Eine kurze Geschichte des Orchesters, von der Antike bis Beethoven. Arten von Orchestern, die instrumentale und symphonische Musik aufführen Interessante Fakten über das Jaroslawler Symphonieorchester

Interessant aber wahr...

Der Physiker Albert Einstein, der an den schwierigsten Fragen tüftelte, spielte früher Geige, bis eine Lösung gefunden wurde. Dann stand er auf und verkündete: „Nun, ich habe endlich verstanden, worum es geht!“

Aufbau eines Sinfonieorchesters

Orchester v Antikes Griechenland genannt Ort, vorgesehen für Chor(griechisch orheomai – ich tanze). Gegenwärtig wird ein Orchester als eine bestimmte Zusammensetzung von Musikinstrumenten bezeichnet, die ein organisches Ganzes bilden, das auf einer tiefen inneren Verbindung von Klangfarben untereinander basiert. Die musikalische Praxis hat verschiedene Arten von Orchestern entwickelt. Jedes hat eine bestimmte Zusammensetzung von Werkzeugen und eine unterschiedliche Anzahl von ihnen. Haupttypen: Oper und Symphonie, Blechbläser, Orchester für Volksinstrumente, Jazzorchester.

Das Sinfonieorchester wiederum hat Varianten. Kammerorchester (10 - 12 Personen) ist für die Aufführung Alter Musik durch die Komposition geschaffen, für die es geschrieben wurde (Bachs Brandenburgische Konzerte, Concerto grosso von Vivaldi, Corelli, Händel). Kernstück des Kammerorchesters ist eine Streichergruppe, ergänzt um Cembalo, Flöte, Oboe, Fagott und Hörner. Die Berufung auf das Kammerorchester in der modernen Musik wird entweder mit der Suche nach neuen Ausdrucksmöglichkeiten verbunden (Schostakowitsch. Oper „Die Nase“, 14. Symphonie, A. Schnittke. Concerto grosso für zwei Violinen und Kammerorchester, 1977), oder erklärt sich dadurch praktische Überlegungen. Solche Umstände erwiesen sich als ausschlaggebend, als I. Strawinsky 1918 Die Geschichte eines Soldaten schuf: „... unsere Bühnenmöglichkeiten waren sehr dürftig ... Ich sah keinen anderen Ausweg, als bei einer solchen Komposition stehen zu bleiben, die das Meiste umfassen würde charakteristische Instrumente der hohen und tiefen Lagen. Von Streichern - Violine und Kontrabass, von Holz - Klarinette und Fagott, von Kupfer - Trompete und Posaune und schließlich von einem Musiker gesteuertes Schlagzeug.

Streichorchester besteht aus Bogengruppe Orchester (Tchaikovsky. Serenade für Streichorchester, Onneger. Zweite Symphonie).

Bis Ende des 18. Jahrhunderts, als kreative Weise Haydn und Mozart und die ersten Beethoven-Symphonien erschienen, entstanden kleines (klassisches) Orchester. Seine Zusammensetzung:

Saitengruppe Holzbläser Messingtrommeln

Violinen I Flöten 2 Hörner 2 – 4 Pauken 2 – 3

Violinen II Oboen 2 Trompeten 2

Altklarinetten 2

Cello-Fagotte 2

Kontrabässe

J. Haydn. Sinfonie "Stunden", Teil II

In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts wurde die großes Sinfonieorchester. Das Hauptunterscheidungsmerkmal eines großen Orchesters von einem kleinen ist das Vorhandensein von drei Posaunen und einer Tuba ( schweres kupferquartett ). Um ein dynamisches Gleichgewicht zu schaffen, erhöht sich die Anzahl der Darsteller in der Streichergruppe.

kleines Orchester großes Orchester

Violinen I 4 Konsolen 8 – 10 Konsolen

Violinen II 3 Konsolen 7 – 9 Konsolen

Bratschen 2 Fernbedienungen 6 Fernbedienungen

Celli 2 Fernbedienungen 5 Fernbedienungen

Kontrabässe 1 Konsole 4 – 5 Konsolen

Je nach Anzahl der Holzblasinstrumente gibt es mehrere Kompositionen eines großen Sinfonieorchesters.

Doppelt bzw doppelte Zusammensetzung , in der es 2 Instrumente jeder Familie gibt

Schubert. Sinfonie h-moll.

Glinka. Walzer-Fantasie.

Tschaikowsky. Symphonie Nr. 1.

dreifache Zusammensetzung, in dem es 3 Instrumente jeder Familie gibt:

Ljadow. Baba ist eine Yaga.

Rimski-Korsakow. Opern Der goldene Hahn, Das Märchen vom Zaren Saltan.

Vierfache Zusammensetzung : 4 Flöten, 4 Oboen, 4 Klarinetten, 4 Fagotte.

Wie die Ausnahme auftritt Einzelkomposition:

Prokofjew. Symphonisches Märchen„Peter und der Wolf“.

Rimski-Korsakow. Oper Mozart und Salieri.

Verfügbar Zwischenzusammensetzung:

Rimski-Korsakow. "Scheherazade".

Schostakowitsch. Sinfonien 7, 8, 10.

Tschaikowsky. Symphonie Nr. 5. Ouvertüren "Francesca da Rimini", Romeo und Julia.

Die Organisation eines Sinfonieorchesters ist zu vereinen verwandte Instrumente in Gruppen. Es gibt fünf davon:

Streichinstrumente - Arch

Hölzern Blasinstrumente – Fiat (legno)

Blechbläser - Ottoni

Schlaginstrumente - Schlagzeug

Tastenzupfinstrumente.

3. Informieren Sie sich über die Zusammensetzung des Orchesters in Monteverdis Oper „Orpheus“

Holzblasinstrumente

Flöte (It. flauto, Französische Flöte, Deutsche Flote, Englische Flöte)

Die Flöte ist eines der ältesten Instrumente der Welt, bekannt seit der Antike - in Ägypten, Griechenland und Rom. Seit der Antike haben die Menschen gelernt, zu extrahieren musikalische Klänge aus geschnittenem Rohr, an einem Ende geschlossen. Dieses primitive Musikinstrument war offenbar der entfernte Vorfahre der Flöte. In Europa verbreiteten sich im Mittelalter zwei Arten von Flöten: gerade und quer. Die gerade Flöte oder "gekippte Flöte" wurde wie eine Oboe oder Klarinette geradeaus gehalten; schräg oder quer - in einem Winkel. Die Querflöte erwies sich als praktikabler, da sie leicht zu verbessern war. Mitte des 18. Jahrhunderts verdrängte sie endgültig die Querflöte aus dem Sinfonieorchester. Gleichzeitig wurde die Flöte neben Harfe und Cembalo zu einem der beliebtesten Heimmusikinstrumente. Die Flöte wurde beispielsweise von dem russischen Künstler Fedotov und dem preußischen König Friedrich II. gespielt.

Die Flöte ist das mobilste Holzblasinstrument: An Virtuosität übertrifft sie alle anderen Blasinstrumente. Ein Beispiel dafür ist die Ballettsuite „Daphnis und Chloe“ von Ravel, wo die Flöte tatsächlich als Soloinstrument fungiert.

Die Flöte ist ein zylindrisches Rohr aus Holz oder Metall, das auf einer Seite geschlossen ist - am Kopf. Es gibt auch ein seitliches Loch für die Luftinjektion. Das Flötenspiel erfordert viel Luftverbrauch: Beim Einblasen bricht ein Teil an der scharfen Kante des Lochs und geht aus. Daraus ergibt sich besonders in tiefer Lage ein charakteristischer zischender Oberton. Aus dem gleichen Grund sind gehaltene Töne und weite Melodien auf der Flöte schwer zu spielen.

Rimsky-Korsakov beschrieb die Klangfülle der Flöte wie folgt: "Das Timbre ist kalt, am besten geeignet für Melodien von anmutiger und frivoler Natur in Dur und mit einem Hauch von oberflächlicher Traurigkeit in Moll."

Komponisten verwenden oft ein Ensemble aus drei Flöten. Ein Beispiel ist der Tanz der Hirtinnen aus Tschaikowskys Der Nussknacker..

Oboe (deutsch: Oboe)

In der Antike ihres Ursprungs konkurriert die Oboe mit der Flöte: Sie führt ihre Abstammung auf die primitive Flöte zurück. Von den Vorfahren der Oboe war das griechische Aulos am weitesten verbreitet, ohne das sich die alten Hellenen weder ein Fest noch vorstellen konnten Theateraufführung. Die Vorfahren der Oboe kamen aus dem Nahen Osten nach Europa.

Im 17. Jahrhundert wurde aus einer Bombarda eine Oboe - ein pfeifenartiges Instrument, das im Orchester sofort populär wurde. Es wurde bald auch ein Konzertinstrument. Seit fast einem Jahrhundert ist die Oboe das Idol von Musikern und Musikliebhabern. Die besten Komponisten des 17. und 18. Jahrhunderts – Lully, Rameau, Bach, Händel – zollten diesem Hobby Tribut: Händel beispielsweise schrieb Konzerte für die Oboe, deren Schwierigkeit selbst moderne Oboisten verwirren kann. Anfang des 19. Jahrhunderts verblasste jedoch der „Kult“ der Oboe im Orchester etwas, und die führende Rolle in der Holzbläsergruppe ging auf die Klarinette über.

Die Oboe ist ihrem Aufbau nach ein konisches Rohr; An einem Ende befindet sich eine kleine trichterförmige Glocke, am anderen - ein Stock, den der Darsteller im Mund hält.

Dank einiger Konstruktionsmerkmale verliert die Oboe nie ihre Stimmung. Daher ist es zur Tradition geworden, das gesamte Orchester darauf zu stimmen. Vor einem Symphonieorchester, wenn sich die Musiker auf der Bühne versammeln, ist es nicht ungewöhnlich, dass der Oboist in A in der ersten Oktave spielt und die anderen Interpreten ihre Instrumente feinstimmen.

Die Oboe hat eine bewegliche Technik, obwohl sie in dieser Hinsicht der Flöte unterlegen ist. Es ist eher ein singendes als ein virtuoses Instrument: Seine Domäne ist in der Regel Traurigkeit und Elegik. So klingt es im Schwanenthema von der Pause bis zum zweiten Akt“ Schwanensee„und in der schlichten melancholischen Melodie des zweiten Teils von Tschaikowskys 4. Symphonie. Gelegentlich werden der Oboe „komische Rollen“ zugewiesen: In Tschaikowskys Dornröschen zum Beispiel, in der Variation von „Die Katze und das Kätzchen“, spielt die Oboe amüsant ahmt das Miauen einer Katze nach.

Fagott (It.fagotto, deutsch Fagott, französisches Fagott, englisches Fagott)

Als Vorfahre des Fagotts gilt die alte Basspfeife - Bombarda. Das Fagott, das es ersetzte, wurde in der ersten Hälfte des 16. Jahrhunderts vom Kanoniker Afragno degli Albonesi gebaut. Eine große, in zwei Hälften gebogene Holzpfeife ähnelte einem Brennholzbündel, was sich im Namen des Instruments widerspiegelt (das italienische Wort fagotto bedeutet „Bündel“). Das Fagott eroberte die Zeitgenossen mit dem Wohlklang der Klangfarbe, die im Gegensatz zu heisere Stimme Bombenangriffe nannten ihn "dolcino" - süß.

In der Zukunft wurde das Fagott unter Beibehaltung seiner äußeren Konturen ernsthaften Verbesserungen unterzogen. Ab dem 17. Jahrhundert trat er in das Symphonieorchester und ab dem 18. Jahrhundert in das Militär ein. Der konische Holzstamm des Fagotts ist sehr groß, daher wird er in zwei Hälften "gefaltet". An der Oberseite des Instruments ist ein gebogenes Metallrohr angebracht, auf das ein Rohrstock aufgesteckt wird. Während des Spiels wird das Fagott an einer Schnur um den Hals des Spielers gehängt.

Im 18. Jahrhundert erfreute sich das Instrument großer Liebe unter den Zeitgenossen: Die einen nannten es „stolz“, die anderen – „sanft, melancholisch, religiös“. Rimsky-Korsakov definierte die Farbe des Fagotts auf sehr eigentümliche Weise: "Das Timbre ist senil spöttisch in Dur und schmerzlich traurig in Moll." Die Darbietung eines Fagotts erfordert viel Atmung, und Forte in einem niedrigen Register kann den Interpreten extrem ermüden. Die Funktionen des Tools sind sehr vielfältig. Zwar beschränkten sie sich im 18. Jahrhundert oft darauf, Saitenbässe zu stützen. Aber im 19. Jahrhundert wurde das Fagott mit Beethoven und Weber zur individuellen Stimme des Orchesters, und jeder der nachfolgenden Meister fand darin neue Eigenschaften. Meyerbeer in „Robert the Devil“ zwang die Fagotte, „Todeslachen, von dem Frost an der Haut reißt“ (die Worte von Berlioz) darzustellen. Rimsky-Korsakov entdeckte in „Scheherazade“ (einer Erzählung von Prinz Kalender) einen poetischen Erzähler im Fagott. Gerade in dieser letzten Rolle tritt das Fagott besonders häufig auf – wohl deshalb nannte Thomas Mann das Fagott eine „Spottdrossel“. Beispiele finden sich im humorvollen Scherzo für vier Fagotte und in Prokofjews Petja und der Wolf, wo dem Fagott die „Rolle“ des Großvaters zukommt, oder am Anfang des Finales von Schostakowitschs Neunter Symphonie.

