขบวนการปลดปล่อยแห่งชาติ ในขณะที่ไม่ก้าวข้ามลัทธิเสรีนิยมระดับปานกลาง เห็นได้ชัดว่ามันเป็นสถานการณ์ที่อนุญาตให้ทำงาน นักเขียนบทละครที่มีพรสวรรค์ได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางในหมู่ชนชั้นนำในยุคฟื้นฟูและไม่แพ้แม้ในปีแรกของระบอบกษัตริย์ในเดือนกรกฎาคม

ในบรรดาผลงานที่โด่งดังที่สุดของ Delavigne ควรกล่าวถึงโศกนาฏกรรม "Pariah" (1821) และ "Edward's Children" (1833) ผลงานตลกของผู้แต่ง ("School for the Old Men" (1823), "Don Juan of ออสเตรีย" (พ.ศ. 2378) ได้รับความนิยมไม่น้อยในศตวรรษที่ 19 ) และอื่น ๆ )

มีชื่อเสียงไม่น้อยไปกว่าบทละครของ O. de Balzac และบุคคลที่มีชื่อเสียงอื่น ๆ ของศิลปะการแสดงละครในศตวรรษที่ 19 มีการใช้ผลงานละครของลูกชาย Alexander Dumas (พ.ศ. 2367-2438) ที่มีชื่อเสียง

เขาเกิดในครอบครัวของนักเขียนชาวฝรั่งเศสชื่อ Alexandre Dumas ผู้แต่ง The Three Musketeers และ The Count of Monte Cristo อาชีพของพ่อกำหนดไว้ เส้นทางชีวิตลูกชาย แต่ไม่เหมือนกับพ่อแม่ที่โด่งดังของเขา อเล็กซานเดอร์สนใจละครมากกว่า

ความสำเร็จที่แท้จริงมาถึง Dumas ลูกชายในปี 1852 เมื่อบทละคร The Lady of the Camellia ซึ่งสร้างใหม่โดยเขาจากนวนิยายที่เขียนไว้ก่อนหน้านี้ถูกนำเสนอต่อสาธารณชนทั่วไป การผลิตละครที่เปี่ยมไปด้วยความเป็นมนุษย์ ความอบอุ่น และความเห็นอกเห็นใจอย่างสุดซึ้งต่อโสเภณีที่ถูกสังคมปฏิเสธ เกิดขึ้นบนเวทีของ Vaudeville Theatre ผู้ชมทักทายเลดี้แห่งคามีเลียอย่างกระตือรือร้น

ผลงานที่น่าทึ่งของลูกชายของ Dumas ซึ่งแปลเป็นหลายภาษาได้เข้าสู่โรงละครที่ใหญ่ที่สุดในโลก ในหลาย ๆ ครั้ง S. Bernard, E. Duse และนักแสดงชื่อดังคนอื่น ๆ รับบทนำใน The Lady of the Camellia จากบทละครนี้ ในปี 1853 Giuseppe Verdi เขียนโอเปร่าเรื่อง La traviata

ในช่วงกลางทศวรรษที่ 1850 ปัญหาครอบครัวกลายเป็นประเด็นสำคัญในงานของ A. Dumas son นี่คือบทละครของเขา "Diana de Lis" (1853) และ "Half Light" (1855), "Money Question" (1857) และ "Bad Son" (1858) ซึ่งจัดแสดงบนเวทีของโรงละคร "Gimnaz" นักเขียนบทละครหันไปใช้ธีมของครอบครัวที่เข้มแข็งในผลงานช่วงหลังของเขา: "The Views of Madame Aubrey" (1867), "Princess Georges" (1871) เป็นต้น

นักวิจารณ์ละครหลายคนในศตวรรษที่ 19 เรียกอเล็กซานเดร ดูมาส์ ลูกชายผู้ก่อตั้งประเภทการเล่นที่มีปัญหาและเป็นตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของละครที่เหมือนจริงของฝรั่งเศส อย่างไรก็ตาม การศึกษาเชิงลึกเกี่ยวกับมรดกทางความคิดสร้างสรรค์ของนักเขียนบทละครผู้นี้ทำให้แน่ใจได้ว่าความสมจริงของผลงานของเขามักอยู่ภายนอก ค่อนข้างเป็นด้านเดียว

ลูกชายดูมาส์ประณามบางแง่มุมของความเป็นจริงร่วมสมัย ยืนยันความบริสุทธิ์ทางจิตวิญญาณและศีลธรรมอันลึกซึ้งของโครงสร้างครอบครัว ความอยุติธรรมและความอยุติธรรมที่มีอยู่ในโลกปรากฏในผลงานของเขาในฐานะความชั่วร้ายของแต่ละบุคคล นอกเหนือจากผลงานที่ดีที่สุดของ E. Ogier, V. Sardou และนักเขียนบทละครคนอื่น ๆ บทละครของลูกชายของ Alexandre Dumas ยังเป็นพื้นฐานของละครของโรงละครในยุโรปหลายแห่งในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19

นักเขียนยอดนิยม นักเขียนบทละคร และนักทฤษฎีการละครคือสองพี่น้อง Edmond (1822-1896) และ Jules (1830-1870) Goncourt พวกเขาเข้าสู่แวดวงวรรณกรรมของฝรั่งเศสในปี พ.ศ. 2394 เมื่อผลงานชิ้นแรกของพวกเขาได้รับการตีพิมพ์

เป็นที่น่าสังเกตว่าพี่น้องตระกูล Goncourt ได้สร้างวรรณกรรมและผลงานชิ้นเอกด้านการละครด้วยการประพันธ์ร่วมเท่านั้น โดยเชื่ออย่างถูกต้องว่าการทำงานร่วมกันของพวกเขาจะพบผู้ชื่นชมที่กระตือรือร้น

เป็นครั้งแรกที่ผลงานของพี่น้อง Goncourt (นวนิยายเรื่อง Henriette Marechal) ถูกจัดแสดงบนเวทีของโรงละคร Comedie Francaise ในปี 1865 หลายปีต่อมา บนเวทีของ Free Theatre อองรี อ็องตวนได้แสดงละครเรื่อง Fatherland in Danger นอกจากนี้เขายังจัดแสดงนวนิยายของ Goncourt เรื่อง Sister Philomena (พ.ศ. 2430) และ The Maiden Eliza (พ.ศ. 2433)

นอกจากนี้ ประชาชนชาวฝรั่งเศสขั้นสูงไม่ได้เพิกเฉยต่อการแสดงละครของนวนิยายเรื่อง Germinie Lacerte (พ.ศ. 2431) ที่โรงละคร Odeon, Charles Damailly (พ.ศ. 2435) ที่โรงยิม

กิจกรรมทางวรรณกรรมของพี่น้อง Goncourt เกี่ยวข้องกับการเกิดขึ้นของประเภทใหม่: ภายใต้อิทธิพลของรสนิยมทางศิลปะที่ดีของพวกเขาใน โรงละครยุโรปเผยแพร่ปรากฏการณ์เช่นธรรมชาตินิยม

นักเขียนชื่อดังพยายามหารายละเอียดที่ถูกต้องในการอธิบายเหตุการณ์ ให้ความสำคัญกับกฎของสรีรวิทยาและอิทธิพลของสภาพแวดล้อมทางสังคม ในขณะเดียวกันก็ให้ความสนใจเป็นพิเศษกับการวิเคราะห์ทางจิตวิทยาเชิงลึกของตัวละคร

ผู้กำกับที่รับหน้าที่แสดงละครของ Goncourt มักใช้ฉากที่สวยงามซึ่งแสดงออกอย่างเข้มงวดในเวลาเดียวกัน

ในปี 1870 Jules Goncourt เสียชีวิต การตายของพี่ชายของเขาสร้างความประทับใจให้กับ Edmond แต่ไม่ได้บังคับให้เขาละทิ้งกิจกรรมวรรณกรรมของเขา ในปี 1870 - 1880 เขาเขียนนวนิยายหลายเล่ม: "The Zemganno Brothers" (1877), "Faustina" (1882) และอื่น ๆ ที่อุทิศให้กับชีวิตของนักแสดงในโรงละครและนักแสดงละครสัตว์ในปารีส

นอกจากนี้ E. Goncourt ยังหันไปหาประเภทของชีวประวัติ: ผลงานเกี่ยวกับนักแสดงหญิงชาวฝรั่งเศสที่มีชื่อเสียงในศตวรรษที่ 18 (Mademoiselle Clairon, 1890) ได้รับความนิยมเป็นพิเศษ

สิ่งที่น่าสนใจไม่น้อยสำหรับผู้อ่านคือ "ไดอารี่" ซึ่งเริ่มขึ้นในช่วงชีวิตของจูลส์ ในงานขนาดใหญ่นี้ ผู้เขียนพยายามนำเสนอเนื้อหาสำคัญเกี่ยวกับศาสนา ประวัติศาสตร์ และวัฒนธรรมการละครของฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 19

อย่างไรก็ตาม แม้ว่าเขาจะสนใจประเด็นด้านละครเป็นพิเศษ แต่ Edmond Goncourt ก็มองว่ามันเป็นศิลปะที่ใกล้สูญพันธุ์ ไม่คู่ควรกับความสนใจของนักเขียนบทละครตัวจริง

ในผลงานต่อมาของนักเขียนมีแนวโน้มต่อต้านประชาธิปไตยฟังขึ้นอย่างไรก็ตามนวนิยายของเขาเต็มไปด้วยจิตวิทยาที่ละเอียดอ่อนซึ่งเป็นลักษณะของแนวโน้มใหม่ของวรรณกรรมฝรั่งเศสสมัยใหม่

ตามศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์ Edmond Goncourt พิจารณาว่าจำเป็นต้องสะท้อนความรู้สึกและอารมณ์ของตัวละครในผลงานทุกประเภท อาจเป็นเพราะเหตุนี้ E. Goncourt จึงถือเป็นผู้ก่อตั้งลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ในวรรณคดีฝรั่งเศส

ช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ซึ่งมีการพัฒนาของกระแสวัฒนธรรมใหม่ - ความสมจริงเชิงวิพากษ์ทำให้โลกมีนักเขียนบทละครที่มีความสามารถมากมายรวมถึง Emile Edouard Charles Antoine Zola (1840-1902) ที่มีชื่อเสียงซึ่งได้รับชื่อเสียงไม่เพียง แต่เป็นพรสวรรค์ นักเขียน แต่ยังเป็นนักวิจารณ์วรรณกรรมและละครอีกด้วย

Emile Zola เกิดในครอบครัวของวิศวกรชาวอิตาลีซึ่งเป็นลูกหลานของตระกูลเก่าแก่ วัยเด็กของนักเขียนบทละครในอนาคตใช้เวลาอยู่ในเมือง Aix-en-Provence เมืองเล็ก ๆ ของฝรั่งเศสซึ่ง Zola พ่อทำงานเกี่ยวกับการออกแบบคลอง ที่นี่เด็กชายได้รับการศึกษาที่ดี ได้เพื่อน ซึ่งคนที่ใกล้ที่สุดคือ Paul Cezanne ศิลปินชื่อดังในอนาคต

ในปีพ. ศ. 2400 หัวหน้าครอบครัวเสียชีวิตความเป็นอยู่ทางการเงินของครอบครัวแย่ลงอย่างรวดเร็วและแม่ม่ายและลูกชายของเธอถูกบังคับให้ออกเดินทางไปปารีส ที่นี่ในเมืองหลวงของฝรั่งเศส Emile Zola สร้างงานศิลปะชิ้นแรกของเขา - เรื่องตลก The Fooled Mentor (1858) ซึ่งเขียนขึ้นในประเพณีที่ดีที่สุดของความสมจริงที่สำคัญของ Balzac และ Stendhal

อีกสองปีต่อมานักเขียนหนุ่มได้นำเสนอบทละครตามนิทานเรื่อง "The Milkmaid and the Jug" ของ La Fontaine การแสดงละครเรื่องนี้เรียกว่า "Pierrette" ค่อนข้างประสบความสำเร็จ

อย่างไรก็ตาม ก่อนที่จะได้รับการยอมรับในแวดวงวรรณกรรมของเมืองหลวง เอมิลต้องพอใจกับงานแปลก ๆ ในตอนแรก ซึ่งในไม่ช้าก็หลีกทางให้เขาได้งานประจำที่สำนักพิมพ์ Ashet ในเวลาเดียวกัน Zola เขียนบทความสำหรับหนังสือพิมพ์และนิตยสารต่างๆ

ในปี พ.ศ. 2407 เรื่องสั้นชุดแรกของเขาชื่อ The Tales of Ninon ได้รับการตีพิมพ์ และอีกหนึ่งปีต่อมานวนิยายเรื่อง Claude's Confession ได้รับการตีพิมพ์ ซึ่งทำให้ผู้เขียนมีชื่อเสียงอย่างกว้างขวาง โซลาไม่ได้ออกจากวงการละครเช่นกัน

ในบรรดาผลงานประเภทแรกๆ ของเขา การแสดงเดี่ยวในท่อน "To live with wolves is to howl like wolves" สมควรได้รับความสนใจเป็นพิเศษ ตลกซาบซึ้ง"Ugly Girl" (1864) รวมถึงบทละคร "Madeleine" (1865) และ "Mysteries of Marseille" (1867)

ผลงานชิ้นแรกของ Emile Zola นักวิจารณ์หลายคนเรียกละครเรื่องนี้ว่า "Thérèse Raquin" ซึ่งจัดแสดงตาม นวนิยายชื่อเดียวกันที่โรงละครเรอเนซองส์ในปี พ.ศ. 2416 อย่างไรก็ตาม เนื้อเรื่องที่สมจริงของบทละครและความขัดแย้งภายในที่ตึงเครียดของตัวละครหลักนั้นถูกทำให้ง่ายขึ้นด้วยการไขข้อข้องใจที่ไพเราะ

ละครเรื่อง "Thérèse Raquin" รวมอยู่ในละครของโรงละครฝรั่งเศสที่ดีที่สุดเป็นเวลาหลายทศวรรษในศตวรรษที่ 19 ตามที่ผู้ร่วมสมัยหลายคนกล่าวไว้ มันคือ "โศกนาฏกรรมอย่างแท้จริงที่ E. Zola เช่นเดียวกับ Balzac ใน Père Goriot สะท้อนเรื่องราวของเชกสเปียร์โดยระบุถึง Teresa Raquin กับ Lady Macbeth"

ในขณะที่ทำงานในผลงานชิ้นต่อไป นักเขียนบทละครซึ่งมีแนวคิดเกี่ยวกับวรรณกรรมแนวธรรมชาตินิยมได้ตั้งเป้าหมายในการสร้าง "นิยายวิทยาศาสตร์" ซึ่งจะรวมถึงข้อมูลจากวิทยาศาสตร์ธรรมชาติ การแพทย์ และสรีรวิทยา

ด้วยเชื่อว่าอุปนิสัยและการกระทำของแต่ละคนถูกกำหนดโดยกฎแห่งกรรมพันธุ์ สภาพแวดล้อมที่เขาอาศัยอยู่ และช่วงเวลาทางประวัติศาสตร์ โซลามองเห็นงานของนักเขียนในการพรรณนาถึงช่วงเวลาหนึ่งของชีวิตอย่างมีวัตถุประสงค์ภายใต้เงื่อนไขบางประการ

นวนิยายเรื่อง "Madeleine Ferat" (พ.ศ. 2411) ซึ่งแสดงให้เห็นถึงกฎพื้นฐานของกรรมพันธุ์ในการปฏิบัติกลายเป็นสัญญาณแรกในนวนิยายชุดที่อุทิศให้กับชีวิตของคนหลายชั่วอายุคนในครอบครัวเดียว หลังจากเขียนงานนี้ Zola ตัดสินใจเปิดหัวข้อนี้

ในปีพ. ศ. 2413 นักเขียนอายุสามสิบปีได้แต่งงานกับ Gabrielle-Alexandrine Mel และอีกสามปีต่อมาก็กลายเป็นเจ้าของบ้านที่สวยงามในเขตชานเมืองของกรุงปารีส ในไม่ช้านักเขียนหนุ่มผู้สนับสนุนโรงเรียนธรรมชาตินิยมซึ่งสนับสนุนการปฏิรูปที่รุนแรงในโรงละครสมัยใหม่เริ่มรวมตัวกันในห้องนั่งเล่นของคู่สมรส

ในปีพ. ศ. 2423 ด้วยการสนับสนุนของ Zola คนหนุ่มสาวได้ตีพิมพ์เรื่องราว "Medan ตอนเย็น" ผลงานเชิงทฤษฎี "นวนิยายทดลอง" และ "นักประพันธ์ธรรมชาติ" โดยมีจุดประสงค์เพื่ออธิบายสาระสำคัญที่แท้จริงของละครใหม่

หลังจากผู้สนับสนุนโรงเรียนธรรมชาติวิทยา Emil หันไปเขียนบทความเชิงวิจารณ์ ในปี พ.ศ. 2424 เขาได้รวมสิ่งพิมพ์ที่แยกจากกันในโรงละครออกเป็นสองคอลเลกชั่น ได้แก่ Our Playwrights and Naturalism in the Theatre ซึ่งเขาพยายามให้คำอธิบายทางประวัติศาสตร์ของแต่ละขั้นตอนในการพัฒนาละครฝรั่งเศส

แสดงในงานเหล่านี้ ภาพที่สร้างสรรค์ V. Hugo, J. Sand, A. Dumas บุตรชาย, Labiche และ Sardou ในการโต้เถียงกันว่าใครเป็นคนสร้างทฤษฎีสุนทรียศาสตร์ Zola พยายามที่จะนำเสนอสิ่งเหล่านี้ให้เหมือนกับในชีวิตจริง นอกจากนี้ คอลเลกชั่นต่างๆ ยังรวมถึงบทความเกี่ยวกับกิจกรรมการแสดงละครของพี่น้อง Dode, Erkman-Chatrian และพี่น้อง Goncourt

ในส่วนทางทฤษฎีของหนังสือเล่มหนึ่งนำเสนอโดยนักเขียนที่มีความสามารถ โปรแกรมใหม่ลัทธิธรรมชาตินิยมซึ่งดูดซับประเพณีที่ดีที่สุดในยุคของ Moliere, Regnard, Beaumarchais และ Balzac - นักเขียนบทละครที่มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาศิลปะการแสดงละครไม่เพียง แต่ในฝรั่งเศส แต่ทั่วโลก

ด้วยความเชื่อที่ว่าประเพณีการแสดงละครจำเป็นต้องมีการแก้ไขอย่างจริงจัง โซลาจึงแสดงความเข้าใจใหม่เกี่ยวกับงานด้านการแสดง มีส่วนร่วมโดยตรงในการผลิตละคร เขาแนะนำให้นักแสดง "แสดงละครแทนการเล่น"

นักเขียนบทละครไม่ได้ใช้รูปแบบการเล่นและการประกาศที่เสแสร้งอย่างจริงจังเขาไม่เป็นที่พอใจสำหรับท่าทางและท่าทางของนักแสดงที่ไม่เป็นธรรมชาติในการแสดงละคร

สิ่งที่ Zola สนใจเป็นพิเศษคือปัญหาของการออกแบบเวที เมื่อพูดถึงฉากที่ไร้การแสดงอารมณ์ของโรงละครคลาสสิก ตามประเพณีของเชกสเปียร์ซึ่งจัดให้มีเวทีว่างเปล่า เขาเรียกร้องให้เปลี่ยนฉากที่ "ไม่เกิดประโยชน์ต่อการแสดงละคร"

โดยแนะนำให้ศิลปินนำวิธีการถ่ายทอดที่ตรงตามความเป็นจริงมาใช้” สภาพแวดล้อมทางสังคมในความซับซ้อนทั้งหมด” นักเขียนในขณะเดียวกันก็เตือนพวกเขาไม่ให้ “ลอกเลียนธรรมชาติ” หรืออีกนัยหนึ่ง จากการใช้ทิวทัศน์ตามธรรมชาติที่เรียบง่ายขึ้น แนวคิดของ Zola เกี่ยวกับบทบาทของชุดการแสดงละครและการแต่งหน้านั้นขึ้นอยู่กับหลักการของการสร้างสายสัมพันธ์กับความเป็นจริง

เมื่อเข้าใกล้ปัญหาของละครฝรั่งเศสสมัยใหม่ นักเขียนชื่อดังได้เรียกร้องทั้งจากนักแสดงและผู้กำกับว่าการแสดงบนเวทีควรใกล้เคียงกับความเป็นจริงมากขึ้น และให้ศึกษาตัวละครมนุษย์ต่างๆ โดยละเอียด

แม้ว่า Zola จะสนับสนุนการสร้าง "ภาพที่มีชีวิต" ซึ่งถ่ายใน "ตำแหน่งปกติ" แต่ในขณะเดียวกันเขาก็แนะนำไม่ให้ลืมประเพณีการแสดงละครที่ดีที่สุดของภาพยนตร์คลาสสิกที่มีชื่อเสียง เช่น Corneille, Racine และ Moliere

ตามหลักการที่ได้รับการส่งเสริม งานเขียนมากมายของนักเขียนบทละครที่มีพรสวรรค์ถูกเขียนขึ้น ดังนั้น ในภาพยนตร์คอมเมดี้เรื่อง The Heirs of Rabourdain (1874) เมื่อแสดงตลกขบขันในต่างจังหวัดที่เฝ้ารอการตายของญาติผู้มั่งคั่งของพวกเขา Zola จึงใช้โครงเรื่องของ Volpone ของ B. Johnson รวมถึงสถานการณ์ตลกขบขันตามแบบฉบับละครของMolière

องค์ประกอบของการยืมยังพบได้ในงานละครอื่นๆ ของ Zola: ในบทละคร The Rosebud (1878), เรื่องประโลมโลก Rene (1881), บทละครโคลงสั้น ๆ เรื่อง The Dream (1891), Messidor (1897) และ The Hurricane (1901)

เป็นที่น่าสังเกตว่าบทละครโคลงสั้น ๆ ของนักเขียนซึ่งมีภาษาจังหวะที่แปลกประหลาดและโครงเรื่องที่น่าอัศจรรย์ซึ่งแสดงออกในเวลาและสถานที่ที่ไม่จริงนั้นใกล้เคียงกับบทละครของ Ibsen และ Maeterlinck และมีคุณค่าทางศิลปะสูง

อย่างไรก็ตามนักวิจารณ์ละครและประชาชนในเมืองใหญ่ได้กล่าวถึงละครที่ "สร้างมาอย่างดี" โดย V. Sardou, E. Ogier และ A. Dumas-son พบกับการผลิตผลงานของ Zola อย่างไม่แยแสซึ่งดำเนินการโดยมีส่วนร่วมโดยตรงของ ประพันธ์โดยผู้กำกับมากความสามารถ V. Byuznak ในโรงละครหลายแห่งในปารีส

ดังนั้น ในแต่ละช่วงเวลา บทละครของ Zola เรื่อง "The Trap" (1879), "Nana" (1881) และ "Scum" (1883) จึงถูกจัดแสดงที่ Ambigu Comedian Theatre และ "The Womb of Paris" (1887 ) ที่ โรงละครฟรี - "Jacques d'Amour" (2430) ที่ "Chatelet" - "Germinal" (2431)

ในช่วงปี พ.ศ. 2436 ถึง พ.ศ. 2445 ละครของ Odeon Theatre ได้แก่ "Page of Love", "Earth" และ "The Misdemeanor of the Abbé Mouret" โดย Emile Zola และพวกเขาค่อนข้างประสบความสำเร็จบนเวทีเป็นเวลาหลายปี .

บุคคลในโรงละครในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 พูดโดยได้รับความเห็นชอบจากงานเขียนของนักเขียนชื่อดังในช่วงปลายโดยตระหนักถึงข้อดีของเขาในการได้รับอิสรภาพในการแสดงละครเวที "ด้วยโครงเรื่องต่างๆ ในหัวข้อใดๆ ซึ่งทำให้สามารถนำผู้คน คนงาน ทหารชาวนาขึ้นไปบนเวที - ฝูงชนที่เปล่งเสียงมากมายและงดงามทั้งหมดนี้ "

ผลงานชิ้นเอกที่สำคัญของ Emile Zola คือนวนิยายชุด Rougon-Macquart ซึ่งใช้เวลาหลายทศวรรษตั้งแต่ปี พ.ศ. 2414 ถึง พ.ศ. 2436 ในหน้าของงานยี่สิบเล่มนี้ ผู้เขียนพยายามสร้างภาพชีวิตทางจิตวิญญาณและสังคมของสังคมฝรั่งเศสในช่วงปี 1851 (การรัฐประหารของ Louis Napoleon Bonaparte) ถึง 1871 (ประชาคมปารีส)

ในช่วงสุดท้ายของชีวิตนักเขียนบทละครที่มีชื่อเสียงทำงานเกี่ยวกับการสร้างนวนิยายมหากาพย์สองเรื่องโดยการค้นหาอุดมการณ์ของ Pierre Froment ซึ่งเป็นตัวเอกของผลงาน รอบแรกของวัฏจักรเหล่านี้ (สามเมือง) รวมถึงนวนิยาย Lourdes (1894), Rome (1896) และ Paris (1898) ชุดต่อไป "พระกิตติคุณทั้งสี่" คือหนังสือ "Fecundity" (1899), "Labor" (1901) และ "Truth" (1903)

น่าเสียดายที่ "พระวรสารทั้งสี่" ยังเขียนไม่เสร็จ ผู้เขียนไม่สามารถทำงานเล่มที่สี่ให้เสร็จได้ ซึ่งเริ่มขึ้นในปีสุดท้ายของชีวิต อย่างไรก็ตาม สถานการณ์นี้ไม่ได้ลดทอนความสำคัญของงานนี้แต่อย่างใด ประเด็นหลักคือแนวคิดยูโทเปียของผู้เขียน ผู้ซึ่งพยายามที่จะตระหนักถึงความฝันของเขาเกี่ยวกับชัยชนะของเหตุผลและแรงงานในอนาคต

ควรสังเกตว่า Emile Zola ไม่เพียง แต่ทำงานอย่างแข็งขันในสาขาวรรณกรรมเท่านั้น แต่ยังแสดงความสนใจในชีวิตทางการเมืองของประเทศอีกด้วย เขาไม่ได้เพิกเฉยต่อเรื่อง Dreyfus ที่มีชื่อเสียง (ในปี 1894 Jew Dreyfus เจ้าหน้าที่ของ General Staff ของฝรั่งเศสถูกตัดสินอย่างไม่เป็นธรรมในข้อหาจารกรรม) ซึ่งตามที่ J. Guesde กลายเป็น "การกระทำที่ปฏิวัติวงการมากที่สุดในศตวรรษ" และ พบการตอบรับอย่างอบอุ่นจากประชาชนชาวฝรั่งเศสหัวก้าวหน้า

ในปี พ.ศ. 2441 โซลาพยายามเปิดโปงความยุติธรรมที่ไม่ถูกต้องอย่างชัดเจน: จดหมายฉบับหนึ่งถูกส่งถึงประธานาธิบดีแห่งสาธารณรัฐโดยมีหัวข้อว่า "ฉันกล่าวหา"

อย่างไรก็ตามผลของการกระทำนี้ช่างน่าเศร้า: นักเขียนชื่อดังถูกตัดสินว่า "ใส่ร้าย" และถูกตัดสินจำคุกหนึ่งปี

ในเรื่องนี้ Zola ถูกบังคับให้หนีออกจากประเทศ เขาตั้งรกรากในอังกฤษและกลับไปฝรั่งเศสในปี 2443 หลังจากเดรย์ฟัสพ้นผิด

ในปีพ. ศ. 2445 นักเขียนเสียชีวิตโดยไม่คาดคิดสาเหตุการตายอย่างเป็นทางการคือพิษของคาร์บอนมอนอกไซด์ แต่หลายคนคิดว่า "อุบัติเหตุ" นี้มีการวางแผนไว้ล่วงหน้า ในระหว่างการกล่าวสุนทรพจน์ในงานศพ Anatole France เรียกเพื่อนร่วมงานของเขาว่า "มโนธรรมของชาติ"

ในปี 1908 ศพของ Emile Zola ถูกย้ายไปที่ Pantheon และไม่กี่เดือนต่อมานักเขียนชื่อดังก็ได้รับตำแหน่งเป็นสมาชิกของ French Academy of Sciences (โปรดทราบว่าในช่วงชีวิตของเขามีการเสนอผู้สมัครรับเลือกตั้งประมาณ 20 ครั้ง)

ในบรรดาตัวแทนที่ดีที่สุดของละครฝรั่งเศสในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 เราสามารถตั้งชื่อนักเขียนนักข่าวและนักเขียนบทละครที่มีความสามารถ Paul Alexis (1847-1901) เขาเริ่มมีส่วนร่วมในความคิดสร้างสรรค์ทางวรรณกรรมค่อนข้างเร็วบทกวีที่เขาเขียนขณะเรียนที่วิทยาลัยกลายเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวาง

เมื่อสำเร็จการศึกษา พอลเริ่มทำงานในหนังสือพิมพ์และนิตยสาร นอกจากนี้ เขายังสนใจงานละครอีกด้วย ในช่วงปลายทศวรรษ 1870 อเล็กซิสได้เขียนบทละครเรื่องแรก Mademoiselle Pomme (1879) ตามด้วยผลงานละครชิ้นเอกอื่นๆ

กิจกรรมการแสดงละครของ Paul Alexis มีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับ Free Theatre ของผู้กำกับและนักแสดงที่โดดเด่น Andre Antoine การสนับสนุนการแสวงหาความคิดสร้างสรรค์ของผู้กำกับมากความสามารถ นักเขียนบทละครยังจัดฉากเรื่องสั้นที่ดีที่สุดของเขาเรื่อง The End of Lucy Pellegrin ซึ่งออกฉายในปี 1880 และจัดแสดงที่ Paris Theatre ในปี 1888

พอล อเล็กซิสเป็นผู้ที่ชื่นชมธรรมชาตินิยมในศิลปะการแสดงอย่างกระตือรือร้น เขาต่อต้านการเสริมสร้างความเข้มแข็งของแนวโน้มต่อต้านความเป็นจริงในโรงละครฝรั่งเศส

ความปรารถนาในความเป็นธรรมชาติแสดงออกในบทละคร "The Servant about Everything" ซึ่งเขียนขึ้นในปี พ.ศ. 2434 และแสดงบนเวทีของ Variety Theatre ในอีกไม่กี่เดือนต่อมา ไม่นานมานี้ภายใต้การดูแลของอเล็กซิส โรงละคร "Gimnaz" ได้จัดแสดงนวนิยายโดยพี่น้อง Goncourt "Charles Demailli" (พ.ศ. 2436)

แรงจูงใจที่เห็นอกเห็นใจนั้นเต็มไปด้วยผลงานของนักเขียนบทละครชาวฝรั่งเศสอีกคน Edmond Rostand (2411-2461) ที่ได้รับความนิยมไม่น้อย บทละครของเขาสะท้อนถึงอุดมคติอันโรแมนติกของความศรัทธาในพลังทางจิตวิญญาณของแต่ละคน อัศวินผู้สูงศักดิ์ นักสู้เพื่อความดีและความงาม กลายเป็นฮีโร่ในผลงานของ Rostanov

นักเขียนบทละครเปิดตัวบนเวทีครั้งแรกในปี พ.ศ. 2437 เมื่อการแสดงตลกเรื่อง The Romantics ของเขาแสดงที่ Comédie Française ในผลงานชิ้นนี้ ผู้เขียนพยายามแสดงให้เห็นความรู้สึกของมนุษย์อย่างจริงใจ แสดงความเสียใจและความเสียใจต่ออดีตที่ไร้เดียงสาแก่ผู้ชม โลกโรแมนติก. ความโรแมนติกประสบความสำเร็จอย่างมาก

ภาพยนตร์ตลกแนวฮีโร่เรื่อง Cyrano de Bergerac ของ Rostand ซึ่งจัดแสดงที่โรงละคร Porte Saint-Martin ในปารีสในปี พ.ศ. 2440 ได้รับความนิยมเป็นพิเศษ นักเขียนบทละครสามารถสร้างภาพลักษณ์ที่สดใสของอัศวินผู้สูงศักดิ์ผู้ปกป้องผู้อ่อนแอและไม่พอใจซึ่งต่อมาได้รับศูนย์รวมที่แท้จริงในการแสดงของนักแสดงที่ดีที่สุดของโรงเรียนการละครฝรั่งเศส

ความจริงที่ว่าจิตใจที่สวยงามและสูงส่งของตัวเอกซ่อนตัวอยู่เบื้องหลังรูปร่างหน้าตาอัปลักษณ์ ซึ่งบังคับให้เขาต้องซ่อนความรักที่มีต่อร็อกแซนผู้งดงามเป็นเวลาหลายปี ทำให้แนวคิดทางศิลปะของละครเรื่องนี้สะเทือนใจเป็นพิเศษ ก่อนที่เขาจะเสียชีวิต Cyrano เปิดเผยความรู้สึกของเขากับคนที่เขารัก

ภาพยนตร์ตลกเรื่อง "Cyrano de Bergerac" เป็นผลงานชิ้นเอกของ Edmond Rostand ในปีสุดท้ายของชีวิต เขาได้เขียนบทละครอีกเรื่องหนึ่งชื่อ "คืนสุดท้ายของดอนฮวน" และชวนให้นึกถึงลักษณะของการนำเสนอและความหมายหลักของบทความเชิงปรัชญา

บทบาทสำคัญในศิลปะการแสดงบนเวทีของฝรั่งเศสในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 เล่นโดยโรงละครที่เรียกว่า Antoine ซึ่งก่อตั้งขึ้นในปารีสโดยผู้กำกับนักแสดงและนักแสดงที่โดดเด่น Andre Antoine

โรงละครแห่งใหม่เริ่มทำงานในสถานที่ของหนึ่งในร้าน Menu-Pleisir ละครของเขาอิงจากผลงานของเพื่อนร่วมชาติรุ่นเยาว์และตัวอย่างละครต่างประเทศเรื่องใหม่ที่ดีที่สุด อองตวนเชิญนักแสดงเข้าร่วมคณะของเขา ซึ่งเขาทำงานด้วยที่ Free Theatre เป็นเวลาหลายปี

การผลิตรอบปฐมทัศน์ของ Theatre Antoine ประสบความสำเร็จอย่างมากในการแสดงละครโดย Briet และ Courteline นักเขียนบทละครหนุ่มชาวฝรั่งเศส

เมื่อสร้างโรงละครของเขา ผู้กำกับพยายามที่จะแก้ปัญหาเดียวกันกับที่เขาหยิบยกขึ้นมาในขณะที่ทำงานที่ Free Theatre

การอนุมัติแนวคิดของโรงเรียนศิลปะการแสดงละครฝรั่งเศสที่เป็นธรรมชาติ Antoine ไม่เพียง แต่ส่งเสริมผลงานของนักเขียนหนุ่มชาวฝรั่งเศสเท่านั้น แต่ยังแนะนำผู้ชมทุนให้รู้จักกับละครต่างประเทศเรื่องใหม่ซึ่งไม่ค่อยเข้าสู่เวทีฝรั่งเศส (ในเวลานั้นละครที่ว่างเปล่าและไร้ความหมายตามแฟชั่น ผู้เขียนได้แสดงบนเวทีของโรงละครในกรุงปารีสหลายแห่ง)

จากหนังสือมนุษย์หมาป่า: มนุษย์หมาป่า โดย Karren Bob

โรงละคร เมื่อศิลปะการแสดงละครแทรกซึมเข้าไปในตุรกีพร้อมกับแนวโน้มของยุโรปผู้หญิงในฮาเร็มใช้ความสามารถทั้งหมดของตนเพื่อโน้มน้าวให้สุลต่านจำเป็นต้องเปิดโรงละครของตนเองใน seraglio เห็นได้ชัดว่าสุลต่านเองไม่ได้ต่อต้านความบันเทิงใหม่เนื่องจาก

จากหนังสือ ชีวิตประจำวันที่ดินของรัสเซียในศตวรรษที่ 19 ผู้เขียน Ohlyabinin เซอร์เกย์ ดมิทรีวิช

จากหนังสือดนตรีในภาษาของเสียง เส้นทางสู่ความเข้าใจใหม่เกี่ยวกับดนตรี ผู้เขียน Arnoncourt Nikolaus

จากหนังสือปินะโกเทก 2544 01-02 ผู้แต่ง

สไตล์อิตาลีและสไตล์ฝรั่งเศส ในศตวรรษที่ 17 และ 18 ดนตรียังไม่เป็นศิลปะสากลที่เข้าใจกันในระดับสากล ซึ่งต้องขอบคุณทางรถไฟ เครื่องบิน วิทยุและโทรทัศน์ ที่ต้องการและสามารถเป็นได้ในทุกวันนี้ ในภูมิภาคต่างๆ อย่างแน่นอน

จากหนังสือ The Dukes of the Republic in the Age of Translation: The Humanities and the Revolution of Concepts ผู้เขียน Khapaeva Dina Rafailovna

จากหนังสือ The Book of General Delusions โดยลอยด์ จอห์น

นักปราชญ์ชาวฝรั่งเศส (พ.ศ. 2439-2543) คำว่า "ปัญญาชน" ทำให้ฉันรู้สึกว่าไร้สาระ ส่วนตัวไม่เคยเจอปัญญาชน ฉันได้พบคนเขียนนิยายและคนที่รักษาคนป่วย ผู้ที่จัดการกับเศรษฐกิจและเขียนเพลงอิเล็กทรอนิกส์ ฉัน

จากหนังสือ Daily Life of Moscow Sovereigns ในศตวรรษที่ 17 ผู้เขียน Chernaya Lyudmila Alekseevna

เฟรนช์โทสต์มาจากฝรั่งเศสจริงหรือ? ใช่และไม่. จุ่มใน ไข่ดิบและทอดในกระทะ - วิธีแก้ปัญหาที่เป็นสากลมากสำหรับคำถามเกี่ยวกับวิธียืดอายุของขนมปังเก่า ๆ แน่นอนว่าชาวฝรั่งเศสมีเวอร์ชันยุคกลางของตัวเองเรียกว่า tostees dorees "golden

จากหนังสือ Geniuses of the Renaissance [รวมบทความ] ผู้เขียน ชีวประวัติและบันทึกความทรงจำ ทีมผู้เขียน --

โรงละคร โรงละครในศาลแห่งแรกซึ่งมีอยู่ในปี ค.ศ. 1672-1676 ถูกกำหนดโดยซาร์อเล็กซี่มิคาอิโลวิชเองและผู้ร่วมสมัยของเขาว่าเป็น "ความสนุก" และ "ความเย็น" ที่แปลกใหม่ในภาพลักษณ์และอุปมาอุปไมยของโรงละครของพระมหากษัตริย์ในยุโรป มหรสพในราชสำนักไม่ปรากฏทันที ชาวรัสเซีย

จากหนังสือประเพณีพื้นบ้านของจีน ผู้เขียน Martyanova ลุดมิลา มิคาอิลอฟนา

โรงละคร ควรจะกล่าวว่าโศกนาฏกรรมในขั้นต้นทำหน้าที่เป็นวิธีการชำระจิตวิญญาณให้บริสุทธิ์ โอกาสที่จะบรรลุผลสำเร็จ ปลดปล่อยบุคคลจากกิเลสตัณหาและความกลัว แต่ในโศกนาฏกรรมนั้นไม่จำเป็นต้องมีเพียงผู้คนที่มีความรู้สึกขี้อายและเห็นแก่ตัวเท่านั้น

