Methoden zum Unterrichten des Spiels auf dem Instrumentenplanzusammenfassung. „Eine umfassende Methodik für den Blasinstrumentenunterricht in der Grundschule“

Zusammenfassung der Mathematikstunde:

Blasinstrumentenlehrer.

MBOU DOD DSHI S. Berkakit

Gryzhuk Julia Valerievna

2018

Übersichtsplan

Artikel: Blasinstrumentenklasse

Klasse: 2

Unterrichtsart: Individuell

Unterrichtsthema : „Eine umfassende Methodik für den Blasinstrumentenunterricht Grundschule»

Gebrauchtes Bildungssystem (Methodik, Technologie)

- Der Lehrer schafft Bedingungen für das spirituelle Wachstum des Einzelnen, sein Bedürfnis nach Selbstverbesserung;

- Voraussetzung für das Lernen ist die Schaffung der Voraussetzungen für den Übergang von der Bildung zur Selbstbildung;

- Art der gemeinsamen Aktivität im System: Lehrer – Schüler; Student - Student; Schüler - Eltern Lehrer – Eltern (geschlossener Kreislauf).

– Der Lehrer entwickelt die Kreativität des Kindes. Es ist wichtig, die Fähigkeiten, die Orientierung, das Potenzial jedes Schülers, seine Lebens- und Berufsausrichtungen zu ermitteln und seine Entwicklung zu steuern. Der Lehrer verwendet auch aktive Lehr- und Bildungsformen und -methoden, die auf einem Aktivitätsansatz für Lernen, Bewegung und Entwicklung basieren persönliche Erfahrung zum Verstehen und Sammeln neuer Erfahrungen und Kenntnisse.

Gesundheitsschonende Technologie;

Spieltechnologie;

Studierendenzentrierte Technologie mit differenziertem Ansatz;- Bildung entwickeln;

Künstlerisch.

Methodische Materialien:

Gotsdiner G. Musikpsychologie - M., 1987.

Skok G. So analysieren Sie Ihre eigene pädagogische Aktivität - M., 2000.

Kirnarskaya D. Musikalische Fähigkeiten. - „Talente – 21. Jahrhundert“.

Berger N. Das moderne Konzept und die Methoden des Musikunterrichts – S.-P., 2004. Ginzburg L. Über die Arbeit an einem Musikwerk – M.1977.

Kryukova V. Musikpädagogik. Rostow am Don 2002.

Mulberg K. Theoretische Grundlagen des Erlernens des Holzblasinstrumentenspiels. Kiew, 1985.

Platonov P. Fragen der Lehrmethoden für das Spielen von Blasinstrumenten. - M., 1978.

Rozanov V. Grundlagen der Lehrmethoden und des Spielens auf Blasinstrumenten. - M., 1988.

Kryuchkov A. Grundlagen der Leistungsatmung beim Spielen von Blasinstrumenten Musikinstrumente für Grund- und Sekundarschüler besondere Bildung. M., 1985

Technische Schulungshilfen (falls im Unterricht verwendet)

Die Liste der im Unterricht verwendeten Audio- und Videoaufzeichnungen, visuelle Hilfen usw.

Unterrichtsausrüstung :

Unterrichtsplan;

zwei Saxophone (eines für den Lehrer);

Klavier;

Notenständer;

Musikmaterial;

didaktisches Material (Aufgabenkarten, Kinderzeichnungen).

Lernziele :

Lehrreich :

Ausbildung grundlegender Fähigkeiten zur Beherrschung des Saxophonspiels:

1. Sicheres Schließen der Ventile mit den Fingern beider Hände, Flexibilität der Finger

für einige Fingersätze;

2. Schulung der richtigen „freien“ Einstellung des Lippenapparates

(Ansatz);

3. korrekter Einsatz des Atems beim Spielen;

Entwicklung:

Entwicklung von Fähigkeiten für unabhängige und kreative Arbeit Von den ersten Lektionen an

Musik;

Entwicklung von Gehör, Gedächtnis, Rhythmus, musikalischem Denken;

Entwicklung grundlegender Fähigkeiten zur Beherrschung des Saxophons.

Entwicklung einer allgemeinen Einstellung, Entwicklung des Willens und der Kontrolle über das eigene Verhalten.

Lehrreich:

Erziehung zum ästhetischen Geschmack.

- Erziehung zu Ausdauer und Fleiß.

Lernziele:

Vorbereitung eines sensiblen, gebildeten Musikers – eines Orchester- und Kammermusikers sowie eines Solisten, der sich mit den Ausdrucksmitteln seines Instruments auskennt und in der Lage ist, dem Publikum den Inhalt musikalischer Werke zu offenbaren;

Lernen Sie, im Prozess der Aufführung zuzuhören und sich selbst zu hören.

Methoden und Techniken zur Umsetzung der Aufgaben:

Überwachung;

Hören;

Praktisch;

Visuell;

erwartetes Ergebnis :

- Stärkung der anfänglichen Fähigkeiten des Saxophonspiels in Kombination mit

Verbesserung des physischen und psychischen Zustands des Körpers.

- lernen, ein Instrument frei zu spielen

Meistere die Hauptaufgaben in der Technik des Spiels.

Sammeln Sie Erfahrungen im analytischen Arbeiten bei der Aufführung von Etüden, Tonleitern,

Übungen und Spiele

Hauptteil der Lektion:

„Eine umfassende Methodik für den Blasinstrumentenunterricht in der Grundschule.“

1.Einführung: Kennenlernen des Instruments

Das Saxophon ist ein relativ junges Instrument, dessen Erfinder der talentierte belgische Meister Adolf Sax (1814-1894) war. Nach langem Suchen und Experimentieren gelang es ihm, die erste Kopie eines ungewöhnlichen Musikinstruments anzufertigen, das den Namen seines Erfinders erhielt. Dies geschah um 1840. Sachs war der erste, der vor Publikum konzertierte und mit seinem Spiel alle Vorzüge des Saxophons unter Beweis stellte.

Saks entwickelte seine Designidee weiter, was dazu führte, dass er eine ganze Familie von Saxophonen schuf. Die erste Familie fertigte er für den Einsatz in einem Opern- und Symphonieorchester und die zweite – als Teil einer Blaskapelle. Darüber hinaus erhielt jede Spielart des Saxophons ihren Namen entsprechend den gängigen Namen der Singstimmen: Sopranino, Sopran, Alt, Tenor, Bariton und Bass. Saxophone der ersten Gruppe hielten der Zeit nicht stand und machten den Instrumenten der zweiten Familie Platz. Auf ihnen spielen Saxophonisten heute auf der Konzertbühne, im Orchester und im Ensemble.

Die ersten, die die Schönheit der Klangfarbe des Saxophons zu spüren bekamen, vor allem als Mitglied der Oper und des Symphonieorchesters, waren die herausragenden Franzosen Komponisten des 19 Jahrhundert G. Berlioz, A. Thomas, J. Bizet, J. Massenet, JI. Delibes, K. Saint-Saens, V. d'Andy und andere. Sie waren es, die die Zukunft des Saxophons und die Aussicht auf seine Beteiligung an verschiedenen akademischen Formen und Genres der Musikkunst vorwegnahmen. Besonders viele schöne Kompositionen für Saxophon entstanden im 20. Jahrhundert. A. Glasunow, C. Debussy, F. Schmitt, J. Iber, P. Hindemith, P. Creston, E. Vila-Lobos, A. Jolivet, G. Dubois, E. Bozza, E. Denisov schrieben Musik für ihn, A. Eshpay und andere. Neben dem Solo- und Orchesterspiel hat sich auch die Ensembleform des Saxophonspiels durchgesetzt. Das Repertoire der Interpreten umfasst neben speziell für das Saxophon geschriebenen Werken zahlreiche Arrangements und Transkriptionen. klassische Musik, die auch die natürlichen Möglichkeiten des Instruments offenbaren.

Große Erfolge haben Saxophonisten im Bereich der Jazzmusik erzielt, wo das Instrument seit langem eine Spitzenstellung einnimmt.

Das Saxophon gehört zur Gruppe der Holzblasinstrumente und weist einen komplexen Aufbau auf. Es besteht aus drei Hauptteilen: einem Mundstück mitRohrblatt, Mundstückrohr und Körper mit einem entwickelten System aus Ventil-Hebel-Mechanismus. Das Ende des Instrumentenrohrs hat die Form einer nach oben gerichteten Glocke.

Ein wichtiger Teil des Saxophons istMundstück, stellt in seiner Erscheinung einen hohlen, schnabelförmigen Zylinder dar. Es besteht aus Gummi, Ebonit, Plexiglas oder einer speziellen Metalllegierung. Das Mundstück hat großen Einfluss auf den Klang des Instruments bzw. auf die Klangfarbe. Das Mundstück lässt sich leicht auf das Mundstück aufsetzen und abnehmen

2. Rationale Einstellung.

Um die Technik des Saxophonspiels, insbesondere in der Anfangsphase der Ausbildung, erfolgreich zu beherrschen, muss der angehende Musiker zunächst die Grundregeln der Inszenierung gut verstehen und anschließend im Prozess der individuellen Arbeit umsetzen.

Unter dem Begriff „Inszenierung“ versteht man eine Reihe von Regeln für die rationale Position und Interaktion aller Komponenten des Spielapparats des Musikers (Atmung, Lippen, Finger, Hände etc.). Eine rationelle Einstellung hilft dem Saxophonisten, mit geringstem Aufwand und Zeitaufwand hochwertige Spielergebnisse zu erzielen und unnötige, zusätzliche Muskelverspannungen zu vermeiden. Aufgabe richtige Einstellung- Förderung einer effektiven, disziplinierten Gestaltung des Instrumentenunterrichts, bei der die Wahl der Techniken, Methoden und Arbeitsgeschwindigkeit unter Berücksichtigung des Niveaus und der Dauer der Ausbildung des Musikers sowie seiner individuellen Fähigkeiten erfolgen sollte.

Die rationale Einstellung umfasst die folgenden Elemente:

1. Allgemeine Einstellung – eine bequeme Möglichkeit, das Saxophon in den Händen zu halten, die richtige Position von Körper, Kopf, Händen, Fingern und Füßen.

2. Inszenierung der Atmung – Möglichkeiten der freiwilligen Kontrolle der Atmung und Regeln für den Atemwechsel während des Spiels.

3. Einstellung des Ansatzes – die am besten geeignete Position des Mundstücks auf den Lippen, die Form und Art der Wirkung des Ansatzes und des Unterkiefers.

4. Artikulationseinstellung – die Position der Zunge, die Form der Mundhöhle.

5. Fingersatzeinstellung – die Position der Finger auf dem Instrument, die Organisation präziser, koordinierter, stabiler Reflexe, freie und sparsame Aktionen des Fingerapparates.

Die wichtigste Voraussetzung für die Ausbildung spieltechnischer Fähigkeiten eines Saxophonisten ist die Einhaltung der Anforderungen, die die Gesamtleistung des Spiels sicherstellen. Sie laufen auf die folgenden Punkte hinaus.

Der Körper und der Kopf des Saxophonisten sollten gerade und gerade gehalten werden, ohne seitliche Abweichungen und Neigungen vor und zurück. Die Spielhaltung sollte natürlich und entspannt sein, unabhängig davon, ob der Saxophonist das Instrument im Stehen oder Sitzen übt. In diesem Fall sollte die Brust leicht angehoben und die Schultern entfaltet werden. Dies gibt der Arbeit der Atemmuskulatur mehr Freiheit.

Eine gute Unterstützung der Beine trägt dazu bei, die richtige Körperhaltung beim Spielen im Stehen beizubehalten. Dazu ist es besser, sie auf Fußbreite zu schieben, die Socken zu drehen und das linke Bein etwas nach vorne zu schieben. Beim Spielen im Sitzen empfiehlt es sich, gerade auf der Hälfte des Stuhls zu sitzen und sich nicht auf die Rückenlehne zu verlassen. Es ist strengstens verboten, einen Fuß auf den anderen zu setzen. Das Altsaxophon wird in den Händen schräg am Körper entlang gehalten und lehnt mit der unteren Rohrbiegung am rechten Oberschenkel des Spielers. Zur Anpassung an den stabilen Stand des Saxophons ermöglicht ein Spezialgurt mit Karabiner die Einstellung der gewünschten Höhe der Instrumentenaufhängung.

Der bequeme Lippensitz des Mundstücks mit dem Rohrblatt wird durch Drehen des Mundstücks am Mundstück angepasst, ohne die Position des Kopfes zu verändern.

