เครื่องดนตรีชนิดใดที่ได้รับความนิยมในศตวรรษที่ 17 ดนตรีบรรเลงในศตวรรษที่ 17

ดนตรีในศตวรรษที่ 17 และ 18

ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 16-17 พฤกษ์ซึ่งครอบงำดนตรีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเริ่มหลีกทางให้โฮโมโฟนี (จากภาษากรีก "โฮโมส" - "หนึ่ง", "เหมือนกัน" และ "พื้นหลัง" - "เสียง" "เสียง"). ซึ่งแตกต่างจาก polyphony ที่เสียงทั้งหมดเท่ากัน ใน polyphony แบบโฮโมโฟนิกนั้นมีความโดดเด่นโดยแสดงเป็นธีมหลักและส่วนที่เหลือจะเล่นเป็นเพลงประกอบ (คลอ) คลอมักจะเป็นระบบของคอร์ด (harmonies) ดังนั้นชื่อของวิธีการแต่งเพลงแบบใหม่ - โฮโมโฟนิกฮาร์มอนิก

ความคิดเกี่ยวกับดนตรีของคริสตจักรเปลี่ยนไป ตอนนี้นักแต่งเพลงไม่ต้องการอะไรมากมายเพื่อให้แน่ใจว่าคน ๆ หนึ่งละทิ้งความสนใจทางโลก แต่เพื่อเปิดเผยความซับซ้อนของประสบการณ์ทางวิญญาณของเขา มีงานเขียนเกี่ยวกับตำราหรือโครงเรื่องทางศาสนา แต่ไม่ได้มีไว้สำหรับการแสดงภาคบังคับในโบสถ์ (องค์ประกอบดังกล่าวเรียกว่าจิตวิญญาณเนื่องจากคำว่า "จิตวิญญาณ" มีความหมายกว้างกว่า "สงฆ์") ประเภทจิตวิญญาณหลักของศตวรรษที่ 17-18 - Cantata และ Oratorio ความสำคัญของดนตรีฆราวาสเพิ่มขึ้น: มันถูกเล่นในศาล, ในห้องโถงของขุนนาง, ในโรงละครสาธารณะ (โรงละครแห่งแรกที่เปิดในศตวรรษที่ 17) มีศิลปะดนตรีประเภทใหม่ - โอเปร่า

ดนตรีบรรเลงยังมีแนวเพลงใหม่ๆ เกิดขึ้น โดยเฉพาะอย่างยิ่งการบรรเลงคอนแชร์โต ไวโอลิน ฮาร์ปซิคอร์ด ออร์แกนค่อยๆ กลายเป็นเครื่องดนตรีเดี่ยว เพลงที่เขียนขึ้นสำหรับพวกเขาทำให้สามารถแสดงความสามารถได้ไม่เพียง แต่สำหรับนักแต่งเพลงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงนักแสดงด้วย ประการแรกความเก่งกาจนั้นมีค่า (ความสามารถในการรับมือกับปัญหาทางเทคนิค) ซึ่งค่อยๆกลายเป็นจุดจบในตัวเองและคุณค่าทางศิลปะสำหรับนักดนตรีหลายคน

นักแต่งเพลงในศตวรรษที่ 17-18 มักจะไม่เพียงแต่งเพลงเท่านั้น แต่ยังเล่นเครื่องดนตรีอย่างเชี่ยวชาญอีกด้วย กิจกรรมการสอน. ความเป็นอยู่ที่ดีของศิลปินส่วนใหญ่ขึ้นอยู่กับลูกค้ารายใดรายหนึ่ง ตามกฎแล้วนักดนตรีที่จริงจังทุกคนพยายามหาสถานที่ในราชสำนักของพระมหากษัตริย์หรือขุนนางผู้มั่งคั่ง (สมาชิกหลายคนของขุนนางมีวงออเคสตราหรือโรงละครโอเปร่าของตนเอง) หรือในวัด ยิ่งไปกว่านั้น นักแต่งเพลงส่วนใหญ่ผสมผสานการทำดนตรีของคริสตจักรเข้ากับการรับใช้ของผู้อุปถัมภ์ฆราวาสได้อย่างง่ายดาย

Oratorio และ Cantata

ในฐานะที่เป็นแนวดนตรีอิสระ oratorio (ภาษาอิตาลี oratorio จากภาษาละตินตอนปลาย - "โบสถ์") เริ่มเป็นรูปเป็นร่างในอิตาลีในศตวรรษที่ 16 นักดนตรีมองเห็นต้นกำเนิดของ oratorio ในละครพิธีกรรม (ดูบทความ "The Theatre ยุโรปยุคกลาง") - การแสดงละครที่บอกเล่าเหตุการณ์ในพระคัมภีร์

มีการเล่นการกระทำที่คล้ายกันในวัด - ดังนั้นชื่อของประเภท ในตอนแรก oratorios ถูกเขียนขึ้นจากข้อความในพระคัมภีร์ศักดิ์สิทธิ์ และมีไว้สำหรับการแสดงในโบสถ์ ใน ศตวรรษที่สิบสองนักแต่งเพลงเริ่มแต่ง oratorios สมัยใหม่ ข้อความบทกวีเนื้อหาทางจิตวิญญาณ โครงสร้างของโอราทอริโอนั้นใกล้เคียงกับโอเปร่า นี่เป็นงานหลักสำหรับนักร้องเดี่ยว คณะนักร้องประสานเสียง และวงออร์เคสตรา โดยมีโครงเรื่องที่น่าทึ่ง อย่างไรก็ตามไม่เหมือนกับโอเปร่าตรงที่ไม่มีการแสดงบนเวทีใน oratorio มันบอกเกี่ยวกับเหตุการณ์ต่างๆ แต่ไม่ได้แสดงให้เห็น

ในอิตาลีในศตวรรษที่ 17 ประเภทอื่นถูกสร้างขึ้น - cantata (it. cantata จาก lat. canto- "sing") เช่นเดียวกับออราทอรีโอ แคนตาตามักจะแสดงโดยศิลปินเดี่ยว นักร้องประสานเสียง และวงออร์เคสตรา แต่เสียงจะสั้นกว่าโอราทอรีโอ Cantatas เขียนขึ้นจากข้อความทางจิตวิญญาณและทางโลก

เพลงของอิตาลี

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 16 รูปแบบศิลปะบาโรกพัฒนาขึ้นในอิตาลี (จาก um. barocco - "แปลก", "แปลกประหลาด") สไตล์นี้โดดเด่นด้วยการแสดงออก, ละคร, ความบันเทิง, ความปรารถนาในการสังเคราะห์ (การเชื่อมต่อ) ประเภทต่างๆศิลปะ. คุณลักษณะเหล่านี้แสดงให้เห็นอย่างสมบูรณ์ในโอเปร่าที่เกิดขึ้นในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 16-17 งานชิ้นหนึ่งรวมเอาดนตรี กวีนิพนธ์ การละคร และการวาดภาพละคร ในขั้นต้น โอเปร่ามีชื่ออื่น: "ละครเพลง" (it. drama per musica); คำว่า "โอเปร่า" (มัน. โอเปร่า - "องค์ประกอบ") ปรากฏเฉพาะในช่วงกลางศตวรรษที่ 17 แนวคิดของ "ละครเพลง" ถือกำเนิดขึ้นในฟลอเรนซ์ ในแวดวงศิลปะ Florentine Camerata การประชุมของวงกลมจัดขึ้นในห้อง (จากกล้องอิตาลี - "ห้อง") ที่บ้าน จากปี ค.ศ. 1579 ถึงปี ค.ศ. 1592 ผู้รักดนตรีผู้รู้แจ้ง กวี นักวิทยาศาสตร์มารวมตัวกันในบ้านของเคานต์จิโอวานนีบาร์ดี นอกจากนี้ยังได้รับการเยี่ยมชมจากนักดนตรีมืออาชีพ - นักร้องและนักแต่งเพลง Jacopo Peri (1561 - 1633) และ Giulio Caccini (ประมาณ 1550-1618) นักทฤษฎีและนักแต่งเพลง Vincenzo Galilei (ประมาณ 1520-1591) พ่อของนักวิทยาศาสตร์ชื่อดัง Galileo Galilei

ผู้เข้าร่วม Florentine Camerata รู้สึกตื่นเต้นกับการพัฒนาศิลปะดนตรี พวกเขาเห็นอนาคตของมันในการผสมผสานระหว่างดนตรีและละคร: ข้อความของงานดังกล่าว (ไม่เหมือนกับข้อความของการร้องเพลงประสานเสียงแบบโพลีโฟนิกที่ซับซ้อนในศตวรรษที่ 16) จะกลายเป็นสิ่งที่เข้าใจได้สำหรับผู้ฟัง

สมาชิกของวงกลมพบการผสมผสานที่ลงตัวของคำและดนตรีในโรงละครโบราณ: บทต่างๆ ขับร้องด้วยเสียงร้องเพลง ทุกคำ ทุกพยางค์ฟังชัดเจน ดังนั้น Camerata ชาวฟลอเรนซ์จึงเกิดแนวคิดในการร้องเพลงเดี่ยวพร้อมกับเครื่องดนตรี - monody (จากภาษากรีก "monos" - "one" และ "ode" - "song") สไตล์ใหม่การร้องเพลงเริ่มเรียกว่าการท่อง (จากนั้นการท่อง - "การท่อง"): ดนตรีตามข้อความและการร้องเพลงเป็นการท่องจำที่ซ้ำซากจำเจ น้ำเสียงดนตรีไม่น่าประทับใจ - เน้นที่การออกเสียงคำที่ชัดเจนไม่ใช่การถ่ายทอดความรู้สึกของตัวละคร

โอเปร่าในยุคต้นของฟลอเรนซ์มีพื้นฐานมาจากตำนานโบราณ ผลงานชิ้นแรกของประเภทใหม่ที่มาถึงเราคือโอเปร่าสองเรื่องภายใต้ชื่อเดียวกัน "Eurydice" โดยนักแต่งเพลง Peri (1600) และ Caccini (1602) พวกเขาถูกสร้างขึ้นตามเนื้อเรื่องของตำนานออร์ฟัส การร้องเพลงมาพร้อมกับวงดนตรีบรรเลงซึ่งประกอบด้วย cembalo (ผู้บุกเบิกของเปียโน), พิณ, พิณ, กีตาร์ ฯลฯ

วีรบุรุษของโอเปร่าเรื่องแรกถูกปกครองโดยโชคชะตาและผู้ส่งสารจะประกาศเจตจำนง การกระทำเปิดขึ้นด้วยอารัมภบทซึ่งคุณงามความดีและพลังแห่งศิลปะถูกขับขาน การแสดงเพิ่มเติม ได้แก่ วงนักร้องประสานเสียง (การแสดงโอเปร่าที่ผู้เข้าร่วมหลายคนร้องเพลงพร้อมกัน) การร้องประสานเสียง และการเต้นรำในตอนต่างๆ องค์ประกอบทางดนตรีถูกสร้างขึ้นจากการสลับกัน

โอเปร่าเริ่มพัฒนาอย่างรวดเร็วและเหนือสิ่งอื่นใดคือดนตรีในราชสำนัก ชนชั้นสูงเป็นผู้อุปถัมภ์ศิลปะ และความห่วงใยดังกล่าวไม่เพียงอธิบายได้จากความรักต่อสิ่งสวยงามเท่านั้น ความเจริญรุ่งเรืองของศิลปะถือเป็นคุณลักษณะที่ขาดไม่ได้ของอำนาจและความมั่งคั่ง ในเมืองใหญ่ของอิตาลี - โรม, ฟลอเรนซ์, เวนิส, เนเปิลส์ - โรงเรียนโอเปร่าของพวกเขาได้พัฒนาขึ้น

คุณสมบัติที่ดีที่สุดของโรงเรียนต่าง ๆ - ความสนใจต่อคำกวี (ฟลอเรนซ์) คำบรรยายทางจิตวิญญาณที่จริงจังของการกระทำ (โรม) ความยิ่งใหญ่ (เวนิส) - ถูกรวมไว้ในงานของเขาโดย Claudio Monteverdi (1567-1643) ผู้แต่งเกิดใน เมืองอิตาลี Cremona ในครอบครัวของแพทย์ ในฐานะนักดนตรี Monteverdi พัฒนาขึ้นในวัยหนุ่ม เขาเขียนและแสดงเพลงมาดริกาล เล่นออร์แกน วิโอลา และเครื่องดนตรีอื่นๆ มอนเตเวอร์ดีศึกษาการประพันธ์เพลงกับนักแต่งเพลงที่มีชื่อเสียงในยุคนั้น ในปี ค.ศ. 1590 ในฐานะนักร้องและนักดนตรี เขาได้รับเชิญให้ไปที่ Mantua ต่อศาลของ Duke Vincenzo Gonzaga; ต่อมาเขาเป็นผู้นำโบสถ์ศาล ในปี 1612 Monteverdi ออกจากราชการใน Mantua และจากปี 1613 ตั้งรกรากในเวนิส ต้องขอบคุณ Monteverdi เป็นอย่างมาก ในปี 1637 โรงละครโอเปร่าสาธารณะแห่งแรกของโลกได้เปิดขึ้นในเมืองเวนิส นักแต่งเพลงนำโบสถ์ของวิหารซานมาร์โก ก่อนที่เขาจะเสียชีวิต Claudio Monteverdi ได้รับคำสั่งอันศักดิ์สิทธิ์

หลังจากศึกษาผลงานของ Peri และ Caccini แล้ว Monteverdi ได้สร้างผลงานประเภทนี้ของเขาเอง ในโอเปร่าเรื่องแรก - "Orpheus" (1607) และ "Ariadne" (1608) - นักแต่งเพลงสามารถถ่ายทอดความรู้สึกที่ลึกล้ำและหลงใหลด้วยดนตรีเพื่อสร้างการแสดงละครที่ตึงเครียด Monteverdi เป็นผู้เขียนโอเปร่าหลายเรื่อง แต่มีเพียงสามคนเท่านั้นที่รอดชีวิต - "Orpheus", "Return of Ulysses to his homeland" (1640; ตามเนื้อเรื่องของบทกวีมหากาพย์กรีกโบราณ "Odyssey") และ "Coronation of Poppea" ( 1642).

ผลงานของ Monteverdi ผสมผสานดนตรีและข้อความเข้าด้วยกันอย่างกลมกลืน โอเปร่าสร้างจากบทพูดคนเดียวซึ่งทุกคำฟังดูชัดเจน และดนตรีก็ถ่ายทอดอารมณ์ได้อย่างยืดหยุ่นและละเอียดอ่อน บทพูดคนเดียว บทสนทนา และการร้องประสานเสียงสอดประสานกันอย่างราบรื่น การดำเนินเรื่องค่อยๆ พัฒนาอย่างช้าๆ (การแสดง 3-4 ครั้งในโอเปร่าของมอนเตเวร์ดี) แต่ดำเนินไปอย่างมีพลัง นักแต่งเพลงได้มอบหมายบทบาทสำคัญให้กับวงออร์เคสตรา ตัวอย่างเช่นใน "Orpheus" เขาใช้เครื่องมือเกือบทั้งหมดที่รู้จักในเวลานั้น ดนตรีออร์เคสตร้าไม่เพียงแต่ประกอบการร้องเพลงเท่านั้น แต่ยังบอกเล่าถึงเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นบนเวทีและประสบการณ์ของตัวละครอีกด้วย ใน Orpheus การทาบทามปรากฏตัวครั้งแรก (ภาษาฝรั่งเศส ouverture หรือภาษาละติน apertura - "opening", "beginning") - บทนำที่สำคัญของดนตรี โอเปร่าของ Claudio Monteverdi มีอิทธิพลอย่างมากต่อนักแต่งเพลงชาวเวนิสและวางรากฐานของโรงเรียนอุปรากรเวนิส

Monteverdi ไม่เพียงเขียนโอเปร่าเท่านั้น แต่ยังรวมถึงดนตรีศักดิ์สิทธิ์ มาดริกาลทางศาสนาและทางโลกด้วย เขากลายเป็นนักแต่งเพลงคนแรกที่ไม่ต่อต้านวิธีโพลีโฟนิกและโฮโมโฟนิก - ตอนการร้องเพลงของโอเปร่าของเขารวมถึงเทคนิคโพลีโฟนิก ในผลงานของ Monteverdi สิ่งใหม่ถูกรวมเข้ากับสิ่งเก่า - ประเพณีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

เมื่อต้นศตวรรษที่สิบแปด โรงเรียนโอเปร่าก่อตั้งขึ้นในเนเปิลส์ คุณสมบัติของโรงเรียนนี้ - เพิ่มความสนใจในการร้องเพลง, บทบาทที่โดดเด่นของดนตรี ในเนเปิลส์มีการสร้างสไตล์การร้องแบบ bel canto (ภาษาอิตาลี bel canto - "การร้องเพลงที่สวยงาม") Bel canto มีชื่อเสียงในด้านความสวยงามของเสียง ท่วงทำนอง และความสมบูรณ์แบบทางเทคนิค ในการลงทะเบียนสูง (ช่วงของเสียง) การร้องเพลงมีความโดดเด่นด้วยความเบาและความโปร่งใสของเสียงต่ำในการลงทะเบียนต่ำ - ด้วยความนุ่มนวลและความหนาแน่น นักแสดงต้องสามารถสร้างเสียงต่ำได้หลายเฉดรวมทั้งถ่ายทอดลำดับเสียงที่รวดเร็วจำนวนมากซ้อนทับบนเมโลดี้หลักอย่างเชี่ยวชาญ - coloratura (it. coloratura - "การตกแต่ง") ข้อกำหนดพิเศษคือความสม่ำเสมอของเสียง - ในท่วงทำนองที่ช้าไม่ควรได้ยินเสียงหายใจ

ในศตวรรษที่ 18 โอเปร่ากลายเป็นศิลปะดนตรีประเภทหลักในอิตาลีซึ่งได้รับการอำนวยความสะดวกโดยนักร้องมืออาชีพระดับสูงที่เรียนที่โรงเรียนสอนดนตรี (it. conservatorio, err lat. conserve - "I guard") - สถาบันการศึกษาที่ฝึกฝน นักดนตรี เมื่อถึงเวลานั้น เรือนกระจกสี่แห่งได้ถูกสร้างขึ้นในศูนย์กลางของโอเปร่าอิตาลี - เวนิสและเนเปิลส์ ความนิยมของประเภทนี้ยังให้บริการโดยโรงละครโอเปร่าที่เปิดในเมืองต่าง ๆ ของประเทศซึ่งเข้าถึงได้ในทุกส่วนของสังคม โอเปร่าอิตาลีจัดแสดงในโรงละครของเมืองหลวงสำคัญๆ ในยุโรป และนักแต่งเพลงจากออสเตรีย เยอรมนี และประเทศอื่นๆ ก็เขียนโอเปร่าตามตำราภาษาอิตาลี

ความสำเร็จที่สำคัญของดนตรีในศตวรรษที่ XVII-XVIII ของอิตาลี และในด้านประเภทเครื่องดนตรี นักแต่งเพลงและนักออร์แกน Girolamo Frescobaldi (1583-1643) ได้พัฒนาความคิดสร้างสรรค์ของออร์แกนมากมาย "ในดนตรีคริสตจักร เขาวางรากฐานสำหรับรูปแบบใหม่ การแต่งเพลงของเขาสำหรับออร์แกนเป็นองค์ประกอบที่มีรายละเอียดเหมือนคลังแฟนตาซี (ฟรี) Frescobaldi มีชื่อเสียงในด้านการเล่นที่เก่งกาจและศิลปะการด้นสดบนออร์แกนและคลาเวียร์ ศิลปะไวโอลินเฟื่องฟู เมื่อถึงเวลานั้นประเพณีการผลิตไวโอลินได้พัฒนาขึ้นในอิตาลี ตระกูล Amati, Guarneri และ Stradivari จากเมือง Cremona ได้พัฒนาการออกแบบไวโอลินซึ่งเป็นวิธีการผลิตซึ่งถูกเก็บเป็นความลับและส่งต่อ จากรุ่นสู่รุ่นเครื่องดนตรีที่ปรมาจารย์เหล่านี้ทำขึ้นมีเสียงที่ไพเราะและอบอุ่นคล้ายกับเสียงของมนุษย์จนน่าทึ่ง ได้รับความนิยมในฐานะเครื่องดนตรีทั้งวงและเดี่ยว

ผู้ก่อตั้งโรงเรียนสอนไวโอลินโรมันคืออาร์แองเจโล คอเรลลี (ค.ศ. 1653-1713) ซึ่งเป็นหนึ่งในผู้สร้างประเภทคอนแชร์โตกรอสโซ (อืม คอนแชร์โตกรอสโซ - "คอนเสิร์ตยอดเยี่ยม") คอนเสิร์ตมักจะมีเครื่องดนตรีเดี่ยว (หรือกลุ่มเครื่องดนตรี) และวงออร์เคสตรา "แกรนด์คอนแชร์โต" สร้างขึ้นจากการสลับตอนเดี่ยวและเสียงของวงออเคสตราทั้งหมด ซึ่งในศตวรรษที่ 17 เป็นแบบแชมเบอร์และเครื่องสายเป็นส่วนใหญ่ ศิลปินเดี่ยวของ Corelli ส่วนใหญ่เป็นไวโอลินและเชลโล คอนเสิร์ตของเขาประกอบด้วยส่วนต่าง ๆ ของตัวละคร; หมายเลขของพวกเขาโดยพลการ

นักดนตรีไวโอลินที่โดดเด่นคนหนึ่งคือ Antonio Vivaldi (1678-1741) เขามีชื่อเสียงในฐานะนักไวโอลินฝีมือฉกาจ

ผู้ร่วมสมัยถูกดึงดูดด้วยสไตล์การแสดงอันน่าทึ่งของเขา ซึ่งเต็มไปด้วยความแตกต่างที่คาดไม่ถึง เพื่อสืบสานประเพณีของ Corelli นักแต่งเพลงทำงานในประเภทของ "คอนเสิร์ตที่ยอดเยี่ยม" จำนวนผลงานที่เขียนโดยเขานั้นมีมากมายมหาศาล - คอนแชร์โต้สี่ร้อยหกสิบห้า, โอเปร่าสี่สิบ, แคนทาทาและออราทอรีโอ

การสร้างคอนเสิร์ต Vivaldi พยายามหาเสียงที่สดใสและผิดปกติ เขาผสมเสียง เครื่องมือที่แตกต่างกัน, มักจะรวมความไม่ลงรอยกัน (พยัญชนะที่คมชัด) ในดนตรี; เขาเลือกเครื่องดนตรีหายากในเวลานั้นในฐานะศิลปินเดี่ยว - ปี่, แมนโดลิน (ถือเป็นเครื่องดนตรีข้างถนน) คอนแชร์โตของวิวาลดีประกอบด้วยสามส่วน โดยส่วนแรกและส่วนสุดท้ายแสดงด้วยจังหวะที่รวดเร็ว และท่อนกลางแสดงอย่างช้าๆ คอนเสิร์ต Vivaldi หลายแห่งมีโปรแกรม - ชื่อเรื่องหรือแม้แต่การอุทิศวรรณกรรม วงจร "ฤดูกาล" (1725) เป็นหนึ่งในตัวอย่างแรกของรายการ ดนตรีออเคสตร้า. สี่คอนเสิร์ตในรอบนี้ - "ฤดูใบไม้ผลิ", "ฤดูร้อน", "ฤดูใบไม้ร่วง", "ฤดูหนาว" - วาดภาพธรรมชาติให้มีสีสัน วิวาลดีสามารถถ่ายทอดเสียงเพลงของนก ("ฤดูใบไม้ผลิ" ส่วนแรก) พายุฝนฟ้าคะนอง ("ฤดูร้อน" ส่วนที่สาม) ฝน ("ฤดูหนาว" ส่วนที่สอง) ความเก่งกาจ ความซับซ้อนทางเทคนิคไม่ได้ทำให้ผู้ฟังเสียสมาธิ แต่มีส่วนในการสร้างภาพลักษณ์ที่น่าจดจำ งานคอนเสิร์ตของ Vivaldi ได้กลายเป็นศูนย์รวมที่ชัดเจนของสไตล์บาโรกในดนตรีบรรเลง

โอเปร่าและโอเปร่าควาย

ในศตวรรษที่สิบแปด ประเภทโอเปร่า เช่น โอเปร่าซีเรีย (it. โอเปร่าซีเรีย - "โอเปร่าซีเรียส") และโอเปร่าบัฟฟา (it. โอเปร่าควาย - "โอเปร่าการ์ตูน") ได้ก่อตัวขึ้น Operaseria ก่อตั้งขึ้นในผลงานของ Alessandro Scarlatti (1660-1725) - ผู้ก่อตั้งและ ตัวแทนรายใหญ่ที่สุดโรงเรียนโอเปร่าเนเปิลส์ ในช่วงชีวิตของเขาเขาได้แต่งผลงานดังกล่าวมากกว่าร้อยชิ้น สำหรับซีรีส์โอเปร่า มักจะเลือกโครงเรื่องที่เป็นตำนานหรือประวัติศาสตร์ เปิดด้วยการทาบทามและประกอบด้วยตัวเลขที่สมบูรณ์ - อาเรีย บทบรรยาย และบทประสานเสียง บทบาทหลักเล่นโดย arias ขนาดใหญ่ โดยปกติจะประกอบด้วยสามส่วน และส่วนที่สามเป็นการทำซ้ำของส่วนแรก ใน aria ตัวละครแสดงทัศนคติต่อเหตุการณ์ที่เกิดขึ้น

อาเรียมีหลายประเภท: กล้าหาญ, น่าสมเพช (หลงใหล), โศกเศร้า, ฯลฯ สำหรับแต่ละประเภทมีการใช้วิธีการแสดงออกที่หลากหลาย: ในอาเรียที่กล้าหาญ - น้ำเสียงที่เด็ดขาด, เชิญชวน, จังหวะเร็ว; ในประโยคที่เศร้าโศก - วลีดนตรีสั้น ๆ ที่ไม่ต่อเนื่องซึ่งแสดงถึงความตื่นเต้นของฮีโร่ ฯลฯ การบรรยายเรื่องเล็ก ๆ น้อย ๆ ทำหน้าที่ในการเล่าเรื่องที่น่าทึ่งราวกับว่ากำลังก้าวไปข้างหน้า วีรบุรุษหารือแผนการดำเนินการต่อไปเล่าเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นให้กันและกันฟัง การบรรยายแบ่งออกเป็นสองประเภท: secco (จากภาษาอิตาลี secco - "dry") - การบิดลิ้นอย่างรวดเร็วไปยังคอร์ดที่มีค่าเฉลี่ยของฮาร์ปซิคอร์ดและดนตรีประกอบ (It. Assotraniato - "พร้อมดนตรีประกอบ") - การบรรยายที่แสดงออกถึงเสียงของ วงออเคสตรา Secco มักใช้เพื่อพัฒนาการกระทำร่วมกับ - เพื่อถ่ายทอดความคิดและความรู้สึกของฮีโร่ คณะนักร้องประสานเสียงและวงดนตรีแสดงความคิดเห็นเกี่ยวกับสิ่งที่เกิดขึ้น แต่ไม่ได้มีส่วนร่วมในเหตุการณ์

จำนวนของ lias ที่ใช้งานอยู่นั้นขึ้นอยู่กับประเภทของโครงเรื่องและถูกกำหนดอย่างเคร่งครัด เช่นเดียวกับความสัมพันธ์ของตัวละคร มีการกำหนดประเภทของหมายเลขเสียงร้องเดี่ยวและตำแหน่งของพวกเขาในการแสดงบนเวที ตัวละครแต่ละตัวมีเสียงของตัวเอง: วีรบุรุษโคลงสั้น ๆ - โซปราโนและเทเนอร์, พ่อผู้สูงศักดิ์หรือวายร้าย - บาริโทนหรือเบส, นางเอกที่เสียชีวิต - ตรงกันข้าม