Kontrafagott

Spielarten des Fagotts beschränken sich in unserer Zeit auf nur einen Vertreter – das Kontrafagott. Es ist das tiefste Instrument des Orchesters. Tiefer als die Grenzklänge des Kontrafagotts erklingen nur die Pedalbässe der Orgel.

Die Idee, die Tonleiter des Fagotts nach unten fortzusetzen, entstand schon vor langer Zeit – das erste Kontrafagott wurde 1620 gebaut. Aber es war so unvollkommen, dass sich bis Ende des 19. Jahrhunderts, als das Instrument verbessert wurde, nur wenige Menschen ihm zuwandten: gelegentlich Haydn, Beethoven, Glinka.

Das moderne Kontrafagott ist ein dreifach gebogenes Instrument: Seine Länge in gestreckter Form beträgt 5 m 93 cm (!); technisch ähnelt es einem Fagott, ist aber weniger beweglich und hat ein dickes, fast orgelartiges Timbre. Komponisten des 19. Jahrhunderts – Rimsky-Korsakov, Brahms – wandten sich normalerweise dem Kontrafagott zu, um den Bass zu verstärken. Aber manchmal werden auch interessante Soli für ihn geschrieben, Ravel etwa vertraute ihm in „Das Gespräch der Schönen und dem Biest“ (Ballett „Meine Mutter die Gans“) die Stimme des Monsters an.

Klarinette (it. Klarinette, deutsche Klarinette, französische Klarinette,)

Wenn Oboe, Flöte und Fagott seit mehr als vier Jahrhunderten im Orchester sind, dann hat die Klarinette erst im 18. Jahrhundert einen festen Platz im Orchester gefunden. Der Vorfahre der Klarinette war ein mittelalterliches Volksinstrument - die Flöte "Chalumo". Es wird angenommen, dass es dem deutschen Meister Denner 1690 gelang, es zu verbessern. Das obere Register des Instruments beeindruckte die Zeitgenossen mit seinem scharfen und durchdringenden Timbre - es erinnerte sie sofort an den Klang einer Trompete, die damals "Clarino" genannt wurde. Das neue Instrument hieß Clarinetto, was „kleine Trompete“ bedeutet.

Im Aussehen ähnelt die Klarinette einer Oboe. Es ist ein zylindrisches Holzrohr mit einer kronenförmigen Glocke an einem Ende und einer Stockspitze am anderen.

Von allen Holzbläsern hat nur die Klarinette die Flexibilität, die Lautstärke des Klangs zu ändern. Diese und viele andere Qualitäten der Klarinette haben sie zu einer der ausdrucksstärksten Stimmen im Orchester gemacht. Es ist merkwürdig, dass zwei russische Komponisten, die sich mit derselben Handlung befassten, genau gleich vorgingen: In beiden "Schneewittchen" - Rimski-Korsakow und Tschaikowsky - werden Lels Hirtenmelodien der Klarinette anvertraut.

Die Klangfarbe der Klarinette wird oft mit düsteren dramatischen Situationen in Verbindung gebracht. Dieser Bereich der Ausdruckskraft wurde von Weber „entdeckt“. In der „Wolf Valley“-Szene aus „ magischer Shooter„Er ahnte zunächst, welche tragischen Wirkungen sich in der tiefen Lage des Instruments verbergen. Später verwendete Tschaikowsky in Pique Dame den unheimlichen Klang tiefer Klarinetten in dem Moment, in dem der Geist der Gräfin erscheint.

Kleine Klarinette.

Die kleine Klarinette kam von der Militärkapelle zum Sinfonieorchester. Es wurde erstmals von Berlioz verwendet, der ihm das verzerrte „geliebte Thema“ im letzten Satz der Phantastischen Symphonie anvertraute. Die kleine Klarinette wurde oft von Wagner, Rimsky-Korsakov, R. Strauss verwendet. Schostakowitsch.

Bassetthorn.

Ende des 18. Jahrhunderts wurde die Klarinettenfamilie um ein weiteres Mitglied bereichert: Ein Bassetthorn tauchte im Orchester auf - Jahrgangssorte Alt Klarinette. An Größe übertraf sie das Hauptinstrument, und ihre Klangfarbe – ruhig, feierlich und matt – nahm eine Zwischenstellung zwischen der üblichen und der Bassklarinette ein. Er blieb nur wenige Jahrzehnte im Orchester und verdankte seine Blütezeit Mozart. Für zwei Bassetthörner mit Fagotten wurde der Anfang des „Requiem“ geschrieben (jetzt werden die Bassetthörner durch Klarinetten ersetzt).

Ein Versuch, dieses Instrument unter dem Namen Altklarinette wiederzubeleben, wurde von R. Strauss unternommen, aber seitdem scheint es keine Wiederholungen mehr gegeben zu haben. Heutzutage sind Bassetthörner in Militärkapellen enthalten.

Bassklarinette.

Die Bassklarinette ist das "beeindruckendste" Mitglied der Familie. Ende des 18. Jahrhunderts erbaut, gewann es eine starke Stellung im Sinfonieorchester. Die Form dieses Instruments ist ziemlich ungewöhnlich: Sein Schallstück ist wie eine Pfeife nach oben gebogen, und das Mundstück ist auf einer gebogenen Stange montiert - all dies, um die exorbitante Länge des Instruments zu reduzieren und seine Verwendung zu erleichtern. Meyerbeer war der erste, der die enorme dramatische Kraft dieses Instruments „entdeckte“. Wagner macht ihn, beginnend mit "Lohengrin", zum permanenten Bass-Holzbläser.

Russische Komponisten verwendeten oft die Bassklarinette in ihrer Arbeit. So sind die düsteren Klänge der Bassklarinette im 5. Bild der "Pique Dame" zu hören, als Herman Lisas Brief liest. Heute ist die Bassklarinette festes Mitglied eines großen Symphonieorchesters, und ihre Funktionen sind sehr vielfältig.

Vorschau:

Messing

Saxophon

Der Schöpfer des Saxophons ist der herausragende französisch-belgische Instrumentalmeister Adolf Sax. Sachs ging von einer theoretischen Annahme aus: Kann man ein Musikinstrument bauen, das eine Zwischenstellung zwischen Holz- und Blechbläsern einnimmt? Ein solches Instrument, das in der Lage ist, die Klangfarben von Kupfer und Holz zu verbinden, wurde von den unvollkommenen Militärblaskapellen Frankreichs dringend benötigt. Um seinen Plan umzusetzen, nutzte A. Sachs ein neues Konstruktionsprinzip: Er verband ein konisches Rohr mit einem Klarinettenblatt und einem Oboenventilmechanismus. Der Korpus des Instruments bestand aus Metall, die äußeren Umrisse ähnelten einer Bassklarinette; am Ende aufgeweitetes, stark nach oben gebogenes Rohr, an dem ein Rohrstock an einer Metallspitze befestigt ist, in Form eines "S" gebogen. Die Idee von Sax war ein voller Erfolg: neues Werkzeug wurde wirklich zum Bindeglied zwischen Blechbläsern und Holzbläsern in Militärkapellen. Darüber hinaus erwies sich sein Timbre als so interessant, dass es die Aufmerksamkeit vieler Musiker auf sich zog. Die Klangfärbung des Saxophons erinnert an Englischhorn, Klarinette und Cello zugleich, jedoch übertrifft die Klangleistung des Saxophons die Klangleistung der Klarinette bei weitem.

Nachdem das Saxophon seine Existenz in den Militärblaskapellen Frankreichs begonnen hatte, wurde es bald in das Opern- und Symphonieorchester eingeführt. Sehr lange – mehrere Jahrzehnte – wandten sich nur französische Komponisten an ihn: Thomas („Hamlet“), Massenet („Werther“), Bizet („Arlesienne“), Ravel (Instrumentierung von Mussorgskys „Katrinok aus einer Ausstellung“). Dann glaubten auch die Komponisten anderer Länder an ihn: Rachmaninow etwa vertraute im ersten Teil der Symphonischen Tänze dem Saxophon eine seiner besten Melodien an.

Kurios ist, dass das Saxophon auf seinem ungewöhnlichen Weg dem Obskurantismus ausgesetzt war: In Deutschland wurde es in den Jahren des Faschismus als Instrument nichtarischen Ursprungs verboten.

In den zehnten Jahren des 20. Jahrhunderts widmeten Musiker von Jazzensembles dem Saxophon Aufmerksamkeit, und bald wurde das Saxophon zum "König des Jazz".

Viele Komponisten des 20. Jahrhunderts schätzten dieses interessante Instrument. Debussy schrieb Rhapsodie für Saxophon und Orchester, Glasunow – Konzert für Saxophon und Orchester, Prokofjew, Schostakowitsch und Chatschaturjan beziehen sich in ihren Werken immer wieder auf ihn.

Waldhorn (it. Corno, deutsches Waldhorn, französisches Horn, englisches Waldhorn)

Der Vorläufer des modernen Horns war das Horn. Seit der Antike kündigte das Signal des Horns den Beginn der Schlacht an, im Mittelalter und später - bis Anfang des 18. Jahrhunderts - war es bei Jagden, Wettkämpfen und feierlichen Hofzeremonien zu hören. Im 17. Jahrhundert wurde das Jagdhorn gelegentlich in die Oper eingeführt, aber erst im nächsten Jahrhundert wurde es ein festes Mitglied des Orchesters. Und schon der Name des Instruments - Horn - erinnert an seine frühere Rolle: Dieses Wort kommt vom deutschen "Waldhorn" - "Waldhorn". Auf Tschechisch heißt dieses Instrument immer noch Waldhorn.

Das Metallrohr des alten Waldhorns war sehr lang: Im aufgeklappten Zustand erreichten einige von ihnen 5 m 90 cm. Es war unmöglich, ein solches Instrument gerade in den Händen zu halten; So wurde das Hornrohr gebogen und in eine anmutige muschelartige Form gebracht.

Der Klang des alten Horns war sehr schön, aber das Instrument erwies sich in seinen klanglichen Möglichkeiten als begrenzt: Es war möglich, nur die sogenannte natürliche Tonleiter zu extrahieren, also jene Töne, die durch die Teilung der enthaltenen Luftsäule entstehen in der Röhre in 2, 3, 4, 5, 6 usw. Teile. Der Legende nach hielt der Dresdner Hornist Gampel 1753 versehentlich seine Hand in die Glocke und stellte fest, dass sich die Stimmung des Horns verschlechtert hatte. Seitdem ist diese Technik weit verbreitet. Auf diese Weise erhaltene Klänge wurden als "geschlossen" bezeichnet. Aber sie waren taub und ganz anders als die hellen Offenen. Nicht alle Komponisten wagten es oft, sich ihnen zuzuwenden, meist begnügten sie sich mit kurzen, gut klingenden Fanfarenmotiven, die auf offenen Klängen aufgebaut waren.

1830 wurde der Ventilmechanismus erfunden - ein permanentes System zusätzlicher Röhren, mit dem Sie eine volle, gut klingende chromatische Tonleiter auf dem Horn erhalten können. Wenige Jahrzehnte später löste das verbesserte Waldhorn schließlich das alte Naturhorn ab, das zuletzt 1878 von Rimski-Korsakow in der Oper Mainacht verwendet wurde.

Das Horn gilt als das poetischste Instrument der Blechbläsergruppe. In der tiefen Lage ist die Klangfarbe des Horns etwas düster, in der oberen Lage sehr gespannt. Das Horn kann singen oder langsam erzählen. Das Hornquartett klingt sehr sanft – man hört es im „Blumenwalzer“ aus Tschaikowskys „Der Nussknacker“-Ballett.

Trompete (It. Tromba, deutsche Trompete, französische Trompete, englische Trompete)

Seit der Antike – in Ägypten, im Orient, in Griechenland und Rom – konnte man weder im Krieg noch bei feierlichen Kult- oder Hofzeremonien auf eine Trompete verzichten. Die Trompete ist seit ihrer Gründung Teil des Opernorchesters; Monteverdis Orpheus hatte bereits fünf Posaunen erklingen lassen.

Im 17. und in der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts wurden sehr virtuose und hohe Stimmen für Trompeten geschrieben, deren Vorbild die Sopranpartien in den damaligen Vokal- und Instrumentalkompositionen waren. Um diese schwierigsten Partien zu spielen, benutzten die Musiker der Zeit von Purcell, Bach und Händel damals übliche Naturinstrumente mit einer langen Pfeife und einem Mundstück mit einem speziellen Gerät, das es ermöglichte, die höchsten Obertöne leicht zu extrahieren. Eine Trompete mit einem solchen Mundstück wurde "Clarino" genannt, der gleiche Name wurde in der Musikgeschichte und Schreibweise dafür gegeben.