จากหนังสืออภิปรัชญาแห่งปีเตอร์สเบิร์ก เรียงความทางประวัติศาสตร์และวัฒนธรรม ผู้เขียน สปิวัค ดิมิทรี ลีโอนิโดวิช

จากหนังสือ ศิลปวัฒนธรรมรัสเซียพลัดถิ่น พ.ศ. 2460–2482 [บทความที่รวบรวม] ผู้เขียน ทีมผู้เขียน

บัลเล่ต์ฝรั่งเศสในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในศตวรรษที่ 18 อีกพื้นที่หนึ่งที่อิทธิพลของวัฒนธรรมฝรั่งเศสไม่อาจปฏิเสธได้คือการเต้นรำแบบมืออาชีพ จุดเริ่มต้นที่ได้รับการยอมรับโดยทั่วไปคือผลงานของนักเต้น นักออกแบบท่าเต้น และครูชาวฝรั่งเศสที่ยอดเยี่ยม

จากหนังสือเรื่องโปรด หนุ่มรัสเซีย ผู้เขียน เกอร์เชนซอน มิคาอิล โอซิโพวิช

สำเนียงฝรั่งเศสในข้อความทางสถาปัตยกรรมของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในศตวรรษที่ 20 ในตอนท้ายของรัชกาลของ Alexander III มีสะพานโลหะถาวรสองแห่งบน Neva - Nikolaevsky และ Liteiny ลำดับถัดไปคือการเปลี่ยนสะพาน Trinity Bridge ที่ลอยอยู่ ซึ่งควรจะสร้างให้เสร็จที่ระดับ

จากหนังสือของผู้แต่ง

N. I. Tregub Zinaida Serebryakova สมัยฝรั่งเศส: การค้นหาธีมของตัวเอง (2467-2482) ศิลปะของ Zinaida Evgenievna Serebryakova (2427-2510) จากจุดเริ่มต้นของเธอ วิธีที่สร้างสรรค์ดึงดูดความสนใจของผู้ชมและนักวิจารณ์ ปัจจุบันผลงานของศิลปินถูกเก็บไว้ในจำนวนมาก

โรงละครฝรั่งเศส

ในบรรดาบทบาทที่สำคัญที่สุดของนักแสดงหญิงสามารถสังเกตได้ว่า Phaedra ในการเล่นชื่อเดียวกันโดย Racine, Andromache ใน Hector โดย Luce de Lancival, Agrippina ใน Germanica ของ Arnaud, Valeria ใน Sulla โดย Jouy, Mary Stuart ในการเล่นชื่อเดียวกัน โดย Lebrun ฯลฯ

ที่น่าสังเกตเป็นพิเศษคือบทละครของนักแสดงหญิง Marie Dorval (พ.ศ. 2341-2392) ผู้ซึ่งได้รับแรงบันดาลใจและมีทักษะพิเศษได้รวบรวมภาพของผู้หญิงที่ท้าทายสังคมในการต่อสู้เพื่อความรักของพวกเขาบนเวที

ในปี 1818 มารีเข้าไปใน Paris Conservatory แต่ออกไปหลังจากนั้นไม่กี่เดือน เหตุผลของการกระทำนี้คือความไม่ลงรอยกันของระบบการฝึกอบรมนักแสดงในสถาบันการศึกษาแห่งนี้ด้วยความคิดสร้างสรรค์ของเยาวชนที่มีพรสวรรค์ ในไม่ช้า Marie Dorval ก็กลายเป็นสมาชิกของคณะการแสดงของโรงละครบนถนน Port-Saint-Martin ที่ดีที่สุดแห่งหนึ่ง ที่นี่มีการแสดงบทบาทของ Amalia ในละครประโลมโลกของ Ducange เรื่อง "Thirty Years หรือ Life of a Gambler" ซึ่งทำให้นักแสดงหญิงได้รับความนิยมอย่างไม่น่าเชื่อ ในการแสดงนี้มีการเปิดเผยความสามารถอันมหาศาลของ Marie เธอได้แสดงละครที่เชี่ยวชาญของเธอต่อผู้ชมในเมือง: หลังจากสามารถก้าวข้ามภาพลักษณ์ที่ไพเราะและค้นหาความรู้สึกของมนุษย์ที่แท้จริงได้

Pierre Bocage นักแสดงชาวฝรั่งเศสชื่อดัง (พ.ศ. 2342-2405) ซึ่งมีชื่อเสียงในฐานะนักแสดงนำในละครเรื่อง Victor Hugo และ Alexandre Dumas-son ชื่นชอบความรักเป็นพิเศษของสาธารณชน

นอกเหนือจากนักแสดงหญิงในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 เช่น C. Duchenois และ M. Dorval แล้ว Louise Rosalie Allan-Depreo (1810-1856) ที่มีชื่อเสียง เธอเกิดที่เมือง Mons ในครอบครัวของผู้อำนวยการโรงละคร สถานการณ์นี้ได้กำหนดชะตากรรมในอนาคตทั้งหมดของ Louise Rosalie

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 ประเภทความสนุกสนานของนักแสดงตลกพื้นบ้านยังคงครอบงำโรงละครตลกขบขัน Jean Baptiste Gaspard Debureau นำความหมายมาสู่การแสดงละครใบ้ล้อเลียน โดยนำการแสดงพื้นบ้านที่ไม่มีคำพูดมาเข้าใกล้การผลิตที่มีความหมายลึกซึ้งของโรงละครมืออาชีพสมัยใหม่

เกมของ Debureau ดึงดูดความสนใจของผู้มีปัญญาทางศิลปะที่ก้าวหน้าในศตวรรษที่ 19 นักเขียนที่มีชื่อเสียง - C. Nodier, T. Gauthier, J. Janin, J. Sand และคนอื่น ๆ พูดอย่างกระตือรือร้นเกี่ยวกับนักแสดงคนนี้ในบรรดาชนชั้นสูงของสังคมฝรั่งเศสไม่มีผู้ชื่นชมความสามารถของ Debureau ภาพลักษณ์ทางสังคมที่เฉียบคมของเขาปฏิเสธสิ่งที่มีอยู่ คำสั่งกระตุ้นความขุ่นเคืองของเจ้าหน้าที่

Eliza Rachel (พ.ศ. 2364-2401) นักแสดงหญิงชาวฝรั่งเศสที่มีชื่อเสียงที่สุดคนหนึ่งซึ่งทำงานในยุคโรแมนติกในบทบาทที่น่าเศร้าคือ เธอเกิดในปารีสในครอบครัวของชาวยิวที่ยากจนซึ่งขายของเล็ก ๆ น้อย ๆ ตามท้องถนนในเมือง ในวัยเด็กเธอแสดงความสามารถที่โดดเด่น: เพลงที่เธอแสดงดึงดูดผู้ซื้อจำนวนมากมาที่ถาดของพ่อ

ช่วงกลางทศวรรษที่ 1840 ถูกทำเครื่องหมายด้วยกิจกรรมการท่องเที่ยวที่กระตือรือร้นของนักแสดงหญิงที่มีพรสวรรค์: การเดินทางของเธอไปทั่วยุโรปเป็นการยกย่องโรงเรียนศิลปะการแสดงละครของฝรั่งเศส ครั้งหนึ่งราเชลไปเยือนรัสเซียและอเมริกาเหนือ ซึ่งการแสดงของเธอได้รับคะแนนสูงจากนักวิจารณ์ละคร

นักแสดงที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคนหนึ่งในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 สามารถเรียกได้ว่าเป็นนักแสดงที่มีพรสวรรค์ Benoit Constant Coquelin (1841-1909) ความสนใจในศิลปะการแสดงละครที่เขาแสดงในวัยเด็กกลายเป็นเรื่องของชีวิต

นักเขียนและนักเขียนบทละครชื่อดังชาวฝรั่งเศส ออเนอร์ เดอ บัลซัค(พ.ศ. 2342-2393) เกิดที่ปารีสในครอบครัวของข้าราชการ ผู้ปกครองที่ห่วงใยอนาคตของลูกชายได้ให้การศึกษาด้านกฎหมายแก่เขา อย่างไรก็ตาม หลักนิติศาสตร์ดึงดูดชายหนุ่มน้อยกว่ากิจกรรมวรรณกรรม ในไม่ช้าผลงานของ Balzac ก็ได้รับความนิยมอย่างกว้างขวาง ตลอดชีวิตเขียนนวนิยาย เรื่องสั้น และเรื่องสั้นรวมทั้งสิ้น 97 เรื่อง

ด้วยความร่วมมือกับนักแสดงชื่อดังชาวฝรั่งเศส Frederic Lemaitre นักเขียนบทละครได้เขียนบทละครที่มีชื่อเสียงที่สุดเรื่องหนึ่ง - "Robert Maker" ซึ่งจัดแสดงในปี 1834 บนเวทีของโรงละคร Foli Dramatic ในกรุงปารีส ความสำเร็จของละครเรื่องนี้ส่วนใหญ่เกิดจากการแสดงที่ยอดเยี่ยมของ Frederic Lemaitre ที่ชื่นชอบของผู้ชมและคณะการแสดงทั้งหมด

ผู้ริเริ่มละครฝรั่งเศสในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 คือนักเขียนที่มีความสามารถ K. อาซีมีร์ ฌอง ฟรองซัวส์ เดลาวีญ(พ.ศ.2336-2386). ตอนอายุสิบแปดปี เขาเข้าสู่แวดวงวรรณกรรมของฝรั่งเศส และอีกแปดปีต่อมา เขาก็ได้แสดงละครเป็นครั้งแรก

ในปีพ. ศ. 2362 Casimir Delavigne เริ่มทำงานที่ Odeon Theatre ซึ่งเป็นหนึ่งในโศกนาฏกรรมครั้งแรกของเขาคือ Sicilian Vespers ในเรื่องนี้เช่นเดียวกับในผลงานแรก ๆ อื่น ๆ ของนักเขียนบทละครรุ่นเยาว์เราสามารถติดตามอิทธิพลของการแสดงละครคลาสสิกที่มีชื่อเสียงในอดีตซึ่งไม่อนุญาตให้มีการเบี่ยงเบนจากหลักการคลาสสิกที่เป็นที่รู้จักในการสร้างสรรค์ของพวกเขา

ภาพลักษณ์ของ King Louis XI ซึ่งแสดงบนเวทีโดยนักแสดงที่ดีที่สุดของฝรั่งเศสและประเทศในยุโรปอื่น ๆ ซ้ำแล้วซ้ำเล่าได้กลายเป็นหนึ่งในสภาพแวดล้อมการแสดงที่เป็นที่ชื่นชอบมากที่สุด ดังนั้นในรัสเซียบทบาทของ Ludovic จึงแสดงได้อย่างสมบูรณ์แบบโดยนักแสดงมากความสามารถ V. Karatygin ในอิตาลี - โดย E. Rossi

ตลอดชีวิตของเขา Casimir Jean-Francois Delavigne ยึดมั่นในมุมมองต่อต้านนักบวชของผู้สนับสนุนขบวนการปลดปล่อยแห่งชาติ ในขณะที่ไม่ก้าวข้ามลัทธิเสรีนิยมระดับปานกลาง เห็นได้ชัดว่าเป็นเหตุการณ์นี้ที่ทำให้ผลงานของนักเขียนบทละครที่มีความสามารถได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางในหมู่ชนชั้นปกครองในยุคฟื้นฟูและไม่แพ้แม้ในช่วงปีแรก ๆ ของระบอบกษัตริย์ในเดือนกรกฎาคม

ไม่มีชื่อเสียงน้อยกว่าบทละครของ O. de Balzac และบุคคลที่มีชื่อเสียงอื่น ๆ ของศิลปะการแสดงละครในศตวรรษที่ 19 ผลงานละครที่มีชื่อเสียง ลูกชายของอเล็กซานเดร ดูมาส์ (1824—1895).

เขาเกิดในครอบครัวของนักเขียนชาวฝรั่งเศสชื่อ Alexandre Dumas ผู้แต่ง The Three Musketeers และ The Count of Monte Cristo อาชีพของพ่อกำหนดเส้นทางชีวิตของลูกชาย แต่อเล็กซานเดอร์สนใจกิจกรรมที่น่าทึ่งซึ่งแตกต่างจากพ่อแม่ที่มีชื่อเสียงของเขา

พี่น้องเป็นนักเขียนยอดนิยม นักเขียนบทละคร และนักทฤษฎีศิลปะการละคร Edmond (1822-1896) และ Jules (1830-1870) Goncourtพวกเขาเข้าสู่แวดวงวรรณกรรมของฝรั่งเศสในปี พ.ศ. 2394 เมื่อผลงานชิ้นแรกของพวกเขาได้รับการตีพิมพ์

การเกิดขึ้นของประเภทใหม่นั้นเชื่อมโยงกับกิจกรรมทางวรรณกรรมของพี่น้อง Goncourt: ภายใต้อิทธิพลของรสนิยมทางศิลปะที่ดีของพวกเขาปรากฏการณ์ดังกล่าวเมื่อลัทธิธรรมชาตินิยมแพร่หลายในโรงละครยุโรป

ช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ซึ่งมีการพัฒนาของกระแสวัฒนธรรมใหม่ - ความสมจริงเชิงวิพากษ์ทำให้โลกนี้มีนักเขียนบทละครที่มีความสามารถมากมายรวมถึงนักเขียนบทละครที่มีชื่อเสียง เอมิล เอดูอาร์ ชาร์ลส์ อ็องตวน โซลา(พ.ศ. 2383-2445) ผู้มีชื่อเสียงไม่เพียงแต่ในฐานะนักเขียนที่มีพรสวรรค์ แต่ยังเป็นนักวิจารณ์วรรณกรรมและละครอีกด้วย

ผลงานประเภทแรกของเขาในแนวนี้ ได้แก่ การแสดงเดี่ยวในท่อน "To live with wolves is like a wolf howl" ภาพยนตร์ตลกสะเทือนอารมณ์ "Ugly Girl" (พ.ศ. 2407) รวมถึงบทละคร "Madeleine" (พ.ศ. 2408) และ "ความลับของมาร์กเซย" (2410) สมควรได้รับความสนใจเป็นพิเศษ

ผลงานชิ้นแรกของ Emile Zola นักวิจารณ์หลายคนเรียกละครเรื่องนี้ว่า "Thérèse Raquin" ซึ่งสร้างจากนวนิยายชื่อเดียวกันที่ Renaissance Theatre ในปี 1873 อย่างไรก็ตาม เนื้อเรื่องที่สมจริงของบทละครและความขัดแย้งภายในที่ตึงเครียดของตัวละครหลักนั้นถูกทำให้ง่ายขึ้นด้วยการไขข้อข้องใจที่ไพเราะ

หลังจากแสดงภาพบุคคลเชิงสร้างสรรค์ของ V. Hugo, J. Sand, A. Dumas son, Labiche และ Sardou ในงานเหล่านี้ ในข้อพิพาทเกี่ยวกับทฤษฎีสุนทรียศาสตร์ที่ถูกสร้างขึ้น Zola พยายามนำเสนอภาพเหมือนจริงในชีวิต นอกจากนี้ คอลเลกชั่นต่างๆ ยังรวมถึงบทความเกี่ยวกับกิจกรรมการแสดงละครของพี่น้อง Dode, Erkman-Chatrian และพี่น้อง Goncourt

ในส่วนทางทฤษฎีของหนังสือเล่มหนึ่งนักเขียนที่มีความสามารถนำเสนอโปรแกรมใหม่ของธรรมชาตินิยมซึ่งดูดซับประเพณีที่ดีที่สุดในยุคของMolière, Regnard, Beaumarchais และ Balzac - นักเขียนบทละครที่มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาศิลปะการแสดงละคร เฉพาะในฝรั่งเศส แต่ทั่วโลก

การแนะนำให้ศิลปินใช้วิธีการที่ถ่ายทอด "สภาพแวดล้อมทางสังคมในความซับซ้อนทั้งหมด" ตามความเป็นจริง นักเขียนในขณะเดียวกันก็เตือนพวกเขาว่าอย่า "ลอกเลียนแบบธรรมชาติ" หรืออีกนัยหนึ่งจากการใช้ทิวทัศน์ตามธรรมชาติที่เรียบง่าย แนวคิดของ Zola เกี่ยวกับบทบาทของชุดการแสดงละครและการแต่งหน้านั้นขึ้นอยู่กับหลักการของการสร้างสายสัมพันธ์กับความเป็นจริง

ดังนั้นในหลาย ๆ ครั้ง บทละครของ Zola เรื่อง The Trap (1879), Nana (1881) และ Scum (1883) ถูกจัดแสดงที่ Ambigu Comedian Theatre และ The Womb of Paris (1887) ถูกจัดแสดงที่ Theatre de Paris ) ที่ โรงละครฟรี - "Jacques d'Amour" (2430) ที่ "Chatelet" - "Germinal" (2431)

บุคคลในโรงละครในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 พูดโดยได้รับความเห็นชอบจากงานเขียนของนักเขียนชื่อดังในช่วงปลายโดยตระหนักถึงข้อดีของเขาในการได้รับอิสรภาพในการแสดงละครเวที "ด้วยโครงเรื่องต่าง ๆ ในหัวข้อใด ๆ ซึ่งทำให้สามารถนำผู้คนคนงานทหาร ชาวนาขึ้นไปบนเวที - ฝูงชนที่เปล่งเสียงและงดงามทั้งหมดนี้ "

ในบรรดาตัวแทนที่ดีที่สุดของละครฝรั่งเศสในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 เราสามารถตั้งชื่อนักเขียนนักข่าวและนักเขียนบทละครที่มีความสามารถได้ ฟิลด์ของอเล็กซิส(พ.ศ.2390-2444). เขาเริ่มมีส่วนร่วมในความคิดสร้างสรรค์ทางวรรณกรรมค่อนข้างเร็วบทกวีที่เขาเขียนขณะเรียนที่วิทยาลัยกลายเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวาง

แรงจูงใจที่เห็นอกเห็นใจนั้นเต็มไปด้วยผลงานของนักเขียนบทละครชาวฝรั่งเศสที่ได้รับความนิยมไม่น้อย เอ็ดมันด์ โรสแตนด์(พ.ศ.2411-2461). บทละครของเขาสะท้อนถึงอุดมคติอันโรแมนติกของความศรัทธาในพลังทางจิตวิญญาณของแต่ละคน อัศวินผู้สูงศักดิ์ นักสู้เพื่อความดีและความงาม กลายเป็นฮีโร่ในผลงานของ Rostanov

นักเขียนบทละครเปิดตัวบนเวทีครั้งแรกในปี พ.ศ. 2437 เมื่อการแสดงตลกเรื่อง The Romantics ของเขาแสดงที่ Comédie Française ในผลงานชิ้นนี้ ผู้เขียนพยายามแสดงให้เห็นความละเอียดอ่อนของความรู้สึกของมนุษย์อย่างจริงใจ เพื่อแสดงให้ผู้ชมรู้สึกเศร้าและเสียใจต่อโลกโรแมนติกไร้เดียงสาที่ล่วงลับไปแล้วในอดีต ความโรแมนติกประสบความสำเร็จอย่างมาก

นอกจากนี้ ผู้กำกับยังต่อสู้กับงานฝีมือและ "การเล่นด้วยเงิน" ที่สัญญาว่าจะได้กำไรก้อนโต อันดับแรกสำหรับเขาคือศิลปะเช่นนี้

ในความพยายามที่จะสร้างสรรค์สิ่งใหม่ๆ ที่แตกต่างจาก Free Theatre การแสดงที่สามารถเข้าถึงได้โดยเจ้าของค่าสมัครสมาชิกราคาแพงเท่านั้น Antoine ได้มอบการแสดงแบบชำระเงินที่ออกแบบมาเพื่อผู้ชมจำนวนมาก ด้วยเหตุนี้ จึงมีการแนะนำราคาตั๋วปานกลางในโรงละคร และละครที่กว้างขวางได้รับการปรับปรุงบ่อยครั้งเพื่อดึงดูดผู้ชมที่หลากหลาย

บทละครของ Antoine Theatre รวมถึงบทละครของเพื่อนร่วมชาติรุ่นเยาว์เช่น A. Brie, E. Fabre, P. Loti, L. Benière, J. Courteline, L. Decave และอื่น ๆ การแสดงตามผลงานของ Maupassant, Zola, Balzac ได้รับความนิยมเป็นพิเศษ นอกจากนี้ในละครเวทีเรื่อง เป็นเวลานานบทละครล่าช้าโดยนักเขียนต่างชาติ - Ibsen, Hauptmann, Zudeoman, Heyermans, Strindberg

ในปี 1904 King Lear ของเชกสเปียร์ได้จัดแสดงบนเวทีของโรงละคร Antoinov การแสดงนี้สร้างความประทับใจให้กับผู้ชมในอนาคตผู้กำกับชาวฝรั่งเศสหลายคนตระหนักว่าดินนี้อุดมสมบูรณ์เพียงใดจึงหันไปหาละครเชกสเปียร์ชั่วนิรันดร์

ในตอนต้นของปี 1905 ไม่มีร่องรอยของความก้าวหน้าในอดีตของ Andre Antoine ผู้ชมในเมืองใหญ่และนักวิจารณ์ละครต่างทักทายการผลิตการแสดงตามบทละครของนักเขียนบทละคร de Curel และภาพยนตร์แอ็คชั่นที่กำลังเป็นที่นิยมในเวลานั้นด้วย พล็อตที่บิดเบี้ยวที่มีชื่อเสียง ในปีพ. ศ. 2449 ผู้กำกับถูกบังคับให้ออกจากผลิตผลของเขาและย้ายไปที่โรงละครโอเดียนซึ่งเป็นที่นิยมในหมู่ชาวปารีสไม่แพ้กัน

Firmin (Tonnerre) Gemier (2412-2476) นักเรียนที่มีความสามารถของ Andre Antoine นักแสดงชื่อดังผู้กำกับและนักแสดงละครที่มีพลังถูกวางไว้ที่หัวของ Antoinov Theatre เขาเกิดในครอบครัวเจ้าของโรงแรมที่ยากจน หลังจากสูญเสียแม่ไปก่อนเวลาอันควร เฟิร์มแมนถูกบังคับให้ออกจากโรงเรียนและไปทำงาน

ในปี 1887 หลังจากจบการศึกษาจากหลักสูตรการละครส่วนตัว Gemier ได้งานพิเศษที่ Free Theatre แต่ไม่นานนักเขาก็ถูกไล่ออกตามคำสั่งของผู้กำกับ ซึ่งไม่พอใจกับงานของเขา

อย่างไรก็ตามการทำงานภายใต้การดูแลของ Andre Antoine มีผลกระทบอย่างมากต่อการพัฒนาทักษะของนักแสดงหนุ่ม ในอนาคต Gemier ทำซ้ำความคิดของครูเป็นส่วนใหญ่โดยเผยแพร่การปฏิเสธ "มุมมองที่เป็นกิจวัตร ทรุดโทรม และเป็นอันตราย" เขาเห็นจุดประสงค์ของศิลปะการแสดงละครในการให้บริการประชาชน และงานทั้งหมดของเขาอยู่ภายใต้การส่งเสริมหลักการของความสมจริง

ในเวลาเดียวกัน ปกป้องอุดมคติที่เห็นอกเห็นใจผู้อื่นสูง Gemier วิพากษ์วิจารณ์ปรากฏการณ์ในชีวิตประจำวันที่ขัดขวางการพัฒนาก้าวหน้าของสังคมและวัฒนธรรมโลกโดยรวม

ในปี พ.ศ. 2441 หลังจากได้รับคำเชิญจากผู้บริหารของ Belleville Theatre นักแสดงก็เริ่มทำงานอย่างกระตือรือร้น เขาอยู่ที่ Belleville จนถึงปี พ.ศ. 2433 ในเวลาเดียวกัน Gemier พยายามสามครั้งเพื่อเข้าเรียนการละครของ Paris Conservatoire แต่ก็ไม่มีประโยชน์

เป็นเวลาสามปี (พ.ศ. 2435-2438) นักแสดงเล่นบนเวทีของ Free Theatre จากนั้นช่วงเวลาแห่งการเดินทางก็เริ่มขึ้นสำหรับเขา: Gemier ทำงานในกลุ่มโรงละครต่าง ๆ ในปารีสซึ่งมีชื่อเสียงที่สุดในเวลานั้นคือโรงละคร Gimnaz , ความคิดสร้างสรรค์, Ambigu”, Antoine Theatre, Renaissance และ Chatelet

ในตอนต้นของปี 1904 เมื่อได้รับคำเชิญจากหัวหน้าคณะละคร Mikhailovsky Theatre ของฝรั่งเศส Gemier ร่วมกับนักแสดงหญิง A. Megar ภรรยาของเขาไปที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก เมื่อเขากลับมาที่บ้านเกิดในปี 2449 เขาได้รับเชิญให้เป็นหัวหน้าทีม Antuanov Theatre และดำรงตำแหน่งผู้อำนวยการเป็นเวลาสิบห้าปี

หลังจากการจากไปของ Gemier ในปี 1921 Antoine Theatre ได้สูญเสียความสำคัญเดิมในฐานะกลุ่มศิลปะขั้นสูง ฐานที่มั่นของนักเขียนรุ่นใหม่และปัญญาชนหัวก้าวหน้า และกลายเป็นโรงละครทั่วไปในเมืองหลวง

Firmin Gemier เริ่มงานกำกับของเขาในปี 1900 ขณะที่ทำงานที่ Zhimnaz Theatre ผู้กำกับหัวก้าวหน้าทดลองอย่างกล้าหาญด้วยแนวทางศิลปะสมจริงที่ดีที่สุด นำเสนอรูปแบบใหม่ของการแสดงบนเวทีแก่ผู้ชม ซึ่งเขาพยายามผสมผสานการแสดงละครเข้ากับความจริงของชีวิตที่ไม่คาดฝัน

ปฏิเสธ "ความคลาสสิกที่หยุดนิ่ง" ด้วยกฎการกำกับที่ล้าสมัย Gemier พยายามแสดงให้สาธารณชนได้เห็นการแสดงที่มีสีสันและมีชีวิตชีวา ซึ่งดึงดูดผู้ชมจำนวนมากมาที่ "Gimnaz"

ผู้อำนวยการเชื่อว่าการหันไปหาอุดมการณ์ของนักเขียนร่วมสมัยชาวฝรั่งเศสเป็นทิศทางเดียวที่ถูกต้องในเรื่องของการปรับปรุงละครฝรั่งเศส

โรงละคร Antoine และ Renaissance Gemier จัดแสดงละครเรื่อง "Public Life" โดย Fabre (1901), "Parisian" โดย Beck (1901), "Thérèse Raquin" โดย Zola (1902), "14 กรกฎาคม" โดย Rolland (1902), " งานแต่งงานของ Krechinsky" Sukhovo-Kobylin (1902), "Anna Karenina" ของ Tolstoy (1907), "Winners" ของ Fabre (1908)

ผู้กำกับยังได้รับความสนใจจากมรดกของเชคสเปียร์ ผลงานของ Hamlet (1913), The Merchant of Venice (1916), Antony and Cleopatra (1917), The Taming of the Shrew (1918) ได้รับการตอบรับอย่างกระตือรือร้นจากประชาชนชาวปารีส

ด้วยการมีส่วนร่วมโดยตรงของ Firmin Gemier ในปี 1916 Shakespeare Society ได้รับการจัดระเบียบในฝรั่งเศสโดยมีจุดประสงค์เพื่อทำให้ผลงานของคลาสสิกภาษาอังกฤษที่มีชื่อเสียงเป็นที่นิยม ไม่นานมานี้ ตามความคิดริเริ่มของชายผู้นี้ สหภาพแรงงานของศิลปินการแสดงได้ถูกสร้างขึ้น

ในปี 1920 ความฝันอันยาวนานของ Gemier ในการสร้างโรงละครพื้นบ้านที่คนทั่วไปเข้าถึงได้เป็นจริง ในปารีส ในห้องโถงที่สวยงามของ Trocadero Palace ซึ่งจุผู้ชมได้ 4,000 คน โรงละครแห่งชาติได้เปิดขึ้น ในไม่ช้าเขาก็ได้รับสถานะของรัฐ (Grand Opera, Comedie Francaise และ Odeon ก็ได้รับรางวัลเช่นเดียวกัน)

พร้อมกันกับการนำของผลิตผลที่รักของเขา Gemier ดำเนินการผลิตบนเวทีของ Comedy Montaigne และโรงละคร Odeon

โรงละครแห่งชาติจัดแสดงละครโดย R. Rolland เรื่อง "14 กรกฎาคม" และ "Wolves", "The Marriage of Figaro" โดย P. O. Beaumarchais การแสดงละครของเชคสเปียร์ยืนยันความยิ่งใหญ่ของบุคคลและในขณะเดียวกันก็โศกนาฏกรรมของบุคคลที่ลงมือในเส้นทางแห่งอาชญากรรม ("The Merchant of Venice", "Richard III")

อย่างไรก็ตามการแสดงของมวลชนที่เป็นที่นิยมซึ่ง Gemier ฝันถึงเมื่อสร้างโรงละครของเขาถูกขัดขวางโดยปัญหาด้านวัสดุและความไม่เหมาะสมของสถานที่ซึ่งแสดงการแสดง

หลังจากการเสียชีวิตของ Gemier ในปี 1933 โรงละครแห่งชาติก็ทรุดโทรม เขาพบชีวิตใหม่ก็ต่อเมื่อการมาถึงของ Jean Vilar ซึ่งจะกล่าวถึงด้านล่างในทีมในปี 1951

Firmin Gemier ให้ความสนใจเป็นพิเศษกับการศึกษาของนักแสดงรุ่นต่อไปในอนาคต ด้วยเหตุนี้ในปี 1920 ตามความคิดริเริ่มของเขา Drama Conservatory ได้เปิดขึ้นที่ Antoine Theatre ซึ่งเยาวชนที่มีความสามารถได้เรียนรู้วิธีการแสดงสมัยใหม่

ตรงกันข้ามกับ Paris Conservatoire ที่ซึ่งการประกาศเป็นพื้นฐานของการสอน โรงเรียน Gemier เน้นการปฏิเสธประเพณีการแสดงละครแบบเก่าที่สูญเสียความสามารถไปแล้ว

ในปีพ. ศ. 2469 นักแสดงและผู้กำกับที่มีชื่อเสียงได้พยายามก่อตั้ง World Theatre Society ซึ่งมีหน้าที่รวมถึงอุปกรณ์ เทศกาลนานาชาติทัวร์และการประชุมเชิงสร้างสรรค์ทุกประเภท แต่ก็ไม่มีประโยชน์

ในปี 1928 Gemier เยือนรัสเซียเป็นครั้งที่สอง การประชุมในมอสโกกับเพื่อนร่วมงานจากคณะละครในเมืองหลวงแสดงให้เขาเห็นถึงทักษะระดับสูงของนักแสดงและผู้กำกับชาวรัสเซีย การเดินทางกลายเป็นการศึกษามาก

ระยะเวลาที่เติบโตเต็มที่ของงานของ Firmin Gemier นั้นโดดเด่นด้วยการนำแนวคิดที่ก้าวหน้าและแรงบันดาลใจที่กล้าได้กล้าเสียไปปฏิบัติ ซึ่งคงไว้ตั้งแต่สมัยที่เขาทำงานที่ Free Theatre

ความสามารถรอบด้านทำให้นักแสดงสามารถเล่นในโปรดักชั่นประเภทต่างๆ สร้างภาพที่มีลักษณะเฉพาะ โศกนาฏกรรมหรือโคลงสั้น ๆ บนเวที และยังแสดงบทบาทของตัวละครตลกในละครเสียดสี

นักวิจารณ์ละครยอมรับบทบาทที่ประสบความสำเร็จที่สุดของ Gemier ในฐานะ Patlen ในเรื่อง "Lawyer Patlen" และ Philip II ในละครเรื่อง "Don Carlos" ของ Schiller

ภาพลักษณ์ของ Ubu ที่น่าดึงดูดไม่น้อยไปกว่ากันใน King Ubu ของ Jarry, Karenin ขี้อิจฉาไร้วิญญาณในผลงานสร้างของ Anna Karenina ของ Tolstoy, Jourdain ผู้ร่าเริงใน Molière's The Tradesman in the Nobility, Shylock ใน Shakespeare's The Merchant of Venice, Philippe Brido ใน The Bachelor's Life โอ. บัลซัค

อย่างไรก็ตาม Gemier เองก็คิดว่าผลงานที่ดีที่สุดของเขานั้นยิ่งใหญ่มาก โชคที่สร้างสรรค์ภาพคนธรรมดาในการแสดงละครของนักเขียนบทละครสมัยใหม่ (คนงาน Baumert ใน "The Weavers" ช่างหิน Papillon ในบทละคร "Papillon, the Just Lyon" โดย Hauptmann เป็นต้น) ผู้เชี่ยวชาญด้านการแต่งหน้าที่ไม่มีใครเทียบได้ Firmin Gemier รู้วิธีที่จะเปลี่ยนแปลงตัวเอง รูปร่างจนจำไม่ได้. ความเก่งกาจที่เป็นลักษณะพิเศษและทักษะด้านเทคนิคที่ยอดเยี่ยมของเขาทำให้สามารถสร้างภาพไดนามิกทางอารมณ์บนเวที ซึ่งตัวละครของตัวละครสะท้อนให้เห็นในความแตกต่างเล็กน้อย

การเคลื่อนไหวและท่าทางของ Gemier แสดงออกไม่น้อยไปกว่าน้ำเสียง ตามที่เพื่อนร่วมงานนักแสดงคนนี้ "เป็นธรรมชาติมาก" Firmin Gemier ไม่ได้สูญเสียคุณสมบัติเหล่านี้ของเกมของเขาในโรงภาพยนตร์ ซึ่งอาชีพของเขาเริ่มต้นในปี 1930 หลังจากออกจาก Odeon Theatre

สิ่งที่สำคัญอย่างยิ่งสำหรับประวัติศาสตร์ศิลปะการแสดงบนเวทีของฝรั่งเศสคือกิจกรรมของนักแสดงหญิงที่มีพรสวรรค์ Sarah Bernhardt (พ.ศ. 2387-2466) โรงละครดำเนินการตั้งแต่ยังเด็กเธอทำให้เวทีเป็นธุรกิจหลักในชีวิตของเธอ

หลังจากจบการศึกษาจากชั้นเรียนการแสดงที่ Paris Conservatory ซาราห์ เบอร์นาร์ดก็เริ่มทำงานบนเวที

การเปิดตัวของนักแสดงสาวที่มีความสามารถบนเวทีมืออาชีพ (ที่โรงละคร Comedie Francaise) เกิดขึ้นในปี พ.ศ. 2405 ในการแสดงตามบทละครของ Racine "Iphigenia in Aulis" เธอรับบทเป็นตัวละครหลัก อย่างไรก็ตาม การแสดงที่ไม่ประสบความสำเร็จทำให้เบอร์นาร์ดต้องออกจาก Comédie Francaise ตามมาด้วยช่วงเวลาของการค้นหาอย่างสร้างสรรค์ ซึ่งกินเวลาตั้งแต่ พ.ศ. 2405 ถึง พ.ศ. 2415 ในช่วงเวลานี้ Sarah ทำงานที่ Gimnaz, Port Saint-Martin และ Odeon บทบาทที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดของนักแสดงหญิงบนเวทีของโรงละครเหล่านี้คือ Zanetto ในบทละคร Passerby ของ Coppe ราชินีใน Ruy Blas โดย Victor Hugo และ Dona Sol ใน Hernani โดยผู้แต่งคนเดียวกัน

ในปี 1872 Sarah Bernard ได้รับข้อเสนอจากผู้บริหารของ Comédie Française และเริ่มแสดงบนเวทีของโรงละครแห่งนี้อีกครั้ง เป็นเวลาแปดปีแล้วที่นักแสดงหญิงได้แสดงบทนำในภาพยนตร์ตลกเรื่อง Racine and Voltaire โดยมีความฝันที่จะสร้างโรงละครของเธอเอง

ในปี 1880 Sarah Bernhardt ออกจาก Comédie Francaise เป็นครั้งที่สองและเป็นหัวหน้าคณะการแสดง ครั้งแรกที่โรงละคร Porte Saint-Martin และจากนั้นในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา พยายามจัดโรงละครของเธอเอง ความฝันของเธอถูกกำหนดให้เป็นจริงในปี พ.ศ. 2441 เมื่อโปสเตอร์ของ Sarah Bernard Theatre แห่งใหม่ปรากฏตามท้องถนนในปารีส

ทักษะที่เลียนแบบไม่ได้ของนักแสดงหญิงที่มีพรสวรรค์ซึ่งเป็นกุญแจสำคัญประการแรกคือเทคนิคภายนอกที่ยอดเยี่ยมมีส่วนทำให้อาชีพการแสดงของเธอเติบโตขึ้น ด้วยเหตุนี้นักวิจารณ์ละครจึงเห็นเหตุผลของความสำเร็จที่โด่งดังของ Sarah ที่มีชื่อเสียง

รับมือกับบทบาทหญิงในการผลิตละครของเธอได้เป็นอย่างดี อย่างไรก็ตาม นักแสดงหญิงยังคงชอบบทบาทชาย โดยเฉพาะบทบาทของแฮมเล็ตในบทละครของเชคสเปียร์ที่มีชื่อเดียวกัน อย่างไรก็ตาม จุดสุดยอดของทักษะการแสดงของ Sarah Bernhardt คือบทบาทของ Marguerite Gauthier ในบทละครของ Alexandre Dumas บุตรชายเรื่อง "The Lady of the Camellias" เบอร์นาร์ดนางเอกที่น่าจดจำไม่น้อยในละครเรื่อง "Adrienne Lecouvreur" โดย E. Scribe

นักเขียนบทละครหลายคนสร้างบทละครสำหรับเบอร์นาร์ดโดยเฉพาะด้วยความหวังว่านักแสดงหญิงที่มีพรสวรรค์ด้วยบทละครที่งดงามของเธอซึ่งทำให้ผู้ชมเห็นอกเห็นใจกับชะตากรรมของตัวละครจะสามารถยกย่องชื่อของผู้แต่งได้ ดังนั้น Melodramas "Cleopatra" และ "Phaedra" ที่เขียนโดยนักเขียนบทละคร Sardou โดยเฉพาะสำหรับ Sarah Bernard Theatre จึงได้รับการออกแบบเพื่อมีส่วนร่วมในการผลิตของ Sarah เอง

ในช่วงกลางทศวรรษที่ 1890 ละครของนักแสดงหญิงมีบทบาทจำนวนมากซึ่งประสบความสำเร็จมากที่สุดซึ่งนักวิจารณ์ละครเรียกว่าภาพที่สร้างโดย Sarah ในบทละครแนวนีโอโรแมนติกของ Rostand (Princess Melissande, Duke of Reichstadt ใน The Eaglet, Lorenzaccio ในบทละคร ชื่อเดียวกัน)

Sarah Bernhardt ผู้ซึ่งลงไปในประวัติศาสตร์ของศิลปะการแสดงละครโลกในฐานะนักแสดงที่มีพรสวรรค์ในบทบาทที่หลากหลาย จะยังคงเป็นแบบอย่างที่ดีของทักษะการแสดงตลอดไป ซึ่งเป็นอุดมคติที่ไม่อาจบรรลุได้

ทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 20 ซึ่งมีเหตุการณ์วุ่นวายในชีวิตทางการเมืองของประเทศส่วนใหญ่ในโลก มีผลกระทบในทางลบต่อชีวิตทางวัฒนธรรมของรัฐเหล่านี้ โดยเฉพาะอย่างยิ่งต่อศิลปะการแสดงละคร

ช่วงเวลาของการรักษาเสถียรภาพชั่วคราวที่ตามมาหลังจากสิ้นสุดสงครามโลกครั้งที่หนึ่งมีส่วนทำให้กิจกรรมการแสดงละครในฝรั่งเศสฟื้นตัวขึ้น

ละครของโรงละครฝรั่งเศสส่วนใหญ่ในศตวรรษที่ 20 มีลักษณะที่หลากหลายเป็นพิเศษ: ผลงานชิ้นเอกของโศกนาฏกรรมคลาสสิก ละครโรแมนติก และความตลกขบขันของยุคกลางได้ถูกนำมารวมไว้บนเวทีอีกครั้ง แต่หลังจากนั้น แต่ตอนนี้โรงละครฝรั่งเศสยังคงให้ความบันเทิงเป็นส่วนใหญ่

ในช่วงหลังสงครามในฝรั่งเศส มีการฟื้นตัวของโรงละครเชิงพาณิชย์ โดยมุ่งเน้นไปที่ผลประโยชน์ของสาธารณะในเมืองใหญ่และศิลปะการแสดงตราประทับที่ถูกต้องตามกฎหมาย การจัดฉากที่วิจิตรงดงาม

ในปี ค.ศ. 1920 ในโรงละครบนถนนสายการค้าของกรุงปารีส หลักการของการเล่นครั้งหนึ่งได้รับการประกาศให้เป็นผู้นำ โดยแสดงบนเวทีเป็นเวลาหลายคืนตราบเท่าที่การแสดงยังเป็นที่นิยม ในอนาคตละครถูกลบออกจากละครละครมันถูกแทนที่ด้วยละครใหม่ซึ่งจัดแสดงทุกเย็น

ในความปรารถนาที่จะสร้างความบันเทิงให้กับประชาชนชาวปารีสนักแสดงของโรงละคร Gimnaz, Renaissance, Porte Saint-Martin, Héberto, Vaudeville และคนอื่น ๆ ไม่ได้หลีกเลี่ยงวิธีการใด ๆ แม้แต่แผนการลามกอนาจารและกลอุบายการแสดงละครราคาถูกก็ถูกนำมาใช้ .