ในช่วงกลางศตวรรษที่สิบแปด ข้อบกพร่องของซีรีส์โอเปร่าก็ชัดเจน การแสดงมักถูกกำหนดเวลาให้ตรงกับงานเฉลิมฉลองของราชสำนัก ดังนั้น งานจึงต้องจบลงอย่างมีความสุข ซึ่งบางครั้งดูไม่น่าเชื่อถือและไม่เป็นธรรมชาติ บ่อยครั้งที่ข้อความถูกเขียนขึ้นด้วยภาษาที่ประดิษฐ์ขึ้นและมีมารยาทที่ประณีต บางครั้งนักแต่งเพลงละเลยเนื้อหาและเขียนเพลงที่ไม่เข้ากับลักษณะของเซียนาหรือสถานการณ์ มีตราประทับจำนวนมาก ผลกระทบภายนอกที่ไม่จำเป็น นักร้องแสดงให้เห็นถึงความสามารถของตนเองโดยไม่คิดถึงบทบาทของเพลงในงานโดยรวม โอเปอยูเรียเริ่มถูกเรียกว่า "คอนเสิร์ตในชุด" ผู้ชมไม่ได้แสดงความสนใจอย่างจริงจังในโอเปร่า แต่ไปแสดงสำหรับเพลง "มงกุฎ" ของนักร้องชื่อดัง ระหว่างการแสดง ผู้ชมเข้าและออกจากห้องโถง

Operabuffa ถูกสร้างขึ้นโดยปรมาจารย์ชาวเนเปิล ตัวอย่างแรกของโอเปร่าคลาสสิกคือ The Maid's Servant (1733) โดยนักแต่งเพลง Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736) หากอยู่ในโอเปร่าซีเรียเบื้องหน้า - อาเรียจากนั้นในโอเปร่าบัฟฟา - บทสนทนาภาษาพูดสลับกับ วงดนตรีเสียง. ใน operebuffa หลักที่แตกต่างกันอย่างสิ้นเชิง ตัวละคร. ตามกฎแล้วคนธรรมดา - คนรับใช้ชาวนา เนื้อเรื่องมีพื้นฐานมาจากการวางอุบายความบันเทิงด้วยการแต่งตัว การหลอกเจ้าของคนรวยที่โง่เขลาโดยคนรับใช้ ฯลฯ จากดนตรี จำเป็นต้องมีความเบาที่สง่างามจากการกระทำ - ความรวดเร็ว

โอเปรูบัฟฟาได้รับอิทธิพลอย่างมากจากนักเขียนบทละครชาวอิตาลี ผู้สร้างภาพยนตร์ตลกระดับชาติเรื่องคาร์โล โกลโดนี ผลงานประเภทนี้มีไหวพริบ มีชีวิตชีวา และมีชีวิตชีวาที่สุดสร้างโดยนักแต่งเพลงชาวเนเปิลส์: Niccolo Piccinni (1728-1800) - "Chekkina หรือ the Good Daughter" (1760); Giovanni Paisiello (1740-1816) - "ช่างตัดผมแห่งเซบียา" (1782), "The Miller" (1788); นักร้อง นักไวโอลิน นักเล่นฮาร์ปซิคอร์ด และนักแต่งเพลง Domenico Cimarosa (พ.ศ. 2292-2344) - "การแต่งงานลับ" (พ.ศ. 2335)

เครื่องสาย

ผู้บุกเบิกเครื่องดนตรีประเภทเครื่องสายสมัยใหม่ เช่น ไวโอลิน วิโอลา เชลโล และดับเบิ้ลเบส คือ วิโอลา พวกเขาปรากฏตัวเมื่อปลายศตวรรษที่ 15 - ต้นศตวรรษที่ 16 และในไม่ช้าด้วยเสียงที่นุ่มนวลและนุ่มนวลพวกเขาก็เริ่มมีบทบาทสำคัญในวงออเคสตร้า

วิโอลาค่อยๆ ถูกแทนที่ด้วยเครื่องสายแบบใหม่ที่โค้งคำนับขั้นสูงกว่า ในศตวรรษที่ XVI-XVII โรงเรียนช่างฝีมือทั้งหมดได้ทำงานเกี่ยวกับการสร้างของพวกเขา ที่มีชื่อเสียงที่สุดคือราชวงศ์ของผู้ผลิตไวโอลินที่เกิดขึ้นทางตอนเหนือของอิตาลี - ในเมือง Cremona และ Brescia

ผู้ก่อตั้งโรงเรียน Cremonese คือ Andrea Amati (ประมาณปี 1520 - ประมาณปี 1580) Nicolo Amati (1596-1684) หลานชายของเขามีชื่อเสียงเป็นพิเศษจากงานศิลปะของเขา เขาทำให้อุปกรณ์ของไวโอลินเกือบจะสมบูรณ์แบบ เพิ่มความแข็งแกร่งให้กับเสียงของเครื่องดนตรี ในขณะเดียวกันก็รักษาความนุ่มนวลและความอบอุ่นของเสียงต่ำไว้ได้ ครอบครัว Guarneri ทำงานใน Cremona ในศตวรรษที่ 17-18 ผู้ก่อตั้งราชวงศ์คือ Andrea Guarneri (1626-1698) ซึ่งเป็นลูกศิษย์ของ Nicolò Amati อาซูเซปเป กวาร์เนรี ปรมาจารย์ที่โดดเด่น (1698-1744) ได้พัฒนาไวโอลินรุ่นใหม่ที่แตกต่างจากเครื่องดนตรีของอามาติ

ประเพณีของโรงเรียนอามาตียังคงดำเนินต่อไปโดยอันโตนิโอ สตราดิวารี (ค.ศ. 1644-1737) เขาเรียนกับ Nicolò Amati และในปี 1667 ก็ได้เปิดธุรกิจของตัวเอง Stradivari เป็นมากกว่าปรมาจารย์คนอื่น ๆ ที่สามารถทำให้เสียงของไวโอลินใกล้เคียงกับเสียงต่ำของเสียงมนุษย์ได้

ครอบครัว Magini ทำงานใน Breche; ไวโอลินที่ดีที่สุดสร้างโดย Giovanni Magini (1580-1630 หรือ 1632)

เครื่องดนตรีประเภทเครื่องสายที่คำนับที่มีการลงทะเบียนสูงสุดคือไวโอลิน ตามมาด้วยวิโอลา เชลโล คอนทราเบสตามลำดับช่วงเสียงจากมากไปน้อย รูปร่างของลำตัว (หรือกล่องเสียงกังวาน) ของไวโอลินคล้ายกับโครงร่างของร่างกายมนุษย์ ตัวถังมีดาดฟ้าด้านบนและด้านล่าง (German Decke - "ฝาปิด") โดยตัวแรกทำจากไม้สปรูซและตัวที่สองทำจากเมเปิ้ล ชั้นทำหน้าที่สะท้อนและขยายเสียง ด้านบนมีรูสะท้อนเสียง (ในรูปแบบของตัวอักษรละติน f ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่จะเรียกว่า "efs") คอติดกับลำตัว มักทำจากไม้มะเกลือ มันเป็นแผ่นแคบยาวที่ขึงสี่สาย หมุดใช้เพื่อปรับความตึงและปรับสาย พวกเขายังอยู่บน fretboard

วิโอลา เชลโล และดับเบิลเบสมีโครงสร้างคล้ายกับไวโอลิน แต่มีขนาดใหญ่กว่า วิโอลาไม่ใหญ่มากถือไว้ที่ไหล่ เชลโลมีขนาดใหญ่กว่าวิโอลา และเมื่อเล่น นักดนตรีจะนั่งบนเก้าอี้และวางเครื่องดนตรีไว้บนพื้นระหว่างขา ดับเบิลเบสมีขนาดใหญ่กว่าเชลโล ดังนั้นนักแสดงจึงต้องยืนหรือนั่งบนเก้าอี้สูงและวางเครื่องดนตรีไว้ข้างหน้าเขา ในระหว่างเกม นักดนตรีนำเครื่องสายด้วยคันธนู ซึ่งเป็นไม้เท้าที่มีขนม้าขึงไว้ สายจะสั่นและเกิดเสียงที่ไพเราะ คุณภาพเสียงขึ้นอยู่กับความเร็วของการเคลื่อนไหวของคันธนูและแรงที่กดบนสาย ด้วยนิ้วมือซ้ายนักแสดงจะย่อสายให้สั้นลงโดยกดที่ตำแหน่งต่าง ๆ กับเฟรตบอร์ด - ด้วยวิธีนี้เขาจึงได้ระดับเสียงที่แตกต่างกัน สำหรับเครื่องดนตรีประเภทนี้ เสียงสามารถแยกออกได้โดยการดีดหรือดีดสายด้วยส่วนที่เป็นไม้ของคันธนู เสียงของเครื่องสายที่โค้งคำนับนั้นสื่อความหมายได้ดีมาก นักแสดงสามารถให้ความแตกต่างของดนตรีได้ดีที่สุด

เครื่องลมเป็นเครื่องดนตรีประเภทที่เก่าแก่ที่สุดที่มาจากยุคกลางตั้งแต่สมัยโบราณ อย่างไรก็ตามในกระบวนการของการพัฒนาและการก่อตัวของอารยธรรมตะวันตกในยุคกลางขอบเขตของเครื่องมือลมนั้นขยายออกไปอย่างมาก: บางอย่างเช่น oliphant เป็นของราชสำนักขุนนางผู้สูงศักดิ์และอื่น ๆ - ขลุ่ย - ถูกใช้ทั้งในพื้นบ้าน สภาพแวดล้อมและในหมู่นักดนตรีมืออาชีพและอื่น ๆ เช่นทรัมเป็ตกลายเป็นเครื่องดนตรีทางทหารเท่านั้น

ตัวแทนที่เก่าแก่ที่สุดเครื่องลมในฝรั่งเศสน่าจะเรียกว่า fretel (เฟรเทล) หรือ "Pan's flute" เครื่องดนตรีที่คล้ายกันสามารถเห็นได้จากต้นฉบับขนาดจิ๋วจากศตวรรษที่ 11 ในหอสมุดแห่งชาติปารีส (รูปที่ 1) นี่คือฟลุตแบบหลายลำกล้อง ประกอบด้วยชุดท่อ (กก ไม้อ้อ หรือไม้) ที่มีความยาวต่างกัน โดยปลายด้านหนึ่งเปิดและอีกด้านปิด Fretel มักถูกกล่าวถึงพร้อมกับขลุ่ยประเภทอื่น ๆ ในนวนิยายของศตวรรษที่ XI-XII อย่างไรก็ตามในศตวรรษที่สิบสี่ เฟรเทลถูกพูดถึงในฐานะเครื่องดนตรีที่เล่นในวันหยุดของหมู่บ้านเท่านั้น มันกลายเป็นเครื่องดนตรีของคนทั่วไป

ในทางตรงกันข้าม ขลุ่ย (ฟลูต) กำลัง "เพิ่มขึ้น": จากเครื่องดนตรีพื้นบ้านทั่วไปไปสู่เครื่องดนตรีประเภทคอร์ท ขลุ่ยที่เก่าแก่ที่สุดถูกพบในดินแดนของฝรั่งเศสในชั้นวัฒนธรรม Gallo-Roman (I-II ศตวรรษ AD) ส่วนใหญ่เป็นกระดูก จนถึงศตวรรษที่ 13 ขลุ่ยมักจะเป็นสองเท่า เช่นเดียวกับขนาดเล็กจากต้นฉบับศตวรรษที่ 10 จากหอสมุดแห่งชาติกรุงปารีส (รูปที่ 3) และหลอดจะมีความยาวเท่ากันหรือต่างกันก็ได้ จำนวนรูบนลำกล้องของขลุ่ยอาจแตกต่างกันไป (จากสี่ถึงหก, เจ็ด) ขลุ่ยมักจะเล่นโดยนักดนตรี นักเล่นกล และบ่อยครั้งที่การเล่นของพวกเขานำหน้าขบวนอันเคร่งขรึมหรือบุคคลระดับสูง

นักร้องยังเล่นขลุ่ยคู่ด้วยแตรที่มีความยาวต่างกัน ขลุ่ยดังกล่าวแสดงอยู่บนบทความสั้นจากต้นฉบับในศตวรรษที่ 13 (รูปที่ 2) ในภาพย่อ คุณจะเห็นวงออร์เคสตราที่มีนักร้องสามวง วงหนึ่งเล่นไวโอลิน ที่สองบนขลุ่ยที่คล้ายกันคล้ายกับคลาริเน็ตสมัยใหม่ ครั้งที่สามตีรำมะนาสี่เหลี่ยมทำด้วยหนังขึงบนโครง ตัวละครที่สี่รินไวน์ให้นักดนตรีเพื่อเติมความสดชื่น วงดนตรีฟลุต กลอง และไวโอลินที่คล้ายกันมีอยู่ในหมู่บ้านต่างๆ ของฝรั่งเศสจนถึงต้นศตวรรษที่ 19

ในศตวรรษที่สิบห้า ขลุ่ยที่ทำจากหนังต้มเริ่มปรากฏขึ้น ยิ่งกว่านั้น ตัวฟลุตสามารถเป็นได้ทั้งแบบกลมและแปดเหลี่ยมในส่วนตัดขวาง ไม่เพียงแต่เป็นเส้นตรงเท่านั้น แต่ยังเป็นลอนอีกด้วย เครื่องมือที่คล้ายกันได้รับการเก็บรักษาไว้ใน คอลเลกชันส่วนตัวคุณโฟ (รูปที่ 4) ความยาว 60 ซม. ที่จุดที่กว้างที่สุดมีเส้นผ่านศูนย์กลาง 35 มม. ลำตัวทำด้วยหนังไก่ต้มสีดำ หัวตกแต่งทำสี ฟลุตดังกล่าวทำหน้าที่เป็นต้นแบบในการสร้างท่อเซอร์แพน ขลุ่ย Serpan ถูกใช้ทั้งระหว่างพิธีศักดิ์สิทธิ์ในโบสถ์และในงานเฉลิมฉลองทางโลก ขลุ่ยขวางเช่นเดียวกับแฟลกโอเล็ตถูกกล่าวถึงเป็นครั้งแรกในข้อความของศตวรรษที่ 14

เครื่องดนตรีประเภทเป่าอีกชนิดหนึ่งคือปี่ นอกจากนี้ยังมีหลายประเภทในยุคกลางของฝรั่งเศส นี่คือ chevrette - เครื่องลมที่ประกอบด้วยถุงหนังแพะ ท่ออากาศ และ duda นักดนตรีที่เล่นเครื่องดนตรีชิ้นนี้ (รูปที่ 6) เป็นภาพต้นฉบับในศตวรรษที่ 14 "ความโรแมนติกของกุหลาบ" จากหอสมุดแห่งชาติกรุงปารีส บางแหล่งแยกคำว่า chevret และปี่สก็อต ในขณะที่บางแหล่งเรียก chevret ว่า "ปี่น้อย" เครื่องมือนี้ซึ่งมีรูปร่างหน้าตาชวนให้นึกถึงเชฟโรเลตในศตวรรษที่ 19 พบกันในหมู่บ้านของจังหวัดเบอร์กันดีและลีมูแซงของฝรั่งเศส

ปี่ชนิดอื่นคือ horo หรือ horum (choro) ตามคำอธิบายที่พบในต้นฉบับจากสำนักสงฆ์เซนต์. Blaise (ศตวรรษที่ 9) เป็นเครื่องเป่าที่มีท่อสำหรับจ่ายอากาศและท่อ และท่อทั้งสองตั้งอยู่ในระนาบเดียวกัน ตรงกลางของโฮโระมีที่เก็บอากาศ ทำจากหนังสัตว์ และมีรูปร่างเป็นทรงกลมที่สมบูรณ์แบบ เนื่องจากผิวหนังของ “กระเป๋า” เริ่มสั่นสะเทือนเมื่อนักดนตรีเป่าเข้าไปในโฮโร เสียงจึงค่อนข้างสั่นและแหลม (รูปที่ 6)

ปี่สก็อต (coniemuese) ชื่อภาษาฝรั่งเศสสำหรับเครื่องดนตรีชนิดนี้มาจากภาษาละตินว่า corniculans (มีเขา) และพบในต้นฉบับตั้งแต่ศตวรรษที่ 14 เท่านั้น ทั้งรูปลักษณ์และการใช้งานในยุคกลางของฝรั่งเศสไม่แตกต่างจากปี่สก๊อตแบบดั้งเดิมที่เรารู้จัก ดังจะเห็นได้จากภาพจากต้นฉบับในศตวรรษที่ 14 (รูปที่ 9)

เขาสัตว์และเขาสัตว์ (corner). เครื่องเป่าเหล่านี้ทั้งหมด รวมทั้งแตรโอลิแฟนต์ที่ดี มีความแตกต่างกันเล็กน้อยในด้านการออกแบบและการใช้งาน ทำด้วยไม้ หนังต้ม งาช้าง เขาสัตว์ และโลหะ พวกเขามักจะสวมใส่บนเข็มขัด ช่วงของเสียงแตรไม่กว้าง แต่เป็นนักล่าแห่งศตวรรษที่สิบสี่ ท่วงทำนองเรียบง่ายที่ประกอบด้วยสัญญาณบางอย่างถูกเล่น ดังที่เราได้กล่าวไปแล้วเขาล่าสัตว์ถูกสวมใส่ครั้งแรกที่เอวจากนั้นจนถึงศตวรรษที่ 16 โดยใช้สลิงเหนือไหล่ จี้ที่คล้ายกันมักพบในภาพโดยเฉพาะอย่างยิ่งในหนังสือการล่าสัตว์ของ Gaston Phoebe (รูปที่ 8). เขาล่าสัตว์ของลอร์ดผู้สูงศักดิ์เป็นของล้ำค่า ดังนั้นซิกฟรีดใน "เพลงแห่งนิเบลุง" จึงถือเขาทองคำฝีมือดีติดตัวไปด้วยเพื่อล่าสัตว์

แยกกันควรจะพูดเกี่ยวกับ alifant - เขาขนาดใหญ่ที่มีวงแหวนโลหะที่ทำขึ้นโดยเฉพาะเพื่อให้สามารถแขวน oliphant ทางด้านขวาของเจ้าของได้ พวกเขาทำโอลิแฟนต์จากงาช้าง ใช้ในการล่าสัตว์และในระหว่างการปฏิบัติการทางทหารเพื่อส่งสัญญาณการเข้าใกล้ของศัตรู คุณลักษณะที่โดดเด่นของ oliphant คือมันสามารถเป็นของผู้มีอำนาจสูงสุดเท่านั้นซึ่งผู้อยู่ใต้บังคับบัญชาคือยักษ์ใหญ่ ลักษณะกิตติมศักดิ์ของเครื่องดนตรีนี้ได้รับการยืนยันโดยประติมากรรมของศตวรรษที่ 12 จากโบสถ์แอบบีย์ใน Vaselles ซึ่งมีรูปทูตสวรรค์ถือโอลิแฟนต์อยู่ข้างๆ ประกาศการประสูติของพระผู้ช่วยให้รอด (รูปที่ 13)

เขาล่าสัตว์แตกต่างจากแตรที่ใช้โดยนักร้อง หลังใช้เครื่องมือที่มีการออกแบบขั้นสูงกว่า ในเมืองหลวงของเสาจากโบสถ์วัดเดียวกันใน Vazelle มีการแสดงนักร้อง (รูปที่ 12) ที่เล่นแตรซึ่งไม่เพียงทำรูตามท่อเท่านั้น แต่ยังรวมถึงระฆังด้วยซึ่งทำให้สามารถปรับ เสียงให้มันมากหรือน้อย

ท่อถูกแสดงด้วยท่อจริง (trompe) และท่อโค้งที่ยาวกว่าหนึ่งเมตร - ธุรกิจ เอ็ลเดอร์เบอร์รี่ทำจากไม้ หนังต้ม แต่ส่วนใหญ่มักจะทำจากทองเหลือง ดังที่เห็นได้จากต้นฉบับขนาดจิ๋วจากศตวรรษที่ 13 (รูปที่ 9) เสียงของพวกเขาแหลมและดัง และเนื่องจากได้ยินมาแต่ไกล พวกผู้ใหญ่จึงถูกใช้ในกองทัพเพื่อโทรปลุกในตอนเช้า พวกเขาให้สัญญาณให้ย้ายค่ายออกและแล่นเรือ พวกเขายังประกาศการมาถึงของราชวงศ์ ดังนั้นในปี ค.ศ. 1414 การเข้าสู่ปารีสของ Charles VI จึงถูกประกาศด้วยเสียงของผู้อาวุโส เนื่องจากเสียงที่ดังเป็นพิเศษในยุคกลางเชื่อกันว่าการเล่นเอลเดอร์เบอร์รี่เทวดาจะประกาศการเริ่มต้นของวันพิพากษา

ทรัมเป็ตเป็นเครื่องดนตรีทางทหารเท่านั้น เธอทำหน้าที่เลี้ยงดูในกองทัพ จิตวิญญาณการต่อสู้เพื่อรวบรวมกำลังพล ท่อมีขนาดเล็กกว่าเอลเดอร์เบอร์รี่และเป็นท่อโลหะ (ตรงหรืองอหลายๆ ครั้ง) โดยมีเบ้าที่ปลาย คำนี้ปรากฏในปลายศตวรรษที่ 15 แต่เครื่องดนตรีประเภทนี้ (ท่อตรง) ถูกนำมาใช้ในกองทัพตั้งแต่ศตวรรษที่ 13 ในตอนท้ายของศตวรรษที่สิบสี่ รูปร่างของท่อเปลี่ยนไป (ลำตัวงอ) และตัวท่อนั้นจำเป็นต้องตกแต่งด้วยชายธงที่มีตราแผ่นดิน (รูปที่ 7)

ท่อชนิดพิเศษ - งู (งู) - ทำหน้าที่เป็นต้นแบบสำหรับเครื่องมือลมสมัยใหม่จำนวนมาก ในคอลเลกชันของ Mr. Fo มีเคียว (รูปที่ 10) ทำจากหนังต้มสูง 0.8 ม. และความยาวรวม 2.5 ม. นักดนตรีถือเครื่องดนตรีด้วยมือทั้งสองข้างในขณะที่มือซ้ายถือ ส่วนโค้ง (A) และนิ้วของมือขวาผ่านรูที่ทำขึ้นที่ส่วนบนของเคียว เสียงของ Serpan นั้นทรงพลัง เครื่องดนตรีประเภทลมนี้ถูกใช้ทั้งในวงดนตรีของทหารและในงานรับใช้ของโบสถ์

ออร์แกน (orgue) อยู่ในตระกูลเครื่องลม เครื่องดนตรีประเภทแป้นเหยียบที่มีชุดท่อหลายโหล (รีจิสเตอร์) ที่กำหนดให้เป็นเสียงโดยลมเป่าโดยเครื่องสูบลม ปัจจุบันเกี่ยวข้องกับอวัยวะขนาดใหญ่ที่อยู่นิ่งเท่านั้น - โบสถ์และคอนเสิร์ต (รูปที่ 14) อย่างไรก็ตาม ในยุคกลาง เครื่องดนตรีประเภทนี้อีกประเภทหนึ่งคือ ออร์แกนมือ (หรือ orgue de main) แพร่หลายมากกว่า มันขึ้นอยู่กับ "ขลุ่ยกระทะ" ซึ่งตั้งค่าเป็นเสียงด้วยความช่วยเหลือของอากาศอัดซึ่งเข้าสู่ท่อจากถังที่มีวาล์วเปิดปิด อย่างไรก็ตามในสมัยโบราณในเอเชีย, กรีกโบราณและโรม, รู้จักอวัยวะขนาดใหญ่ที่มีการควบคุมไฮดรอลิก ทางตะวันตก เครื่องดนตรีเหล่านี้ปรากฏเฉพาะในศตวรรษที่ 8 และถึงกระนั้นก็เป็นของขวัญที่จักรพรรดิไบแซนไทน์มอบให้พระมหากษัตริย์ตะวันตก (Konstantin V Copronymus ส่งออร์แกนดังกล่าวเป็นของขวัญให้กับ Pepin the Short และ Konstantin Curopolat ถึง Charlemagne และ Louis the ดี).

ภาพของอวัยวะมือปรากฏในฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 10 เท่านั้น นักดนตรีใช้มือขวาไล่ตามคีย์ต่างๆ และใช้มือซ้ายกดที่สูบลมที่สูบลม ตัวเครื่องดนตรีนั้นมักจะอยู่ที่หน้าอกหรือท้องของนักดนตรี โดยปกติแล้ว จะมีท่อแปดท่อในอวัยวะที่ใช้มือและตามด้วยปุ่มแปดปุ่ม ในช่วงศตวรรษที่ 13-14 อวัยวะของมือแทบจะไม่เปลี่ยนแปลง แต่จำนวนท่ออาจแตกต่างกันไป เฉพาะในศตวรรษที่ 15 เท่านั้นที่มีท่อแถวที่สองและแป้นพิมพ์คู่ (สี่รีจิสเตอร์) ปรากฏในอวัยวะที่ใช้ ท่อเป็นโลหะเสมอ อวัยวะด้วยมือของงานเยอรมันในศตวรรษที่ 15 มีอยู่ในมิวนิค Pinotek (รูปที่ 15)

ออร์แกนมือเริ่มแพร่หลายในหมู่นักดนตรีที่เดินทางซึ่งสามารถร้องเพลงไปพร้อมกับเครื่องดนตรีได้ พวกเขาส่งเสียงในจัตุรัสกลางเมืองในวันหยุดของหมู่บ้าน แต่ไม่เคยฟังในโบสถ์

อวัยวะที่มีขนาดเล็กกว่าของโบสถ์ แต่มากกว่าอวัยวะที่ใช้บังคับ ครั้งหนึ่งเคยถูกวางไว้ในปราสาท (เช่น ในราชสำนักของพระเจ้าชาร์ลส์ที่ 5 เป็นต้น) หรืออาจติดตั้งบนชานชาลาข้างถนนในระหว่างพิธีอันศักดิ์สิทธิ์ ดังนั้น อวัยวะที่คล้ายกันหลายชิ้นจึงดังขึ้นในปารีส เมื่ออิซาเบลลาแห่งบาวาเรียเข้ามาในเมืองอย่างเคร่งขรึม

บางทีอาจไม่มีอารยธรรมใดที่ไม่ได้ประดิษฐ์เครื่องดนตรีที่คล้ายกับกลอง หนังที่แห้งขึงบนหม้อหรือท่อนซุงที่กลวงออก - นั่นเป็นกลองแล้ว อย่างไรก็ตาม แม้ว่ากลองจะเป็นที่รู้จักมาตั้งแต่สมัยอียิปต์โบราณ แต่ก็ไม่ค่อยมีใครใช้กันในยุคกลางตอนต้น ตั้งแต่ช่วงสงครามครูเสดเท่านั้นที่การกล่าวถึงกลอง (กลอง) กลายเป็นเรื่องปกติและเริ่มตั้งแต่ศตวรรษที่ 12 ภายใต้ชื่อนี้มีเครื่องดนตรีหลากหลายรูปแบบ: ยาว, สอง, แทมบูรีน ฯลฯ ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 12 เครื่องดนตรีนี้ซึ่งส่งเสียงในสนามรบและในห้องจัดเลี้ยงได้ดึงดูดความสนใจของนักดนตรีแล้ว ในขณะเดียวกันก็แพร่หลายในศตวรรษที่ 13 Trouvers ซึ่งอ้างว่ารักษาประเพณีโบราณในงานศิลปะของพวกเขา บ่นเกี่ยวกับ "ความเด่น" ของกลองและแทมบูรีน ซึ่งกำลังเข้ามาแทนที่เครื่องดนตรี "ที่มีเกียรติมากกว่า"

แทมบูรีนและกลองไม่เพียงประกอบการร้องเพลง การแสดงของคณะนักร้องเท่านั้น แต่ยังถูกเลือกโดยนักเต้นพเนจร นักแสดง นักเล่นปาหี่ ผู้หญิงเต้นรำประกอบการเต้นรำด้วยการเล่นรำมะนา ในเวลาเดียวกันแทมบูรีน (แทมบูรีน, บอสเก้) จะถูกถือด้วยมือข้างหนึ่งและอีกมือหนึ่งตีมันอย่างอิสระเป็นจังหวะ บางครั้งนักร้องที่เล่นฟลุตก็เล่นแทมบูรีนหรือกลองพร้อมกับตัวเอง ซึ่งพวกเขาคาดสายรัดไว้ที่ไหล่ซ้าย นักดนตรีเล่นขลุ่ยพร้อมกับการร้องเพลงพร้อมกับการเป่ารำมะนาเป็นจังหวะซึ่งเขาทำด้วยศีรษะ ดังที่เห็นได้จากประติมากรรมในศตวรรษที่ 13 จากด้านหน้าของ House of Musicians ใน Reims (รูปที่ 17)