In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts geriet der Clarinstil mit einer Änderung des Orchestersatzes in Vergessenheit und die Trompete wurde überwiegend zu einem Fanfareninstrument. Es war wie ein Waldhorn in seinen Möglichkeiten eingeschränkt und stand noch schlechter da, da die skalenerweiternden "geschlossenen Klänge" wegen ihrer schlechten Klangfarbe darauf nicht angewendet wurden. Doch in den dreißiger Jahren des 19. Jahrhunderts begann mit der Erfindung des Ventilmechanismus eine neue Ära in der Geschichte der Pfeife. Sie wurde zu einem chromatischen Instrument und verdrängte nach mehreren Jahrzehnten die Naturtrompete aus dem Orchester.

Das Timbre der Trompete ist nicht von Texten geprägt, sondern das Heldentum gelingt ihm bestens. Trompeten waren unter den Wiener Klassikern ein reines Fanfareninstrument. In der Musik des 19. Jahrhunderts erfüllten sie oft die gleichen Funktionen, indem sie den Beginn von Prozessionen, Märschen, feierlichen Festen und Jagden ankündigten. Wagner verwendete Pfeifen mehr als andere und auf eine neue Art und Weise. Ihr Timbre wird in seinen Opern fast immer mit ritterlicher Romantik und Heldentaten assoziiert.

Die Trompete ist nicht nur für ihre Klangkraft berühmt, sondern auch für ihre herausragende Klangqualitätvirtuose Qualitäten.

Tuba (it.tuba)

Im Gegensatz zu anderen Vertretern der Blechbläsergruppe ist die Tuba ein recht junges Instrument. Es wurde im zweiten Viertel des 19. Jahrhunderts in Deutschland gebaut. Die ersten Tuben waren unvollkommen und wurden zunächst nur in Militär- und Gartenorchestern verwendet. Erst als sie nach Frankreich kam, in die Hände des Instrumentalmeisters Adolphe Sax, begann die Tuba den hohen Anforderungen des Symphonieorchesters gerecht zu werden.

Die Tuba ist ein Bassinstrument, das in der Lage ist, das unterste Ende des Bereichs in der Blechbläsergruppe zu erreichen. In der Vergangenheit wurden seine Funktionen von einer Schlange ausgeführt, einem bizarr geformten Instrument, das ihm seinen Namen verdankt (überhaupt Romanische Sprachen Schlange bedeutet "Schlange") - dann Bass- und Kontrabassposaune und Ophikleide mit ihrem barbarischen Timbre. Aber die Klangqualität all dieser Instrumente war so, dass sie der Blaskapelle keinen guten, stabilen Bass gaben. Bis zum Erscheinen der Tuba suchten die Meister hartnäckig nach einem neuen Instrument.

Die Abmessungen der Tuba sind sehr groß, ihr Rohr ist doppelt so lang wie das Rohr der Posaune. Während des Spiels hält der Spieler das Instrument mit der Glocke nach oben vor sich.

Die Tuba ist ein chromatisches Instrument. Der Luftverbrauch am Schlauch ist enorm; Manchmal, besonders im Forte in einem tiefen Register, ist der Interpret gezwungen, bei jedem Ton seinen Atem zu ändern. Daher sind Soli auf diesem Instrument normalerweise recht kurz. Technisch gesehen ist die Tuba beweglich, wenn auch schwer. In einem Orchester fungiert sie normalerweise als Bassistin in einem Posaunentrio. Doch manchmal tritt die Tuba auch als Soloinstrument auf – sozusagen in charakteristischen Rollen. So vertraute Ravel bei der Instrumentierung von Mussorgskys „Bilder einer Ausstellung“ im Theaterstück „Vieh“ der Basstuba ein humorvolles Bild eines rumpelnden Karrens an, der die Straße entlang schleift. Die Tubastimme ist hier in einem sehr hohen Register geschrieben.

Posaune (It., Englisch, Französisch Posaune)

Die Posaune hat ihren Namen vom italienischen Wort für Trompete, tromba, mit dem Lupen-Suffix „Eins“: Posaune bedeutet wörtlich „Trompeten“. Und tatsächlich: Das Posaunenrohr ist doppelt so lang wie das der Trompete. Bereits im 16. Jahrhundert erhielt die Posaune ihren moderne Form und ist seit seiner Gründung ein chromatisches Instrument. Die volle chromatische Skala wird darauf nicht durch den Mechanismus der Ventile erreicht, sondern mit Hilfe der sogenannten Backstage. Die Hinterbühne ist ein langes zusätzliches Rohr, geformt wie lateinischer Buchstabe U. Es wird in das Hauptrohr eingeführt und verlängert dieses beliebig. In diesem Fall verringert sich das System des Instruments entsprechend. Der Performer drückt die Flügel mit seiner rechten Hand nach unten und stützt das Instrument mit seiner linken.

Posaunen sind seit langem eine „Familie“, bestehend aus Instrumenten unterschiedlicher Größe. Vor nicht allzu langer Zeit bestand die Posaunenfamilie aus drei Instrumenten; jede von ihnen entsprach einer der drei Stimmen des Chores und erhielt ihren Namen: Posaune-Alt, Posaune-Tenor, Posaune-Bass.

Das Spielen der Posaune erfordert viel Luft, da die Bewegung der Flügel mehr Zeit in Anspruch nimmt als das Drücken der Ventile eines Horns oder einer Trompete. Technisch ist die Posaune weniger mobil als ihre Nachbarn in der Gruppe: Die Tonleiter darauf ist nicht so schnell und klar, das Forte ist etwas schwer, das Legato ist schwierig. Cantilena auf einer Posaune erfordert viel Spannung vom Interpreten. Allerdings hat dieses Instrument Eigenschaften, die es im Orchester unverzichtbar machen: Der Klang der Posaune ist kraftvoller und maskuliner. Monteverdi spürte in der Oper „Orpheus“ vielleicht zum ersten Mal den tragischen Charakter, der dem Klang eines Posaunenensembles innewohnt. Und ab Gluck wurden drei Posaunen in einem Opernorchester obligatorisch; Sie erscheinen oft am Höhepunkt eines Dramas.

Das Posaunentrio ist gut in oratorischen Phrasen. Seit der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts wird die Posaunengruppe durch ein Bassinstrument – ​​die Tuba – ergänzt. Drei Posaunen und eine Tuba bilden zusammen ein „Heavy Brass“-Quartett.

Auf der Posaune ist ein ganz besonderer Effekt möglich - Glissando. Dies wird erreicht, indem die Backstage an einer Position der Lippen des Darstellers verschoben wird. Diese Technik war schon Haydn bekannt, der damit im Oratorium „Die vier Jahreszeiten“ das Bellen von Hunden nachahmte. Glissando ist in der modernen Musik weit verbreitet. Merkwürdig ist das absichtlich heulende und derbe Glissando der Posaune im Säbeltanz aus Khachaturians Ballett Gayane. Interessant ist auch der Effekt einer Posaune mit Dämpfer, der dem Instrument einen ominösen, bizarren Klang verleiht.

Flügelhorn (Deutsches Flügelhorn, von Flügel - "Flügel" und Horn - "Horn", "Horn")

Musikinstrument aus Messing. Äußerlich ist es einer Pfeife oder einem Kornett sehr ähnlich, unterscheidet sich von ihnen jedoch durch eine breitere Mensur und eine konische Bohrung, die unmittelbar am Mundstück der Pfeife beginnt. Hat 3 oder 4 Ventile. Wird in Jazzensembles verwendet, manchmal in einem Symphonieorchester, seltener in Blaskapellen. Flügelhörner werden oft von Trompetern gespielt, die die notwendigen Passagen auf diesem Instrument ausführen.

Vorschau:

Violine (It. violino, French violon, English violin, German Violine, Geige)

Die Geige wird zu Recht als Abkömmling anderer, früherer Streichinstrumente bezeichnet.

Das erste Streichinstrument - der Fidel - tauchte im 10.-11. Jahrhundert in Europa auf,der andere - zhiga - wurdeLieblingsmusikinstrument französischer Minnesänger, Wandersänger und Musiker des 12. und 13. Jahrhunderts. Nach einiger Zeit wichen Fidels, Rebecs und Gigi den alten Gamben: Viola da Gamba, Viola da Bardone, Viola Quinton – deren Platz wiederum von Geigen eingenommen wurde. Bereits zu Beginn des 16. Jahrhunderts tauchten sie in Frankreich und Italien auf, kurz darauf breitete sich die Kunst des Bogenbaus in ganz Europa aus. Sie wurden zunächst in Tirol, Wien, Sachsen, Holland und England hergestellt, aber Italien war berühmt für die besten Geigen. In Brescia und Cremona – zwei kleinen Städten im Nordosten des Landes – wirkten vor mehr als fünf Jahrhunderten herausragende Meister: Gasparo Bertolotti (Spitzname de Salo) in Brescia und Andrea Amati in Cremona. Die Kunst des Geigenbaus wurde von Generation zu Generation weitergegeben, und seit zweihundert Jahren haben die Familien Amati, Guarneri und Stradivari Instrumente geschaffen, die noch immer zu den besten zählen.

Die Form der Geige wurde bereits im 16. Jahrhundert festgelegt und hat sich seitdem nur in Details verändert.

Alles, was über die Technik der Saiten gesagt wird, bezieht sich speziell auf die Geige: Sie ist die Höchstemobiles und flexibles Instrument unter Saiteninstrumenten. Seine technischen Fähigkeiten wuchsen zusammen mit der Kunst von Virtuosen wie Vitali, Torelli und Corelli im 17. Jahrhundert,und später - Tartini,Viotti, Spohr, Viettan, Berio, Wienyavsky, Sarasate, Ysaye und natürlich N. Paganini. Er beherrschte die erstaunliche Kunst des Spiels von Doppelnoten, Akkorden, Pizzicato und Harmonien. Als während eines Konzerts seine Saiten rissen, spielte er die restlichen weiter.

Eine unwiderstehliche Wirkung entfaltet das Violinsolo des Hauptthemas – als Beispiel sei Rimski-Korsakows „Scheherazade“ genannt.

Trotz all ihrer Qualitäten nimmt die Geige neben dem Klavier seit langem eine führende Rolle unter den Solo-Konzertinstrumenten ein.

Vorschau:

Schlagzeug

Timpani (It. Pauken, frz. Pauken, dt. Pauken)

Die Pauke ist eines der ältesten Instrumente der Welt. Seit der Antike sind sie in vielen Ländern weit verbreitet: im Osten und Afrika, in Griechenland, in Rom und bei den Skythen. Durch das Spielen der Pauke begleiteten die Menschen wichtige Ereignisse in meinem Leben: Ferien und Kriege.

In Europa gibt es seit langem kleine, manuelle Pauken. Mittelalterliche Ritter benutzten sie zu Pferd. Große Pauken gelangten erst im 15. Jahrhundert über die Türkei und Ungarn nach Europa. Im 17. Jahrhundert hielt die Pauke Einzug in das Orchester.

Moderne Pauken ähneln äußerlich großen Kupferkesseln auf einem mit Leder überzogenen Ständer. Die Haut wird mit mehreren Schrauben fest über den Kessel gezogen. Sie schlagen mit zwei Stöcken mit weichen Rundspitzen aus Filz auf die Haut.

Im Gegensatz zu anderen Schlaginstrumenten mit Leder erzeugen Pauken einen Ton mit einer bestimmten Tonhöhe. Jede Pauke ist auf einen bestimmten Ton gestimmt, daher wurde ab dem 17. Jahrhundert im Orchester ein Paukenpaar verwendet, um zwei Töne zu erhalten. Pauken können nachgebaut werden: Dazu muss der Spieler das Fell mit Schrauben festziehen oder lösen: Je stärker die Spannung, desto höher der Ton. Dieser Vorgang ist jedoch zeitaufwändig und während der Ausführung riskant. Daher erfanden Meister im 19. Jahrhundert mechanische Pauken, die schnell mit Hebeln oder Pedalen gestimmt wurden.

Die Rolle der Pauke im Orchester ist sehr vielfältig. Ihre Schläge betonen den Rhythmus anderer Instrumente und bilden entweder einfache oder komplizierte rhythmische Figuren. Schnelle abwechselnde Schläge beider Stöcke (Tremolo) erzeugen eine effektvolle Aufbau- oder Donnerwiedergabe. Auch Haydn stellte in den Vier Jahreszeiten Donnerschläge mit Hilfe von Pauken dar. Schostakowitsch lässt in der Neunten Symphonie die Pauken die Kanonade imitieren. Manchmal werden Pauken kleine melodische Soli zugewiesen, wie zum Beispiel im ersten Satz von Schostakowitschs Elfter Symphonie.

Kleine Trommel (It. Tamburo (Militär), Französischer Tambour (Militär), Deutsche Trommel, Englische Seitentrommel)

Die kleine Trommel ist im Grunde ein militärisches Instrument. Es ist ein flacher Zylinder, der auf beiden Seiten mit Leder überzogen ist. Saiten werden von der Unterseite unter die Haut gespannt; Sie reagieren auf die Schläge der Stöcke und verleihen dem Klang der Trommel ein charakteristisches Knistern. Der Drumbeat klingt sehr interessant - Tremolo mit zwei Stöcken, die auf höchste Geschwindigkeit gebracht werden können. Die Stärke des Klangs in einem solchen Tremolo variiert von einem Rauschen bis zu einem donnernden Knistern. Die Ouvertüre zu Rossinis „Die diebische Elster“ beginnt mit einem Schuss zweier kleiner Trommeln, ein dumpfer Schuss der kleinen Trommel erklingt im Moment der Hinrichtung von Till Ulenspiegel in einer symphonischen Dichtung von Richard Strauss.