Die allgemeine Haltung des Saxophonisten ist dadurch gekennzeichnet, dass der rechte Ellenbogen etwas nach hinten, vom Körper weg, zurückgezogen wird. Die Finger werden auf die Haupttasten (Perlmutttasten) gelegt, in einem Abstand von etwa einem Zentimeter von deren Oberfläche. Sie sollten (mit Ausnahme der Daumen) in einem abgerundeten, entspannten Zustand sein und sich im Bereich der Falte des ersten und zweiten Fingerglieds der vertikalen Position nähern. Das Berühren der Tasten und Hebel erfolgt mit den Fingerspitzen ohne erhöhten Druck, mit etwas Vorlauf des Klanganschlags. Wenn Sie mit den Zeigefingern auf die Seitenventile drücken, sollten kleine Bewegungen der Bürsten erfolgen. Die richtige Stellung der Finger wird durch die natürliche Beschaffenheit der Handgelenke erleichtert, die zusammen mit den Händen eine gerade Linie bilden. Wenn die Finger der linken Hand die Seitenklappen berühren, kommt es zu einer gewissen Ablenkung des Handgelenks.

Atemtechnik .

Im Prozess der konsequenten Entwicklung der individuellen Technik des Saxophonspiels kommt der Formulierung einer professionellen, also darstellerischen Atmung eine besondere Bedeutung zu.

Die professionelle Atmung eines Saxophonisten ist eine Besonderheit: Neben der physiologischen Funktion (kontinuierlicher Gasaustausch) übernimmt sie die Funktion der rechtzeitigen Luftversorgung des Instruments. Diese Atmung basiert auf der Fähigkeit, die Phasen des Ein- und Ausatmens durch den Saxophonisten willkürlich zu steuern. Beide Atemphasen sind miteinander verbunden und verlaufen unabhängig voneinander spezielle Bedingungen: schnelles, kurzes Einatmen und langes, gleichmäßiges Ausatmen. Die Hauptschwierigkeit der Atemtechnik liegt in der Koordination zweier Atemphasen. Der geschickte Einsatz der natürlichen Flexibilität der Atemmuskulatur durch den Saxophonisten und der Einsatz einer rationalen Atemtechnik helfen, diese Schwierigkeit zu überwinden.

Beim Saxofonspielen wird der Atem schnell und lautlos durch die Mundwinkel und teilweise durch die Nase genommen. Beim Einatmen sollte der Saxophonist nicht zu viel Luft aufnehmen, um eine übermäßige Anspannung der Atemmuskulatur zu vermeiden. Außerdem ist darauf zu achten, dass sich die Schultern beim Einatmen nicht heben. Die Inspirationsfrequenz sollte der für den Atemwechsel vorgesehenen Zeit entsprechen: Je kürzer die Pause, desto schneller wird geatmet und umgekehrt

Es gibt zwei Arten der Atmung: Zwerchfell- und Bauchatmung.

Die Zwerchfellatmung ist durch die aktive Bewegung des Zwerchfells und der unteren Rippen gekennzeichnet. Es wird normalerweise beim Spielen kurzer Musikstrukturen oder in Fällen verwendet, in denen der Saxophonist wenig Zeit zum Atmen hat. Und umgekehrt – wenn genügend Zeit zur Verfügung steht, um den Atem zu reproduzieren, greifen sie auf eine tiefe Art der Atmung zurück – Brust-Bauch-Atmung, die es Ihnen ermöglicht, lange musikalische Phrasen ohne erzwungene Überanstrengung auszuführen.

Die Entwicklung der Atemtechnik kann auf zwei Arten erfolgen: ohne Instrument und während des Spielens.

Die erste Methode hat einen Hilfscharakter. Es basiert auf der Darbietung verschiedener Komplexe allgemeiner körperlicher und besonderer Art durch den Saxophonisten Atemübungen Es trägt positiv zur allgemeinen Vitalität des Körpers bei und stärkt die Atemwege. Atemübungen sind besonders für einen Saxophon-Anfänger nützlich, die es ihm ermöglichen, schnell die Fähigkeit zur bewussten Kontrolle über die Häufigkeit und Tiefe der Einatmung, das Verhältnis der Ein- und Ausatmungsdauer und den Spannungsgrad in der Atemunterstützungszone zu erlangen.

Die zweite Art und Weise, wie die Atemtechnik entwickelt wird, ist die wichtigste. Es zeichnet sich durch das systematische Spielen langer Klänge in verschiedenen dynamischen Schattierungen sowie durch die Darbietung von Musik langsamer Art und natürlich durch Verschiedene ArtenÜbungen.

Ebenso das Aufblasen von Notizen mitF An Pund zurück. Lange Noten in Oktaven spielen.

3. Tonextraktion. Die Bildung des Ohrpolsters.

Beim Saxophonspielen werden die subtilsten und komplexesten Bewegungen auf eine bestimmte Art und Weise durch geformte und trainierte Lippen ausgeführt. Die Gesamtheit der an der Klangerzeugung beteiligten Lippen- und Gesichtsmuskeln und ihre charakteristische Position um das Mundstück mit einem Stock bilden einen besonderen physiologischen Komplex – den Ansatz (vonFranzösisch die Wörter bouche – Mund und emboucher – zum Mund führen. Für die korrekte Einstellung der Ambyushura müssen folgende Bedingungen erfüllt sein:

1. Atmen Sie tief durch, ohne die Schultern anzuheben.

2. Ziehen Sie die Unterlippe leicht über die unteren Zähne.

3. Setzen Sie die oberen Zähne fest auf das Mundstück in der Mitte und schließen Sie die Kiefer.

4. Halten Sie die Lippen in einem halben Lächeln.

5. Legen Sie die Zunge unter den Stock und blasen Sie lautlos Luft, wobei Sie gleichzeitig die Zunge tief und nach unten herausziehen, ohne die Wangen aufzublähen.

6. Ziehen Sie den Ton an und achten Sie auf die Gleichmäßigkeit der Intonation.

Der erste Ton wird auf dem Mundstück erzeugt und erst wenn die Intonation stabil ist, beginnt der Unterricht auf dem Instrument. Zum Training des Lippenapparates eignen sich in der Regel Übungen zur Entwicklung der Atemtechnik. Auch in der Anfangsphase des Trainings wird die Elastizität der Schamlippenmuskulatur durch einfache Übungen trainiert:

Da die motorischen Fähigkeiten des Ansatzes gefestigt sind, Kraft und Ausdauer in den Lippen zum Vorschein kommen, ist es möglich, die Trainingsübungen zu komplizieren und zur Beherrschung der extremen Register des Instruments überzugehen.

Das Setzen des Ansatzes ist untrennbar mit der akustischen Vorwegnahme der Qualität des extrahierten Klangs verbunden. Muskelgedächtnis und Gehör interagieren gleichzeitig und sorgen so für die nötige Klangfarbe, Dynamik und Intonation des Saxophonklangs in verschiedenen Registern. Der Ansatz koordiniert seine Arbeit mit anderen Abteilungen des Spielapparats des Saxophonisten und verbindet sich mit ihnen zu einer komplexen Klangbildungskette.

Der Saxophonist muss den Zustand seiner Lippen ständig überwachen und sie vor verschiedenen Verletzungen und Rissen schützen. Wenn die Unterlippe mit Zähnen beschnitten ist, können Sie Zahnpolster aus Papier, Watte, elastischem Gummi verwenden oder beim Zahnprothetiker eine spezielle Polsterung bestellen.

Soundangriff.

Beim Spielen des Saxophons erfolgt der Beginn der Tonextraktion verschiedene Wege verbunden mit der gleichzeitigen Bewegung der Zunge und des ausgeatmeten Luftstroms. Dieser erste Moment der Tonerzeugung wird als Anschlag des Tons bezeichnet. Besonderen Wert sollte der Saxofonist auf den Anschlag legen, da dieser die individuelle Spielweise der Klangaussprache charakterisiert.

Der Klangangriff erfolgt durch die aktive Arbeit einer ganzen Gruppe von Zungenmuskeln, die bei Kontraktion die Konfiguration der Zunge verändern: sie flach oder verdickt, entspannt oder dicht machen.

Bevor der Ton extrahiert wird, befindet sich die Zunge in der vorderen Position und berührt die Innenseite des Muskelkissens der Unterlippe und den oberen Teil des Rohrblatts.

Intonationsstabilität und Klangqualität.

Die Festigung dieser ersten Leistungsfähigkeit kann anhand der Arbeit an einer speziellen Übung erfolgen, zum Beispiel:

4. Technik des Spiels.

Von großer Bedeutung für die individuelle Anpassung des Saxophonisten an sein Instrument ist die Entwicklung verschiedener, ständig interagierender Bewegungen der Finger beider Hände, die für den notwendigen Kontakt mit der Ventilhebelmechanik des Saxophons sorgen.

Die Fingertechnik des Saxophonisten impliziert die Fähigkeit, schnell, klar, koordiniert und stressfrei zu spielen. Diese Qualität wird in einer bestimmten Reihenfolge (von einfach bis komplex) erworben und unterliegt langen und sorgfältigen Studien. Die Arbeit der Finger ist mit der Spielfunktion von Atmung, Ansatz, Artikulationsapparat und Gehör koordiniert.

Die Ausbildung der Spielfähigkeiten des Fingerapparates erfolgt nach folgenden allgemeinen Mustern:

1. In der Anfangsphase der Arbeit an der Fingermotorik wird die motorische Fähigkeit schrittweise auf der Grundlage eines sich wiederholenden Übungszyklus ausgebildet, d. h. durch Fixierung des Reflexstereotyps von Bewegungen.

2. In der anschließenden Phase der technischen Arbeit kommt es zu einer Stabilisierung der motorischen Fähigkeiten, die Bewegung der Finger erhält einen variablen Charakter: Wenn sich die Intonation, die Dynamik und die Klangfarbenbedingungen des Spiels ändern, können sie Aktionen mit verschiedenen Fingersatzkombinationen und mit fremden Fingersätzen ausführen Es treten äußere Reize auf, die Finger agieren stabil ohne Fingerverletzungen und -störungen.

3. Je nach Spielsituation können bestimmte erlernte Fingerbewegungen, egal wie gut sie automatisiert sind, entweder unbewusst oder bewusst ausgeführt werden.

4. Die reflexartige Festigung der Fähigkeiten gelingt am besten, wenn man technisches Material in langsamem Tempo durch mehrere Wiederholungen bearbeitet, deren Anzahl für jeden Saxophonisten optimal und individuell sein sollte.

5. Beim Übergang von der Anfangsphase der Bewegungsautomatisierung zur weiteren Verbesserung der Fingerflüssigkeit verlangsamt sich die Fixierung der motorischen Fähigkeiten etwas, während das Wachstum der Ausführungstechnik sprunghaft – mit Höhen und Tiefen – erfolgt.

Durch die Arbeit an der Fingertechnik entwickelt der Saxophonist eine spezifische muskulomotorische Sensibilität, die es ihm ermöglicht, die motorischen Aktionen der Finger räumlich, zeitlich und fingertechnisch präzise zu koordinieren. Es ist notwendig, die Fingertechnik anhand der folgenden Übungen zu entwickeln:
Beim Spielen verschiedene Übungen, Tonleitern und Etüden, die Hauptaufgabe eines Saxophon-Anfängers ist die freie Gestaltung des Spielapparates (Hände, Finger, Ansatz, Atmung).

5. Analyse des Unterrichtsergebnisses:

Die Hauptziele des Unterrichts bestanden darin, dem Kind das richtige Spielen des Instruments beizubringen. Das Kind lernte die Grundprinzipien für den Aufbau des gesamten Geräts kennen: dies und wie man das Instrument richtig hält, wie es dabei notwendig ist, Kopf und Körper zu halten, wie der Labialapparat und die Finger funktionieren sollen. Außerdem weiß das Kind, in welcher Reihenfolge es lernen wird und welche Übungen zur Entwicklung bestimmter Arten von Technologien es im Unterricht verwenden wird. Die in der ersten Unterrichtsstunde erworbenen Fähigkeiten müssen während des gesamten Lernprozesses an einer Musikschule weiterentwickelt und aufrechterhalten werden.