ตามประติมากรรมของ House of Musicians, Saracen หรือกลองคู่ก็เป็นที่รู้จักกันเช่นกัน (รูปที่ 18) ในยุคของสงครามครูเสดพวกเขาพบการแจกจ่ายในกองทัพเนื่องจากติดตั้งได้ง่ายทั้งสองด้านของอานม้า

เครื่องดนตรีเครื่องเคาะอีกประเภทหนึ่งที่ใช้กันทั่วไปในยุคกลางในฝรั่งเศสคือเสียงต่ำ (tymbre, cembel) - สองซีกและต่อมา - แผ่นที่ทำจากทองแดงและโลหะผสมอื่น ๆ ใช้ในการตีจังหวะการเต้นประกอบจังหวะ ในต้นฉบับ Limoges ของศตวรรษที่ 12 จากหอสมุดแห่งชาติปารีส นักเต้นแสดงด้วยเครื่องดนตรีนี้ (รูปที่ 14) ในศตวรรษที่ 15 หมายถึงชิ้นส่วนของประติมากรรมจากแท่นบูชาจากโบสถ์แอบบี้ใน O ซึ่งใช้เสียงต่ำในวงออเคสตรา (รูปที่ 19)

Timbre ควรรวมถึงฉิ่ง (ฉิ่ง) - เครื่องดนตรีที่เป็นวงแหวนที่มีท่อทองแดงบัดกรีที่ปลายระฆังเมื่อเขย่า ภาพของเครื่องดนตรีนี้เป็นที่รู้จักจากต้นฉบับของศตวรรษที่ 13 จาก Abbey of Saint Blaise (รูปที่ 20) ฉิ่งเป็นเรื่องธรรมดาในฝรั่งเศสในช่วง ยุคกลางตอนต้นและถูกใช้ทั้งในชีวิตฆราวาสและในคริสตจักร - พวกเขาได้รับสัญญาณให้เริ่มนมัสการ

ระฆัง (chochettes) ยังเป็นเครื่องดนตรีประเภทตีในยุคกลางอีกด้วย พวกเขาแพร่หลายมากเสียงระฆังดังขึ้นในระหว่างการแสดงคอนเสิร์ตพวกเขาถูกเย็บเป็นเสื้อผ้าแขวนจากเพดานในบ้าน - ไม่ต้องพูดถึงการใช้ระฆังในโบสถ์ ... การเต้นรำก็มาพร้อมกับเสียงระฆังและมีตัวอย่างนี้ - ภาพจำลองย้อนหลังไปถึงต้นศตวรรษที่ 10! ใน Chartres, Sens, Paris บนประตูทางเข้าของอาสนวิหาร คุณจะพบกับภาพนูนต่ำนูนต่ำที่ผู้หญิงตีระฆังที่แขวนอยู่ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของดนตรีในตระกูล Liberal Arts กษัตริย์ดาวิดถูกพรรณนาว่ากำลังตีระฆัง ดังที่เห็นได้จากแบบจำลองขนาดจิ๋วจากพระคัมภีร์ในศตวรรษที่ 13 เขาเล่นมันโดยใช้ค้อนตี (รูปที่ 21) จำนวนระฆังอาจแตกต่างกันไป - โดยปกติจะมีตั้งแต่ห้าถึงสิบหรือมากกว่านั้น

ระฆังตุรกี - เครื่องดนตรีทางทหาร - มีกำเนิดในยุคกลางด้วย (บางคนเรียกฉิ่งตุรกี)

ในศตวรรษที่สิบสอง แฟชั่นสำหรับกระดิ่งหรือกระดิ่งที่เย็บเข้ากับเสื้อผ้าเริ่มแพร่หลาย พวกเขาใช้โดยผู้หญิงและผู้ชาย ยิ่งไปกว่านั้นหลังไม่ได้แยกทางกับแฟชั่นนี้เป็นเวลานานจนถึงศตวรรษที่สิบสี่ จากนั้นก็เป็นเรื่องปกติที่จะประดับเสื้อผ้าด้วยโซ่ทองเส้นหนาและผู้ชายมักจะแขวนกระดิ่งไว้ แฟชั่นนี้เป็นสัญลักษณ์ของขุนนางศักดินาสูง (รูปที่ 8 และ 22) - ขุนนางผู้น้อยและชนชั้นกลางถูกห้ามไม่ให้สวมกระดิ่ง แต่แล้วในศตวรรษที่สิบห้า ระฆังยังคงอยู่บนเสื้อผ้าของตัวตลกเท่านั้น วงออร์เคสตราแห่งชีวิตนี้ เครื่องเคาะเรื่อยมาจนถึงทุกวันนี้ และเขาก็ไม่ได้เปลี่ยนไปมากนักตั้งแต่นั้นมา

ในบรรดาเครื่องสายแบบโค้งคำนับในยุคกลางทั้งหมด วิโอลา (vièle) เป็นเครื่องดนตรีที่มีเกียรติและเล่นยากที่สุด ตามคำอธิบายของพระโดมินิกันเจอโรมแห่งโมราเวียในศตวรรษที่สิบสาม ไวโอลินมีสาย 5 สาย แต่เครื่องขนาดจิ๋วก่อนหน้านี้แสดงเครื่องดนตรีทั้ง 3 และ 4 สาย (รูปที่ 12 และ 23, 23a) ในเวลาเดียวกันสายจะถูกดึงทั้งบน "ม้า" และบนดาดฟ้าโดยตรง ตัดสินโดยคำอธิบาย วิโอลาฟังไม่ดัง แต่ไพเราะมาก

ประติมากรรมจากส่วนหน้าของ House of Musicians นั้นน่าสนใจ โดยแสดงให้เห็นนักดนตรีขนาดเท่าตัวจริง (รูปที่ 24) กำลังเล่นวิโอลาสามสาย เนื่องจากสายถูกขึงอยู่ในระนาบเดียวกัน คันชักที่แยกเสียงออกจากสายเส้นหนึ่งอาจสัมผัสถูกสายอื่นๆ ได้ "ทันสมัย" สำหรับกลางศตวรรษที่ 13 สมควรได้รับความสนใจเป็นพิเศษ รูปโบว์

ในช่วงกลางศตวรรษที่สิบสี่ ในฝรั่งเศส รูปร่างของวิโอลาใกล้เคียงกับกีตาร์สมัยใหม่ ซึ่งอาจช่วยให้เล่นด้วยคันธนูได้ง่ายขึ้น (รูปที่ 25)

ในศตวรรษที่สิบห้า วิโอลาขนาดใหญ่ปรากฏขึ้น - วิโอลาเดอกัมบะ พวกเขาเล่นกับเครื่องดนตรีระหว่างเข่าของพวกเขา ปลายศตวรรษที่ 15 วิโอลาเดกัมบากลายเป็นเครื่องสายเจ็ดสาย ต่อมาวิโอลาเดอกัมบะจะถูกแทนที่ด้วยเชลโล วิโอลาทุกประเภทแพร่หลายมากในยุคกลางของฝรั่งเศส โดยบรรเลงไปพร้อมกับงานรื่นเริงและงานสังสรรค์ยามเย็น

ไวโอลินแตกต่างจาก crouth โดยการผูกสายสองครั้งบนซาวด์บอร์ด ไม่ว่าเครื่องดนตรีในยุคกลางนี้จะมีกี่สายก็ตาม (ในวงกลมที่เก่าแก่ที่สุดจะมีสามสาย) พวกมันจะติดอยู่กับ "ม้า" เสมอ นอกจากนี้ซาวด์บอร์ดยังมีรูสองรูตามสาย รูเหล่านี้ผ่านและทำหน้าที่ส่งผ่านด้วยมือซ้ายซึ่งใช้นิ้วกดสายไปที่ดาดฟ้าสลับกันจากนั้นปล่อย นักแสดงมักจะถือธนูไว้ในมือขวา การพรรณนาถึงโครตที่เก่าแก่ที่สุดชิ้นหนึ่งพบในต้นฉบับของศตวรรษที่ 11 จากอาราม Limoges ของ St. มาร์กซิยาล (รูปที่ 26) อย่างไรก็ตาม ต้องเน้นย้ำว่าครุตเป็นเครื่องดนตรีของอังกฤษและแซกซอนเป็นส่วนใหญ่ จำนวนสตริงในวงกลมจะเพิ่มขึ้นตามเวลา และแม้ว่าจะถือเป็นต้นกำเนิดของเครื่องสายแบบโค้งคำนับทั้งหมด แต่ Krut ก็ไม่เคยหยั่งรากในฝรั่งเศส พบมากขึ้นหลังศตวรรษที่ 11 พบยางหรือกิ๊กได้ที่นี่

เห็นได้ชัดว่า Gigue (gigue, gigle) ถูกคิดค้นโดยชาวเยอรมันมันมีรูปร่างคล้ายการละเมิด แต่ไม่มีการสกัดกั้นบนดาดฟ้า จิ๊กเป็นเครื่องดนตรีโปรดของนักดนตรี ความสามารถในการแสดงของเครื่องดนตรีนี้ด้อยกว่าของวิโอลาอย่างเห็นได้ชัด แต่ก็ต้องใช้ทักษะในการแสดงน้อยกว่าเช่นกัน เมื่อพิจารณาจากภาพแล้ว นักดนตรีเล่นจิ๊ก (รูปที่ 27) เหมือนไวโอลิน เอายุคสมัยมาไว้บนไหล่ของพวกเขา ซึ่งสามารถเห็นได้จากบทความสั้นจากต้นฉบับ "หนังสือสิ่งมหัศจรรย์ของโลก" ซึ่งสืบมาจาก ต้นศตวรรษที่ 15

Ruber (rubère) - เครื่องสายโค้งคำนับชวนให้นึกถึง rebab ของอาหรับ ยางที่มีรูปร่างคล้ายกับพิณนั้นมีเพียงสายเดียวที่ขึงอยู่บน "สันเขา" (รูปที่ 29) ดังที่แสดงไว้ในภาพขนาดย่อในต้นฉบับจากวัดของ St. เบลส (ศตวรรษที่ 9) ตามที่ Jerome Moravsky ในศตวรรษที่สิบสอง - สิบสาม รูเบิร์ตเป็นเครื่องดนตรีประเภทสองสายอยู่แล้ว ใช้ในการเล่นทั้งวงและมักจะนำหน้าเสียงเบสที่ "ต่ำกว่า" Zhig ตามลำดับ - "บน" ดังนั้นจึงปรากฎว่า monocord (monocorde) - เครื่องสายโค้งคำนับที่ทำหน้าที่เป็นต้นกำเนิดของดับเบิ้ลเบสในระดับหนึ่ง - เป็นยางชนิดหนึ่งเช่นกันเนื่องจากมันถูกใช้ในวงดนตรีเป็นเครื่องดนตรีที่ตั้งค่า เสียงเบส บางครั้งก็เป็นไปได้ที่จะเล่นโมโนคอร์ดโดยไม่ต้องใช้ธนูดังที่เห็นได้จากรูปปั้นจากด้านหน้าของโบสถ์แอบบี้ใน Vaselles (รูปที่ 28)

แม้จะมีการใช้งานอย่างแพร่หลายและหลากหลาย แต่ยางก็ไม่ถือว่าเป็นเครื่องดนตรีที่ทัดเทียมกับวิโอลา ทรงกลมของเขา - ค่อนข้างถนนวันหยุดนักขัตฤกษ์ อย่างไรก็ตาม ยังไม่ชัดเจนนักว่าแท้จริงแล้วเสียงของรูเบอร์เป็นอย่างไร เนื่องจากนักวิจัยบางคน (เจอโรม โมราฟสกี้) พูดถึงอ็อกเทฟต่ำ ในขณะที่คนอื่นๆ (ไอเมอริก เดอ เปรัค) อ้างว่าเสียงของยางนั้นแหลมและ "ดัง" คล้ายกับ "เสียงกรีดร้องของผู้หญิง" อย่างไรก็ตาม บางทีเรากำลังพูดถึงเครื่องดนตรีในยุคต่างๆ เช่น ศตวรรษที่สิบสี่หรือสิบหก ...

อาจมีข้อโต้แย้งเกี่ยวกับเครื่องดนตรีโบราณที่ไม่เกี่ยวข้องเนื่องจากเครื่องสายพิณได้กลายเป็นสัญลักษณ์ของดนตรีซึ่งเราจะเริ่มเรื่องราวของเครื่องสายที่ดึงออกมา

พิณโบราณเป็นเครื่องดนตรีประเภทเครื่องสายที่มีสายสามถึงเจ็ดเส้นขึงในแนวตั้งระหว่างเสาสองต้นที่ติดตั้งบนซาวด์บอร์ดไม้ สายพิณนั้นใช้นิ้วหรือเล่นด้วยความช่วยเหลือของเครื่องสะท้อนเสียงปิ๊ก บนของจิ๋วจากต้นฉบับของศตวรรษที่ X-XI (รูปที่ 30) ซึ่งจัดเก็บไว้ในหอสมุดแห่งชาติกรุงปารีส คุณจะเห็นพิณที่มีสาย 12 สาย รวบรวมเป็นกลุ่มละ 3 สายและขึงที่ความสูงต่างกัน (รูปที่ 30a) พิณดังกล่าวมักจะมีหูจับที่แกะสลักอย่างสวยงามทั้งสองด้าน ซึ่งมันเป็นไปได้ที่จะรัดเข็มขัด ซึ่งเห็นได้ชัดว่าทำให้นักดนตรีเล่นได้ง่ายขึ้น

พิณสับสนในยุคกลางกับซิทาร์ (ซิธาร์) ซึ่งปรากฏในกรีกโบราณเช่นกัน แต่เดิมมันเป็นหกสาย เครื่องมือที่ดึงออกมา. ตามที่เจอโรมแห่งโมราเวีย Sitar ในยุคกลางมีรูปร่างเป็นรูปสามเหลี่ยม (แม่นยำกว่านั้นมีรูปร่างของตัวอักษร "เดลต้า" ของอักษรกรีก) และจำนวนของสตริงนั้นแตกต่างกันไปตั้งแต่สิบสองถึงยี่สิบสี่ Sitar ประเภทนี้ (ศตวรรษที่ 9) ปรากฎในต้นฉบับจากวัดของ St. Vlasia (รูปที่ 31) อย่างไรก็ตาม รูปร่างของเครื่องดนตรีอาจแตกต่างกันไป ภาพของ Sitar ที่โค้งมนผิดปกติพร้อมที่จับเป็นที่ทราบกันดีว่าเปิดเผยเกม (รูปที่ 32) อย่างไรก็ตาม ความแตกต่างที่สำคัญระหว่างซิตาร์และพิณ (ดูด้านล่าง) กับเครื่องสายอื่นๆ ที่ดึงสายคือสายจะดึงที่โครงเท่านั้น ไม่ใช่ที่ "ภาชนะเก็บเสียง" บางชนิด

guiterne ยุคกลาง (guiterne) ยังนำไปสู่ต้นกำเนิดจาก sitar รูปร่างของเครื่องดนตรีเหล่านี้ก็มีหลากหลายเช่นกัน แต่มักจะมีลักษณะคล้ายแมนโดลินหรือกีตาร์ (พิณ) การกล่าวถึงเครื่องดนตรีดังกล่าวเริ่มพบตั้งแต่ศตวรรษที่ 13 และเล่นได้ทั้งหญิงและชาย แต่พวกเขาเล่นโดยใช้เครื่องสะท้อนเสียงหรือไม่มีก็ได้ ในต้นฉบับ "The Romance of Troy" โดย Benoit de Saint-Maur (ศตวรรษที่ 13) นักดนตรีร้องเพลงและเล่น giter ที่ไม่มีปิ๊ก (รูปที่ 34) . ในอีกกรณีหนึ่ง ในนวนิยายเรื่อง "Tristan and Isolde" (กลางศตวรรษที่ 13) มีการแสดงละครขนาดเล็กที่แสดงนักร้องประสานเสียงร่วมกับการเต้นรำของเพื่อนของเขาโดยการเล่นไฮเทิร์น (รูปที่ 33) สายของไฮเทิร์นยืดตรง (ไม่มีตัวเมีย) แต่มีรู (ดอกกุหลาบ) บนลำตัว แท่งกระดูกทำหน้าที่เป็นคนกลางซึ่งถือด้วยนิ้วหัวแม่มือและนิ้วชี้ซึ่งเห็นได้อย่างชัดเจนในรูปปั้นของนักดนตรีจากโบสถ์แอบบีใน O (รูปที่ 35)

Gitern ตัดสินจากภาพที่มีอยู่อาจเป็นเครื่องดนตรีทั้งมวล ฝาโลงศพจากคอลเลกชันของพิพิธภัณฑ์ Cluny (ศตวรรษที่สิบสี่) เป็นที่รู้จักซึ่งประติมากรแกะสลักฉากประเภทที่มีเสน่ห์บนงาช้าง: ชายหนุ่มสองคนกำลังเล่นอยู่ในสวนทำให้หูเบิกบาน คนหนึ่งถือพิณ อีกคนหนึ่งถือไฮเทิร์น (รูปที่ 36)

บางครั้ง guitern เช่น sitar ก่อนหน้านี้ถูกเรียกว่า บริษัท (ท่องจำ) ในยุคกลางของฝรั่งเศสมีสิบเจ็ดสาย บริษัทถูกจองจำโดย Richard the Lionheart

ในศตวรรษที่สิบสี่ มีการกล่าวถึงเครื่องดนตรีอื่นที่คล้ายกับกิเธอรอน - พิณ (ลูธ) ในศตวรรษที่ 15 ในที่สุดรูปร่างของมันก็เป็นรูปเป็นร่างแล้ว: ตัวนูนมากเกือบเป็นรูปครึ่งวงกลมพร้อมรูกลมบนซาวด์บอร์ด "คอ" ไม่ยาว "หัว" อยู่ที่มุมฉาก (รูปที่ 36) เครื่องดนตรีกลุ่มเดียวกันคือแมนโดลิน แมนโดราซึ่งมีในศตวรรษที่ 15 รูปแบบที่หลากหลายที่สุด

พิณ (พิณ) ยังสามารถอวดความเก่าแก่ของแหล่งกำเนิด - มีรูปของมันอยู่แล้ว อียิปต์โบราณ. ในหมู่ชาวกรีก พิณเป็นเพียงรูปแบบหนึ่งของซิตาร์ ในหมู่ชาวเคลต์ เรียกว่า ซัมบุก รูปร่างของพิณไม่เปลี่ยนแปลง: เป็นเครื่องดนตรีที่สายที่มีความยาวต่างกันถูกยืดออกไปเหนือกรอบในรูปแบบของมุมเปิดที่มากขึ้นหรือน้อยลง พิณโบราณประกอบด้วยสาย 13 สาย ปรับเสียงได้ในระดับไดอะโทนิก พวกเขาเล่นพิณไม่ว่าจะยืนหรือนั่งด้วยมือทั้งสองข้างและเสริมความแข็งแรงของเครื่องดนตรีเพื่อให้ขาตั้งแนวตั้งอยู่ที่หน้าอกของผู้แสดง ในศตวรรษที่สิบสองพิณขนาดเล็กที่มีจำนวนสายต่างกันก็ปรากฏขึ้นเช่นกัน พิณที่มีลักษณะเฉพาะแสดงอยู่บนประติมากรรมจากด้านหน้าของ House of Musicians ใน Reims (รูปที่ 37) นักเล่นกลใช้เพียงพวกเขาในการแสดงเท่านั้นและสามารถสร้างวงพิณทั้งมวลได้ ชาวไอริชและชาวเบรอตงถือเป็นนักเล่นพิณที่เก่งที่สุด ในศตวรรษที่สิบหก พิณเกือบจะหายไปในฝรั่งเศสและปรากฏตัวที่นี่ในอีกหลายศตวรรษต่อมาในรูปแบบที่ทันสมัย

ควรกล่าวถึงเป็นพิเศษเกี่ยวกับเครื่องดนตรียุคกลางสองชิ้นที่ถูกดึงออกมา เหล่านี้เป็นพิณและกาลักน้ำ

พิณโบราณเป็นเครื่องสายรูปทรงสามเหลี่ยมที่มีรูปร่างคล้ายพิณบ้านเรา ในยุคกลาง รูปแบบของเครื่องดนตรีเปลี่ยนไป - การแสดงดนตรีแบบสี่เหลี่ยมจัตุรัสยังแสดงอยู่ในเพชรประดับด้วย ผู้เล่นถือมันไว้บนตักและเล่นสาย 21 สายด้วยนิ้วหรือปิ๊ก (ช่วงของเครื่องดนตรีคือสามอ็อกเทฟ) ผู้ประดิษฐ์สดุดีคือกษัตริย์เดวิด ซึ่งตามตำนานกล่าวว่าใช้จะงอยปากของนกเป็นปิ๊ก ภาพขนาดย่อจากต้นฉบับของ Gerard of Landsberg ในห้องสมุด Strasbourg แสดงให้เห็นกษัตริย์ในพระคัมภีร์ไบเบิลกำลังเล่นกับลูกหลานของเขา (รูปที่ 38)

ในวรรณคดีฝรั่งเศสสมัยกลาง บทเพลงสดุดีเริ่มถูกกล่าวถึง ต้นสิบสอง c. รูปร่างของเครื่องดนตรีอาจแตกต่างกันมาก (รูปที่ 39 และ 40) พวกเขาเล่นไม่เพียง แต่นักร้องเท่านั้น แต่ยังเล่นโดยผู้หญิงด้วย - สตรีผู้สูงศักดิ์และผู้ติดตามของพวกเขา ในศตวรรษที่สิบสี่ เสียงสดุดีค่อย ๆ ออกจากเวที หลีกทางให้ฮาร์ปซิคอร์ด แต่ฮาร์ปซิคอร์ดไม่สามารถบรรลุเสียงสีที่เป็นลักษณะเฉพาะของเพลงสดุดีเครื่องสายคู่ได้

ในระดับหนึ่ง เครื่องดนตรียุคกลางอีกชิ้นหนึ่ง ซึ่งเกือบจะหายไปแล้วในศตวรรษที่ 15 ก็คล้ายกับการฉาบปูน นี่คือ siphonia (chifonie) - พิณล้อรัสเซียเวอร์ชั่นตะวันตก อย่างไรก็ตามนอกเหนือจากวงล้อที่มีแปรงไม้ซึ่งเมื่อหมุนที่จับแล้วให้แตะที่สายตรงสามเส้นกาลักน้ำยังมีปุ่มควบคุมเสียงอีกด้วย กาลักน้ำมี 7 ปุ่มและตั้งอยู่ ด้านท้ายตรงข้ามกับที่ล้อหมุน โดยปกติแล้วคนสองคนเล่นกาลักน้ำเสียงของเครื่องดนตรีนั้นกลมกลืนและเงียบสงบ การวาดภาพจากรูปปั้นบนเมืองหลวงของเสาหนึ่งใน Boshville (ศตวรรษที่ 12) แสดงให้เห็นถึงวิธีการเล่นที่คล้ายกัน (รูปที่ 41) กาลักน้ำที่แพร่หลายที่สุดคือในศตวรรษที่ XI-XII ในศตวรรษที่สิบห้า ไซโฟเนียขนาดเล็กที่เล่นโดยนักดนตรีคนเดียวเป็นที่นิยม ในต้นฉบับเรื่อง "The Romance of Gerard de Nevers and the beautiful Ariane" จากหอสมุดแห่งชาติปารีส มีภาพขนาดย่อที่แสดงตัวละครเอกที่ปลอมตัวเป็นนักร้องโดยมีเครื่องดนตรีที่คล้ายกันอยู่ข้างๆ (รูปที่ 42)

บทที่ 2 กีตาร์พิชิตยุโรป

ในศตวรรษที่ 17 กีตาร์ยังคงพิชิตยุโรป
หนึ่งในกีตาร์ในยุคนั้นเป็นของพิพิธภัณฑ์ Royal College of Music ในลอนดอน สร้างขึ้นในลิสบอนในปี 1581 โดย Melchior Dias คนหนึ่ง
โครงสร้างของกีตาร์รุ่นนี้มีคุณสมบัติที่ปรมาจารย์ด้านเครื่องดนตรีจะใช้ซ้ำในผลงานของพวกเขามากว่าสองศตวรรษ

กีตาร์ Battente ของอิตาลีในศตวรรษที่ 17 จากคอลเลกชันของปราสาท Sforza ในมิลาน

กีตาร์ทั้งหมดในยุคนั้นได้รับการตกแต่งอย่างหรูหรา สำหรับการผลิตสินค้าประณีต ช่างฝีมือใช้วัสดุที่มีค่า: ไม้หายาก (โดยเฉพาะสีดำ - ไม้มะเกลือ), งาช้าง, กระดองเต่า ชั้นล่างและด้านข้างตกแต่งด้วยการฝัง ในทางกลับกันดาดฟ้าด้านบนยังคงเรียบง่ายและทำจากไม้สน (ส่วนใหญ่มักเป็นไม้สน) เพื่อไม่ให้เกิดแรงสั่นสะเทือน มีเพียงรูเรโซเนเตอร์และขอบของตัวเรือนตลอดเส้นรอบวงเท่านั้นที่ตกแต่งด้วยโมเสกไม้
องค์ประกอบการตกแต่งหลักคือดอกกุหลาบที่ทำจากหนังนูน ดอกกุหลาบนี้ไม่เพียงแข่งขันกับความสวยงามของตู้ทั้งหมดเท่านั้น แต่ยังทำให้เสียงที่ผลิตออกมานุ่มนวลขึ้นด้วย เห็นได้ชัดว่าเจ้าของเครื่องดนตรีที่หรูหราเหล่านี้ไม่ได้สนใจในความแข็งแกร่งและพลังมากเท่ากับความซับซ้อนของเสียง
หนึ่งในตัวอย่างแรกของกีตาร์ในศตวรรษที่ 17 ที่มาถึงเราคือคอลเลคชันของพิพิธภัณฑ์เครื่องดนตรีแห่ง Paris Conservatory มีชื่อของช่างฝีมือ Venetian Cristofo Coco และระบุวันที่ในปี 1602 ตัวเรือนแบนทำจากแผ่นงาช้างทั้งหมดยึดด้วยแถบแคบๆ ของไม้สีน้ำตาล

ออกัสติน เควสเนล นักกีตาร์ 1610

ในศตวรรษที่ 17 สไตล์ razgueado นำมาจากสเปนซึ่งเป็นที่นิยมแพร่หลายไปยังส่วนใหญ่ของยุโรป กีตาร์หมดความสำคัญที่เคยมีสำหรับนักดนตรีที่จริงจังในทันที จากนี้ไป จะใช้สำหรับการบรรเลงเพื่อ "ร้อง เล่น เต้นรำ กระโดด ... กระทืบเท้า" ดังที่หลุยส์ เดอ บรีเซโนเขียนไว้ในคำนำของ "วิธีการ" (ปารีส ค.ศ. 1626)
นักทฤษฎีจากบอร์กโดซ์ ปิแอร์ ทริเชต์ ตั้งข้อสังเกตด้วยความเสียใจ (ประมาณปี ค.ศ. 1640) ว่า "กีตาร์หรือไฮแทร์นาเป็นเครื่องดนตรีที่ใช้กันอย่างแพร่หลายในหมู่ชาวฝรั่งเศสและชาวอิตาลี แต่โดยเฉพาะอย่างยิ่งในหมู่ชาวสเปนซึ่งใช้มันอย่างไม่มีข้อ จำกัด อย่างที่ไม่มีใครเหมือน ประเทศชาติ” เธอทำหน้าที่เป็นดนตรีประกอบการเต้นรำที่เต้นรำ "กระตุกไปทั้งตัว ท่าทางเย้ยหยันและน่าขัน เพื่อให้การเล่นเครื่องดนตรีไม่ชัดเจนและสับสน" และไม่พอใจกับสิ่งที่ต้องสังเกต ปิแอร์ ตรีเชต์กล่าวต่อไปว่า “ในฝรั่งเศส สตรีและโสเภณีที่คุ้นเคยกับแฟชั่นสเปนพยายามเลียนแบบ ในลักษณะนี้พวกเขาคล้ายกับผู้ที่แทนที่จะกินดีในบ้านของตัวเอง ไปหาเพื่อนบ้านเพื่อกินเบคอน หัวหอม และขนมปังดำ