Manchmal werden die Saiten unter der unteren Haut der Trommel abgesenkt und reagieren nicht mehr auf die Schläge der Stöcke. Dieser Effekt ist gleichbedeutend mit der Einführung eines Dämpfers: Die Snaredrum verliert ihre Klangkraft. So klingt es im Tanzteil „Prince and Princess“ in „Scheherazade“ von Rimsky-Korsakov.

Die kleine Trommel tauchte erstmals im 19. Jahrhundert in der kleinen Oper auf und wurde zunächst nur in militärischen Episoden eingeführt. Meyerbeer war der erste, der die kleine Trommel aus den Militärepisoden in den Opern „Die Hugenotten“ und „Der Prophet“ herausnahm.

In manchen Fällen wird die kleine Trommel zur „Haupttrommel“. Schauspieler„nicht nur in großen symphonischen Episoden, sondern im gesamten Werk. Ein Beispiel ist die „Invasionsepisode“ aus Schostakowitschs Siebter Symphonie und Ravels Bolero, wo eine und dann zwei kleine Trommeln den gesamten rhythmischen Puls der Musik halten.

Große Trommel (it. gran casso, französisch große caisse, deutsch grobe Trommel, englisch große Trommel).

Heutzutage gibt es zwei Arten von Bassdrums. Einer von ihnen ist ein Metallzylinder mit großem Durchmesser - bis zu 72 cm - der auf beiden Seiten mit Leder überzogen ist. Diese Art von Bassdrum wird häufig in Militärkapellen, Jazzbands und amerikanischen Symphoniebands verwendet. Eine andere Art von Trommel ist ein Reifen mit Leder auf einer Seite. Es erschien in Frankreich und verbreitete sich schnell in den Symphonieorchestern Europas. Um auf das Fell der großen Trommel zu schlagen, wird ein Holzstab mit einem weichen, mit Filz oder Kork überzogenen Schlägel verwendet.

Sehr oft werden Bassdrum-Beats von Becken begleitet oder wechseln sich mit ihnen ab, wie im rasanten Tanz „In der Halle des Bergkönigs“ aus Griegs „Peer Gynt“. Auf der großen Trommel ist auch ein schneller Schlagwechsel möglich - Tremolo. Verwenden Sie dazu einen Stock mit zwei Schlägeln an beiden Enden oder Paukenschlägel. Bassdrum-Tremolo wurde von Rimksy-Korsakov sehr erfolgreich in der Instrumentierung eingesetzt Symphonisches Bild Mussorgskys Nacht auf dem kahlen Berg.

Zunächst erschien die große Trommel nur in " Türkische Musik", aber ab Anfang des 19. Jahrhunderts begann man, es oft für klangrepräsentative Zwecke zu verwenden: um Kanonaden, Donnerschläge zu imitieren. Beethoven hat drei große Trommeln in die Schlacht von Vittoria eingebaut - um Kanonenschüsse darzustellen. Rimsky-Korsakov auch benutzte dieses Instrument für denselben Zweck in "Das Märchen vom Zaren Saltan", Schostakowitsch in der Elften Symphonie, Prokofjew in der achten Szene der Oper "Krieg und Frieden" (Beginn der Schlacht von Borodino).

Xylophon (It.xylofono, französisch Xylophon)

Das Xylophon wurde offenbar in dem Moment geboren, als der primitive Mensch mit einem Stock auf einen trockenen Holzblock schlug und den Klang eines bestimmten Tons hörte. Viele dieser primitiven hölzernen Xylophone wurden in Südamerika, Afrika und Asien gefunden. In Europa gelangte dieses Instrument ab dem 15. Jahrhundert in die Hände wandernder Musiker und wurde erst zu Beginn des 19. Jahrhunderts zum Konzertinstrument. Seine Verbesserung verdankt er dem Autodidakten aus Mogilev, Mikhail Iosifovich Guzikov.

Der Klangkörper im Xylophon besteht aus Holzblöcken unterschiedlicher Größe (Xylon - auf Griechisch "Baum", Telefon - "Ton"). Sie sind in vier Reihen auf Mattenbündeln angeordnet. Der Darsteller kann sie zusammenrollen und während des Spiels auf einem speziellen Tisch auslegen; Das Xylophon wird mit zwei hölzernen Ziegenfüßen gespielt. Der Klang des Xylophons ist trocken, bissig und scharf. Es ist farblich sehr charakteristisch, so dass sein Erscheinen in einem Musikstück meist mit einer besonderen Handlungssituation oder einer besonderen Stimmung verbunden ist. Rimsky-Korsakov vertraut in "The Tale of Tsar Saltan" das Xylophon mit dem Lied "In the garden, in the garden" in dem Moment an, in dem das Eichhörnchen goldene Nüsse nagt. Lyadov zeichnet den Flug von Baba Yaga in einem Mörser mit den Geräuschen eines Xylophons und versucht, das Knistern brechender Äste zu vermitteln. Nicht selten ruft die Klangfarbe des Xylophons eine düstere Stimmung hervor, erzeugt bizarre, groteske Bilder. Melancholisch klingen die kurzen Phrasen des Xylophons in der „Invasionsepisode“ aus Schostakowitschs Siebter Symphonie.

Das Xylophon ist ein sehr virtuoses Instrument. Darauf ist eine große Geläufigkeit in schnellen Passagen, Tremolo und einem Spezialeffekt möglich - Glissando: eine schnelle Bewegung eines Stocks entlang der Takte.

Platten (It.piatti, französische Becken, deutsches Becken, englische Becken)

Teller waren bereits in der Antike und im alten Orient bekannt, aber die Türken sind berühmt für ihre besondere Liebe und außergewöhnliche Herstellungskunst. In Europa wurden Teller im 18. Jahrhundert nach dem Krieg mit den Osmanen populär.

Becken sind große Metallschalen aus Kupferlegierungen. Die Becken sind in der Mitte leicht konvex - hier sind Lederriemen angebracht, damit der Spieler das Instrument in den Händen halten kann. Die Becken werden im Stehen gespielt, damit nichts ihre Schwingung stört und sich der Klang frei in der Luft ausbreitet. Die übliche Spielweise dieses Instruments ist ein schräges, gleitendes Schlagen eines Beckens auf ein anderes – danach ertönt ein sonore metallisches Plätschern, das lange in der Luft hängt. Wenn der Darsteller die Vibration der Becken stoppen möchte, bringt er sie an seine Brust und die Vibrationen lassen nach. Komponisten begleiten den Beckenschlag oft mit dem Donner der großen Trommel; diese Instrumente klingen oft zusammen, wie zum Beispiel in den ersten Takten des Finales von Tschaikowskys 4. Symphonie. Neben dem schrägen Anschlag gibt es mehrere andere Möglichkeiten, die Becken zu spielen: Wenn zum Beispiel ein frei hängendes Becken entweder mit einem Paukenschlägel oder hölzernen kleinen Trommelstöcken angeschlagen wird.

Ein Sinfonieorchester verwendet normalerweise ein Paar Becken. In seltenen Fällen – wie zum Beispiel in der Trauer- und Triumphsinfonie von Berlioz – werden drei Plattenpaare verwendet.

Dreieck (it. triahgalo, französisches Dreieck, deutsches Triangel, englisches Triangl)

Die Triangel ist eines der kleinsten Instrumente in einem Sinfonieorchester. Es ist eine Stahlstange, die in Form eines Dreiecks gebogen ist. Es wird an einer Venenschnur aufgehängt und mit einem kleinen Metallstab angeschlagen - ein klingender, sehr klarer Ton ist zu hören.

Die Spielmöglichkeiten auf dem Dreieck sind nicht sehr vielfältig. Mal wird darauf nur ein Ton extrahiert, mal einfache rhythmische Muster. Klingt gut auf einem Tremolo-Dreieck.

Das Dreieck wurde erstmals im 15. Jahrhundert erwähnt. Im 18. Jahrhundert wurde es in einer Oper des Komponisten Grétry verwendet. Dann wurde das Dreieck ein unveränderliches Mitglied des "Türken", d.h. exotische Musik, die zusammen mit Bassdrum und Becken auftritt. Diese Schlagwerkgruppe wurde von Mozart in „Die Entführung aus dem Serail“, Beethoven im „Türkischen Marsch“ aus „Die Ruinen von Athen“ und einigen anderen Komponisten verwendet, die versuchten, das musikalische Bild des Ostens wiederzugeben. Interessant ist die Triangel auch in anmutigen Tanzstücken: in Anitras Tanz aus Griegs Peer Gynt, Glinkas Walzer-Fantasie.

Glocken (it. campanelli, fr. carillon, germ. Glockenspiel)

Glocken sind wohl das poetischste Schlaginstrument. Sein Name kommt von seiner alten Variante, bei der der Klangkörper kleine Glocken waren, die auf eine bestimmte Höhe gestimmt waren. Später wurden sie durch eine Reihe von Metallplatten in verschiedenen Größen ersetzt. Sie sind wie Klaviertasten in zwei Reihen angeordnet und in einer Holzkiste befestigt. Die Glocken werden mit zwei Metallschlägeln gespielt. Es gibt noch eine andere Variante dieses Instruments: Tastenglocken. Sie haben eine Klaviertastatur und Hämmer, die Vibrationen von den Tasten auf die Metallplatten übertragen. Diese Kette von Mechanismen spiegelt sich jedoch nicht sehr gut in ihrem Klang wider: Er ist nicht so hell und klingend wie bei gewöhnlichen Glocken. Nichtsdestotrotz übertreffen Keyboards Hammerglocken in Klangschönheit und übertreffen sie technisch. Dank Klaviertastatur sind auf ihnen auch recht schnelle Passagen und mehrstimmige Akkorde möglich. Das Timbre der Glocken ist silbrig, sanft und klangvoll. Sie erklingen in Mozarts Zauberflöte, wenn Papageno eintritt, in der Arie mit Schellen in Lakma von Delibes, in Rimski-Korsakows Schneewittchen, wenn Mizgir, der das Schneewittchen jagt, die Lichter von Glühwürmchen sieht, in Der goldene Hahn, wenn der Astrologe geht .

Glocken (it. campane, fr. cloches, germ. Glocken)

Seit der Antike hat das Läuten von Glocken die Menschen zu religiösen Zeremonien und Feiertagen gerufen und auch Unglück angekündigt. Mit der Entwicklung der Oper, mit dem Erscheinen historischer und patriotischer Handlungen darin, begannen Komponisten, Glocken einzuführen Opernhaus. Die Glockenklänge in der russischen Oper sind besonders reich vertreten: das feierliche Läuten in "Ivan Susanin", "The Tale of Tsar Saltan", "The Maid of Pskov" und "Boris Godunov" (in der Krönungsszene), das verstörende Tocsin in "Prinz Igor", das Trauerspiel in " Boris Godunov. Alle diese Opern klangen echt Kirchenglocken, die in großen Opernhäusern hinter der Bühne platziert werden. Allerdings konnte sich nicht jedes Opernhaus einen eigenen Glockenturm leisten, daher führten Komponisten nur gelegentlich kleine Glocken in das Orchester ein – so wie Tschaikowsky in der Ouvertüre von 1812. Währenddessen wurde es mit der Entwicklung der Programmmusik immer notwendiger, das Glockengeläut eines Symphonieorchesters zu imitieren – so entstanden nach einer Weile Orchesterglocken – ein Satz von Stahlrohren, die an einem Rahmen aufgehängt waren. In Russland werden diese Glocken italienisch genannt. Jede der Pfeifen ist auf einen bestimmten Ton gestimmt; Schlagen Sie sie mit einem Metallhammer mit einer Gummidichtung.

Orchesterglocken wurden von Puccini in der Oper "Tosca", Rachmaninov in der vokalsymphonischen Dichtung "The Bells" verwendet. Prokofjew ersetzte in "Alexander Newski" die Pfeifen durch lange Metallstangen.

Tambourin

Eines der ältesten Instrumente der Welt, das Tamburin, tauchte im 19. Jahrhundert im Sinfonieorchester auf. Das Gerät dieses Instruments ist sehr einfach: In der Regel handelt es sich um einen Holzreifen, an dessen einer Seite die Haut gespannt ist. Am Schlitz des Reifs (an der Seite) sind Metallschmuckstücke befestigt, und kleine Glöckchen sind innen auf einer sternförmigen, gespannten Schnur aufgereiht. All dies erklingt bei der geringsten Erschütterung des Tamburins.

Der Teil des Tamburins sowie andere Trommeln, die keine bestimmte Höhe haben, werden normalerweise nicht auf der Daube, sondern auf einem separaten Lineal aufgezeichnet, das als "Faden" bezeichnet wird.