Formulare prüfen Hausaufgaben Student:

Das Haus ist gegeben:

1. Lange Klänge in direkter Folge spielen – 10 Min. Spielen der in der Lektion analysierten Tonleiter.

2. Unabhängige Analyse der Studie.

3. Arbeit an der Arbeit, Erfüllung der im Unterricht gestellten Aufgaben.

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Transkript

1 Überblick über den offenen Unterricht der Lehrerin Gorobtsova Galina Vyacheslavovna in der Klavierklasse. Der Unterricht wurde mit Georgy Gorobtsov, einem Schüler der 3. Klasse der Abteilung für Allgemeine Ästhetik, durchgeführt. Zum Einsatz kam ein variabel angepasstes Programm zum Thema „Spezial Klavier“. Alle Abschnitte, die in der Lektion angewendet werden, helfen bei der Lösung der Hauptaufgaben. Thema der Lektion: „Ausbildung der Fähigkeiten zum Lesen von Notizen aus einem Blatt.“ Der Zweck des Unterrichts: Entwicklung des musikalischen Horizonts, Aktivierung des Denkens, Hörens, Koordination beim Lesen von Noten vom Blatt. Aufgaben: pädagogisch - Beherrschung theoretischer Kenntnisse und praktischer Fähigkeiten durch den Studierenden; Entwicklung Art der Tätigkeit: - Entwicklung musikalischer Grafiken; - Entwicklung der Koordination; - Entwicklung eines musikalischen Auges; - Entwicklung rhythmischer Fähigkeiten; - metrorhythmische Leistungsorganisation; - Erwerb von Fähigkeiten zur Hörkontrolle. Lektion zur Festigung und Systematisierung von Wissen und Fähigkeiten. Lehrmethoden und -technologien: - visuell; - verbal; - praktisch; - emotional kognitiv; - Verallgemeinerungsmethoden; - Gaming-Technologien; - gesundheitsschonende Technologien. Unterrichtsausrüstung: - Musikinstrument; - Musikmaterial; - Lehrmittel; - didaktisches Material.

2 Unterrichtsplan I. Organisationsphase. a) Begrüßung, psychologische Stimmung des Schülers; b) die Botschaft des Unterrichtsthemas und seiner Aufgaben. II. Hauptteil. 1. Beherrschung des musikalischen Alphabets 2. Übungen zur Entwicklung der Koordination 3. Beherrschung der musikalischen Notation 4. Rhythmische Übungen 5. Entwicklung der Fähigkeit „Schau-Hören“ nach vorne 6. Ausbildung der Fähigkeit, sich den Text „fotografieren“ schnell einzuprägen 7. Ensemblemusizieren III. Letzter Teil: Zusammenfassung (Bewertung der Wirksamkeit der Lektion). Hausaufgaben. Ablauf der Lektion II. Der Hauptteil der Ausbildung von Notenlesekompetenzen ist mit der konsequenten Lösung einer ganzen Reihe praktischer und pädagogischer Aufgaben verbunden. Durch regelmäßiges Lesen vom Blatt erweitert sich der musikalische Horizont des Schülers, sein Gehör für Musik und Denken entwickelt sich, die Organisation des pianistischen Apparats wird einfacher, eine schnelle Orientierung auf der Tastatur wird entwickelt, komplexe motorische Fähigkeiten werden entwickelt, die Grundlage für das Üben und Spielen als Begleiter Es entsteht ein Ensemble. Wo beginnt die Ausbildung der Notenlesekompetenz? Aus der Bekanntschaft mit dem musikalischen Alphabet. Ich verwende in meiner Arbeit drei Kreise des musikalischen Alphabets: - Der erste Kreis besteht aus sieben der Reihe nach angeordneten Notenfolgen, wobei jede der sieben Noten die erste sein kann. Aus den vorgegebenen Lauten sprechen wir den ersten Kreis des musikalischen Alphabets aus. -Der zweite Kreis des musikalischen Alphabets besteht aus „Terts“-Sequenzen, bei denen jede Note auch die erste sein kann. Aus den vorgegebenen Lauten sprechen wir den zweiten Kreis des musikalischen Alphabets aus. - Heute lernen wir den dritten Kreis des musikalischen Alphabets kennen, das sind „Viertel“-Sequenzen. Frage an den Schüler: Sagen Sie mir, was ist ein „Quart“? Antwort: Ein Quart ist ein Intervall mit einer Breite von vier Schritten. - Jetzt spielen und benennen Sie die Noten und durchlaufen dabei dieses Intervall von der C-Tonart der ersten Oktave bis zum C der vierten Oktave. Anschließend gehen Sie in umgekehrter Reihenfolge zurück und benennen weiterhin jede gespielte Taste. Der Schüler spielt und spricht den dritten Kreis des musikalischen Alphabets aus. - Ich habe eine Karte, auf der alle Optionen für die dritte Runde stehen, zu Hause wirst du sie darauf weiter studieren. Aktionen im Zusammenhang mit motorischen Fähigkeiten sind das elementarste Glied bei der Ausbildung von Notenlesekompetenzen. Die Bildung einer solchen Orientierung, die Entwicklung der visuellen Darstellung der Klaviertastatur, beginnt im Prozess des Studiums von Tonleitern und Übungen. Wir lernen die Tonleiter mit einer Non-Legato-Technik von einer Oktave und spielen dann mit verschiedenen Anschlägen, ohne auf die Hände zu schauen. Wählen Sie am besten eine Tonleiter mit schwarzen Tasten wie: D, A, E, B-Dur und später Moll: C, G, D. Es sind die schwarzen Tasten, die als zuverlässige Orientierung für Finger dienen, denen die Unterstützung des Sehvermögens fehlt.

3 Der Schüler wird aufgefordert, eine der genannten Tonleitern mit Non-Legato- und Staccato-Anschlägen zu spielen. Gleichzeitig versuchen wir, seine ganze Aufmerksamkeit auf Klang und Artikulation zu richten. Von den ersten Lektionen an erfolgt die Entwicklung musikalischer Grafiken durch das gleichzeitige Erlernen von zwei Tonarten, und wir nummerieren jede Zeile sowohl im Violin- als auch im Bassschlüssel mit den Nummern 1,2,3,4 und 5. Die zusätzliche Zeile der Note „to“ der ersten Oktave erhielt die Nummer Null. Entgegen der Tradition werden die Noten im Bassschlüssel von oben nach unten gezählt. - Finden und spielen Sie die Tonart, die in der vierten Zeile im Violinschlüssel steht; in der ersten Zeile im Bassschlüssel; Nulllinie mit der rechten Hand, zwischen Quinte und Quarte im Bassschlüssel gleichzeitig mit der linken Hand. - Und nun spielen Sie die Fa-Taste der zweiten Oktave und sagen Sie, auf welchem ​​Lineal sie steht; Geben Sie die Tonart mi einer kleinen Oktave ein und benennen Sie deren Position auf der Notenzeile. Das Spielen nach Noten stellt das Kind vor neue Schwierigkeiten. Es empfiehlt sich, den Umfang der Probleme auf ein Minimum zu reduzieren. Wenn Sie in der Anfangsphase mit einem Finger spielen, können Sie sich auf die richtige Klangentnahme konzentrieren. Die Stücke sollten nicht kompliziert sein, das Kind sollte spielen und dabei die Noten betrachten. - Jetzt spielen wir die Pathfinder-Übung (aus dem Studienführer „To Music with Joy“ von O. Getalova und I. Vizna). Und wenn Sie in den vergangenen Lektionen „der Spur gefolgt“ sind, entweder in der Violine oder im Bassschlüssel , dann machen wir heute Übungen mit zwei Tasten gleichzeitig. Frage: Mit welcher Note werden Sie das Spiel beginnen? Antwort: von Notiz bis. - Ihre Aufgabe besteht darin, sich die Noten anzusehen und festzustellen, wohin und wie sich die Melodie bewegt: in Sprüngen, schrittweisen Bewegungen nach oben oder unten. Es ist bekannt, dass sich metrorhythmische Fähigkeiten bei Kindern viel schneller und einfacher entwickeln als Tonhöhenfähigkeiten, weshalb einige Lehrer der metrorhythmischen Ausbildung nicht genügend Aufmerksamkeit schenken. Um den Schülern das Navigieren im Rhythmus zu erleichtern, entstehen beim Lesen von Notizen von einem Blatt keine rhythmischen Schwierigkeiten. Es empfiehlt sich, spezielle zu verwenden rhythmische Übungen, Isolieren und getrenntes Erarbeiten des Verhältnisses verschiedener rhythmischer Figuren. In der Anfangsphase des Trainings genügen zwei rhythmische Figuren (halbe und zwei Viertel oder ein Viertel und zwei Achtel). Frage: Wenn ich in Vierteln gehe und du in Achteln, wie oft solltest du dich dann schneller bewegen? Antwort: zweimal. - Lass uns dich in Achteln gehen und ich in Vierteln. - Und jetzt lass uns umziehen, ich bin der Achte und du bist der Vierte. Frage: In der letzten Lektion haben Sie und ich das Lied „Our Kitten“ mit Text gesungen. Welche Laufzeiten gibt es hier?

4 Antwort: Viertel und die Hälfte. - Ist Ihnen aufgefallen, dass die Worte Ihnen helfen, das rhythmische Muster dieses Liedes zu spüren? Tippen Sie auf den Rhythmus, indem Sie rhythmische Silben aussprechen. - Und jetzt analysieren wir das russische Volkslied „Karavai“. F: Wie groß ist das Lied? Antwort: 4/4 Frage: Schauen Sie sich den ersten Takt genau an, was können Sie dazu sagen? Antwort: Es hat zwei statt vier Beats, was bedeutet, dass es ein Overbeat ist. F: Erinnern Sie sich, was ein Backbeat ist?

5 Antwort: In dem Stück lebte der Takt einst. Der allererste Takt war, aber ihm widerfuhr ein Unglück, das in zwei Teile zerbrach. Der Takt dieses Anfangs ist hinter dem ganzen Stück gestiegen. Und das Ende desselben Taktes stieg in den Anfang und wurde zur Einleitung. Daher wird das Konto nun umgekehrt darin geführt. - Ich werde die Begleitung spielen, und Sie schlagen den Rhythmus der Melodie: Es ist ratsam, zu Beginn des Trainings direkt mit dem Lesen von Werken vom Blatt zu beginnen, um das Lesen der Melodie einfacher zu gestalten (Spielen mit Klatschen, Stimme usw.). Es ist auch möglich, spezielle Übungen einzusetzen: Der Lehrer spielt ein Stück, und der Schüler sagt die Noten laut vor:

6 Der Lehrer beginnt mit dem Spielen der Phrase, der Schüler setzt sie fort, indem er die Noten laut nennt, aber die Kontinuität der Bewegung beibehält. Dadurch wird die Fähigkeit entwickelt, den Notizen aufmerksam zu folgen und nach vorne zu „schauen und zu hören“. Unter den Übungen, die die Fähigkeit zur beschleunigten Textwahrnehmung entwickeln, spielt das sogenannte Fotografieren eine wichtige Rolle. Dem Schüler wird ein Textstück (Motiv, Phrase, Satz) gezeigt, das er sich merken muss, gedanklich präsent in Klang und Spiel. Zum Zeitpunkt der Ausführung liest der Schüler das nächste Fragment und prägt es sich ein. Erstes Fragment: Zweites Fragment: Es ist sehr nützlich, Ensembleformen des Musizierens auf allen Stufen der Bildung einzusetzen. Ein solches Spiel führt den Schüler an relativ komplexe Klänge heran, die ihm im Soloauftritt unzugänglich sind, diszipliniert den Willen, schult die Aufmerksamkeit und hilft, die rhythmische Bewegung der Musik zu spüren. - Jetzt werden Sie und ich ein Ensemble namens „Toy Bear“ vom Blatt lesen. Versuchen Sie, nach vorne zu blicken, hören Sie sich den zweiten Teil aufmerksam an und verfolgen Sie die rhythmische Entwicklung des Stücks.

7 III. Letzter Teil Die Ausbildung der Fähigkeit zum schnellen Parsen und Lesen von Notentexten ist eng mit der allgemeinen musikalischen und pianistischen Entwicklung des Kindes verbunden. Beste Ergebnisse Die Fähigkeit zum Blattlesen wird erreicht, wenn diese Fähigkeit bereits in den ersten Schritten der Pianistenausbildung entwickelt wird. Die Erfahrung zeigt, dass selbst schwache Schüler, die systematisch vom Blatt aus spielen, viel schneller und sicherer vorankommen. Sie entwickeln Interesse am Spielen des Instruments. Der Lehrer sollte alle verfügbaren Möglichkeiten nutzen, um seinem Schüler die Liebe zum Blattlesen und zum selbstständigen Musizieren zu vermitteln. Frage: Was haben Sie in der heutigen Lektion gelernt? Antwort: Der dritte Kreis des musikalischen Alphabets hat neue Lieder kennengelernt. Hausaufgaben zum Wiederholen des ersten, zweiten und dritten Kreises des musikalischen Alphabets, zum Spielen von Tonleitern und zum Lesen vom Blatt. Bewertung der vom Schüler geleisteten Arbeit: Wurde das Ziel der Lektion erreicht (Beherrschung der Fähigkeit, vom Blatt zu lesen?) Haben Sie begonnen, besser zu verstehen, wie man zu Hause arbeitet?