David Teniers มือกีตาร์ระดับจูเนียร์

คอนเสิร์ต Mattia Pretti ปี 1630

อย่างไรก็ตามเรื่องนี้ กีตาร์ยังคงได้รับความนิยมในฝรั่งเศส กีตาร์ถูกนำมาใช้อย่างง่ายดายในบัลเล่ต์ ใน The Fairy of Saint-Germain's Forest (1625) และ The Rich Widow (1626) นักดนตรีที่แต่งกายด้วยชุดภาษาสเปนเล่นกีตาร์เพื่อความน่าเชื่อถือที่มากขึ้น ในบัลเลต์ชุดแรก นักแสดงระดับ Chaconne "ปรับเสียงกีตาร์ให้เข้ากับการเคลื่อนไหวที่ว่องไวของเท้า" ในครั้งที่สอง จัดแสดงโดยพระบาทสมเด็จพระเจ้าอยู่หัวในห้องโถงใหญ่ของพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ เหล่าทหารในกองทัพบกก็คลี่ออกพร้อมกับกีตาร์คลอไปด้วย จากข้อมูลของ Mercure de France พระเจ้าหลุยส์ที่ 13 ทรงเล่นกีตาร์ร่วมกับนักเต้น sarabande สองคนในการแสดงครั้งนี้

Gerrit van Honthorst เล่นกีตาร์ 1624

แจน เวอร์เมียร์ มือกีต้าร์ 1672

ในช่วงกลางศตวรรษที่ 17 ยุครุ่งเรืองใหม่ของกีตาร์เริ่มต้นขึ้น และคราวนี้อัพเดทมาจากฝรั่งเศส เพื่อสอนกีตาร์ให้กับกษัตริย์ฝรั่งเศสรุ่นเยาว์ ครูและนักดนตรีชื่อดัง Francesco Corbetta (1656) ถูกเรียกขึ้นศาล ไม่กล้าอ้าง (ไม่เหมือนข้าราชบริพารบางคน) ว่าในเวลา 18 เดือน พระเจ้าหลุยส์ที่ 14 แซงหน้าอาจารย์ของเขา อย่างไรก็ตาม ไม่ต้องสงสัยเลยว่าความหลงใหลในเครื่องดนตรีของกษัตริย์อย่างแท้จริง ในรัชสมัยของเขา กีตาร์กลายเป็นที่รักของชนชั้นสูงและนักแต่งเพลงอีกครั้ง และอีกครั้งที่แฟชั่นสำหรับกีตาร์พิชิตยุโรปทั้งหมด

แกะสลักจากปก Pieces for Guitar รุ่นเก่า 1676

Francisco Goya Dance บนฝั่งแม่น้ำ 2320

ฟรานซิสโก โกยา นักกีตาร์ตาบอด 1788

Ramon Baie ชายหนุ่มกับกีตาร์ 1789 พิพิธภัณฑ์ปราโด มาดริด

ในตอนท้ายของรัชสมัยของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 (ค.ศ. 1715) จุดเปลี่ยนในประวัติศาสตร์ของกีตาร์ก็มาถึง - ราชสำนักไม่สนใจมัน
อย่างไรก็ตาม มันยังคงได้รับความนิยมจากผู้คน มาดมัวแซล เดอ ชาโรเลส์ในภาพวาดที่เธอได้รับมอบหมายนำเสนอพร้อมกีตาร์ในมือของเธอ ดึงสายกีตาร์ออกเบาๆ Watteau และ Lancret แนะนำกีตาร์ในการพรรณนาถึงฉากรัก และในขณะเดียวกันก็เป็นเครื่องมือสำหรับนักแสดงตลกและนักแสดงตลก!
ผลงานของ Watteau และ Lancret และกีตาร์เป็นอีกหน้าหนึ่งของภาพวาดฝรั่งเศส ดังนั้นฉันจึงตัดสินใจอุทิศแกลเลอรีแยกต่างหากให้กับศิลปินเหล่านี้ในเนื้อหานี้

ฌอง อองตวน วัตโต
ฌอง อองตวน วัตโต

ภาพเหมือนของโรซัลบา แคริแยร์ของฌอง-อองตวน วัตโต 1721

จิตรกรและช่างเขียนแบบชาวฝรั่งเศส ผู้ก่อตั้งและปรมาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของสไตล์โรโคโก ในปี ค.ศ. 1698-1701 Watteau ศึกษากับศิลปินท้องถิ่น Gerin ซึ่งเขาได้คัดลอกผลงานของ Rubens, Van Dyck และจิตรกรชาวเฟลมิชคนอื่นๆ ในปี 1702 Watteau เดินทางไปปารีสและในไม่ช้าก็พบครูและผู้อุปถัมภ์ในตัวของ Claude Gillot ศิลปินละครและมัณฑนากรที่วาดภาพฉากจากชีวิตของโรงละครสมัยใหม่ Watteau เหนือกว่าครูของเขาอย่างรวดเร็วในด้านทักษะและประมาณ 1708 เข้าไปในสตูดิโอของมัณฑนากร Claude Audran ในปี 1709 Watteau พยายามที่จะชนะรางวัล Grand Prix of the Academy of Arts ไม่สำเร็จ แต่ผลงานของเขาดึงดูดความสนใจของผู้มีอิทธิพลหลายคน ซึ่งในจำนวนนี้เป็นผู้ใจบุญและผู้ชื่นชอบการวาดภาพ Jean de Julienne พ่อค้าศิลปะ Edmond Francois Gersin นายธนาคาร และนักสะสมปิแอร์โครซัตซึ่งศิลปินอาศัยอยู่ที่บ้านมาระยะหนึ่ง ฯลฯ ในปี 1712 Watteau ได้รับการแนะนำให้รู้จักกับตำแหน่งนักวิชาการและในปี 1717 ได้กลายเป็นสมาชิกของ Royal Academy of Painting and Sculpture Watteau เสียชีวิตที่ Nogent-sur-Marne เมื่อวันที่ 18 กรกฎาคม พ.ศ. 2264

Jean-Antoine Watteau หนังตลกอิตาลี 1714

Jean Antoine Watteau มองผ่านต้นไม้ในสวนสาธารณะของ Pierre Crozat 1714-16

Jean-Antoine Watteau Gilles กับครอบครัวของเขาในปี 1716

เรื่องราวของฌอง อองตวน วัตโต ปิแอร์โรต์

Jean Antoine Watteau เพลงแห่งความรัก 1717

ฌอง-อองตวน วัตโต เมซเซแตง 1717-1919

นิโคลา แลนเคร
นิโคลัส แลนเคร็ต

Nicolas Lancre ภาพเหมือนตนเอง 1720

ศิลปินชาวฝรั่งเศสที่เกิดในปารีส เขาเรียนครั้งแรกกับ Pierre Dulin จากนั้นประมาณปี 1712 เขาทำงานเป็นเวลาหลายปีภายใต้การแนะนำของ Claude Gillot ซึ่งเขาได้พบกับ Jean Antoine Watteau ซึ่งมีอิทธิพลอย่างมากต่องานของเขา Lancre หันไปใช้เรื่องเดียวกันกับ Watteau: เขาเขียนตัวละครของ dell'arte ตลกของอิตาลีและฉากของ "การเฉลิมฉลองที่กล้าหาญ" นอกจากนี้เขายังแสดงนิทานของ La Fontaine และสร้างภาพวาดประเภทต่างๆ Lancret เสียชีวิตในปารีสในปี 1743

คอนเสิร์ต Nicola Lancret ในสวนสาธารณะ 1720

Nicola Lancre วันหยุดในสวน

Nicola Lancre คอนเสิร์ตในสวนสาธารณะ

Nicola Lancre บทสนทนาที่กล้าหาญ

กีตาร์รุ่นใหม่ตาม Michel Brenet มีความเกี่ยวข้องกับการเกิดขึ้นของนักร้องที่มีพรสวรรค์สองคนที่แสดงในร้าน พวกเขาแสดงคลอคลอไปกับตัวเอง เหล่านี้คือ Pierre Geliot และ Pierre de la Garde ที่มีชื่อเสียง
ภาพวาด Tea เป็นภาษาอังกฤษอันโด่งดังของ Michel Bartolomeo Olivier และคอนเสิร์ตที่ House of the Princess de Conti ถ่ายทอดบรรยากาศของการชุมนุมทางโลกเหล่านี้

มีภาพวาดจำนวนมากที่แสดงถึงเครื่องดนตรี ศิลปินหันไปหาเรื่องที่คล้ายกันในยุคประวัติศาสตร์ที่แตกต่างกันตั้งแต่สมัยโบราณจนถึงปัจจุบัน

Bruegel Elder, ม.ค
การได้ยิน (ส่วน) 1618

การใช้ภาพเครื่องดนตรีในงานศิลปะบ่อยครั้งเกิดจากความสัมพันธ์ที่ใกล้ชิดระหว่างดนตรีและภาพวาด
เครื่องดนตรีในภาพวาดของศิลปิน ไม่เพียงแค่ให้แนวคิดเกี่ยวกับชีวิตทางวัฒนธรรมของยุคสมัยและพัฒนาการของเครื่องดนตรีในยุคนั้นอีกด้วย มีความหมายเชิงสัญลักษณ์บางอย่าง

เมโลซโซ

ใช่สำหรับ
นางฟ้า
1484

เชื่อกันมานานแล้วว่าความรักและดนตรีนั้นเชื่อมโยงกันอย่างแยกไม่ออก และเครื่องดนตรีมีความสัมพันธ์กับความรู้สึกรักมานานหลายศตวรรษ

โหราศาสตร์ยุคกลางถือว่านักดนตรีทุกคนเป็น "ลูกของวีนัส" เทพีแห่งความรัก ในฉากที่เป็นบทเพลงของศิลปินในยุคต่างๆ เครื่องดนตรีมีบทบาทสำคัญ

แจน เมนส์ โมเลเนียร์
นางมารร้ายอยู่ข้างหลัง
ศตวรรษที่ 17
เป็นเวลานานแล้วที่ดนตรีมีความเกี่ยวข้องกับความรัก ดังที่เห็นได้จากสุภาษิตดัตช์ในศตวรรษที่ 17 ที่ว่า “หัดเล่นพิณและพิณ เพราะเครื่องสายมีอำนาจที่จะขโมยหัวใจ”

อันเดรีย โซลาริโอ
ผู้หญิงที่มีพิณ

ในภาพวาดบางส่วนของ Vermeer ดนตรีคือ ธีมหลัก. การปรากฏตัวของภาพวาดเครื่องดนตรีเหล่านี้ในเนื้อเรื่องถูกตีความว่าเป็นการพาดพิงถึงความสัมพันธ์ที่ละเอียดอ่อนและโรแมนติกของตัวละคร

"บทเรียนดนตรี" (, Royal Assembly, พระราชวังเซนต์เจมส์).

พรหมจารีซึ่งเป็นฮาร์ปซิคอร์ดชนิดหนึ่งได้รับความนิยมอย่างมากในฐานะเครื่องดนตรีสำหรับดนตรีในบ้าน จากความแม่นยำของภาพ ผู้เชี่ยวชาญสามารถระบุได้ว่าสร้างขึ้นในเวิร์กชอปของ Ruckers ในเมือง Antwerp ซึ่งมีชื่อเสียงไปทั่วโลก คำจารึกภาษาละตินบนฝาของหญิงพรหมจารีอ่านว่า: "ดนตรีเป็นเพื่อนแห่งความสุขและเป็นผู้เยียวยาความเศร้าโศก"

นักดนตรีมักกลายเป็นตัวละครในภาพวาดของจิตรกรชาวฝรั่งเศส Jean Antoine Watteau ผู้ก่อตั้งสไตล์โรโกโก

ประเภทหลักของงานของ Watteau คือ "การเฉลิมฉลองที่กล้าหาญ": สังคมของชนชั้นสูง
อยู่ในอ้อมอกของธรรมชาติ วุ่นวายกับการสนทนา การเต้นรำ การเล่นดนตรี และการเกี้ยวพาราสี

วงกลมภาพที่คล้ายกันเป็นที่นิยมอย่างมากในแวดวงสร้างสรรค์ของฝรั่งเศส นี่คือหลักฐานจากความจริงที่ว่าภาพวาดของ Watteau บางภาพมีชื่อเดียวกันกับชิ้นส่วนของฮาร์ปซิคอร์ดโดยนักแต่งเพลง François Couperin นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสและศิลปินร่วมสมัย ผู้ที่ชื่นชอบความละเอียดอ่อนไม่เพียงชื่นชมความงดงามของ Watteau เท่านั้น แต่ยังรวมถึงละครเพลงของเขาด้วย “วัตโตอยู่ในขอบเขตของ F. Couperin และ C. F. E. Bach” นักปรัชญาศิลปะผู้ยิ่งใหญ่ Oswald Spengler กล่าว (ภาคผนวก II)

นอกจากนี้ เครื่องดนตรียังสามารถเชื่อมโยงกับตัวละครในตำนานได้

เครื่องดนตรีหลายชนิดเป็นสัญลักษณ์ของท่วงทำนองและเป็นคุณลักษณะที่ขาดไม่ได้ ดังนั้น สำหรับคลีโอ บุคคลสำคัญของประวัติศาสตร์คือแตร สำหรับ Euterpe (ดนตรี บทกวี) - ขลุ่ยหรือเครื่องดนตรีอื่น ๆ สำหรับ Thalia (ตลกขบขันบทกวีอภิบาล) - วิโอลาขนาดเล็ก สำหรับ Melpomene (โศกนาฏกรรม) - แตรเดี่ยว; สำหรับ Terpsichore (เต้นรำและร้องเพลง) - วิโอลา พิณหรือเครื่องสายอื่น ๆ

สำหรับ Erato (บทกวีบทกวี) - แทมบูรีน, พิณ, สามเหลี่ยมหรือวิโอลาน้อยกว่า สำหรับ Calliope (บทกวีมหากาพย์) - ทรัมเป็ต; สำหรับโพลีฮิมเนีย (เพลงสรรเสริญของวีรบุรุษ) - ออร์แกนพกพา น้อยกว่า - พิณหรือเครื่องดนตรีอื่น ๆ

Muses ทั้งหมดยกเว้น Urania มีเครื่องดนตรีเป็นสัญลักษณ์หรือคุณลักษณะของพวกเขา ทำไม นี่คือคำอธิบายโดยข้อเท็จจริงที่ว่าใน ยุคโบราณบทกวีประเภทต่าง ๆ ถูกร้องด้วยเสียงร้องเพลงและรวมถึงองค์ประกอบทางดนตรีในระดับหนึ่งหรืออีกระดับหนึ่ง ดังนั้น นักดนตรีที่สนับสนุนบทกวีประเภทต่างๆ แต่ละคนจึงมีเครื่องดนตรีของตัวเอง

เดิร์ก ฮาลส์
นักดนตรี
ศตวรรษที่ 16

ความหมายเชิงสัญลักษณ์ของเครื่องดนตรีนั้นเชื่อมโยงกับอักขระเหล่านี้อย่างแม่นยำ ตัวอย่างเช่น พิณในวัฒนธรรมยุโรปยุคกลางและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยามีความเกี่ยวข้องอย่างมากกับผู้เขียนตำนานเพลงสดุดี กษัตริย์ดาวิดในพระคัมภีร์ไบเบิล กษัตริย์ นักการเมือง นักรบผู้ยิ่งใหญ่ยังเป็นกวีและนักดนตรีที่ยิ่งใหญ่ที่สุด ด้วยสัญลักษณ์พิณสิบสายของดาวิด นักบุญออกัสตินอธิบายความหมายของพระบัญญัติสิบประการในพระคัมภีร์ไบเบิล ในภาพเขียน เดวิดมักถูกพรรณนาว่าเป็นคนเลี้ยงแกะที่เล่นเครื่องดนตรีนี้

ยาน เดอ เบรย์. เดวิดเล่นพิณ 1670

การตีความดังกล่าว เรื่องราวในพระคัมภีร์นำกษัตริย์ดาวิดเข้าใกล้ Orpheus ผู้ซึ่งเล่นพิณให้สัตว์สงบ

(ค) พิณทองเป็นคุณลักษณะของเทพเจ้า Dagda ของเซลติก ชาวเคลต์กล่าวว่าพิณสามารถผลิตท่วงทำนองศักดิ์สิทธิ์ได้สามทำนอง ท่วงทำนองแรกเป็นท่วงทำนองแห่งความเศร้าและความอ่อนโยน ประการที่สองคือการทำให้หลับ: เมื่อคุณฟัง จิตวิญญาณจะเต็มไปด้วยความสงบและเข้าสู่ห้วงนิทรา ท่วงทำนองที่สามของพิณคือท่วงทำนองแห่งความสุขและการกลับมาของฤดูใบไม้ผลิ

ในป่าศักดิ์สิทธิ์ ดรูอิด ปุโรหิตแห่งเซลติกส์หันไปตามเสียงพิณ หันไปหาเทพเจ้า ร้องเพลงการกระทำอันรุ่งโรจน์ของพวกเขา และประกอบพิธีกรรม ในระหว่างการต่อสู้ นักกวีที่มีพิณขนาดเล็กสวมมงกุฎสีเขียวปีนขึ้นไปบนเนินเขาและร้องเพลงต่อสู้ ปลุกความกล้าหาญให้กับเหล่านักรบ

ในบรรดาประเทศต่างๆ ทั่วโลก มีเพียงแขนเสื้อของไอร์แลนด์เท่านั้นที่แสดงถึงเครื่องดนตรี นี่คือพิณสีทอง สายเป็นสีเงิน เป็นเวลานานพิณเป็นสัญลักษณ์สื่อของไอร์แลนด์ ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2488 ยังเป็นตราประจำตระกูลอีกด้วย

W. Bosch - "สวนแห่งความสุขทางโลก" -
มีภาพชายคนหนึ่งถูกตรึงบนไม้กางเขนบนสายเครื่องดนตรีนี้ ที่นี่อาจสะท้อนความคิดเกี่ยวกับสัญลักษณ์ของความตึงของเชือกโดยแสดงความรักและความตึงเครียดในเวลาเดียวกันความทุกข์ความตกใจที่บุคคลได้รับในช่วงชีวิตทางโลก

ด้วยการแพร่กระจายของศาสนาคริสต์และหนังสือศักดิ์สิทธิ์ การพรรณนาเทวดากับเครื่องดนตรีโดยศิลปินจึงเกิดขึ้นบ่อยครั้ง เทวดาเล่นเครื่องดนตรีปรากฏในต้นฉบับภาษาอังกฤษตั้งแต่ศตวรรษที่ 12 ในอนาคตจำนวนภาพดังกล่าวจะเพิ่มขึ้นอย่างต่อเนื่อง

เครื่องดนตรีจำนวนมากที่อยู่ในมือของทูตสวรรค์ให้แนวคิดเกี่ยวกับรูปร่างและการออกแบบคุณสมบัติของการผสมผสานและยังช่วยให้คุณเรียนรู้เกี่ยวกับวงดนตรีที่มีอยู่ในเวลานั้น

ในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการมา ชั่วโมงที่ดีที่สุด» สำหรับนางฟ้า ปรมาจารย์แห่งการวาดภาพได้รับแรงบันดาลใจมากขึ้นเรื่อยๆ จากการสร้างสรรค์ที่สมบูรณ์แบบและกลมกลืนกันเหล่านี้

ฉากที่ถวายเกียรติแด่พระเจ้ากลายเป็นคอนเสิร์ตเทวทูตที่แท้จริงในผลงานของศิลปินยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาซึ่งคุณสามารถศึกษาวัฒนธรรมดนตรีในยุคนั้น ออร์แกน, พิณ, ไวโอลิน, ขลุ่ย, พิณ, ฉิ่ง, ทรอมโบน,วิโอลาดากัมบะ ... นี่ไม่ใช่รายการเครื่องดนตรีทั้งหมดที่เล่นโดยเทวดา

ปิเอโร เดลลา ฟรานเชสกา
คริสต์มาส. ลอนดอน หอศิลป์แห่งชาติ. 1475

รูปภาพของเครื่องดนตรีสามารถแบ่งออกเป็นหลายกลุ่ม:

1) เครื่องดนตรีที่ใช้ในโครงเรื่องโคลงสั้น ๆ

2) ภาพลักษณ์ของเครื่องดนตรีมีความเกี่ยวข้องกับตำนาน เช่น โบราณ ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของท่วงทำนองและเป็นคุณลักษณะที่ขาดไม่ได้:

3) ในแผนการที่เกี่ยวข้องกับศาสนาคริสต์ เครื่องดนตรีส่วนใหญ่มักจะแสดงถึงความคิดและภาพลักษณ์ที่ยกย่องมากที่สุด และมาพร้อมกับจุดสุดยอดของประวัติศาสตร์ในพระคัมภีร์ไบเบิล

4) รูปภาพของเครื่องดนตรียังให้แนวคิดเกี่ยวกับวงดนตรีและเทคนิคทางดนตรี

ที่มีอยู่ใน ช่วงเวลาประวัติศาสตร์สร้างภาพ

5) บ่อยครั้งที่ภาพของเครื่องดนตรีบางชนิดมีแนวคิดทางปรัชญาเช่นในหุ่นนิ่งในรูปแบบของวานิทัส

6) สัญลักษณ์ของเครื่องมืออาจแตกต่างกันไปขึ้นอยู่กับความตั้งใจของศิลปินและเนื้อหาทั่วไปของภาพ (บริบท) เช่น ในภาพวาดของ Bosch The Garden of Earthly Delights
น่าหลงใหล และฉันและในบางครั้ง ด้านลึกลับของศิลปะ
ท้ายที่สุดหลายคน เครื่องดนตรีโบราณวงดุริยางค์ เทคนิคการเล่น ดูได้จากภาพเท่านั้น

เฮนดริก ฟาน บาเลน
อพอลโลและมิวส์

จูดิธ เลสเตอร์
นักเป่าขลุ่ยหนุ่ม
1635

ผู้หญิงกับพิณ
1818

จอห์น เมลิอุช สแตรดวิค เวสเปอร์ส
พ.ศ. 2440

ฌอง ฟาน บิกเลิร์ต
คอนเสิร์ต

อี. เดกาส์
บาสซูน (รายละเอียด)

ขลุ่ยเป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีที่เก่าแก่ที่สุด เป็นแนวขวางและแนวยาว เป่าลมเข้าไปในรูที่ปลายบนของฟลุต ขวางจะจัดขึ้นในแนวนอนเป่าลมเข้าไปในรูด้านข้างของขลุ่ย

การกล่าวถึงฟลุตตามยาวเป็นครั้งแรกมีอยู่ในตำนานกรีกและประวัติศาสตร์ของอียิปต์ (สามพันปีก่อนคริสต์ศักราช)

ในประเทศจีน การกล่าวถึงฟลุตแนวขวางที่มีรูนิ้วห้าหรือหกรูเป็นครั้งแรกย้อนกลับไปเมื่อสหัสวรรษแรกก่อนคริสต์ศักราช เช่นเดียวกับในญี่ปุ่นและอินเดีย การเปลี่ยนแปลงแบบปฏิวัติในการออกแบบขลุ่ยนั้นเกิดขึ้นในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 ด้วยความช่วยเหลือของ Theobald Boehm

แม้ว่าฟลุตสมัยใหม่จะเป็นเครื่องเป่าลมไม้ แต่ก็มักจะทำจากโลหะผสมโดยใช้ทองคำ เงิน หรือแม้แต่แพลทินัม สิ่งนี้ทำให้ได้เสียงที่สว่างกว่าและเล่นง่ายกว่าฟลุตไม้ซึ่งใช้ก่อนหน้าฟลุตโลหะในศตวรรษที่ผ่านมา

ขลุ่ยเป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีที่มีพรสวรรค์ที่สุดในวงดุริยางค์ซิมโฟนี ทางเดินของเธอเต็มไปด้วย arpeggios และทางเดิน

เครื่องดนตรีทองเหลือง

เครื่องทองเหลือง - กลุ่ม เครื่องดนตรีลม หลักการของการเล่นคือการได้เสียงที่สอดคล้องกันโดยการเปลี่ยนความแรงของกระแสลมที่เป่าหรือตำแหน่งของริมฝีปาก

ชื่อ "ทองแดง" ในอดีตย้อนกลับไปถึงวัสดุที่ใช้ทำเครื่องมือเหล่านี้ ในสมัยของเรา นอกจากทองแดงแล้ว มักใช้ในการผลิตทองเหลืองเงินน้อยกว่า และเครื่องดนตรีบางชิ้นในยุคกลางและบาโรกที่มีวิธีการสร้างเสียงที่คล้ายคลึงกัน (เช่นงู ) ทำจากไม้

รวมถึงเครื่องทองเหลืองสมัยใหม่ฮอร์น, ทรัมเป็ต, คอร์เน็ต, ฟลูเกลฮอร์น, ทรอมโบน, ทูบา . กลุ่มแยกต่างหากคือแซ็กฮอร์น . เครื่องทองเหลืองโบราณ -กระสอบ (บรรพบุรุษของทรอมโบนสมัยใหม่)งู และอื่นๆ เครื่องดนตรีพื้นบ้านบางชนิดก็เป็นทองแดง เช่น ของเอเชียกลางกรรณ.