ความเชี่ยวชาญที่ยอดเยี่ยมเกี่ยวกับความลับของทักษะการแสดงละคร ตราประทับเฉพาะที่สืบทอดมาจากนักแสดงรุ่นก่อน เป็นกุญแจสู่ความสำเร็จในการแสดงบนเวทีในศตวรรษที่ 20 พลาสติก, การแสดงออก, การใช้ถ้อยคำที่ยอดเยี่ยมและการใช้เสียงที่มีทักษะกลายเป็นเป้าหมายของความคิดสร้างสรรค์ในการแสดง

ในเวลาเดียวกันในบรรดานักแสดงแท็บลอยด์ก็มีผู้เชี่ยวชาญที่มีความเป็นมืออาชีพสูงซึ่งการแสดงนั้นโดดเด่นด้วยสไตล์ที่สูงส่ง ในบรรดาบุคคลที่โดดเด่นที่สุดของโลกศิลปะฝรั่งเศสในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 พ่อและลูกชายของ Guitry สมควรได้รับความสนใจเป็นพิเศษ

นักแสดงและนักเขียนบทละครชื่อดัง ลูเซียน กุยทรี(พ.ศ. 2403-2468) เกิดที่กรุงปารีส หลังจากจบการศึกษาจากเรือนกระจกในปี พ.ศ. 2421 เขาได้เข้าร่วมคณะละครของ Zhimnaz Theatre ซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นของกิจกรรมบนเวทีของเขา

นักแสดงอายุสิบแปดปีเปิดตัวในบทบาทของอาร์มันด์ในละครที่สร้างจากบทละครของ A. Dumas-son เรื่อง "The Lady of the Camellias" การแสดงที่ประสบความสำเร็จของ Lucien นั้นได้รับการบันทึกโดยการนำของคณะละครฝรั่งเศสของ Mikhailovsky Theatre และในไม่ช้าพรสวรรค์รุ่นเยาว์ก็รีบไปที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

นักแสดงที่มีพรสวรรค์ใช้เวลาแสดงละครหลายฤดูกาลที่โรงละคร Mikhailovsky และเมื่อเขากลับมาที่ปารีสในปี พ.ศ. 2434 เขาเริ่มแสดงบนเวทีของโรงละครบนถนนหลายแห่ง เช่น Odeon, Porte Saint-Martin และอื่น ๆ

ในปี พ.ศ. 2441-2443 Lucien Guitry ทำงานร่วมกับนักแสดงหญิงที่มีพรสวรรค์ G.Réjam การมีส่วนร่วมของคู่นี้ในละครเรื่อง "Eaglet" ของ Rostand (Lucien รับบทเป็น Flambeau) ทำให้การผลิตประสบความสำเร็จอย่างไม่เคยปรากฏมาก่อน

สิ่งที่น่าสนใจไม่น้อยคือผลงานของ L. Guitry ในละครเรื่อง "Chantecleer" ซึ่งจัดแสดงบนเวทีของโรงละครเชิงพาณิชย์แห่งหนึ่งในปี 1910 ในฐานะที่เป็นนักแสดงที่มีนิสัยเก็บตัว Lucien สามารถสร้างภาพลักษณ์แบบไดนามิกที่สดใสบนเวทีได้

เจ็ดปีต่อมา L. Guitry ได้นำเสนอผลงานละครของเขา "ปู่" และ "The Archbishop and His Sons" ต่อสาธารณะซึ่งการแสดงบนเวทีของโรงละคร "Port-Saint-Martin" ประสบความสำเร็จอย่างมาก

ในปี พ.ศ. 2462 ลูเซียนได้แสดงบทบาทแรกในละครที่สร้างจากบทละครของอเล็กซานเดอร์ กุยทรี ในอนาคตพ่อมีบทบาทหลายอย่างในผลงานที่เขียนโดยลูกชายของเขาโดยเฉพาะสำหรับเขา - "ปาสเตอร์", "พ่อของฉันพูดถูก", "เบเรนเจอร์", "จ็ากเกอลีน", "ประวัติศาสตร์เขียนอย่างไร"

Lucien Guitry ยังคงแสดงบนเวทีจนถึงวันสุดท้ายของชีวิต เกมของเขา, โดดเด่นด้วยความจริง, ความกะทัดรัดของลักษณะ, มนุษย์ต่างดาวต่อความรัก, ผู้คนพอใจจนถึงปี 1925

ในช่วงปีสุดท้ายของชีวิต นักแสดงได้สร้างภาพที่สดใสและน่าจดจำในคอเมดีของ Moliere - Alceste ใน The Misanthrope, Tartuffe ในบทละครชื่อเดียวกัน และ Arnolf ใน The School for Wives

ได้รับความนิยมไม่น้อยไปกว่าพ่อของเขาในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ XX Sasha (อเล็กซานเดอร์) Guitry(พ.ศ. 2428-2500) นักแสดงละครและภาพยนตร์ชาวฝรั่งเศสผู้มีความสามารถ นักเขียนและนักเขียนบทละครที่มีชื่อเสียง

บรรยากาศที่สดใสของชีวิตการแสดงละครที่มาพร้อมกับวัยเด็กของ Guitry-son มีส่วนทำให้เขาหลงใหลในโรงละคร สาขาวรรณกรรมดูน่าสนใจไม่น้อยสำหรับ Alexander รุ่นเยาว์ โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อผลงานชิ้นแรกของ Sasha ประสบความสำเร็จ

กิจกรรมวรรณกรรมระดับมืออาชีพของเขาเริ่มขึ้นในปี 2444 เมื่อละครเรื่องแรกชื่อ "The Page" ได้รับการปล่อยตัวโดยจัดแสดงบนเวทีของ Paris Renaissance Theatre ในเวลาต่อมา Sasha Guitry กลายเป็นหนึ่งในตัวแทนชั้นนำของ "ละครแท็บลอยด์" ทีละน้อย บทละครเกือบทั้งหมดของเขาและมีมากกว่า 120 เรื่องรวมอยู่ในละครของโรงละครในเมืองต่างๆ

บทละครของ Guitry-son ที่มีไหวพริบ ค่อนข้างเยาะเย้ยถากถาง และผิวเผิน แต่ในขณะเดียวกัน การแสดงที่สนุกสนานก็ได้รับความนิยมจากประชาชนส่วนใหญ่ในเมืองใหญ่ ซึ่งมองว่าในโรงละครเป็นเพียงสื่อบันเทิงเท่านั้น

ผลงานละครหลายเรื่องของ Sasha Guitry สร้างขึ้นจากแผนการเล่นชู้ที่มีสถานการณ์ที่คมคาย ตลกขบขันหลายประเภท นี่คือบทละครของเขา At the Zoacs (1906), Scandal at Monte Carlo (1908), The Night Watchman (1911), Jealousy (1915), Husband, Wife and Lover (1919), I love you" (1919)

นอกจากนี้นักเขียนบทละครคนนี้ยังเขียนอีกจำนวนหนึ่ง ผลงานชีวประวัติเรียกว่า "ชีวประวัติละคร" - "Jean La Fontaine", "Debureau", "Pasteur", "Beranger", "Mozart" ฯลฯ

ในปี 1902 Sasha Guitry ได้รับชื่อเสียงในฐานะนักแสดงที่มีความสามารถ การแสดงของเขาที่ Renaissance Theatre ประสบความสำเร็จเป็นประวัติการณ์ ไม่นานนัก นักแสดงได้พัฒนารูปแบบการแสดงบนเวทีของเขา ซึ่งเป็นรูปแบบศิลปะที่สนุกสนานเบา ๆ สมจริงปานกลางและคมคาย ทำให้ผู้ชมมีโอกาสสนุกสนานในโรงละคร

Sasha Guitry มีชื่อเสียงมากที่สุดในบทบาทของผู้ล่อลวงที่มีเสน่ห์ในบทละครของเขาเอง: เขาแสดงด้วยการประชดประชันเล็กน้อยราวกับว่ามองฮีโร่ของเขาอย่างมีเลศนัยจากด้านข้าง

จุดดำบนชื่อเสียงของ Guitry-son ทำให้ความร่วมมือกับพวกนาซีในช่วงสงครามโลกครั้งที่สอง ในปี พ.ศ. 2488 เขาถูกคุมขัง แต่ไม่นานเขาก็ได้รับการปล่อยตัวและทำงานเป็นนักเขียนบทละครต่อไป

ในปี 1949 Guitry เขียนบทละครสองเรื่อง - "Toa" และ "You Saved My Life" ซึ่งแสดงในภายหลังที่ Variety Theatre ในปีพ. ศ. 2494 บนเวทีของโรงละครเดียวกันการฉายรอบปฐมทัศน์ของ "ความบ้าคลั่ง" โดย Sasha Guitry ซึ่งในเวลานั้นถูกพาไปโดยโรงภาพยนตร์ (เขาเล่นหลายบทบาทในภาพยนตร์ของปี 1950)

ป้อมปราการของเวทีการศึกษาในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 ยังคงเป็น Comedie Francaise เดิมที่มีหลักการของเวทีแบบดั้งเดิมและละครเพลงคลาสสิก สถานการณ์นี้มีส่วนทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ที่สุด โรงละครของรัฐฝรั่งเศสกลายเป็นพิพิธภัณฑ์โรงละครประเภทหนึ่งซึ่งตรงกันข้ามกับโรงละครบนถนนที่เป็นที่นิยมในด้านหนึ่งและแรงบันดาลใจด้านนวัตกรรมของตัวละครในละครส่วนใหญ่

ช่วงเวลาตั้งแต่ปี 1918 ถึง 1945 ในประวัติศาสตร์ของ Comedie Francaise มักจะแบ่งออกเป็นสามช่วง คนแรกของพวกเขาตั้งแต่ปี 2461 ถึง 2479 นำโดยผู้ดูแลระบบทั่วไป Emile Fabre คนที่สองตั้งแต่ปี 2479 ถึง 2483 ถูกทำเครื่องหมายโดยงานที่ใช้งานอยู่ของ Edouard Bourdet คนที่สามตั้งแต่ปี 2483 ถึง 2488 ถูกทำเครื่องหมายโดยงาน ของ Jacques Copeau คนแรก และต่อมาคือ Jean Louis Vaudoyer

ผู้นำทั้งหมดของComédie Francaise พยายามที่จะรักษาโรงละครในระดับของ "เวทีที่เป็นแบบอย่าง" อย่างไรก็ตาม ความคิดทางสังคมและการค้นหาใหม่ ๆ ในสาขาศิลปะการแสดงได้แทรกซึมเข้ามาอย่างต่อเนื่อง ชีวิตภายในโรงภาพยนตร์.

ในปี 1921 ผู้กำกับ Georges Berr พยายามนำเสนอ Tartuffe ของ Molière อีกครั้งบนเวที Comédie Francaise: การแสดงละครซึ่งตอนนี้เกิดขึ้นในบ้านของ Orgon ตอนนี้อยู่บนถนน ตอนนี้อยู่ในสวน ได้ทำลายหลักการที่เคยมีมาก่อนหน้านี้ ความสามัคคีของสถานที่ และยังละเลยความสามัคคีของเวลา

อย่างไรก็ตาม ผู้กำกับกลับล้มเหลวในการเติมเต็มงานคลาสสิกด้วยเนื้อหาใหม่ที่สอดคล้องกับจิตวิญญาณแห่งยุคสมัย เป็นผลให้ประสบการณ์ของ Burr ไม่ได้รับการพัฒนาในการผลิตละครต่อไป

ในตอนท้ายของปี 1933 E. Fabre ได้จัดแสดง Coriolanus ของเชกสเปียร์ที่ Comédie Francaise การแสดงซึ่งทำให้เกิดความสัมพันธ์กับความเป็นจริงสมัยใหม่ (ชัยชนะของพวกนาซีในเยอรมนี) ได้รับความนิยมอย่างไม่น่าเชื่อ สาเหตุหลักมาจากการแสดงที่ยอดเยี่ยมของนักแสดงนำ Rene Alexander (1885-1945) และ Jean Herve (1884-1962) ซึ่งตีความภาพลักษณ์ของ Coriolanus ผู้ปกครองชาวโรมันผู้เผด็จการในรูปแบบต่างๆ

นักเขียนบทละครชื่อดัง ผู้แต่ง Edouard Bourde "คอเมดี้แห่งมารยาท" มากมาย ซึ่งเข้ามาแทนที่ Emile Fabre ที่มีชื่อเสียงไม่น้อยในฐานะหัวหน้าของ "Comedy Francaise" ทราบดีว่าโรงละครฝรั่งเศสที่เก่าแก่ที่สุดจำเป็นต้องปรับปรุงละครโดยแนะนำให้รู้จักกับ ปัญหาเฉียบพลันของเวลาของเรา

เพื่อแก้ปัญหาเหล่านี้ บุคคลขั้นสูงของศิลปะการแสดงละคร ผู้สนับสนุนโรงละครที่เหมือนจริง ผู้กำกับ Jacques Copeau และลูกศิษย์ของเขา ผู้ก่อตั้ง Cartel of Four, Charles Dullin, Louis Jouvet และ Gaston Baty ได้รับเชิญไปงาน Comédie Francaise

Jacques Copeau ผู้กำกับชื่อดัง นักแสดง ครูสอนการละคร ผู้ประพันธ์ผลงานเชิงทฤษฎีเกี่ยวกับโรงละครจำนวนหนึ่ง พยายามดัดแปลงละครคลาสสิกของโรงละครที่เก่าแก่ที่สุดให้เข้ากับความเป็นจริงสมัยใหม่ เขาต้องการตีความแนวคิดหลักของผลงานของ Molière, Racine, Dumas son และคนอื่นๆ อีกครั้ง

การทำงานในปี 1937 ในการผลิต "Bayazet" ของ Racine ทำให้ Copeau สอนให้นักแสดงรู้จักการท่องบทอย่างมีสมาธิมากขึ้น ปราศจากความไพเราะมากเกินไป และในขณะเดียวกันก็ไม่ทำลายความงามของบทกวีของ Racine

ฉากและเครื่องแต่งกายที่มีสไตล์ คำพูดของนักแสดง ไม่เพียงแสดงให้เห็นถึงทักษะการแสดงเท่านั้น แต่ยังแสดงความสามารถในการแสดงความรู้สึกลึก ๆ ของตัวละครของพวกเขาด้วย ทั้งหมดนี้เป็นข้อพิสูจน์ถึงการพัฒนาเทรนด์ใหม่ในศิลปะแบบดั้งเดิมของโรงละคร Comedie Francaise .

การแสดงละครของ The Misanthrope ของ Molière ก็ฟังดูแปลกใหม่เช่นกัน การอุทธรณ์ของ Copeau ต่อผลงานชิ้นเอกที่ดีที่สุดของฝรั่งเศสและคลาสสิกระดับโลกทำให้สามารถแสดงให้เห็นได้อย่างเต็มที่ถึงความจริงที่ว่าศิลปะคลาสสิกที่ปราศจากความคิดโบราณเป็นส่วนสำคัญของมรดกทางจิตวิญญาณของแต่ละประเทศ

ในขณะเดียวกัน นักแสดงส่วนหนึ่งของโรงละครก็พยายามรักษาการแสดงละครแบบดั้งเดิม โดยแสดงเฉพาะทักษะระดับมืออาชีพของนักแสดงเท่านั้น ผลงานดังกล่าว ได้แก่ Phaedra ของ Racine, School of Husbands ของ Molière, Denise ลูกชายของ A. Dumas และอื่นๆ

ผู้ติดตามของ J. Copeau ซึ่งเป็นผู้นำแนวทางที่สามในการค้นหา Comédie Francaise แสดงความปรารถนาที่จะให้โรงละครที่เก่าแก่ที่สุดในฝรั่งเศสเป็นปัจจัยสำคัญในการต่อสู้ทางสังคม

ดังนั้น ตามความคิดริเริ่มของ Gaston Baty จึงมีการแสดงหลายรายการบนเวทีของ Comédie Francaise ในหมู่พวกเขาคือ "เชิงเทียน" โดย A. Musset (1937) และ "Samum" โดย A. R. Lenormand (1937) การแสดงเหล่านี้เป็นก้าวต่อไปของการแสดงรูปแบบใหม่ ซึ่งมีส่วนทำให้การแสดงคุ้นเคยกับการค้นพบละครจิตวิทยา

Charles Dullin นำเสนอภาพยนตร์ตลกเรื่อง The Marriage of Figaro (1937) ของ Beaumarchais ในรูปแบบใหม่บนเวที Comédie Française ในการแสดงนี้ นักแสดงไม่เพียงแสดงให้เห็นถึงทักษะระดับสูงเท่านั้น แต่ยังเผยให้เห็นชั้นลึกทางสังคมและจิตใจของละครอีกด้วย

การแสดงละคร "Comic Illusion" โดย P. Corneille ซึ่งดำเนินการตามความคิดริเริ่มของ Louis Jouvet ในปี 1937 เป็นความพยายามที่จะวิเคราะห์การปะทะกันระหว่างความคลั่งไคล้และความคิดสร้างสรรค์ซึ่งเป็นความปรารถนาที่จะเชิดชูอาชีพการแสดง

อย่างไรก็ตาม การผลิตกลับกลายเป็นว่าประสบความสำเร็จน้อยกว่าผลงานของบาธีและดัลเลน เนื่องจากนักแสดงพยายามแสดงทักษะทางวิชาชีพมากกว่าทำตามภารกิจที่ผู้กำกับกำหนดไว้ อย่างไรก็ตาม การทำงานกับ Jouvet นั้นไม่ได้ถูกมองข้ามสำหรับทีม Comédie Francaise นักแสดงตระหนักดีถึงความจำเป็นในการนำศิลปะการแสดงละครเข้ามาใกล้ปัญหาทางปัญญาในสมัยนั้น

ช่วงเวลาที่ยากที่สุดในกิจกรรมของ Comedie Francaise คือปีแห่งการยึดครองปารีส เอาชนะความยากลำบาก นักแสดงของโรงละครพยายามที่จะรักษาความเป็นมืออาชีพสูงของพวกเขา และนอกจากนี้ พวกเขาพยายามที่จะแสดงความคิดที่เห็นอกเห็นใจ ศรัทธาในมนุษย์ และศักดิ์ศรีของเขาในการแสดง

ในช่วงสงคราม ภาพยนตร์คลาสสิกได้กลายเป็นพื้นฐานของละคร Comedie Francaise อีกครั้ง แต่รู้สึกถึงอิทธิพลของเวลาในการผลิต ดังนั้น Jean Louis Barraud ใน Kornelev's Side (1943) จึงนำเสนอ Rodrigo ในฐานะชายที่สามารถรักษาความแน่วแน่ของจิตวิญญาณในสภาวะที่ยากลำบากได้

พร้อมด้วย งานคลาสสิกบทประพันธ์ของนักเขียนบทละครสมัยใหม่รวมอยู่ในละครของ Comédie Francaise ในหมู่พวกเขา บทละครของ P. Claudel เรื่อง The Satin Slipper (พ.ศ. 2486) ประสบความสำเร็จสูงสุด โดยฟังในเมืองหลวงของฝรั่งเศสที่ถูกยึดครองเพื่อเป็นการเรียกร้องให้ดำเนินการ อย่างไรก็ตาม โรงละครที่เก่าแก่ที่สุดในปารีสยังคงเป็นฐานที่มั่นของประเพณีการแสดงบนเวทีระดับชาติ

ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 ปัจจัยที่สำคัญที่สุดในชีวิตศิลปะของฝรั่งเศสคือศิลปะแนวหน้า ซึ่งตรงข้ามกับความเป็นจริงสมัยใหม่และบรรทัดฐานทางอุดมการณ์ ศีลธรรม และสุนทรียศาสตร์โดยธรรมชาติ

การแสดงละครแนวหน้าของฝรั่งเศสกลายเป็นเรื่องที่แตกต่างกันอย่างมาก: รวมถึงนักเซอร์เรียลลิสต์ที่ปฏิเสธประเพณีที่จัดตั้งขึ้น (G. Apollinaire, A. Artaud) และตัวละครของโรงละครพื้นบ้านที่ประกาศอุดมคติในระบอบประชาธิปไตย (F. Gemier, A. Lessuer, ซึ่งเปิดในปี 1936 ในสถานที่ของ Sarah Theatre Bernard People's Theatre) และผู้สนับสนุนศิลปะแบบสมจริง (J. Copeau และผู้ก่อตั้ง Cartel of Four)

มีบทบาทพิเศษในชีวิตวรรณกรรมของฝรั่งเศสในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 โดยนักเขียนกวีและนักเขียนบทละครที่มีพรสวรรค์ Wilhelm Apollinaris Kostrovitsky (2423-2461) ซึ่งรู้จักกันในนามแฝง Guillaume Apollinaire ชายคนนี้เข้าสู่ประวัติศาสตร์ของโรงละครฝรั่งเศสในฐานะผู้ก่อตั้งลัทธิเหนือจริงซึ่งเป็นหนึ่งในแนวโน้มของศิลปะสมัยใหม่

Guillaume Apollinaire เกิดในกรุงโรมในตระกูลขุนนางโปแลนด์ในตระกูลเก่าแก่ การเรียนที่วิทยาลัยที่ดีที่สุดของโมนาโกและคานส์ทำให้ชายหนุ่มได้รับฐานความรู้ที่จำเป็น ด้วยกิจกรรมทางวรรณกรรม เมื่อมาถึงเมืองนีซ Guillaume อายุสิบเจ็ดปีเริ่มตีพิมพ์หนังสือพิมพ์ที่เขียนด้วยลายมือชื่อ The Avenger พร้อมบทกวีและเรื่องตลกที่แต่งขึ้นเอง

ในปี 1900 ภาพยนตร์คอมเมดี้เรื่องแรกของ Apollinaire เรื่อง The Escape of a Guest ออกฉาย สามปีต่อมา งานชิ้นต่อไปก็เริ่มขึ้น นั่นคือเรื่องดราม่าเรื่อง "Breasts of Tyresias" ซึ่งสร้างเสร็จเพียง 14 ปีต่อมาในปี 1917

ในผลงานวรรณกรรมและละครชิ้นเอกของเขา Apollinaire คัดค้านการพรรณนาความเป็นจริงโดยรอบอย่างเป็นธรรมชาติ ต่อต้าน "ความงามอันประณีต" ของการแสดงสัญลักษณ์ ในความเห็นของเขาในการตีความปรากฏการณ์ต่าง ๆ จะเป็นการดีกว่าที่จะไม่แสดง "ชิ้นส่วนของชีวิต" แต่เป็น "ละครของมนุษยชาติ" โดยทั่วไป

แนวเสียดสี-ตัวตลกของละคร Apollinaire พบการแสดงออกในผลงานของนักเขียนบทละครชื่อดังหลายคนในศตวรรษที่ 20 รวมถึงผลงานของ J. Cocteau, J. Giraudoux, A. Adamov

อย่างไรก็ตามการเรียกร้องให้นักเขียนอยู่เหนือความเป็นจริงที่มีอยู่นั้นถูกมองว่าเป็นศิลปินสมัยใหม่หลายคนที่ปฏิเสธชีวิตจริงและความปรารถนาที่จะพุ่งเข้าสู่ขอบเขตของจิตใต้สำนึก

Antonin Artaud ทำงานไปในทิศทางนี้ เขามีแรงบันดาลใจในบทความเชิงทฤษฎีและแถลงการณ์ รวมไว้ในหนังสือ "The Theatre and its Double" (1938) และ งานกวี Alfred Jarry Theatre (ร่วมกับ Roger Vitrac) เพื่อสร้างศิลปะการแสดงละคร ซึ่งอาจมีผลกระทบอย่างมากต่อจิตใต้สำนึกของมนุษย์ เช่นเดียวกับพิธีกรรมทางศาสนาหรือเรื่องลึกลับ

การทดลองบนเวทีของ Artaud ไม่ประสบผลสำเร็จเนื่องจากแสดงให้เห็นถึงความไม่ลงรอยกันของบทบัญญัติหลักของสถิตยศาสตร์กับการแสดงสดของศิลปะการแสดงละคร

สิ่งที่น่าสังเกตเป็นพิเศษคือกิจกรรมของ Cartel of Four ซึ่งได้อธิบายสั้น ๆ ไว้ข้างต้น แนวคิดในการสร้างสรรค์เกิดขึ้นในปี พ.ศ. 2469 โดยบุคคลสำคัญด้านการแสดงละครที่ก้าวหน้าซึ่งเป็นผู้นำโรงละครในเมืองใหญ่ Ch. Dullen, L. Jouvet, G. Baty และ J. Pitoev ในปี 2469

คำประกาศของ "พันธมิตร" ซึ่งลงนามโดยสมาชิกในเดือนกรกฎาคม พ.ศ. 2470 กำหนดความจำเป็นในการสร้างเครื่องมือการบริหารเดียวเพื่อจัดการโรงละครฝรั่งเศสทั้งหมด และยังกล่าวถึงความช่วยเหลือซึ่งกันและกันอย่างสร้างสรรค์ที่จำเป็นในการต่อต้านโรงละครแบบดั้งเดิมและเชิงพาณิชย์

หัวหน้าโรงละครที่มีหลักการเกี่ยวกับสุนทรียภาพที่แตกต่างกันสมาชิกของ "Cartel" ยังคงสามารถหาจุดร่วมได้ - สิ่งที่น่าสมเพชที่เหมือนจริงของความคิดสร้างสรรค์และมุมมองที่เป็นประชาธิปไตยของโลก ต้องขอบคุณความธรรมดาของโลกทัศน์ที่ Cartel of Four สามารถอยู่รอดได้ในสภาวะที่เลวร้ายในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 และมีบทบาทที่โดดเด่นในการพัฒนาศิลปะการแสดงบนเวทีของฝรั่งเศสในยุคนี้

ชาร์ลส์ ดัลลิน นักแสดงและผู้กำกับที่โดดเด่น (พ.ศ. 2428-2492) ซึ่งได้รับการศึกษาที่บ้านและเข้าใจ "วิทยาศาสตร์แห่งชีวิต" ในเมืองลียง เริ่มแสดงบนเวทีในปี พ.ศ. 2448 ตอนนั้นเองที่เขาเปิดตัวในโรงละครเล็ก "Nimble Rabbit" ซึ่งไม่เป็นที่รู้จักของคนทั่วไป

สองปีต่อมา Dullin เข้าไปใน Antoine Odeon Theatre ซึ่งเขาเริ่มเข้าใจความลับของความเชี่ยวชาญในโรงละครใหม่ และในปี 1909 เขาได้เข้าร่วมคณะการแสดงของ Theatre of Arts ภาพลักษณ์ที่โดดเด่นอย่างแรกของ Dullen ที่สร้างขึ้นบนเวทีของโรงละครนี้คือ Smerdyakov ใน The Brothers Karamazov ของ Dostoevsky บทบาทนี้เป็นจุดสิ้นสุดของการฝึกงานของนักแสดง

พรสวรรค์ของชาร์ลส์ถูกสังเกตโดยนักแสดงและผู้กำกับยอดเยี่ยม J. Copeau ในปี 1913 เขาได้เชิญนักแสดงหนุ่มมาที่ "Old Dovecote Theatre" ของเขา การผลิต The Brothers Karamazov ก็ประสบความสำเร็จอย่างมากที่นี่เช่นกัน ประสบความสำเร็จไม่น้อยไปกว่าบทบาทของ Harpagon ในภาพยนตร์เรื่อง The Miser ของ Molière นักแสดงสามารถเปิดเผยความลึกทางจิตวิทยาและความซับซ้อนของภาพที่เป็นตัวเป็นตนได้อย่างเต็มที่

แนวคิดของ Copeau เกี่ยวกับพันธกิจทางจิตวิญญาณอันสูงส่งของโรงละครสอดคล้องกับจิตวิญญาณของ Düllen อย่างไรก็ตาม ชาร์ลส์ยังรู้สึกทึ่งกับแนวคิดของโรงละครพื้นบ้าน ซึ่งแตกต่างจากอาจารย์ที่มีชื่อเสียงของเขา ซึ่งเป็นสาเหตุให้เขาย้ายไปร่วมคณะของ Firmin Gemier

ในเวลาเดียวกัน Dullin ฝันที่จะสร้างโรงละครของตัวเอง ซึ่งเปิดในปี 1922 การแสดงต่างๆ จัดขึ้นที่เวที "Atelier" ตามที่ผู้กำกับเรียกว่าผลิตผลของเขา ซึ่งบางการแสดงมีสคริปต์สำหรับโรงละครนี้โดยเฉพาะ ("คุณอยากเล่นกับฉันไหม" โดย M. Ashar และคนอื่นๆ)

ละครเกือบทั้งหมดที่แสดงบนเวทีของ "Atelier" นั้นใกล้เคียงกับความเป็นจริง เหล่านี้คือ "Volpone" โดย B. Jones กับ Dullen ในบทนำ "The Birds" โดย Aristophanes ตีความโดย B. Zimmer "Muss หรือ School of Hypocrisy" โดย J. Roman และคนอื่นๆ

Charles Dullin ค่อย ๆ พัฒนาระบบการสอนของเขาเองโดยอาศัยการฝึกฝนนักแสดงในกระบวนการแสดงแบบด้นสด ด้วยเหตุนี้จึงไม่เพียงเข้าใจคำพูดของบทบาทเท่านั้น แต่ยังเข้าใจภาพรวมทั้งหมด ฮีโร่ปรากฏตัวต่อหน้านักแสดงในฐานะบุคคลที่มีชีวิต เป็นผลให้นักแสดงกลายเป็นตัวละคร

เมื่อเห็นกุญแจสู่ความสำเร็จในการเรียนรู้เทคนิคการแสดงที่ยอดเยี่ยม Dullen จึงให้ความสนใจเป็นพิเศษกับการฝึกฝนนักแสดงรุ่นเยาว์ จาก "Atelier" ของผู้กำกับคนนี้มาทั้งกาแลคซีของตัวละครบนเวทีที่น่าทึ่ง - M. Jamois, M. Robinson, J. Vilar, J. L. Barro, A. Barsak และคนอื่น ๆ

การผลิตบทละคร "The Earth is Round" ของ A. Salacru เป็นงานชิ้นสุดท้ายของ Dullen ที่ Atelier ในปีพ. ศ. 2483 หลังจากส่งมอบผลิตผลของเขาให้กับ Andre Barsac ปรมาจารย์วัยชราก็เริ่มทำงานในโรงภาพยนตร์ที่ได้รับเงินอุดหนุนจากรัฐ - ที่ Theatre de Paris และ Theatre de la Cité ( อดีตโรงละครซาราห์ เบอร์นาร์ด)

Dullin จัดการคนสุดท้ายของพวกเขาจนถึงปี 1947 บนเวทีของโรงละครนี้มีการแสดงอัตถิภาวนิยมโดย J. P. Sartre "The Flies" ในอนาคตผู้กำกับได้ไปเที่ยวหลายครั้งโดยคราวนี้เขาได้แสดงละครโดย A. Salacru เรื่อง "The Lenoir Archipelago" ซึ่ง Dullin มีบทบาทหลัก

ปีสุดท้ายของงาน Dullen ถูกทำเครื่องหมายด้วยการออกจากประเด็นทางจริยธรรมและศีลธรรมตามปกติและการตระหนักถึงหน้าที่ทางการเมืองและสังคมของโรงละคร ความสมจริงของผู้กำกับมีมากขึ้นเรื่อย ๆ และอิทธิพลของการแสดงของเขาที่มีต่อหัวใจและความคิดของผู้ชมก็ชัดเจน

บุคคลสำคัญในชีวิตการแสดงละครของฝรั่งเศสในเวลานั้นคือ Louis Jouvet (พ.ศ. 2430-2494) เขาเริ่มเข้าเรียนการละครในขณะที่ยังเรียนอยู่ที่มหาวิทยาลัยปารีส

เช่นเดียวกับเพื่อนร่วมงานของเขาใน Cartel หลุยส์แสดงครั้งแรกบนเวทีของโรงละครขนาดเล็กที่ไม่ค่อยมีคนรู้จักในย่านชานเมือง แต่ความคิดโบราณบนเวทีและประเพณีการแสดงละครเก่า ๆ ไม่สามารถตอบสนองนักแสดงที่มีพรสวรรค์ได้

ในปี 1911 Jouvet ได้เป็นสมาชิกของ Théâtre des Arts ของ Jacques Roucher ที่นี่เขาได้พบกับ Dullen และ Copeau รวมถึงการแสดงเปิดตัวใน The Brothers Karamazov (บทบาทของ Zosima ผู้เฒ่า)

ในปี 1913 หลุยส์เริ่มทำงานที่ "Old Dovecote Theatre" ของ Copeau; บทบาทของ Andrew Agjuchik ใน Twelfth Night ของ Shakespeare, Geronte ใน Scapin's Rogues และ Sganarelle ใน The Unwilling Doctor ของ Molière ทำให้นักแสดงมากความสามารถมีชื่อเสียง

ในวัยเด็ก Jouvet รับบทเป็นคนชราเป็นส่วนใหญ่ ซึ่งอธิบายได้จากความปรารถนาของเขาที่จะเรียนรู้ศิลปะแห่งการเกิดใหม่ ภาพที่เขาสร้างขึ้นในช่วงเวลาแห่งความคิดสร้างสรรค์นี้กลายเป็นภาพที่เหมือนจริงอย่างน่าประหลาดใจในขณะเดียวกันตัวละครในละครก็ปรากฏตัวต่อหน้าผู้ชม

Jouvet รับช่วงต่อทัศนคติของเขาต่อโรงละครจาก Copeau เพื่อทำความเข้าใจชีวิตและมนุษย์ ในช่วงปี ค.ศ. 1920 เขาละทิ้งการแสดงละครภายนอกที่เน้นภาพลักษณ์ที่สร้างขึ้น การแสดงแก่นแท้ภายในของฮีโร่เนื้อหาทางปัญญาของเขา - นี่คืองานที่นักแสดงกำหนดเอง

จากปี 1922 ถึง 1934 Jouvet เป็นหัวหน้าทีม Comedy of the Champs Elysees หลังจากนั้นเขาก็ย้ายไปที่ Antey ซึ่งเขาเป็นผู้นำจนถึงวันสุดท้ายของชีวิต

หนึ่งในโปรดักชั่นที่ประสบความสำเร็จที่สุดของผู้กำกับคนนี้ นักวิจารณ์ละครเรียกว่า "Knock หรือ the Triumph of Medicine" โดย J. Roman Jouvet ผู้เล่น Knock ในชุดสมัยใหม่และแทบไม่ต้องแต่งหน้าสามารถสร้างภาพลักษณ์ที่น่าประทับใจของพวกเกลียดชังซึ่งเป็นผู้สนับสนุนอุดมการณ์ฟาสซิสต์

ในการผลิตของ Jouvet ทุกรายละเอียดมีภาระทางความหมายที่แน่นอน เช่น ฉากที่มีการปรับแต่งอย่างเข้มงวด และตัวละครบนเวทีที่กำหนดไว้อย่างเฉียบคมจะเป็นตัวกำหนดรูปแบบการแสดง ในปี 1928 Jouvet ได้ร่วมมือกับนักเขียนบทละครชาวฝรั่งเศสชื่อ J. Giraudoux ในการแสดงละครเรื่องซิกฟรีด ผลงานต่อไปของพวกเขาคือการแสดงละครเวทีเรื่อง "There will be no Trojan War" ซึ่งเหมือนกับ "Knock" ที่มีลางสังหรณ์มืดมนบางอย่าง ฉากนี้ถูกครอบงำด้วยสองสี - ขาวและน้ำเงิน ผู้ชมได้รับการนำเสนอด้วยแนวคิดของตัวละครที่นำไปสู่การต่อสู้ทางปัญญากันเอง

แม้แต่ในละครคลาสสิก Jouvet ก็สามารถเน้นถึงจุดเริ่มต้นทางปัญญาของพวกเขาได้ ตัวอย่างเช่น Arnolf ใน "School of Wives" ของ Moliere ปรากฏตัวในฐานะนักคิดที่แนวคิดทางปรัชญาพ่ายแพ้ในการต่อสู้กับชีวิตจริง และ Don Giovanni ในบทละครที่มีชื่อเดียวกันคือชายผู้หมดศรัทธาในทุกสิ่ง การค้นพบการแสดงละครของ Louis Jouvet เป็นพื้นฐานสำหรับการพัฒนาโรงละครทางปัญญาในฝรั่งเศส

จุดเริ่มต้นของกิจกรรมการแสดงละครของนักแสดงและผู้กำกับยอดเยี่ยม Gaston Baty (พ.ศ. 2428-2495) ย้อนกลับไปในปี 2462 ซึ่งเป็นช่วงเวลาที่เขารู้จักกับ Firmin Gemier และการเซ็นสัญญาฉบับแรก Baty ซึ่งดึงดูดความสนใจของนักเรียนที่มีชื่อเสียงของ Andre Antoine ได้งานกำกับ เขาได้รับความไว้วางใจให้จัดแสดง "Great Pastoral" โดย C. Elem และ P. D'Estoc และนิทานพื้นบ้านจำนวนหนึ่งใน Winter Circus แห่งกรุงปารีส.