Die Spielweisen des Tamburins sind sehr vielfältig. Zuallererst sind dies scharfe Schläge auf die Haut und das Schlagen komplexer rhythmischer Muster darauf. In diesen Fällen erzeugen sowohl die Haut als auch die Glocken den Ton. Bei einem kräftigen Schlag erklingt das Tamburin scharf, bei einem schwachen Anschlag ist ein leichtes Glockengeläut zu hören. Es gibt viele Möglichkeiten, wie der Darsteller nur Glocken erklingen lässt. Dies ist ein schnelles Schütteln des Tamburins – es gibt ein durchdringendes Tremolo; es ist ein sanftes Schütteln; und schließlich ist ein spektakulärer Triller zu hören, wenn der Darsteller mit einem nassen Daumen über die Haut fährt: Diese Technik verursacht ein lebhaftes Glockenläuten.

Das Tamburin ist ein charakteristisches Instrument, daher wird es bei weitem nicht in jedem Werk verwendet. Normalerweise tritt er dort auf, wo der Osten oder Spanien musikalisch zum Leben erweckt werden sollte: in Scheherazade und in Rimski-Korsakows spanischem Capriccio, im Tanz arabischer Knaben im Ballett Raymond von Glasunow, in den temperamentvollen Tänzen der Polovtsy in Borodins Prinz Igor, in Bizets Carmen.

Kastagnetten (spanische Kastagnetten)

Der Name "Kastagnetten" bedeutet auf Spanisch "kleine Kastanien". Spanien war höchstwahrscheinlich ihre Heimat; dort wurden die Kastagnetten zu einem echten Nationalinstrument. Kastagnetten bestehen aus hartem Holz: Ebenholz oder Buchsbaum, Kastagnetten haben eine ähnliche Form wie Muscheln.

In Spanien wurden zwei Paar Kastagnetten verwendet, um Tanz und Gesang zu begleiten; Jedes Paar wurde mit einer Schnur befestigt, die um den Daumen zusammengezogen wurde. Die restlichen Finger, die frei blieben, klopften komplizierte Rhythmen auf die Holzschalen. Jede Hand benötigte Kastagnetten in ihrer eigenen Größe: In der linken Hand hielt der Spieler großvolumige Muscheln, sie gaben einen tieferen Ton ab und mussten den Hauptrhythmus klopfen. Kastagnetten für die rechte Hand waren kleiner; Ihr Ton war höher. Spanische Tänzerinnen und Tänzer beherrschen diese komplexe Kunst in Perfektion, die ihnen von Kindesbeinen an beigebracht wurde. Das trockene, inbrünstige Klicken von Kastagnetten begleitet seit jeher die temperamentvollen spanischen Tänze: Bolero, Seguidillo, Fandango.

Als Komponisten Kastagnetten einführen wollten symphonische Musik wurde eine vereinfachte Version dieses Instruments entworfen - Orchesterkastagnetten. Dies sind zwei Schalenpaare, die an den Enden eines Holzgriffs montiert sind. Wenn sie geschüttelt werden, ist ein Klickgeräusch zu hören - eine schwache Kopie echter spanischer Kastagnetten.

Im Orchester wurden Kastagnetten vor allem in Musik spanischer Prägung eingesetzt: in Glinkas spanischen Ouvertüren „Die Jagd auf Aragon“ und „Nacht in Madrid“, in Rimski-Korsakows „Spanischem Capriccio“, in spanischen Tänzen aus Tschaikowskys Balletten, und in der westlichen Musik – in „Carmen“ von Bizet, in den symphonischen Werken „Iberia“ von Debussy, „Alborada del Gracioso“ von Ravel. Einige Komponisten haben Kastagnetten über den Rahmen der spanischen Musik hinausgeführt: Saint-Saens verwendete sie in der Oper "Samson und Dalida", Prokofjew - im dritten Klavierkonzert.

Tam-tam (französisches und italienisches Tam-tam, deutsches Tam-Tam)

Das Tam-Tam ist ein Schlaginstrument chinesischen Ursprungs, das wie eine Scheibe mit verdickten Rändern geformt ist. Es besteht aus einer speziellen Legierung, die der Bronze nahe kommt. Während des Spiels wird das Tam-Tam an einem Holzrahmen aufgehängt und mit einem Filzhammer geschlagen. Der Tam-Tama-Klang ist tief und dick; Nach dem Aufprall breitet es sich lange aus, kommt dann an und geht dann zurück. Diese Eigenschaft des Instruments und die Natur seines Timbres verleihen ihm eine unheilvolle Ausdruckskraft. Sie sagen, dass manchmal ein einziger Tam-Tam-Schlag während des gesamten Werks ausreicht, um den stärksten Eindruck auf die Zuhörer zu hinterlassen. Ein Beispiel dafür ist das Finale von Tschaikowskys Sechster Symphonie.

In Europa tauchte es während der Französischen Revolution auf. Nach einiger Zeit gelangte dieses Instrument ins Opernorchester und wird seither in der Regel in tragischen, „tödlichen“ Situationen eingesetzt. Ein Tam-Tam-Schlag markiert den Tod, eine Katastrophe, das Vorhandensein magischer Kräfte, einen Fluch, ein Omen und andere „außergewöhnliche Ereignisse“. In "Ruslan und Ljudmila" ertönt Tam-Tam im Moment der Entführung von Ljudmila durch Chernomor, in "Robert the Devil" von Meyerberg - in der Szene der "Auferstehung der Nonnen", in "Scheherazade" von Rimsky-Korsakov - in dem Moment, in dem Sindbads Schiff gegen die Felsen prallt. Auch im tragischen Höhepunkt des ersten Satzes von Schostakowitschs Siebter Sinfonie sind Tam-Tam-Schläge zu hören.

Claves.

Die Claves sind ein Schlaginstrument kubanischen Ursprungs: Das sind zwei runde Stöcke, jeder 15-25 cm lang, die aus sehr hartem Holz geschnitzt sind. Eines davon hält der Performer auf besondere Weise in seiner linken Hand – so dass die geballte Handfläche ein Resonanzkörper ist – und schlägt mit einem anderen Stock darauf.

Der Klang der Claves ist scharf, hoch, laut klickend wie ein Xylophon, aber ohne eine bestimmte Höhe. Die Tonhöhe hängt von der Größe der Sticks ab; manchmal werden in einem Sinfonieorchester zwei oder sogar drei Paare solcher Stöcke unterschiedlicher Größe verwendet.

Frust.

Frusta besteht aus zwei Holzbrettern, von denen eines einen Griff hat, und das zweite mit seinem unteren Ende über dem Griff an einem Scharnier befestigt ist - mit einem scharfen Schwung oder mit Hilfe einer straffen Feder erzeugt es eine Watte auf dem anderen mit seinem freien Ende. Auf fruste werden in der Regel nur einzelne, nicht zu oft aufeinanderfolgende Claps forte, fortissimo herausgezogen.

Frusta ist ein Schlaginstrument, das keine bestimmte Höhe hat, daher wird sein Part, wie der Part eines Tamburins, nicht auf einer Daube, sondern auf einem "Faden" aufgezeichnet.

Frusta contenta findet sich oft in modernen Partituren. Mit zwei Klatschen auf diesem Instrument beginnt der dritte Teil der „Loreley“ aus Schostakowitschs Vierzehnter Symphonie.

Holzblock.

Wood Block ist ein Schlaginstrument chinesischer Herkunft. Vor seinem Auftritt in der Percussion-Gruppe des Sinfonieorchesters war Woodblock im Jazz sehr beliebt.

Ein Holzblock ist ein kleiner, rechteckiger Hartholzblock mit einem tiefen, schmalen Schnitt an der Vorderseite. Die Technik des Spielens des Holzblocks ist Trommeln: Der Ton wird extrahiert, indem die obere Ebene des Instruments mit Stöcken einer kleinen Trommel, Holzschlägeln, Stöcken mit Gummiköpfen geschlagen wird. Der resultierende Ton ist scharf, hoch, charakteristisch klappernd, unbestimmt in der Tonhöhe.

Als Schlaginstrument mit unbestimmter Höhe wird der Holzblock auf einem "Faden" oder auf einer Kombination von Linealen notiert.

Tempelblock, Tartaruga.

Tempelblock ist ein Instrument koreanischen oder nordchinesischen Ursprungs, ein Attribut eines buddhistischen Kultes. Das Werkzeug hat eine runde Form, ist innen hohl, hat in der Mitte einen tiefen Einschnitt (wie ein lachender Mund) und besteht aus hartem Holz.

Wie die meisten anderen „exotischen“ Percussion-Instrumente fand die anfängliche Verbreitung des Tempelblocks im Jazz statt, von wo aus er in die Zusammensetzung des Sinfonieorchesters vordrang.

Der Klang des Tempelblocks ist düsterer und tiefer als der des Holzblocks in der Nähe, er hat eine ziemlich bestimmte Tonhöhe, sodass Sie mit einem Satz Tempelblöcke melodische Phrasen darauf bekommen können - zum Beispiel S Slonimsky verwendete diese Instrumente in "Concert Buff".

Sie spielen auf Schläfenblöcken und schlagen mit Stöcken mit Gummiköpfen, Holzschlägeln und Snare-Drum-Sticks auf die obere Abdeckung.

Manchmal werden in einem Symphonieorchester Schildpattsätze verwendet, die im Prinzip dem Spielen auf Tempelblöcken ähneln, aber trockener und schwächer klingen. Ein solches Set von Schildkrötenpanzern namens Tartaruga wurde von S. Slonimsky in "Concert-buff" verwendet.

Guiro, reco-reco, sapo.

Diese Instrumente sind lateinamerikanischen Ursprungs, sie ähneln sich sowohl im konstruktiven Prinzip als auch in der Spielweise.

Sie bestehen aus einem Bambussegment (reco-reco), aus einem getrockneten Kürbis (guiro) oder aus einem anderen hohlen Gegenstand, der ein Resonator ist. Auf einer Seite des Werkzeugs wird eine Reihe von Kerben oder Kerben hergestellt. In einigen Fällen wird eine Platte mit gewellter Oberfläche montiert. Diese Kerben werden mit einem speziellen Holzstab ausgeführt, wodurch ein hoher, scharfer und charakteristisch knisternder Ton extrahiert wird. Die häufigste Variante dieser verwandten Instrumente ist das Guiro. I. Strawinsky war der erste, der dieses Instrument in das Sinfonieorchester einführte - in "The Rite of Spring". Reko-reko findet sich in Slonimskys „Concert-buff“, und die Sapo – ein Instrument ähnlich der Reko-reko – wird in der Partitur von „Three Poems by Henri Michaud“ von V. Lutoslavsky verwendet.

Ratsche.

In den Musikinstrumenten verschiedener Völker gibt es viele Rasseln mit einer großen Vielfalt von Formen und Vorrichtungen. In einem Sinfonieorchester ist eine Ratsche ein Kasten, den der Spieler an einem Griff um ein Zahnrad dreht. Gleichzeitig gibt eine elastische Holzplatte, die von einem Zahn zum anderen springt, einen charakteristischen Riss ab.

Maracas, Chocalo (Tubo), Kamee.

Alle diese Instrumente sind lateinamerikanischen Ursprungs. Ein Maracas ist eine runde oder eiförmige Holzrassel an einem Griff, die mit Schrot, Körnern, Kieselsteinen oder anderen losen Materialien gefüllt ist. Diese Volksinstrumente werden in der Regel aus einer Kokosnuss oder einem hohlen getrockneten Kürbis auf einem natürlichen Griff hergestellt. Maracas sind sehr beliebt in Tanzmusikorchestern, im Jazz. Als Teil eines Sinfonieorchesters war S. Prokofjew der erste, der dieses Instrument einsetzte („Tanz der Mädchen von Antillen“ aus dem Ballett „Romeo und Julia“, Kantate „Alexander Newski“). Jetzt werden normalerweise ein paar Instrumente verwendet - der Darsteller hält sie in beiden Händen und extrahiert zitternd einen Ton. Wie andere Schlaginstrumente ohne bestimmte Tonhöhe wird das Maracas auf dem "Faden" notiert. Nach dem Prinzip der Klangerzeugung stehen Maracas Chocalo und Camese nahe. Dies sind karierte oder hölzerne Kameso-Zylinder aus Metall, die wie Maracas mit einer Art loser Substanz gefüllt sind. Einige Modelle haben ein Häkchen Seitenwand mit einer Ledermembran überzogen. Sowohl Chekalo als auch Camese sind lauter und schärfer als Maracas. Sie werden auch mit beiden Händen gehalten, vertikal oder horizontal geschüttelt oder gedreht.

Taverne.

Zunächst war dieses Instrument afro-brasilianischen Ursprungs in Orchestern lateinamerikanischer Musik beliebt, von wo aus es seine weitere Verbreitung erhielt. Äußerlich ähnelt die Taverne einem doppelten Maracas, der mit einem Netz bedeckt ist, auf dem große Perlen aufgereiht sind. Der Performer hält das Instrument in einer Hand und schlägt es entweder einfach mit den Fingern der anderen Hand oder rollt das Gitter mit Perlen mit einer tangentialen Bewegung der Handfläche. Im letzteren Fall entsteht ein raschelndes, längeres Geräusch, das an das Geräusch von Maracas erinnert. Eines der ersten Kabatsu wurde von Slonimsky in "Concert-buff" verwendet.

Bongs.