Manusova Elena Alexandrovna Lehrerin für theoretische Disziplinen Municipal staatlich finanzierte Organisation zusätzliche Ausbildung Kinderkunstschule 12, Uljanowsk ZUSAMMENFASSUNG EINER SOLFEGIO-LEKTION ZUM THEMA

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Die Methode, Kindern das Spielen von Instrumenten beizubringen, hängt ab von:

• - Instrument, das zu einer bestimmten Klassifizierungsgruppe und Untergruppe gehört;
• - das Prinzip der Schallextraktion;
• - das Alter des ausübenden Künstlers und die ihm übertragenen Aufgaben;
• - der Grad der körperlichen, musikalischen und emotionalen Entwicklung des Künstlers;
• - Verfügbarkeit von Bedingungen (materiell, zeitlich, organisatorisch) für das Erlernen des Instrumentenspiels.

Die Methodik zum Erlernen des Spielens eines Volksmusikinstruments sollte die folgenden Schritte umfassen:

• 1. Kennenlernen des Instruments – Entstehungsgeschichte, Designmerkmale, Leistungsfähigkeit;
• 2. Aufstellen der darstellenden Geräte – Körper, Hände, Ansatz usw.;
• 3. Beherrschung der Grundtechniken der Schallextraktion;
• 4. Entwicklung darstellerischer Fähigkeiten – Arbeit an der künstlerischen, ausdrucksstarken, emotionalen, musikalisch kompetenten und technisch perfekten Aufführung eines Musikwerks;
• 5. Arbeiten Sie an einem Musikstück.

Methodik zum Erlernen des Schlaginstrumentenspiels

Schlaginstrumente sind besonders für junge Musiker attraktiv. Das Erlernen der meisten Schlaginstrumente des Orchesters (Rubel, Rassel, Klappe usw.) erfordert keine lange Zeit und keine spezielle Ausbildung, während die Entwicklung entsprechender Spielfähigkeiten es in Zukunft ermöglicht, komplexere Schlaginstrumente (Glockenturm) zu beherrschen , Brennholz usw.), Spieltechniken (auf drei, vier oder mehr Löffeln) sowie Musikinstrumente einer anderen Gruppe des Orchesters.

Beim Kennenlernen des Schlaginstruments müssen Kinder:

• · Erfahren Sie mehr über die Entstehungsgeschichte;
• · Designmerkmale und Leistungsfähigkeit (einschließlich technischer Möglichkeiten) studieren;
• · Merkmale zuordnen, die die Besonderheiten eines bestimmten Werkzeugs bestimmen;
• Stellen Sie die Zugehörigkeit zu einer Untergruppe anhand des klangerzeugenden Elements fest:
  • - Werkzeugkörper - Lärm;
  • - Membran, Membran - häutig;
  • - Platte - Lamellen;
  • - das Vorhandensein mehrerer klangähnlicher Elemente – kombinierter Typ;
• Erfahren Sie, wie Klang entsteht
• - durch den Aufprall von Fingern, Handflächen, Stöcken, Hämmern, Schlägeln, Instrumenten (ähnlichen und unähnlichen) oder Teilen von Instrumenten gegeneinander;
• - als Folge von Zittern;
• - Reibung (Gleiten);
• - andere Methoden der Klangbildung, auch gemischte;
• · Lernen Sie die Eigenschaften des Klangs kennen (unbestimmte oder bestimmte Tonhöhe, Klangfarbeneigenschaften, dynamische Möglichkeiten usw.);
• · Erwerben Sie Kenntnisse über die Besonderheiten des Einsatzes von Schlaginstrumenten (Erstellung eines ostinaten rhythmischen Hintergrunds, klanglich-visuelle Effekte, Klangimitationen; Solo-, Ensemble-Spiel, Einsatz dynamischer Schattierungen usw.)

Weil Die vorgeschlagene Methodik richtet sich an Kinder im Vorschulalter und jünger Schulalter, dann beinhaltet es Spieltechniken. Wenn ein Kind beispielsweise Nakr lernt, kann es mit einem Zaubertopf „sprechen“, der auf die Stimme (Vibration der Membran des Instruments) reagiert. Die Spielsituation erlaubt es dieser Fall Machen Sie sich in übertragener Form mit den Besonderheiten der Klangerzeugung dieses Instruments vertraut, das zur Untergruppe der Webbed Percussion gehört.

Beim Studium des Glockenturms finden Kinder vertraute Bilder in seiner Konfiguration: einen Pilz, eine Glocke, einen Igel usw. Indem sie den Klang des Glockenturms als lang, klangvoll und nachklingend charakterisieren, kommen sie zu dem Schluss, dass der Klang des Instruments davon abhängt Material, aus dem es besteht, sowie vom Vorhandensein und der Größe des Resonators, der Größe des Instruments, den Merkmalen der Klangerzeugung darauf usw.

Beim Spielen eines Schlaginstruments kommt der Hand die Hauptrolle zu, obwohl auch Schulter und Unterarm in gewissem Maße beteiligt sind. Ein beweglicher, flexibler, elastischer Pinsel wirkt Wunder und führt komplizierte rhythmische Figuren voller Klangfarben aus. Die Handmuskulatur sollte nicht angespannt sein, um Steifheit und Enge der Bewegungen beim Spielen des Instruments sowie schnelle Ermüdung zu vermeiden.

Der Lernprozess des Spiels sollte mit einem speziellen propädeutischen Aufwärmen der Hände ohne Instrument beginnen. Auf diese Weise können Sie das Gerät des Benutzers auf das Spiel vorbereiten, die für das Spiel erforderlichen Muskelempfindungen formen und reflektieren und die Handkoordination entwickeln. Bevor die Kinder beispielsweise beginnen, die Kursk-Rassel zu spielen (Empfang des Spiels „Welle“), wird mit ihnen das Aufwärmspiel „Fahrer“ gespielt: Sie ahmen die Bewegungen der Hände des Fahrers nach, der das Lenkrad dreht das Auto. Oder bevor die Kinder auf der Kiste spielen, werden sie aufgefordert, den Besitzer zu wechseln und auf den Knien zu „trommeln“.

Auf einer Reihe von Instrumenten (Kasten, Hirtentrommel, Nakrah, Brennholz) spielt der Musiker mit zwei Gegenständen (Stöcke, Löffel oder Hämmer). Die Reihenfolge des Handwechsels wird in diesem Fall durch die metrische Struktur des Takts bestimmt (die Schläge der rechten Hand werden zu stärkeren oder relativ starken Schlägen, die Schläge der linken Hand zu schwachen Schlägen) oder durch die Zweckmäßigkeit des Fingersatzes bei der Ausführung eines bestimmten Werkes .

Lerntechniken

Unterschiedliche Instrumentengruppen erfordern die Entwicklung von Spieltechniken unterschiedlicher Schwierigkeitsgrade. Daher sollten den Orchestermitgliedern unter Berücksichtigung ihrer individuellen Fähigkeiten differenzierte Aufgaben übertragen werden.
Bei der Methodik des Instrumentenunterrichts ist es wichtig, die Reihenfolge der verschiedenen Aufführungen festzulegen musikalische Aufgaben. Es gibt in dieser Angelegenheit noch keine langen und starken pädagogischen Traditionen. Wie bei jeder Aufführung ist es auch beim Erlernen der Stücke notwendig, die richtigen Spieltechniken anzuwenden. Kontinuität in der gemeinsamen und individuellen Arbeit ist wichtig: im allgemeinen Unterricht und beim selbstständigen Musizieren, bei Ferienaufführungen und Unterhaltung.
Die ausdrucksstarke Darbietung des Werkes (auf verschiedenen Instrumenten) durch den Lehrer, die Demonstration von Techniken, Methoden der Klangerzeugung und Erklärungen – bewährte, traditionelle Methoden – können noch durch andere ergänzt werden. Den Kindern wird angeboten, die Instrumente selbst zu „untersuchen“, ihnen werden einfache kreative Aufgaben gestellt und sie werden im Selbststudium zum Selbststudium angeregt. Erfolgt die Ausbildung in einer Kombination dieser Methoden, kann man mit pädagogischen Erfolgen rechnen.
In der Praxis lernen sie oft, viele Instrumente gleichzeitig zu spielen, obwohl jedes Instrument unterschiedliche Spieltechniken erfordert, oder sie lernen das ganze Stück auf einmal. Gleichzeitig müssen einige Kinder warten, während andere lernen. Das ermüdet die Jungs und lenkt ihre Aufmerksamkeit ab.
Offensichtlich könnte etwas anderes angemessen sein. Nachdem die Kinder im allgemeinen Unterricht beispielsweise mit dem Aussehen der Zither vertraut gemacht wurden, mit den Grundtechniken ihres Spielens vertraut gemacht und in mehreren Unterrichtsstunden 2-3 Gesänge erlernt wurden, wird das Instrument später an die Gruppe weitergegeben Spiele machen die Kinder eigeninitiativ weiter
Machen Sie sich mit dem Instrument vertraut, der Lehrer hilft ihnen. Mittlerweile im Allgemeinen Der Unterricht läuft Vertrautheit mit einem anderen Instrument. Darüber hinaus werden manchmal die fähigsten Kinder eingeladen, das Instrument zu inspizieren, Wege zu finden, es zu spielen, und dann nimmt der Lehrer seine eigenen Korrekturen vor.
Nach und nach werden Kinder an Instrumente mit diatonischen oder chromatischen Tonleitern herangeführt: Metallophone, Triolen, Akkordeons, Zithern. Die Schockgruppe benötigt weniger Einarbeitungszeit: Es können zwei bis drei Instrumente gleichzeitig in den Unterricht mitgebracht werden, zum Beispiel eine Trommel, ein Tamburin und Kastagnetten, da die Kinder darauf nur den Rhythmus wiedergeben.
Berücksichtigen Sie die Besonderheiten der Lehrmethodik im Hinblick auf folgende Aufgaben: Beherrschung der technischen Methoden des Spiels; Aufgabenfolgen zur Beherrschung des Spiels auf einzelnen Instrumenten; einige Stücke lernen.

Technik

Die Spieltechniken hängen vom Design des jeweiligen Instruments ab. Zunächst ist es notwendig, die richtige Ausgangsposition und den Standort des Instruments im Verhältnis zum Kind festzulegen.
Metallophone und Zithern werden am besten auf kleinen Ständern platziert, die sich auf Kniehöhe der Spieler befinden. Wenn keine Ständer vorhanden sind, können die Werkzeuge auch auf den Knien abgelegt werden. Auch Blasinstrumente werden (vor Spielbeginn) auf die Knie gelegt. Trommel und Tamburin werden auf Hüfthöhe gehalten, das Triangel wird an einen Ständer gehängt oder das Kind hält es in der linken Hand.
Es ist sehr wichtig, die richtigen Techniken der Tonerzeugung zu erlernen. Beim Weiterspielen Glockenspiel Der Hammer sollte so gehalten werden, dass er auf dem Zeigefinger aufliegt und der Daumen ihn oben hält. Der Schlag sollte in die Mitte des Tellers fallen und vor allem leicht sein. Die Bürste muss frei sein. Wenn das Kind den Hammer in der Faust geballt hält, laut zuschlägt, ihn auf die Schallplatte hält, wird das Geräusch „schmutzig“, unangenehm.
Beim Weiterspielen Zither Der Mediator muss zwischen Daumen und Zeigefinger eingeklemmt werden. Der Klang entsteht durch eine leichte, elastische Bewegung entlang der Saite. Gleichzeitig sollte man darauf achten, keine unnötigen Saiten zu berühren.
Kastagnetten Sie klingen sehr laut, deshalb werden sie in die rechte Hand genommen und leicht mit „Blütenblättern“ auf die Handfläche der linken geschlagen. Der Klang ist etwas gedämpft und das rhythmische Muster ist deutlich hörbar.
Teller Kinder halten sich an den Gurten fest und schlagen sie in einer gleitenden Bewegung gegeneinander. Um den Schall sofort zu stoppen, werden die Platten auf die Knie gelegt. Manchmal kann man die Becken beim Aufhängen mit einem Stock schlagen, dessen Ende mit mehreren Schichten weicher Materie oder Watte bedeckt ist.
Beim Weiterspielen Dreieck Es ist notwendig, mit einem Stock in die Mitte seines horizontalen Teils zu schlagen. Der Klang sollte leicht und elastisch sein.

und wenn es längere Zeit anhält, sollten Sie mit der Hand auf das Dreieck drücken – der Ton verstummt sofort.
Tambourin macht Geräusche unterschiedlichen Charakters, je nachdem, ob sie mit den Fingern, dem weichen Teil der Handfläche oder einem Daumen auf seine Membran treffen. Wenn zusätzlich der Ort des Aufpralls verändert wird – näher am Holzrahmen (wo die Resonanz stärker ist), zur Mitte hin, auf den Rahmen selbst schlagen oder schließlich diese Schläge abwechseln, dann kann eine interessante klangliche Gegenüberstellung von Klängen entstehen erreicht werden.
Weiterspielen Triolett Und Melodien-26 folgt den gleichen Schritten. Das Kind bläst in das Loch des Schlauchs und atmet dabei gleichmäßig aus. Gleichzeitig drückt er die gewünschte Taste. Die Tasten der Triola sind farbig, jede hat ihre eigene Farbe und ihren eigenen Namen. Erste Schlüssel - re, fa#, Salz und weiteren Maßstab Salzmajor. Daher ist es möglich, Melodien auf dem Triol zu spielen G-Dur und teilweise in anderen Tonarten, jedoch in begrenztem Umfang.
Das Instrument mit der Bezeichnung Melody-26 ist auf einer chromatischen Tonleiter (zwei Oktaven) aufgebaut und praktisch jede Melodie innerhalb von zwei Oktaven kann darauf gespielt werden.
Wenn das Kind die Unterschiede in der Klangqualität spürt und beginnt, sich selbst mit den verschiedenen Spielmethoden vertraut zu machen, entwickelt es die Kontrolle über das Gehör und die Fähigkeit, Ungenauigkeiten in seinem Spiel zu korrigieren.