ไม่กี่เดือนต่อมา Bati เข้ารับตำแหน่งผู้อำนวยการโรงละคร Comedy Montaigne จากการแสดงห้าครั้งที่เขาแสดงบนเวทีนี้ "Samum" ของ Lenormand มีชื่อเสียงที่สุด บทละครนี้เปิดเผยแนวโน้มหลักในการทำงานของผู้กำกับโดยเฉพาะอย่างยิ่งความปรารถนาที่จะค้นพบตัวละครหลักของความหมายทางศาสนาและปรัชญาในโศกนาฏกรรมซึ่งเป็นลักษณะที่คาดคะเนของความเป็นจริงสมัยใหม่

ในฤดูใบไม้ร่วงปี 1921 หลังจากเปิด Chimera Theatre ของเขาเอง Bati ได้ตีพิมพ์บทความ 3 บทความที่อธิบายหลักจริยธรรมพื้นฐานของการสร้างสถาบันใหม่ (Temples of the Theatre, Drama in Need of Reform, His Majesty the Word)

สิ่งพิมพ์เหล่านี้อนุญาตให้นักวิจารณ์เรียก Gaston Baty ว่า "นักอุดมคติและคาทอลิกที่เข้มแข็ง" การนำคำขวัญ "การปรับปรุงโรงละครคือการปลดปล่อยจากการครอบงำของวรรณกรรม" ผู้กำกับยังคงท้าทายประเพณีเก่าแก่หลายศตวรรษของ Comedy Francaise และโรงละครบนถนน

ในปี พ.ศ. 2473 Baty ได้รับหน้าที่ดูแลทีมมงต์ปาร์นาส การผลิตครั้งแรกของผู้กำกับ - "The Threepenny Opera" โดย B. Brecht และ K. Weill - ประสบความสำเร็จอย่างมากและเข้าสู่ละครของโรงละครทันที

ในปี 1933 Bati ได้นำเสนอผลงานใหม่ของเขาเรื่อง Crime and Punishment โดย Dostoevsky ต่อผู้ชม ผู้อำนวยการในขณะเดียวกันก็ให้ความสนใจกับบุคลิกภาพของมนุษย์โดยไม่ปิดบังความสนใจของเขาในด้านศาสนา

การต่อสู้เพื่อบุคคลในนามของเขาได้กลายเป็นประเด็นสำคัญในการตีความภาพบางภาพโดยเฉพาะ Sonya Marmeladova (Margaret Jamois) ชัยชนะของนางเอกเหนือ Porfiry Petrovich (Georges Vitray) โฆษกของแนวคิดของรัฐของมนุษย์รวมถึงการตระหนักถึงความเข้าใจผิดของความเชื่อของเขาโดย Raskolnikov (Lucien Nata) เป็นชัยชนะของอุดมคติที่เห็นอกเห็นใจ ความคิดที่คล้ายกันนี้ถูกเปล่งออกมาในละครเรื่อง "Madame Bovary" (1936)

อุดมคติที่เห็นอกเห็นใจของ Bati ได้รับการปฐมนิเทศทางสังคมที่คมชัดในวันก่อนและระหว่างสงครามโลกครั้งที่สอง ในปี 1942 ในเมืองที่ถูกยึดครอง ผู้กำกับได้จัดแสดง Macbeth ตาม Bati ละครเรื่องนี้ซึ่งบอกเล่าเกี่ยวกับชะตากรรมของฮีโร่ผู้ทะเยอทะยานซึ่งสอดคล้องกับจิตวิญญาณของเวลาอย่างเต็มที่เธอเชื่อมั่นในชัยชนะของความยุติธรรม

Georges Pitoev ผู้ก่อตั้งคนที่สี่ของ "Cartel" (พ.ศ. 2427-2482) เป็นชาวเมืองทิฟลิส ในปี 1908 หลังจากสำเร็จการศึกษาจากมหาวิทยาลัยมอสโก, สถาบันการสื่อสารเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและมหาวิทยาลัยปราก Pitoev ก็เข้าใกล้โรงละครของนักแสดงหญิงชาวรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่ที่สุด V.F. F. Skarskoy

ในปีพ. ศ. 2455 Georges ได้เปิดโรงละครของเราในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กบนเวทีซึ่งมีการแสดงละครโดยนักเขียนชาวรัสเซียและชาวต่างประเทศ อีกสองปีต่อมา Pitoev ออกจากรัสเซียทำให้ช่วงชีวิตและการทำงานของรัสเซียสิ้นสุดลง ในปารีส Georges ได้พบกับ Lyudmila Smanova นักแสดงหญิงที่มีพรสวรรค์ซึ่งในไม่ช้าก็กลายเป็นภรรยาของเขา

เป็นเวลาเจ็ดปี (พ.ศ. 2458-2465) Pitoevs แสดงบนเวทีของโรงละครสวิสโดยเฉพาะที่ Plainpalais ซึ่งละครรวมถึงผลงานของ L. N. Tolstoy, A. P. Chekhov, A. M. Gorky, Ibsen, Bjornson, Maeterlinck, Shaw และอื่น ๆ บน ความคิดริเริ่มของ Pitoev, Shakespeare's Hamlet, Macbeth และ Measure for Measure ถูกจัดแสดงในโรงละครซึ่งประสบความสำเร็จอย่างมาก

ในเดือนธันวาคม พ.ศ. 2464 Pitoevs ได้รับคำเชิญจากผู้ประกอบการที่มีชื่อเสียงซึ่งเป็นเจ้าของโรงละคร Champs-Elysées Jacques Heberteau ให้ทำงานถาวรในฝรั่งเศส ในไม่ช้าทั้งคู่ก็ย้ายไปปารีสและเปิดโรงละครของตัวเองในเดือนกุมภาพันธ์ พ.ศ. 2465

ในบรรดาโปรดักชั่นที่ดำเนินการโดย Pitoev ในเมืองหลวงของฝรั่งเศส "Uncle Vanya" และ "The Seagull" ของ Chekhov ได้รับความนิยมเป็นพิเศษ การตกแต่งของพวกเขาค่อนข้างเรียบง่าย: ม่านกำมะหยี่หนาแยกด้านหน้าของเวทีออกจากด้านหลัง นักวิจารณ์สังเกตเห็นความสามารถของผู้กำกับในการถ่ายทอดความงามและบทกวีของผลงานละครชิ้นเอก เพื่อเน้นย้ำถึงจิตวิทยาอันลึกซึ้งของเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นบนเวที

หลายคนให้เครดิตปิโตเยฟในการค้นพบเชคอฟสำหรับสาธารณชนชาวฝรั่งเศส ดังนั้นจึงเป็นการวางรากฐานสำหรับเทรนด์ใหม่ที่เรียกว่าเชคอฟในศิลปะการแสดงบนเวทีของฝรั่งเศส ผู้กำกับที่ทำงานในทิศทางนี้พยายามที่จะแสดงชั้นลึก ชีวิตมนุษย์คลี่คลายความสัมพันธ์อันซับซ้อนยุ่งเหยิงของมนุษย์

Georges Pitoev ไม่เพียง แต่เป็นผู้กำกับที่ยอดเยี่ยมเท่านั้น แต่ยังเป็นนักแสดงที่ยอดเยี่ยมในบทละครของเชคอฟอีกด้วย ภาพที่เขาสร้างขึ้นกลายเป็นภาพที่เป็นธรรมชาติและมีมนุษยธรรมอย่างน่าประหลาดใจ นักวิจารณ์ยอมรับว่า Astrov ใน Uncle Vanya และ Treplev ใน The Seagull เป็นบทบาทเชคโคเวียที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดของนักแสดงคนนี้

ควรสังเกตว่าลักษณะที่สดใสของ Zh Pitoev (ผอม, ค่อนข้างเป็นเหลี่ยม, มีผมสีน้ำเงินดำ, หมวกที่มีโครงหน้าซีดขนาดใหญ่, ซึ่งคิ้วสีดำห้อยอยู่เหนือดวงตาขนาดใหญ่และรอบคอบ) ทำให้เขาสามารถเล่นได้โดยไม่ต้องแต่งหน้า .

ในช่วงครึ่งหลังของปี ค.ศ. 1920 มีการเกิดขึ้นของเทรนด์ใหม่ในงานของ Georges Pitoev ซึ่งในเวลานั้นได้รับอิทธิพลจากเทรนด์ศิลปะต่างๆ สิ่งนี้แสดงให้เห็นในผลงานหลายเรื่อง ตัวอย่างเช่น ใน Hamlet (1926) ตัวเอกปรากฏเป็นคนอ่อนแอ ไม่สามารถต่อสู้ได้ และถึงวาระที่ต้องพ่ายแพ้ในโลกแห่งความเป็นจริง

ละครเรื่อง Three Sisters ของ Chekhov ซึ่งจัดแสดงที่ Georges Pitoev Theatre ในปี 1929 ถูกตีความในลักษณะเดียวกัน ความพยายามที่ไร้ประโยชน์ของพี่สาว Prozorov ที่จะแยกตัวออกจากกิจวัตรที่น่าเบื่อของชีวิตในต่างจังหวัดกลายเป็นโศกนาฏกรรมซึ่งรู้สึกถึงลมหายใจในทุกสิ่ง - ทั้งในฉากการแสดงและการเล่นที่น่าสมเพชของนักแสดง ดังนั้น โศกนาฏกรรมของการดำรงอยู่ของมนุษย์จึงถูกนำเสนอในบทละคร

ปีสุดท้ายของชีวิตของ Pitoev เต็มไปด้วยสิ่งที่น่าสมเพชของการบริการสาธารณะ ในปีพ. ศ. 2482 ผู้กำกับที่ป่วยหนักได้จัดแสดงละครเรื่อง Enemy of the People ของ Ibsen

ฉากที่เคร่งครัดและเครื่องแต่งกายสมัยใหม่ที่ใช้ในการแสดงนี้ไม่ได้หันเหความสนใจของผู้ชมจากการแสดงบนเวที และ Dr. Stockman ซึ่งแสดงโดย Pitoev ก็สร้างความประทับใจไม่รู้ลืม ฮีโร่ปรากฏตัวในฐานะบุคคลที่มีความคิดสร้างสรรค์ที่สดใส เป็นนักเทศน์แห่งความยิ่งใหญ่ขององค์ประกอบทั้งสาม - เหตุผล ความจริง และเสรีภาพ

การสนับสนุนพิเศษในการพัฒนาโรงละครฝรั่งเศสจัดทำโดย Lyudmila Pitoeva (พ.ศ. 2438-2494) ภรรยาของผู้กำกับชื่อดัง ความคุ้นเคยของเธอกับศิลปะการแสดงเกิดขึ้นในรัสเซีย หลังจากได้รับทักษะการแสดงในประเทศนี้แล้ว Lyudmila ก็ปรับปรุงอย่างต่อเนื่องในฝรั่งเศส

นักแสดงหญิงที่มีรูปร่างเตี้ย เรียว เปราะบาง มีดวงตาที่แสดงออกอย่างชัดเจนบนใบหน้าที่เคลื่อนไหวได้ สร้างความประทับใจอย่างมากให้กับผู้ชมด้วยเกมที่ไร้ศิลปะของเธอ แต่ละภาพที่เป็นตัวเป็นตนของเธอบนเวทีคือบุคลิกที่สดใส มองโลกรอบตัวเธอที่เต็มไปด้วยโศกนาฏกรรมด้วยความสมเพช

ในช่วงเริ่มต้นของอาชีพการแสดงของเธอ Lyudmila Pitoeva พยายามนำเสนอวีรสตรีที่เต็มไปด้วยความสามัคคีและความบริสุทธิ์ทางจิตวิญญาณต่อสาธารณชน เช่น Ophelia ของเธอใน Shakespeare's Hamlet, Sonya ใน Chekhov's Uncle Vanya

อย่างไรก็ตามบทบาทที่สำคัญที่สุดของนักแสดงหญิงที่มีพรสวรรค์คือ Jeanne d'Arc ใน "Saint John" Shaw ความสิ้นหวังแสดงออกในรูปลักษณ์ทั้งหมดของ L. Pitoeva นางเอกผู้สูงส่งและอ่อนไหวมากเกินไป ภาพของ Irina จาก The Three Sisters เต็มไปด้วยลางสังหรณ์ของภัยพิบัติที่ใกล้เข้ามา

ในช่วงครึ่งหลังของทศวรรษที่ 1930 นักแสดงหญิงเริ่มเล่นวีรสตรีอีกครั้งที่เชื่อในอนาคตที่ดีกว่า นักวิจารณ์ละครหลายคนเรียก Nina Zarechnaya ของ Lyudmila Pitoeva ในการผลิตใหม่ปี 1939 ว่า "อัครสาวกแห่งความหวัง"

"นักแสดงหญิงชาวฝรั่งเศสที่ผอมบางและซับซ้อนที่สุด" ตาม A. V. Lunacharsky คือ Suzanne Despres (Charlotte Bouvalle) (1874-1951) เธอเกิดในครอบครัวของแพทย์และดูเหมือนว่าจะไม่มีอะไรคาดเดาชะตากรรมของเธอในฐานะนักแสดงได้

ความใกล้ชิดกับผู้กำกับ O. M. Lunye Poe เปลี่ยนชีวิตของ Susanna อย่างมาก ในปี พ.ศ. 2436 เธอแต่งงานกับชายคนนี้ และอีกหนึ่งปีต่อมา เธอได้เปิดตัวบนเวทีของโรงละคร Parisian Evre ซึ่งเขาเป็นผู้กำกับและหัวหน้าผู้กำกับ

ในปีเดียวกันนั้นนักแสดงสาวได้เข้าเรียนที่ Paris Conservatory ในชั้นเรียนของ G.I. Worms หลังจากจบการศึกษา Suzanne Deprez กลับไปที่เวที Evra อีกครั้งซึ่งเธอสร้างขึ้นเอง ภาพที่ดีที่สุด: Hilda ใน Solnes the Builder, Solveig ใน Peer Gynt และ Rautendelein ใน The Sunken Bell สำหรับคนร่วมสมัย Suzanne Despres เป็นหนึ่งในนักแสดงที่ดีที่สุดในบทละครของ G. Ibsen

สถานที่สำคัญในละครฝรั่งเศสในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 ถูกครอบครองโดยกิจกรรมของนักเขียนละครที่เรียกว่าซึ่งงานของเขามีลักษณะตลกขบขันเกี่ยวกับเหตุการณ์ในชีวิตสมัยใหม่ หนึ่งในตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของเทรนด์นี้คือนักเขียนและนักเขียนบทละครที่มีความสามารถ ฌาค เดวาล(บุหลัน) (พ.ศ.2433-2514).

Jacques เกิดและเติบโตในครอบครัวการแสดงขนาดใหญ่ เขาเริ่มแสดงบนเวทีค่อนข้างเร็ว แต่นี่เป็นเพียงบทบาทมือสมัครเล่นเล็กน้อย ในปีพ. ศ. 2463 Deval เปิดตัวที่ Femina Theatre ไม่เพียง แต่เป็นนักแสดงมืออาชีพ แต่ยังเป็นหนึ่งในผู้กำกับภาพยนตร์ตลกเรื่อง The Weak Woman

Jacques Deval ได้รับความนิยมมากยิ่งขึ้นหลังจากเขียนบทละครตลกซึ่งรวมอยู่ในละครของคณะละครที่ดีที่สุดในฝรั่งเศสในยุคนั้น

ดังนั้นบนเวทีของโรงละคร "Monte Carlo", "Comédie-Comartin" และ "Athenay" ละครเรื่อง "Devil's Beauty" (1924), "Imaginary Lover" (1925), "September Rose" (1926), "Deboche "(1929), "Mademoiselle" (1932) และ "Prayer for Life" (1933) (ละครสองเรื่องสุดท้ายเกิดขึ้นในวงบ้านแคบ ๆ )

ผลงานของ J. Deval ซึ่งโดดเด่นด้วยอารมณ์ขันค่อนข้างหยาบคาย ประสบความสำเร็จอย่างไม่เคยปรากฏมาก่อนในแวดวงคนลามกอนาจาร ในเวลาเดียวกัน การแสดงละครที่จริงจังทำให้คอเมดีของ Devalev ถูกวิจารณ์อย่างรุนแรงเกี่ยวกับคำสอนต่างๆ มากมาย โดยมักจะจบลงอย่างมีความสุขในการเล่น ซึ่งเนื้อเรื่องอิงจากเรื่องรักๆ ใคร่ๆ ของตัวละคร

เพื่อเอาใจรสนิยมของประชาชนที่มีการศึกษาต่ำ บทละครของ Ventos และ Comrade จึงเขียนขึ้น: ในตอนแรก ผู้เขียนพยายามนำเสนอผู้สนับสนุนประชาธิปไตยในฐานะผู้นิยมอนาธิปไตยและผู้ทำลายชีวิต ละครเรื่องที่สองเป็นภาพล้อเลียนของชาวรัสเซียซึ่งถูกกล่าวหาว่าโศกเศร้ากับชะตากรรมของลูกหลานของราชวงศ์รัสเซีย

ในช่วงหลังสงคราม J. Deval ได้สานต่อประเพณีของงานยุคแรกของเขาในการสร้างสรรค์ผลงานคอเมดีและการแสดงแสงสีมากมาย เนื้อเรื่องมีพื้นฐานมาจากการผจญภัยที่ร่าเริงของนักผจญภัยที่กล้าหาญและโสเภณีที่สวยงาม การแสดงของ Jumping Girl (1957) และ Romancero (1957) จัดแสดงตาม ผลงานชื่อเดียวกันฌาค เดวาล.

ช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 ได้รับความนิยมเพิ่มขึ้นจากผลงานของนักเขียนบทละครที่มีพรสวรรค์ในรัสเซีย ในช่วงกลางทศวรรษ 1950 มีการจัดแสดง Prayer for Life ที่ Moscow Art Theatre โดยมีนักแสดงชื่อดังชาวรัสเซีย Bersenev และ Giatsintova แสดงนำ

ในปี 1957 Deval เริ่มร่วมมือกับ Leningrad Drama Theatre A. S. Pushkin และโรงละครมอสโก M. N. Ermolova ในช่วงเวลาเดียวกัน นักเขียนบทละครชาวฝรั่งเศสเริ่มทำงานในโรงภาพยนตร์ เขาเขียนบทภาพยนตร์หลายเรื่อง และผลิตภาพยนตร์อิสระหลายเรื่อง

นอกเหนือจากละครแล้ว ละครเปรี้ยวจี๊ดได้รับการพัฒนาอย่างกว้างขวางในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 ซึ่งตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดคือ จูลส์ โรมัน(พ.ศ. 2428-2509) ผู้ประพันธ์บทละครเสียดสีสังคมอย่างเฉียบคมหลายบท ("น็อก หรือชัยชนะของยา", "นายเลอ ทรูเดคมีความสนุก", "การแต่งงานของเลอ ทรูเด็ค" เป็นต้น) รวมทั้ง ผู้สร้างผลงานยี่สิบเล่ม "People of Good Will" Charles Vildrac และ Jean-Richard Block

บทละครที่ดีที่สุดโดยนักเขียนบทละครผู้มีความสามารถ ผู้มีบทบาทในการต่อต้านฝรั่งเศส ชาลส์ วิลแดรก(พ.ศ. 2427-2514) นักวิจารณ์ละครเรียกว่า "Steamboat Tenesity" (พ.ศ. 2462) ซึ่งกลายเป็นปรากฏการณ์ที่โดดเด่นในชีวิตการแสดงละครของประเทศ

นักเขียนบทละครคนแรกๆ คนหนึ่งหันมาสนใจหัวข้อของคนรุ่นที่ทนทุกข์ในสงครามและไม่จำเป็นในฝรั่งเศสหลังสงคราม ตัวละครหลักของละครเรื่อง "Steamboat Tenesity" บาสเตียนและเซการ์ต่างต่อต้านสังคมสมัยใหม่ที่สร้างขึ้นจากการโกหกและการทรยศ

ชื่อของละครเรื่อง "Steamboat Tenesity" เป็นสัญลักษณ์: Segar ออกเดินทางบนเรือกลไฟแห่งความอุตสาหะและความอุตสาหะไปยังดินแดนอันห่างไกลที่ซึ่งความคับข้องใจและความผิดหวังครั้งใหม่รอเขาอยู่

หนึ่งในผู้ก่อตั้งสัจนิยมฝรั่งเศสในสาขาศิลปะการแสดงละครถือเป็นนักเขียนชาวฝรั่งเศสที่มีพรสวรรค์ นักเขียนบทละคร นักประชาสัมพันธ์ โรงละคร และบุคคลสาธารณะ ฌอง-ริชาร์ด บล็อก (1884—1947).

เป็นผู้สนับสนุนความคิดสร้างสรรค์ของ R. Rolland และ F. Gemier เป็นเวลาหลายปีที่ Blok ต่อสู้อย่างแข็งขันเพื่อสร้างโรงละครพื้นบ้านในฝรั่งเศส เขาปฏิบัติต่อศิลปะการแสดงละครในช่วงปลายทศวรรษที่ 1920 และต้นทศวรรษที่ 1930 อย่างดูหมิ่นซึ่งส่วนใหญ่ให้ความบันเทิง

ดังนั้นในหนังสือ "The Fate of the Theatre" (1930) นักเขียนบทละครจึงทำหน้าที่เป็นผู้เปิดโปงศิลปะร่วมสมัยที่หลงใหล ที่นี่จึงเรียกร้องให้มีการแสดงละครบนเวทีด้วยเนื้อหาที่เกี่ยวข้องซึ่งกระตุ้น "ความคิดที่ยิ่งใหญ่และความหลงใหล" ใน ผู้ชม.

Jean-Richard Blok เข้าสู่โลกวรรณกรรมในฐานะบุคคลที่มีรูปร่างสมบูรณ์: ในปี 1910 เขาเขียนบทละครเรื่อง "The Restless" ซึ่ง 12 เดือนต่อมาได้จัดแสดงที่โรงละคร Odeon ในเมืองหลวง รอบปฐมทัศน์ที่ประสบความสำเร็จบังคับให้ทีม Odeon หันไปหานักเขียนบทละครอีกครั้งพร้อมกับคำขอให้สร้างบทละครใหม่

ในปี พ.ศ. 2479 โรงละครได้นำเสนอละครประวัติศาสตร์ของ Blok สู่สาธารณชนภายใต้ชื่อเรื่องว่า จักรพรรดิ์องค์สุดท้าย"(2462-2463) กำกับโดย F. Gemier บทละครโดยนักเขียนบทละครที่มีพรสวรรค์นี้ต่อมาได้รวมอยู่ในละครของ National People's Theatre ใน Trocadero ต่อมาการแสดงได้แสดงบนเวทีโรงละครของเจนีวาและเบอร์ลิน

ในช่วงต้นทศวรรษที่ 1930 Jean-Richard Blok ได้ทำงานเกี่ยวกับบทบัลเลต์และการแสดงโอเปร่าซึ่งมีอยู่หลายโหลในปลายทศวรรษนี้ นอกจากนี้นักเขียนบทละครยังมีส่วนร่วมในองค์กรและผลงานที่ตามมาของ People's Theatre ซึ่งเปิดในปารีสในปี พ.ศ. 2478

Blok เข้าร่วมเป็นการส่วนตัวในการซ้อมการแสดงตามผลงานของเขา ดูการแสดงของนักแสดงและให้คำแนะนำที่เป็นประโยชน์แก่พวกเขา ด้วยผลงานที่แข็งขันของนักเขียนบทละครชื่อดัง ในปี 1937 ประชาชนชาวปารีสได้ชมการแสดงพื้นบ้านจำนวนมาก "The Birth of a City" ในสถานที่ของสนามแข่งรถในฤดูหนาว

ในช่วงหลายปีของการยึดครอง J. R. Blok ร่วมกับ A. Barbusse, R. Rolland และบุคคลที่มีหัวก้าวหน้าคนอื่นๆ ของฝรั่งเศส เป็นส่วนหนึ่งของสหภาพต่อต้านฟาสซิสต์

ในปี 1941 เขาถูกบังคับให้ออกจากประเทศและตั้งถิ่นฐานในสหภาพโซเวียต สี่ปีที่ใช้ที่นี่ได้ผลดีมาก: ละครรักชาติเรื่อง A Search in Paris (1941) และ Toulon (1943) ซึ่งสะท้อนเหตุการณ์ในชีวิตจริงและจัดแสดงบนเวทีของโรงละครหลายแห่งในภายหลัง ได้รับการตอบรับอย่างอบอุ่นในหัวใจและ วิญญาณของคนยุคก้าวหน้า ในปี 1950 Jean-Richard Blok ได้รับรางวัลเหรียญทองโลกหลังเสียชีวิต

ได้รับความนิยมไม่น้อยไปกว่านักเขียนบทละครชื่อดัง อังเดร กิด(พ.ศ. 2412-2494) - นักเขียนสัญลักษณ์ชาวฝรั่งเศสผู้มีความสามารถรางวัลโนเบลสาขาศิลปะ (พ.ศ. 2490)

ในโลกวรรณกรรม ชื่อของเขาเป็นที่รู้จักตั้งแต่ปี พ.ศ. 2434 อังเดรเขียนผลงานสั้นหลายชิ้นซึ่งนำเสนอภาพลักษณ์ของคนที่มีความภาคภูมิใจ รักอิสระ ดูถูกสังคมสมัยใหม่โดยยึดถือผลประโยชน์ส่วนตัวเหนือรัฐ

ความต่อเนื่องของหัวข้อนี้คือบทละคร "Saul" (1898) และ "King Kandavl" (1899) ซึ่งผู้เขียนจับภาพที่แปลกประหลาดของทรราชที่โหดร้ายและตัวแทนของคนทั่วไป การเสียดสีที่เฉียบคมเกี่ยวกับความเป็นจริงสมัยใหม่ถูกเติมเต็มให้กับผลงานอื่นๆ ของ André Gide

หนึ่งในผลงานที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดตามที่ผู้เขียนกล่าวคือบทละคร "Philoctetes" ซึ่งเปิดตัวในปี พ.ศ. 2442 ซึ่งจัดแสดงในอีกสองทศวรรษต่อมาบนเวทีของโรงละครแห่งหนึ่งในเมืองหลวง

อย่างไรก็ตาม หลักการของลัทธิปัจเจกชนนิยมและการเทศนาเรื่องลัทธิผิดศีลธรรมนั้นฟังได้ชัดเจนที่สุดในผลงานชิ้นต่อมาของนักเขียน - นวนิยายเรื่อง The Immoralist (1902), Vatican Dungeons (1914) และ The Counterfeiters (1925)

ความรุ่งเรืองของงานของ A. Gide ลดลงในช่วงทศวรรษที่ 1930 - 1940 ในช่วงเวลานี้เขาได้สร้างผลงานชิ้นเอกที่น่าทึ่งหลายชิ้น - ละครเรื่อง "Oedipus" (1930) บทประพันธ์ของซิมโฟนีละคร "Persephone" (1934) จัดแสดงที่ "Grand Opera" กับดนตรีของ Stravinsky และคนอื่น ๆ

ความหวังในการปลดปล่อยจากภาระอันหนักอึ้งซึ่งปรากฏชัดในงานในช่วงทศวรรษที่ 1930 ถูกแทนที่ด้วยการคาดการณ์ในแง่ร้ายในงานเขียนในยุคต่อมา นักเขียนบทละครพยายามที่จะตกลงกับความเป็นจริงสมัยใหม่ แต่เมื่อตระหนักถึงความไร้ประโยชน์ของความพยายามเหล่านี้ เขาก็ตกอยู่ในภาวะซึมเศร้าลึก

หนังสือ Return from the Soviet Union (1936) เป็นการตอบสนองต่อเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นในยุโรป ซึ่งผู้เขียนพยายามวิเคราะห์อุดมการณ์ที่ไร้มนุษยธรรมของลัทธิฟาสซิสต์

ความสับสนทางจิตวิญญาณ แม้กระทั่งความกลัวต่อพลังอันทรงพลังที่กำลังเพิ่มน้ำหนักในยุโรป สัมผัสได้อย่างชัดเจนในบทละครเรื่อง "Robert, or Public Interest" ที่เขียนโดย A. Gide ในปี 1940 และแสดงบนเวทีของโรงละครหนึ่งในหกแห่งของกรุงปารีส หลายปีต่อมา

ผลงานล่าสุดของนักเขียน ("The Trial", 1947 เป็นต้น) เป็นการตีความตำนานและแผนการโบราณที่ยืมมาจากประวัติศาสตร์โบราณและพระคัมภีร์ พวกเขาพัฒนาคำเทศนาเกี่ยวกับปัจเจกนิยมซึ่งมีอยู่ในงานละครในยุคแรก ๆ ของชายผู้นี้

André Gide พยายามที่จะสร้างงานศิลปะที่ "บริสุทธิ์" ที่ไม่ส่งผลกระทบต่อปัญหาในยุคของเรา ด้วยผลงานมากมายของเขาที่อุทิศให้กับสถานะของละครสมัยใหม่ (บทความ "เกี่ยวกับวิวัฒนาการของโรงละคร" ฯลฯ ) เขาได้เตรียมแพลตฟอร์มสำหรับการก่อตัวของกระแสอัตถิภาวนิยมในศิลปะการแสดงละครและโรงเรียนของฝรั่งเศส "แนวหน้า- จี๊ดเธียเตอร์".

บางทีความสำเร็จสูงสุดของศิลปะเหมือนจริงของฝรั่งเศสก็คือการผลิบานของละครทางปัญญา ซึ่งยืนยันแนวคิดเห็นอกเห็นใจของชีวิต

ในบรรดาตัวแทนที่ดีที่สุดของประเภทนี้ Armand Salacru, Jean Cocteau, Jean Anouille และ Jean Giraudoux (1882-1944) สมควรได้รับความสนใจเป็นพิเศษ นักเขียนบทละครคนสุดท้ายเหล่านี้เป็นผู้แต่งผลงานหลายชิ้นที่กล่าวถึงปัญหาทางสังคมและปรัชญาที่สำคัญ: "ซิกฟรีด" (1928), "Amphitrion-38" (1929), "จูดิธ" (1931), "จะไม่มี สงครามเมืองทรอย" (1935), " Elektra (1937), The Mad Woman of Chaillot (1942), Sodom and Gomorrah (1943) และอื่นๆ การแสดงละครเหล่านี้ได้รับความนิยมอย่างมากในหมู่ประชาชนชาวฝรั่งเศส

อย่างไรก็ตามผลงานที่ดีที่สุดชิ้นหนึ่งของทศวรรษที่ 1930 ถูกเรียกโดยผู้ร่วมสมัยว่าละครเรื่องนี้ ก. สะละครู"โลกกลม" (2480) โดยยึดตามเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์ที่บอกเล่าเกี่ยวกับชีวิตของสังคมฟลอเรนซ์ในปี ค.ศ. 1492-1498 นักเขียนบทละครต้องวิพากษ์วิจารณ์อย่างไร้ความปราณีต่อความคลั่งไคล้ทางศาสนาความไร้ยางอายทางศีลธรรมและการเมืองของชาวฟลอเรนซ์และในขณะเดียวกันก็เป็นตัวแทนของโลกสมัยใหม่ .

เรากำลังพูดถึงไม่เพียง แต่เกี่ยวกับความคลั่งไคล้ทางศาสนาเท่านั้น แต่ยังเกี่ยวกับการบูชารูปเคารพอื่น ๆ พื้นดินที่อุดมสมบูรณ์ซึ่งเป็นจิตสำนึกของผู้อยู่อาศัยทั่วไปพร้อมที่จะปฏิบัติตามคำสั่งใด ๆ ที่ให้กับพวกเขา

นักเขียนบทละครเปรียบเสมือนสงครามกับการปกครองแบบเผด็จการและความคลั่งไคล้ ถึงกระนั้น Salacru ทำให้ผู้ชมเชื่อในชัยชนะของความก้าวหน้า: ข่าวของกะลาสีเรือที่เดินทางไปทั่วโลกถึงทุกคน นี่เป็นอีกครั้งที่พิสูจน์ให้เห็นถึงความผิดพลาดของความคิดเห็นของผู้อยู่อาศัยที่คลั่งไคล้

Salacru อุทิศผลงานจำนวนหนึ่งในช่วงสงคราม (Marguerite, 1941; Betrothal in Le Havre, 1942) และช่วงหลังสงคราม (Nights of Anger, 1946; Lenoir Archipelago, 1945-1947; Boulevard Duran) กับปัญหาการจัดตั้ง ค่านิยมทางศีลธรรมสูง , 1960; "Black Street", 1968 เป็นต้น) ในงานเหล่านี้ นักเขียนบทละครยังคงแน่วแน่ต่ออุดมคติที่มีมนุษยธรรมสูงและทัศนคติเชิงวิพากษ์ต่อความเป็นจริงสมัยใหม่

กวี นักเขียนบทละคร นักถ่ายภาพยนตร์ที่มีพรสวรรค์ได้ทิ้งร่องรอยไว้ในชีวิตวัฒนธรรมของฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 20 ฌอง ค็อกโต(พ.ศ.2432-2506). หลังจากกลายเป็นนักเขียนที่โดดเด่นของฝรั่งเศสโดยมีชื่อเสียงในฐานะกวีและนักประพันธ์ (Tom the Pretender, 1923; Hard Children, 1929) ในไม่ช้าเขาก็เริ่มสนใจศิลปะการแสดง

หนึ่งในงานชิ้นแรกๆ ของเขา นักเขียนบทละครผู้นี้หันไปหาเทพนิยาย ซึ่งทำให้เขาได้มองความเป็นจริงสมัยใหม่ใหม่ ก้าวไปสู่การสรุปภาพรวมทางปรัชญาระดับสูง ในปี 1922 Cocteau ตีความโศกนาฏกรรมของ Sophocles "Antigone" ไม่กี่ปีต่อมาเขาได้นำเสนอการดัดแปลงโศกนาฏกรรม "Oedipus Rex" (1925) และ "Orpheus" (1926) ต่อสาธารณชนฟรี

ในช่วงทศวรรษที่ 30 - 40 ของศตวรรษที่ 20 Cocteau ยังคงทำงานเกี่ยวกับการตีความเรื่องในตำนาน การเขียนบทละคร The Infernal Machine (1932), The Knights of the Round Table (1937), Renault and Armida (1941), The Double-Headed Eagle (1946), Bacchus (1952) เป็นของเวลานี้ ตรงกันข้ามกับงานก่อนหน้านี้ แรงจูงใจใหม่ได้รับเสียงที่นี่ - ศรัทธาในชัยชนะของความกล้าหาญและความแข็งแกร่งของมนุษย์

พร้อมกันกับงานละครในตำนาน Cocteau ได้สร้างสรรค์ผลงานที่สะท้อนสภาพของความเป็นจริงสมัยใหม่ (Terrible Parent, 1938; Idols, 1940; Typewriter, 1941) ความนิยมเป็นพิเศษคือของจิ๋วหรือเพลงที่แสดงโดย Edith Piaf, Marianne Oswald, Jean Marais และ Bert Bovy ที่มีชื่อเสียง ("The Human Voice", 1930 เป็นต้น)

สถานที่สำคัญในชีวิตสร้างสรรค์ของ Jean Cocteau ถูกครอบครองโดยโรงภาพยนตร์ ในปีพ. ศ. 2473 ตามบทของเขาภาพยนตร์เรื่อง "The Blood of the Poet" ได้รับการจัดฉากอย่างไรก็ตามผลงานที่ไม่น่าพอใจทำให้ผู้เขียนบทต้องหันไปหากิจกรรมการกำกับอิสระ: ในปีพ. ศ. 2489 เขาได้นำเสนอภาพยนตร์เรื่อง "Beauty and the Beast" ให้กับผู้ชม ตามด้วย “The Double-Headed Eagle” (1950) , “Orpheus” (1958) และ “The Testament of Orpheus” (1960)

เป็นเวลาหลายทศวรรษที่นักเขียนบทละครที่โด่งดังที่สุดในฝรั่งเศสคือ ฌอง อนูอิล(พ.ศ.2453-2530). เริ่มต้นอาชีพวรรณกรรมในช่วงต้นทศวรรษที่ 1930 ในไม่ช้าเขาก็กลายเป็นนักเขียนที่มีชื่อเสียง ความรุ่งเรืองของงานของเขาเกิดขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 30 - 40 ของศตวรรษที่ XX ในปี 1932 Anouilh เขียนบทละครเรื่องแรกของเขาชื่อ "The Ermine" ซึ่งมีแรงจูงใจในการต่อต้านโลกสองขั้ว - คนรวยและคนจน - ถูกวางไว้เป็นอันดับแรก ไม่กี่เดือนต่อมา Ball of Thieves (1932) บัลเลต์คอมเมดี้ได้ถูกนำเสนอต่อสาธารณชน เนื้อเรื่องมีพื้นฐานมาจากเรื่องราวความรักของหญิงสาวผู้ร่ำรวยที่มีต่อหัวขโมย

ผลงานที่ประสบความสำเร็จสูงสุดในยุคแรกของการสร้างสรรค์ของ Anuy ได้รับการยอมรับจากนักวิจารณ์ว่า "The Savage Woman" (1934) ด้วยภาพลักษณ์ของหญิงสาวผู้บริสุทธิ์ทางศีลธรรมชื่อเทเรซา นักเขียนบทละครได้เปิดแกลเลอรีตัวละครที่คล้ายกันทั้งหมด ซึ่งต่อมาได้ปรากฏตัวในผลงานหลายชิ้นของเขา

ได้รับความนิยมไม่น้อยไปกว่า "The Savage Woman" คือบทละครที่มีเนื้อหาเกี่ยวกับครอบครัวและประเด็นทางศีลธรรม หนึ่งในนั้น - "กาลครั้งหนึ่งมีนักโทษ" (พ.ศ. 2478) - เล่าถึงชะตากรรมของฮีโร่ที่ได้รับการปล่อยตัวจากคุกหลังจากรับใช้คนใหม่เป็นเวลานานและอีกคน - "นักเดินทางที่ไม่มีกระเป๋าเดินทาง" (พ.ศ. 2479) - บอกเล่าชะตากรรมที่น่าเศร้าของบุคคลในโลกสมัยใหม่ซึ่งความทรงจำเต็มไปด้วยความทรงจำของสงคราม

ปีของสงครามโลกครั้งที่สองถูกทำเครื่องหมายด้วยการเริ่มต้นของขั้นตอนใหม่ในผลงานของ Jean Anouilh ซึ่งมีลักษณะเฉพาะคือความผิดหวังอันขมขื่นในอุดมคติแบบเก่า อย่างไรก็ตามนักเขียนบทละครไม่ได้สูญเสียความสนใจในโรงละคร

ในปีพ.ศ. 2485 ละครสองรอบทั้งใหม่และที่สร้างขึ้นก่อนหน้านี้ได้รับการปล่อยตัว: คอลเลกชันแรกชื่อ "Black Pieces" รวมถึงละครเรื่อง "Ermine", "Passenger without Luggage", "Savage" และ "Eurydice" (1941) ซึ่ง กลายเป็นภาคต่อของ "The Wild Ones"

คอลเลกชันที่สอง - "Pink Pieces" - กลายเป็นสิ่งที่น่าสนใจไม่น้อยไปกว่าชุดแรก รวมถึงผลงานเรื่อง "Ball of Thieves", "Leocadia" (1939), "Date in Senlis" (1941)

ผลงานที่สำคัญที่สุดในช่วงเวลาแห่งความคิดสร้างสรรค์ของ Anuyev คือบทละคร "Eurydice" และ "Antigone" ซึ่งเขียนขึ้นจากโครงเรื่องที่เป็นตำนานและส่งผลต่อปัญหาในยุคของเรา ผู้เขียนมุ่งเน้นความสนใจทั้งหมดของเขาไปที่การปะทะกันทางอุดมการณ์อย่างลึกซึ้งของตัวละคร ในขณะที่เขายกระดับความเป็นจริงของชีวิตไปสู่ระดับของปัญหาทางปรัชญา