ประวัติเครื่องทองเหลือง

ศิลปะการเป่าโพรงแตร สัตว์หรือในกะลาเป็นที่รู้กันมาแต่โบราณกาลแล้ว ต่อจากนั้น ผู้คนเรียนรู้ที่จะทำเครื่องมือพิเศษจากโลหะ คล้ายกับเขาสัตว์ และมีจุดประสงค์เพื่อการทหาร การล่าสัตว์ และศาสนา

บรรพบุรุษของเครื่องดนตรีทองเหลืองสมัยใหม่คือแตรล่าสัตว์ แตรทหาร และแตรหลัง เครื่องมือเหล่านี้ซึ่งไม่มีกลไกวาล์ว ให้เสียงไม่กี่ขนาดตามธรรมชาติ ดึงมาได้ด้วยความช่วยเหลือของริมฝีปากของนักแสดงเท่านั้น จากที่นี่เสียงประโคมและสัญญาณทางทหารและการล่าสัตว์ปรากฏขึ้นตามเสียงของขนาดธรรมชาติซึ่งเป็นที่ยอมรับอย่างมั่นคงในการฝึกฝนดนตรี

ด้วยการปรับปรุงเทคโนโลยีการแปรรูปโลหะและการผลิตผลิตภัณฑ์โลหะ จึงเป็นไปได้ที่จะผลิตท่อสำหรับเครื่องมือลมในบางขนาดและระดับการตกแต่งที่ต้องการ ด้วยการปรับปรุงท่อลมทองแดงและการพัฒนาศิลปะในการแยกเสียงจำนวนมากออกจากสเกลธรรมชาติ แนวคิดจึงปรากฏขึ้นเครื่องมือธรรมชาติ นั่นคือเครื่องมือที่ไม่มีกลไกสามารถผลิตได้เพียงขนาดธรรมชาติ

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 กลไกวาล์วถูกประดิษฐ์ขึ้น ซึ่งเปลี่ยนเทคนิคการทำงานอย่างมากและเพิ่มขีดความสามารถของเครื่องมือลมทองเหลือง

การจำแนกประเภทของเครื่องทองแดง

เครื่องลมทองเหลืองแบ่งออกเป็นหลายตระกูล:

• เครื่องมือวาล์ว มีหลายประตู (ปกติสามหรือสี่) ควบคุมโดยนิ้วของนักแสดง หลักการของวาล์วคือการใส่เม็ดมะยมเพิ่มเติมในท่อหลักทันที ซึ่งจะเพิ่มความยาวของเครื่องมือและลดทั้งระบบ ท่อเชื่อมต่อวาล์วหลายตัวที่มีความยาวต่างกันทำให้สามารถรับสเกลสีได้ เครื่องดนตรีทองเหลืองสมัยใหม่ส่วนใหญ่มีวาล์ว - ฮอร์น, ทรัมเป็ต, ทูบาส, แซกฮอร์น ฯลฯ วาล์วมีสองแบบ - แบบ "หมุน" และ "แบบยืน" (ลูกสูบ)
• เครื่องมือแอก ใช้ท่อยืดหดรูปตัวยูพิเศษ - เวที การเคลื่อนไหวที่เปลี่ยนความยาวของอากาศในช่องซึ่งจะเป็นการลดหรือเพิ่มเสียงที่แยกออกมา เครื่องดนตรีร็อคหลักที่ใช้ในดนตรีคือทรอมโบน
• เครื่องมือธรรมชาติ ไม่มีท่อเพิ่มเติมและแยกเสียงได้เฉพาะสเกลธรรมชาติเท่านั้น ในศตวรรษที่ 18 เป็นพิเศษวงออร์เคสตราฮอร์นธรรมชาติ . จนถึงต้นศตวรรษที่ 19 มีการใช้เครื่องดนตรีธรรมชาติกันอย่างแพร่หลายในดนตรี จากนั้นด้วยการประดิษฐ์กลไกวาล์ว บางครั้งก็พบเครื่องดนตรีธรรมชาติในเพลงของนักแต่งเพลงในศตวรรษที่ 19-20 (Wagner, R. Strauss, Ligeti) เป็นพิเศษ เสียงประกอบ. เครื่องดนตรีธรรมชาติ ได้แก่ ทรัมเป็ตโบราณและเฟรนช์ฮอร์น รวมทั้งเขาอัลไพน์ , เครื่องประโคม, แตรเดี่ยว, แตรสัญญาณ (ล่าสัตว์, ส่งจดหมาย) และอื่นๆ ในทำนองเดียวกัน
• เครื่องมือวาล์ว มีรูบนลำตัว เปิดและปิดด้วยนิ้วของผู้แสดง เช่น บนเครื่องลมไม้ . เครื่องดนตรีดังกล่าวแพร่หลายจนถึงศตวรรษที่ 18 แต่เนื่องจากความไม่สะดวกในการเล่นพวกเขาจึงเลิกใช้ไป ตราสารทองเหลืองวาล์วพื้นฐาน -ทองเหลือง (สังกะสี), พญานาค , โรคตา, ท่อวาล์ว . นอกจากนี้ยังรวมถึงเมลฮอร์น

ทุกวันนี้ ด้วยความสนใจในดนตรีในยุคแรกเริ่มที่ฟื้นตัวขึ้น การเล่นเครื่องดนตรีธรรมชาติและเครื่องเป่าจึงกลายเป็นวิธีปฏิบัติอีกครั้ง

เครื่องดนตรีทองเหลืองสามารถจำแนกตามคุณสมบัติทางเสียง:

• เต็ม― เครื่องดนตรีที่คุณสามารถแยกเสียงพื้นฐานของสเกลฮาร์มอนิกได้
• ครึ่ง― เครื่องดนตรีที่ไม่สามารถแยกโทนเสียงหลักได้ และสเกลจะขึ้นต้นด้วยคอนโซแนนซ์ฮาร์มอนิกที่สอง

การใช้เครื่องเป่าทองเหลืองในดนตรี

เครื่องลมทองเหลืองใช้กันอย่างแพร่หลายในแนวดนตรีและการประพันธ์เพลงต่างๆ เป็นส่วนหนึ่งของวงดุริยางค์ซิมโฟนี พวกเขาเป็นหนึ่งในกลุ่มหลัก องค์ประกอบมาตรฐานของวงดุริยางค์ซิมโฟนีประกอบด้วย:

• Horns (เลขคู่ตั้งแต่สองถึงแปด ส่วนใหญ่มักจะเป็นสี่ตัว)
• ท่อ (จากสองถึงห้า ส่วนใหญ่มักเป็นสองถึงสาม)
• ทรอมโบน (ปกติสาม: สองเทเนอร์และหนึ่งเบส)
• หลอด (ปกติหนึ่งอัน)

ในเพลงของศตวรรษที่ 19 มักจะรวมวงดุริยางค์ซิมโฟนีไว้ด้วยคอร์เน็ต อย่างไรก็ตามด้วยการพัฒนาเทคนิคการแสดงชิ้นส่วนของพวกเขาจึงเริ่มแสดงบนท่อ เครื่องเป่าทองเหลืองอื่น ๆ ปรากฏอยู่ประปรายในวงมโหรีเท่านั้น

เครื่องทองแดงเป็นรากฐานแตรวง ซึ่งนอกเหนือจากเครื่องมือข้างต้นแล้วยังรวมถึงแซ็กฮอร์น ขนาดแตกต่างกัน

วรรณกรรมเดี่ยวสำหรับเครื่องทองเหลืองมีมากมาย - นักแสดงที่มีฝีมือในท่อและแตรธรรมชาติมีอยู่แล้วในยุคบาโรกตอนต้นและผู้แต่งเพลงก็เต็มใจสร้างผลงานของพวกเขาสำหรับพวกเขา หลังจากความสนใจในเครื่องเป่าลดลงบ้างในยุคโรแมนติก ในศตวรรษที่ 20 มีการค้นพบความเป็นไปได้ในการแสดงใหม่สำหรับเครื่องเป่าทองเหลืองและการขยายตัวอย่างมากของละครของพวกเขา

เครื่องดนตรีประเภทเครื่องเป่าที่ใช้กันค่อนข้างน้อยในวงวงแชมเบอร์ แต่สามารถนำมารวมกันเป็นวงได้ ซึ่งส่วนใหญ่ใช้กันกลุ่มทองเหลือง (แตรสองตัว, ฮอร์น, ทรอมโบน, ทูบา)

ทรัมเป็ตและทรอมโบนมีบทบาทสำคัญในแจ๊ส และแนวเพลงร่วมสมัยอื่นๆ อีกมากมาย

ระนาด

ระนาด(จากภาษากรีก. ξύλον - ต้นไม้ + φωνή - เสียง) -เครื่องดนตรีประเภทเคาะ ด้วยระดับเสียงที่แน่นอน เป็นชุดบล็อกไม้ขนาดต่างๆ กัน ปรับตามโน้ตบางตัว บาร์ถูกตีด้วยไม้ที่มีปลายเป็นทรงกลมหรือค้อนพิเศษที่มีลักษณะเหมือนช้อนขนาดเล็ก (ในศัพท์แสงของนักดนตรี ค้อนเหล่านี้เรียกว่า "ขาแพะ")

ทิมเบอร์ ระนาดนั้นแหลมและคลิกได้ในฟอร์เต้และนุ่มนวลในเปียโน

ประวัติของเครื่องดนตรี

ระนาดมีต้นกำเนิดในสมัยโบราณ - เครื่องดนตรีที่ง่ายที่สุดประเภทนี้ได้รับและยังคงพบได้ในหมู่ชนชาติต่างๆแอฟริกา, เอเชียตะวันออกเฉียงใต้ , ละตินอเมริกา .

ในยุโรป การกล่าวถึงระนาดครั้งแรกมีขึ้นตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 16: Arnolt Schlick ในบทความเกี่ยวกับเครื่องดนตรีกล่าวถึงเครื่องดนตรีที่คล้ายกันซึ่งเรียกว่า hueltze glechter จนถึงศตวรรษที่ 19 ระนาดยุโรปเป็นเครื่องดนตรีที่ค่อนข้างดั้งเดิม ประกอบด้วยแท่งไม้ประมาณสองโหลผูกเป็นโซ่และวางบนพื้นเรียบสำหรับเล่น ความสะดวกในการพกพาเครื่องดนตรีดังกล่าวดึงดูดความสนใจของนักดนตรีที่เดินทาง

ระนาดปรับปรุงโดย Guzikov

การปรับปรุงระนาดนั้นย้อนกลับไปในทศวรรษที่ 1830 นักดนตรีชาวเบลารุสมิเกล กูซีคอฟ ขยายขอบเขตเป็นสองอ็อกเทฟครึ่ง และยังเปลี่ยนการออกแบบโดยจัดเรียงแท่งในลักษณะพิเศษเป็นสี่แถว ระนาดรุ่นนี้ใช้มากว่าร้อยปี

บนระนาดสมัยใหม่ คานถูกจัดเรียงเป็นสองแถวเหมือนคีย์เปียโน ติดตั้งตัวสะท้อนเสียงในรูปแบบของท่อดีบุกและวางบนโต๊ะแบบพิเศษเพื่อความสะดวกในการเคลื่อนย้าย

บทบาทของระนาดในดนตรี

การใช้ไซโลโฟนในวงออเคสตร้าเป็นที่รู้จักเป็นครั้งแรกคือ Seven Variationsเฟอร์ดินานด์ เคาเออร์เขียนในปี 1810 ปี. นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส Kastner รวมส่วนของเขาไว้ในผลงานของเขา หนึ่งในองค์ประกอบที่มีชื่อเสียงที่สุดที่เกี่ยวข้องกับระนาดคือบทกวีไพเราะคามิลล์ แซงต์-แซง "ระบำแห่งความตาย" ( 1872 ).

ปัจจุบันมีการใช้ระนาดทวงดุริยางค์ซิมโฟนี , บนเวที, หายากมาก - เป็นเครื่องดนตรีเดี่ยว ("Fantasy on the theme of Japanese engravings" for xylophone and orchestra, Op. 211, ( 2507) อลานา โฮวาเนส).

ดอมรา

ดอมราเป็นเครื่องดนตรีเครื่องสายเก่าแก่ของรัสเซีย ชะตากรรมของเขาน่าทึ่งและไม่เหมือนใคร

มันมาจากไหน ดอมราปรากฏในมาตุภูมิอย่างไรและเมื่อใด ยังคงเป็นปริศนาสำหรับนักวิจัย ในแหล่งข้อมูลทางประวัติศาสตร์ ข้อมูลเล็ก ๆ น้อย ๆ เกี่ยวกับดอมราได้รับการเก็บรักษาไว้ แม้แต่ภาพของดอมรารัสเซียโบราณก็ลงมาหาเราน้อยลง และไม่ว่าจะเป็นภาพดอมราบนเอกสารที่ตกทอดมาถึงเรา หรือเครื่องดนตรีอื่นๆ ที่หาได้ทั่วไปในสมัยนั้นก็ไม่เป็นที่ทราบเช่นกัน การกล่าวถึงดอมราครั้งแรกพบในแหล่งที่มาของศตวรรษที่ 16 พวกเขาพูดถึงดอมราว่าเป็นเครื่องดนตรีที่ค่อนข้างธรรมดาในมาตุภูมิในเวลานั้น

ในขณะนี้ มีต้นกำเนิดของดอมราที่เป็นไปได้มากที่สุดสองเวอร์ชัน สิ่งแรกและที่พบมากที่สุดคือเวอร์ชันเกี่ยวกับรากตะวันออกของรัสเซียดอมรา แท้จริงแล้วเครื่องดนตรีที่คล้ายคลึงกันในการออกแบบและวิธีการแยกเสียงมีอยู่และยังคงมีอยู่ในวัฒนธรรมดนตรีของประเทศทางตะวันออก หากคุณเคยเห็นหรือเคยได้ยินดอมบราของคาซัคสถาน บากลามาตุรกี หรือรูบับทาจิกิสถาน คุณอาจสังเกตเห็นว่าพวกมันทั้งหมดมีรูปร่างกลมหรือรี ซาวด์บอร์ดแบน เสียงจะถูกแยกออกโดยการดีดปิ๊กที่มีความถี่และความเข้มต่างกัน เป็นที่ยอมรับกันโดยทั่วไปว่าเครื่องดนตรีเหล่านี้มีบรรพบุรุษเดียว - แทนเบอร์ตะวันออก มันเป็นแทนเบอร์ที่มีรูปร่างเป็นวงรีและซาวด์บอร์ดแบบแบนพวกเขาเล่นมันด้วยชิปพิเศษที่แกะสลักจากวัสดุชั่วคราว - ปิ๊ก สันนิษฐานว่าเครื่องดนตรีซึ่งต่อมาเปลี่ยนเป็นดอมรานั้นถูกนำมาในช่วงเวลาของแอกตาตาร์ - มองโกลหรือในความสัมพันธ์ทางการค้ากับประเทศทางตะวันออก และชื่อ "ดอมรา" นั้นมีรากศัพท์เตอร์กอย่างไม่ต้องสงสัย

อีกรูปแบบหนึ่งมาจากการสันนิษฐานว่าดอมราเป็นผู้นำสายเลือดจากพิณยุโรป โดยหลักการแล้ว ในยุคกลาง เครื่องดนตรีประเภทดีดที่มีสายที่มีลำตัว คอ และสายเรียกว่าลูท ในทางกลับกัน ลูตก็มีต้นกำเนิดมาจากเครื่องดนตรีตะวันออกเช่นกัน นั่นคือ ภาษาอาหรับ อัล-อูด บางทีรูปลักษณ์และการออกแบบของดอมราอาจได้รับอิทธิพลจากเครื่องดนตรีของชาวตะวันตก, ยุโรป, ชาวสลาฟ เช่น โคบซาโปแลนด์-ยูเครน และรุ่นปรับปรุง - แบนดูรา เพียงแค่แบนดูร่ายืมมากโดยตรงจากพิณ เนื่องจากชาวสลาฟในยุคกลางมีความสัมพันธ์ทางประวัติศาสตร์และวัฒนธรรมที่ซับซ้อนอยู่ตลอดเวลา แน่นอน ดอมราจึงถือได้ว่าคล้ายกับเครื่องดนตรีประเภทเครื่องสายของยุโรปในยุคนั้น

ดังนั้นจากความรู้และการวิจัยที่สะสมมาจนถึงปัจจุบัน เราสามารถสรุปได้ว่าดอมราเป็นเครื่องดนตรีรัสเซียทั่วไปที่ผสมผสานวัฒนธรรมและประวัติศาสตร์ของรัฐของเรา ทั้งคุณลักษณะของยุโรปและเอเชีย เช่นเดียวกับในวัฒนธรรมและประวัติศาสตร์ของรัฐของเรา

อย่างไรก็ตาม ไม่ว่าต้นกำเนิดที่แท้จริงของดอมราจะเป็นเช่นไร เป็นที่ทราบกันดีว่าเครื่องดนตรีที่มีชื่อนี้มีอยู่ในมาตุภูมิและเป็นส่วนสำคัญของวัฒนธรรมรัสเซียในศตวรรษที่ 16-17 บรรเลงโดยนักดนตรีตัวตลก ดังที่เห็นได้จากสุภาษิตที่นักวิจัยรู้จักกันดีว่า นอกจากนี้ในราชสำนักยังมี "ห้องบันเทิง" ทั้งหมดซึ่งเป็นกลุ่มดนตรีและความบันเทิงโดยมีตัวตลกกับดอมราพิณแตรและเครื่องดนตรีรัสเซียโบราณอื่น ๆ นอกจากนี้ตามที่นักวิจัยบางคนกล่าวว่า domra ในเวลานั้นได้สร้างตระกูลของวงดนตรีที่หลากหลายแล้ว เสียงที่เล็กที่สุดและส่งเสียงดังเอี้ยดเรียกว่า "ดอมริชกา" เสียงที่ใหญ่ที่สุดและเสียงต่ำที่สุด - "เบสดอมรา"

เป็นที่รู้กันว่านักแสดงดอมราและดอมรา - ตัวตลกและ "ดอมราจิ" ได้รับความนิยมอย่างมากในหมู่ผู้คน งานเฉลิมฉลอง งานรื่นเริง และงานรื่นเริงพื้นบ้านทุกประเภทตลอดเวลาและทุกหมู่ชนต่างก็มีเพลงและเล่นเครื่องดนตรีตามมาด้วย ในมาตุภูมิในยุคกลาง "ดอมราชีฟ" "กูสเมน" "สกรีพอตชิคอฟ" และนักดนตรีคนอื่นๆ จำนวนมากให้ความบันเทิงแก่ผู้คน ในดอมรานั้นเหมือนกับพิณ พวกเขามาพร้อมกับมหากาพย์พื้นบ้าน มหากาพย์ ตำนาน และในเพลงพื้นบ้านดอมราสนับสนุนแนวทำนอง เป็นที่ทราบกันดีอยู่แล้วว่ามีการสร้างงานฝีมือของดอมราและสายดอมรา บันทึกการส่งมอบที่ศาลและไซบีเรียได้รับการเก็บรักษาไว้ในเอกสารประวัติศาสตร์ ...

สันนิษฐานว่าเทคโนโลยีในการสร้างดอมรามีดังนี้: ร่างถูกเจาะออกจากไม้ชิ้นเดียว, ติดอีแร้งติดอยู่กับมัน, สตริงหรือเส้นเลือดของสัตว์ถูกดึง พวกเขาเล่นกับเศษไม้ ขนนก กระดูกปลา เห็นได้ชัดว่าเทคโนโลยีที่ค่อนข้างเรียบง่ายอนุญาตให้ใช้เครื่องดนตรีกันอย่างแพร่หลายในมาตุภูมิ

แต่ที่นี่ในประวัติศาสตร์ของดอมรามาถึงช่วงเวลาที่น่าทึ่งที่สุด ด้วยความกังวลเกี่ยวกับการพัฒนาของวัฒนธรรมฆราวาส รัฐมนตรีของโบสถ์จึงจับอาวุธต่อสู้กับนักดนตรี และประกาศการแสดงของตัวตลกว่า "เกมปีศาจ" เป็นผลให้ในปี ค.ศ. 1648 ซาร์อเล็กซี่ มิคาอิโลวิชได้ออกพระราชกฤษฎีกาเกี่ยวกับการกำจัดเครื่องมือที่ไร้เดียงสาจำนวนมากซึ่งเป็นเครื่องมือของ "เกมปีศาจ" พระราชกฤษฎีกาที่มีชื่อเสียงอ่านว่า: "ดอมรา, โศกนาฏกรรม, เสียงบี๊บ, สดุดี, ฮารี, และภาชนะที่มีเสียงดังทุกชนิด ... สั่งให้ยึดและทำลายเกมปีศาจเหล่านั้นสั่งให้เผา" Adam Olearius นักเดินทางชาวเยอรมันในศตวรรษที่ 17 กล่าวว่าชาวรัสเซียถูกห้ามไม่ให้เล่นดนตรีโดยทั่วไป และเมื่อเกวียนหลายเล่มที่บรรทุกเครื่องดนตรีที่นำมาจากประชากรถูกนำข้ามแม่น้ำมอสโกและเผาที่นั่น ทั้งนักดนตรีและนักเล่นตลกทั่วไปถูกข่มเหง

บางทีชะตากรรมที่พลิกผันอย่างน่าเศร้าเช่นนี้อาจไม่ได้เกิดขึ้นกับเครื่องดนตรีใดๆ ในโลก ดังนั้น ไม่ว่าจะเป็นผลมาจากการทำลายล้างอย่างป่าเถื่อนและการห้าม หรือด้วยเหตุผลอื่นๆ แต่หลังจากศตวรรษที่ 17 นักวิจัยไม่พบการกล่าวถึงดอมราเก่าที่มีนัยสำคัญใดๆ ประวัติศาสตร์ของเครื่องดนตรีรัสเซียโบราณสิ้นสุดลงที่นี่และใคร ๆ ก็สามารถยุติมันได้ แต่ ... Domra ถูกกำหนดให้กำเนิดใหม่จากเถ้าถ่านอย่างแท้จริง!

สิ่งนี้เกิดขึ้นจากกิจกรรมของนักวิจัยและนักดนตรีที่โดดเด่น Vasily Vasilyevich Andreev ผู้มีพรสวรรค์และไม่ธรรมดา ในปี พ.ศ. 2439 ในจังหวัด Vyatka เขาค้นพบเครื่องดนตรีที่ไม่รู้จักซึ่งมีร่างกายครึ่งวงกลม โดยสันนิษฐานว่านี่คือดอมรา เขาจึงไป อาจารย์ที่มีชื่อเสียงเซมยอน อิวาโนวิช นาลิมอฟ พวกเขาร่วมกันพัฒนาการออกแบบเครื่องดนตรีชิ้นใหม่ โดยพิจารณาจากรูปร่างและการออกแบบของเครื่องดนตรีที่พบ นักประวัติศาสตร์ยังคงโต้เถียงว่าเครื่องดนตรีที่ Andreev พบนั้นเป็นดอมราเก่าหรือไม่ อย่างไรก็ตาม เครื่องดนตรีที่สร้างขึ้นใหม่ในปี พ.ศ. 2439 เรียกว่า "ดอมรา" ลำตัวกลม, คอยาวปานกลาง, สามสาย, ระบบที่สี่ - นี่คือลักษณะของดอมราที่สร้างขึ้นใหม่

เมื่อถึงเวลานั้น Andreev มีวงออเคสตรา balalaika แล้ว แต่เพื่อให้ความคิดอันบรรเจิดของเขาเป็นจริง วง Great Russian Orchestra ต้องการกลุ่มเครื่องดนตรีไพเราะระดับแนวหน้า และดอมราที่ได้รับการบูรณะขึ้นใหม่พร้อมความสามารถใหม่นี้เหมาะอย่างยิ่งสำหรับบทบาทนี้ ในการเชื่อมต่อกับประวัติศาสตร์ของการสร้างวง Great Russian Orchestra เป็นสิ่งที่ควรค่าแก่การกล่าวถึงอีกครั้ง บุคคลที่โดดเด่นซึ่งบางทีหากปราศจากแนวคิดนี้อาจไม่พบศูนย์รวมของมัน นี่คือนักเปียโนและนักแต่งเพลงมืออาชีพ Nikolai Petrovich Fomin ซึ่งเป็นเพื่อนร่วมงานที่ใกล้ชิดที่สุดของ Andreev ต้องขอบคุณวิธีการแบบมืออาชีพของ Fomin ที่วง Andreev ในตอนแรกมือสมัครเล่นศึกษาโน้ตดนตรียืนหยัดอย่างมืออาชีพและจากนั้นก็เอาชนะผู้ฟังทั้งในรัสเซียและต่างประเทศด้วยการแสดงของพวกเขา และถ้า Andreev เป็นผู้กำเนิดความคิดเป็นหลัก Fomin ก็กลายเป็นบุคคลซึ่งอันที่จริงแล้ว domras และ balalaikas ได้เริ่มดำเนินการบนเส้นทางแห่งการพัฒนาในฐานะเครื่องมือทางวิชาการที่เต็มเปี่ยม

แต่กลับไปที่ดอมรา ในช่วง พ.ศ.2439-2433. V. Andreev และ S. Nalimov ออกแบบชุดดอมราที่หลากหลาย และในช่วงสองสามทศวรรษแรกหลังการกำเนิดใหม่ ดอมราได้พัฒนาให้สอดคล้องกับการแสดงของวงออร์เคสตราและวงดนตรี

อย่างไรก็ตามเกือบจะในทันทีมีการเปิดเผยข้อ จำกัด บางประการเกี่ยวกับความสามารถของ Andreev domra ซึ่งเกี่ยวข้องกับความพยายามในการปรับปรุงอย่างสร้างสรรค์ ภารกิจหลักคือการขยายช่วงของเครื่องดนตรี ในปี 1908 ตามคำแนะนำของผู้ควบคุมวง G. Lyubimov ปรมาจารย์ S. Burov ได้สร้าง domra สี่สายพร้อมระบบที่ห้า "สี่สาย" ได้รับช่วงไวโอลิน แต่น่าเสียดายที่ด้อยกว่า "สามสาย" ในแง่ของเสียงต่ำและสี ต่อจากนั้นก็มีความหลากหลายของวงดนตรีและวงออเคสตราของดอมราสี่สาย

ความสนใจในดอมราเพิ่มขึ้นทุกปี ขอบเขตทางดนตรีและเทคนิคขยายออกไป นักดนตรีฝีมือดีปรากฏตัว ในที่สุดในปี พ.ศ. 2488 ได้มีการสร้างคอนแชร์โตบรรเลงครั้งแรกสำหรับดอมราด้วยวงออร์เคสตราของเครื่องดนตรีพื้นบ้านรัสเซีย คอนเสิร์ตดัง g-moll Nikolai Budashkin เขียนขึ้นตามคำร้องขอของหัวหน้าวงออเคสตรา Osipov อเล็กเซย์ ซิโมเนนคอฟ เหตุการณ์นี้เปิดขึ้น ยุคใหม่ในประวัติศาสตร์ของดอมรา ด้วยการกำเนิดของคอนเสิร์ตบรรเลงครั้งแรก ดอมรากลายเป็นเครื่องดนตรีเดี่ยวที่เก่งกาจ

ในปีพ. ศ. 2491 แผนกเครื่องดนตรีพื้นบ้านแห่งแรกในรัสเซียได้เปิดทำการในมอสโกที่สถาบันดนตรีและการสอนแห่งรัฐซึ่งตั้งชื่อตาม I.I. Gnesin เป็นครูสอนดอมราคนแรก นักแต่งเพลงที่โดดเด่น Yu. Shishakov และศิลปินเดี่ยวรุ่นเยาว์ของวงออเคสตรา Osipova V. Miromanov และ A. Alexandrov - ผู้สร้างโรงเรียนแห่งแรกที่เล่นดอมราสามสาย ต้องขอบคุณการศึกษาระดับมืออาชีพที่สูงขึ้น ดอมราเครื่องดนตรีพื้นบ้านดั้งเดิมได้ก้าวเข้าสู่เวทีวิชาการในเวลาอันสั้น ซึ่งใช้เวลาหลายศตวรรษกว่าเครื่องดนตรีของวงดุริยางค์ซิมโฟนี (หลังจากนั้น ไวโอลินก็เคยเป็นเครื่องดนตรีพื้นบ้าน!)

การแสดงของดอมราก้าวไปข้างหน้าอย่างก้าวกระโดด ในปี 1974 มีการจัดการแข่งขัน I All-Russian ของนักแสดงด้วยเครื่องดนตรีพื้นบ้าน ผู้ชนะการแข่งขันคือ Domra virtuosos ที่โดดเด่น - Alexander Tsygankov และ Tamara Volskaya (ดูส่วนที่กิจกรรมสร้างสรรค์กำหนดทิศทางการพัฒนาศิลปะ Domra มานานหลายทศวรรษ มาทั้งในด้านการแสดงและละครดอมรา

ปัจจุบัน ดอมราเป็นเครื่องดนตรีรุ่นเยาว์ที่มีศักยภาพทางดนตรีและการแสดงออกทางอารมณ์อย่างมาก ซึ่งมีรากเหง้าของรัสเซียอย่างแท้จริง และอย่างไรก็ตาม ได้ก้าวขึ้นสู่จุดสูงสุดของประเภทวิชาการ อะไรจะเป็นของเขา ชะตากรรมต่อไป? คำนี้เป็นของคุณ domrists ที่รัก!

บาลาไลก้า

คำอธิบาย
ลำตัวติดกาวจากส่วนที่แยกจากกัน (6-7) หัวของคอยาวจะงอกลับเล็กน้อย สายโลหะ (ในศตวรรษที่ 18 สาย 2 สายเป็นแบบวีน บาลาไลก้าสมัยใหม่ใช้สายไนลอนหรือคาร์บอน) บนฟิงเกอร์บอร์ดของบาลาไลก้าสมัยใหม่มีเฟรตโลหะ 16-31 เฟรต (จนถึงสิ้นศตวรรษที่ 19 - เฟร็ตบังคับ 5-7)

เสียงที่ดังแต่นุ่มนวล เทคนิคทั่วไปในการแยกเสียง: แสนยานุภาพ พิซซิกาโต ดับเบิ้ลพิซซิกาโต พิซซิกาโตเดี่ยว ไวบราโต ลูกคอ เศษส่วน ทริคกีตาร์

สร้าง

จนกระทั่งการเปลี่ยนแปลงของ balalaika เป็นเครื่องดนตรีในคอนเสิร์ตเมื่อปลายศตวรรษที่ 19 โดย Vasily Andreev มันไม่มีระบบที่ถาวรและแพร่หลาย นักแสดงแต่ละคนปรับแต่งเครื่องดนตรีตามสไตล์การแสดงของเขา อารมณ์ทั่วไปของเครื่องดนตรีที่เล่น และประเพณีท้องถิ่น

ระบบที่แนะนำโดย Andreev (สองสายพร้อมเพรียง - โน้ต "mi" หนึ่ง - สูงกว่าควอร์ต - โน้ต "la" (และ "mi" และ "la" ของอ็อกเทฟแรก) แพร่หลายในหมู่ผู้เล่น balalaika คอนเสิร์ตและเริ่มขึ้น เรียกว่า "วิชาการ" นอกจากนี้ยังมีระบบ "พื้นบ้าน" - สตริงแรกคือ "เกลือ" ที่สอง - "mi" ที่สาม - "ทำ" ในระบบนี้ triads ง่ายกว่าที่จะใช้ข้อเสียของ มันเป็นความยากของการเล่นบนสายเปิดนอกจากข้างต้นแล้วยังมีประเพณีการปรับแต่งเครื่องดนตรีในระดับภูมิภาคอีกด้วยการตั้งค่าในท้องถิ่นที่หายากถึงสองโหล ..