Dieses Instrument ist kubanischen Ursprungs. Nach der Modernisierung wurden Bongos in Tanzmusikorchestern, im Jazz und sogar in Werken der ernsten Musik weit verbreitet. Die Bongs haben folgende Vorrichtung: Auf einem hölzernen zylindrischen Körper (von 17 bis 22 cm hoch) wird die Haut gespannt und mit einem Metallreifen fixiert (seine Spannung wird von innen mit Schrauben eingestellt). Der Metallrand erhebt sich nicht über das Hautniveau: Dies bestimmt ein so charakteristisches Spiel der Bongs mit den Handflächen - con le mani oder Fingern - con le dita. Zwei Bongs mit unterschiedlichen Durchmessern werden meist durch eine gemeinsame Halterung miteinander verbunden. Eine kleinere Bong klingt etwa ein Drittel höher als eine breitere. Der Klang der Bong ist hoch, speziell "leer" und variiert je nach Ort und Zugmethode. Aus diesem Grund können Sie auf jedem Instrument zwei Klänge unterschiedlicher Höhe erhalten: einen Schlag mit einem verlängerten Zeigefinger nahe dem Rand oder groß zur Mitte - und niedriger (irgendwo innerhalb einer großen Sekunde oder Terz) - von einem Schlag mit der ganzen Handfläche oder Fingerspitze näher an der Mitte.

Vorschau:

Klavier (It.piano-forte, französisches Klavier; deutsches Fortepiano, Hammerklavier; englisches Klavier)

Die Klangquelle im Klavier sind Metallsaiten, die durch den Aufprall filzbespannter Holzhämmer zu klingen beginnen, und die Hämmer werden durch Fingerdruck auf die Tasten angetrieben.

Erste Tasteninstrumente, die bereits zu Beginn des 15. Jahrhunderts bekannt waren, waren das Cembalo und das Clavichord (auf Italienisch - Clavicembalo). Auf dem Clavichord wurden die Saiten durch Metallhebel - Tangenten, auf dem Cembalo - durch Krähenfedern und später - durch Metallhaken vibriert. Der Klang dieser Instrumente war dynamisch monoton und verblasste schnell.

Das erste Klavier mit Hammermechanik, so genannt, weil es sowohl Forte- als auch Klavierklänge spielte, wurde höchstwahrscheinlich 1709 von Bartolomeo Cristofori gebaut. Dieses neue Instrument erlangte schnell Anerkennung und wurde nach vielen Verbesserungen zum modernen Konzertflügel. Ein Klavier wurde 1826 für das Musizieren zu Hause gebaut.

Das Klavier ist weithin als Solokonzertinstrument bekannt. Aber manchmal fungiert es auch als gewöhnliches Instrument des Orchesters. Russische Komponisten, beginnend mit Glinka, begannen, das Klavier in das Orchester einzuführen, manchmal zusammen mit der Harfe, um die Klangfülle der Harfe nachzubilden. So wird es in Bayans Liedern in Glinkas „Ruslan und Lyudmila“, in „Sadko“ und in Rimsky-Korsakovs „May Night“ verwendet. Manchmal spielt das Klavier den Klang einer Glocke, wie in Mussorgskys Boris Godunov, orchestriert von Rimsky-Korsakov. Aber nicht immer imitiert es nur andere Klangfarben. Einige Komponisten verwenden es im Orchester als Dekorationswerkzeug, das Klangfülle und neue Farben in das Orchester einbringen kann. So schrieb Debussy in der symphonischen Suite „Frühling“ den Klavierpart zu vier Händen. Schließlich wird es manchmal als eine Art Schlaginstrument mit einem starken, trockenen Ton angesehen. Das scharfe, groteske Scherzo in Schostakowitschs Symphonie 1 ist ein Beispiel dafür.

Vorschau:

Cembalo

Musikinstrument mit Tastatursaiten. Ein Cembalist ist ein Musiker, der musikalische Werke sowohl auf dem Cembalo als auch auf seinen Varianten aufführt. Die früheste Erwähnung eines Cembalo-Instruments erscheint in einer Quelle aus dem Jahr 1397 aus Padua (Italien), der frühesten berühmtes Bild - auf dem Altar in Minden (1425). Als Soloinstrument blieb das Cembalo bis Ende des 18. Jahrhunderts in Gebrauch. Etwas länger wurde es verwendet, um Digitalbass zu spielen, um Rezitative in Opern zu begleiten. OK. 1810 fiel praktisch in Vergessenheit. Die Wiederbelebung der Kultur des Cembalospiels begann um die Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert. Cembali des 15. Jahrhunderts sind nicht erhalten. Den Bildern nach zu urteilen, waren dies kurze Instrumente mit einem schweren Körper. Die meisten erhaltenen Cembali aus dem 16. Jahrhundert wurden in Italien hergestellt, wo Venedig das Hauptzentrum ihrer Produktion war. Eine Kopie des flämischen Cembalo Sie hatten ein 8`-Register (selten zwei Register 8` und 4`), sie zeichneten sich durch Anmut aus. Ihr Körper bestand meistens aus Zypresse. Der Anschlag war bei diesen Cembali deutlicher und der Klang abrupter als bei späteren Flamadic-Instrumenten. Antwerpen war das wichtigste Produktionszentrum für Cembali in Nordeuropa, wo seit 1579 Vertreter der Familie Ruckers tätig waren. Ihre Cembali haben längere Saiten und schwerere Korpusse als italienische Instrumente. Seit den 1590er Jahren werden in Antwerpen Cembali mit zwei Manualen hergestellt. Französische, englische und deutsche Cembali des 17. Jahrhunderts vereinen die Merkmale flämischer und niederländischer Modelle. Französisches Cembalo Einige französische zweimanualige Cembali mit Walnusskorpus sind erhalten. Seit den 1690er Jahren werden in Frankreich Cembali des gleichen Typs wie Rookers-Instrumente hergestellt. Unter den französischen Cembalomeistern stach die Blanchet-Dynastie hervor. 1766 erbte Taskin Blanches Werkstatt. Die bedeutendsten englischen Cembalobauer des 18. Jahrhunderts waren Schudy und die Familie Kirkman. Ihre Instrumente hatten einen mit Sperrholz ausgekleideten Eichenkorpus und zeichneten sich durch einen kräftigen Klang mit reichem Timbre aus. Im Deutschland des 18. Jahrhunderts war Hamburg das Hauptzentrum der Cembaloproduktion; unter den in dieser Stadt hergestellten Instrumenten mit 2'- und 16'-Registern sowie mit 3 Manualen. Das ungewöhnlich lange Modell des Cembalo wurde von J. D. Dülcken entworfen, einem führenden holländischen Meister des 18. Jahrhunderts. In der 2. Hälfte des 18. Jahrhunderts. das Cembalo begann durch das Klavier verdrängt zu werden. OK. 1809 stellte Kirkman sein letztes Cembalo her. Der Initiator der Wiederbelebung des Instruments war A. Dolmech. Er baute sein erstes Cembalo 1896 in London und eröffnete bald Werkstätten in Boston, Paris und Heislemere. Modernes Cembalo Die Produktion von Cembali wurde auch von den Pariser Firmen Pleyel und Erard gegründet. Pleyel begann mit der Herstellung eines Modell-Cembalos mit einem Metallrahmen, der dicke, straffe Saiten trägt; Wanda Landowska hat eine ganze Generation von Cembalisten auf diesem Instrumententyp ausgebildet. Die Bostoner Handwerker Frank Hubbard und William Dyde waren die ersten, die antike Cembali kopierten..

Vorschau:

Orgel (It. organo, französische Orgue, deutsche Orgel, englische Orgel)

Tastenblasinstrument - Orgel - war in der Antike bekannt. In alten Orgeln wurde die Luft mit Bälgen von Hand gepumpt. IN mittelalterliches Europa Die Orgel wurde zu einem Instrument des Kirchengottesdienstes. Im spirituellen Umfeld des 17. Jahrhunderts entstand die polyphone Orgelkunst, deren beste Vertreter Frescobaldi, Bach und Händel waren.

Die Orgel ist ein gigantisches Instrument mit vielen verschiedenen Klangfarben.

„Das ist ein ganzes Orchester, das in geschickten Händen alles vermitteln, alles ausdrücken kann“, schrieb Balzac über ihn. Tatsächlich übersteigt der Tonumfang der Orgel den aller Instrumente des Orchesters zusammengenommen. Die Orgel umfasst einen Balg für die Luftzufuhr, ein System von Pfeifen unterschiedlicher Bauart und Größe (in modernen Orgeln erreicht die Anzahl der Pfeifen 30.000), mehrere Manualklaviaturen - Manuale und ein Fußpedal. Die größten Rohre erreichen eine Höhe von 10 Metern oder mehr, die Höhe der kleinsten - 8 Millimeter. Diese oder jene Klangfärbung hängt von ihrem Gerät ab.

Ein Satz Pfeifen einer einzigen Klangfarbe wird als Register bezeichnet. Große Domorgeln haben mehr als hundert Register: in der Orgel des Doms Notre-Dame von Paris ihre Zahl erreicht 110. Die Färbung der Klänge einzelner Register ähnelt der Klangfarbe einer Flöte, Oboe, Englischhorn, Klarinette, Bassklarinette, Trompete, Cello. Je reicher und vielfältiger die Register, desto mehr Möglichkeiten bekommt der Interpret, denn die Kunst des Orgelspiels ist die Kunst der guten Registrierung, d.h. gekonnter Einsatz von allem technische Ressourcen Werkzeug.

Im neusten Orchestermusik(insbesondere theatralisch) wurde die Orgel hauptsächlich für klangbildliche Zwecke verwendet - wo es notwendig war, die Kirchenatmosphäre wiederzugeben. Liszt zum Beispiel stellte in seiner symphonischen Dichtung „Die Schlacht der Hunnen“ mit Hilfe einer Orgel die christliche Welt den Barbaren entgegen.

Vorschau:

Harfe - gezupftes Saitenmusikinstrument. Es hat die Form eines Dreiecks, das besteht: erstens aus einem etwa 1 Meter langen Resonanzkasten, der sich nach unten ausdehnt; seine frühere Form war viereckig, während die jetzige auf einer Seite abgerundet ist; es ist mit einem flachen Deck, meist aus Ahornholz, ausgestattet, in dessen Mitte entlang des Korpus eine schmale und dünne Schiene aus Hartholz angebracht ist, in die Löcher zum Einfädeln der Darmsaiten gestanzt sind; zweitens, vom oberen Teil (in Form eines großen Halses), schlangenartig gebogen, an der Oberseite des Körpers befestigt und bildet damit einen spitzen Winkel; an diesem Teil sind Wirbel angebracht, um die Saiten zu stärken und sie zu stimmen; drittens vom vorderen Balken, der die Form einer Säule hat, deren Zweck es ist, der Kraft zu widerstehen, die von den Saiten erzeugt wird, die zwischen dem Griffbrett und dem Resonanzkörper gespannt sind. Da die Harfe schon früher ein erhebliches Klangvolumen hatte (fünf Oktaven) und der Platz für die Saiten der vollen chromatischen Tonleiter nicht ausreicht, werden die Saiten in der Harfe nur gespannt, um die Töne der diatonischen Tonleiter zu erzeugen. Eine Harfe ohne Pedal kann nur eine Tonleiter spielen. Für chromatische Anstiege musste man früher die Saiten kürzen, indem man die Finger gegen das Griffbrett drückte; Später wurde dieses Pressen mit Hilfe von Haken durchgeführt, die von Hand in Bewegung gesetzt wurden. Solche Harfen erwiesen sich als äußerst unbequem für Interpreten; Diese Mängel wurden durch den 1720 von Jacob Hochbrucker erfundenen Mechanismus in den Pedalen weitgehend beseitigt. Dieser Meister befestigte sieben Pedale an der Harfe, die auf die Dirigenten einwirkten, die durch den leeren Raum des Balkens zum Griffbrett führten und dort die Haken brachten in eine solche Position gebracht, dass sie, fest an den Saiten anliegend, chromatische Verbesserungen über das gesamte Volumen des Instruments erzeugten.

Fernes Donnergrollen ist zu hören. Hier donnert es immer stärker, Blitze zucken, ein Platzregen setzt ein, das Regengeräusch wird lauter. Aber der Hurrikan lässt allmählich nach, die Sonne kam heraus und die Regentropfen glänzten unter ihren Strahlen.
Beethovens Sechste Symphonie erklingt.
Hören! Donner wird durch Pauken repräsentiert. Der Klang des Regens wird von Kontrabässen und Celli übertragen. Geigen und Flöten spielen so, dass es scheint, als würde der Wind wütend heulen.
Das Orchester führt die Sinfonie auf.

Symphonieorchester. Es wird als Klangwunder bezeichnet: Es kann eine Vielzahl von Klangnuancen vermitteln.
In einem Sinfonieorchester gibt es in der Regel mehr als hundert Instrumente. Die Musiker sitzen in einer fest definierten Reihenfolge. Dies erleichtert dem Dirigenten die Kontrolle über das Orchester.
Im Vordergrund sind Saiteninstrumente. Sie weben sozusagen die Grundlage des musikalischen Gewebes, auf das andere Instrumente mit ihrem Klang Farbtöne auftragen: Flöten, Oboen, Klarinetten, Fagotte, Trompeten, Hörner, Posaunen und Schlagzeug - Trommeln, Pauken, Becken.
Auf den Bildern sind die Hauptinstrumente des Sinfonieorchesters zu sehen. Manchmal führt der Komponist Instrumente ein, die normalerweise nicht Teil eines Symphonieorchesters sind. Es kann eine Orgel, ein Klavier, Glocken, Tamburine, Kastagnetten sein.
Sie müssen „Sabre Dance“ aus Aram Khachaturians Ballett „Gayane“ gehört haben. Eine der Hauptmelodien in diesem Tanz wird vom Saxophon vorgetragen. Erst im 19. Jahrhundert hielt das Saxophon Einzug in das Sinfonieorchester und ist seither oft in symphonischen Werken zu hören.