ในช่วงหลังสงคราม Anuy ยังคงทำงานอย่างแข็งขัน ในช่วงต้นทศวรรษ 1950 คอลเลกชันใหม่ของเขาที่มีชื่อว่า “Brilliant Pieces” (1951) ได้รับการเผยแพร่ 5 ปีต่อมา “Prickly Pieces” (1956) และจากนั้น “Costume Pieces” (1962) ก็ถูกนำเสนอต่อสาธารณชนที่มีวิจารณญาณ ซึ่งยังคงดำเนินต่อไป เผยแพร่อุดมคติที่มีมนุษยธรรมสูง

การเขียนงานเช่น "Beckett หรือ God's Honor" (1959), "Basement" (1961) และอื่น ๆ เป็นช่วงหลังสงครามของชีวิตและผลงานของนักเขียนบทละครที่มีพรสวรรค์

นักวิจารณ์หลายคนเรียกละครเรื่องนี้ว่า The Lark (พ.ศ. 2496) ซึ่งสร้างขึ้นในรูปแบบของการพิจารณาคดีของ Joan of Arc นางเอกแห่งชาติซึ่งเป็นจุดสูงสุดของผลงานละครของ Anouilh ความขัดแย้งที่น่าเศร้าของงาน (การเผชิญหน้าระหว่างชายคนหนึ่งและผู้สอบสวน) ได้รับเสียงทางปรัชญาสังคมและปรัชญาที่คมชัด ในตอนจบ ความคิดที่เห็นอกเห็นใจมีชัยเหนือความเชื่อของศัตรูของมนุษยชาติ - ผู้สอบสวน

บทละครของ Anouilh ซึ่งเข้าสู่ละครในโรงละครฝรั่งเศสส่วนใหญ่ตั้งแต่ช่วงกลางทศวรรษที่ 1930 เป็นที่ต้องการมานานหลายทศวรรษ จนถึงทุกวันนี้ การแสดงผลงานที่ดีที่สุดของนักเขียนบทละครคนนี้สามารถชมได้บนเวทีของโรงละครในกรุงปารีส

ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของละครฝรั่งเศสในช่วงสงครามและหลังสงครามคือหัวหน้าของอัตถิภาวนิยม ฌอง ปอล ซาร์ตร์(พ.ศ.2448-2523). ปรัชญามุ่งพัฒนาปัญหาทางศีลธรรม สะท้อนให้เห็นในผลงานละครชิ้นเอกของซาร์ตร์หลายชิ้น

เชื่อว่าบุคคลมีอิสระในการเลือกของเขาและในสถานการณ์ใด ๆ ดูเหมือนจะเป็นสิ่งที่เขาสร้างขึ้นเองนักเขียนบทละครจึงหันไปศึกษาพฤติกรรมของวีรบุรุษที่พบว่าตัวเองอยู่ในสถานการณ์วิกฤต เป็นผลให้บทละครได้รับลักษณะของคำอุปมาทางปรัชญาของเนื้อหาทางศีลธรรมและคำแนะนำ

ในช่วงสงคราม ผลงานของซาร์ตร์เรียกร้องให้ต่อสู้ซึ่งเกี่ยวข้องกับช่วงเวลานั้น นี่คือ "แมลงวัน" ของเขาที่แสดงโดย Dullin ในปี 1943 ในกรุงปารีสที่ถูกยึดครอง ในวีรบุรุษในตำนาน ร่างของฝ่ายต่อต้าน (ภาพของ Orestes) ผู้ถือแนวคิดของนาซี (ภาพของ Aegisthus) และผู้สนับสนุนตำแหน่งประนีประนอมของผู้ทำงานร่วมกัน (ภาพของ Clytemnestra) เดาได้ง่าย

ในอนาคต J.P. Sartre มักจะหันไปใช้แผนการทางประวัติศาสตร์ (“The Devil and the Lord God”, 1951) อย่างไรก็ตาม ภาพสะท้อนของความเป็นจริงทางสังคมและการเมืองสมัยใหม่มักมาพร้อมกับการทดลองทางปรัชญาในจิตวิญญาณของอัตถิภาวนิยม (บทละคร “เบื้องหลัง The Closed Door (1944), “Dirty Hands” (1948), “The Dead Without an Executioner” (1946) เป็นต้น)

ละครแนวจิตวิทยา The Recluses of Altona (1959) เป็นคำเตือนไม่ให้ทำผิดซ้ำซากในอดีต ต่อต้านการฟื้นตัวของลัทธิฟาสซิสต์ในโลกหลังสงคราม ที่นี่เช่นเดียวกับงานอื่น ๆ ของซาร์ตร์ แรงจูงใจที่น่าเศร้าของความเหงาและความตื่นตระหนกกลัวอนาคตพบการแสดงออก

ในช่วงทศวรรษที่ 40-50 ของศตวรรษที่ 20 ผลงานชิ้นเอกที่น่าทึ่งของ "ผู้ไร้สาระ" มีอารมณ์คล้ายคลึงกับผลงานของซาร์ตร์ คำเทศนาเกี่ยวกับความหายนะของบุคคลที่ค้นหาทางออกจากสถานะดังกล่าวหันไปหาเทวนิยม (วิสัยทัศน์ที่ไร้เหตุผลหรือลึกลับของโลกในงานของ Ionesco) การคาดหวังความตายที่ยอมจำนน (ใน Beckett) หรือ การกบฏที่ทำลายล้างซึ่งนำไปสู่ความตาย (ในงานของ Genet) เป็นธีมหลักของ "ละครไร้สาระ"

ละครดังเรื่องหนึ่ง ซามูเอล เบ็คเก็ตต์(พ.ศ. 2449-2532) ถือได้ว่าเป็นผลงาน "Waiting for Godot" (พ.ศ. 2495) ซึ่งเป็นคำอุปมาที่น่าหดหู่ซึ่งมีแรงจูงใจทางศาสนาเหตุผลทางปรัชญาในแง่ร้ายและ "อารมณ์ขันสีดำ" อยู่ร่วมกัน นักวิจารณ์ละครหลายคนเรียกงานนี้ว่า "ตัวตลกเชิงปรัชญา"

มรดกทางละครของเบ็คเก็ตต์ ("The End of the Game", 1957; "Oh! Happy Days!", 1961) เต็มไปด้วยความสิ้นหวัง ฮีโร่ของเขา - ตาบอด เป็นใบ้ เป็นอัมพาต และประหลาด - ปรากฏเป็นหุ่นเชิดที่ถูกควบคุมโดยกองกำลังชั่วร้ายที่ไม่รู้จัก .

ผลงานของ Jean Genet (1910-1986) ที่พยายามเปลี่ยนพวกเขาให้กลายเป็นภาพลวงตาที่แปลกประหลาด (The Maids, 1946; Negroes, 1959; Balcony, 1960; Screens, 1966) โดดเด่นด้วยความบันเทิงที่เขียวชอุ่มและความซับซ้อนของรูปแบบปกติ

ความปรารถนาที่จะหันเหความสนใจของประชาชนจากปัญหาเร่งด่วนและจมดิ่งสู่ภาวะมึนงงมักกลายเป็นบทกวีเกี่ยวกับความรุนแรงที่โหดร้ายใน J. Genet (อาจเป็นเพราะวิถีชีวิตที่ผู้เขียนเป็นผู้นำก่อนที่จะกลายเป็นคนดัง)

บทละครของ Eugene Ionesco (1912-1994) เต็มไปด้วยการปฏิเสธการคิดเชิงตรรกะซึ่งเป็นวิธีการรู้ความจริง ภาพวิตถารและตลกขำขันมีอยู่ในผลงานละครเกือบทั้งหมดของผู้เขียน (The Bald Singer, 1950; Lesson, 1951; Chairs, 1952; Rhinoceros, 1959 เป็นต้น) ซึ่งเต็มไปด้วยคำเทศนาเรื่องการทำลายล้างและการกบฏของอนาธิปไตย

เมื่อพูดถึงรูปแบบศิลปะแบบดั้งเดิม "พวกไร้สาระ" ปฏิเสธไม่เพียงแค่โรงละครสมัยใหม่เท่านั้น แต่ยังรวมถึงวรรณกรรมและละครด้วย พวกเขาปฏิเสธที่จะถือว่าภาษาเป็นวิธีการที่ผู้คนจะเข้าใจซึ่งกันและกัน ดังนั้นความซับซ้อนและความซับซ้อนบางประการของรูปแบบของ "ละครไร้สาระ"

แนวโน้มอีกประการหนึ่งในศิลปะบนเวทีของฝรั่งเศสในช่วงหลังสงครามคือ "แนวหน้าของประชาธิปไตย" ซึ่งเป็นตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดคือ อาเธอร์ อดามอฟ(พ.ศ.2451-2513). เขาเกิดที่เมืองคิสโลวอดสค์ ในปีพ. ศ. 2457 ครอบครัวออกจากรัสเซียและตั้งรกรากอยู่ในฝรั่งเศสหลังจากเร่ร่อนมานาน

บทละครในยุคแรก ๆ ซึ่งเป็นพยานถึงความสับสนและความผิดปกติทางจิตวิญญาณของนักเขียนบทละครรุ่นเยาว์ถูกเขียนขึ้นภายใต้อิทธิพลของความคิดของนักเขียนบทละครที่ "ไร้สาระ" แต่ถึงอย่างนั้น Adamov ก็เริ่มแสดงความสนใจเป็นพิเศษในชะตากรรมของผู้คนในโลกสมัยใหม่ .

หกเดือนที่นักเขียนที่มีพรสวรรค์ใช้เวลาในค่ายกักกันฟาสซิสต์ได้ทิ้งร่องรอยไว้ในงานในอนาคตของเขา ในช่วงหลังสงคราม นักเขียนบทละครได้สร้างผลงานที่ดีที่สุดของเขา เปี่ยมไปด้วยศรัทธาในชัยชนะของแนวคิดประชาธิปไตยและวิจารณ์สังคมสมัยใหม่อย่างเฉียบขาด

บทละครของ A. Adamov เรื่อง "Invasion" (1950), "Ping-Pong" (1955) และ "Paolo Paoli" (1957) ได้รับความนิยมเป็นพิเศษ ที่มีชื่อเสียงไม่น้อยคือ "The Politics of Dregs" (1962), "Mr. Moderate" (1967) และ "No Entry" (1969)

นักเขียนบทละครเรียกผลงานที่ดีที่สุดของเขาว่าละครหนึ่งองก์เสียดสีและสื่อสารมวลชนเรียกว่า "ฉากเฉพาะ" ("ฉันไม่ใช่คนฝรั่งเศส", "ความใกล้ชิด", "การบ่นของเสียงหัวเราะ")

นอกเหนือจากการสร้างละครของเขาเองแล้ว Arthur Adamov ยังทำงานแปลอีกด้วย ขอบคุณชายคนนี้ ฝรั่งเศสได้รู้จักกับ "ชนชั้นกลางผู้น้อย" และ "Vassa Zheleznova" โดย A. M. Gorky มรดกสร้างสรรค์ของ A. P. Chekhov

ปลายทศวรรษที่ 60 ของศตวรรษที่ XX ถูกทำเครื่องหมายด้วยความสนใจของประชาชนชาวฝรั่งเศสในด้านละครที่เพิ่มขึ้นอย่างไม่เคยปรากฏมาก่อน บทละครของนักเขียนรุ่นเยาว์ได้รับการตีพิมพ์ในสิ่งพิมพ์ภาษาฝรั่งเศสที่ใหญ่ที่สุด "Saille" และ "Stock" โดยมีการแสดงโปรดักชั่นใหม่บนเวที

ผลงานของนักเขียนบทละครรุ่นเยาว์เป็นการตอบสนองต่อเหตุการณ์ของความเป็นจริงสมัยใหม่ในระดับที่มากขึ้น (“อาวุธระยะประชิด” และ “เปลือกผลไม้บนต้นไม้เน่า” โดย V. Aim) ภาพสะท้อนของความเป็นจริงทางสังคมและการเมือง (“ Studio”, “Quarrel”, “Tomorrow”, “Window on street" โดย J.C. Granber)

สถานที่พิเศษในละครฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 20 ถูกครอบครองโดยผลงานของนักเขียนรุ่นเยาว์ที่เริ่มอาชีพการแสดงบนเวทีของโรงละครประจำจังหวัด พวกเขามีส่วนร่วมในเทศกาล Avignon ซึ่งเป็น "งานฉลองสำหรับจิตใจและหัวใจ" ประวัติความเป็นมาของเทศกาลเริ่มขึ้นในปี 2490 (ผู้จัดงานดังกล่าวเป็นครั้งแรกคือ Jean Vilar โรงละครชื่อดัง)

ธีมของความเหงาและการละทิ้งบุคคลในโลกสมัยใหม่ในความคิดสร้างสรรค์ได้รับเสียงใหม่ บาร์นารา มารี คอลเตซา(เกิดในปี พ.ศ. 2491) ตัวอย่างเช่นละครเรื่อง "The Night Before the Forest" (แสดงที่เทศกาลอาวิญงในปี 2520), "การต่อสู้ของชาวนิโกรและสุนัข" (จัดแสดงในปี 2526 ในเขตชานเมืองของปารีส)

การอุทธรณ์ต่อประเด็นทางสังคมและการเมืองและจิตวิทยามนุษย์ถือเป็นผลงานของนักเขียนบทละครเช่น Pierre Laville, Daniel Benhard และคนอื่นๆ

โรงละครฝรั่งเศสพัฒนาขึ้นอย่างรวดเร็วกว่าการแสดงละครในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 ในช่วงต้นทศวรรษ 1960 โรงภาพยนตร์ "แท็บลอยด์" เชิงพาณิชย์ค่อยๆ ขยับเข้าใกล้คาบาเรต์และสถานบันเทิงอื่นๆ มากขึ้น กลายเป็น "เวที" สำหรับการแสดงละครตลกประเวณีโดยอังเดร รูซินและโรเจอร์

ละครของโรงละครดังกล่าวพร้อมกับบทละครเหยียดหยามของ Francoise Sagan รวมถึงบทละครที่แปลกประหลาดและหยาบเล็กน้อยของ Marcel Aimé

แม้จะมีทุกอย่าง โรงละครเชิงพาณิชย์ยังคงดึงดูดผู้ชมจำนวนมากที่ต้องการดูนักแสดงยอดนิยม - Jean-Claude Briali และ Micheline Prel (ทั้งคู่เล่นในละครเรื่อง "A Flea in the Ear"), Daniel Ivernel และ Paul Meurisse (ตัวละครหลักใน " Ladder"), Marie Belle (Phaedra ในภาพยนตร์สมัยใหม่เรื่องโศกนาฏกรรมของ Racine) ฯลฯ

ผู้สืบทอดประเพณีวัฒนธรรมที่ร่ำรวยที่สุดในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 คือโรงละครที่เก่าแก่ที่สุดในฝรั่งเศส Comédie Francaise และทีมงานของ Andre Barsac และ Jean Louis Barrot การแสดงของ Comédie Francaise ซึ่งได้รับการยกย่องสูงสุดจากนักเขียนบทละครชาวอิตาลี Carlo Goldoni ในศตวรรษที่ 18 ยังคงทำให้ประหลาดใจจนถึงทุกวันนี้ด้วยทักษะที่ไม่มีใครเทียบได้และความเป็นมืออาชีพระดับสูง: “ไม่มีสิ่งใดที่ทำให้เครียดทั้งท่าทางหรือการแสดงออก ทุกย่างก้าว ทุกการเคลื่อนไหว การมอง ฉากเงียบ ๆ ได้รับการศึกษาอย่างรอบคอบ แต่ศิลปะซ่อนการศึกษาไว้ภายใต้การปกปิดของความเป็นธรรมชาติ คุณลักษณะบางอย่างของรูปแบบเวทีของโรงละครฝรั่งเศสที่เก่าแก่ที่สุดมีอยู่ในการแสดงของกลุ่มการแสดงอื่นๆ อย่างไรก็ตามจนถึงทุกวันนี้ "Comédie Francaise" ยังไม่สูญเสียความนิยมและชื่อเสียง นักแสดงหลายคนคิดว่าเป็นเกียรติที่ได้ปรากฏตัวบนเวทีของโรงละครแห่งนี้

ผู้กำกับชาวฝรั่งเศสที่มีพรสวรรค์ Jean Louis Barro และ Andre Barsac ได้เรียนรู้เคล็ดลับในการกำกับโรงเรียน Cartel ที่มีชื่อเสียงภายใต้ Charles Dullin ที่มีชื่อเสียง อย่างไรก็ตาม แต่ละคนได้เรียนบทเรียนของปรมาจารย์ในแบบของเขาเอง

André Barsac (1909-1973) ได้รับชื่อเสียงไม่เพียงแต่ในฐานะผู้กำกับ-นักจิตวิทยา แต่ยังเป็นผู้ตกแต่งโรงละครด้วย หลงใหลในโรงละครในวัยเด็ก เขาเลือกที่จะไม่แสดงเป็นอาชีพของเขา แต่เป็นอาชีพของศิลปิน การเรียนหลายปีที่โรงเรียนมัณฑนศิลป์ปารีส (พ.ศ. 2467-2469) ทำให้เขาเชี่ยวชาญพื้นฐานของอาชีพที่เขาเลือกและในปี พ.ศ. 2471 Barsak ไปทำงานที่ Atelier Theatre โดย Ch. Dullen ซึ่งเป็นที่นิยมในช่วงหลายปีที่ผ่านมา

งานเปิดตัวของศิลปินหนุ่มคือฉากสำหรับละครเรื่อง "Volpone" โดย B. Johnson และผลงานชิ้นเอกที่ดีที่สุดในสาขานี้คือภาพร่างฉากและเครื่องแต่งกายสำหรับละครเรื่อง "The Doctor of His Part" โดย Calderon (1935)

เริ่มต้นในปี 1930 A. Barsak ทำงานในโรงภาพยนตร์หลายแห่งพร้อมกัน - Atelier, the Troupe of Fifteen และที่ Opera House ซึ่งเขาได้ตกแต่ง Persephone ของ Stravinsky

ในปี พ.ศ. 2479 อังเดรได้ริเริ่มสร้างโรงละครแห่งใหม่ชื่อ Four Seasons Troupe ซึ่งในไม่ช้าก็นำเสนอผลงานการผลิตครั้งแรกต่อผู้ชม - The Stag King ของ Gozzi (นี่เป็นผลงานเปิดตัวของผู้กำกับ Barsak)

ในฤดูกาล 1937/1938 มีการแสดงหลายชุดบนเวทีของโรงละครแห่งนี้ ผู้กำกับเป็นผู้แสดงฉากนี้ - "Jean from the Moon" โดย Ashar, "Knock" โดย Romain, "กาลครั้งหนึ่งนานมาแล้ว เวลามีนักโทษ" โดย Anui ฯลฯ การแสดงที่ประสบความสำเร็จของคณะทำให้เธอเริ่มทัวร์ในนิวยอร์ก ปารีส และเมืองต่างจังหวัดของฝรั่งเศส เบลเยียม และบราซิล

ในปี 1940 André Barsac ได้รับการแต่งตั้งให้เป็นผู้อำนวยการของ Atelier Theatre ในขณะเดียวกันเขาก็ยังคงทำงานเป็นผู้ออกแบบฉากและผู้กำกับเวที ด้วยการมีส่วนร่วมอย่างแข็งขันของชายผู้นี้ Scapin's Tricks (1940), Anui's Eurydice and Romeo and Jeanette (1940), Dostoevsky's The Brothers Karamazov (1946) และการแสดงอื่นๆ

ในปี 1948 Barsak นำเสนอ "Inspector General" ของ Gogol ต่อผู้ชมในปี 1940 - "The Seagull" ของ Chekhov และในปี 1958-1959 - บทละคร "Bug" ของ Mayakovsky

อย่างไรก็ตามผู้กำกับ Barsak เป็นที่รู้จักกันเป็นอย่างดีในการดัดแปลงนวนิยายเรื่อง The Idiot ของ Dostoevsky ซึ่งบทบาทของ Nastasya Filippovna แสดงโดย Catherine Seller นักแสดงหญิงผู้โศกนาฏกรรมที่มีชื่อเสียง

การแสดงละครของ Turgenev เรื่อง "A Month in the Country" นั้นได้รับความนิยมไม่น้อย การแสดงกลายเป็นบทกวีอย่างมากลักษณะทางจิตวิทยาที่ละเอียดอ่อนของตัวละครทำให้สามารถเข้าใจสาระสำคัญที่แท้จริงได้

งานอื่นของ Andre Barsac คือกิจกรรมวรรณกรรม เขาเป็นผู้เขียนบทตลกเรื่อง Agrippa หรือ Crazy Day ซึ่งจัดแสดงที่ Atelier ในปี 1947 และบทความเกี่ยวกับโรงละครอีกจำนวนหนึ่ง

นักแสดงและผู้กำกับที่มีพรสวรรค์ Jean Louis Barrot (2453-2537) มีบทบาทพิเศษในการพัฒนาศิลปะการแสดงบนเวทีของฝรั่งเศส เขาเกิดในครอบครัวของเภสัชกรและในวัยเด็กเขามีความสามารถในการวาดภาพที่โดดเด่น เมื่อถึงวัยที่กำหนด เด็กชายเข้าเรียนหลักสูตรการวาดภาพที่โรงเรียนลูฟวร์ในปารีส อย่างไรก็ตาม Jean Louis ไม่ได้ถูกกำหนดให้สำเร็จการศึกษาจากสถาบันการศึกษาแห่งนี้ ความหลงใหลในโรงละครทำให้เขาต้องละทิ้งอาชีพการเป็นศิลปินและเข้าร่วมคณะละครของ Ch. Dullen "Atelier"

หลังจากเปิดตัวในปี 2475 ในบทบาทเล็ก ๆ ในการผลิตละคร Barro เริ่มมีส่วนร่วมในการแสดงเกือบทั้งหมด แต่การขาดทักษะขัดขวางการเติบโตของอาชีพและนักแสดงหนุ่มแสดงความปรารถนาที่จะมีส่วนร่วมในศิลปะการแสดงละครใบ้กับละครใบ้ชื่อดัง E. Decroux

ในปี 1935 บนเวทีของ Atelier Theatre มีการฉายรอบปฐมทัศน์ของละครใบ้เรื่อง Near the Mother ซึ่งสร้างจากนวนิยายของ Faulkner ขณะที่ฉันกำลังจะตาย ในการแสดงนี้ ฌอง หลุยส์แสดงเป็นม้าและคนขี่ม้าไปรอบๆ ในเวลาเดียวกัน Barro ได้เปิดตัวภาพยนตร์ของเขา (ภาพยนตร์เรื่อง Children of Paradise) เหตุการณ์สำคัญในชีวิตของเขาคือการได้รู้จักกับเซอร์เรียลิสต์และคณะละคร "ตุลาคม"

ในไม่ช้า ฌอง หลุยส์ก็ออกจากดูลลินและจัดคณะละครของเขาเองที่มีชื่อว่า Augustine Attic แต่ก็ยังไม่หยุดร่วมมือกับ Atelier ในปี 1939 Barro รับบทเป็น Silvio ในละครต่อต้านฟาสซิสต์ของ Salacru เรื่อง The Earth is Round ซึ่งจัดแสดงที่ Dullen Theatre และนำเสนอละครเวทีเรื่อง Famine ของ Hamsun ต่อผู้ชม

ไม่กี่ปีก่อนหน้านี้ J. L. Barrot ได้เปิดตัวบนเวที Theatre Antoine ด้วยละครรักชาติเรื่อง Numancia (อ้างอิงจาก Cervantes) การแสดงประสบความสำเร็จเป็นประวัติการณ์เนื่องจากความทันเวลาและความเกี่ยวข้องของการผลิต (ในเวลานั้น ประชาชนที่ก้าวหน้าทั้งหมดกังวลเกี่ยวกับผลของสงครามในสเปน)

ในปี 1940 Barraud ได้รับเชิญให้ไปที่โรงละคร Comedie Francaise ซึ่งเขาทำงานจนถึงปี 1946 บนเวทีที่โด่งดังที่สุดในฝรั่งเศสนี้ เขาแสดงหลายบทบาท รวมถึงโรดริโกในภาพยนตร์เรื่อง "ซิด" ของเชกสเปียร์ และแฮมเล็ตผู้สิ้นหวังในบทละครชื่อเดียวกัน นอกจากนี้ ฌอง หลุยส์ยังตีความละครคลาสสิกของโรงละครอีกครั้ง: Phaedra ของ Racine (1942), The Satin Slipper ของ Claudel (1943) และ Antony and Cleopatra ของ Shakespeare (1945) ซึ่งจัดแสดงโดย Barrault ได้รับความนิยมอย่างมากจากผู้ชมในเมืองใหญ่ที่มีความซับซ้อน

หลักฐานของการผสมผสานบางอย่างในรสนิยมของผู้กำกับที่มีความสามารถคือความสำเร็จในการแสดงผลงานประเภทต่างๆ ของเขา ไม่ว่าจะเป็นเรื่องตลกหรือโศกนาฏกรรม บทละครหรือละครใบ้ ในเวลาเดียวกัน เขาพยายามสร้างโรงละครสังเคราะห์ที่จะผสมผสานวิธีการแสดงออกที่ดีที่สุดในงานศิลปะประเภทต่างๆ ได้อย่างกลมกลืน

ในปีพ. ศ. 2489 ฌองหลุยส์ได้จัดคณะการแสดงใหม่ ซึ่งนอกจากเขาแล้ว ยังมีเอ็ม. เรโนลต์ (ภรรยาของผู้กำกับ) และนักแสดงมากความสามารถอีกหลายคน

Barraud กลายเป็นผู้กำกับศิลป์และนักแสดงนำของคณะนี้ซึ่งแสดงในอาคารของโรงละคร Marigny การแสดงต่างๆ เช่น Nights of Anger ของ Salacru (1946), Kafka's Trial (1947), Molière's Tricks of Scapin (1949), Claudel's Christopher Columbus (1950), Malbrook Going on Campaign ของ Ashar ถูกจัดแสดงที่นี่" สวนเชอร์รี่» เชคอฟ

ในบางส่วนของการผลิตเหล่านี้ Jean Louis ไม่เพียงทำหน้าที่เป็นผู้กำกับเท่านั้น แต่ยังเป็นนักแสดงในบทบาทหลักอีกด้วย (ผู้รักชาติต่อต้านลัทธิฟาสซิสต์ Cordo ใน Nights of Anger, Christopher Columbus ในการเล่นชื่อเดียวกัน, Trofimov ใน The Cherry สวนผลไม้ เป็นต้น)

ในปี 1959 Barraud ได้รับเลือกเป็นประธานของ Théâtre de France ในปารีส ในเวลาเดียวกัน การผลิตของเขาจากบทละคร Rhinos โดย Ionesco, Golden Head ของ Claudel และ Little Madame Molière ของ Anouil ก็อยู่ในช่วงเวลาเดียวกัน

นอกเหนือจากการกำกับและการแสดงแล้ว Barro ยังมีส่วนร่วมในกิจกรรมสาธารณะอีกด้วย: เขาเป็นผู้อำนวยการโรงเรียนเป็นเวลาหลายปี ศิลปะการละครก่อตั้งโดยเขาในปารีสด้วยความช่วยเหลือของ J. Berto และ R. Roulo เปรู Jean Louis Barrot เป็นของ งานวรรณกรรม"ภาพสะท้อนในโรงละคร" ซึ่งผู้เขียนทำหน้าที่เป็นผู้แสวงหาความจริงและเป็นกวีของศิลปะการแสดงละครเวที

ดังนั้น ผลงานของ Barrot และ Barsac จึงมีผลกระทบอย่างมากต่อการพัฒนาโรงละครฝรั่งเศสในช่วงหลังสงคราม สิ่งที่น่าสนใจไม่น้อยคือกิจกรรมของปรมาจารย์ที่โดดเด่นอย่าง Pierre Franck, Georges Vitali, Jean Meyer บนเวทีของโรงละคร Evre, La Bruyère และ Michel

จุดเริ่มต้นของปี 1950 เป็นการฟื้นฟูความรุ่งเรืองในอดีตของ National Folk Theatre F. Gemier เนื่องจากการมาถึงของผู้กำกับมากความสามารถ Jean Vilar (1912-1971) สู่คณะ ในช่วงเวลาสั้น ๆ ชายคนนี้สามารถเปลี่ยนโรงละครแห่งชาติให้กลายเป็นโรงละครที่ดีที่สุดแห่งหนึ่งในฝรั่งเศส

Vilar ทำตามเป้าหมายเดียว นั่นคือทำให้โรงละครเข้าถึงผู้ชมหลายล้านคนได้ "ตามสูตรอันชาญฉลาดและพื้นฐานของ Stanislavsky" ผู้กำกับเวทีมากความสามารถคือผู้สร้างเวทีรูปแบบใหม่: เรียบง่ายและในขณะเดียวกันก็ยิ่งใหญ่ งดงามสมบูรณ์แบบและเข้าถึงได้ ซึ่งออกแบบมาสำหรับผู้ชมหลายพันคน

Vilar สร้างโรงละครที่มีชีวิตอย่างแท้จริงซึ่งผู้ชมมีบทบาทบางอย่างสามารถกระตุ้นความสนใจในศิลปะการแสดงได้แม้กระทั่งในหมู่ผู้ที่อยู่ห่างไกลจากโรงละคร ตามความคิดริเริ่มของบุคคลนี้ระบบบริการผู้ชมได้รับการจัดระเบียบใหม่: สองชั่วโมงก่อนเริ่มการแสดงคาเฟ่ได้เปิดขึ้นที่ National Folk Theatre ซึ่งคุณสามารถหาอะไรทานหลังเลิกงานได้ นอกจากนี้การแสดงเริ่มขึ้นที่ เวลาที่สะดวกสำหรับผู้ชม

โรงละครค่อยๆกลายเป็นบ้านแห่งวัฒนธรรมพื้นบ้านซึ่งไม่เพียงแสดงการแสดงและภาพยนตร์เท่านั้น แต่ยังจัดงานวรรณกรรมและดนตรีตอนเย็นนิทรรศการประติมากรรมและภาพวาด ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา "โฟล์คบอล" ซึ่งจัดโดยคณะละครพื้นบ้านแห่งชาติได้รับความนิยมสูงสุด

การแสดงผลงานคลาสสิกในประเทศและต่างประเทศบนเวที Jean Vilar พยายามค้นหาคำตอบสำหรับคำถามของเขาเพื่อดึงออกมาจากอดีต บทเรียนที่จำเป็น. เช่นผลงานการผลิตของ Corneille เรื่อง Cid ร่วมกับ Gerard Philippe ในบทนำ (1951), Prince of Homburg โดย G. Kleist (1952), Don Giovanni โดย Molière (1953) และ Macbeth ของ Shakespeare (1954)

บทละคร "ซิด" ในการตีความของ Vilar ปรากฏเป็นบทกวีเกี่ยวกับความรักและความสูงส่ง ข้อความที่เต็มไปด้วยความหลงใหลฟังบนเวทีเหมือนเป็นคำพูดที่เข้าใจได้สำหรับผู้อยู่อาศัยทุกคน

การผลิตนี้กลายเป็นสัญลักษณ์ของการฟื้นฟูโรงละครพื้นบ้านของฝรั่งเศส คนที่ดีที่สุดของฝรั่งเศสพูดถึงเรื่องนี้ด้วยความกระตือรือร้น ดังนั้น Louis Aragon จึงเรียก "Cid" ว่า "การแสดงที่ดีที่สุดที่เคยแสดงบนเวทีฝรั่งเศส" และ Maurice Thorez หลังจากชมผลงานชิ้นเอกนี้แล้ว เขากล่าวว่า " มรดกของชาติ- มันเป็นของเรา

บนเวทีของ National People's Theatre มีขั้นตอนสำคัญในการทำความเข้าใจธีมประวัติศาสตร์พื้นบ้าน การผลิตของ Mary Tudor โดย Hugo (1955) และ Lorenzaccio โดย Musset (1958) กลายเป็นความรู้สึกที่แท้จริงในโลกสมัยใหม่

ในปี พ.ศ. 2503-2504 Vilar ได้นำเสนอการแสดงของ Antigone โดย Sophocles, Career ของ Arturo Ui โดย Brecht, Scarlet Roses for Me โดย O'Casey, Salamey โดย Alcalde โดย Calderon และ The World โดย Aristophanes ในการผลิตภาพเหล่านี้ได้รับการพัฒนา ฮีโร่ชาวบ้านการต่อสู้เพื่อสันติภาพและเสรีภาพ

นักแสดงที่มีความสามารถหลายคนได้รับเกียรติให้ทำงานภายใต้ Jean Vilar ที่มีชื่อเสียง คณะการแสดงที่มีความเป็นมืออาชีพสูงได้ค่อยๆ ก่อตั้งขึ้นที่ National Folk Theatre ซึ่งรวมถึง Gerard Philip, Daniel Sorano, Maria Cazares, Christian Minazzoli และนักแสดงคนอื่นๆ นักตกแต่งที่เก่งที่สุด ไฟส่องสว่าง นักออกแบบเครื่องแต่งกาย และผู้ปฏิบัติงานเวทีอื่น ๆ ก็แห่กันมาที่นี่เช่นกัน

เจอราร์ด ฟิลิป (พ.ศ. 2465-2502) เป็นหนึ่งในนักแสดงที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในฝรั่งเศสหลังสงคราม ซึ่งเป็นผู้นำที่ได้รับการยอมรับในหมู่นักแสดงแนวโรแมนติกสมัยใหม่ เขาเปิดตัวบนเวทีในปี 2485 และในไม่ช้าก็มีชื่อเสียง

การแสดงมากมายที่มีส่วนร่วมของนักแสดงคนนี้กระตุ้นความสนใจของสาธารณชนอย่างแท้จริง เจอราร์ดฟิลิปสร้างภาพที่น่าจดจำมากมาย - Rodrigo ใน Corneille's Side, Prince of Homburg ในบทละครที่มีชื่อเดียวกัน, Lorenzaccio ในบทละครของ Musset และอื่น ๆ ในฐานะประธานคนแรกของ Union of Actors of France เขาปกป้องสิทธิ ของคนอาชีพนี้ในโลกยุคใหม่

เจอราร์ดฟิลิปไม่เพียงแสดงบนเวทีละครเท่านั้น แต่ยังแสดงต่อหน้ากล้องถ่ายภาพยนตร์อีกด้วย เขาได้แสดงในภาพยนตร์เช่น "Parma Convent", "Fanfan-Tulip", "Red and Black" เป็นต้น

Maria Cazares (ชื่อจริง Quiroga) (2465-2539) ซึ่งเป็นตัวแทนของครอบครัวของรัฐบุรุษชาวสเปนเป็นนักแสดงละครที่โดดเด่นในบทบาทที่น่าเศร้า

หลังจากที่พ่อของเธอถูกย้ายไปฝรั่งเศส มาเรียเริ่มเรียนที่โรงละครแห่งหนึ่งในกรุงปารีส จากนั้นเมื่อสำเร็จการศึกษาจากสถาบันการศึกษาแห่งนี้ เธอก็เข้าเรียนที่ Conservatory of Dramatic Art

ในช่วงกลางทศวรรษที่ 1950 นักแสดงหญิงที่มีพรสวรรค์ได้ออกจาก Comedy Francaise ซึ่งเธอเคยแสดงมาหลายปีและเข้าร่วมคณะละครของ National People's Theatre บนเวทีซึ่งเธอสร้างภาพละครที่น่าจดจำจำนวนมาก (ราชินี แมรี่ใน Mary Tudor ของ Hugo และอื่นๆ)

Maria Cazares ได้รับความนิยมเป็นพิเศษในฐานะนักแสดงภาพยนตร์ การเปิดตัวครั้งแรกของเธอในสาขานี้คือบทบาทใน Children of Paradise โดย M. Carne (1945) ตามด้วยข้อเสนอจาก R. Bresson เพื่อแสดงในภาพยนตร์เรื่อง “Ladies of the Bois เดอบูโลญจน์” (พ.ศ. 2488) อย่างไรก็ตาม บทบาทที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดซึ่งทิ้งร่องรอยความสดใสไว้ให้กับวงการภาพยนตร์ฝรั่งเศสคือ ซานเซเวรินา ในภาพยนตร์ดัดแปลงจาก Parma Monastery ของ A. Stendhal โดยคริสเตียน-ฌอง

ในปีพ. ศ. 2492 นักแสดงหญิงยอดเยี่ยมได้รับบทเป็นความตายใน Orpheus ของ Jean Cocteau และอีกสิบปีต่อมาได้รับเชิญให้รับบทเป็นเจ้าหญิงในภาพยนตร์เรื่อง Orpheus 'Testament (1959) Jean Mare (Orpheus) และ Jean Cocteau (กวี) กลายเป็นคู่หูของ M. Cazares ในกองถ่าย ซึ่งการเล่นที่มีพรสวรรค์เป็นกุญแจสำคัญในการเผยแพร่ภาพที่ประสบความสำเร็จ

บทบาทเล็ก ๆ ที่เล่นโดย M. Cazares ในภาพยนตร์เรื่อง "Shadow and Light" โดย A. Calef (1950), "Reader" โดย M. Deville (1987) และ "Knights of the Round Table" โดย D. Llorca (1990) คือ สังเกตด้วยความสนใจของผู้ชมไม่น้อย

นักแสดงหญิงรักษาจิตใจที่ดีจนถึงวันสุดท้ายของชีวิต ตัวอย่างเช่น ข้อเท็จจริงนี้เป็นตัวบ่งชี้: ในปี 1996 (ปีที่เธอเสียชีวิต) Maria Cazares วัย 74 ปีมีส่วนร่วมในการถ่ายทำภาพยนตร์เรื่อง "Someone's America" ของ Paskalevich

เป็นที่น่าสังเกตว่าตลอดชีวิตของเธอนักแสดงหญิงไม่เคยให้เหตุผลที่จะสงสัยในชื่อเสียงของเธอ ยิ่งกว่านั้นเธอไม่อนุญาตให้นักข่าวและนักเขียนชีวประวัติเข้ามาในชีวิตของเธอ

หนึ่งในนักแสดงชาวฝรั่งเศสที่มีชื่อเสียงที่สุดในยุคของเราคือ Jean Gabin (ชื่อจริง Jean Alexis Moncorger) (2447-2519) เขาเกิดในครอบครัวของคนงานธรรมดาๆ และดูเหมือนว่าจะไม่มีอะไรคาดเดาชะตากรรมที่แตกต่างไปจากฌองได้ อย่างไรก็ตาม ในขณะที่ยังเป็นเด็กฝึกงานในไซต์ก่อสร้างและเป็นผู้ช่วยคนงานในโรงหล่อ เขาได้แสดงทักษะการแสดงที่โดดเด่น

ในปี 1923 Jean Gabin ได้เปิดตัวบนเวทีของโรงละคร Folies Bergère ในเมืองหลวงในฐานะพิเศษ สังเกตเห็นความสามารถและรูปลักษณ์ที่น่าดึงดูดของนักแสดงหนุ่มและในไม่ช้าเขาก็ได้รับคำเชิญให้เป็นนักแสดงในรายการวาไรตี้ หลังจากทำงานในประเภทละครเพลงมาหลายปี เขาก็ย้ายไปที่โรงละครโอเปเรตตา ในขณะเดียวกันก็กลายเป็นนักแสดงเพลงตลกในโรงละคร Vaudeville, Bouffe Parisienne และ Moulin Rouge