พันธุ์

ในวงออร์เคสตราสมัยใหม่ของเครื่องดนตรีพื้นบ้านรัสเซีย มีการใช้บาลาไลก้าห้าแบบ: พรีมา, วินาที, วิโอลา, เบสและดับเบิ้ลเบส ในจำนวนนี้ มีเพียงพรีม่าเท่านั้นที่เป็นเครื่องดนตรีประเภทโซโลที่เก่งกาจ ในขณะที่ส่วนที่เหลือได้รับมอบหมายให้ทำหน้าที่ออเคสตร้าล้วนๆ: เครื่องที่สองและวิโอลาใช้คอร์ดคลอ ในขณะที่เบสและดับเบิ้ลเบสทำหน้าที่เบส

ความชุก

Balalaika เป็นเครื่องดนตรีที่พบได้ทั่วไปซึ่งมีการศึกษาในสถาบันการศึกษาดนตรีเชิงวิชาการในรัสเซีย เบลารุส ยูเครน และคาซัคสถาน

ระยะเวลาการฝึกอบรม balalaika ในโรงเรียนดนตรีสำหรับเด็กคือ 5-7 ปี (ขึ้นอยู่กับอายุของนักเรียน) และในสถาบันการศึกษาระดับมัธยมศึกษา - 4 ปีในสถาบันการศึกษาระดับสูง 4-5 ปี ละคร: การเรียบเรียงเพลงพื้นบ้าน การเรียบเรียงดนตรีคลาสสิก ดนตรีของผู้แต่ง

เรื่องราว
ไม่มีมุมมองเดียวในช่วงเวลาของการปรากฏตัวของ balalaika มีความเชื่อกันว่า balalaika แพร่กระจายตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 17 ปรับปรุงโดย V. Andreev ร่วมกับปรมาจารย์ Paserbsky และ Nalimov ตระกูลบาลาไลก้าที่ทันสมัยได้ถูกสร้างขึ้น: พิคโคโล, พรีมา, วินาที, วิโอลา, เบส, ดับเบิ้ลเบส บาลาไลกาใช้เป็นคอนเสิร์ตเดี่ยว วงดนตรี และเครื่องดนตรีออเคสตร้า

นิรุกติศาสตร์
ชื่อของเครื่องดนตรีนั้นมีความอยากรู้อยากเห็นอยู่แล้ว โดยทั่วไปแล้วจะเป็นดนตรีพื้นบ้านซึ่งสื่อถึงลักษณะของการเล่นด้วยเสียงพยางค์ รากเหง้าของคำว่า "บาลาไลกา" หรือที่เรียกอีกอย่างว่า "บาลาบายกา" ได้ดึงดูดความสนใจของนักวิจัยจากเครือญาติมาช้านานด้วยคำภาษารัสเซียเช่น บาลาคัต, บาลาโบนิท, บาลาโบลิต, โจ๊กเกอร์ ซึ่งหมายถึงการแชท ว่างเปล่า โทร (กลับไปที่สลาฟทั่วไป *bolbol ที่มีความหมายเดียวกัน ) แนวคิดทั้งหมดเหล่านี้เสริมซึ่งกันและกันถ่ายทอดสาระสำคัญของ balalaika ซึ่งเป็นเครื่องมือแห่งแสง ตลก "เสียงดีด" ที่ไม่จริงจังมากนัก

เป็นครั้งแรกที่คำว่า "balalaika" ถูกพบในอนุสาวรีย์ที่เป็นลายลักษณ์อักษรย้อนหลังไปถึงรัชสมัยของ Peter I

การกล่าวถึง balalaika เป็นลายลักษณ์อักษรครั้งแรกมีอยู่ในเอกสารลงวันที่ 13 มิถุนายน ค.ศ. 1688 - "ความทรงจำจากคำสั่ง Streltsy ถึงคำสั่ง Little Russian" (RGADA) ซึ่งเหนือสิ่งอื่นใดรายงานว่าคำสั่ง Streltsy ถูกนำมาในมอสโกว “<...>ชาวเมือง Savka Fedorov<...>ใช่<...>ชาวนา Ivashko Dmitriev และนำ balalaika มาด้วยเพื่อให้พวกเขาขี่ม้ารถม้าในเกวียนไปที่ประตู Yausky ร้องเพลงและเล่น balalaika ใน toi และพลธนูผู้พิทักษ์ที่ยืนอยู่ที่ประตู Yausky ยามดุ<...>».

แหล่งข้อมูลที่เป็นลายลักษณ์อักษรต่อไปซึ่งกล่าวถึง balalaika คือ "Register" ที่ลงนามโดย Peter I ซึ่งหมายถึงปี 1715: ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กระหว่างการเฉลิมฉลองงานแต่งงานของ "Prince-Papa" ของ N. M. Zotov นอกเหนือจากเครื่องดนตรีอื่น ๆ ดำเนินการโดยมัมมี่ สี่ balalaikas ถูกตั้งชื่อ

เป็นครั้งแรกที่คำนี้ได้รับการยืนยันในภาษายูเครนของต้นศตวรรษที่ 18 (ในเอกสารของปี 1717-1732) ในรูปแบบของ "balabaika" (เห็นได้ชัดว่านี่เป็นรูปแบบที่เก่ากว่าซึ่งยังคงอยู่ในภาษาเคิร์สต์และการาเชฟ ). ในภาษารัสเซียเป็นครั้งแรกในบทกวี "Elisey", 1771 ของ V. I. Maikov, เพลงที่ 1: "คุณปรับแต่งเสียงนกหวีดหรือบาลาไลก้าให้ฉัน"

เชลโล่ (violoncello อิตาเลียน, abbr. เชลโล, ไวโอลอนเชลโลเยอรมัน, ไวโอลินฝรั่งเศส, เชลโลอังกฤษ)

เครื่องดนตรีประเภทเครื่องสายแบบโค้งคำนับของเบสและเทเนอร์รีจิสเตอร์ รู้จักกันตั้งแต่ช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 16 มีโครงสร้างแบบเดียวกับไวโอลินหรือวิโอลา แต่มีขนาดใหญ่กว่ามาก เชลโลมีความเป็นไปได้ในการแสดงออกที่หลากหลายและพัฒนาเทคนิคการแสดงอย่างระมัดระวัง มันถูกใช้เป็นเครื่องดนตรีประเภทเดี่ยว วงดนตรี และออเคสตร้า

ประวัติความเป็นมาของการเกิดขึ้นและการพัฒนาของเครื่องดนตรี

รูปลักษณ์ของเชลโลมีอายุย้อนไปถึงต้นศตวรรษที่ 16 ในขั้นต้นมันถูกใช้เป็นเครื่องดนตรีเบสเพื่อประกอบการร้องเพลงหรือเล่นเครื่องดนตรีที่มีทะเบียนสูง มีเชลโลหลายชนิดซึ่งแตกต่างกันในขนาด จำนวนสาย และการปรับแต่ง (การปรับที่พบมากที่สุดคือโทนเสียงที่ต่ำกว่าที่ทันสมัย)
ในศตวรรษที่ 17-18 ความพยายามของปรมาจารย์ด้านดนตรีที่โดดเด่นของโรงเรียนในอิตาลี (Nicolo Amati, Giuseppe Guarneri, Antonio Stradivari, Carlo Bergonzi, Domenico Montagnana เป็นต้น) ได้สร้างแบบจำลองเชลโลคลาสสิกที่มีขนาดลำตัวที่มั่นคง ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 17 งานเดี่ยวเชลโลชิ้นแรกปรากฏขึ้น - โซนาตาและไรซ์คาร์โดย Giovanni Gabrieli ในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 เชลโลเริ่มถูกใช้เป็นเครื่องดนตรีสำหรับคอนเสิร์ต เนื่องจากเสียงที่สดใสขึ้น เสียงที่เต็มอิ่มขึ้นและเทคนิคการแสดงที่พัฒนาขึ้น ทำให้ไวโอลิน da gamba เลิกจากการซ้อมดนตรีไปในที่สุด เชลโลยังเป็นส่วนหนึ่งของวงดุริยางค์ซิมโฟนีและวงแชมเบอร์ การอนุมัติขั้นสุดท้ายของเชลโลในฐานะหนึ่งในเครื่องดนตรีชั้นนำของดนตรีเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 20 โดยความพยายามของ Pablo Casals นักดนตรีที่โดดเด่น การพัฒนาโรงเรียนสอนการแสดงบนเครื่องดนตรีนี้ได้นำไปสู่การเกิดขึ้นของนักเล่นเชลโลฝีมือดีจำนวนมากที่แสดงคอนเสิร์ตเดี่ยวเป็นประจำ
บทเพลงของเชลโลมีความกว้างมากและรวมถึงคอนแชร์โต โซนาตา และการประพันธ์เพลงเดี่ยวจำนวนมาก


] เทคนิคการเล่นเชลโล

Mstislav Rostropovich กับเชลโล่ Duport ของ Stradivari
หลักการเล่นและจังหวะเมื่อแสดงบนเชลโลจะเหมือนกับไวโอลิน อย่างไรก็ตาม เนื่องจากขนาดของเครื่องดนตรีที่ใหญ่กว่าและตำแหน่งที่แตกต่างกันของผู้เล่น เทคนิคการเล่นเชลโลจึงค่อนข้างจำกัด ใช้ Flageolets, pizzicato, thumb bet และเทคนิคเกมอื่นๆ เสียงของเชลโลมีความไพเราะไพเราะและตึงเครียดเล็กน้อยในรีจิสเตอร์ด้านบน
โครงสร้างเครื่องสายเชลโล: C, G, d, a (do, เกลือของอ็อกเทฟขนาดใหญ่, re, la ของอ็อกเทฟขนาดเล็ก) นั่นคืออ็อกเทฟที่อยู่ด้านล่างวิโอลา ช่วงของเชลโลต้องขอบคุณเทคนิคที่พัฒนาขึ้นในการเล่นสตริงนั้นกว้างมากตั้งแต่ C (ถึงอ็อกเทฟขนาดใหญ่) ถึง a4 (A ของอ็อกเทฟที่สี่) และสูงกว่า โน๊ตเขียนด้วยโน๊ตเสียงเบส เทเนอร์ และเสียงแหลมตามเสียงจริง


เครื่องดนตรีถูกยึดไว้ที่น่องของขา
เมื่อเล่นนักแสดงวางเชลโลลงบนพื้นพร้อมกับกว้านซึ่งเริ่มแพร่หลายในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 เท่านั้น (ก่อนหน้านั้นเครื่องดนตรีถูกยึดไว้ที่น่องของเท้า) สำหรับเชลโลสมัยใหม่ มีการใช้กว้านแบบโค้งที่คิดค้นโดยนักเชลโลชาวฝรั่งเศส P. Tortelier ซึ่งทำให้เครื่องดนตรีมีตำแหน่งที่ราบเรียบขึ้น ซึ่งช่วยอำนวยความสะดวกในเทคนิคการเล่นได้บ้าง
เชลโลถูกใช้อย่างกว้างขวางในฐานะเครื่องดนตรีเดี่ยว กลุ่มเชลโลใช้ในวงเครื่องสายและวงดุริยางค์ซิมโฟนี เชลโลเป็นสมาชิกบังคับของวงเครื่องสาย ซึ่งเป็นระดับต่ำสุด (ยกเว้นดับเบิ้ลเบส ซึ่งบางครั้งใช้ใน มัน) ของเครื่องดนตรีในแง่ของเสียงและมักใช้ในวงดนตรีอื่น ๆ. วงดนตรี. ในโน้ตดนตรี ส่วนของเชลโลจะถูกเขียนขึ้นระหว่างส่วนของวิโอลาและดับเบิลเบส

ประวัติความเป็นมาของการสร้างไวโอลิน

ประวัติศาสตร์ดนตรีถือว่าไวโอลินในรูปแบบที่สมบูรณ์แบบที่สุดเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 16 เมื่อถึงเวลานั้น เครื่องดนตรีโค้งคำนับทั้งหมดที่มีการใช้งานตลอดยุคกลางเป็นที่รู้จักกันดีอยู่แล้ว พวกเขาตั้งอยู่ใน คำสั่งบางอย่างและนักวิชาการในยุคนั้นรู้ลำดับวงศ์ตระกูลทั้งหมดของพวกเขาไม่ว่าจะมากหรือน้อยก็ตาม จำนวนของพวกเขามีมากและตอนนี้ไม่จำเป็นต้องเจาะลึกในเรื่องนี้

นักวิจัยล่าสุดได้ข้อสรุปว่าไวโอลินไม่ได้เป็น "viola da gamba" ที่ลดลงแต่อย่างใด ยิ่งไปกว่านั้น มันถูกสร้างขึ้นด้วยความแม่นยำเพียงพอที่เครื่องมือทั้งสองประเภทนี้ในอุปกรณ์ของพวกเขามีคุณสมบัติที่แตกต่างกันอย่างมากจากกันและกัน เครื่องดนตรีทั้งหมดที่เกี่ยวข้องกับ "viole da gamba" มีหลังแบน, ขอบแบน, คอถูกหารด้วยเฟรต, หัวมักจะอยู่ในรูปพระฉายาลักษณ์น้อยกว่าและมักจะมีรูปสัตว์หรือหัวมนุษย์, มีพิลึกบน พื้นผิวด้านบนของเครื่องดนตรีในโครงร่างของตัวอักษรละติน "C" และสุดท้าย การปรับสายในส่วนที่สี่และสาม ในทางตรงกันข้าม "viola da brachio" ซึ่งเป็นรุ่นก่อนของไวโอลินสมัยใหม่มีการปรับสายเป็นครั้งที่ห้า, ด้านหลังนูน, ขอบยกขึ้นเล็กน้อย, ฟิงเกอร์บอร์ดไม่มีเฟรต, หัวในรูปแบบของ การเลื่อนและรอยบากหรือ "efs" ในโครงร่างของตัวพิมพ์เล็กที่หันหน้าเข้าหากัน ภาษาละติน f ในตัวเอียง
สถานการณ์นี้นำไปสู่ความจริงที่ว่าครอบครัวของการละเมิดประกอบด้วยการลดลงอย่างต่อเนื่องของกัมบะ จึงเกิดขึ้น เต็มทีม"สี่" หรือ "กลุ่ม" แบบเก่าประกอบด้วยการละเมิดขนาดต่างๆเท่านั้น แต่พร้อมกับการเกิดขึ้นของตระกูลไวโอลินที่สมบูรณ์ เครื่องดนตรีก็ได้พัฒนาและปรับปรุงให้มีคุณสมบัติที่โดดเด่นและมีลักษณะเฉพาะตัวมากที่สุดของไวโอลินสมัยใหม่ และในความเป็นจริงเครื่องดนตรีนี้ไม่ใช่ "มือวิโอลา" ด้วยซ้ำ ความหมายโดยตรงคำ แต่ที่เรียกว่า "พิณมือ" ซึ่งเป็นเครื่องดนตรีพื้นบ้านของดินแดนสลาฟเป็นพื้นฐานของตระกูลไวโอลินสมัยใหม่ ราฟาเอลผู้ยิ่งใหญ่ (ค.ศ. 1483-1520) ในภาพวาดชิ้นหนึ่งของเขาจากปี 1503 ให้ภาพเครื่องดนตรีนี้ได้อย่างยอดเยี่ยม เมื่อพิจารณาดูแล้ว ไม่ต้องสงสัยเลยแม้แต่น้อยว่ายังเหลืออีกน้อยมากสำหรับการเปลี่ยน "พิณมือ" ให้กลายเป็นไวโอลินที่สมบูรณ์แบบในยุคของเรา ความแตกต่างเพียงอย่างเดียวที่ทำให้ภาพลักษณ์ของราฟาเอลแตกต่างจากไวโอลินสมัยใหม่นั้นอยู่ที่จำนวนสายเท่านั้น - มีห้าสายที่มีเบสสองสาย - และในโครงร่างของหมุดซึ่งยังคงมีลักษณะคล้ายหมุดของ การละเมิดเก่า
ตั้งแต่นั้นมา หลักฐานก็เพิ่มขึ้นในอัตราที่เหลือเชื่อ การแก้ไขภาพเล็กน้อยของ "Lyre da Brachio" ในสมัยโบราณจะทำให้มีความคล้ายคลึงกับไวโอลินสมัยใหม่อย่างไร้ที่ติที่สุด ประจักษ์พยานเหล่านี้ ในรูปแบบของไวโอลินเก่า มีอายุย้อนไปถึงปี 1516 และ 1530 เมื่อผู้จำหน่ายหนังสือบาเซิลเลือก ไวโอลินเก่าด้วยเครื่องหมายการค้าของคุณ ในขณะเดียวกัน คำว่า "ไวโอลิน" ในภาษาไวโอลินแบบภาษาฝรั่งเศสก็ปรากฏเป็นครั้งแรกในพจนานุกรมภาษาฝรั่งเศสในช่วงต้นศตวรรษที่ 16 Henri Pruneer (1886-1942) อ้างว่าในปี 1529 คำนี้มีอยู่ในเอกสารทางธุรกิจบางฉบับในสมัยนั้น อย่างไรก็ตาม ข้อบ่งชี้ว่าแนวคิดของ "วิโอลอน" ปรากฏขึ้นในราวปี ค.ศ. 1490 ควรได้รับการพิจารณาว่าน่าสงสัย ในอิตาลี คำว่า violonista ในความหมายของนักเล่นไวโอลินเริ่มปรากฏขึ้นตั้งแต่ปี 1462 ในขณะที่คำว่า violino ในความหมายของ "ไวโอลิน" ถูกนำมาใช้เพียงหนึ่งร้อยปีต่อมาเมื่อมันแพร่หลาย ภาษาอังกฤษใช้การสะกดคำในภาษาฝรั่งเศสในปี ค.ศ. 1555 ซึ่งถูกแทนที่ด้วย "ไวโอลิน" ในภาษาอังกฤษอย่างสมบูรณ์ในอีกสามปีต่อมา
ใน Rus 'ตามคำให้การของอนุสรณ์สถานที่เก่าแก่ที่สุด เครื่องดนตรีโค้งคำนับเป็นที่รู้จักกันมาเป็นเวลานานมาก แต่ไม่มีเครื่องมือใดที่พัฒนาได้มากจนกลายเป็นเครื่องดนตรีของวงดุริยางค์ซิมโฟนีในภายหลัง เครื่องดนตรีธนูรัสเซียโบราณที่เก่าแก่ที่สุดคือเสียงบี๊บ ในรูปแบบที่บริสุทธิ์ที่สุด มันมีลำตัวไม้รูปลูกแพร์ทรงรี มีเชือกสามเส้นขึงไว้ พวกเขาเป่านกหวีดด้วยคันธนูโค้งซึ่งไม่เกี่ยวข้องกับสมัยใหม่ เวลาที่นกหวีดเกิดขึ้นนั้นไม่เป็นที่ทราบแน่ชัด แต่มีข้อสันนิษฐานว่า "เสียงบี๊บ" ปรากฏในมาตุภูมิพร้อมกับการแทรกซึมของเครื่องดนตรี "ตะวันออก" - ดอมรา ซูร์นา และสมีก เวลานี้มักจะถูกกำหนดโดยช่วงครึ่งหลังของ XIV และต้นศตวรรษที่ XV เป็นการยากที่จะบอกว่า "ไวโอลิน" ปรากฏในความหมายที่แท้จริงของคำเมื่อใด เป็นที่ทราบกันดีอยู่แล้วว่าการกล่าวถึงนักไวโอลินครั้งแรกในหนังสือตัวอักษรในศตวรรษที่ 16-17 "แสดงให้เห็นว่าล่ามไม่รู้เรื่องนี้" ไม่ว่าในกรณีใดตาม P. F. Findeisen (1868-1928) เครื่องดนตรีนี้ยังไม่เป็นที่รู้จักในชีวิตในประเทศและในที่สาธารณะของ Moscow Rus และไวโอลินตัวแรกในรูปแบบที่สมบูรณ์ปรากฏในมอสโกซึ่งดูเหมือนจะเฉพาะในตอนเริ่มต้นเท่านั้น ศตวรรษที่สิบแปด อย่างไรก็ตาม ผู้รวบรวมหนังสือตัวอักษรซึ่งครั้งหนึ่งไม่เคยเห็นไวโอลินของแท้มาก่อน เข้าใจเพียงว่าเครื่องดนตรีนี้ต้องเป็นเครื่องดนตรีประเภทเครื่องสาย ดังนั้นจึงเปรียบเทียบอย่างผิดๆ กับ "กุสลี" และ "ลิรารัสเซียน้อย" ซึ่ง แน่นอนว่าไม่เป็นความจริงอย่างแน่นอน
คำอธิบายโดยละเอียดไม่มากก็น้อยเกี่ยวกับไวโอลินใหม่ในตะวันตกเริ่มปรากฏขึ้นตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 16 เท่านั้น ดังนั้น Philibert Jambes de Fair (1526-1572) ซึ่งสรุปคุณลักษณะและลักษณะเด่นของไวโอลินร่วมสมัยจึงอ้างอิงชื่อต่างๆ ซึ่งสรุปได้ว่า "ตระกูลของไวโอลิน" สร้างขึ้นจากต้นแบบและรูปลักษณ์ของไวโอลิน วิโอลา ตั้งแต่นั้นมาตั้งแต่ปี ค.ศ. 1556 ไวโอลินก็มีอยู่จนถึงสิ้นศตวรรษที่ 17 ในหลายสายพันธุ์ที่รู้จักกันในชื่อ ชื่อภาษาฝรั่งเศส dessus, quinte, haute-contre, tailee และ basse ในรูปแบบนี้องค์ประกอบของตระกูลไวโอลินก่อตั้งขึ้นเมื่อ Peer Maryann (1588-1648) เริ่มเขียนเกี่ยวกับเขา "Gang of 24" - ตามที่ Les vingt-quatre ถูกเรียกในคราวเดียว - ประกอบด้วยเครื่องดนตรีชนิดเดียวกัน แต่ได้ย้ายชื่อไปแล้ว dessus ตามมาด้วย haute-contre และ quinte อยู่ระหว่าง tailee และ basse แต่ปริมาณของพวกเขาตรงกับข้อมูลก่อนหน้านี้ซึ่งเพิ่งกล่าวถึง ต่อมาก็มีการเปลี่ยนแปลงองค์ประกอบของไวโอลินนี้อีกครั้ง เนื่องจาก Haute-contre หายไปอย่างสิ้นเชิง หลีกทางให้กับ Dessus และ Taiee รวมตัวกับ quinte โดยรับเอาคำสั่งของรุ่นหลัง ดังนั้นจึงมีการสร้างชุดคันธนูสี่ส่วนรูปแบบใหม่ขึ้น ซึ่งเดสซุสสอดคล้องกับไวโอลินตัวที่หนึ่งและตัวที่สอง แทอิลีหรือควินเต - วิโอลาและเบส - เชลโล
ตอนนี้เป็นเรื่องยากที่จะระบุได้อย่างแม่นยำเมื่อเสร็จสิ้นขั้นสุดท้ายของเครื่องดนตรีนั้น ซึ่งปัจจุบันรู้จักกันในชื่อ "ไวโอลิน" เป็นไปได้มากว่าการปรับปรุงนี้จะดำเนินต่อไปในซีรีส์ต่อเนื่อง และผู้เชี่ยวชาญแต่ละคนก็นำบางอย่างมาเป็นของตัวเอง อย่างไรก็ตาม สามารถระบุได้อย่างชัดเจนว่า ศตวรรษที่ 17 เป็น "ยุคทอง" สำหรับไวโอลิน เมื่อความสัมพันธ์ในโครงสร้างของเครื่องดนตรีเสร็จสมบูรณ์ในขั้นสุดท้ายและเมื่อบรรลุถึงความสมบูรณ์ที่ไม่มีความพยายามที่จะ "ปรับปรุง" มัน ก็สามารถก้าวข้ามได้แล้ว ประวัติศาสตร์ได้เก็บชื่อของทรานสดิวเซอร์ไวโอลินชั้นยอดไว้ในความทรงจำ และเชื่อมโยงการพัฒนาเครื่องดนตรีนี้กับชื่อของผู้ผลิตไวโอลินสามตระกูล ก่อนอื่น นี่คือตระกูลปรมาจารย์ชาวเครโมนีแห่งตระกูล Amati ซึ่งกลายมาเป็นอาจารย์ของ Andrea Guarneri (1626?-1698) และ Antonio Stradivari (1644-1736) อย่างไรก็ตาม ไวโอลินเป็นผลงานชิ้นสุดท้ายที่เสร็จสมบูรณ์โดย Giuseppe-Antonio Guarneri (1687-1745) และโดยเฉพาะกับ Antonio Stradivari ผู้ซึ่งได้รับการยกย่องในฐานะผู้สร้างไวโอลินสมัยใหม่ที่ยิ่งใหญ่ที่สุด
แต่ไม่ใช่ทุกคนที่ชอบทุกอย่างในไวโอลินที่ Cremonese ผู้ยิ่งใหญ่สร้างขึ้นในเวลานั้น หลายคนพยายามเปลี่ยนอัตราส่วนที่ Stradivari นำมาใช้ และแน่นอนว่าไม่มีใครทำสำเร็จ อย่างไรก็ตาม สิ่งที่น่าสงสัยที่สุดคือความปรารถนาของปรมาจารย์ที่ล้าหลังที่สุดบางคนที่จะคืนไวโอลินให้กลับไปสู่อดีตเมื่อไม่นานมานี้และกำหนดคุณลักษณะที่ล้าสมัยของวิโอลา อย่างที่คุณทราบ ไวโอลินไม่มีเฟรต สิ่งนี้ทำให้สามารถขยายระดับเสียงและทำให้เทคนิคการเล่นไวโอลินสมบูรณ์แบบ อย่างไรก็ตาม ในอังกฤษ คุณสมบัติของไวโอลินเหล่านี้ดู "น่าสงสัย" และ "น้ำเสียง" ของเครื่องดนตรีไม่แม่นยำเพียงพอ ดังนั้นเฟรตบนเฟรตบอร์ดของไวโอลินจึงถูกนำมาใช้เพื่อกำจัด "ความไม่ถูกต้อง" ที่เป็นไปได้ในการแยกเสียง และสำนักพิมพ์ที่นำโดยจอห์น เพลย์ฟอร์ด (1623-1686?) ตั้งแต่ปี 1654 ถึง 1730 ได้พิมพ์คู่มือซ้ำ รวบรวมตาม "modal tablature" . อย่างไรก็ตาม ความยุติธรรมจำเป็นต้องกล่าวว่าเป็นเรื่องทั่วไป กรณีเดียวผู้มีชื่อเสียงในประวัติศาสตร์การเล่นไวโอลิน ความพยายามอื่น ๆ ในการปรับปรุงและอำนวยความสะดวกในการเล่นเครื่องดนตรีนี้ได้ลดลงเหลือแค่การปรับสายหรือที่เรียกว่า "scordatura" สิ่งนี้สมเหตุสมผล และนักไวโอลินที่โดดเด่นหลายคน เช่น Tartini (1692-1770), Lolli (1730-1802), Paganini (1784-1840) และคนอื่นๆ อีกสองสามคน ต่างก็ปรับแต่งเครื่องดนตรีในแบบของตัวเอง บางครั้งวิธีการปรับแต่งสายนี้ยังถูกนำมาใช้เพื่อเป้าหมายทางศิลปะที่พิเศษ
ไวโอลินสตราดิวาเรียส. ภาพจาก gruhn.com ดังนั้น ไวโอลินจึงได้รับการจุติใหม่ที่สมบูรณ์แบบที่สุดในปลายศตวรรษที่ 17 อันโตนิโอ สตราดิวารีเป็นคนสุดท้ายที่นำมันมาสู่สภาพปัจจุบัน และฟรองซัวส์ ตูร์ต ปรมาจารย์แห่งศตวรรษที่ 18 ได้รับการนับถือในฐานะผู้สร้างคันชักสมัยใหม่ แต่ในการพัฒนาไวโอลินและการนำไปใช้ในชีวิตจริง สิ่งต่างๆ กลับประสบความสำเร็จน้อยกว่า เป็นเรื่องยากมากที่จะถ่ายทอดประวัติศาสตร์อันยาวนานและหลากหลายของการพัฒนาและปรับปรุงเทคนิคไวโอลินด้วยคำไม่กี่คำ พอจะกล่าวได้ว่ารูปลักษณ์ของไวโอลินทำให้เกิดคู่ต่อสู้มากมาย หลายคนรู้สึกเสียใจกับความงามของวิโอลาที่หายไป ในขณะที่คนอื่นๆ คิด "บทความ" ทั้งหมดขึ้นมาเพื่อต่อต้านคนแปลกหน้าที่ไม่ได้รับเชิญ ต้องขอบคุณนักไวโอลินผู้ยิ่งใหญ่ที่ขยับเทคนิคการเล่นไวโอลินไปข้างหน้าอย่างเด็ดขาด ไวโอลินจึงเข้ามาอยู่ในตำแหน่งที่สมควรได้รับโดยชอบธรรม ในศตวรรษที่ 17 นักไวโอลินฝีมือดีเหล่านี้คือ Giuseppe Torelli และ Arcangelo Corelli ในอนาคตอันโตนิโอ วิวัลดี (ค.ศ. 1675-1743) ได้ทุ่มเททำงานมากมายเพื่อประโยชน์ของไวโอลิน และสุดท้าย นักไวโอลินฝีมือเยี่ยมทั้งกาแล็กซี่นำโดย Niccolò Paganini ไวโอลินสมัยใหม่มีสี่สายที่ปรับในห้าส่วน บางครั้งสายบนเรียกว่าสายที่ห้า และสายล่างเรียกว่าเบส สายไวโอลินทุกเส้นมีเส้นเลือดหรือลำไส้ และเฉพาะ "เบส" เท่านั้นที่พันด้วยด้ายสีเงินบางๆ หรือ "ขลิบ" เพื่อความสมบูรณ์และความสวยงามของเสียง ในปัจจุบัน นักไวโอลินทุกคนใช้สายโลหะสำหรับ "สายที่ห้า" และเหมือนกันทุกประการ แต่เพียงพันด้วยด้ายอะลูมิเนียมบางๆ เพื่อความนุ่มนวลเท่านั้น ซึ่งก็คือสาย A แม้ว่านักดนตรีบางคนจะใช้สาย A อะลูมิเนียมบริสุทธิ์โดยไม่มี "ขลิบ" ก็ตาม ในเรื่องนี้ สายโลหะสำหรับ mi และอลูมิเนียมสำหรับ la ทำให้จำเป็นต้องเสริมความแข็งแกร่งของสาย re ซึ่งตอนนั้นยังคงมีลายอยู่ ซึ่งทำด้วยความช่วยเหลือของ "gimp" อลูมิเนียมที่พันรอบ เช่น "บาสก์" อันหลังนี้และอย่างไรก็ตามซึ่งทำหน้าที่ได้ดี อย่างไรก็ตามเหตุการณ์ทั้งหมดเหล่านี้ทำให้นักเลงที่แท้จริงไม่พอใจอย่างมากเนื่องจากเสียงกริ่งและความคมชัดของเสียงสายโลหะในกรณีอื่น ๆ นั้นเห็นได้ชัดเจนและไม่เป็นที่พอใจ แต่ก็ไม่มีอะไรต้องทำและต้องทนกับสถานการณ์
สายของไวโอลินที่ปรับแต่งตามความต้องการของเครื่องดนตรีเรียกว่าเปิดหรือว่างเปล่า และเสียงจะเรียงลำดับจากห้าบริสุทธิ์จากมากไปน้อยจากไมล์ของอ็อกเทฟที่สองถึงเกลือเล็กน้อย ลำดับของสายจะพิจารณาจากบนลงล่างเสมอ และประเพณีนี้ได้รับการเก็บรักษาไว้ตั้งแต่สมัยโบราณที่เกี่ยวข้องกับเครื่องสายและเครื่องสาย "ที่มีด้ามจับ" หรือ "คอ" หมายเหตุสำหรับไวโอลินเขียนเฉพาะใน " กุญแจเสียงแหลม"หรือคีย์ซอลท์
แนวคิดของ "เปิด" หรือการใช้ในวงออร์เคสตรา - เครื่องสายเปล่า หมายถึงเสียงของเครื่องสายตลอดความยาวจากขาตั้งถึงน็อต นั่นคือระหว่างสองจุดที่กำหนดความสูงจริงระหว่างการปรับจูน ความยาวของสตริงมักจะถูกกำหนดโดยจุดเดียวกัน เนื่องจากในวงออเคสตรา มันคือส่วนที่ทำให้เกิดเสียงของสตริงที่ถูกนำมาพิจารณา ไม่ใช่ "ค่าสัมบูรณ์" ที่อยู่ระหว่างคอย่อยและหมุด ในโน้ตเพลง สตริงเปิดจะถูกระบุด้วยวงกลมเล็กๆ หรือศูนย์ที่วางอยู่เหนือหรือใต้โน้ต
ในบางกรณี เมื่อโครงสร้างทางดนตรีของงานต้องการ คุณสามารถปรับสายลงหนึ่งเซมิโทนเพื่อให้ได้ F ชาร์ปของอ็อกเทฟขนาดเล็กสำหรับ "บาสก์" หรือ D ชาร์ปที่สองสำหรับ "ห้า"
ที่มา music-instrument.ru