Musikinstrumente erschienen vor vielen Jahrhunderten. Die ältesten von ihnen Percussion - Trommeln, Tom-Toms, Pauken - waren bereits bei Naturvölkern. Natürlich ändern sich Werkzeuge im Laufe der Zeit. Moderne Pauken unterscheiden sich also stark von ihren Vorfahren. War es früher ein eiserner Kessel, der mit Tierhaut bedeckt war, werden jetzt Pauken aus Kupfer hergestellt, mit Kunststoff festgezogen und Schrauben hergestellt, mit denen sie fein eingestellt werden können.
In einem Sinfonieorchester ist Schlagzeug die Basis musikalischer Rhythmus. Sie werden auch verwendet, um Donner, Regen, Gewehrsalven, den feierlichen Marsch von Truppen in einer Parade usw. darzustellen. Sie verleihen dem Klang des Orchesters Kraft und Kraft.
Einige Leute denken, dass das Spielen von Schlaginstrumenten überhaupt nicht schwierig ist. Schlagen Sie, sagen wir, Becken, wo nötig - und das war's. Tatsächlich erfordert das Spielen eines so scheinbar einfachen Instruments großes Können. Becken klingen anders. Es hängt davon ab, wie hart du sie triffst. Ihr Geräusch kann sowohl durchdringend laut als auch dem Rauschen von Blättern ähneln. In einigen Werken spielen Becken Soloparts. In Tschaikowskys Ouvertüre-Fantasie „Romeo und Julia“ führen sie beispielsweise eine Melodie an, die die Feindschaft zweier Familien – der Montagues und der Capulets – vermittelt.

Becken werden oft mit Pauken verwechselt. Aber die Pauke wird auf eine ganz andere Art und Weise gespielt, indem sie mit filzbezogenen Stöcken angeschlagen wird.
Am besten kennen Sie sich vielleicht mit Blasinstrumenten aus. Viele von ihnen haben Sie wahrscheinlich gesehen und gehört, wie sie klingen.
Aus Märchen und Legenden erfahren wir manchmal die Entstehungsgeschichte von Instrumenten. Ja, in einem altgriechischer Mythos Der Gott der Wälder und Felder, der Schutzpatron der Hirten, Pan soll sich in die Nymphe Syrinx verliebt haben. Pan war sehr gruselig - mit Hufen und Hörnern, bedeckt mit Wolle. Die schöne Nymphe, die vor ihm floh, wandte sich hilfesuchend an den Flussgott. Und er verwandelte Syrinx in ein Rohr. Daraus machte Pan eine süß klingende Flöte.
Die Hirtenrohrpfeife ist das allererste Blasinstrument. Die Urenkel dieser Pfeife sind Flöten, Fagotte, Klarinetten und Oboen. Diese Instrumente unterscheiden sich optisch und klingen unterschiedlich.
Normalerweise sind im Orchester dahinter im Hintergrund Blechblasinstrumente.
Vor langer Zeit bemerkten die Menschen, dass, wenn man in die Muscheln oder Hörner von Tieren bläst, sie musikalische Töne erzeugen können. Dann begannen sie, Werkzeuge aus Metall herzustellen, ähnlich wie Hörner und Muscheln. Es hat viele Jahre gedauert, bis sie zu dem wurden, was Sie auf dem Bild sehen.
Es gibt auch viele Blechblasinstrumente im Orchester. Dies sind Tuben und Hörner und Posaunen. Die größte von ihnen ist die Tuba. Dieses Bass-Gesangsinstrument ist ein echter Gigant.
Schau dir jetzt das Rohr an. Sie ist dem Horn sehr ähnlich. Es war einmal, als die Trompete die Krieger in die Schlacht rief und die Feiertage eröffnete. Und im Orchester war sie zunächst mit einfachen Signalparts betraut. Doch dann wurden die Mundstücke besser und die Trompete wurde immer häufiger als Soloinstrument eingesetzt. In P. I. Tschaikowskys Ballett "Schwanensee" gibt es einen "neapolitanischen Tanz". Beachten Sie, wie brillant das Trompetensolo ist.

Und wenn alle Blechblasinstrumente zusammen erklingen, entsteht eine kraftvolle und majestätische Melodie.
Vor allem aber im Orchester der Streichinstrumente. Es gibt allein mehrere Dutzend Geigen, dazu zweite Geigen, Celli und Kontrabässe.
Saiteninstrumente sind die wichtigsten. Sie leiten das Orchester und spielen die Hauptmelodie.
Die Geige wird die Königin des Orchesters genannt. Viele besondere Konzerte wurden für die Violine geschrieben. Sie haben natürlich schon von dem großen Geiger Paganini gehört. In den Händen dieses magischen Musikers klang die kleine, anmutige Violine wie ein ganzes Orchester.
Die Geige wurde in Italien in der Stadt Cremona geboren. Violinen der besten italienischen Meister Amati, Guarneli, Stradivari und der Russen I. Batov, A. Leman gelten bis heute als unübertroffen.
Jetzt wissen Sie ein wenig über die Musikinstrumente eines Sinfonieorchesters. Wenn Sie Musik hören, versuchen Sie, die Instrumente „an der Stimme“ zu unterscheiden.
Natürlich kann dies auf Anhieb schwierig sein. Aber denken Sie daran, wie Sie lesen gelernt haben, wie Sie mit kleinen, einfachen Büchern angefangen haben und dann erwachsen geworden sind, immer mehr gelernt haben und angefangen haben, ernsthafte, kluge Bücher zu lesen.
Musik muss auch verstanden werden. Wenn Sie selbst nicht spielen, versuchen Sie, es öfter zu hören, und die Musik wird Ihnen ihre Geheimnisse enthüllen, ihre magische und fabelhafte Welt.

Symphonieorchester

Orchester(aus dem griechischen Orchester) - ein großes Team von Instrumentalmusikern. Im Gegensatz zu Kammerensembles bilden im Orchester einige seiner Musiker Gruppen, die unisono spielen, das heißt, sie spielen die gleichen Rollen.
Die Idee des simultanen Musizierens durch eine Gruppe von Instrumentaldarstellern reicht bis in die Antike zurück: back in Antikes Ägypten Kleine Musikkapellen spielten bei verschiedenen Feiern und Beerdigungen zusammen.
Das Wort „Orchester“ („Orchester“) leitet sich von der Bezeichnung des runden Bereichs vor der Bühne ab Antikes griechisches Theater, wo sich der antike griechische Chor befand, ein Teilnehmer an jeder Tragödie oder Komödie. Während der Renaissance und darüber hinaus XVIII Jahrhundert wurde das Orchester umgewandelt Orchestergraben und gab dementsprechend dem darin angesiedelten Musikerkollektiv den Namen.
Es gibt viele verschiedene Arten von Orchestern: militärische Blas- und Holzblasorchester, Volksinstrumentenorchester, Streichorchester. Das Sinfonieorchester ist das größte in der Zusammensetzung und das reichste in Bezug auf seine Fähigkeiten.

Symphonischein Orchester genannt, das aus mehreren heterogenen Instrumentengruppen besteht - einer Familie von Streichern, Bläsern und Schlagzeug. Das Prinzip eines solchen Verbandes hat sich in Europa entwickelt XVIII Jahrhundert. Anfänglich bestand das Sinfonieorchester aus Gruppen von Streichinstrumenten, Holzbläsern und Blechblasinstrumenten, denen sich einige Percussion-Musikinstrumente anschlossen. Anschließend wurde die Zusammensetzung jeder dieser Gruppen erweitert und diversifiziert. Gegenwärtig ist es bei einer Reihe von Arten von Symphonieorchestern üblich, zwischen einem kleinen und einem großen Symphonieorchester zu unterscheiden. Das Kleine Symphonieorchester ist ein Orchester mit überwiegend klassischer Zusammensetzung (Musik des späten 18. bis frühen 19. Jahrhunderts oder moderne Pasticcio). Sie besteht aus 2 Flöten (selten eine kleine Flöte), 2 Oboen, 2 Klarinetten, 2 Fagotten, 2 (selten 4) Hörnern, manchmal 2 Trompeten und Pauken, einer Streichergruppe von nicht mehr als 20 Instrumenten (5 erste und 4 zweite Geigen). , 4 Bratschen, 3 Celli, 2 Kontrabässe). Das Große Sinfonieorchester (BSO) umfasst obligatorische Posaunen in der Kupfergruppe und kann eine beliebige Zusammensetzung haben. Holzinstrumente (Flöten, Oboen, Klarinetten und Fagotte) erreichen oft bis zu 5 Instrumente jeder Familie (manchmal mehr Klarinetten) und umfassen Varianten (Pick- und Altflöten, Amor-Oboe und englische Oboe, kleine, Alt- und Bassklarinetten, Kontrafagott). Die Kupfergruppe kann bis zu 8 Hörner (einschließlich spezieller Wagner-Tuben), 5 Trompeten (einschließlich Klein-, Alt- und Basstrompeten), 3-5 Posaunen (Tenor und Tenorbass) und eine Tuba umfassen. Saxophone werden oft verwendet Jazz-Orchester alle 4 Typen). Die Streichergruppe erreicht 60 oder mehr Instrumente. Schlaginstrumente sind zahlreich (obwohl Pauken, Glocken, kleine und große Trommeln, Triangel, Becken und indisches Tam-Tom ihr Rückgrat bilden), Harfe, Klavier, Cembalo werden oft verwendet.
Um den Klang des Orchesters zu veranschaulichen, verwende ich die Aufzeichnung des Abschlusskonzerts des YouTube-Symphonieorchesters. Das Konzert fand 2011 in der australischen Stadt Sydney statt. Es wurde von Millionen von Menschen auf der ganzen Welt live im Fernsehen verfolgt. Die YouTube Symphony widmet sich der Förderung der Liebe zur Musik und der Präsentation der enormen kreativen Vielfalt der Menschheit.

Das Konzertprogramm umfasste bekannte und wenig bekannte Werke bekannter und weniger bekannter Komponisten.
Hier sein Programm:

Hector Berlioz - Römischer Karneval - Ouvertüre, Op. 9 (mit Android Jones - digitaler Künstler)
Lernen Sie Maria Chiossi kennen
Percy Grainger - Ankunft auf einer Plattform Humlet aus In a Nutshell - Suite
Johann Sebastian Bach
Treffen Sie Paulo Calligopoulos - E-Gitarre und Violine
Alberto Ginastera - Danza del trigo (Weizentanz) und Danza final (Malambo) aus dem Ballett Estancia (unter der Leitung von Ilyich Rivas)
Wolfgang Amadeus Mozart – „Caro“-Glocke „idol mio“ – Kanon in drei Stimmen, K562 (mit dem Sydney Children’s Choir und der Sopranistin Renee Fleming per Video)
Treffen Sie Xiomara Mass - Oboe
Benjamin Britten - The Young Person's Guide to the Orchestra, op. 34
William Barton - Kalkadunga (mit William Barton - Didgeridoo)
Timothy Constable
Treffen Sie Roman Riedel - Posaune
Richard Strauss - Fanfare für die Wiener Philharmoniker (mit Sarah Willis, Horn, Berliner Philharmoniker und unter der Leitung von Edwin Outwater)
*PREMIERE* Mason Bates – Mothership (speziell für das YouTube Symphony Orchestra 2011 komponiert)
Lernen Sie Su Chang kennen
Felix Mendelssohn - Violinkonzert e-Moll op. 64 (Finale) (mit Stefan Jackiw und dirigiert von Ilyich Rivas)
Treffen Sie Ozgur Baskin - Violine
Colin Jacobsen und Siamak Aghaei – Ascending Bird – Suite für Streichorchester (mit Colin Jacobsen, Violine, und Richard Tognetti, Violine, und Kseniya Simonova – Sandkünstlerin)
Treffen Sie Stepan Grytsay - Violine
Igor Strawinsky - Der Feuervogel (Höllentanz - Berceuse - Finale)
*ZUGABE* Franz Schubert – Rosamunde (mit Eugene Izotov – Oboe und Andrew Mariner – Klarinette)