อย่างไรก็ตาม Jean Gabin ที่มีชื่อเสียงที่สุดมีบทบาทมากมายในภาพยนตร์ การเปิดตัวภาพยนตร์เรื่องนี้เกิดขึ้นในปี พ.ศ. 2474 ในภาพยนตร์เรื่อง The Great Illusion

ความสำเร็จของภาพยนตร์เรื่องนี้ทำให้ผู้กำกับหลายคนให้ความสนใจกับนักแสดงวัยยี่สิบเจ็ดปีซึ่งในไม่ช้าก็กลายเป็นหนึ่งในผู้ที่ได้รับเชิญมากที่สุด Jean Gabin มีบทบาทหลายอย่างในภาพยนตร์เช่น Quay of the Fog, Heavenly Thunder, At the Walls of Malapaga, Great Families, Powerful Ones, Prairie Street เป็นต้น

นักแสดงคนนี้เข้าสู่ประวัติศาสตร์ศิลปะการแสดงละครและภาพยนตร์ระดับโลกในฐานะผู้สร้างภาพลักษณ์ของบุคคลที่ซื่อสัตย์ต่อแนวคิดในอุดมคติของหน้าที่และความยุติธรรมสามารถปกป้องศักดิ์ศรีและความเป็นอิสระในการต่อสู้

ในปี 1949 หลังจากหยุดพักไปเกือบยี่สิบปี J. Gabin ก็กลับมาที่เวทีอีกครั้ง ที่โรงละคร Ambassador Theatre เขาแสดงบทบาทบนเวทีที่ดีที่สุดเรื่องหนึ่ง นั่นคือตัวละครหลักในบทละคร Thirst ของเบิร์นสไตน์

หลังจากสงครามโลกครั้งที่สองสิ้นสุดลง ไม่เพียงแต่ศิลปะบนเวทีของปารีสเท่านั้นที่พัฒนาขึ้น แต่ยังรวมถึงโรงละครประจำจังหวัดของฝรั่งเศสซึ่งจำศีลมาเป็นเวลานานด้วย

หลังจากเทศกาลนาฏศิลป์ฝรั่งเศสครั้งแรกในอาวิญงจัดขึ้นในปี พ.ศ. 2490 กิจกรรมของผู้ชมละครในเมืองต่างจังหวัดอื่นๆ ของฝรั่งเศสก็เข้มข้นขึ้น ในไม่ช้าใน Strasbourg, Le Havre, Toulouse, Reims, Saint-Etienne, Bourges, Grenoble, Marseille, Colmar, Lille และ Lyon คณะการแสดงถาวรก็เริ่มเปิดดำเนินการ ศูนย์ศิลปะการละครและ Houses of Culture ก็ปรากฏขึ้น

หลังจาก J. Vilar โรงละครประจำจังหวัดก็หันไปใช้ผลงานคลาสสิกในประเทศและต่างประเทศที่โดดเด่น โดยตีความผลงานชิ้นเอกคลาสสิกในรูปแบบใหม่ ผู้อำนวยการส่วนภูมิภาคได้นำเสนอการแสดงแก่ผู้ชมที่สอดคล้องกับจิตวิญญาณแห่งยุคสมัย

ดังนั้น ในขณะที่ยังคงรักษาเสียงที่เห็นอกเห็นใจของโศกนาฏกรรมฮอเรซของ Corneille ผู้กำกับ Hubert Ginho ของ Strasbourg ในการผลิตในปี 1963 ของเขามุ่งเน้นไปที่ผลที่ตามมาของการเชื่อฟังคำสั่งอย่างตาบอด

ในหลาย ๆ ครั้ง การผลิตละครของ Gogol, Chekhov, Gorky และ Arbuzov (ประวัติศาสตร์อีร์คุตสค์ใน Strasbourg ในปี 1964), Schwartz (มังกรใน Saint-Etienne ในปี 1968) และนักเขียนบทละครชาวรัสเซียคนอื่น ๆ ได้รับความนิยมอย่างมาก การแสดงละครตลกเสียดสีโดยนักเขียนในประเทศ - Dürrenmatt และ Frisch รับบทโดย O'Casey และ Bertolt Brecht สร้างความประทับใจให้กับผู้ชม

Roger Planchon (เกิดในปี 1931) ผู้กำกับมากความสามารถและผู้อำนวยการของ Théâtre de la Cite ใน Villeurbanne ได้ทิ้งร่องรอยที่เห็นได้ชัดเจนในประวัติศาสตร์ของโรงละครประจำจังหวัดของฝรั่งเศส ในฐานะผู้ชื่นชมผลงานของ B. Brecht และ J. B. Moliere เขาพยายามถ่ายทอดแนวคิดของนักเขียนเหล่านี้ให้กับผู้ชมจำนวนมาก

นวัตกรรมของผู้กำกับแสดงออกมาในการแสดงของเขาหลายครั้ง เช่น ในการผลิต "Schweik in the Second World War" โดย B. Brecht (1961) R. Planchon ใช้วงกลมที่หมุนตลอดเวลาซึ่งทำให้เขาบรรลุผลสำเร็จ เอฟเฟกต์: ในสถานที่ที่จำเป็นฮีโร่เข้าหาผู้ชมแล้วถอยห่างจากพวกเขา

เมื่อจัดแสดง "Tartuffe" ของMolière (1963) มีการใช้เทคนิคการขยายพื้นที่เวที เนื่องจากเหตุการณ์ที่คลี่คลายทำให้ตัวละครที่ดูเหมือนหิมะถล่มและคุกคาม

Planchon เชื่ออย่างถูกต้องว่าผู้กำกับต้องเป็นนักจิตวิทยาที่ละเอียดอ่อนซึ่งจะช่วยให้เขาเปิดเผย "สถานการณ์ทางสังคม" ได้อย่างเต็มที่เพื่อสำรวจสภาพแวดล้อมในช่วงเวลาหนึ่งทางประวัติศาสตร์และการเมือง

การกำหนดลักษณะเฉพาะของการเล่นอย่างถูกต้อง ผู้กำกับมุ่งความสนใจไปที่มัน ในระหว่างการฉายเรื่อง Georges Dandin (1959) ของ Moliere Planchon ทำให้ผู้ชมรู้สึกถึงสถานการณ์ที่น่าเศร้าที่ชาวนาผู้มั่งคั่งพบว่าตัวเองขาดการติดต่อกับโลกที่คุ้นเคยและไม่ได้รับการยอมรับในหมู่คนชั้นสูง

การแสดงที่กำกับโดยผู้กำกับจากผลงานละครชิ้นเอกของเขาเองนั้นประสบความสำเร็จอย่างไม่เคยมีมาก่อนกับผู้ชม ในหมู่พวกเขา ได้แก่ ละครเรื่อง "Debtors" (1962), "White Paw" (1965), "Dishonest" (1969) เป็นต้น การค้นพบความสนใจในรูปแบบละครและละครเวทีต่างๆ แผนชนยังคงพยายามค้นหาวิธีแก้ปัญหาในการผลิตของเขา ปัญหาเดียว - การวิจัยความขัดแย้งทางสังคมของชีวิตสมัยใหม่

เหตุผลนิยมที่เข้มงวดและการคำนวณที่แม่นยำ การตัดสินใจที่คาดไม่ถึง และจินตนาการที่ตรงไปตรงมา สิ่งเหล่านี้คือคุณลักษณะเฉพาะของสไตล์ของผู้กำกับ Roger Planchon คุณลักษณะเหล่านี้แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนที่สุดในขั้นตอนการจัดเตรียมนวนิยายของ A. Dumas père The Three Musketeers (1957) ฉากล้อเลียนและแดกดันจำนวนมากทำให้เรานึกถึงการผลิตของผู้กำกับชาวรัสเซียชื่อดัง Meyerhold และ Vakhtangov

Planchon เป็นที่รู้จักกันดีที่สุดจากการแสดงจากบทละครของนักเขียนร่วมสมัยชาวฝรั่งเศส สาวกของ Brecht - "Paolo Paoli" โดย Arthur Adamov (1957), "The Imaginary Life of a Street Sweeper Auguste Jay" โดย Armand Gatti (1962) และอื่นๆ

บทละครของ อ.กัตติ จัดแสดงโดย ร.พญ.พลชล เป็นการประสานกันของละครสองเรื่อง คือ “ละครแห่งความคิด” และ “ละครแห่งจินตนาการ” ปัจจุบันและอดีต ความจริง และความฝันสับสนในความคิดของ ผู้บาดเจ็บสาหัส ก่อนที่ผู้ชมจะไม่ปรากฏตัว แต่ออกัสต์หลายคนในวัยต่าง ๆ ในคราวเดียว - เด็กผู้ชาย, ชายหนุ่ม, ผู้ชาย ดังนั้นผู้กำกับจึงเน้นย้ำถึงความปรารถนาที่จะจับภาพฮีโร่ในช่วงชีวิตต่าง ๆ ของเขา

นอกจากเมืองหลวงและโรงละครประจำจังหวัดแล้ว ในช่วงหลังสงครามฝรั่งเศส โรงละครในเขตชานเมืองของกรุงปารีสก็ได้รับการพัฒนาขึ้น ซึ่งผู้นำของโรงละครได้ดำเนินการตามเป้าหมายในการทำให้สถาบันเหล่านี้เป็น "รัฐสภาแห่งความคิดทางสังคม" เวทีการแสดง, การศึกษาดั้งเดิม, มุ่งเน้นไปที่ชะตากรรมที่น่าเศร้าของทาส, ถูกจัดแสดงบนเวที

ดังนั้นบนเวทีของโรงละคร Nanterre จึงมีการแสดง "Running" (1971) ของ Bulgakov คณะ "Guild" สามารถแสดง "Macbeth" ของ Shakespeare (1965) ซึ่งเป็นละครของ Commune Theatre ใน Aubervilliers มาเป็นเวลานาน การแสดง "Optimistic Tragedy" โดย Vs. Vishnevsky (1961) และ The Star Turns Red โดย O'Casey (1962) ที่โรงละคร Gerard Philip ใน Saint-Denis ที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคือ "Spring-71" โดย A. Adamov

นอกจากนี้ละครของ A. Gatti เรื่อง The Stork และเรื่องตลกของ A. Adamov เรื่อง The Politics of Garbage, The Cherry Orchard โดย A.P. Chekhov และบทละครของ B. Brecht (The Threepenny Opera, Saint Joan slaughterhouses", "Dreams of Simone Machar")

ช่วงครึ่งหลังของทศวรรษที่ 1960 สถานการณ์ทางการเมืองที่ทวีความรุนแรงขึ้นทั่วโลก รวมทั้งในฝรั่งเศส กลายเป็นช่วงเวลาแห่งปฏิกิริยาในประวัติศาสตร์ของโรงละคร

ผู้กำกับละครชาวฝรั่งเศสหลายคนถูกบีบให้ลาออก Jean Vilar ทำสิ่งนี้ในปี 1963 และ Georges Wilson (เกิดปี 1921) กลายเป็นผู้สืบทอดตำแหน่งผู้อำนวยการ National People's Theatre

ด้วยความชื่นชอบการแสดงละครของเบรชต์และผู้ติดตามของเขา (กัตตี ดือเรนมัต ฯลฯ) อย่างกระตือรือร้น วิลสันจึงจัดแสดงบทละครที่ยอดเยี่ยมโดยนักเขียนเหล่านี้บนเวทีโรงละคร - เรื่อง "Mr. Puntila and his Servant Matti" ของเบรชต์ (พ.ศ. 2507) ), "Luther" ของออสบอร์น (1964), "Romulus the Great" โดย Dürrenmatt (1964), "เพลงของประชาชนหน้าเก้าอี้ไฟฟ้าสองตัว" โดย Gatti (1965), "Turandot หรือ Congress of Whitewashers" โดย Brecht (1971) และคนอื่น ๆ.

แม้จะมีการผลิตที่ประสบความสำเร็จหลายครั้ง แต่ National Folk Theatre ก็ค่อยๆสูญเสียความนิยมในอดีตไปบางส่วนเนื่องจากการละทิ้งระบบการสมัครสมาชิกสาธารณะที่ J. Vilar แนะนำ

ในปีพ.ศ. 2514 เมื่อโรงละครพื้นบ้านแห่งชาติยุติลง ความคิดของเขาก็ถูกครอบงำโดยเมืองนี้ โรงละครเทศบาลปารีส - "โรงละครเดอลาวิลล์" ซึ่งบริหารงานโดยฌอง เมอร์เคียว (เกิดในปี 2452) ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ละครที่หลากหลาย ซึ่งประกอบด้วยผลงานชิ้นเอกของละครคลาสสิกและสมัยใหม่ ดึงดูดผู้ชมจำนวนมากมาที่โรงละคร

การแสดงจำนวนมากโดย Robert Hossein (เกิดในปี 1927) กลายเป็นกระแสใหม่ในศิลปะการแสดงละครฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 20 ในปีพ. ศ. 2514 นักแสดงภาพยนตร์ยอดนิยมคนนี้ได้เป็นหัวหน้าโรงละคร People's Theatre of Reims; ด้วยการมีส่วนร่วมโดยตรงในโรงละคร Crime and Punishment ของ Dostoevsky, Romeo and Juliet ของ Shakespeare, House of Bernard Alba ของ Lorca, At the Bottom ของ Gorky และการแสดงที่สำคัญอื่น ๆ อีกมากมาย

ในความคิดของ Hossein ผู้ซึ่งเชื่อว่าโรงละครควรมีอิทธิพลต่อความรู้สึกของผู้ชม แนวคิดของ "การแสดงพื้นบ้านอันยิ่งใหญ่" ซึ่งเป็นวันหยุดพื้นบ้านประเภทหนึ่งจึงค่อยๆ พัฒนาขึ้น

การแสดง "Battleship Potemkin" ซึ่งจัดแสดงในปี 1975 ใน Sports Palace ของเมืองหลวงเป็นงานแรกที่ประสบความสำเร็จในทิศทางนี้ ตามมาด้วยการแสดงละครจากละครคลาสสิก - วิหารนอเทรอดาม (1978) และ Les Misérables (1980) โดยฮิวโก้ ซึ่งกระตุ้นความสนใจของสาธารณชนไม่น้อยไปกว่าการผลิตครั้งแรก

ในตอนท้ายของปี 1979 R. Hossein ได้นำเสนอผลงานใหม่ของเขาต่อผู้ชม - ละครประวัติศาสตร์ "Danton and Robespierre" (1979) และในปี 1983 รอบปฐมทัศน์ของละครเรื่อง "A Man Called Jesus" อิงจากเรื่องราวจาก พระคัมภีร์เกิดขึ้น

ผลงานของ R. Hossein ดึงดูดความสนใจไม่เพียงแค่ความยิ่งใหญ่และสีสันที่ตื่นตาตื่นใจเท่านั้น แต่ยังรวมถึงฉากขนาดใหญ่แบบไดนามิก เอฟเฟกต์แสงและเสียงที่ไม่ธรรมดา ตลอดจนความเรียบง่ายและการเข้าถึงของเนื้อหา

ปรากฏการณ์ที่โดดเด่นในชีวิตการแสดงละครของฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 20 คือ New National Theatre of Marseille ซึ่งจัดโดยผู้กำกับมากความสามารถ Marcel Marechal (เกิดในปี 1938) ซึ่งเป็นนักแสดงที่ยอดเยี่ยมเช่นกัน (เขาสร้างภาพที่สดใสของ Falstaff และ Tamerlane Scapin and Lear, Sganarelle และ Hamlet บนเวที)

ย้อนกลับไปในช่วงต้นทศวรรษที่ 1960 Marechal ได้จัดคณะละครขึ้นใน Lyon โดยใช้ชื่อว่า "Company du Cautourne" ความทะเยอทะยานในระบอบประชาธิปไตยของชุมชนการแสดงละครขั้นสูงไม่สามารถส่งผลกระทบต่อกิจกรรมของผู้อำนวยการจังหวัดที่มีความสามารถได้ สิ่งนี้แสดงออกในความปรารถนาของ Marechal ที่จะเปลี่ยนโรงละครของเขาให้กลายเป็น House of Pop Culture ซึ่งเข้าถึงได้สำหรับผู้ชมจำนวนมาก

ด้วยเชื่อว่าปัญหาหลักของศิลปะการแสดงคือการขาด "ความสมจริงเชิงกวี" Marcel Marechal จึงหาทางแก้ไขโดยใช้รูปแบบเวทีใหม่ที่ผู้ชมจำนวนมากเข้าถึงได้

ในงานของเขา เขามักจะหันไปใช้ประเด็นทางสังคมและการเมือง: ในปี 1971 เขาได้แสดงละครโดย Kateb Yasin นักเขียนบทละครชาวแอลจีเรีย เรื่อง The Man in Rubber Sandals ซึ่งอุทิศให้กับเหตุการณ์ในสงครามเวียดนาม

ในปีต่อมา การแสดงละครของ Brecht เรื่อง "Mr. Puntila and his Servant Matti" (1972) ถูกนำเสนอต่อผู้ชม ตามที่นักวิจารณ์ละครกล่าวว่าผู้กำกับสามารถสอนบทเรียนแก่สาธารณชนได้ "ด้วยวิธีที่ร่าเริงที่สุดในโลก - ในจังหวะของเรื่องตลกซึ่งเวทมนตร์และภูมิปัญญาชาวบ้านการเสียดสีที่ชั่วร้าย

ในบรรดาผลงานที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดของ M. Marechal ได้แก่ Moschetta ของ Ruzante (1968), Fracasse โดย T. Gauthier (1972), The Grail Theatre (1979) การผลิตหลายชั่วโมงเพื่ออุทิศแด่กษัตริย์อาเธอร์และอัศวินโต๊ะกลม สมควรได้รับความสนใจเป็นพิเศษ การแสดงเหล่านี้เป็นการผสมผสานระหว่างความเรียบง่ายและซับซ้อน ไร้เดียงสาและสุขุม ช่วงเวลาของเนื้อเพลงสูงในการแสดงนั้นมาพร้อมกับฉากตลกขบขัน ที่นี่อดีตมาบรรจบกับปัจจุบัน ทำให้คุณคิดถึงอนาคต

Maréchalพูดอย่างภาคภูมิใจว่าเขาสามารถ "รื้อฟื้นประเพณีการแสดงละครโดยฝังอยู่ในองค์ประกอบของเกมทั้งหมด นั่นคือการกลับไปสู่ประเพณีอันยิ่งใหญ่และโครงเรื่องของการละเล่นพื้นบ้าน"

ในปี พ.ศ. 2518 คณะ Maréchal ได้ย้ายไปที่ Maréchal ซึ่งเป็นเมืองที่ใหญ่เป็นอันดับสองของฝรั่งเศส และที่นี่ก็ได้มีโรงละครแห่งชาติแห่งใหม่ของ Marseille ซึ่งกลายมาเป็น ศูนย์ที่ใหญ่ที่สุดการต่อสู้เพื่อการแสดงละครพื้นบ้าน

เครื่องหมายที่เห็นได้ชัดเจนในประวัติศาสตร์ของโรงละครฝรั่งเศสสมัยใหม่ถูกทิ้งไว้โดยโรงละครสำหรับเยาวชน - เช่น Theatre Bule โดย Alain Scoff, Big Magic Circus โดย Jerome Savary เป็นต้น

ตัวแทนที่ดีที่สุดของผู้กำกับภาพยนตร์ชาวฝรั่งเศสรุ่นใหม่คือ Patrice Chereau และ Ariana Mnushkina ซึ่งมีการพัฒนาความคิดสร้างสรรค์ในการทำงาน

Patrice Chereau (เกิดในปี 1944) เลือกสภาวะวิกฤตของสังคมที่สร้างขึ้นจากการโกหก ความหน้าซื่อใจคด และความอยุติธรรมเป็นธีมหลักในการทำงานของเขา นักเขียนบทละครให้การวิเคราะห์เชิงลึกทางสังคมและประวัติศาสตร์เกี่ยวกับงานและเวลาในการเขียนในขณะเดียวกันก็พยายามคิดใหม่จากมุมมองของคนสมัยใหม่

นักวิจารณ์หลายคนเรียก P. Chereau ว่าทายาทของ Roger Planchon ความจริงก็คือในช่วงหลังซึ่งเป็นหัวหน้าของ National Folk Theatre ซึ่งเปิดใน Villeurbanne บนพื้นฐานของ Theatre de la Cité ได้เชิญผู้กำกับรุ่นเยาว์มาที่โรงละครของเขา ที่นี่ P. Chereau จัดแสดงครั้งแรกของเขา - "Soldiers" โดย Lenz (1967), "Don Giovanni" โดย Moliere (1969), "The Imaginary Maid" โดย Marivo (1971), "The Paris Massacre" โดย Marlo (1972)

ในปี 1982 Patrice Chereau ได้รับแต่งตั้งเป็นผู้อำนวยการของ Théâtre des Amandiers ซึ่งตั้งอยู่ในย่านชานเมืองนองแตร์ของปารีส กิจกรรมใหม่ของบุคคลนี้คือการศึกษาและการฝึกอบรมนักแสดงรุ่นเยาว์ในโรงเรียนการละครตลอดจนการจัดผลงานของสตูดิโอภาพยนตร์ที่เชี่ยวชาญในการเผยแพร่ภาพยนตร์สารคดี P. Shero ไม่ลืมเกี่ยวกับผลงานของผู้กำกับในโรงละครในปี 1980 เขาได้จัดแสดงละครเรื่อง "Battle of the Negro and Dogs" โดย B. M. Koltes, "Screens" โดย Genet

Ariana Mnushkina หัวหน้า Theatre of the Sun ดึงดูดความสนใจของผู้ชมซ้ำแล้วซ้ำเล่าด้วยผลงานการกำกับของเธอ ซึ่งรวมถึง Petty Bourgeois ของ Gorky (1966), Shakespeare's A Midsummer Night's Dream (1968), Clowns (1969) และอื่น ๆ สมควรได้รับ ความสนใจเป็นพิเศษ

เหตุการณ์สำคัญในชีวิตการแสดงละครของฝรั่งเศสคือการแสดง "1789" และ "1793" ซึ่งอุทิศให้กับการปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งใหญ่และจัดแสดงโดย A. Mnushkina ในปี 1971 และ 1973 ตามลำดับ Ariana กล่าวว่า "เราต้องการมองการปฏิวัติฝรั่งเศสผ่านสายตาของประชาชน" เพื่อแสดงบทบาทในเหตุการณ์นี้

ลักษณะเฉพาะของการแสดงคือการแนะนำการกระทำของฮีโร่กลุ่มผู้สร้างประวัติศาสตร์ - ชาวฝรั่งเศส นอกจากนี้ นักแสดงแต่ละคนเล่นหลายบทบาท มีสนามเด็กเล่น 5 แห่งซึ่งบังคับให้ผู้ชมย้ายจากเวทีหนึ่งไปยังอีกเวทีหนึ่ง เพื่อมีส่วนร่วมโดยตรงในการแสดง

เพลง การเต้นรำ และสัญลักษณ์แห่งยุคการปฏิวัติฝรั่งเศสพบการแสดงออกในผลงานการผลิตของ Mnushkina ยิ่งกว่านั้น เธอได้นำเอกสารทางประวัติศาสตร์มาใช้ในการเล่าเรื่อง ซึ่งกลายเป็นส่วนสำคัญของโครงเรื่อง การกระทำที่น่าดึงดูดใจด้วยพลังพิเศษและขนาดที่โดดเด่นมีทั้งความซับซ้อนและเรียบง่าย ความมีชีวิตชีวา อารมณ์ความรู้สึกที่ยอดเยี่ยม และในขณะเดียวกันความมุ่งมั่นที่ไม่ธรรมดาของเขาก็สามารถสร้างความประทับใจให้กับผู้ชมได้อย่างมาก

ผลงานชิ้นต่อไปของ A. Mnushkina ละครเรื่อง "The Golden Age" (1975) ซึ่งบอกเล่าเกี่ยวกับชีวิตของแรงงานอพยพในฝรั่งเศสเป็นความต่อเนื่องของรูปแบบการต่อสู้ทางสังคมโดยเริ่มจากการแสดงละคร

ในเวลาเดียวกัน ละครของ Theatre of the Sun ได้รวมเอาละครคลาสสิกจำนวนหนึ่งไว้ด้วย ดังนั้นในฤดูกาล 1981/1982 ทีมงานจึงนำเสนอ "Richard II" และ "Twelfth Night" ของเชกสเปียร์แก่ผู้ชม การแสดงเหล่านี้ซึ่งประสบความสำเร็จอย่างไม่เคยปรากฏมาก่อน ได้รับรางวัลอันทรงเกียรติสองรางวัล ได้แก่ รางวัล Dominique Prize สำหรับการแสดงที่ดีที่สุดแห่งปี และรางวัล Grand Prize of Drama Critics

ในช่วงต้นทศวรรษที่ 90 ของศตวรรษที่ XX โรงเรียนการละครได้ปรากฏตัวในโรงภาพยนตร์หลายแห่งในฝรั่งเศสเพื่อเตรียมนักแสดงรุ่นใหม่ ในหมู่พวกเขาที่มีชื่อเสียงที่สุดคือโรงเรียนของโรงละคร Chaillot, Theatre des Amandieu, โรงละครแห่งชาติแห่งใหม่ของ Marseille เป็นต้น

ในช่วงเวลาเดียวกัน ฝ่ายบริหารถูกแทนที่ในโรงละครในเมืองใหญ่หลายแห่ง จากนั้นฌอง ปิแอร์ วินเซนต์ก็กลายเป็นผู้ดูแลทั่วไปของ Comédie Francaise, ฌอง ปิแอร์ มิเกลกลายเป็นหัวหน้าของ Paris Conservatory of Dramatic Art และอองตวน วิเตซ ซึ่งเคยกำกับมาก่อน ของโรงละครชานเมืองในกรุงปารีส

ปัจจุบันศิลปะการแสดงละครกำลังเฟื่องฟูในฝรั่งเศส นอกเหนือจากปรมาจารย์ด้านการกำกับที่เก่าแก่และมีชื่อเสียงแล้ว ผู้กำกับรุ่นเยาว์ยังทำงานอย่างแข็งขันในโรงละครในเมืองหลวงและต่างจังหวัด โดยมุ่งมั่นที่จะนำสิ่งใหม่ๆ มาสู่ศิลปะการแสดง ดาวอายุน้อยยังปรากฏบนท้องฟ้าการแสดง ในละครของโรงละครฝรั่งเศสส่วนใหญ่ ละครคลาสสิกในประเทศและต่างประเทศอยู่ร่วมกันอย่างสันติกับบทละครของนักเขียนรุ่นใหม่ที่มีพรสวรรค์

ข้อความทั้งหมดของบทคัดย่อวิทยานิพนธ์ ในหัวข้อ "รูปแบบใหม่และประเภทของโรงละครในฝรั่งเศสในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20"

เป็นต้นฉบับ

Kuzovchikova Tatyana Igorevna

รูปแบบใหม่และประเภทของโรงละครในฝรั่งเศสในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20

พิเศษ 17.00.01 - ศิลปะการแสดงละคร

วิทยานิพนธ์สำหรับผู้สมัครระดับประวัติศาสตร์ศิลปะ

เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก 2014

งานนี้ทำที่ Department of Foreign Art of the Federal State Budgetary สถาบันการศึกษาการศึกษาระดับมืออาชีพที่สูงขึ้น "สถาบันศิลปะการละครแห่งเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก"

ที่ปรึกษาด้านวิทยาศาสตร์: ศิลปศาสตรดุษฎีบัณฑิต, ศาสตราจารย์ Maksimov Vadim Igorevich

คู่ต่อสู้อย่างเป็นทางการ:

Gracheva Larisa Vyacheslavovna, ศิลปศาสตรดุษฎีบัณฑิต, ศาสตราจารย์, รองศาสตราจารย์ของแผนกการแสดงของสถาบันศิลปะการละครแห่งเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

Semenova Marianna Borisovna ผู้สมัครประวัติศาสตร์ศิลปะ รองศาสตราจารย์รักษาการภาควิชานิเวศวิทยา การเมือง และกฎหมายบอลติก (BIEPP)

นำองค์กร:

สถาบันวิจัยงบประมาณของรัฐบาลกลาง "สถาบันศิลปะศึกษาของรัฐ"

Dissertation Council D 210.017.01 ที่ St. Petersburg State Academy of Theatre Arts ตามที่อยู่: 191028, St. Petersburg, Mokhovaya st., 35, room 512

วิทยานิพนธ์สามารถพบได้ในห้องสมุดของ St. Petersburg State Academy of Theatre Arts (Mokhovaya st., 34) บทคัดย่อถูกส่งออกไปในปี 2014

เลขานุการวิทยาศาสตร์

วิทยานิพนธ์สภา ^

ผู้สมัครวิจารณ์ศิลปะ Nekrasova Inna Anatolyevna

ช่วงเปลี่ยนผ่านของศตวรรษที่ 19-20 ในฝรั่งเศสเป็นช่วงเวลาแห่งสุนทรียศาสตร์ผสมผสาน ซึ่งแสดงออกมาในการเผชิญหน้ากันของกระแสศิลปะที่แตกต่างกันซึ่งเกิดขึ้นเกือบจะพร้อมๆ กัน ในการโต้เถียงกับประเพณีทางวิชาการและการค้า สุนทรียศาสตร์ของธรรมชาตินิยม สัญลักษณ์ นีโอโรแมนติก และความทันสมัยกำลังก่อตัวขึ้นในโรงละคร ตามเนื้อผ้า ช่วงเวลานี้มักจะถูกพิจารณาว่าเป็นช่วงเวลาของการก่อตัวของโรงละครของผู้กำกับ ซึ่งอ้างว่าตัวเองขนานกันในทิศทางศิลปะหลักสองแห่งในยุคนั้น นั่นคือธรรมชาตินิยมและสัญลักษณ์ การแสดงละครของ Andre Antoine, Paul Faure, Aurélien-Marie Lugnier-Pau การมีส่วนร่วมของพวกเขาในการพัฒนาโรงละครโลกในปัจจุบันได้รับการศึกษาอย่างละเอียดโดยการศึกษาการละครทั้งในและต่างประเทศ

ความเข้าใจในการแสดงโดยภาพรวมของศิลปะนำมาซึ่งแนวคิดต่างๆ เช่น บรรยากาศ เอกภาพทางโวหาร กวีนิพนธ์ของผู้เขียน รูปทรง ความปรารถนาในความเป็นธรรมชาติความจริงของชีวิตนั้นตรงกันข้ามกับโรงละครเชิงเปรียบเทียบที่มีเงื่อนไข แต่โดยทั่วไปแล้วฉากการทดลองที่สำคัญทั้งหมด - ทั้ง Libre Theatre และ Theatre d "Ar และ Evre Theatre มีเป้าหมายเพื่อเอาชนะรูปแบบการแสดงละคร ประเพณีของโรงละครแห่งศตวรรษที่ 19 ความต้องการดังกล่าวในหลาย ๆ ด้านเกิดจากการเกิดขึ้นของ "ละครใหม่" ซึ่งปฏิเสธชุดเหตุการณ์ภายนอก (แนวคิดของ "โรงละครคงที่" โดย M. Maeterlinck) ความเข้าใจตามปกติของฮีโร่และความขัดแย้งที่น่าทึ่ง จำเป็นต้องมีความเข้าใจของผู้กำกับ และสร้างความต้องการใหม่ให้กับโรงละคร

ในเวลาเดียวกันในฝรั่งเศสมีวัฒนธรรมการแสดงละครที่สำคัญอีกชั้นหนึ่งซึ่งเสนอรูปแบบทางเลือกในการแก้ปัญหาเดียวกัน ในปี พ.ศ. 2437 นักวิจารณ์ A. Aderé เรียกปรากฏการณ์นี้ว่า "le théâtre à côté"1 ซึ่งแปลได้ว่า "โรงละครข้างบ้าน" หรือ "โรงละครข้างถนน" ผู้เขียนไม่ได้ตั้งเป้าหมายเพื่อกำหนดบทบาทของปรากฏการณ์นี้หรือปรากฏการณ์นั้น และถือว่า "โรงละครริมถนน" เป็นสภาพแวดล้อมของมือสมัครเล่นซึ่งเป็นเวทีชั่วคราวระหว่างทางไป

1 Aderer A. Le Théâtre à côté. ปารีส 2437

โลกของมืออาชีพ อย่างไรก็ตาม ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20 “โรงละครข้างถนน” ได้ก้าวข้ามคำจำกัดความของ Adére และพัฒนาเป็นปรากฏการณ์ทางศิลปะที่เป็นอิสระ ซึ่งการผสมผสานสุนทรียศาสตร์ในช่วงเวลานี้แสดงออกในความสัมพันธ์ที่ใกล้ชิดของศิลปะที่แตกต่างกัน แนวคิด ที่นี่ การผสมผสานและความคล้ายคลึงกันของการค้นหาเชิงสร้างสรรค์ที่เกี่ยวข้องกับการพัฒนาโรงละครของผู้กำกับและมุ่งเป้าไปที่การคิดใหม่เกี่ยวกับแนวคิดของการแสดงละครนั้นชัดเจน ในวิทยานิพนธ์นี้ “โรงละครริมทาง” ถือเป็นชุดของรูปแบบและประเภทใหม่ที่เกิดขึ้นจากการทดลองสมัครเล่นและการริเริ่มส่วนตัว และมีรูปแบบการแสดงละครใหม่ที่คิดใหม่เกี่ยวกับหลักการของละคร การมีอยู่ของนักแสดง และการออกแบบ ของการแสดง ในหมู่พวกเขามีปรากฏการณ์ที่เท่าเทียมกันสี่ประการที่โดดเด่น: คาบาเร่ต์, โรงละครเงา, โรงละครหุ่นกระบอกและ "โรงละครสยองขวัญ" Grand Guignol

วัฒนธรรมการละครทางเลือกของ Belle époque (Belle époque, Belle Epoque) กลายเป็นปฏิกิริยาต่อความหลากหลายของพวกเขาโดยไม่ยึดติดกับการเคลื่อนไหวทางศิลปะ มีส่วนทำให้ประเภทและขอบเขตเฉพาะเปลี่ยนไป โรงละครหุ่นกระบอก โรงละครเงา โรงละครหน้ากาก คาเฟ่-คอนเสิร์ต และวัฒนธรรมความบันเทิงจำนวนมากล้วนมีประวัติศาสตร์อันยาวนานหลายศตวรรษหรือมีภูมิหลังอันลึกซึ้งในปรากฏการณ์ที่คล้ายคลึงกันในอดีตอยู่แล้ว พัฒนาแยกกันเสมอภายใต้ร่มเงาของโรงละครในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20 พวกเขามีสิทธิเท่าเทียมกันเป็นคนแรกที่ตอบสนองต่อความเป็นจริงของเวลาและมีปฏิสัมพันธ์กันอย่างง่ายดายแก้ปัญหา ของภาษาละครในศตวรรษที่ 20 การทดลองของพวกเขาในด้านการแสดงละครแนวใหม่ แนวใหม่ วิธีการแสดงออกแบบใหม่ และวิธีการสร้างภาพบนเวทีแบบใหม่ (หน้ากาก เงา หุ่นเชิด อุปกรณ์ที่เป็นธรรมชาติ) ได้ขยายและปรับเปลี่ยนพื้นฐานทางสุนทรียศาสตร์ของการแสดงละครแบบธรรมชาตินิยม สัญลักษณ์ และความทันสมัย

แม้ว่าวิทยาศาสตร์ตะวันตกจะมีความสนใจเพิ่มขึ้นในรูปแบบการแสดงละครบางประเภทและประเภทของเบลล์เอป็อก แต่ก็ไม่เคยมี

พิจารณาร่วมกันเป็นส่วนประกอบของกระบวนการทางศิลปะเดียว ซึ่งเกี่ยวข้องกับแนวโน้มเดียวกันกับการก่อตัวของโรงละครของผู้กำกับ เริ่มต้นด้วยการแสดงคาบาเรต์ซึ่งมีความหมายเหมือนกันกับเสรีภาพในการสร้างสรรค์และกองกำลังที่เป็นปฏิปักษ์คืนดีกันภายใต้หลังคา กระบวนการนี้จบลงด้วยชัยชนะของ "le théâtre de spécialité" (ตามตัวอักษร: โรงละครที่มีความเชี่ยวชาญเฉพาะด้าน กล่าวคือ โรงละครที่มุ่งเน้นไปที่ ความต้องการเฉพาะของสาธารณชน คำนี้เสนอโดย Agnès Pierron นักวิจัยด้านวัฒนธรรมการละครในยุคนี้1 การก่อตัวของอุตสาหกรรมศิลปะ (ในชุดนี้ เช่น โครงการที่ประสบความสำเร็จในเชิงพาณิชย์ เช่น มูแลงรูจ) ผู้สร้างคาบาเรต์ในตอนแรกมุ่งเน้นไปที่ผู้ชมจำนวนมาก: ในขณะที่การแสดงของนักธรรมชาติวิทยาและนักสัญลักษณ์ทำให้คนธรรมดาตกตะลึง คาบาเร่ต์ได้เสนอภาพลวงตาของการประนีประนอมให้เขา ความรู้สึกว่าเขาถูกจีบ - โดยการบังคับให้เขาเข้าสู่ การแสดงละครใหม่ทำให้เขาคุ้นเคยกับสถานการณ์ที่เสนอใหม่ การค้นพบที่เกิดขึ้นใน "โรงละครริมถนน" ในหลาย ๆ ด้านได้เตรียมพื้นฐานทางสุนทรียะสำหรับแนวหน้าของศตวรรษที่ 20; ควบคู่ไปกับสิ่งนี้ รากฐานของอุตสาหกรรมวัฒนธรรมมวลชนถูกวางที่นี่

วัตถุประสงค์ของการวิจัยดุษฎีนิพนธ์คือการเปิดเผยรูปแบบของการเกิดขึ้นของรูปแบบใหม่และประเภทของโรงละครในฝรั่งเศสในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20 เพื่อแสดงให้เห็นความธรรมดาของการค้นหาทางศิลปะ นวัตกรรมพื้นฐานในบริบทของ การเปลี่ยนแปลงทางสังคมและวัฒนธรรมในช่วงเวลานี้

วัตถุประสงค์ของการศึกษารวมถึงการศึกษากระบวนการแสดงละคร "ทางเลือก" ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20 ความสัมพันธ์ของรูปแบบใหม่และแนวเพลงกับการค้นพบโรงละครของผู้กำกับ การสาธิตการค้นหาวิธีแก้ปัญหาการแสดงละครใหม่ผ่านคาบาเรต์เฉพาะและ "ละครสยองขวัญ" ผ่านลักษณะเชิงเปรียบเทียบของละครเงาและละครหุ่นกระบอก การกำหนดบทบาทของปรากฏการณ์เหล่านี้ในวิวัฒนาการของภาษาบนเวที การมีส่วนร่วมโดยรวมต่อการพัฒนาศิลปะการแสดงละครในศตวรรษที่ 20

1 Cm.: Pierron A. Préface // Pierron A. Le Grand Guignol: Le Théâtre des peurs de la Belle époque. ปารีส 2538 P.X.

การศึกษาที่ครอบคลุมเกี่ยวกับรูปแบบการแสดงละคร "ทางเลือก" ที่เกิดขึ้นในฝรั่งเศสในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20 และนอกเหนือไปจากการแสดงละครธรรมชาติและสัญลักษณ์การแสดงละคร ความสัมพันธ์กับกระบวนการแสดงละครทั่วไปและการกำหนดสถานที่ของพวกเขาในนั้น ครั้งแรกและถือเป็นความแปลกใหม่ทางวิทยาศาสตร์ของผลงาน เอกสารและวัสดุส่วนใหญ่ที่ใช้ในการสร้างปรากฏการณ์ที่นำเสนอใหม่ไม่เคยเกี่ยวข้องกับการศึกษาการละครในประเทศมาก่อน การแสดงและบทละครมากมายบรรยายและวิเคราะห์เป็นภาษารัสเซียเป็นครั้งแรก

การศึกษารูปแบบและประเภทของละครใหม่ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20 ในบริบทของการก่อตั้งโรงละครของผู้กำกับดูเหมือนจะมีความเกี่ยวข้องในแง่ของกระบวนการที่คล้ายคลึงกันซึ่งเกิดขึ้นในโรงละครของต้นศตวรรษที่ 21 ซึ่งมีลักษณะเฉพาะเช่นกัน ด้วยการก้าวข้ามขอบเขตดั้งเดิมของพื้นที่เวที ความปรารถนาที่จะสังเคราะห์รูปแบบการแสดงละคร (หุ่นกระบอก หน้ากาก เงา วัตถุ) การเรียนรู้ประสบการณ์ของศิลปะที่เกี่ยวข้อง การค้นพบมากมายเมื่อกว่าศตวรรษก่อนได้ถูกลบออกจากความทรงจำทางประวัติศาสตร์ กลับสู่รากเหง้าการศึกษาประสบการณ์ของศตวรรษที่ผ่านมาช่วยให้คุณสามารถพิจารณารูปแบบการพัฒนาศิลปะการแสดงละครใหม่ได้ซึ่งมีส่วนช่วยในการคิดใหม่เกี่ยวกับการทดลองการแสดงละครในปัจจุบัน

เป้าหมายของการศึกษาคือโรงละครฝรั่งเศสในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20

หัวข้อการวิจัยคือรูปแบบ "ทางเลือก" และประเภทของโรงละครในฝรั่งเศส (คาบาเรต์ โรงละครเงา โรงละครหุ่นกระบอก "โรงละครสยองขวัญ") ในบริบทของวิวัฒนาการการแสดงละครในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20 การเปลี่ยนไปสู่ โรงละครของผู้กำกับ

เอกสารการวิจัยคือ:

สิ่งพิมพ์ทางทฤษฎีและแถลงการณ์ของบุคคลสำคัญทางการละครของฝรั่งเศสในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20;

บทละครและสคริปต์สำหรับการแสดง (Sha Noir, Petit Theatre de Marionette, Grand Guignol) ไม่เคยแปลเป็นภาษารัสเซียมาก่อน

บทวิจารณ์ บทวิจารณ์ ความทรงจำของผู้ร่วมสมัย;

เอกสารทางประวัติศาสตร์และละครต่างๆ ในยุคนั้น โปสเตอร์ วัสดุเชิงสัญลักษณ์

วิธีการวิจัยขึ้นอยู่กับหลักการของการวิเคราะห์และคำอธิบายของปรากฏการณ์การแสดงละครที่พัฒนาโดยโรงเรียนการศึกษาการละครเลนินกราด - ปีเตอร์สเบิร์ก เชื่อมโยงปรากฏการณ์นี้เข้ากับบริบททางประวัติศาสตร์และสังคมวัฒนธรรม โดยกำหนดสถานที่ในกระบวนการแสดงละครทั่วไป

พื้นฐานทางทฤษฎีของการศึกษาคือ: ทันสมัย ผลงานทางวิทยาศาสตร์เกี่ยวกับธรรมชาติของโรงละครและประเภทของระบบการแสดงละคร - Yu.M. บาร์บอย V.I. มักซิโมวา1; งานพื้นฐานของผู้เชี่ยวชาญในประเทศและต่างประเทศที่อุทิศให้กับปัญหาการกำกับและโรงละครในยุโรปตะวันตก (โดยเฉพาะฝรั่งเศส) ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20 (L.I. Gitelman, T.I. Bachelis, V.I. Maksimov2; D. Knowles, J. Robichet , ง. Bable3); งานวิจัยที่เกี่ยวข้อง มนุษยศาสตร์สุนทรียศาสตร์และทฤษฎีศิลปะฝรั่งเศสในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20 (Ch. Rerik, R. Shattak4; V.I. Bozhovich, V.I. Razdolskaya5); ผลงานของนักวิจารณ์ศิลปะในประเทศและต่างประเทศในประเด็นทั่วไปของศิลปะยุโรปตะวันตกในยุคที่ศึกษา

1 บาร์บอย ยู.เอ็ม. ไปจนถึงทฤษฎีละครเวที เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก 2551; ความรู้เบื้องต้นเกี่ยวกับการศึกษาด้านการละคร / คอมพ์ และตอบสนอง เอ็ด ยูเอ็ม บาร์บอย. เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก 2554; มักซิมอฟ V.I. อายุของ Antonin Artaud สพป., 2548.