ประวัติศาสตร์ของ สร้างกีตาร์ไฟฟ้า (กีตาร์ไฟฟ้า)

การพัฒนาเทคโนโลยีในศตวรรษที่ 20 ไม่ได้ละเลยด้านวัฒนธรรมของการดำรงอยู่ของมนุษย์ การเกิดขึ้นของอุปกรณ์อิเล็กทรอนิกส์สำหรับการเล่นและที่สำคัญที่สุดคือการประมวลผลเสียง ท้ายที่สุดแล้วไม่ได้ส่งผลกระทบต่อตัวเครื่องดนตรีเท่านั้น นอกจากความพยายามที่จะสร้างเครื่องดนตรีใหม่โดยพื้นฐานแล้ว ยังมีความพยายามในการ "ปรับปรุง" เครื่องดนตรีเก่าที่รู้จักกันดีให้ทันสมัยอีกด้วย ในปี 1924 Lloyd Loher ได้ออกแบบปิ๊กอัพแม่เหล็กเครื่องแรก ซึ่งเป็นอุปกรณ์ที่แปลงการสั่นสะเทือนของสายโลหะเป็นสัญญาณไฟฟ้า วิศวกรคนเก่งทำงานยุคนั้นคิดซะที่ไหน - ที่กิบสัน! แต่อย่างที่คุณเข้าใจก่อนการสร้าง เลส พอลยังไกลพอ - นานถึง 28 ปีที่ Gibson ไม่ได้ผลิตกีตาร์ไฟฟ้าจำนวนมากตัวแรก และสิ่งนี้ดำเนินการโดยบริษัทที่ชื่อว่า Electro String Company ซึ่งหนึ่งในผู้ก่อตั้งคือ Adolf Rickenbacker ซึ่งต่อมาได้ก่อตั้งบริษัท Rickenbacker ที่มีชื่อเสียงมากซึ่งเปิดตัวกีตาร์ซิกเนเจอร์สำหรับ John Lennon - 325JL อย่างที่คุณอาจเดาได้ ลำตัวของกีตาร์ตัวแรกเหล่านี้ทำจากอะลูมิเนียม ซึ่งเป็นเหตุผลว่าทำไมพวกเขาจึงได้รับชื่อที่จริงใจว่า "กระทะทอด" เหตุการณ์นี้เกิดขึ้นในปี 1931 ฉันไม่รู้ว่ามีความพยายามอื่นใดในการต่อปิ๊กอัพเข้ากับกีตาร์หรือไม่ อาจมี แต่ในปี 1951 เท่านั้นที่พวกเขาได้รับรูปแบบคลาสสิกและเป็นที่รู้จัก และลีโอ เฟนเดอร์ทำสิ่งนี้ด้วยการปล่อยแคสเตอร์ชื่อดังของเขา และมันก็เป็นความก้าวหน้าไปแล้ว บางอย่างเช่นการนำยานอวกาศขึ้นสู่วงโคจรโดยมีมนุษย์อยู่บนยาน ตัวถังทำจากไม้แม้ว่าจะไม่มีการออกแบบที่เหมือนกัน กีตาร์คลาสสิค. ด้วยเหตุผลบางอย่าง หลายคนคิดว่ากีตาร์ไฟฟ้าทำมาจากใครจะรู้ว่าอะไร: โลหะ พลาสติก และวัสดุล้ำสมัยอื่นๆ ไม่เลย กีตาร์ถูกสร้างขึ้นมาจนถึงทุกวันนี้ ส่วนใหญ่มาจากไม้ เช่นเดียวกับที่คนๆ หนึ่งทำ น้ำ 70%
นับจากนั้นเป็นต้นมา กีตาร์ไฟฟ้าสามารถกล่าวได้ว่าเกิดขึ้นในฐานะเครื่องดนตรีและปรากฏการณ์ทางวัฒนธรรม แน่นอนว่ากิบสันไม่ได้ล้าหลังและเปิดตัว Les Paul ในตำนานในปี 1952 และการทดสอบยิงเกิดขึ้นในปี 1954 เมื่อเฟนเดอร์ส่ง Stratocaster ขึ้นสู่วงโคจร นักดนตรีบลูส์ ร็อก และคันทรีเริ่มเล่นกีตาร์ของรุ่นและผู้ผลิตเหล่านี้ แน่นอนว่าตั้งแต่นั้นมามีกีตาร์ที่สวยงามและไม่เป็นที่นิยมและไม่เป็นที่นิยมมากมาย แต่ไม่น่าเป็นไปได้ที่วันนี้จะมีใครคิดสิ่งที่สำคัญกว่านี้หากคุณไม่คำนึงถึงการประมวลผลเสียง แน่นอนว่ามีนวัตกรรมต่าง ๆ เช่นการเพิ่มสายที่เจ็ดและแม้แต่สายที่แปด (ตามกฎแล้วสิ่งเหล่านี้คือกีตาร์ที่มีไว้สำหรับวงดนตรีและนักดนตรีที่มีสไตล์และเทรนด์สุดขั้ว) แต่ทั้งหมดนี้เป็นปรากฏการณ์ที่ "ไม่ เข้ามาใกล้” ในความหมายของพวกเขากับสิ่งที่ระบุไว้ข้างต้น "การค้นพบ"
แต่สิ่งที่น่าสนใจที่สุดคือกีตาร์ยังคงเป็นกีตาร์ ด้วยเหตุผลบางประการ หลายคนที่ห่างไกลจากดนตรีจึงคิดว่ากีตาร์ไฟฟ้าเป็นเครื่องดนตรีที่ไม่มีส่วนเกี่ยวข้องกับกีตาร์คลาสสิก แน่นอนว่าความแตกต่างนั้นมีมากตั้งแต่รูปลักษณ์ไปจนถึงเทคนิคการเล่น แต่ก็ยังเป็นเครื่องดนตรีชิ้นเดียวกันที่มีการปรับแต่งและการจับคอร์ดเหมือนกัน (มีข้อยกเว้นบางประการ) ซึ่งหมายความว่าการรู้คอร์ดของเพลงก็สามารถ ประสบความสำเร็จเท่ากันทั้งกีตาร์ไฟฟ้าและกีตาร์อะคูสติก

ประวัติโดยย่อของกีตาร์และสถานะปัจจุบัน

ดังที่คุณทราบ กีตาร์เป็นเครื่องดนตรีประจำชาติของสเปน จนถึงขณะนี้ ต้นกำเนิดของกีตาร์ยังไม่เป็นที่แน่ชัด ต้องสันนิษฐานว่าต้นแบบของมันคือเคฟาราแห่งอัสซีเรีย-บาบิโลนหรือซิทาราของอียิปต์ มันอาจจะถูกนำไปยังคาบสมุทรไอบีเรียโดยชาวโรมัน (กีตาร์ละติน) หรือชาวอาหรับ (กีตาร์แขกมัวร์) ในอันแรกพวกเขาเล่นด้วยเทคนิค "punteado" นั่นคือด้วยการหยิก ในครั้งที่สองซึ่งมีเสียงดังกว่าพวกเขาเล่นด้วยเทคนิค "rasgueado" นั่นคือโดยการเขย่าสายด้วย นิ้วมือขวา

กีตาร์ประเภทสมัยใหม่หรือในกรณีใดก็ตามที่ใกล้เคียง อาจเกิดจากการหลอมรวมของซิทาราโบราณสองสายพันธุ์นี้ซึ่งไม่ช้ากว่าศตวรรษที่ 16 เรามีข้อบ่งชี้โดยอ้อมถึงต้นกำเนิดสองอย่างนี้ของกีตาร์ในลักษณะที่แตกต่างกันในการเล่นจนถึงปัจจุบัน: โฟล์ค - "รัสเกอาโด" - มีต้นกำเนิดจากการเล่นกีตาร์ของชาวมัวร์ และมืออาชีพ - "ปุนเตอาโด" - มีต้นกำเนิดจากกีตาร์ละติน .

เมื่อถึงเวลาที่เจาะเข้าไปในประเทศอื่น ๆ ในยุโรป (ศตวรรษที่ XVI-XVII) กีตาร์มีห้าสายปรับในอัตราส่วนหนึ่งในสี่เช่นเดียวกับพิณที่เกี่ยวข้อง ไม่แน่ใจว่าสตริงที่หกถูกเพิ่มในเยอรมนีหรืออิตาลี ในรูปแบบสุดท้ายนี้ กีตาร์ได้รับสิทธิ์ในเครื่องดนตรีที่จริงจัง จากความเป็นไปได้ทางดนตรีที่เพิ่มขึ้นนี้ กีตาร์ 6 สายจึงประสบความสำเร็จเป็นครั้งแรก (ตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 18 ถึงกลางศตวรรษที่ 19) ในช่วงเวลานี้กีตาร์ก้าวหน้า ทั้งเส้นผู้มีฝีมือและนักแต่งเพลงที่เก่งกาจ เช่น ชาวสเปน Aguado และ Sor และชาวอิตาลี Giuliani, Leniani, Carcassi, Carulli, Tsani de Ferranti, Regondi, Moretti และอื่น ๆ กิจกรรมคอนเสิร์ตของนักกีตาร์เหล่านี้ในประเทศแถบยุโรปทำให้กีตาร์มีระดับความเป็นมืออาชีพสูง และได้รับรางวัลมากมายจากบรรดานักดนตรี กวี และนักเขียนที่ใหญ่ที่สุด บางคน - นักแต่งเพลง Monteverdi, Rossini, Gretry, Ober, Donizetti, Verdi, Massenet - ใช้กีตาร์ในโอเปร่า คนอื่น ๆ - นักแต่งเพลง Lully, Weber, Diabelli, Berlioz, Gounod - เล่นกีตาร์ด้วยตัวเอง คนอื่น ๆ - Glinka, Tchaikovsky - ชอบฟังกีตาร์ ควรสังเกตเป็นพิเศษว่า Paganini นักไวโอลินชื่อดังในขณะเดียวกันก็เป็นนักกีตาร์ที่ยอดเยี่ยมและเขียนผลงานกีตาร์หลายชิ้น กวีและนักเขียน: Goethe, Kerner, Lenau, Byron, Shelley, Derzhavin, Pushkin, Lermontov, L. Tolstoy, Baudelaire และคนอื่นๆ ชื่นชอบกีตาร์และทุ่มเทมากกว่าหนึ่งหน้าให้กับมันในผลงานของพวกเขา

ยุครุ่งเรืองของกีตาร์ซึ่งกินเวลาเกือบถึงปลายศตวรรษที่ 19 ถูกแทนที่ด้วยความเสื่อมโทรม สาเหตุหลักมาจากรูปลักษณ์ของเปียโนฟอร์ท อย่างไรก็ตาม ตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 20 เราได้เห็นช่วงเวลาแห่งความรุ่งเรืองใหม่ของกีตาร์ เห็นได้ชัดว่าเกิดจากการเปลี่ยนแปลงในทัศนคติของคนทั่วไปที่มีต่อกีตาร์ ในฐานะเครื่องดนตรีพื้นบ้านที่เก่าแก่และแสดงออกได้มากที่สุดชนิดหนึ่ง . ผลที่ตามมาคือ ผู้มีพรสวรรค์ด้านกีตาร์จำนวนมากซึ่งส่วนใหญ่เป็นชาวสเปนปรากฏตัว: Tarrega, Llobet, Segovia, Pujol และคนอื่นๆ ซึ่งได้ทำให้ศิลปะการเล่นกีตาร์สมบูรณ์แบบและทำให้กีตาร์ทัดเทียมกับเครื่องดนตรีเดี่ยวแบบดั้งเดิมอื่นๆ และเช่นเดียวกับในยุครุ่งเรืองแรกเริ่ม กีตาร์ดึงดูดเพื่อนมากมายจากนักแต่งเพลงที่โดดเด่นที่สุด เช่น Turin, de Falla, Pons, Roussel และคนอื่นๆ

ในประเทศไทยของเรานั้นได้มีการเผยแพร่ออกไปอย่างกว้างขวางพร้อมกับ กีตาร์หกสายความหลากหลายของมันคือกีตาร์เจ็ดสายโดยส่วนใหญ่มีการปรับจูนแบบเทอร์เชียน

หีบเพลงปุ่มหีบเพลง

ประวัติและพันธุ์ เครื่องมือกก(หีบเพลงปุ่มหีบเพลง ฯลฯ )

หีบเพลงเป็นเครื่องดนตรีที่สร้างเสียงโดยการเลื่อนลิ้นโลหะอย่างอิสระ - แผ่นบาง ๆ สั่นสะเทือนภายใต้การกระทำของกระแสอากาศที่สูบลมโดยเครื่องสูบลม ด้วยมือซ้าย นักแสดงจะควบคุมเครื่องสูบลม และยังกดปุ่มเบสและคอร์ดเพื่อประกอบเมโลดี้ ซึ่งเล่นด้วยมือขวา

ในรัสเซียในมอสโกมีพิพิธภัณฑ์ฮาร์มอนิกส์ที่ดีที่สุดและกว้างขวางที่สุดในโลก (มีพิพิธภัณฑ์ดังกล่าว 4 แห่งในโลก: นอกจากนี้ยังมีพิพิธภัณฑ์ฮาร์มอนิกแห่งชาติในเยอรมนีใน Klingenthal, พิพิธภัณฑ์ฮาร์มอนิกในอิตาลีใน Castelfidardo และพิพิธภัณฑ์หีบเพลงในสหรัฐอเมริกาใน .Super Ior-Delucy)

ประวัติทั่วไปของการพัฒนาเครื่องดนตรีประเภทกก

เครื่องดนตรีชนิดแรกที่รู้จักโดยใช้หลักการแยกเสียงคือไม้เซิงโบราณ (มีถิ่นกำเนิดในพม่า ทิเบต ลาว และจีน) ไม่ทราบวันที่แน่นอนที่สร้างเครื่องดนตรีนี้ แต่เชื่อกันว่ามีอายุมากกว่า 2,000 ปี ถือเป็นเครื่องดนตรีที่ "บริสุทธิ์" นั่นคือเหมาะสำหรับการแสดงดนตรีศักดิ์สิทธิ์ ประมาณ ค.ศ. 700 เซิงเป็นเครื่องดนตรียอดนิยมที่ได้รับการปรับปรุงให้เล่นได้ 12 คีย์ และมีการสร้างตำราประสานเสียงสำหรับเครื่องดนตรีเหล่านี้



การปรากฏตัวของฮาร์โมนิก้า, ปุ่มหีบเพลงและหีบเพลงในรัสเซีย

การปรากฏตัวของฮาร์มอนิกในรัสเซียมีอายุย้อนไปถึงต้นทศวรรษที่ 40 ของศตวรรษที่ XIX กลุ่มที่ได้รับสิทธิพิเศษของประชากรตามที่ระบุใน แหล่งวรรณกรรม, ซื้อฮาร์โมนิกามือในต่างประเทศ และผ่านข้ารับใช้ ฮาร์โมนิกาปรากฏและกลายเป็นที่นิยมในหมู่บ้าน มีข้อสันนิษฐานว่าฮาร์โมนิก้าสามารถนำเข้าโดยช่างฝีมือจากต่างประเทศซึ่งสั่งไปยังโรงงานผลิตอาวุธของ Tula
ในบรรดาช่างฝีมือของ Tula มีความเห็นว่าช่างทำปืน Sizov และ Shkunaev ประดิษฐ์ออร์แกน ตามรายงานบางฉบับผลิตขึ้นในยุค 30 ของศตวรรษที่ XIX อย่างไรก็ตามในจังหวัด Tula ยังไม่ทราบว่าพวกเขากำลังพูดถึงฮาร์โมนิกประเภทใด - เกี่ยวกับหลอดเป่าหรือแบบแมนนวล



ข้อมูลทั่วไปเกี่ยวกับอุปกรณ์ฮาร์มอนิกส์

ฮาร์โมนิกาสามารถเรียกได้ว่าเป็นเครื่องดนตรีทั้งหมด เสียงที่สร้างโดยลิ้นโลหะ (เสียง) ที่เล็ดลอดผ่านได้อย่างอิสระ สั่นสะเทือนภายใต้การกระทำของกระแสอากาศ อากาศในฮาร์โมนิกานั้นได้รับความช่วยเหลือจากมือหรือเท้าที่เป่าลม (ฮาร์โมนิกามือ, ฮาร์โมเนียม), พัดลม (ออร์แกโนลา, ออร์แกน) หรือหายใจออกและหายใจเข้าโดยปอดของนักแสดง (ออร์แกนปาก) ในฮาร์โมนิกาสมัยใหม่ทั้งหมด ไม้กกจะถูกยึดด้วยการตอกหมุดที่ปลายด้านหนึ่งบนฐานโลหะ ซึ่งเรียกว่าโครง (แชสซี) กรอบพร้อมกับลิ้นตอกหมุดเรียกว่าแถบ



Sheng (โกโนฟุย เคน หลูเซิง)

Sheng เป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีที่เก่าแก่ที่สุดในตระกูลหีบเพลงปาก มีต้นกำเนิดในพม่า ทิเบต ลาว และจีน ตามต้นฉบับของจีนโบราณ (2-3,000 ปีก่อนคริสต์ศักราช) นักวิทยาศาสตร์ได้กำหนดชื่อแรกของเครื่องดนตรี - หยู จากนั้นจึงเริ่มถูกเรียกว่า เฉา โฮ เซิง ขึ้นอยู่กับรูปร่างและวัสดุที่ใช้ในการผลิต เช็งพันธุ์อื่น ๆ เป็นที่รู้จักกัน - chonofui หรือ gonofui (ญี่ปุ่น), ken (ลาว), lusheng และ hulusheng (จีนตะวันตกเฉียงใต้) ในรัสเซียและประเทศอื่นๆ ในยุโรป บางครั้งเรียกว่าเช็งออร์แกนปากแบบจีน



Bibelharmonica, ออร์เคสตรา, เอโลดิคอน

เมื่อเครื่องดนตรีชิ้นแรกที่สร้างขึ้นบนหลักการใหม่ของการผลิตเสียง (ลิ้นโลหะลื่น) ปรากฏขึ้นในยุโรป ผู้ผลิตออร์แกนใช้เครื่องดนตรีรูปแบบเก่า เช่น ออร์แกนพกพา เครื่องราชกกุธภัณฑ์ ออร์แกนบวก (พกพาได้) เป็นต้น สิ่งนี้เห็นได้ชัดเจน ในตัวอย่างเครื่องดนตรีประเภทแรกนั้น

ซินธิไซเซอร์

เครื่องดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ที่สังเคราะห์เสียงโดยใช้เครื่องกำเนิดคลื่นเสียงตั้งแต่หนึ่งเครื่องขึ้นไป เสียงที่ต้องการทำได้โดยการเปลี่ยนคุณสมบัติของสัญญาณไฟฟ้า (ในซินธิไซเซอร์อะนาล็อก) หรือโดยการปรับพารามิเตอร์ของโปรเซสเซอร์กลาง (ในซินธิไซเซอร์ดิจิตอล)

ซินธิไซเซอร์ที่ทำในรูปแบบของเคสพร้อมคีย์บอร์ดเรียกว่าซินธิไซเซอร์คีย์บอร์ด
ซินธิไซเซอร์ที่ทำขึ้นในรูปแบบของเคสที่ไม่มีคีย์บอร์ดเรียกว่าโมดูลซินธิไซเซอร์และควบคุมจากคีย์บอร์ด MIDI
ถ้าซินธิไซเซอร์คีย์บอร์ดติดตั้งซีเควนเซอร์ในตัว จะเรียกว่าเวิร์กสเตชัน
ประเภทของซินธิไซเซอร์:

ขึ้นอยู่กับเทคโนโลยีที่ใช้ ซินธิไซเซอร์แบ่งออกเป็นหลายประเภท:

ซินธิไซเซอร์อะนาล็อกใช้การสังเคราะห์ประเภทบวกและลบ คุณสมบัติหลักของอะนาล็อกซินธิไซเซอร์คือเสียงถูกสร้างขึ้นและประมวลผลโดยใช้วงจรไฟฟ้าจริง บ่อยครั้งที่การเชื่อมต่อของโมดูลการสังเคราะห์ต่างๆ ทำโดยใช้สายเคเบิลพิเศษ - สายแพตช์ ดังนั้น "แพตช์" จึงเป็นชื่อสามัญสำหรับเสียงต่ำของซินธิไซเซอร์ในหมู่นักดนตรี

ข้อได้เปรียบหลักของซินธิไซเซอร์แบบอะนาล็อกคือการเปลี่ยนแปลงทั้งหมดในลักษณะของเสียงเมื่อเวลาผ่านไป เช่น การเคลื่อนที่ของความถี่คัตออฟฟิลเตอร์ จะเกิดขึ้นอย่างราบรื่นมาก (อย่างต่อเนื่อง) ข้อเสีย ได้แก่ ระดับสูงเสียงรบกวน ปัญหาของความไม่เสถียรในการปรับจูนได้ถูกแก้ไขแล้ว ซินธิไซเซอร์อะนาล็อกที่มีชื่อเสียงที่สุดที่ใช้อยู่ในปัจจุบัน ได้แก่ Mimimoog Voyager, LittlePhatty, Prophet '08, Andromeda A6

ซินธิไซเซอร์อะนาล็อกเสมือนเป็นลูกผสมระหว่างซินธิไซเซอร์อะนาล็อกกับซินธิไซเซอร์ดิจิทัล โดยมีส่วนประกอบของซอฟต์แวร์อยู่ในตัว ที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ: Access Virus TI, Nord Lead 2x, Nord Modular, DSI Poly Evolver

ซินธิไซเซอร์ดิจิตอลรวมถึงซินธิไซเซอร์ดิจิตอลเอง เช่นเดียวกับรูปแบบต่างๆ ของมัน: ซินธิไซเซอร์เสมือน-ปลั๊กอิน / ซินธิไซเซอร์แบบสแตนด์อโลนและอินเทอร์แอคทีฟ พวกเขาใช้การสังเคราะห์ประเภทต่างๆ สำหรับสร้างและเล่นรูปคลื่นต้นฉบับ ปรับแต่งเสียงด้วยฟิลเตอร์ ซองจดหมาย ฯลฯ ใช้อุปกรณ์ดิจิทัลที่ใช้โปรเซสเซอร์กลางหนึ่งตัวและตัวประมวลผลร่วมหลายตัว

อันที่จริงแล้ว Digital Synthesizer คือคอมพิวเตอร์ที่มีความเชี่ยวชาญสูง โมเดลที่ทันสมัยที่สุดของดิจิตอลซินธิไซเซอร์สมัยใหม่ (Korg OASYS, Roland Fantom, Yamaha Tyros) เช่น คอมพิวเตอร์ส่วนบุคคล ช่วยให้คุณสามารถอัปเดตระบบปฏิบัติการ มีเมนูเพจ ไฟล์วิธีใช้ในตัว โปรแกรมรักษาหน้าจอ ฯลฯ

ซินธิไซเซอร์เสมือนเป็นส่วนย่อยของซินธิไซเซอร์ดิจิทัล แต่เป็นซอฟต์แวร์ชนิดพิเศษ ในการสร้างเสียงจะใช้ตัวประมวลผลกลางและ RAM ของคอมพิวเตอร์ส่วนบุคคลและจะใช้การ์ดเสียง PC เพื่อส่งสัญญาณเสียงไปยังอุปกรณ์การเล่น

ซินธิไซเซอร์เสมือนสามารถเป็นได้ทั้งผลิตภัณฑ์ซอฟต์แวร์แบบสแตนด์อโลนและปลั๊กอินของรูปแบบเฉพาะ (VST, DXi, RTAS, TDM, LADSPA เป็นต้น) ที่ออกแบบมาเพื่อรันภายในโปรแกรมโฮสต์ โดยปกติจะเป็นเครื่องบันทึกหลายช่องสัญญาณ (Cubase VST, Cakewalk Sonar, Logic Pro, Pro Tools, Ardour เป็นต้น) ความพร้อมใช้งานสูงนำไปสู่ความนิยมที่เพิ่มขึ้นของซินธิไซเซอร์เสมือนจริง รวมถึงโมเดลของเครื่องดนตรีในชีวิตจริง (เช่น Native Pro53 - โปรแกรมจำลองซินธิไซเซอร์ของ Prophet, Novation V-Station - โปรแกรมจำลองซินธิไซเซอร์ Novation K-Station, Korg Legacy - โปรแกรมจำลองซินธิไซเซอร์ Korg M1, Wavestation , PolySix, MS20 เป็นต้น).