Das Sinfonieorchester ist im Laufe der Jahrhunderte entstanden. Seine Entwicklung lange Zeit fand in den Tiefen von Opern- und Kirchenensembles statt. Solche Teams in XV - XVII Jahrhunderte waren klein und abwechslungsreich. Dazu gehörten Lauten, Gamben, Flöten mit Oboen, Posaunen, Harfen und Trommeln. Allmählich gewannen Streichinstrumente die dominierende Stellung. Die Gamben wurden durch Violinen mit ihrem reicheren und melodiöseren Klang ersetzt. Zurück nach oben XVIII v. sie regierten bereits im Orchester. Eine eigene Gruppe und Blasinstrumente (Flöten, Oboen, Fagotte) haben sich zusammengeschlossen. Vom Kirchenorchester wechselten sie zu den Sinfonietrompeten und Pauken. Das Cembalo war ein unverzichtbares Mitglied von Instrumentalensembles.
Eine solche Komposition war typisch für J. S. Bach, G. Händel, A. Vivaldi.
Aus der Mitte XVIII v. die Gattungen Symphonie und Instrumentalkonzert beginnen sich zu entwickeln. Die Abkehr vom polyphonen Stil führte die Komponisten zum Streben nach klanglicher Vielfalt, dem Relief zur Hervorhebung von Orchesterstimmen.
Die Funktionen der neuen Tools ändern sich. Das Cembalo mit seinem schwachen Klang verliert allmählich seine führende Rolle. Bald verließen Komponisten es vollständig und stützten sich hauptsächlich auf die Streicher- und Bläsergruppe. Am Ende XVIII v. die sogenannte klassische Zusammensetzung des Orchesters wurde gebildet: etwa 30 Streicher, 2 Flöten, 2 Oboen, 2 Fagotte, 2 Pfeifen, 2-3 Hörner und Pauken. Die Klarinette gesellte sich bald zu den Blechbläsern. J. Haydn, W. Mozart schrieben für eine solche Komposition. So ist das Orchester in den frühen Kompositionen von L. Beethoven. IN XIX v.
Die Entwicklung des Orchesters verlief hauptsächlich in zwei Richtungen. Einerseits wurde es mit zunehmender Zusammensetzung mit Instrumenten vieler Arten bereichert (das ist ein großes Verdienst romantische komponisten, vor allem Berlioz, Liszt, Wagner), andererseits entwickelten sich die inneren Fähigkeiten des Orchesters: Klangfarben wurden reiner, Textur - klarer, Ausdrucksmittel - sparsamer (das ist das Orchester von Glinka, Tschaikowsky, Rimsky-Korsakow) . Erheblich bereichert die orchestrale Palette und viele Komponisten der späten XIX - 1. Hälfte des XX v. (R. Strauss, Mahler, Debussy, Ravel, Strawinsky, Bartok, Schostakowitsch und andere).

Ein modernes Sinfonieorchester besteht aus 4 Hauptgruppen. Das Fundament des Orchesters bildet eine Streichergruppe (Violinen, Bratschen, Celli, Kontrabässe). Streicher sind in den meisten Fällen die Hauptträger des melodischen Beginns im Orchester. Die Anzahl der Musiker, die Streicher spielen, beträgt ungefähr 2/3 der gesamten Band. Die Gruppe der Holzblasinstrumente umfasst Flöten, Oboen, Klarinetten, Fagotte. Jeder von ihnen hat normalerweise eine unabhängige Partei. In Klangfarbensättigung, dynamischen Eigenschaften und einer Vielzahl von Spieltechniken den Gebeugten nachgebend, haben Blasinstrumente eine große Kraft, einen kompakten Klang und leuchtende Farbtöne. Die dritte Gruppe der Orchesterinstrumente sind Blechbläser (Horn, Trompete, Posaune, Trompete). Sie bringen neue leuchtende Farben in das Orchester, bereichern seine dynamischen Fähigkeiten, verleihen dem Klang Kraft und Brillanz und dienen auch als Bass und rhythmische Unterstützung.
Alle Größerer Wert Schlaginstrumente in einem Sinfonieorchester erwerben. Ihre Hauptfunktion ist rhythmisch. Darüber hinaus erzeugen sie eine besondere Klang- und Geräuschkulisse, ergänzen und schmücken die Orchesterpalette mit Farbeffekten. Je nach Art des Klangs werden Trommeln in 2 Arten eingeteilt: einige haben eine bestimmte Tonhöhe (Pauke, Schellen, Xylophon, Glocken usw.), anderen fehlt eine genaue Tonhöhe (Triangel, Tamburin, kleine und große Trommel, Becken). . Von den Instrumenten, die nicht in den Hauptgruppen enthalten sind, ist die Rolle der Harfe die bedeutendste. Gelegentlich schließen Komponisten Celesta, Klavier, Saxophon, Orgel und andere Instrumente in das Orchester ein.
Weitere Informationen zu den Instrumenten eines Symphonieorchesters – Streichergruppe, Holzbläser, Blechbläser und Schlagzeug – finden Sie unter Webseite.
Ich kann eine weitere nützliche Seite, "Children about Music", nicht ignorieren, die ich während der Vorbereitung des Beitrags entdeckt habe. Sie brauchen sich nicht von der Tatsache einschüchtern zu lassen, dass dies eine Seite für Kinder ist. Es gibt einige ziemlich ernste Dinge darin, die nur in einer einfacheren, verständlicheren Sprache erzählt werden. Hier Verknüpfung auf ihn. Übrigens enthält es auch eine Geschichte über ein Sinfonieorchester.

Quellen:

Marina Razheva
Inhaltsangabe des NOD "Symphonic Orchestra"

Zusammenfassung der Lektion

« Symphonieorchester»

für Kinder von 5-6 Jahren

Vorbereitet: Musikdirektor

Razheva Marina Anatoljewna

Teikowo 2015

Ziel: Vorschulkinder an klassische Musik heranführen

Aufgaben. Bei Kindern eine ästhetische Wahrnehmung der Welt um sie herum zu formen.

Engagieren Sie sich in der Musikkultur.

Um das Bedürfnis nach der Wahrnehmung von Musik zu bilden.

Entwickeln Sie kognitive und kreative Fähigkeiten.

Wortschatz bereichern.

Bildungsbereich - "Künstlerische und ästhetische Bildung"

Organisationsform - Zusammenarbeit Lehrer mit Kindern.

Art der Aktivität von Kindern: kognitiv, kommunikativ, musikalisch und künstlerisch.

Materialien und Ausrüstung: Musikzentrum zum Musikhören, Musikinstrumente für Kinder, Präsentation.

Vorarbeit: An Musikstunden Kinder sollten mit den grundlegenden Werkzeugen vertraut sein Symphonieorchester, ihr echter Klang, Klangfarbe. Werkzeuggruppen unterscheiden: Streicher, Bläser, Schlagzeug, Singles.

Software-Inhalt.

1. Erweitern Sie das Wissen der Kinder über die Eigenschaften des Klangs von Musikinstrumenten.

2. Interesse kultivieren, den Wunsch haben, dem Klang von Instrumenten zu lauschen.

3. DMI-Fähigkeiten weiter entwickeln (Kindermusikinstrumente)

4. Entwickeln Sie das Timbre-Hören von Kindern.

Geplantes Ergebnis.

Ideenbildung bzgl Symphonieorchester.

Stärkung der Fähigkeit, den Klang von Instrumenten zu unterscheiden Symphonieorchester.

Beteiligen Sie sich aktiv am Spiel auf DMI.

Fühlen Sie das Bedürfnis, Musik in der Aufführung wahrzunehmen Symphonieorchester.

Kursfortschritt.

Kinder betreten die Halle und führen den üblichen Komplex musikalischer und rhythmischer Bewegungen aus und gehen dann ruhig zu den Stühlen.

Herr. Begrüßen Sie Kinder mit Gesängen "Guten Tag!", Autor …

Herr. Lenkt die Aufmerksamkeit der Kinder auf den Bildschirm, wo Kinder eine große Gruppe von Musikern sehen.

Herr. Leute, was seht ihr auf diesem Foto.

Antworten der Kinder.

Herr. Ja diese Orchester - eine Gruppe von Musikern die zusammen das gleiche Musikstück spielen. Jeder Musiker spielt seine Rolle gemäß den Noten, die als Partitur bezeichnet werden. Die Partituren stehen auf speziellen Ständern - Konsolen.

Nun möchte ich Ihnen ein Rätsel aufgeben. Versuchen Sie es zu erraten.

Er leitet das Orchester,

Bringt den Menschen Freude.

Schwenken Sie einfach den Zauberstab

Musik beginnt zu spielen.

Er ist weder Arzt noch Fahrer.

Wer ist das? (Dirigent)

Kinder. Dirigent.

Herr. Zu Orchester klang harmonisch und harmonisch - es wird vom Dirigenten kontrolliert. Er steht den Musikern gegenüber. Der Dirigent kann machen Orchesterspiel und schnell, und langsam und leise und laut - wie Sie möchten! Aber er bringt kein einziges Wort heraus. Er benutzt nur seinen magischen Dirigentenstab. Vor dem Dirigenten liegen dicke, dicke Zettel, auf denen die Stimmen aller Musiker gemalt sind. Solche Töne nennt man Clavier.

Die Geige ist ein 4-saitiges Streichinstrument, das am höchsten klingende in seiner Familie und das wichtigste in Orchester.

Cello - große Geige, die im Sitzen gespielt wird. Das Cello hat einen satten tiefen Klang.

Kontrabass - der niedrigste im Klang und der größte in der Größe (bis 2 Meter) in der Familie der Streichinstrumente. Es wird im Stehen oder auf einem speziellen Stuhl gespielt. Das ist das Bassfundament (die Basis) Gesamt Orchester.

Die Flöte gehört zur Gruppe der Holzblasinstrumente. Aber moderne Flöten sind sehr selten aus Holz, häufiger aus Metall, manchmal aus Kunststoff und Glas. Das virtuoseste und technisch mobilste Instrument der Bläserfamilie. Die Flöte wird oft anvertraut Orchester-Solo.

Herr. Leute, warum heißen die Instrumente Blasinstrumente?

Antworten der Kinder.

Herr. Ja, sie blasen wirklich. Richtiger wäre es zu sagen, dass Blasinstrumente klingen, wenn Luft hineingeblasen wird.

Und jetzt siehst und hörst du eine Messingtrompete. Die Trompete hat einen hohen klaren Klang, sehr geeignet für Fanfaren. Fanfaren werden verwendet, um Signale zu geben - feierlich oder kriegerisch bei festlichen Feiern, Militärparaden.

Vor dir steht eine Posaune. Die Posaune spielt eher eine Basslinie als eine melodische. Es unterscheidet sich von anderen Blechblasinstrumenten durch das Vorhandensein einer beweglichen Hinterbühne, die der Musiker hin und her bewegt und den Klang des Instruments verändert.

Französisches Horn - Horn. Ursprünglich von einem Jagdhorn abstammend. Das Horn kann weich und ausdrucksstark oder schroff und kratzig sein.

Herr. Nennen Sie die Schlaginstrumente.

Kinder. Trommel, Tamburin, Maracas, Triangel, Metallophon, Kastagnetten, Glocken, Rasseln, Glocken.

Herr. Das ist richtig Jungs. Es gibt viele Percussion-Instrumente, aber nicht alle können dienen Symphonieorchester.

Benennen Sie die Tools, die Sie auf der Folie sehen.

Trommeln, Becken, Xylophon.

Folie 14.15.

Auch Jungs, Orchester Einzelinstrumente verwendet werden. Und Sie müssen wissen und benennen

sie richtig.

Kinder. Klavier. Harfe.

Herr. Rechts. Dies ist ein Konzertflügel und das älteste Instrument - die Harfe.

Und ihr wollt euch wie große Musiker fühlen Orchester? Dann schlage ich vor, dass Sie Ihre Instrumente nehmen und ein sehr schönes Musikstück spielen.

Aufführung "Rondo im türkischen Stil"- W.Mozart bzw

"Ungezogene Polka"- A. Filippenko.

Herr. Danke Leute. Es hat mir gefallen.

Und was meint ihr, da können Instrumente wie Balalaika oder Saxophon mitspielen Orchester. Und in was? Tatsache ist, dass diese Tools Teil anderer sind Orchester.

Schauen Sie sich diese Abbildungen genau an. Außer Symphonieorchester es gibt andere Arten Orchester: Blechbläser, Folk, Pop, Jazz. Sie unterscheiden sich in der Zusammensetzung der Instrumente und in der Anzahl der Musiker. IN Symphonieorchester, im Durchschnitt etwa 60-70 Personen, aber manchmal - 100 oder mehr. Die Musiker sind in einer bestimmten Reihenfolge angeordnet. Sie werden zu Gruppen von Instrumenten mit ähnlicher Klangfarbe zusammengefasst.:

Streicher, Holzbläser, Blechbläser und Schlagzeug. Musiker derselben Gruppe sitzen nebeneinander, um einander besser zu hören. Und das erzeugt einen stimmigen Sound.

Und jetzt möchte ich Sie einladen, das Spiel zu spielen.

Lernen Sie das Werkzeug kennen.

Folie 17, 18, 19.

Herr. Wir hatten eine wundervolle Zeit mit Ihnen. Hat es Ihnen gefallen? Wie heißt Orchester mit wem haben wir uns heute getroffen? Welches Instrument hat dir gefallen? (Kinder antworten nacheinander). Ich habe für Sie Karten mit einem Rätsel vorbereitet, das Sie mit Mama oder Papa lösen und raten werden. (auf der Rückseite der Silhouette - Punkte).

Bitte komm zu mir, ich will mich bedanken und verabschieden (Kinder schließen die Augen, der Musikdirektor streichelt ihre Köpfe)