2 ปริญญาตรี T.I. เช็คสเปียร์และเครก ม., 2526; กิเทลแมน แอล.ไอ. คลาสสิกรัสเซียบนเวทีฝรั่งเศส ล., 2521; กิเทลแมน แอล.ไอ. การค้นหาอุดมการณ์และความคิดสร้างสรรค์ของผู้กำกับชาวฝรั่งเศสในศตวรรษที่ XX ล., 2531; ศิลปะการกำกับในต่างประเทศ: (ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20): ผู้อ่าน เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก 2547; สัญลักษณ์ของฝรั่งเศส การละครและการละคร / Comp., รายการ. ศิลปะ. ความคิดเห็น. ในและ มักซิมอฟ สพป., 2543.

3 Knowles D. La Reaction idéaliste au théâtre depuis 1890. Paris, 1934; Robichez J. Le Symbolisme au théâtre: Lugné-Poe et les débuts de l "OEuvre. Paris, 1957; Bablet D. La Mise en scène contemporaine: (1887-1917). Paris, 1968.

4 เรียริก ช. ความสุขของ Belle Epoque นิวเฮเวน; ลอนดอน 2528; Shattuck R. Les primitifs de l "Avant-garde: (Henri Rousseau, Erik Satie, Alfred Jarry, Guillaume Apollinaire) (ปีจัดเลี้ยง) ปารีส 2517

5 โบโซวิช V.I. ประเพณีและปฏิสัมพันธ์ของศิลปะ: (ฝรั่งเศส ปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20) ม., 2530; ราซโดลสกายา V.I. ศิลปะของฝรั่งเศสในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 แอล., 2524.

6 อาร์ตนูโว: (2433-2457). ลอนดอน 2543; German M. Modernism: (ศิลปะในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20) เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก 2551; คิริเชนโก I.E. ทันสมัย. สำหรับคำถามเกี่ยวกับต้นกำเนิดและประเภท // ประวัติศาสตร์ศิลปะโซเวียต "78. ฉบับที่ 1. M. , 1979. S. 249-283; Sarabyanov D.V. Modern: History of style. M. , 2001

วรรณกรรมในเรื่องสามารถแบ่งออกได้เป็นสี่กลุ่มตามปรากฏการณ์ทั้งสี่ที่พิจารณา ได้แก่ 1) การแสดงคาบาเร่ต์ 2) โรงละครเงา 3) โรงละครหุ่นกระบอก 4) แกรนด์ กีญอล

1. ตามกฎแล้วในวิทยาศาสตร์รัสเซีย การแสดงคาบาเรต์ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20 หมายถึงปรากฏการณ์ของศิลปะที่หลากหลาย1 ซึ่งเป็นเรื่องจริงอย่างแน่นอนในบริบทของวิวัฒนาการทางสุนทรียศาสตร์ คาบาเรต์ซึ่งกวาดไปทั่วทั้งยุโรปเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 ไม่หยุดที่จะกระตุ้นความสนใจในหมู่นักวิจัยชาวตะวันตก อย่างไรก็ตาม การศึกษาส่วนใหญ่เป็นปรากฏการณ์ทางวัฒนธรรม2 สถานที่พิเศษมอบให้กับคาบาเร่ต์ Sha Noir3 (แมวดำ) ซึ่งเป็นคาบาเร่ต์ศิลปะแห่งแรกในปารีสซึ่งคนรุ่นเดียวกันมองว่าเป็นแบบอย่าง

การพิจารณาคาบาเรต์เป็นรูปแบบใหม่ของการแสดงละครได้รับการเสนอครั้งแรกโดย M.M. Bonch-Tomashevsky ในบทความปี 1913 ของเขาเรื่อง "The Theatre of Parody and Grimace"4 ซึ่งเขาได้กำหนดหลักการพื้นฐานของการแสดงคาบาเรต์ ซึ่งต่อมาโรงละครของผู้กำกับก็นำมาใช้ ในหมู่พวกเขา: การกำจัดทางลาดของเวที, หลักการของบรรยากาศของปรากฏการณ์, การเปิดตัวของการกระทำในห้องโถง, การแสดงสดและพิสดารเป็นส่วนประกอบของรูปแบบการแสดง, "ความเป็นสากล" ของนักแสดง, การสร้าง หน้ากากเป็นเงื่อนไขที่จำเป็นสำหรับการดำรงอยู่บนเวที การปฏิเสธและการเยาะเย้ยเป็นพื้นฐานของธรรมชาติที่สร้างสรรค์ของคาบาเร่ต์

เอ็น.เค. Petrova 1985 "ศิลปะการแสดงละครของ Montmartre (การก่อตัวของโรงละครในรูปแบบขนาดเล็ก

1 ยูวาโรว่า อี.ดี. โรงละครวาไรตี้: เพชรประดับ, บทวิจารณ์, ห้องโถงดนตรี (พ.ศ. 2460-2488) ม., 2526; Klitin S.S. ประวัติศิลปะการแสดงบนเวที. สพป., 2551.

2 Astre A. Les cabarets littéraires et artistiques // Les spectacles a travers les ages: (Théâtre. Cirque. Music-Hall. Café-concerts. Cabarets artistiques). ปารีส, ส. ที. ๑. ป. ๓๒๗-๓๖๔.; เรียริก ช. ความสุขของ Belle Epoque; Montmartre และการสร้างวัฒนธรรมมวลชน นิวบรันสวิก; นิวเจอร์ซี; ลอนดอน 2544; แอปปิกาเนซี เจไอ. คาบาเร่ต์. ม., 2553.

3 เลอ ชาต์ นัวร์: (พ.ศ. 2424-2440). Les dossiers du Musée d "Orsay. Paris, 1992; Fields A. Le Chat Noir: (A Montmartre Cabaret and Its Artists in Tum-of-the-Century Paris). ซานตา บาร์บารา, 1993; Oberthür M. Le cabaret du Chat Noir à Montmartre (1881-1897), Genève, 2007

4 บองช์-โทมาเชฟสกี้ M.M. ละครล้อเลียนและหน้าตาบูดบึ้ง (คาบาเร่ต์) // หน้ากาก. พ.ศ.2455-2456. หมายเลข 5 หน้า 20-38.

ในฝรั่งเศส วัฒนธรรมการละครปลายศตวรรษที่ 19) คาบาเร่ต์ศิลปะ (ในตัวอย่างของ Cha Noir), ศิลปะของ Montmartre chansonniers, โรงละคร "ที่เกิดขึ้นเอง" ของปลายศตวรรษที่ 19 (ผู้เขียนอ้างถึงลูกบอลของ Montmartre เช่น Moulin de la Galette) นำเสนอแยกกัน บท เอ็น.เค. Petrova สำรวจไม่เพียง แต่คาบาเร่ต์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงความเป็นจริงของ Montmartre โดยทั่วไปด้วย ถือว่าเป็นภาพสะท้อนของการเปลี่ยนแปลงทางสังคมและวัฒนธรรมและเป็นผลมาจากการแสดงละครของลักษณะชีวิตในยุคนั้น แม้จะมีคุณค่าที่ปฏิเสธไม่ได้ของการศึกษา (คำอธิบายของยุค, ความหลากหลายของปรากฏการณ์ที่นำเสนอ, ความแปลกใหม่ของเนื้อหา) ข้อความมีลักษณะที่ค่อนข้างเป็นนามธรรมมากมาย เหตุการณ์ที่น่าตื่นเต้นแต่ละครั้งเกิดจากโรงละครและการแสดงแต่ละครั้ง - เพื่อการแสดงซึ่งไม่สมเหตุสมผลและไม่ได้บันทึกไว้เสมอ ประการแรก เรื่องนี้เกี่ยวกับคำอธิบายการแสดงของ Sha Noir2

เอกสารที่ไม่เหมือนใครในประเภทนี้คือเอกสารของ Harold Segel เกี่ยวกับประวัติของคาบาเร่ต์ 3 ซึ่งครอบคลุมเนื้อหาทั้งหมด วัฒนธรรมยุโรปคาบาเร่ต์และแสดงให้เห็นถึงการเปลี่ยนแปลงของการพัฒนา ในคำนำที่สรุปการก่อตัวของคาบาเร่ต์ ผู้เขียนตรวจสอบปฏิสัมพันธ์กับโรงละคร ทำให้ได้ข้อสรุปพื้นฐานว่าคาบาเร่ต์ได้กำหนดสิทธิของ "ศิลปะในรูปแบบขนาดเล็ก" โดยที่ Segel เข้าใจ "ศิลปะที่ประกอบด้วยประเภทที่ ตามธรรมเนียมแล้วมักถูกมองว่าเป็นเรื่องรองหรือไม่สำคัญเมื่อเทียบกับวัฒนธรรมชั้นสูง"4 (ในหมู่พวกเขา - เพลง การล้อเลียน ละครหุ่นกระบอก ฯลฯ)

2. เนื่องจากความจริงที่ว่ามีโรงละครเงาเป็นเวลาสิบปีใน Cha Noir มันจึงโดดเด่นในวัฒนธรรมของคาบาเรต์ฝรั่งเศส ในการวิจัยทั่วไปเกี่ยวกับ Sha Noir ละครเงาถือเป็นหนึ่งเดียว

1 เปโตรวา เอ็น.เค. ศิลปะการละครแห่งมงต์มาตร์ (การก่อตัวของโรงละครขนาดเล็กใน

วัฒนธรรมฝรั่งเศสในปลายศตวรรษที่ 19) โรค ...แคนด์ ประวัติศาสตร์ศิลปะ. M. , 1985. ดู: อ้างแล้ว. หน้า 22-32.

3 ซีเกล เอช.บี. คาบาเร่ต์แห่งศตวรรษ: (ปารีส, บาร์เซโลนา, เบอร์ลิน, มิวนิก, เวียนนา, คราโคว, มอสโก, เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, ซูริค) นิวยอร์ก 2530

4 อิบีเด็ม. ป.16

จากส่วนประกอบของคาบาเรต์ พวกเขาไม่ได้วิเคราะห์คุณสมบัติทางเทคนิคของโรงละคร ซึ่งเป็นความแตกต่างพื้นฐานจากประเพณีก่อนหน้านี้ ในทางตรงกันข้าม ในงานเฉพาะทางเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ของโรงละครเงา1 ซึ่ง Cha Noir อุทิศให้กับบทที่แยกจากกัน ความสนใจหลักจะจ่ายให้กับเทคโนโลยี ซึ่งสัมพันธ์กับประเพณีของโรงละครเงาตะวันออกและยุโรป สิ่งนี้ไม่ได้คำนึงถึงบริบททางวัฒนธรรมของยุคสมัย ความเป็นเอกเทศของการแสดงคาบาเร่ต์ ไม่ได้ประเมินคุณค่าทางศิลปะที่เป็นอิสระของการแสดงหนังตะลุง

ข้อยกเว้นคือเอกสารของ Paul Jeanne2 ผู้ร่วมสมัยกับ Cha Noir ซึ่งเสนอการจัดประเภทของละครเงาโดยพิจารณาว่าเป็นส่วนหนึ่งของวัฒนธรรมการแสดงคาบาเรต์ บทวิจารณ์โดยละเอียดโดยนักวิจารณ์ Jules Lemaitre3 บทวิจารณ์และบันทึกความทรงจำของผู้ร่วมสมัย ข้อความในโปสเตอร์ วัสดุเชิงสัญลักษณ์ทำให้สามารถสร้างการแสดงแสงเงาขึ้นมาใหม่ได้ เพื่อเชื่อมโยงกับสุนทรียภาพของสัญลักษณ์และความทันสมัย

3. การทดลองกับโรงละครหุ่นกระบอกในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20 ตกอยู่ในวงล้อมของความสนใจทางวิทยาศาสตร์ของนักวิจัยต่างชาติเมื่อไม่นานมานี้ 4; ในการศึกษาการละครของรัสเซียพวกเขายังคงเพิกเฉย หุ่นเชิดเป็นเครื่องมือในการดำเนินการตามแนวคิดการแสดงละครใหม่ที่มีผลกระทบโดยตรงต่อแนวคิดของโรงละครที่ไม่มีตัวตนได้รับการพิจารณาในเอกสารของ Didier Plassard ซึ่งอุทิศให้กับนักแสดงในระบบศิลปะสมัยใหม่ของศตวรรษที่ 205 และในวิทยานิพนธ์ ของ Helene Beauchamp6 ซึ่ง

1 Bordât D., Boucrot F. Les théâtres d "ombres: Histoire et เทคนิค Paris, 1956; Blackham O.

หุ่นเงา. ลอนดอน 2503; Cook O. การเคลื่อนไหวในสองมิติ: (การศึกษาภาพเคลื่อนไหวและภาพที่ฉายซึ่งนำหน้ามิติของภาพยนตร์) ลอนดอน 2506 1 Jeanne P. Les théâtres d "ombres à Montmartre de 1887 à 1923: (Chat Noir, Quat" z "arts, Lune Rousse). Paris, 1937.

3 ดูตัวอย่าง: Lemaitre J. Le Chat Noir // Lemaitre J. Impressions de théâtre. ปารีส 2431 ชุด 2-ème ป. 319-343; Lemaitre J. Le Chat Noir//Lemaitre J. Impressions de theatre. ปารีส พ.ศ. 2434 ซีรีส์ 5-ème ป.347-354.

5 Plassard D. L "acteur en effigie. โลซานน์, 1992.

6 Beauchamp H. La marionette, มโนธรรมวิพากษ์และlabouratoire du théâtre. การใช้ théorique et scénique de la marionnette entre les années 1890 et les années 1930 (เบลเยียม, Espagne, ฝรั่งเศส) ปริญญาดุษฎีบัณฑิตเหล่านี้เปรียบเทียบกัน ปารีส IV - ซอร์บอนน์ 2550.

ศึกษาโรงละครหุ่นกระบอกในฝรั่งเศส เบลเยียม และสเปนในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20 เพื่อเป็นห้องปฏิบัติการสร้างสรรค์สำหรับการทดลองการแสดงละคร โครงสร้างของวิทยานิพนธ์ของ Beauchamp สร้างขึ้นเพื่อให้ปรากฏการณ์เดียวกันปรากฏขึ้นซ้ำๆ ในแง่มุมต่างๆ (ในความสัมพันธ์กับศาสนา ประเพณีการแสดงละคร สถานการณ์ทางสังคมวัฒนธรรม ฯลฯ) ซึ่งขัดขวางการประเมินการมีส่วนร่วมโดยรวมในการพัฒนาต่อไป ของโรงละคร

4. ปรากฏการณ์ที่มีการศึกษามากที่สุดของกระบวนการแสดงละคร "ทางเลือก" ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20 คือ "โรงละครสยองขวัญ" ของ Grand Guignol นอกจากนี้ยังเป็นแผนผังมากที่สุดในแง่ของประเภทของการนำเสนอ เนื่องจากเป็นเครื่องหมายของการเปลี่ยนผ่านไปสู่วัฒนธรรมมวลชน ทิ้งมรดกที่น่าประทับใจและมีอิทธิพลต่ออุตสาหกรรมภาพยนตร์ไว้เบื้องหลัง Grand Guignol เป็นผู้ได้รับเอกสารหลายฉบับใน West1; A. Pieron นักวิจัยการละครชาวฝรั่งเศสได้รับการสนับสนุนพิเศษในการศึกษาเรื่องนี้ ซึ่งภายใต้การบรรณาธิการของเขาได้ตีพิมพ์กวีนิพนธ์พื้นฐานของละครของ Grand Guignol2 ชีวิตสร้างสรรค์อันยาวนานของโรงละครแห่งนี้ถูกสร้างขึ้นใหม่ในคำนำและความคิดเห็นโดยละเอียด

ในบรรดานักวิทยาศาสตร์ในประเทศ E.D. Galtsov เกี่ยวกับการแสดงละครของ "Notes from the Underground" โดย F.M. ดอสโตเยฟสกี3. ในศูนย์กลางของความสนใจทางวิทยาศาสตร์นี่คือข้อความของ Dostoevsky ซึ่งจัดแสดงเป็นครั้งแรกบนเวทีฝรั่งเศสการตีความภาษาฝรั่งเศสของรัสเซียคลาสสิกความสัมพันธ์ของการแสดงละครกับต้นฉบับ

ในการศึกษาการละครสมัยใหม่ของฝรั่งเศส ความสนใจในโครงเรื่องของการละครที่มีการศึกษาน้อยในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20 เพิ่มมากขึ้น ตัวอย่างเช่น มันถูกนำเสนอจากมุมต่างๆ ในการรวบรวมบทความของปี 2549

1 Riviere F. Wittkop G. Grand Guignol ปารีส 2522; Hand R.J. , Wilson M. Grand-Guignol: (โรงละครสยองขวัญของฝรั่งเศส) เอ็กซิเตอร์ 2545

2 เลอ กรองด์ กีญอล Le Théâtre des peurs de la Belle Époque / เอ็ด. ตารางพาร์ A. Pierron ปารีส 2538; ดูเพิ่มเติมที่: Pierron A. Petite scène à grands effets au Grand-Guignol // Le Spectaculaire dans les arts dans la scène: du Romantisme à la Belle Époque. ปารีส 2549 หน้า 134-137

3 กัลต์โซวา อี.ดี. "บันทึกจากใต้ดิน" ที่ Parisian Horror Theatre Grand Guignol // จากข้อความสู่เวที: การแสดงละครระหว่างรัสเซียและฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 19-20: ส. บทความ. มอสโก 2549 หน้า 29-47

"ความน่าตื่นตาของศิลปะการแสดง: (จากแนวจินตนิยมถึง Belle Epoque)"1. บทความต่อไปนี้น่าสนใจเป็นพิเศษ: "The Small Stage and the Great Effects of the Grand Guignol" โดย A. Pieron, "The Temptation of the Shadow Theatre in the Age of Symbolism" โดย S. Luce, "The Song, the " การแสดงของ Belle Epoque โดย O. Goetz, Convulsions of the End of the Century ปรากฏการณ์นอกตำราโขน» A. Rikner. อย่างไรก็ตาม ยังไม่มีความพยายามที่จะรวมพวกมันเข้าด้วยกันและพิจารณาพวกมันในระนาบเดียว ในการศึกษาการละครของรัสเซียจนถึงขณะนี้ความสนใจได้จ่ายให้กับคาบาเร่ต์เท่านั้นและบางส่วนไปที่ Grand Guignol (เนื่องจากในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 มีอะนาล็อกอยู่ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก)2

ความสำคัญในทางปฏิบัติของการศึกษานั้นพิจารณาจากข้อเท็จจริงที่ว่าผลลัพธ์สามารถนำไปใช้ในหลักสูตรการบรรยายเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ของโรงละครต่างประเทศในศตวรรษที่ 19 และ 20 ในหลักสูตรพิเศษเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ป๊อปอาร์ต โรงละครหุ่นกระบอก เช่นเดียวกับในการศึกษาเพิ่มเติมเกี่ยวกับโรงละครฝรั่งเศสในยุคนั้นภายใต้การทบทวน นอกจากนี้วิทยานิพนธ์อาจเป็นที่สนใจของผู้ปฏิบัติงานบนเวทีซึ่งมีความสนใจในสาขาละครทดลอง

การรับรองผลการวิจัย ผลการวิจัยวิทยานิพนธ์ได้รับการตีพิมพ์ในบทความจำนวนหนึ่งโดยผู้เขียนในวารสารและสิ่งพิมพ์ทางวิทยาศาสตร์ นอกจากนี้ในรายงานของการประชุมทางวิทยาศาสตร์ระดับบัณฑิตศึกษา (เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, SPbGATI, 2010; มินสค์, BGAI, 2010; เบอร์โน (สาธารณรัฐเช็ก), JAMU, 2011); ในการประชุมนานาชาติ "Art of the Doll: Origins and Innovations" (มอสโก, STD RF - S.V. Obraztsov, 2013)

การอภิปรายวิทยานิพนธ์เกิดขึ้นในการประชุมของ Department of Foreign Art of the St. Petersburg State Academy of Theatre Arts

โครงสร้างการทำงาน. วิทยานิพนธ์ประกอบด้วย บทนำ สี่บท บทสรุป รายการอ้างอิง (มากกว่า 230 ชื่อเรื่อง) ในภาษารัสเซีย ฝรั่งเศส และอังกฤษ รวมถึงภาคผนวกสองภาค:

1 Le Spectaculaire dans les arts de la scène: (ดู โรมันติสเม อา ลา เบลล์ เอป็อก). ปารีส 2549

2 ดู: Tikhvinskaya L.I. ชีวิตประจำวันของละครโบฮีเมียในยุคเงิน ม., 2548.

ส่วนแรกประกอบด้วยละคร การแปลบทและข้อความที่ตัดตอนมาจากบทละคร ส่วนที่สองนำเสนอเนื้อหาเกี่ยวกับสัญลักษณ์

บทนำยืนยันการเลือกหัวข้อการวิจัยและความเกี่ยวข้องกำหนดระดับการพัฒนาของปัญหากำหนดเป้าหมายหลักและวัตถุประสงค์ของงานหลักการวิธีการ มีการวิเคราะห์วรรณกรรมในประเด็นที่เผยแพร่ในภาษารัสเซีย ฝรั่งเศส และอังกฤษ

บทนำยังตรวจสอบสถานการณ์ทางวัฒนธรรมและการแสดงละครทั่วไปในฝรั่งเศสในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20 - Belle Epoque เมื่อกลียุคระดับโลกกำลังเกิดขึ้นในทุกด้านของวัฒนธรรม วิทยาศาสตร์ และศิลปะ ศิลปะทุกประเภทในเวลานี้เข้าสู่ขั้นตอนของ "การปรับโครงสร้างเชิงเปรียบเทียบของโครงสร้างเชิงเปรียบเทียบ" การเปลี่ยนแปลงขั้นพื้นฐานในสาขาการละครนั้นสัมพันธ์กับการเกิดขึ้นของโรงละครของผู้กำกับซึ่งพัฒนาขึ้นในการโต้เถียงกับนักวิชาการและประเพณีเชิงพาณิชย์โดยอ้างว่าตัวเองอยู่ในแนวศิลปะสองแนวคือธรรมชาตินิยมและสัญลักษณ์ ในเวลาเดียวกัน สุนทรียภาพแห่งการแสดงละครแนวนีโอโรแมนติกและความทันสมัยกำลังก่อตัวขึ้น

หนังสือของ A. Aderé "Roadside Theatre" ซึ่งเป็นที่มาของหัวข้อนี้ได้รับการวิเคราะห์ แม้จะมีลักษณะที่ให้ข้อมูล แต่นี่เป็นครั้งแรกที่มีความพยายามในการรวมปรากฏการณ์ที่แตกต่างกันของกระบวนการ "ใกล้โรงละคร" อย่างไรก็ตามในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 "โรงละครริมถนน" กลายเป็นปรากฏการณ์ทางศิลปะอิสระที่สะท้อนและเสริมการปฏิรูปโรงละครของผู้กำกับ นอกจากนี้ บทนำยังสรุปช่วงของปรากฏการณ์ที่จะพิจารณาในวิทยานิพนธ์และยืนยันทางเลือกของพวกเขา ให้คำอธิบายทั่วไปของแต่ละปรากฏการณ์

ในบทแรก - "คาบาเรต์" ซึ่งประกอบด้วยสามส่วน คาบาเรต์ได้รับการสำรวจว่าเป็นรูปแบบอิสระใหม่ของการสร้างสรรค์ที่มีประสิทธิภาพ ซึ่งเป็นสถานที่แสดงละครทางเลือกของ Belle Epoque ซึ่งก่อตั้งเป็นของตนเอง

1 โบโซวิช V.I. ประเพณีและปฏิสัมพันธ์ของศิลปะ: (ฝรั่งเศส ปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20) ซี 4

กฎของการสร้างภาพลักษณ์บนเวที ความสัมพันธ์ระหว่างเวทีกับผู้ชม เงื่อนไขการดำรงอยู่ของนักแสดงและสาธารณชน

แม้ว่าคาบาเร่ต์และโรงละครของผู้กำกับจะปรากฏตัวในฝรั่งเศสเกือบจะพร้อมกัน แต่ก็ไม่ได้ตัดกัน คาบาเรต์ของฝรั่งเศสไม่ใช่โรงละคร เสนอเส้นทางการแสดงละครเป็นพื้นฐานของชีวิตและความคิดสร้างสรรค์บนเวทีซึ่งสาระสำคัญจะถูกกำหนดขึ้นในภายหลังในแนวคิดของ H.H. Evreinova: “การแสดงละครปรากฏเป็นกลไกการสร้างรูปแบบ โดยมุ่งเป้าที่จะไม่เป็นตัวแทนของรูปแบบและปรากฏการณ์ของความเป็นจริง แต่อยู่ที่การสร้างรูปแบบสุนทรียะดั้งเดิม ซึ่งชีวิตเองก็นำมาใช้”1. ใน Apology for Theatricality ในปี 1908 Evreinov ได้ให้คำจำกัดความของคำนี้ไว้ดังนี้: "โดย 'การแสดงละคร'... ฉันหมายถึงความน่าพิศวงทางสุนทรียะของธรรมชาติที่มีแนวโน้มชัดเจน ซึ่งแม้อยู่ไกลจากอาคารโรงละครด้วยท่าทางที่น่ายินดีด้วย คำเดียวที่ออกเสียงอย่างสวยงาม สร้างเวที ทิวทัศน์ และปลดปล่อยเราจากพันธนาการแห่งความเป็นจริง - อย่างง่ายดาย สนุกสนาน และไม่ขาดตกบกพร่อง ความเข้าใจเกี่ยวกับการแสดงละครดังกล่าวเป็นของสุนทรียภาพแห่งความทันสมัย มันขึ้นอยู่กับวิทยานิพนธ์ของการเปลี่ยนแปลงของชีวิตด้วยความช่วยเหลือของศิลปะซึ่งสอดคล้องกับทิศทางการพัฒนาของคาบาเร่ต์ฝรั่งเศส O. Norvezhsky ให้คำจำกัดความการค้นหาเชิงสร้างสรรค์ของเขาดังนี้: "วรรณกรรมน้อยลงและเปล่งประกายมากขึ้น เฉียบคมอย่างเจ็บปวด และในขณะเดียวกันก็สะท้อนถึงฝันร้ายทั้งหมดของชีวิตประจำวันได้อย่างสง่างาม"3. ในคาบาเร่ต์ในฝรั่งเศสการก่อตัวของความทันสมัยของการแสดงละครเริ่มต้นขึ้นจากปฏิกิริยาต่อสัญลักษณ์ในโรงละคร

ส่วน "ต้นกำเนิด" ให้ประวัติของการสร้างคาบาเรต์ที่มีชื่อเสียงที่สุดในปารีส - Chas Noir (พ.ศ. 2424-2440) ปรากฎการณ์ความงามของมงต์มาร์ตซึ่งเป็นศูนย์กลางวัฒนธรรมของเบลล์เอโปก คาบาเร่ต์กำบัง "โศกนาฏกรรม

1 ดซูโรว่า ที.เอส. แนวคิดของการแสดงละครในงานของ H.H. เอฟเรโนวา. สพป., 2553. ส. 15.

2 เอฟเรนอฟ เอช.เอช. โรงละครเช่นนี้ // Evreinov H.H. ปีศาจละคร. ม.; SPb., 2002. S. 40-41.

3 Norwegian O. Cabaret // โรงละครและศิลปะ พ.ศ. 2453 ฉบับที่ 10 ส.216.

ชีวิตประจำวัน" การแสดงละครที่รื่นเริงได้กลายเป็นสัญลักษณ์ของมงต์มาตร์ - "เมืองเสรี" ของศิลปะโบฮีเมียนรุ่นเยาว์ รัฐภายในรัฐที่ดำเนินชีวิตตามกฎของตนเอง สอดคล้องกับรสนิยมทางสุนทรียะและตรรกะทางศิลปะ ต่อไปนี้เป็นบุคลิกที่ไม่ธรรมดาของ Rodolphe Saly (1851-1897) ผู้กำกับชื่อดังของ Chas Noir ราชาแห่งมงต์มาตร์ที่ประกาศตัวเองว่าเป็นกษัตริย์ ด้วยพรสวรรค์ด้านการบริหารและไหวพริบเชิงสร้างสรรค์ของ Sali ทำให้ Cha Noir กลายเป็นนางแบบคาบาเร่ต์ที่ทำให้เกิดการเลียนแบบจำนวนมากทั่วยุโรป การผสมผสานทางสุนทรียะที่ครอบงำใน Sha Noir ถูกฉายไปยังวัฒนธรรมทั้งหมดของช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 ในช่วงที่ศิลปะกำลังคิดใหม่ การแสดงคาบาเรต์ได้รวมเอาตัวแทนของการเคลื่อนไหวทางศิลปะต่างๆ เข้าด้วยกันภายใต้หลังคา จนกลายเป็นสัญลักษณ์แห่งเสรีภาพในการสร้างสรรค์และจุดรวมพลังสร้างสรรค์ การปฏิสัมพันธ์ระหว่างกันโดยเสรี เป็นครั้งแรกที่ปล่อยให้ผู้ชมได้ชมเบื้องหลังความคิดสร้างสรรค์ ผสานประเพณีของร้านเสริมสวยและบูธเข้าด้วยกัน ทำให้เกิดแรงกระตุ้นในการทดลองกับรูปแบบการแสดงละครและแนวเพลงที่เป็นของ "วัฒนธรรมรากหญ้า" จนถึงช่วงเวลานั้น

ส่วน "องค์ประกอบของงานราตรี" วิเคราะห์กฎหมายที่สร้างการแสดงคาบาเรต์ ความสำคัญของรูปร่างของผู้ให้ความบันเทิง หลักการของการดำรงอยู่ของนักแสดงบนเวที

โมเมนตัมและการปรับตัวเป็นกฎหลักของตอนเย็น การประชดประชันและการปฏิเสธเป็นทิศทางหลัก จากผู้ให้ความบันเทิง (ผู้สร้างประเพณีนี้คือ Sali) ฝีปากและไหวพริบ การตระหนักถึงปัญหาร่วมสมัย ความสามารถในการรวมห้องโถงและเวที เพื่อสร้างตรรกะของลำดับตัวเลขเป็นสิ่งจำเป็น ความเป็นตัวตนของตัวเองคูณด้วยการคำนวณทางศิลปะที่แน่นอน - นี่คือกฎพื้นฐานของการสร้างภาพลักษณ์ของคาบาเร่ต์

ประเพณีการแสดงคาบาเรต์ได้รับการเปิดเผยโดยเฉพาะอย่างยิ่งในงานของ chansonnier; คาบาเรต์กลายเป็น "โรงละครแชนซอนเนียร์" “การอยู่คนเดียวบนเวที พิธีกรเป็นทั้งนักแสดงและ

กรรมการของผลงานของพวกเขา มีการเปลี่ยนแปลงน้อยกว่านักแสดง ... พวกเขาพัฒนาประเภทบุคคลและปรับปรุงข้อมูลทางกายภาพ มารยาท ท่าทาง เครื่องแต่งกายอย่างสม่ำเสมอ ในที่สุดรูปแบบนี้กลายเป็นภาพเยือกแข็ง จดจำได้ตั้งแต่แรกเห็น...”1. ภาพลักษณ์ของคาบาเรเตอร์นั้นเกือบจะถึงระดับของหน้ากากซึ่งด้านหลังมีการกำหนดความเป็นพลาสติกลักษณะการพูดและพฤติกรรมที่เฉพาะเจาะจง ตรงกันข้ามกับประเพณีการแสดงละคร หน้ากากไม่ได้ปิดบังนักแสดง ตรงกันข้าม มันเป็นภาพบุคคลที่แปลงโฉมบนเวทีซึ่งมีลักษณะทางธรรมชาติเกินจริง ในขณะเดียวกัน คาบาเร่ต์เทียร์ก็กลายเป็นตัวประกันของภาพลักษณ์บนเวทีที่เขาสร้างขึ้นครั้งแล้วครั้งเล่า ลักษณะตลกขบขันอันน่าเศร้าของการแสดงคาบาเรต์ ซึ่งหน้ากากของแต่ละคนเป็นพื้นฐานของประเพณีการแสดง ได้รับการเปิดเผยผ่านผลงานของนักร้องที่ยิ่งใหญ่ที่สุดแห่งยุค - Aristide Bruant และ Yvette Guilbert ผู้สร้างแนวละครเพลงเรื่องสั้นที่ไม่เหมือนใคร เช่นเดียวกับภาพลักษณ์ที่สดใสของนักแสดงที่กระตุ้นผู้ชมด้วยผลงานของเขา

ส่วน "การสร้างบรรยากาศ" อุทิศให้กับการกระทำและการหลอกลวงที่สร้างชีวิตชีวา ซึ่งมีความสำคัญพอๆ กับภาพรวมของการแสดงคาบาเร่ต์แต่ละแห่ง เช่นเดียวกับสไตล์ที่คิดมาอย่างดีและรายละเอียดการตกแต่งภายใน

โดยทั่วไปแล้ว คาบาเรต์ของฝรั่งเศสนำเสนอรูปแบบความงามที่สมบูรณ์ ซึ่งต่อมาโรงละครของผู้กำกับในเยอรมนีและรัสเซียจะเป็นผู้ควบคุม: ด้วยระบบความสัมพันธ์ใหม่ระหว่างเวทีและห้องโถงซึ่งอิงตามการแสดงละคร - คาบาเร่ต์จะยกเลิกทางลาด และรวมถึงผู้ชมในการแสดง; รูปแบบการแสดงใหม่ (หน้ากากคาบาเร่ต์) การผสมผสานของประเภท (โศกนาฏกรรม) และการเปลี่ยนแปลงในขอบเขตเฉพาะ (การแสดงเพลง) เมื่อเวลาผ่านไป การแสดงคาบาเรต์ได้ก้าวไปสู่ศิลปะแห่งความหลากหลาย ซึ่งแต่เดิมนั้นมีความคล้ายคลึงกัน แต่การแพร่กระจายของกฎการแสดงละครภายในคาบาเรต์ก็ไม่สามารถนำเขาไปสู่การทดลองแสดงละครอิสระได้ เช่นเดียวกับที่เกิดขึ้นกับชา นัวร์

1 Goetz O. La chanson, "ปรากฏการณ์" de la Belle Epoque // Le spectaculaire dans les arts de la scène (Du romantisme à la Belle Epoque). ป.152-153.