Arbeitsablauf

Zu Beginn der Ausbildung zielen die methodischen Techniken der Führungskraft natürlich darauf ab, beim Kind Interesse an einer für ihn neuen Berufsform zu wecken.
In der Natur des Klangs jedes Musikinstruments kann man eine Analogie zu einem Naturphänomen finden – den Stimmen von Vögeln, Tieren, der menschlichen Sprache. Der Lehrer macht die Kinder beispielsweise darauf aufmerksam, dass die Vögel hoch, laut und sanft singen und dies auf der Zither dargestellt werden kann.

Das Metallophon vermittelt gut die Geräusche fallender Regentropfen: Zuerst fallen sie selten, dann klingeln sie immer häufiger, immer häufiger – der Regen wird intensiver.

Der Klang der Triola ist noch zu hören, als ob jemand im Wald schreit und ruft.

Und die Flöte oder Melodie-26 sagt allen Jungs: Machen Sie sich bereit für eine Wanderung.

Auf der Trommel schlagen die Stöcke einen Bruchteil aus, wie Donnergrollen (der Lehrer macht abwechselnd schnelle Schläge mit zwei Stöcken).
Der Sinn solcher Techniken besteht darin, Kinder mit den Ausdrucksmöglichkeiten jedes Instruments vertraut zu machen.
In dieser Anfangsphase ist es auch sinnvoll, die Kinder auf koordinierte gemeinsame Aktionen vorzubereiten, um das für das Spielen im Orchester so wichtige Ensemblegefühl zu entwickeln. Zu diesem Zweck werden eigentümliche rhythmische „Orchester“ eingesetzt. Kinder klatschen in die Hände, stampfen mit den Füßen, klopfen mit Holzstöcken, Stangen, Plastikboxen – leer oder gefüllt mit Kieselsteinen, Erbsen usw. Und hier können die Techniken zur Schallextraktion unterschiedlich sein. Wenn Sie also mit halb gebeugten Fingern eine Handfläche gegen die andere schlagen, ist der Ton dröhnend und taub; Wenn man mit „flachen“ Handflächen anschlägt, wie bei „Becken“, dann ist der Klang deutlich und klangvoll.
Es ist möglich, mit den Fingern einer Hand auf die Handfläche der anderen Hand zu schlagen, und der Klang unterscheidet sich erheblich, je nachdem, ob die Finger ausgestreckt oder frei und halb gebeugt gehalten werden. Auch das Stampfen des Fußes ist unterschiedlich: abwechselnd der ganze Fuß, eine Zehe oder Ferse – dann die Zehe, dann die Ferse. Die sogenannten „Slaps“ werden mit den Handflächen oder Fingerspitzen auf die Oberschenkel ausgeübt.
Mit Holz-, Kunststoff- und Metallgegenständen können Sie auch Geräusche anderer Art extrahieren. Kinder mit Interesse
Hören Sie ihnen zu, führen Sie rhythmische Aufgaben aus und beherrschen Sie die Fähigkeiten gemeinsamer oder aufeinanderfolgender Aktionen. Den Kindern werden zum Beispiel folgende Übungen gegeben:

musikalisches Echo

Kinder werden in zwei Untergruppen eingeteilt.
1. Zeile. Der Lehrer klopft mit Stöcken.
2. Zeile. Die erste Untergruppe von Kindern klopft mit den Zehen.
3. Zeile. Die zweite Untergruppe von Kindern tippt mit den Fingern auf die Handfläche der anderen Hand.


Solche Übungen können im Rhythmus und in verschiedenen Arten des Klatschens, Stampfens, „Ohrfeigens“ usw. variieren.
Die Bewegung des Zuges lässt sich gut nachahmen, zum Beispiel durch abwechselnde Tritte mit der Zehe, dann mit der Ferse oder mit den Händen, dann mit den Fingern, dann mit einem tauben Klatschen. In diesem Fall kann das Tempo beliebig beschleunigt oder verlangsamt werden und der Klang wird intensiver oder leiser.

1. Zeile. Fersenschlag.

2. Zeile. Zehenstoß.

Es ist sinnvoll, Kinder an die Wahrnehmung und ausdrucksstarke Ausführung rhythmischer rezitativischer Intonationen der Stimme heranzuführen. Ihre Ausdruckskraft können Sie zunächst in einfachen rhythmischen Sätzen, Sprachintonationen und Rezitativ zeigen. Wie Sie wissen, kommt das Rezitativ der melodischen Rezitation nahe. Es enthält natürliches Umgangssprache Die Intonation steigt und fällt, Akzente und Pausen sind deutlich hörbar.
Es empfiehlt sich, Kinder darauf aufmerksam zu machen, dass man in verschiedenen Spiel- und Lebenssituationen rhythmische Sätze sowie musikalische und sprachliche Intonationen verwenden kann.
Lassen Sie uns Beispiele für verschiedene Techniken geben, die Kinder konsequent zu ausdrucksstarken Leistungen führen.
Die Lehrerin lädt die Kinder ein, zu erraten, wen sie angerufen hat – Tanya oder Andryusha. Kinder sollten dies anhand eines rhythmischen Musters erkennen, das ein Erwachsener beim Klatschen oder auf einem Metallophon vorführt:

Kinder erfahren, wie das Mädchen hieß – Tanya oder Tanechka:

Danach können sich die Jungs alleine gegenseitig anrufen. Nachdem sie sich einen bestimmten Rhythmus ausgedacht haben, legen sie Karten auf einem Flanellographen aus und verwenden sie dabei aus dem Anhang zur Musikalischen Fibel. Breite Karten stellen Viertel dar, schmale Karten stellen Achtel dar:

Sie können das gleiche rhythmische Muster auf einem Metallophon, einer Triode oder auf einem anderen Gerät spielen Schlaginstrumente.
Von der Aufführung eines rhythmischen Musters gehen die Kinder zum Rezitativ über. Sie werden aufgefordert, einander anzurufen, aber auf unterschiedliche Weise: liebevoll, wütend, fragend, einladend. Kinder entwickeln ausdrucksstarke Intonationen, die der gesungenen Rede nahe kommen. Mit ihrer präzisen Tonhöhe und ihrem melodischen Klang handelt es sich dabei noch nicht um vokale Intonationen. Sie werden gesprochen. Durch Anheben oder Absenken der Intonation suchen die Jungs gleichzeitig nach ähnlichen Tönen, die auf Musikinstrumenten klingen, und komponieren so kurze Gesänge.
Die weitere Ausbildung erfolgt in folgender Reihenfolge: Zuerst wird das Spielen auf einem Instrument beherrscht, dann auf einem anderen usw. Gleichzeitig erhöht sich der Umfang der Spielfähigkeiten: zuerst rhythmische Muster; dann auf engen Intervallen aufgebaute Melodien; spätere Melodien, einschließlich bedeutender Abschnitte der Tonleiter und breiterer Intervalle.
Beim Erlernen der Melodie einfacher Stücke, Lieder und Gesänge müssen Kinder zwei Schwierigkeiten bewältigen: das rhythmische Muster und die Melodielinie zu reproduzieren. Bei der Beherrschung der Techniken der korrekten Tonextraktion bietet der Lehrer den Kindern zunächst eine einfachere Aufgabe – das Spielen des Rhythmus, das Erlernen der Techniken der korrekten Tonextraktion, die ersten Stücke der „Musikalischen Grundierung“. Ihr künstlerischer Vorteil besteht darin, dass rhythmische Witze mit Klavierbegleitung vorgetragen werden und dadurch ausdrucksvoller werden.
Nach der Aufführung durch den Lehrer lernen die Kinder leicht die Melodie und singen, indem sie im Rhythmus klatschen. Es empfiehlt sich, Karten aus der Anwendung „Music Lotto“ („Music Primer“) zu verwenden.

Die Karten sind auf einem Flanellgraphen ausgelegt:

Den Kindern wird angeboten, die sechste Platte auf dem Metallophon (von Anfang an) zu zählen – „Das ist eine Notiz.“ la“, und Spielen Sie dann ein rhythmisches Muster – das Lied „Der Himmel ist blau“. Der Lehrer begleitet das Klavier. Der Nebenvortrag wird von gemeinsamem Gesang begleitet. Die Aufgabe ist gemeistert und die Jungs können das Lied alleine spielen.

Der Himmel ist blau
Musik von E. Tilicheeva

[Ruhig]

Im folgenden Musikunterricht wird eine individuelle Befragung durchgeführt: Kinder spielen dieses Lied auf verschiedenen Klängen (Schallplatten) vor. Sie werden Noten genannt (ihre Position auf den Schallplatten ist Kindern bekannt): „Spielen Sie die Note mi, auf eine Notiz Vor" usw. Gleichzeitig benötigen Sie
Aber denken Sie daran, dass Kinder nur ein gut erlerntes Lied singen und sich auf dem Metallophon begleiten können, da der Klang des Metallophons höher ist und nicht den Stimmfähigkeiten eines Vorschulkindes entspricht. Ein Kind kann sich leicht verirren, da derselbe Ton auf dem Metallophon in einer anderen Oktave (höher) erklingt.

Nachdem Sie ein paar rhythmische Gesänge gelernt haben, können Sie mit den nächsten Aufgaben fortfahren – lernen Sie zunächst die Gesänge, die aus kurzen Intervallen bestehen, und dann aus breiteren. Die Lehrmethode bleibt dieselbe. Es sollte daran erinnert werden, dass der poetische Text das Auswendiglernen erleichtert und es Kindern ermöglicht, die erlernten Werke im Selbststudium zu verwenden. Wichtig ist auch, Aufgaben konsequent zu komplizieren. Am einfachsten zu spielen Sekunden, ihre Klänge liegen nebeneinander. Daher empfiehlt es sich, nach Übungen zu einem Ton auf diesem Intervall aufgebaute Gesänge zu spielen (z. B. die russischen Volksgesänge „Elster-Elster“, „Akkordeon“ von E. Tilicheeva usw.).

Elster-Elster
Russisches Volkslied

Harmonisch
Musik von E. Tilicheeva
[IN mittleres Tempo, rhythmisch]

Die Aneignung komplexerer Aufführungstechniken ermöglicht nach und nach eine Komplizierung des Repertoires. In den Gesängen treten schrittweise Bewegungen in kleinen Tonleitern auf, die Intervalle weiten sich aus. Klavierbegleitung, anschaulich und ausdrucksstark dargeboten, erfreut sich bei Kindern wachsendem Interesse. Es ist wichtig, dass Kinder auf die Mittel hören musikalische Ausdruckskraft und die Stimmung der Musik spüren. Jedes Kunstwerk ist originell, auf seine Weise eigenartig und die Methoden zu seiner Beherrschung sollten unterschiedlich sein.
Die musikalische Wahrnehmung von Kindern wird aktiviert, wenn ihnen nach dem ersten Hören eines Stücks beispielsweise folgende Fragen gestellt werden: „Auf welchen Instrumenten lässt sich dieses Stück besser spielen?“; „In welchem ​​Teil des Stücks sollen andere Instrumente gespielt werden und welche?“ Normalerweise fällt es Kindern leichter, Instrumente auszuwählen, wenn das Stück einen klaren Charakter hat, eine klare musikalische Form hat und auf Teilen mit gegensätzlichem Charakter aufbaut. Natürlich können Kinder kein Stück orchestrieren. Aber es ist wichtig, eine interessante Technik anzuwenden, mit der sie versuchen zu komponieren und ihre „Entscheidung“ zu treffen – welches Instrument in dem einen oder anderen Teil des Stücks erklingen soll. Mit einem geschickten und taktvollen Vorgehen können Sie rechtzeitig Einfluss auf ihre Vorschläge nehmen und ihre Reaktionen steuern.

Methodik zum Erlernen einzelner Werke

Je komplexer das Stück, je ausgereifter die Klavierbegleitung des Liedes, desto gemächlicher sollte der Lernprozess ablaufen. Betrachten Sie zwei Beispiele: „Rain“ und „Our Orchestra“.
Das erste Lied ist „Rain“. Das russische Volkslied in der Bearbeitung von T. Popatenko basiert auf dem Motiv zweier nebeneinander liegender Klänge (große Sekunde). Dieses Motiv wird mit einer kleinen rhythmischen Variante viele Male wiederholt – zunächst beginnt der Gesang mit einem kräftigen Taktschlag („Regen, mehr Regen!“), dann mit einem Off-Beat („Lass uns dir dicker geben“) . Der Gesamtcharakter der Klavierbearbeitung ist beweglich, klar und leicht. Die Textur ist transparent – ​​viele Pausen, der Hauptstrich – staccato. Es gibt eine Einleitung und einen Schluss. In der Einleitung erklingt ein vereinfachtes Motiv des Liedes, und der Schluss „zieht“ sozusagen Regentropfen.
Die Transparenz des Liedes soll auch bei der Instrumentierung nicht an Reiz verlieren. In der Einleitung hört man sozusagen den Appell zweier Register. Schließlich gibt es Dreiecke. Sie geben den Charakter der „Tröpfchen“ sehr gut wieder, zumal die Melodie des Schlusses nicht durch die Klänge von Metallophonen und Zithern für Kinder vermittelt werden kann. In diesem Stück ist es wünschenswert, eine kleine Anzahl von Instrumenten zu verwenden, die sich durch einen leichten, sonoren, schroffen Klang auszeichnen.
Der Ablauf der Lektionen zum Erlernen dieses Liedes lässt sich wie folgt skizzieren.

Lektion 1. Kinder hören diesem bekannten Lied zu, das von einem Erwachsenen vorgetragen wird. Die Aufmerksamkeit wird durch den leichten, transparenten Klang des Klavierparts gelenkt. Die Kinder erinnern sich an das Lied und singen es. Die Lehrerin bietet an, darüber nachzudenken, welche Instrumente am besten zu ihrem Klang passen.
Lektion 2. Nachdem das Lied gespielt wurde, beginnt die Diskussion über die Instrumentierung. Es wird auf die Art der Einleitung und des Schlusses sowie auf einige Unterschiede zwischen dem zweiten Satz und dem ersten hingewiesen. Anregungen der Kinder werden besprochen und praktisch erprobt. Wenn die eine oder andere Version der Instrumentierung gut ausfällt, kann sie in dieser Lektion vollständig aufgeführt werden.
Lektion 3. Wenn die vom Lehrer vorgeschlagene Option erlernt wird (angenommen, die Optionen der Kinder werden nicht akzeptiert), können Sie zunächst nur die Melodie des Liedes (auf dem Metallophon, der Zither) vortragen und vorerst die Einleitung und den Schluss vortragen am Klavier. Auf den rechtzeitigen Einzug der Zithern ist zu achten
Lektion 4. Das ganze Lied wird gelernt – zunächst ohne Singen, dann spielen einige Kinder, andere singen und schließlich spielen und singen alle.

Ein anderes Lied – „Our Orchestra“ von E. Tilicheeva (Text von Y. Ostrovsky) ist für eine Ensembleaufführung deutlich schwieriger. Die Melodie ist abwechslungsreicher, ihre Bandbreite ist bereits vorhanden Septimen, außerdem gibt es Sprünge, schrittweise Bewegungen gehen auf und ab. Auch der Rhythmus hat Schwierigkeiten: Es gibt Noten mit einem Punkt. All dies erfordert bestimmte Fähigkeiten von Kindern. Klavierbegleitung und Melodie sind gegeben musikalische Eigenschaften Klänge verschiedener Instrumentengruppen. Es reicht aus, sich an die Takte zu erinnern, in denen die Worte „Trommeln, Trommeln, Trommel, Trommel“ erklingen, in denen ein klarer Rhythmus vorgegeben ist, als ob eine Nachahmung einer Trommel erfolgen würde. Dann erscheint ein höheres Regi. Die Instrumentierung wird also vom Komponisten und vom Dichter vorgegeben. Damit Kinder aber selbst bei der Instrumentenwahl mitwirken können, müssen sie natürlich zunächst ein Lied ohne Text vortragen, der eine Lösung vorschlägt.
Daher ist folgende Reihenfolge der Klassen sinnvoll:

Lektion 1. Der Lehrer spielt den Klavierpart, ohne zu singen. Den Kindern werden musikalische Rätsel angeboten – sie spielen einzelne Phrasen, die den Klang gewissermaßen charakterisieren verschiedene Werkzeuge. Sie erraten und benennen, welche Instrumente zu einer bestimmten Phrase passen. Dann führt der Lehrer das Lied zum zweiten Mal vor, singt und spielt aber bereits. So erfahren die Kinder, ob sie die Instrumente richtig benannt haben.
Lektion 2. Den Gesangsteil des Liedes lernen. Kinder lernen die Melodie. Dann singen sie es in Gruppen: Zukünftige Interpreten singen auf Triolen die erste Phrase, auf Trommeln die zweite usw. Beim Singen imitieren die Jungs die Bewegungen beim Spielen des einen oder anderen Instruments.
Lektion 3. Erlernen komplexerer Stimmen: Triol (1. Viertakt) und Metallophone mit Zither (3. Viertakt). Zuerst spielen alle Kinder, dann wählen sie diejenigen aus, die diese Rollen spielen, zeigen ihnen diese Rollen, erklären, mit welcher Note sie beginnen sollen, und bieten ihnen das Spielen an. Dann spielen alle Kinder imaginäre Trommeln und einige Kinder spielen echte Instrumente.
Lektion 4. Das Erlernen der Stimmen von Triolen und Metallophonen geht weiter. Zuerst gelernt letzter Satz Metallophone, auf denen sie eine Melodie spielen, und dann gesellt sich eine Percussion-Gruppe hinzu – Schlagzeug. Der Schlagzeugpart wird wiederholt. Am Ende der Unterrichtsstunde wird die gesamte Partitur erstmals im Ganzen aufgeführt, jedoch ohne Gesang.
Lektion 5. Die Aufführung jedes Teils wird separat wiederholt. Alle

Regen
Arrangiert von T. Popatenko
[Nicht sehr bald]

Partitur, aber gleichzeitig singen einige Kinder, andere spielen. Die rechtzeitige Einführung jeder Instrumentengruppe wird kontrolliert und dynamische Farbtöne werden verfeinert.
In weiteren Unterrichtsstunden wird das gesamte Spiel wiederholt und die erworbenen Fähigkeiten gefestigt.

In der pädagogischen Praxis gibt es oft eine solche Technik: Kinder spielen eine Melodie auf ihren Instrumenten und ein Erwachsener spielt eine Melodie und Begleitung auf dem Klavier. Um den Klang zu diversifizieren, können Sie es anders machen. Zum Beispiel wird das ganze Stück vom Lehrer am Klavier vorgetragen, und die Kinder spielen auf dem Metallophon eine Melodie, aber sozusagen eine Begleitung, also Klänge, die der ersten (I) und fünften (V) entsprechen. oder erste (I), vierte (IV) und fünfte (V) Bundstufe.
Hier sind, sagen wir, drei Versionen der ukrainischen Volksmelodie „Oh Bursting the Hoop“, arrangiert von T. Popatenko. Metallophone duplizieren im ersten Fall die Melodie, im zweiten die Bassstimme, im dritten spielen sie ohne Klavierbegleitung.
Ein weiteres Werk ist „Eichhörnchen“, ein Auszug aus der Oper „Das Märchen vom Zaren Saltan“ von N. Rimsky-Korsakov. In dieser Passage wird das Bild eines fabelhaften Eichhörnchens vermittelt. Um das Bild zu charakterisieren, verwendete der Komponist die Melodie des berühmten Russen Volkslied„Im Garten, im Garten.“ Die Melodie des Liedes hat einen fröhlichen, frechen Tanzcharakter, wird jedoch in mäßigem Tempo vorgetragen. Bei der Instrumentierung eines Stückes ist es notwendig, Musikinstrumente mit einem leichten, sonoren und ruckartigen Klang auszuwählen. Es kann ein Metallophon und ein Triangel sein.

Beim Erlernen eines Stückes können Sie die folgende Unterrichtsfolge anbieten.
Lektion 1. Kinder hören einem Theaterstück zu, das von einem Erwachsenen aufgeführt wird. Der leichte Klang der Melodie und ihr frecher, tänzerischer Charakter ziehen die Aufmerksamkeit auf sich. Sie können einen Auszug aus dem Werk von A. S. Puschkin „Das Märchen vom Zaren Saltan“ lesen. Nachdem der Lehrer das Stück erneut aufgeführt hat, werden die Kinder gebeten, darüber nachzudenken, welche Instrumente im Zusammenhang mit der Art der Musik am besten zum Spielen im Orchester verwendet werden. Vorschläge der Kinder werden besprochen. Eine der Optionen ist ausgewählt. Der Lehrer spielt eine Melodie auf einem Metallophon.
Lektion 2. Der Lehrer spielt die Melodie des Stücks ohne Klavierbegleitung. Kinder klatschen im rhythmischen Muster der Melodie. Dann wird die Seite des Dreiecks gelernt. Manche spielen ein rhythmisches Muster auf Dreiecken, andere klatschen. Dann ändern sich die Handlungen der Kinder. Vor dem Erlernen der Stimme des Metallophons führt der Lehrer zunächst selbst die Melodie vor, die dann in Teilen gelernt wird (erster Viertakt, dann 2. Viertakt).
Lektion 3. Das Erlernen der Metallophonstimme geht weiter. Die Kinder spielen den ersten Teil des Stückes (1. und 2. vier Takte) und es wird die gesamte Partitur aufgeführt. Bei der Wiederholung werden Dreiecke an den Metallophonen befestigt.
Lektion 4. Jeder Teil wird einzeln ohne Begleitung und mit Begleitung aufgeführt. Dann wird die gesamte Partitur gespielt. Die Aufmerksamkeit der Kinder wird auf die klare Ausführung des rhythmischen Musters gelenkt.
Lektion 5. Jeder Teil wird einzeln mit Begleitung aufgeführt, anschließend wird die gesamte Partitur aufgeführt. Die Aufmerksamkeit der Kinder wird auf die Ausdruckskraft der Darbietung gelenkt. Bei Wiederholung können Kinder das Instrument wechseln.

Unser Orchester
Text von Y. Ostrovsky, Musik von E. Tilicheeva

[Gemächlich. Feierlich]

Eichhörnchen (Auszug)
Aus der Oper „Das Märchen vom Zaren Saltan“
Musik von N. Rimsky-Korsakov
[In Maßen]

Das Erlernen des Spielens von Musikinstrumenten kann sich nicht nur auf das Erlernen des Repertoires beschränken. Es ist wichtig, dass diese Aktivitäten kreativ sind.
Übungen, bei denen vorgeschlagen wird, eine bekannte Melodie (nach Gehör) zu reproduzieren, einen rhythmischen Gesang mit Klängen unterschiedlicher Höhe zu spielen (transponieren), eine neue Technik zum Spielen eines Instruments zu finden, entwickeln natürlich Unabhängigkeit und auditive Darstellungen bei Kindern. Es ist aber auch wichtig, die Voraussetzungen für die eigenen kreativen Ausdrucksformen der Kinder zu schaffen. Die Möglichkeit geben, Instrumente für die Aufführung eines bestimmten Stücks auszuwählen, um sie zum Improvisieren zu ermutigen.

Techniken zur Entwicklung musikalischer Kreativität

Die musikalische Kreativität von Kindern beginnt mit einer „Untersuchung“ der klanglichen Fähigkeiten von Instrumenten. Das ist sehr wertvoll, doch Kinder sind bei der Suche oft hilflos. Der Lehrer leitet diese Suchen und bietet den Kindern an, zu spielen, wie Kuckucke, Vögel singen, wie es regnet, wie Donner grollt usw. Sie können aber auch eine interessante Methode der kollektiven Kreativität auf Metallophonen und Xylophonen anwenden. Wenn Sie Notizen machen F Und si(Schritte IV und VII) oder entfernen Sie die Platten dieser Geräusche, damit die Kinder sie nicht spielen, dann können sie alles gleichzeitig improvisieren. Kinder spielen mit fünf Klängen (do, re, mi, salt, la). Es entstehen sehr interessante harmonische Kombinationen, die sich ständig und unerwartet verändern, aber immer sehr melodisch sind. Gleichzeitig können Kinder in jedem Rhythmus spielen, manchmal wird ihnen jedoch ein vorgegebener Rhythmus angeboten, zum Beispiel ein Viertel und zwei Achtel. Die Bedeutung dieser Technik liegt nicht nur in der Entwicklung des harmonischen Hörens. Kinder beginnen, selbst zu improvisieren, erste Versuche zu unternehmen, „eigene Kompositionen“ zu schaffen.
Hervorzuheben ist, dass die Methodik für den Instrumentenunterricht im Kindergarten organisierter und konsistenter sein sollte, als dies in der Praxis der Fall ist. Der Erfolg dieses Trainings hängt von der Konsistenz aller Formen ab Musikstunden Kinder. Im Unterricht erwerben sie ein gewisses Maß an Wissen und Fähigkeiten und bauen ein Repertoire auf.
Kinder verwenden bereitwillig und mit großer Freude die Lieder und Stücke, die sie gelernt haben, in ihren Spielen, führen sie in Feiertagen auf, zur Unterhaltung. Kennenlernen von Kindern mit neuen Instrumenten, ihre Ausführung interessanter Aufgaben bei der Auswahl von Instrumenten für die Aufführung bestimmter Stücke und Lieder, das erworbene Fähigkeit, qualitativ hochwertige Darbietungen (nach Gehör) zu beurteilen, Improvisation, die Möglichkeit, in verschiedenen Ensembles mitzuwirken – all das macht das Spielen von Instrumenten für Kinder interessant und wertvoll für ihre gesamte musikalische Entwicklung.
Der Lehrer kümmert sich um die Entwicklung der kreativen Ausdrucksformen der Kinder und bietet ihnen verschiedene Aufgaben an, beispielsweise die Bewertung der Darbietung einer bekannten Melodie, der Improvisation eines Freundes oder ihrer eigenen eigene Leistung auf jedem Musikinstrument; Wählen Sie aus den vorgeschlagenen Musikinstrumenten, auf denen Sie den Gesang der Vögel, das Rascheln der Blätter, das Heulen des Windes usw. darstellen können; Musikinstrumente auszuwählen, die für die Klangfarbe geeignet sind, auf der das eine oder andere Stück oder Lied aufgeführt werden kann; auf einer Trommel oder einem Tamburin den Rhythmus eines vom Kind selbst komponierten Marsches vermitteln; Versuchen Sie, eine Tanzmelodie usw. zu komponieren.
Die Rolle ist klar Musikdirektor und Pädagoge. Sie sollten nicht nur die Methoden des Unterrichts beherrschen, sondern auch in der Lage sein, Kindermusikinstrumente frei zu spielen, das Gerät und die Spieltechniken zu kennen.
Das Spielen von Instrumenten ist eine interessante und nützliche musikalische Aktivität für Kinder. Musikspielzeuge und -instrumente ermöglichen es Ihnen, das Leben eines Kindes zu schmücken, es zu unterhalten und die Lust darauf zu wecken eigene Kreativität. Beim Erlernen des Instrumentenspiels werden auditive Darstellungen, ein Gefühl für Rhythmus, Klangfarbe und Dynamik gut ausgebildet. Im Handeln des Kindes entwickelt sich Unabhängigkeit, Aufmerksamkeit und Organisation.
Der gesamte Komplex an Methoden, um Kinder an unterhaltsame und komplexe musikalische Darbietungen heranzuführen, bereitet sie gut auf den zukünftigen Schulunterricht vor.

FRAGEN UND AUFGABEN

1. Was ist die Bedeutung? Musikspielzeug und Werkzeuge im Leben von Vorschulkindern?
2. Beschreiben Sie die Arten von Kinderinstrumenten.
3. Erzählen Sie uns von den Eigenschaften von Musikspielzeugen und -instrumenten für Kinder.
4. Ab welchem ​​Alter empfiehlt sich das Erlernen von Musikinstrumenten? Listen Sie die Lernziele auf.
5. Welches musikalische Repertoire eignet sich zum Erlernen des Instrumentenspiels?
6. Mit welcher Methode wird Vorschulkindern das Spielen von Kindermusikinstrumenten beigebracht?
7. Fassen Sie am Beispiel eines beliebigen Musikstücks die Unterrichtsstunden zusammen, in denen der Lehrer den Kindern das Metallophonspielen beibringt.
8. Listen Sie die Formen des Erlernens des Spielens von Kinderinstrumenten auf.

9. Enthüllen Sie die Techniken zur Entwicklung der musikalischen Kreativität von Kindern bei der Beherrschung des Instrumentenspiels.

LITERATUR

Standardprogramm für Bildung und Ausbildung im Kindergarten / Ed. R.A. Kurbatova, N. N. Poddyakova. - M., 1984.
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Sammlungen musikalischen und literarischen Repertoires

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Methoden der Musikpädagogik im Kindergarten: „Doshk. Bildung "/ N.A. Vetlugin, I.L. Dzerzhinskaya, L.N. Komissarov und andere; Ed. AUF DER. Vetlugina. - 3. Auflage, Rev. und zusätzlich - M.: Aufklärung, 1989. - 270 S.: Anmerkungen.

Bundesamt für Kultur und Kinematographie

Nach ihm benanntes Staatliches Konservatorium Saratow

Abteilung für Spezialklavier

Arbeitsprogramm

„METHODE, DAS SPIEL ZU UNTERRICHTEN

AUF DEM INSTRUMENT»

Spezialität 070101

„Instrumentaldarbietung“ (Klavier)

Saratow, 2006

Das Programm ist entsprechend konzipiert

Das Arbeitsprogramm wird auf Basis eines Standardprogramms entwickelt,

genehmigt vom Kulturministerium der UdSSR, 1977.

Zusammengestellt von:

Professor der Abteilung für Spezialklavier am Staatlichen Konservatorium Saratow. , Ph.D. in Kunstgeschichte,

Rezensenten:

, Kandidat der Kunstgeschichte, Professor

, Kandidat der Pädagogischen Wissenschaften, außerordentlicher Professor

Erläuterungen

Ziele und Ziele des Kurses

Ziele Universitätskurs über Lehrmethoden für das Klavierspielen moderne Verhältnisse bestehen in der Ausbildung eines Generalisten, der für die Leitung einer Sonderklasse an einer Musikschule (College, Lyzeum) ausgebildet ist, Klavierunterricht für Sänger und Instrumentalisten, Konzertmeister- und Kammerunterricht, Methoden, Unterrichtspraxis, für den Klavierunterricht an Musikschulen sowie im kulturellen und pädagogischen Bereich Bildungsinstitutionen. Ziel dieses Kurses ist es, den Studierenden die für diese Arbeit erforderlichen Kenntnisse, Fähigkeiten und Fertigkeiten zu vermitteln, ein ganzheitliches System von Ansichten über den musikalischen und pädagogischen Prozess zu bilden, die Entwicklung des Interesses an der pädagogischen Arbeit zu fördern und die Notwendigkeit zu fördern, diese von der Seite aus zu betrachten Standpunkt moderner Anforderungen an fortgeschrittene Kulturschaffende.

Der Methodenkurs wird sukzessive mit anderen an der Universität und Hochschule studierten Disziplinen des pädagogischen Zyklus verknüpft und löst, ohne diese zu duplizieren, die Probleme der Theorie und Praxis des Unterrichts in Bezug auf den Klavierunterricht auf höherem Niveau. Bei der Lektüre des Kurses werden die Erfahrungen der Studierenden einer Sonderklasse verallgemeinert und systematisiert und ihre im Rahmen der Geschichte der Klavierkunst erworbenen Kenntnisse auf dem Gebiet der Geschichte und Theorie der Aufführungspraxis und Pädagogik weiter vertieft. Besonderes Augenmerk wird darauf gelegt, eine organische Einheit zwischen der Methodik und der pädagogischen Praxis der Studierenden zu erreichen.

Musikpädagogik ist ein komplexes Feld moderne Kultur, wo tritt in den Vordergrund Co-Kreation, Zusammenarbeit Lehrer und Schüler. Die vorgeschlagenen Formen und Methoden zur Organisation des Bildungsprozesses konzentrieren sich auf die Ermittlung der eigenständigen Position der Studierenden. Hervorgehoben wird die Wirksamkeit mobiler Formen des Lehrer-Schüler-Kontakts, die ein Potenzialfeld für die Manifestation und Entwicklung persönlicher Qualitäten der Schüler schaffen. Die Seminare basieren auf Elementen von Spielsituationen, einschließlich Vorgesprächen, Diskussionsrunden und Kontrollzusammenfassungen. Dem gleichen Zweck dient das System der Testfragen, das es ermöglicht, den Bedarf und die Angemessenheit des von den Studierenden im Lernprozess erworbenen Wissens herauszufinden. Die gewonnenen theoretischen Informationen werden auf eine konkrete Komposition oder auf den Ablauf des Unterrichts einzelner Pianisten projiziert. Die Aufmerksamkeit der Studierenden wird darauf gerichtet, dass sie lernen müssen, mit modernen Begriffen und Konzepten umzugehen und diese in die Praxis der darstellenden und pädagogischen Arbeit einzuführen.

Ein wirksames Mittel zur Erweiterung des Inhalts des Bildungsprozesses ist die Sättigung des Vorlesungskurses mit Methodik Elemente problematisch, Problemsituationen, die auf Widerspruch basieren, das heißt auf der Untersuchung des „Widerspruchs im Wesen von Objekten“. Damit wird dem Umstand Rechnung getragen, dass Studierende nicht mit einem unlösbaren Problem konfrontiert werden sollen. Es ist wichtig, einen Weg zu finden, den Widerspruch zwischen Wissen und Unwissenheit, zwischen der individuellen Erfahrung des Schülers, die begrenzt sein kann, und der Theorie, die ein allgemeines Konzentrat von in der Praxis erprobtem Wissen ist, zwischen gewöhnlichem und wissenschaftlichem Wissen aufzulösen. Dadurch wird das Denken des Studierenden aktiv in die Arbeit eingebunden, er ist aufgefordert, mit Hilfe des vorhandenen Wissens zu denken und zu argumentieren, um auf der Grundlage der Verallgemeinerung bereits bekannten Materials zu neuem Wissen zu gelangen. Dadurch entwickeln die Studierenden die Fähigkeit, Probleme in Theorie und Praxis selbstständig zu sehen und auf deren Lösung ausreichend vorbereitet zu sein.

Nahezu jedes Thema des Methodikkurses kann im Gegensatz zu mehreren theoretischen Positionen und Ansichten im Aufeinandertreffen alternativer Meinungen herausragender Musiker-Lehrer präsentiert werden. Diese Form der Materialpräsentation regt die Studierenden zur Suche nach der optimalen Lösung an und steigert ihre individuelle Aktivität bei der Lösungsfindung. In diesem Fall werden junge Fachkräfte durch die Form der Informationsvermittlung, den Reichtum und die Mehrdeutigkeit des betrachteten Materials erzogen. Der zukünftige Lehrer sollte nicht gedankenlos dem Standard- und Stereotypenpfad folgen, der zu einer „Sackgasse“-Situation führen kann. Der entscheidende Faktor in der Musikpädagogik ist Individuell Aspekt Berufsausbildung. Diese Aussage bedeutet keine Ablehnung der allgemeinen Prinzipien der pädagogischen Kunst, sondern unterstreicht ein persönliches Profil, eine persönliche Herangehensweise an die Entwicklung der Studierenden. Allgemein akzeptierte und positiv bewährte pädagogische Einstellungen sollten durch das Prisma der Individualität, der Verschiedenheit verschiedener Schüler, gebrochen werden.

Dieser Kurs bietet eine Priorität Stil Aspekt in der musikalischen Ausbildung der Studierenden. Hier wird die Bestimmung über die entscheidende Bedeutung der ausübenden Tätigkeit, die die Wirksamkeit der künftigen pädagogischen Arbeit eines Absolventen einer Musikuniversität fruchtbar beeinflussen kann, aktualisiert. Mit dem Verständnis stilistischer Leitlinien und der stilistischen Ausrichtung der Musikkunst verändern sich qualitativ die Möglichkeiten, die kompositorischen Methoden der musikalischen Entwicklung, Motivation und Argumentation im Einsatz ausdrucksstarker Aufführungsmittel zu verstehen und zu entschlüsseln.

Unter Berücksichtigung des pädagogischen Prozesses der Ausbildung junger Musiker werden die Fragen des Verstehens und Reproduzierens des Stils des Autors, der Arbeit mit dem Text des Autors, der Lektüre der Notenschrift sowie der vergleichenden Analyse von Ausgaben und Interpretationen hervorgehoben, damit die Studierenden gezielt an der Entwicklung arbeiten können ihrer beruflichen Fähigkeiten bei gleichzeitiger Verbesserung ihrer „Stilbildung“ und ihres allgemeinen musikalischen Niveaus. In einigen Fällen spüren begabte Studierende mit künstlerischer Intuition die Besonderheiten des Autorenstils auf einer unterbewussten, mentalen Ebene. In der Regel handelt es sich um Pianisten, die über eine breite musikalische Gelehrsamkeit verfügen, die Musik eines bestimmten Autors gut kennen und eine ausreichende Anzahl seiner Kompositionen „nachgespielt“ haben. Eine solche Eigenschaft der Wahrnehmung von Live-Musik durch Studenten ist jedoch selten. Im Gegenteil, es kommt häufiger zu Missverständnissen, wenn der Interpret denkt, er spielt alles, was im Text steht, erfüllt die Tempo-, Dynamik- und Artikulationsvorgaben des Autors oder (häufiger) des Herausgebers und versteht nicht, welche Fragen er stellt kann etwas über den Stil oder die Ausführung des Komponisten haben. Der Methodenkurs soll dieses Missverständnis überwinden und die abhängige Denkträgheit junger Musiker überwinden.

IN In letzter Zeit in der Fachliteratur hervorgehoben Rol intuitiv Start in den darstellenden und unterrichtenden Künsten. Tatsächlich ist der persönliche Aspekt in jeder Art kreativer Tätigkeit vorherbestimmt. Das Verständnis dafür, dass einerseits die besondere Wirkungskraft pädagogischer Fähigkeiten in der Einzigartigkeit des Prozesses liegt, wenn es den Anwesenden in der Klasse so vorkommt, als würde das Werk vor ihren Augen „zum Leben erwachen“, ohne dass es einer besonderen „wissenschaftlichen Bedeutung“ bedarf Angesichts dieser Bemühungen wäre es falsch zu glauben, dass allein künstlerische Gelehrsamkeit, Emotionalität, Intuition und Temperament ausreichen, um die sinnvolle Bedeutung eines Musikwerks zu vermitteln. Es ist nicht nur notwendig, über fundierte und fundierte Kenntnisse in verschiedenen Bereichen des künstlerischen Schaffens zu verfügen, sondern auch über die Beherrschung bestimmter Methoden, des Bildungs- und Erziehungssystems, die es ermöglichen, Probleme, die im Prozess des darstellenden oder pädagogischen Schaffens auftreten, optimal zu lösen .

Musikalische Kunst lässt aufgrund ihrer direkten Emotionalität und sogar Irrationalität keine strengen verbalen Äquivalente auf sich selbst zu. Wie zu Recht bemerkt, „ist Musik genau der „reine Fall“, der in erster Linie vollständig darauf ausgelegt ist intuitiv Verständnis“ und „Wer mit Musik kommuniziert, entwickelt ein besonderes „Organ“, das nicht nur angemessen auf verschiedene Klangeigenschaften reagiert, nicht nur in der Lage ist, seine Sprache zu entschlüsseln, sondern auch zu verstehen, was er sagt, obwohl sich dieses Verständnis auf der Grundlage von entwickelt Betriebs unkonzeptuell Elemente» . In diesem Fall entsteht die Intuition im Bereich des künstlerischen und fantasievollen Denkens des Musikers, sie wird durch auditive Vorstellungen gespeist, besteht aus der Erinnerung an traditionelle und ungewöhnliche einprägsame Interpretationen und der Gesamtumfang des musikalischen Wissens basiert auf den Ergebnissen der eigenen eigenen kreativen Suchen und wird mit emotionalen und psychophysiologischen Eindrücken angereichert.

Bei der Arbeit an einem Musikstück kommuniziert der Lehrer mit dem Schüler und steht dabei in einem völlig anderen kulturellen und historischen Kontext als der Autor der Komposition. Sie orientieren sich an einem anderen Wertesystem, sie verfügen über eine andere allgemeine künstlerische und musikalische Bildung. Ein Werk, das der Autor in einer Epoche geschaffen, aber zu einer anderen Zeit aufgeführt hat, wird von einem modernen Musiker in einem anderen assoziativen Heiligenschein wahrgenommen. Im Unterricht zur Methodik ist es kaum angebracht, über die Identität oder Angemessenheit der Komponisten- und Aufführungspositionen im Gefühl zu sprechen künstlerisches Bild musikalische Komposition. Ziel des Kurses ist es, zukünftige Lehrer auf die Lösung eines doppelten Problems vorzubereiten und zu orientieren: die Koordinaten des Autorenstils zu übertragen und den individuellen Stil des modernen Pianisten zu formen.

Analyse und Werden neu durchführen Traditionen Dies ist auch die Aufgabe des Methodenstudiums und damit des modernen Lehrers. Der Lehrer arbeitet an der Verbesserung der beruflichen Fähigkeiten seiner Schüler und leitet und korrigiert diesen Prozess. IN in gewissem Sinne Es erweitert die Grenzen des Verständnisses des Textes des Autors, zeigt seine Vielseitigkeit und enthüllt immer neue Bedeutungen seiner Existenz in der modernen Welt. Eine der Hauptaufgaben des Klavierunterrichts besteht darin, dass junge Musiker die Merkmale des figurativen und semantischen Kontexts der modernen Kultur und die individuelle Originalität der Art und Weise der Aufführung in den Text des Autors einbringen müssen. Dadurch wird eine in der fernen oder nahen Vergangenheit entstandene Musikkomposition für den modernen Hörer verständlich, mit einer neuen Informationsschicht angereichert und verleiht ihr echte künstlerische Unsterblichkeit.

Der Weg zum tiefsten Verständnis einer musikalischen Komposition führt über die Hinwendung zu allem Wertvollen, was in der Geschichte des Musikverständnisses angesammelt wurde: zu Urtexten und Ausgaben, zu verschiedenen Aufführungslesungen – „klingenden Ausgaben“. Das Vorherrschen einer Sichtweise bei der Erstellung einer eigenen Interpretation oder bei der Arbeit daran mit einem Schüler in der Klavierklasse ist unproduktiv. Unerwünschte und überkritische negative Einstellung gegenüber dem individuellen Wunsch herausragender Musiker, ihr eigenes Verständnis des Themas zu reflektieren Kreativität am Klavier verschiedene Komponisten. Es besteht ein echter Bedarf, das Werk durch Kenntnisse über Aufführungs- und allgemeine Kulturtraditionen verschiedener historischer Epochen („verbale Ausgaben“) zu ergänzen.

die Fähigkeiten zur gemeinsamen Diskussion offener Unterrichtsstunden zu erwerben;

den Umgang mit Fachliteratur erlernen, abstrahieren, einen Planentwurf erstellen, die notwendigen Unterlagen erstellen;

Formen und Arten von Unterricht

Das Methodenstudium wird in Form von Vorlesungen und Seminaren durchgeführt. Die ersten widmen sich hauptsächlich der Betrachtung theoretischer Probleme des Unterrichts, die zweiten deren praktischer Erforschung und Lösung im Lernprozess. Als aktive Formen Lernen nutzt offene Lektionen und Diskussionen. Unabhängige Unterrichtsformen: Analyse des Repertoires, Abstraktion wissenschaftlicher und methodische Literatur, Erstellen von Dokumentationen verschiedener Art, einschließlich Repertoireplänen je nach Entwicklungsstand der Schüler, „Modellieren“ des Unterrichtsprozesses, Erstellen eines Planentwurfs, Erstellen eigener Ausgaben, Besuch von Unterrichtsstunden bei Lehrern der Abteilung für Spezialklavier

Organisation der aktuellen, mittleren und letzten

Wissenskontrolle.

Während eines Jahres Jeder Studierende ist verpflichtet, eine Hausarbeit zu verfassen, in der theoretisches Wissen organisch mit der eigenen schauspielerischen und pädagogischen Erfahrung verknüpft werden soll. Als Themen für Abstracts können empfohlen werden: analytische Analyse und Überprüfung von klavierpädagogischer Literatur, methodischen Werken, Schulen und Lehrmitteln; Aufführung und methodische Analyse eines Musikwerks; Aufzeichnungen über den Unterricht im Fachgebiet mit methodischen Anmerkungen und Verallgemeinerungen. Zur Feststellung der Wissensstärke der Studierenden, zur Festigung pädagogischer und methodischer Kompetenzen sowie zur Prüfung der Fähigkeit zur selbstständigen Arbeit mit Lehrliteratur werden Seminare zu relevanten Themen abgehalten. Die Dauer der Seminare richtet sich nach dem thematischen Lehrplan. Auf Wunsch des Lehrenden oder Studierenden kann die Vorlesungszusammenfassung in Form eines Berichts präsentiert und in einem der Seminare gelesen werden.

Am Ende des ersten Semesters Kontrollstunde, bei dem der Lehrer eine „vorläufige“ Bewertung auf der Grundlage der Aktivität oder Passivität der Arbeit der Schüler für die sechs Monate abgibt, die als Leitfaden und Anreiz für die spätere Arbeit der Schüler dient.

Ergebnisse Die Jahresarbeit der Studierenden wird in der Prüfung zusammengefasst. Die Studierenden antworten auf einem Prüfungsticket, das zwei Fragen enthält. Der erste ist gewidmet theoretisches Problem Kurs, der zweite - ein Thema im Zusammenhang mit der praktischen Entwicklung des pädagogischen Repertoires und der methodischen Literatur. Bei der Beantwortung der zweiten Frage muss der Studierende eine aufführungstechnische und methodische Analyse eines der Werke des pädagogischen Repertoires der Musikschule durchführen, Musikschule oder an der Universität, indem sie das Gesagte durch die Aufführung von Fragmenten eines Aufsatzes oder eines ganzen Theaterstücks veranschaulichen.

Bei der Bildung der Abschlussnote werden die Qualität der Arbeit und der Grad der studentischen Aktivität im Unterricht während des Jahres berücksichtigt.

Die Struktur des thematischen Plans der akademischen Disziplin

Namenova Abschnitt Angeln und Themen	Student	Die Anzahl der Unterrichtsstunden für Vollzeit Form der Bildung	Selbstversorgung Student
		Seminare		Gruppe. Klassen	Also. arbeiten
Methodik Lernen Klavier

THEMATISCHE KURSÜBERSICHT

in Ordnung	Name der Themen	Anzahl der Stunden
	Seminare	Selbstständiges Arbeiten der Studierenden
	Einführung: Klaviertechnik, Geschichte und Entwicklungsstadien: die Haupttrends der modernen Musikpädagogik
	Musikalische Fähigkeiten: allgemein, musikalisch und speziell (pianistisch): psychologische Eigenschaften der Persönlichkeit, notwendig für pianistische Tätigkeit
	Die wichtigsten Probleme der Arbeit Pianist-Lehrer im Kinderbereich Musikschule: erste Unterrichtsstunden: Schwierigkeiten und Besonderheiten der Arbeit mit Anfängern: Organisation von Spielbewegungen: und ihre Inszenierungsprinzipien
	„Individuelle Klaviertechnik basierend auf klangerzeugender Wille“ (Wunderkind-Komplex)
	Offene Lektionen: mit einem Anfängerpianisten, Schülern der Mittel- und Oberstufenklasse der Musikschule
	Planung des Lernprozesses, Erstellung individueller Pläne, Besonderheiten: Repertoirepolitik als wichtiger Bestandteil Pädagogische Fähigkeiten: lehren und organisieren Hausaufgaben der Schüler
	Arbeite am Musical arbeiten
	Leistungslesung
	Klaviertechnik: künstlerisches Denken und motorische Form des Pianisten
	Klassifizierung der Gerätetypen: Tonleitern, Arpeggios, Oktaven, Akkorde, Tremolo und Triller, Sprünge: tägliche technische Arbeit Pianist
	Diskussion: Übungstechnik als Arbeitsprozess zur Erlangung von Leistungsfähigkeiten
	E. Timakin „Arbeit an Technologie“ E. Lieberman „Arbeit an Technologie“
	Formelemente Leistungsfähigkeiten im Prozess der Arbeit an einem Musikstück: Klangarbeit; Ornamentik
	Fingersatz
	Kontrolllektion zum behandelten Stoff
	Pedal: Bedeutung und Varianten; Stile und Pedal
	Rhythmus, Metrum, Tempo, Polyrhythmus, Agogik, komplexe Rhythmen: große rhythmische Schwierigkeiten und Fehler, Möglichkeiten zur Beseitigung