>ซินธิไซเซอร์แบบอินเทอร์แอกทีฟหรือโฮมซินธิไซเซอร์ยังเป็นซินธิไซเซอร์แบบดิจิทัลอีกหลากหลายแบบที่ออกแบบมาโดยเฉพาะสำหรับการทำเพลงมือสมัครเล่นที่บ้านและในร้านเสริมสวย เช่นเดียวกับสำหรับการศึกษาดนตรีแบบโต้ตอบ โดยปกติแล้ว ซินธิไซเซอร์เหล่านี้ไม่มีวิธีการแก้ไขเสียงขั้นสูง รวมถึงการควบคุมแบบเรียลไทม์ เน้นการเลียนแบบเครื่องดนตรีออเคสตร้าต่างๆ อย่างสมจริง และการใช้ฟังก์ชันดนตรีประกอบอัตโนมัติ ในกรณีนี้ ในการเล่นเพลงใดๆ ก็ตาม นักแสดงไม่จำเป็นต้องตั้งโปรแกรมเสียงหรือบันทึกส่วนต่างๆ ลงในซีเควนเซอร์ เพียงแค่เลือกเสียงสำเร็จรูปสำหรับทำนองและสไตล์สำหรับดนตรีประกอบอัตโนมัติ

แน่นอนว่าการควบคุมซินธิไซเซอร์นั้นง่ายกว่าโมเดลการแสดงระดับมืออาชีพมากและมักจะเข้าถึงได้แม้กระทั่งเด็ก ซินธิไซเซอร์ประเภทนี้หลายตัวรวมถึงเกมเพื่อการศึกษา เช่น "เดาโน้ต" หรือ "เดาคอร์ด" คอลเลคชันเพลงสำเร็จรูปสำหรับการฟังและการเรียนรู้ ฟังก์ชันคาราโอเกะพร้อมแสดงเนื้อเพลงบนหน้าจอ เป็นต้น ซินธิไซเซอร์ประเภทนี้ ได้แก่ ตระกูล Yamaha PSR, Casio CTK / WK, Roland E / VA / EXR เป็นต้น

ประเภทการสังเคราะห์เสียง:

ขึ้นอยู่กับวิธีการสร้างคลื่นเสียงและการเปลี่ยนแปลง การสังเคราะห์เสียงสามารถจำแนกได้ดังนี้:

การสังเคราะห์แบบรวม (เพิ่มเติม) ซึ่งใช้หลักการของการซ้อนทับ (การซ้อนทับ) ของคลื่นหลาย ๆ แบบที่เรียบง่าย (โดยปกติจะเป็นรูปไซน์) ที่มีความถี่และแอมพลิจูดต่างกัน โดยการเปรียบเทียบกับอวัยวะไฟฟ้า คลื่นเหล่านี้เรียกว่า รีจิสเตอร์ และแสดงเป็น 16' (โทนเสียงต่ำกว่าเสียงที่ถ่ายไปหนึ่งอ็อกเทฟ), 8' (โทนเสียงเริ่มต้น), 4' (โทนเสียงที่สูงกว่าที่ถ่ายไปหนึ่งอ็อกเทฟ) เป็นต้น (ตัวเลขคือความยาวท่อของการลงทะเบียนอวัยวะที่เกี่ยวข้องเป็นฟุต) ในรูปแบบบริสุทธิ์ พบได้ในอวัยวะไฟฟ้า (Hammond, Farfisa) และเครื่องเลียนแบบดิจิทัล (Korg CX-3, Roland VK-8 เป็นต้น) เสียงของเครื่องดนตรีมีความสมบูรณ์ยิ่งขึ้น ยิ่งใช้รีจิสเตอร์ในการออกแบบมากขึ้นเท่านั้น

การสังเคราะห์เสียงแบบหักลบ (Subtractive) ซึ่งรูปคลื่นดั้งเดิมจะเปลี่ยนเสียงต่ำเมื่อผ่านฟิลเตอร์ต่างๆ เครื่องสร้างซองจดหมาย ตัวประมวลผลเอฟเฟ็กต์ ฯลฯ เป็นส่วนย่อย การสังเคราะห์ประเภทนี้ใช้กันอย่างแพร่หลายในซินธิไซเซอร์สมัยใหม่เกือบทุกรุ่น

การสังเคราะห์โอเปอเรเตอร์ (FM จาก English Frequency Modulation) ซึ่งการโต้ตอบ (การปรับความถี่และการรวมความถี่) ของคลื่นหลายรูปแบบอย่างง่ายเกิดขึ้น แต่ละคลื่นพร้อมกับลักษณะเฉพาะเรียกว่าโอเปอเรเตอร์ การกำหนดค่าบางอย่างของโอเปอเรเตอร์ประกอบกันเป็นอัลกอริทึม ยิ่งใช้โอเปอเรเตอร์ในการออกแบบซินธิไซเซอร์มากเท่าไหร่ เสียงของเครื่องดนตรีก็จะยิ่งสมบูรณ์มากขึ้นเท่านั้น ตัวอย่างเช่น ซินธิไซเซอร์ Yamaha DX-7 (1984) ซึ่งยังคงได้รับความนิยมมาจนถึงทุกวันนี้ มีตัวดำเนินการ 6 ตัวซึ่งกำหนดค่าโดยอัลกอริธึมที่แตกต่างกัน 36 แบบ

การสังเคราะห์ทางกายภาพซึ่งเนื่องจากการใช้โปรเซสเซอร์ที่ทรงพลัง กระบวนการทางกายภาพที่แท้จริงจะถูกจำลองในเครื่องดนตรีประเภทใดประเภทหนึ่ง ตัวอย่างเช่น สำหรับเครื่องดนตรีเป่านกหวีด เช่น ขลุ่ย พารามิเตอร์จะเป็นความยาว รูปทรงและเส้นผ่านศูนย์กลางของท่อ อัตราการไหลของอากาศ วัสดุของตัวเครื่อง สำหรับเครื่องสาย - ขนาดตัวเครื่อง วัสดุ ความยาวสาย และความตึง ฯลฯ การสังเคราะห์ทางกายภาพถูกใช้โดยเครื่องมือเช่น Yamaha VL-1, Korg OASYS, Alesis Fusion เป็นต้น

การสังเคราะห์ Wavetable (PCM) ซึ่งเสียงถูกสร้างขึ้นโดยการเล่นชิ้นส่วนของเสียงเครื่องดนตรีจริง (ตัวอย่างและหลายตัวอย่าง) ที่บันทึกไว้ก่อนหน้านี้ในหน่วยความจำของเครื่องดนตรี ซินธิไซเซอร์ที่มีชื่อเสียงที่สุดในกลุ่มนี้คือ Waldorf Wave หรือที่เรียกว่าซินธิไซเซอร์ที่แพงที่สุดในโลก

การสังเคราะห์เสียงแบบลูกผสม ซึ่งใช้วิธีการสังเคราะห์เสียงแบบต่างๆ รวมกันอย่างน้อยหนึ่งวิธี เช่น “การบวก + การลบ” “คลื่น + การลบ” “ตัวดำเนินการ + การลบ” เป็นต้น เครื่องดนตรีสมัยใหม่ส่วนใหญ่สร้างขึ้นบนพื้นฐานของการสังเคราะห์เสียงแบบผสมผสาน เนื่องจากมีเครื่องมือที่ทรงพลังมากสำหรับการปรับเสียงต่ำในช่วงที่กว้างที่สุด

การควบคุมซินธิไซเซอร์สมัยใหม่:

การควบคุมซินธิไซเซอร์ระดับมืออาชีพที่ทันสมัยเป็นกระบวนการที่ซับซ้อนซึ่งเกี่ยวข้องกับการควบคุมพารามิเตอร์ต่างๆ หลายร้อยหรือหลายพันตัวที่มีหน้าที่รับผิดชอบในบางแง่มุมของเสียง พารามิเตอร์บางอย่างสามารถควบคุมได้แบบเรียลไทม์โดยใช้ปุ่มหมุน ล้อ แป้นเหยียบ ปุ่มต่างๆ พารามิเตอร์อื่นๆ ใช้สำหรับการเปลี่ยนแปลงที่ตั้งโปรแกรมไว้ล่วงหน้าในช่วงเวลาของลักษณะเฉพาะบางอย่าง ในเรื่องนี้ timbres (แพทช์) ของซินธิไซเซอร์ดิจิตอลมักเรียกว่าโปรแกรม

แป้นพิมพ์และการติดตามแบบไดนามิกใช้เพื่อติดตามตำแหน่งและความเร็วของการกดแป้นพิมพ์ ตัวอย่างเช่น เมื่อย้ายจากคีย์ล่างไปคีย์บน เสียงทิมเบอร์สามารถเปลี่ยนจากเชลโลเป็นฟลุตได้อย่างราบรื่น และด้วยการกดคีย์แรงขึ้น ทิมปานีจะถูกเพิ่มเข้าไปในเสียงโดยรวม

ซองจดหมายใช้เพื่อเปลี่ยนพารามิเตอร์บางอย่างของเสียงที่ไม่ใช่เป็นระยะ โดยทั่วไปแล้ว กราฟซองจดหมายเป็นเส้นแตกที่ประกอบด้วยการโจมตี (Attack) การสลายตัว (Decay) การสนับสนุน (Sustain) และการสลายตัว (Release) (ดูที่ซองจดหมาย ADSR) อย่างไรก็ตาม ในแบบจำลองซินธิไซเซอร์ต่างๆ จะพบว่าง่ายกว่า ( ADR ) เช่นเดียวกับซองจดหมายแบบหลายขั้นตอนที่ซับซ้อนมากขึ้น จำนวนซองทั้งหมดเป็นลักษณะสำคัญของซินธิไซเซอร์

ตัวกรองใช้เพื่อตัดแถบความถี่หนึ่งออกจากสเปกตรัมสัญญาณทั้งหมด บ่อยครั้งที่ตัวกรองมีการสั่นพ้องซึ่งทำให้สามารถเพิ่มแถบความถี่อย่างรวดเร็วที่ขอบเขตคัตออฟ การเปลี่ยนลักษณะตัวกรองด้วยการควบคุมแบบเรียลไทม์ การติดตามแป้นพิมพ์ และ/หรือซองจดหมาย ช่วยให้คุณได้รับตัวเลือกเสียงที่หลากหลายมาก จำนวนตัวกรองทั้งหมดเป็นลักษณะสำคัญของซินธิไซเซอร์

Ring-modulator ช่วยให้คุณสามารถปรับสัญญาณดั้งเดิมด้วยสัญญาณอื่นที่มีความถี่ (คงที่หรือลอยตัว) ที่แน่นอนเนื่องจากมีการเสริมแต่งฮาร์มอนิกอย่างมีนัยสำคัญ ชื่อ "Ring" (ภาษาอังกฤษ "call") เกิดจากการที่โหนดนี้มักจะทำหน้าที่รับเสียง "คล้ายระฆัง" ของเครื่องดนตรี

ออสซิลเลเตอร์ความถี่ต่ำใช้เพื่อเปลี่ยนพารามิเตอร์บางอย่างของเสียงเป็นระยะ เช่น ระดับเสียง ระดับเสียง ความถี่คัตออฟตัวกรอง ฯลฯ ในกรณีของการเปลี่ยนแปลงปริมาตรเป็นวงกลม เอฟเฟ็กต์เสียงสั่นจะถูกสร้างขึ้น การเปลี่ยนแปลงของระดับเสียงจะสร้างเอฟเฟ็กต์การสั่น การเปลี่ยนแปลงเป็นระยะในความถี่คัตออฟฟิลเตอร์เรียกว่าเอฟเฟ็กต์ "วา-วา"

การประมวลผลเอฟเฟ็กต์ใช้เพื่อจบเสียง ซินธิไซเซอร์สมัยใหม่มักจะมีตัวประมวลผลเอฟเฟกต์จำนวนมาก (เช่น Korg Karma - 8 โปรเซสเซอร์, Roland Fantom - 6 โปรเซสเซอร์ ฯลฯ ) โปรเซสเซอร์ทำงานเป็นอิสระจากกัน แม้ว่าจะสามารถรวมกันเป็นวงจรอนุกรมได้หากต้องการ โปรเซสเซอร์เอฟเฟ็กต์สมัยใหม่ใช้อัลกอริธึมเอฟเฟกต์เชิงพื้นที่จำนวนมาก (รีเวิร์บ ดีเลย์ เสียงก้อง) การมอดูเลต (แปลน คอรัส เฟสเซอร์) และอัลกอริทึมเอฟเฟกต์อื่นๆ (โอเวอร์แอมป์ การเปลี่ยนความถี่

โมเดลที่ทันสมัยที่สุดมีวิธีการควบคุมพารามิเตอร์เอฟเฟ็กต์จากการควบคุมแบบเรียลไทม์ ซองจดหมาย LFO และอื่นๆ

กลไกของเปียโนสมัยใหม่ถูกคิดค้นโดย Cristofori ปรมาจารย์ชาวอิตาลีเมื่อปลายศตวรรษที่ 17 (วันที่เป็นทางการคือประมาณปี ค.ศ. 1709) ในการออกแบบของเขามีค้อนอยู่ใต้สาย เครื่องดนตรีนี้เรียกว่า gravicembalo col Piano e forte, - pianoforte - และต่อมาชื่อของเปียโนก็ได้รับการแก้ไข

การประดิษฐ์ของ Cristofori เป็นจุดเริ่มต้นของการพัฒนากลไกของระบบอังกฤษ กลศาสตร์ประเภทอื่นๆ ได้รับการพัฒนาโดย Marius ในฝรั่งเศส (1716) และ Schroeter ในเยอรมนี (1717-2121) Sebastian Erard คิดค้นกลไกการซ้อมสองครั้ง ซึ่งทำให้สามารถแยกเสียงได้โดยการกดปุ่มอีกครั้งอย่างรวดเร็วจากครึ่งทาง ในกลไกของระบบอังกฤษ การทำซ้ำดังกล่าวเกิดขึ้นได้ก็ต่อเมื่อคีย์ถูกยกขึ้นจนสุด

ในรัสเซีย ธุรกิจเปียโนเกี่ยวข้องกับเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเป็นหลัก ในศตวรรษที่ 18 เพียงอย่างเดียว มีปรมาจารย์ด้านเปียโนมากกว่า 50 คนทำงานที่นั่น การพัฒนาโรงงานผลิตเปียโนในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ได้รับอิทธิพลจากกิจกรรมของผู้ผลิตเปียโนรัสเซียรายแรก, ซัพพลายเออร์ของ Imperial Court, ปรมาจารย์ชาวอังกฤษ G. Faverier, ปรมาจารย์ชาวเยอรมัน I.-A. Tischner, K.-I. Wirth, A.-H. Schroeder, I. -F. Schroeder และตั้งแต่ปี 1840 ชาวเบลเยียม G.-G. Lichtental จนถึงปัจจุบันชื่อของปรมาจารย์เปียโนมากกว่า 600 คนที่ทำงานในรัสเซียก่อนการปฏิวัติในปี 2460 เป็นที่รู้จัก ปรมาจารย์เปียโนแห่ง St. Petersburg Conservatory ผู้สมัครสาขาวิทยาศาสตร์ภาษาศาสตร์ Sergeev M. V. มีส่วนร่วมในการศึกษาเหล่านี้
ในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 โรงงานของ J. Blutner, K. Bechstein เปิดทำการในเยอรมนีในสหรัฐอเมริกา - Steinway and Sons ซึ่งไม่เท่ากันเป็นเวลาหลายปี
ในศตวรรษที่ 20 มีเครื่องดนตรีใหม่โดยพื้นฐานปรากฏขึ้น - เปียโนอิเล็กทรอนิกส์และซินธิไซเซอร์ ตลอดจนการผลิตเสียงรูปแบบพิเศษ - เปียโนที่เตรียมไว้

ดนตรีชิ้นแรกที่เขียนขึ้นสำหรับเปียโนโดยเฉพาะปรากฏในปี ค.ศ. 1732 (โซนาตาโดย Lodovico Giustini) อย่างไรก็ตาม โดยรวมแล้ว นักแต่งเพลงเริ่มให้ความสนใจกับเปียโนมากกว่าฮาร์ปซิคอร์ดในอีกสี่สิบหรือห้าสิบปีต่อมา ในสมัยของไฮเดินและโมสาร์ท

เปียโนแบ่งออกเป็นแกรนด์เปียโน - เครื่องดนตรีที่มีเครื่องสายแนวนอน - และเปียโนแนวตั้ง เปียโนแนวดิ่งที่รู้จักเครื่องแรกมาจาก K.-E. Friederici (เมืองเกรา ประเทศเยอรมนี) ซึ่งเป็นผู้สร้างขึ้นในปี 1745 อย่างไรก็ตาม ในปี 1742 เครื่องดนตรีที่คล้ายกันได้ออกมาจากโรงปฏิบัติงานของ Johann Söcher ในเมือง Zanthofen (แคว้นบาวาเรีย) และ ในปี ค.ศ. 1748 G. Silbermann ได้สร้างเครื่องดนตรีชนิดเดียวกันนี้ด้วย เปียโนแนวตั้งหลากหลายประเภท - พีระมิด, เปียโน - พิณ, เปียโน - สำนัก, เปียโน - พิณ ฯลฯ ตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 19 มีการผลิตเฉพาะเปียโนและแกรนด์เปียโนเท่านั้น

เสียงในเปียโนเกิดจากการตีสายด้วยค้อน สายถูกขึงบนโครงเหล็กหล่อโดยใช้หมุด (หมุด) ผ่านหมุดเสียงแหลมและเสียงเบสที่ติดกาวเข้ากับเด็คเรโซแนนซ์ (ในเปียโน เด็คอยู่ในแนวตั้ง ในแกรนด์เปียโน - ใน ตำแหน่งแนวนอน) สำหรับแต่ละเสียงจะมีการประสานเสียงของสาย: สามเสียงสำหรับช่วงเสียงกลางและเสียงสูง สองหรือหนึ่งเสียงสำหรับเสียงต่ำ ช่วงเสียงของเปียโนส่วนใหญ่อยู่ที่ 88 เซมิโทนตั้งแต่ A ซับคอนเทฟไปจนถึงอ็อกเทฟที่ 5 (เครื่องดนตรีรุ่นเก่าอาจถูกจำกัดไว้ที่โน้ต A ของอ็อกเทฟที่ 4 จากด้านบน คุณสามารถค้นหาเครื่องดนตรีที่มีช่วงเสียงกว้างกว่า) ในตำแหน่งที่เป็นกลาง สตริง ยกเว้นช่วงหนึ่งครึ่งถึงสองอ็อกเทฟสุดท้าย จะสัมผัสกับแดมเปอร์ (ท่อไอเสีย) เมื่อกดปุ่ม อุปกรณ์คันโยก สายรัด และค้อน ที่เรียกว่ากลไกเปียโนจะทำงาน หลังจากกดแล้วแดมเปอร์จะปล่อยเสียงประสานของสายที่สอดคล้องกันเพื่อให้สายสามารถส่งเสียงได้อย่างอิสระและค้อนที่หุ้มด้วยสักหลาด (สักหลาด) จะกระแทกมัน
แป้นเหยียบเปียโน
เปียโนสมัยใหม่มีคันเหยียบสองหรือสามคัน (รุ่นใหม่ล่าสุดมีสี่คัน) ในเครื่องดนตรีรุ่นก่อนๆ คันโยกแบบยืดหดได้ถูกนำมาใช้เพื่อจุดประสงค์เดียวกัน ซึ่งนักเปียโนต้องกดด้วยเข่า
แป้นเหยียบขวา (บางครั้งเรียกง่ายๆ ว่า "แป้นเหยียบ" เพราะใช้บ่อยที่สุด) จะยกแดมเปอร์ทั้งหมดขึ้นพร้อมกัน เพื่อที่ว่าเมื่อปล่อยกุญแจ สายที่สอดคล้องกันจะยังคงส่งเสียงต่อไป นอกจากนี้ สายอื่นๆ ของเครื่องดนตรีก็เริ่มสั่น กลายเป็นแหล่งกำเนิดเสียงสำรอง แป้นเหยียบที่ถูกต้องใช้เพื่อจุดประสงค์สองประการ: เพื่อทำให้ลำดับของเสียงที่แยกออกจากกันไม่ได้ (การเล่นเลกาโต) ซึ่งเป็นไปไม่ได้ที่จะใช้นิ้วเนื่องจากปัญหาทางเทคนิค และเพื่อเพิ่มความสมบูรณ์ให้กับเสียงด้วยเสียงหวือหวาใหม่ มีสองวิธีในการใช้แป้นเหยียบ: แป้นเหยียบโดยตรง - การเหยียบแป้นก่อนกดแป้นที่ต้องการค้างไว้ และแป้นเหยียบแบบหน่วงเวลา เมื่อแป้นเหยียบถูกกดทันทีหลังจากกดแป้นและก่อนปล่อยแป้น ในแผ่นโน้ตเพลง คันเหยียบนี้แสดงด้วยตัวอักษร P (หรือตัวย่อ Ped.) และการลบออกจะแสดงด้วยเครื่องหมายดอกจัน ในดนตรีของนักแต่งเพลงในยุคโรแมนติกและอิมเพรสชันนิสม์ มักพบการกำหนดเหล่านี้ ซึ่งมักจะทำให้เสียงมีรสชาติพิเศษ
เหยียบซ้ายใช้เพื่อลดเสียง ในแกรนด์เปียโน ทำได้โดยการเลื่อนค้อนไปทางขวา เพื่อที่ว่าแทนที่จะตีสามสายของคณะนักร้องประสานเสียง จะตีเพียงสองสาย (ในสมัยก่อน บางครั้งก็มีเพียงสายเดียว) ในเปียโน ค้อนจะขยับเข้าใกล้สายมากขึ้น คันเหยียบนี้ใช้บ่อยกว่ามาก ในแผ่นเพลงจะมีเครื่องหมาย una corda การลบออกจะมีเครื่องหมาย tre corde หรือ tutte le corde นอกจากการลดทอนเสียงแล้ว การใช้แป้นเหยียบซ้ายเมื่อเล่นเปียโนยังช่วยให้คุณปรับเสียงให้นุ่มนวลขึ้น ทำให้อุ่นขึ้นและไพเราะขึ้นเนื่องจากการสั่นสะเทือนของสายประสานเสียงที่ปล่อยออกมา
แป้นเหยียบตรงกลาง (หรือแป้นที่สาม เนื่องจากในอดีตเคยเพิ่มแป้นเหยียบสุดท้าย) หรือแป้นเหยียบ sostenuto ทำหน้าที่เลือกยกแดมเปอร์ขึ้น เมื่อเหยียบแป้นเหยียบตรงกลาง แดมเปอร์ที่ยกขึ้นเมื่อกดแป้นจะยังคงยกขึ้นจนกว่าจะถอดแป้นเหยียบ เช่นเดียวกับคันเหยียบด้านขวา สามารถใช้เล่นเลกาโตได้ แต่จะไม่เสริมคุณภาพเสียงด้วยการสั่นของสายอื่นๆ แป้นเหยียบนี้ไม่มีอยู่ในเปียโนส่วนใหญ่ในปัจจุบัน และมีอยู่ในแกรนด์เปียโนส่วนใหญ่ มีเปียโนที่แป้นเหยียบกลาง "เลื่อน" ไปทางซ้ายและได้รับการแก้ไขในขณะที่ผ้าพิเศษวางอยู่ระหว่างค้อนและสายซึ่งจะทำให้เสียงเงียบมากซึ่งช่วยให้นักดนตรีเล่นได้เช่น ตอนกลางคืน.
เปียโนสามารถใช้เป็นทั้งเครื่องดนตรีเดี่ยวและร่วมกับวงออร์เคสตรา (เช่น ในเปียโนคอนแชร์โตกับวงออเคสตรา) การเล่นเปียโนเป็นกิจกรรมที่ต้องใช้เทคนิค ความใส่ใจ และความทุ่มเทที่ดี ขอแนะนำให้เริ่มฝึกที่ วัยเด็ก. ในโรงเรียนดนตรีสำหรับเด็ก (DMSH) ในรัสเซีย การฝึกอบรมจะใช้เวลา 5 หรือ 7 ปี ขึ้นอยู่กับโปรแกรม นักเรียนบางคนอยู่ต่ออีก 1 หรือ 2 ปีหลังจากสำเร็จการศึกษาก่อนที่จะเข้าโรงเรียนดนตรี หลังจากผ่านโรงเรียนสอนดนตรีหรือการฝึกอบรมที่เทียบเท่า คุณสามารถเรียนต่อที่โรงเรียนดนตรีหรือวิทยาลัย จากนั้นไปที่เรือนกระจก มหาวิทยาลัย เพื่อเป็นนักเปียโนมืออาชีพ ในโรงเรียนดนตรี เปียโนทั่วไปยังเป็นวิชาบังคับสำหรับวิชาเอกเกือบทั้งหมด นักเปียโนที่โดดเด่นแห่งศตวรรษที่ 20 ได้แก่ Sergei Rachmaninov, Emil Gilels, Svyatoslav Richter, Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein, Glenn Gould และคนอื่นๆ
เปียโนต้องการการบำรุงรักษาที่เหมาะสม เช่นเดียวกับการปรับจูนอย่างสม่ำเสมอ เนื่องจากเมื่อเวลาผ่านไป ความตึงของสายเครื่องดนตรีจะอ่อนลง ความถี่ในการปรับขึ้นอยู่กับประเภทของเครื่องดนตรี คุณภาพของการผลิต อายุ เงื่อนไขการบำรุงรักษาและการใช้งาน ตามกฎแล้วการปรับแต่งไม่ได้ทำโดยนักแสดงเอง แต่โดยผู้เชี่ยวชาญ - จูนเนอร์เปียโนหลัก แม้ว่าในทางทฤษฎีจะมีจูนเนอร์อิเล็กทรอนิกส์อยู่ในมือและรู้ลักษณะความถี่ที่แน่นอนของแต่ละสาย ใครๆ ก็สามารถทำได้ ปรับแต่งแม้ว่าเขาจะไม่มีหูดนตรีก็ตาม
มันเป็นหนึ่งในการเสนอชื่อของเกม Delphic