บทที่สอง - "โรงละครเงา" ประกอบด้วยสองส่วนอุทิศให้กับโรงละครเงาในคาบาเร่ต์ Chas Noir ซึ่งมีอยู่เกือบสิบปี (ตั้งแต่เดือนธันวาคม พ.ศ. 2429 จนถึงการปิดการแสดงคาบาเร่ต์เมื่อต้นปี พ.ศ. 2440) ซึ่งเป็นงานหลักสำหรับสาธารณะและเป็นธุรกิจหลักสำหรับพนักงานของ Sha Noir กองกำลังศิลปะทั้งหมดและค่าใช้จ่ายทางการเงินทั้งหมดจะถูกส่งไปที่งานนี้ มีการจำแนกประเภทของละคร, วิเคราะห์การแสดงที่สำคัญที่สุด, การจัดเรียงทางเทคนิคของเวที, เทคโนโลยีการสร้างเงา

การแสดงเงาเป็นสิ่งที่ชาวยุโรปรับรู้มานานแล้วว่าเป็นรูปแบบที่เหมาะสมที่สุดสำหรับการรับรู้ของเด็ก ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 19 ความนิยมของโรงละครเงาเกิดจากปัจจัยหลายประการ ได้แก่ ความสนใจที่เพิ่มขึ้นในตะวันออก (การแสดงของ Sha Noir ได้รับอิทธิพลโดยตรงจากการแกะสลักของญี่ปุ่น ซึ่ง Henri Rivière ผู้ก่อตั้งโรงละคร ชอบ); ความใกล้ชิดกับสุนทรียศาสตร์การแสดงละครเชิงสัญลักษณ์ (แนวคิดเรื่องถ้ำของเพลโต); ในที่สุด การเพิ่มขึ้นของกราฟิกในช่วงเวลานี้ (ในบรรดาผู้สร้างโรงละครเงาคือศิลปินกราฟิกที่มีชื่อเสียงในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ: Rivière, Karan d "Ash, Adolphe Villette, Henri Somme) พื้นฐานของการแสดงครั้งแรกคือ ชุดภาพวาดและการ์ตูนล้อเลียนที่ตีพิมพ์เป็นประจำในหนังสือพิมพ์คาบาเร่ต์ 1 ดังนั้นในวันกำเนิดภาพยนตร์ศิลปะของภาพเคลื่อนไหวจึงกระตุ้นความสนใจเป็นพิเศษของผู้ชมด้วยความเป็นอิสระของผู้เขียนจากกระบวนการแสดงละครทั่วไป ด้วยความง่ายในการจัดการกับประเพณี Sha Noir สามารถปรับเปลี่ยนประเพณีของยุโรปเกี่ยวกับละครเงา: จากการแสดงสำหรับเด็กกลายเป็นศิลปะเชิงปรัชญาทั่วไป นวัตกรรมทางเทคนิคเพิ่มสีสันและมุมมองให้กับระนาบขาวดำของ ผ้าใบหน้าจอ

ศิลปิน Sha Noir ไม่ได้เจาะลึกประวัติศาสตร์ของโรงละครเงา แต่พวกเขาถือว่าพื้นผิวของหน้าจอเป็นภาพซึ่งมีการเพิ่มการเปลี่ยนแปลงองค์ประกอบซึ่งในตัวมันเองหมายถึงสุนทรียศาสตร์ของความทันสมัย รูปร่าง

1 ตาม Cha Noir คาบาเรต์เกือบทุกแห่งตีพิมพ์หนังสือพิมพ์ของตนเอง

การแสดงของ Cha Noir ถือได้ว่าเป็นการตระหนักถึงแนวคิดเรื่อง "ภาพที่ฟื้นคืนชีพ" ซึ่งอ้างอิงจาก V.I. Maksimov เป็น "แบบฉบับของการนำศิลปะสมัยใหม่มาใช้"1. การเปลี่ยนแปลงจังหวะของภาพ, การเชื่อมโยงกันของการเคลื่อนไหวโดยรวมของตัวเลข, การรวมกันของหลายแผน, การสร้างแบบจำลองเชิงเส้นของภาพ, สไตล์เป็นหลักการในการสร้างความทันสมัยซึ่งรวมอยู่ในการแสดงของ Sha Noir

การแสดงแบ่งออกเป็นสองกลุ่ม: "เงาแห่งประวัติศาสตร์" - การประพันธ์ขนาดใหญ่ในประวัติศาสตร์ตำนาน เรื่องราวในพระคัมภีร์; "รูปทรงแห่งความทันสมัย" - ภาพร่างและภาพร่างในหัวข้อที่ทันสมัยซึ่งมักเผยแพร่จากหน้าหนังสือพิมพ์คาบาเร่ต์

ส่วน "เงาแห่งประวัติศาสตร์" วิเคราะห์ชีวประวัติที่สร้างสรรค์ของ Henri Riviera - ผู้ริเริ่ม ผู้นำ ผู้ประดิษฐ์โรงละครเงา Sha Noir มีการอธิบายการแสดงที่สำคัญที่สุด: "The Epic" (1886), "The Temptation of St. Anthony" (1887), "Behind the Guiding Star" (1890) ซึ่งสร้างขึ้นจากความสัมพันธ์ของภาพลักษณ์ของฝูงชนและ ฮีโร่ตั้งตระหง่านอยู่เหนือมัน กำหนดทิศทางของเส้นทาง ต้องขอบคุณมหากาพย์ของ Karan d'Ash การแสดงเกี่ยวกับชัยชนะอันยิ่งใหญ่ของนโปเลียนทำให้โรงละครเงาได้รับการยอมรับจากสาธารณชน บทวิจารณ์ที่น่าสังเกตคือหนึ่งในผู้วิจารณ์ที่เขียนว่า Epic "ให้ความประทับใจแก่ผู้ชมที่ไม่รู้จักมาก่อนความประทับใจของภาพ ของมวลมนุษย์บนเวที"2" ... กว่าสิบปีที่ผ่านมาความตื่นตะลึงอันทรงพลังที่สุดจากความเป็นจริงของสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวทีกลับไม่ได้รับจากทหารจริง ปืนจริง และแต่งกายด้วยผ้าจริง แต่ถูกสร้างขึ้นโดยใช้อุปมาอุปไมยที่เปราะบางที่สุดและจับต้องได้น้อยที่สุดในบรรดา "3" "ฉากมวลชน" ทั้งหมดกลายเป็นสิ่งที่น่าจดจำที่สุด: การปฏิเสธพื้นฐานของการทำให้ตัวละครเป็นรายบุคคล การเชื่อมโยงกันของการเคลื่อนไหวร่วมกันสร้างความรู้สึก

1 Maksimov V. อายุของ Antonin Artaud ส.101.

2 Talmeyr M. Lafoule en scène: (A propos de l "Epopée de Caran d" Ache) // La Revue d "Art dramatique. 1887. 15 janv. p. 75.

3 อิบีเด็ม. หน้า 78.

ว่าฮีโร่เหล่านี้นำโดยวิญญาณเดียวและมีความเป็นไปได้มากมาย

ในการค้นหา "ซูเปอร์ฮีโร่" ผู้สร้างโรงละครเงาหันไปหาประวัติศาสตร์ ("การพิชิตแอลจีเรีย", 2432) สู่ชีวิตของนักบุญ ("แซงต์เจเนวีฟแห่งปารีส", 2436) สู่ชาติ มหากาพย์ ("Roland", 1891) ถึงตำนาน (" Sphinx", 1896) ไปจนถึงอนาคต ("The Night of Times หรือ Elixir of Youth", 1889) ใน "สฟิงซ์" ซึ่งเป็น "มหากาพย์ในตำนาน" ในภาพวาด 16 ภาพ (ภาพวาด - Vignola คำพูดและดนตรี - Georges Fragerol) นำเสนอหนึ่งปีก่อนปิดโรงละครฮีโร่กลายเป็นเรื่องราวซึ่งเป็นตัวเป็นตนโดยสฟิงซ์ : "ศตวรรษสืบต่อกันไป คนมาแล้วจากไป ชาวอียิปต์ ชาวอัสซีเรีย ชาวยิว ชาวเปอร์เซีย ชาวกรีก ชาวโรมัน ชาวอาหรับ; สงครามครูเสด กองทัพนโปเลียน กองทหารอังกฤษจำนวนนับไม่ถ้วน - พวกเขาทั้งหมดเดินผ่านร่างของสฟิงซ์ที่ตั้งตระหง่าน ซึ่งท้ายที่สุดก็เหลือเพียงความโดดเดี่ยว เย็นชาและลึกลับ ขบวนของผู้คนที่แสดงในปี พ.ศ. 2439 ไม่ได้เดินตาม "ดาวนำทาง" เหมือนในปี พ.ศ. 2433 อีกต่อไป ขบวนนี้ไม่ได้มองหาผู้นำทางเลย ทิศทางของการเคลื่อนไหวถูกกำหนดโดยเส้นทางของประวัติศาสตร์ซึ่งสฟิงซ์ทำหน้าที่เป็น Doom อย่างแท้จริง

รูปแบบการแสดงละครดังกล่าวทำให้สามารถจัดแสดงโครงเรื่องขนาดใหญ่ได้ นำธีมแห่งโชคชะตามาสู่เวที เผยให้เห็นเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์ที่นำเสนอผ่านโลกทัศน์สมัยใหม่ ทั้งหมดนี้ทำให้โรงละครมีระดับใหม่ของการสรุปทั่วไปและแบบแผน การแสดงหนังตะลุงสอดคล้องกับกระแสละครทั่วไปที่กำหนดโดย Symbolists และกำหนดโดยปิแอร์ คิลลาร์ด: “โรงละครจะเป็นอย่างที่ควรจะเป็น: ข้ออ้างสำหรับความฝัน”2.

ส่วน Contours of Modernity รวมถึงการแสดงเช่น The Party in Whist (1887), The Golden Age (1887), Pierrot Pornographer (1893) รวมถึงการแสดงสองรายการจากบทละครของ M. Donne - Phryne และ "Elsewhere" ( ทั้งคู่ -

1 Cook O. การเคลื่อนไหวในสองมิติ: (การศึกษาภาพเคลื่อนไหวและภาพที่ฉายซึ่งนำหน้ามิติของภาพยนตร์) ลอนดอน 2506 หน้า 76

ซิท อ้างจาก: Maksimov V.I. สัญลักษณ์ฝรั่งเศส - การเข้าสู่ศตวรรษที่ยี่สิบ // สัญลักษณ์ฝรั่งเศส ละครและการละคร ส.14.

2434) ที่นี่มีการสร้างภาพลักษณ์ของฮีโร่ยุคใหม่ - ลดขนาดลง ไร้สาระ โดยจงใจ "ไม่ถูกจารึกไว้" ในชีวิตสาธารณะ ซึ่งด้วยการนำเสนอที่น่าขัน เป็นที่รู้จักและใกล้ชิดกับผู้ชม ด้วยจิตวิญญาณของคาบาเร่ต์ การแสดงในรูปแบบร่วมสมัยเป็นการอธิบายถึงความเป็นจริงรอบตัว พวกเขาสะท้อนโลกทัศน์ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ ผสมผสานความสงสัยอย่างสุดโต่งและความปรารถนาในอุดมคติ

คุณลักษณะของการแสดงเงาของ Sha Noir คือดนตรีและคำพูด เอดส์ออกแบบมาเพื่อเพิ่มเอฟเฟกต์ของ "ภาพเคลื่อนไหว" ที่ต่อเนื่องกันซึ่งสร้างความสามัคคีที่กลมกลืนกัน ความรู้สึกของความถูกต้องของสิ่งที่เกิดขึ้นถูกสร้างขึ้นด้วยความสมบูรณ์ของสไตล์ของงาน การเชื่อมโยงกันแบบไดนามิกขององค์ประกอบทั้งหมดของการแสดง โรงละครเงากลายเป็นภาพสะท้อนของวัฒนธรรมการแสดงคาบาเรต์ของฝรั่งเศส ซึ่งไม่สนับสนุนการเคลื่อนไหวทางศิลปะใดๆ ของช่วงเปลี่ยนศตวรรษ การแสดงของ Sha Noir สังเคราะห์ความลึกลับที่มีความหมายของสัญลักษณ์ ความเป็นตะวันออก และความเย้ายวนของความทันสมัย ความเที่ยงธรรมของธรรมชาตินิยมและขอบเขตทางวิชาการหักเหพวกเขาผ่านกฎหมายของ "โรงละครล้อเลียนและหน้าตาบูดบึ้ง" ในขณะเดียวกัน การแสดงหนังตะลุงของ Sha Noir ก็กลายเป็นปรากฏการณ์การแสดงละครอิสระที่นอกเหนือไปจากแนวคิดสุนทรียะของการแสดงคาบาเรต์เพื่อค้นหาวิธีแก้ปัญหาการแสดงละครที่เหมาะสม ลักษณะเชิงเปรียบเทียบของเงา ร่างเงาทำหน้าที่เป็นทรัพยากรสำหรับการสร้างภาษาบนเวทีสมัยใหม่ หน่วยของภาพเงาคือภาพบนหน้าจอ

บทที่สาม - "โรงละครหุ่นกระบอก" ซึ่งประกอบด้วยสองส่วน วิเคราะห์การปฏิบัติของ Petit Theatre de Marionette (โรงละครหุ่นกระบอกเล็ก พ.ศ. 2431-2437) และการทดลองการแสดงละครของ Alfred Jarry กับ guignol (คาบาเร่ต์ Katz "Ahr, 2444 ) - โรงละครหุ่นกระบอกแบบดั้งเดิม

ประสบการณ์ของ Sha Noir เผยให้เห็นถึงศักยภาพทางศิลปะของรูปแบบละครหุ่นแบบดั้งเดิมและแสดงให้เห็นลักษณะเชิงเปรียบเทียบ J. Sadoul เขียนว่า Cha Noir เตรียมความสำเร็จของภาพยนตร์โดยอ้อม เป็นการพิสูจน์ว่า "การแสดงทางแสง

สามารถประสบความสำเร็จกับสาธารณชนได้เท่ากับละครที่แสดงโดยนักแสดงที่มีเลือดเนื้อ ต้องขอบคุณ Sha Noir เป็นครั้งแรกที่รูปแบบการแสดงละครปรากฏขึ้นในศูนย์กลางความสนใจของสาธารณชนซึ่งนักแสดงไม่ได้เป็นผู้สื่อความหมายหลักเลย: เงาในกรณีนี้เป็นเพียงองค์ประกอบหนึ่งของการแสดง จารึกไว้ในองค์ประกอบเวที ระบบหุ่นกระบอกอื่น ๆ ก็ดึงดูดความสนใจเช่นกัน ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ โรงละครหุ่นกระบอกเริ่มถูกเข้าใจว่าเป็นภาษาศิลปะที่เป็นอิสระ ซึ่งเป็นวิธีการแสดงออกที่หลากหลายซึ่งมีความสามารถเกินความสามารถของโรงละครของ นักแสดงสด

ในส่วนเกริ่นนำ รีวิวสั้น ๆประวัติโรงละครหุ่นกระบอกในฝรั่งเศส มีการพิจารณาระบบเทคโนโลยีหลักซึ่งแต่ละระบบจนถึงทศวรรษที่ 1880 เป็นรูปแบบของการแสดงที่ควบคุมโดยประเพณี (ด้วยละครที่ตายตัว ประเภทของเวที วิธีการควบคุมหุ่นเชิด)

ในปีพ. ศ. 2431 สองปีก่อนที่จะมีการทดลองแสดงละครครั้งแรกของ Symbolists Petit Theatre de Marionette ได้เปิดขึ้นในปารีสซึ่งในหลาย ๆ ด้านคาดการณ์ถึงแนวคิดของ Theatre d "Ar (1890-1892) ความคิดริเริ่มเป็นของกลุ่มนักเขียน และกวี (นักอุดมการณ์หลักคือ Henri Signoret และ Maurice Bouchor) ซึ่งเสนอละครใหม่แก่สาธารณชนซึ่งประกอบด้วยผลงานชิ้นเอกของละครโลก โปรแกรมศิลปะในหนึ่งฤดูกาลครึ่ง โรงละครจัดแสดงละครต่อไปนี้: Aristophanes' Birds, Cervantes' interlude The Vigilant Guard (ทั้งเดือนพฤษภาคม 1888), Shakespeare's The Tempest (พฤศจิกายน 1888), Barboulier's Jealousy เรื่องตลกในยุคแรกๆ ของ Molière และละครยุคกลางเรื่อง Abraham the ฤาษี » Hrothsvita of Gandersheim (เมษายน 2432) ผู้แต่งการแสดงพยายามที่จะสร้างภาพในอุดมคติที่เป็นกลาง: ในความเห็นของพวกเขามันจะถูกละเมิดโดยรูปธรรมของบุคคลที่มีชีวิต โรงละครเปอตีต์ไม่เพียงแต่มีอิทธิพลต่อการพัฒนาหุ่นเชิดต่อไปเท่านั้น แต่ยังส่งผลต่อการพัฒนาอีกด้วย

1 Sadul Zh ประวัติทั่วไปของภาพยนตร์: ใน 6 ฉบับ M. , 1958 T. 1. S. 143

ต้นแบบของรูปแบบละครที่ไม่มีตัวตนซึ่งแนวคิดนี้จะได้รับการพัฒนาในยุคสมัยใหม่

ในบรรดาระบบหุ่นเชิดทั้งหมด Petit Theatre หันไปใช้หุ่นเชิดที่มีไดนามิกน้อยที่สุด ซึ่งสืบทอดประเพณีของเครช (ตามตัวอักษรคือ "รางหญ้า") การแสดงคริสต์มาสแบบยุโรปตะวันตกพร้อมหุ่นกล ตุ๊กตาซึ่งจำลองมาจากประติมากรรมคลาสสิกเป็นหุ่นจำลองมนุษย์ขนาดจิ๋ว ในเวลาเดียวกันพวกเขาขาดการเริ่มต้นทางอารมณ์ความเป็นพลาสติกของพวกเขาลดลงเป็นท่าทางที่ตายตัว รูปปั้น การแสดงแบบ mise-en-scenes ซึ่งผสมผสานกับท่วงทำนองที่ไม่เร่งรีบ เน้นความยิ่งใหญ่ของการเคลื่อนไหว ทำให้เกิดรูปแบบการแสดงพิเศษ ซึ่งผู้ร่วมสมัยมองเห็นถึงศูนย์รวมของแบบแผนการแสดงละคร "สัญลักษณ์ของร่างกาย นักแสดงเชิงกลลดการแสดงบนเวทีของตัวละครให้เหลือน้อยที่สุด เหลือเพียงสัญญาณพื้นฐานสองสามอย่าง"1. จากการวิเคราะห์การแสดง การฝึกฝนของ Petit Theatre มีความสัมพันธ์กับแนวคิดการแสดงละครของ M. Maeterlinck และ G. Craig

ในปี พ.ศ. 2433 โรงละครนำโดยกวีมอริซ บูชอร์ ซึ่งเคยแปล The Tempest มาก่อน แม้ว่าข้อเท็จจริงที่ว่า Bouchor "ต้องการสร้างโรงละครของผู้ประพันธ์ที่ทันสมัยและใหม่"2 ภายใต้การนำของเขา Petit Theatre ได้หันไปใช้แบบจำลองของโรงละครในศตวรรษที่ 19 และสาเหตุหลักมาจากการแสดงละครของเขา โดยรวมแล้ว บูชอร์จัดแสดงละครหกเรื่องเกี่ยวกับศาสนาที่ Petit Theatre: Tobias (1890), The Nativity (1890), The Legend of St. Cecilia (1892), Hayyam's Dream, Adoration of St. 1892), "Eleusinian ความลึกลับ" (2437) ใน "โทบีอาห์" เช่นเดียวกับบทละครแรกสุด ข้อบกพร่องของมันปรากฏให้เห็นแล้ว: ในที่สุดบูฮอร์ก็เดินไปตามเส้นทางของความเคยชินของบทสนทนาและสถานการณ์ โดยพยายาม "ทำให้ตัวละครมีมนุษยธรรม" และนำตรรกะทางโลกมาใช้ในการกระทำของพวกเขา

Alfred Jarry ไปทางตรงกันข้ามกับ Bushor - จาก "การแต่งงาน" นักแสดงไปจนถึงโรงละครหุ่นกระบอก การแสดงละครของเขา

1 Plassard D. L "acteur en effigie. หน้า 32.

2 เลอ กอฟฟิค ช. Le Petit Theatre des Marionnettes // La Revue สารานุกรม พ.ศ. 2437 ฉบับที่ 85 15 มิ.ย. หน้า 256.

การทดลองจะกล่าวถึงในหัวข้อ "Guignol และ Ubu-King" Jarry ยังเชื่อด้วยว่าบุคลิกของนักแสดงรบกวนการรับรู้ของงาน แต่ในตอนแรกกำหนดไว้ว่า: "บทละคร" King Ubyu "ไม่ได้เขียนขึ้นสำหรับหุ่นเชิด แต่สำหรับนักแสดงที่เล่นเหมือนหุ่นเชิดซึ่งไม่เหมือนกัน"1. หลังจากประสบการณ์การแสดงละครต่อเนื่อง (รวมถึงการผลิตของ King Ubu ที่ Théâtre Evre ในปี 1896) Jarry ย้ายไปที่ guignol ประเภทของการแสดงหุ่นกระบอกแบบดั้งเดิมด้วยหุ่นถุงมือ (ชื่อสำหรับตัวเอก) จาร์รีแย้งว่านักแสดง "ควรสร้างหุ่นที่เหมาะกับบทบาทของเขาเป็นพิเศษ"2 และโรงละครหุ่นกระบอกก็เปิดโอกาสให้เขาสร้างหุ่นจำลองตัวละครด้วยตัวเอง เขาเน้นย้ำถึงการค้นพบนี้ในการบรรยายในปี 1902 ที่กรุงบรัสเซลส์: “ตุ๊กตาเท่านั้น เจ้าของ เจ้านาย และผู้สร้างที่คุณเป็น (เนื่องจากดูเหมือนว่าจำเป็นต้องสร้างตุ๊กตาเอง) ทำตามหน้าที่และถ่ายทอดสิ่งที่เรียกว่าแผนแห่งความถูกต้องได้อย่างเรียบง่าย - ความคิดของเรา” 3.

ดังนั้นในเดือนพฤศจิกายน พ.ศ. 2444 ในคาบาเรต์ของปารีส Katz "Ar (คาบาเร่ต์แห่งศิลปะทั้งสี่) โดยการมีส่วนร่วมของผู้แต่ง "King Ubu" จึงเล่นเป็นหุ่นเชิด ข้อความสั้นลงเป็นพิเศษ (ในสององก์) และดัดแปลง; การกระทำนำหน้าด้วยอารัมภบทที่เขียนด้วยภาษา guignol นักเชิดหุ่นมืออาชีพจากช็องเซลีเซ่ถูกนำเข้ามาเพื่อกำกับตัวละคร และหุ่นของ Papa Ubu นั้นสร้างโดยผู้แต่งเอง การแสดงที่ผิดศีลธรรมและไร้เหตุผล โดยที่ตัวเอกจัดการกับส่วนที่เหลือของ ตัวละครกับสโมสรของเขา ในกรณีนี้ การเลือกรูปแบบ guignol ทำให้การกระทำไร้เหตุผลมากยิ่งขึ้น เป็นการตอกย้ำภาพลักษณ์ที่แปลกประหลาดของตัวละคร

1 อ้าง โดย: Plassard D. L "acteur en effigie. หน้า 43.

2 Jarry A. เกี่ยวกับความไร้ประโยชน์ของโรงละครสำหรับโรงละคร // เช่นเคย - เกี่ยวกับเปรี้ยวจี๊ด: (กวีนิพนธ์ของละครเปรี้ยวจี๊ดของฝรั่งเศส) M. , 1992. S. 19.

Jarry A. Conférence sur les Pantins // Les mains de lumière: (Anthologie des écrits sur l "art de la marionnette) / Textes réunis et présentés par D. Plassard. Charleville-Mézières, 1996. P. 205.

ละครแบบดั้งเดิมและละครใหม่ถือเป็นหนึ่งในจุดสุดยอดของ "โรงละครริมทาง"

เช่นเดียวกับใน Petit Theatre เนื้อหาเชิงปรัชญาของระบบหุ่นกระบอกแบบดั้งเดิมกำหนดมุมมองสำหรับการรับรู้ของผู้ชม ความเฉียบแหลม ความหยาบคาย แม้กระทั่งความโหดร้ายของ guignol ที่ผสมผสานกับรูปร่างตลกขบขันของสัตว์ประหลาดที่เข้าสู่ตำนานการแสดงละครของศตวรรษที่ 20 - Papa Ubu ในทางตรงกันข้าม ภาพสโลว์โมชั่น การถอดหุ่นเชิดอย่างสง่างามของโรงละคร Petit Theatre ซึ่งหมายถึงการแสดงทางศาสนา ได้สร้างบรรยากาศของความเป็นจริงในอุดมคติที่ไม่อาจเข้าใจได้บนเวที การค้นพบคือตัวเลือกของรูปแบบได้สร้างเนื้อหาของเวทีในตัวเองแล้ว การแสดงหุ่นเชิดเหล่านี้คาดการณ์ถึงจุดเริ่มต้นของโรงละครหุ่นกระบอกของผู้กำกับ โดยรวมแล้ว การแสดงหุ่นกระบอกเหล่านี้กลายเป็นแรงผลักดันให้มีเสรีภาพในการสร้างหุ่นจำลองในโรงละครโดยทั่วไปมากขึ้น

บทที่สี่ - "Grand Guignol" มีสองส่วนและอุทิศให้กับ "โรงละครสยองขวัญ" Belle Epoque โรงละครแห่งนี้ตั้งอยู่ในอาคารของโบสถ์เก่าในใจกลางย่าน Pigalle ซึ่งเป็นพื้นที่ที่มีอาชญากรรมมากที่สุดในปารีส Grand Guignol เปิดให้บริการในปี พ.ศ. 2440 "เป็นทั้งสถานที่และแนวเพลงในเวลาเดียวกัน"1 รอดพ้นจากสงครามโลกครั้งที่ 2 ด้วยผลประโยชน์สาธารณะอย่างไม่ลดละ กลายเป็นหนึ่งในสถานที่ท่องเที่ยวของปารีสและสิ้นสุดการดำรงอยู่ในปี พ.ศ. 2505 กลายเป็นปรากฏการณ์ของ วัฒนธรรมมวลชน บทที่อธิบายโครงสร้างของโรงละครให้ลักษณะสำคัญของประเภทตรวจสอบบุคลิกภาพของผู้สร้างสูตรคลาสสิกของประเภทสยองขวัญ: ผู้กำกับละคร Max Moret, นักเขียนบทละคร Andre de Lorde และนักจิตวิทยา Alfred Binet ผู้ร่วมเขียน ปรมาจารย์ด้านเทคนิคพิเศษ Paul Ratineau

Grand Guignol - guignol สำหรับผู้ใหญ่นำเสนอเรื่องราวอาชญากรในช่วงเปลี่ยนศตวรรษบนเวที การไม่มีหมวดหมู่ของศีลธรรมตามธรรมชาติของกิญญอลแบบดั้งเดิม ร่องรอยของอาชญากรในอดีตที่ติดตามตัวละครหลัก (การแสดงของกีญอลถูกควบคุมโดยตำรวจ) ไม่ได้

1 Pierron A. Préface // Le Grand Guignol: (Le Théâtre des peurs de la Belle époque). พี. II.

ไม่สามารถมีอิทธิพลต่อการเลือกชื่อโรงละครใหม่ซึ่งไม่มีส่วนเกี่ยวข้องกับโรงละครหุ่นกระบอก A. Pierron สรุปผลการวิจัยของเธอเกี่ยวกับ Grand Guignol สรุปได้ว่าแม้จะมีข้อกำหนดเบื้องต้นทางประวัติศาสตร์และวรรณกรรม แต่ก็เป็นประเภทใหม่ทั้งหมด: "โรงละครแห่งสถานการณ์ที่รุนแรงและอารมณ์ที่อยู่เหนือธรรมชาติ"1.

ส่วน "ละครแห่งบรรยากาศ" กล่าวถึงกฎพื้นฐานของการสร้างการแสดงแกรนด์กินอล Max Moret ใช้สิ่งที่พบแล้วโดยผู้ก่อตั้งโรงละคร Oscar Methenier ซึ่งเป็นบรรพบุรุษของเขา ซึ่งในฐานะอดีตผู้ร่วมงานของ André Antoine มองไปที่ Théâtre Libre ยุคแรกๆ โมเร็ตทำให้ทุกองค์ประกอบของการแสดงเฉียบคมขึ้น: ดราม่าของชนชั้นทางสังคมที่ต่ำกว่าทำให้เกิดเรื่องราวเกี่ยวกับอาชญากรรมของมนุษย์ที่น่าตกใจ หลังจากยกเลิกหมวดหมู่ของศีลธรรมแล้ว Moret ได้แนะนำคำจำกัดความของ "ละครแห่งบรรยากาศ" ซึ่งสร้างผลกระทบทางอารมณ์ต่อผู้ชมโดยเฉพาะ - ผ่านความตื่นเต้นและความกลัวที่เพิ่มขึ้น (พร้อมกับเขาแพทย์ประจำที่ปรากฏตัวในโรงละครซึ่งปฏิบัติหน้าที่อยู่ ระหว่างการแสดง - ในกรณีที่ผู้ชมป่วย) เขาแปลความกระชับของรูปแบบละครเป็นแนวคิดของ "การจับเวลา" (ละครควรมีความยาวตั้งแต่สิบถึงสี่สิบนาที) และการสลับละครและคอเมดี้เป็นเทคนิค "ฝักบัวตรงกันข้าม" ที่จำเป็นสำหรับการผ่อนคลายทางจิตใจและกลายเป็น สไตล์อันเป็นเอกลักษณ์ของ Grand Guignol ในที่สุดภายใต้ Moret เอฟเฟกต์ที่เป็นธรรมชาติในโรงละครก็มาถึง ระดับสูงสุดการพัฒนา: หากครั้งหนึ่ง Antoine ทำให้ผู้ชมตกใจด้วยการสาธิตซากเนื้อสัตว์จริงบนเวทีผู้ชมของ Grand Guignol สามารถสังเกตแขนขาที่ถูกตัดขาดเหมือนจริงที่สุด, บาดแผลที่เปื้อนเลือด, ศพที่แยกชิ้นส่วน, ใบหน้าที่ราดด้วยกรดกำมะถัน ... “ สิ่งสำคัญคือต้องเน้นย้ำ” ปิเอรอนเขียน - ผู้ชม Chaptal ที่อับจนหนทางมาเยี่ยมชมโรงละครเพื่อความสุขของพวกเขาเอง เธอออกมาจากที่นั่นตกใจ ตื่นเต้น แปลงร่าง ในตัวอย่างของหลายลักษณะ

1 Pierron A. Préface // Le Grand Guignol: (Le Théâtre des peurs de la Belle époque). P. LXIII.

2 อิบีเด็ม. พี. LXII.

มีการวิเคราะห์บทละคร guignol ความสวยงามของการแสดง วิธีสร้างอิทธิพลต่อผู้ชม

ส่วนที่สองของบทนี้เรียกว่า "Contrast shower" ซึ่งเป็นคำจำกัดความที่กำหนดโดยผู้ร่วมสมัยและกำหนดลักษณะของการผลิตละคร ตัวละครหลักใน Grand Guignol คือประเภทของตัวเอง และองค์ประกอบทั้งหมดขององค์ประกอบของการแสดง ซึ่งรวมถึงนักแสดง การแสดงละคร การออกแบบเวที และสเปเชียลเอฟเฟ็กต์ อยู่ภายใต้กลไกของการเพิ่มความสยองขวัญในหอประชุม แต่ผลการรักษาคือละครสยองขวัญที่เป็นธรรมชาติอย่างยิ่ง ซึ่งถึงจุดตึงเครียดสูงสุดในตอนสุดท้าย ถูกแทนที่ด้วยหนังตลกขบขันที่ตามมา ซึ่งผลที่น่ากลัวกลายเป็นอุปกรณ์ประกอบฉากในทันใด Grand Guignol ค่อย ๆ มาสู่อติพจน์โดยนำบรรยากาศของความสยองขวัญและเทคนิคที่เป็นธรรมชาติไปสู่จุดที่ไร้เหตุผล เพื่อเอาชนะอารมณ์และความรู้สึกเหล่านี้ในใจของผู้ชมด้วยความช่วยเหลือของการสัมผัสกับความสยองขวัญและเสียงหัวเราะ

Grand Guignol เป็นส่วนหนึ่งของภูมิประเทศและตำนานของ Belle Epoque และกลายเป็นผลของมัน: เขาใช้ประสบการณ์ก่อนหน้านี้ - ประเพณีของแท็บลอยด์เรื่องประโลมโลกและโรงเรียนของ อิทธิพลสมัยใหม่ - เกินจริงเทคนิคของการแสดงละครธรรมชาติและสัญลักษณ์ในระดับหนึ่ง (หลักการของการกระทำที่แนะนำซึ่งส่วนใหญ่เกิดขึ้นในใจของผู้ชม) ใช้วิธีการของผู้กำกับละครในการสร้าง "ละครบรรยากาศ"; โดยคำนึงถึงสุนทรียภาพของหนังเงียบ Grand Guignol เป็นจุดเริ่มต้นของการศึกษาจิตวิทยาของผู้ชม ความเป็นไปได้ของผลกระทบทางอารมณ์ต่อเขา ในที่สุด Grand Guignol ก็ยืนอยู่ที่จุดกำเนิดของแนวสยองขวัญซึ่งต่อมาได้กลายเป็นสมบัติของอุตสาหกรรมภาพยนตร์

ในบทสรุป ผลการศึกษาจะถูกสรุปและติดตามโอกาสในการพัฒนากระบวนการทางศิลปะที่ได้รับการพิจารณา

เห็นได้ชัดว่ารูปแบบใหม่และประเภทละครที่เกิดขึ้นในฝรั่งเศสในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20 เป็นผลมาจากการปฏิรูปการแสดงละครที่เกี่ยวข้องกับ

การก่อตัวของศิลปะการกำกับและการเปลี่ยนความสำคัญในการแสดงจากนักแสดงไปสู่ความสมบูรณ์ทางศิลปะของวิธีการแสดงออกทั้งหมด

แรงกระตุ้นในการทดลองรูปแบบและประเภทการแสดงละครทางเลือกคือจุดกำเนิดของคาบาเรต์ ซึ่งไม่ใช่โรงละครในตัวเอง คาบาเรต์และโรงละครของผู้กำกับซึ่งเกิดขึ้นในฝรั่งเศสเกือบจะพร้อมๆ กัน ไม่ได้มีปฏิสัมพันธ์กันที่นี่ เนื่องจากพวกเขาก่อตัวเป็นปรากฏการณ์เท่านั้น และเกิดขึ้นควบคู่กันไป ยิ่งไปกว่านั้น การแสดงคาบาเรต์ได้แพร่หลายในเยอรมนีและรัสเซียแล้วในฐานะแบบจำลองความงามสำเร็จรูป ดึงดูดความสนใจของผู้กำกับมืออาชีพและนักเขียนบทละคร และควบคุมโดยพวกเขาในฐานะสนามเด็กเล่นทางเลือกที่มีกฎหมายเกี่ยวกับเวทีของตนเอง

ความสนใจของศิลปินและนักเขียนบทละครในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่มีต่อรูปแบบดั้งเดิมของละครหุ่น การประยุกต์งานทางปรัชญาและศิลปะใหม่ ๆ เผยให้เห็นถึงศักยภาพทางเนื้อหา ลักษณะเชิงสัญลักษณ์และเชิงอุปมาอุปไมย ในขณะที่ยกเลิกกฎของจารีตประเพณีและทำให้ หุ่นกระบอกเป็นเครื่องมือในการสร้างภาพศิลปะซึ่งทำให้โรงละครมีโอกาสสร้างแบบจำลองรูปแบบอิสระ

ด้วยการกำเนิดของ "โรงละครสยองขวัญ" การศึกษาจิตวิทยาของผู้ชมและความเป็นไปได้ในการมีอิทธิพลต่อเขาเริ่มต้นขึ้นซึ่งต่อมานำไปสู่ปรากฏการณ์ของภาพยนตร์ประเภท

รูปแบบใหม่และประเภทของโรงละครที่เกิดขึ้นในฝรั่งเศสในช่วงเปลี่ยนผ่านของการเคลื่อนไหวทางศิลปะในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 แสดงให้เห็นถึงความเชื่อมโยงที่ใกล้ชิด การผสมผสาน และความคล้ายคลึงกันที่ชัดเจนของการค้นหาเชิงสร้างสรรค์ที่เกี่ยวข้องกับกระบวนการกลายเป็นโรงละครของผู้กำกับและมุ่งเป้าไปที่ ในการทบทวนแนวคิดของการแสดงละคร การค้นพบที่เกิดขึ้นที่นี่ได้เตรียมพื้นฐานทางสุนทรียะสำหรับการแสดงละครแนวหน้าของศตวรรษที่ 20; ควบคู่ไปกับสิ่งนี้ รากฐานของวัฒนธรรมมวลชนถูกวางที่นี่

1. Kuzovchikova T. I. "โรงละครริมถนน" ในฝรั่งเศสในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ XIX-XX // ความคิดเห็นทางวิทยาศาสตร์ - 2556. - ฉบับที่ 11. - ส. 116-121. (0.3 น. ล.)

2. Kuzovchikova T. I. Guignol และ "Ubu-King" // มหาวิทยาลัย นิตยสารวิทยาศาสตร์= วารสารมหาวิทยาลัยมนุษยศาสตร์และวิทยาศาสตร์. - 2013. - No. 6. (อยู่ระหว่างการผลิต). (0.25 น. ล.)

ในฉบับอื่นๆ:

3. Kuzovchikova T. I. เงาของชาวปารีสของ "แมวดำ" // โรงละครแห่งปาฏิหาริย์ - 2553. - ครั้งที่ 1-2. - ส. 34-40; ฉบับที่ 3-4 -ส.46-49. (1 หน้า ล.)

4. Kuzovchikova T. I. Montmartre เป็นเมืองเสรี // บุคลิกภาพและวัฒนธรรม -2553. - ฉบับที่ 5 -ส.98-100. (0.2 น. ล.)

5. Kuzovchikova T. I. โรงละครหุ่นกระบอกเล็กของ Henri Signoret: การปฏิเสธของนักแสดง // ปรากฏการณ์ของนักแสดง: อาชีพ, ปรัชญา, สุนทรียศาสตร์ การดำเนินการประชุมทางวิทยาศาสตร์ครั้งที่สี่ของนักศึกษาระดับบัณฑิตศึกษา 28 เมษายน 2553 - เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก: SPbGATI, 2011. - S. 118-123 (0.3 น. ล.)

6. ตุ๊กตา Kuzovchikova T. I. จาก Vivienne Street // Teatron - 2554. - ครั้งที่ 1. -กับ. 38^19. (1 หน้า ล.)

7. Kuzovchikova T. I. คาบาเร่ต์ในฝรั่งเศสเมื่อปลายศตวรรษที่ 19 เป็นรูปแบบใหม่ของการแสดงละคร Sha Noir // โรงละคร - 2555. - ครั้งที่ 2. - ส. 82-94. (1 หน้า ล.)

ลงนามในการพิมพ์ 01/29/14 Format 60x841Lb Digital Print. ล. 1.15 การหมุนเวียน 100 สั่งพิมพ์ 07/01

โรงพิมพ์ "Falcon Print" (197101, St. Petersburg, Bolshaya Pushkarskaya st., 54, office 2)

เป็นที่นิยมในหมวดหมู่: