Flöte: Geschichte, Video, Wissenswertes, hören. Querflöte Flötendesign mit der Funktion jedes Teils

Endlich erobert die Flöte die Herzen der großen Komponisten verschiedene Länder und Stilrichtungen reihen sich Meisterwerke des Flötenrepertoires aneinander: Sonaten für Flöte und Klavier von Sergei Prokofjew und Paul Hindemith, Konzerte für Flöte und Orchester von Carl Nielsen und Jacques Ibert sowie weitere Werke der Komponisten Bohuslav Martin, Frank Martin, Olivier Messiaen. Mehrere Werke für Flöte wurden von den russischen Komponisten Edison Denisov und Sofia Gubaidulina geschrieben.

Flöten des Ostens

Di(vom altchinesischen hengchui, handi - Querflöte) - ein altes chinesisches Blasinstrument, eine Querflöte mit 6 Spiellöchern.

In den meisten Fällen besteht der Di-Stiel aus Bambus oder Schilf, aber es gibt auch Di aus anderen Holzarten und sogar aus Stein, meistens Jade. In der Nähe des geschlossenen Endes des Laufs befindet sich ein Loch zum Einblasen von Luft, daneben ein Loch, das mit dem dünnsten Schilf oder Schilffilm bedeckt ist. 4 zusätzliche Löcher in der Nähe des offenen Endes des Laufs dienen zur Einstellung. Der Lauf der Flöte ist normalerweise mit schwarz lackierten Fadenringen gebunden. Die Spielweise ist die gleiche wie auf der Querflöte.

Zunächst glaubte man, dass die Flöte aus China nach China gebracht wurde Zentralasien in der Zeit zwischen 140 und 87 v. e. Bei jüngsten archäologischen Ausgrabungen wurden jedoch etwa 8.000 Jahre alte Querflöten aus Knochen gefunden, die im Design modernen di sehr ähnlich sind (obwohl ohne ein charakteristisches versiegeltes Loch), was für die Hypothese eines chinesischen Ursprungs von di spricht. Der Legende nach befahl der Gelbe Kaiser seinen Würdenträgern, die erste Bambusflöte herzustellen.

Es gibt zwei Arten von Di: Qudi (im Musikdrama-Orchester Kongqu) und Bandi (im Musikdrama-Orchester Bangzi in den nördlichen Provinzen). Eine Variation der Flöte ohne versiegeltes Loch wird Mandi genannt.

Shakuhachi(Chinesisches Chi-Ba) - eine längliche Bambusflöte, die während der Nara-Zeit (710-784) aus China nach Japan kam. Es gibt etwa 20 Shakuhachi-Sorten. Die Standardlänge - 1,8 japanische Fuß (54,5 cm) - bestimmte den Namen des Instruments, da "Shaku" "Fuß" und "Hachi" "Acht" bedeutet. Laut einigen Forschern stammt die Shakuhachi vom ägyptischen Instrument Sabi ab, das eine lange Reise durch den Nahen Osten und Indien nach China unternahm. Anfangs hatte das Werkzeug 6 Löcher (5 vorne und 1 hinten). Später, offenbar nach dem Vorbild der Xiao-Längsflöte, die ebenfalls aus China während der Muromachi-Zeit stammte, in Japan modifiziert und als Hitoyogiri (wörtlich - „ein Knie aus Bambus“) bekannt wurde, erhielt sie ein modernes Aussehen mit 5 Fingern Löcher. Shakuhachi wird aus dem Ende des Madake-Bambus (Phyllostachys bambusoides) hergestellt. Der durchschnittliche Durchmesser der Röhre beträgt 4–5 cm, und die Innenseite der Röhre ist fast zylindrisch. Die Länge variiert je nach Stimmung des Ensembles aus Koto und Shamisen. Ein Unterschied von 3 cm ergibt einen Unterschied in der Tonhöhe um einen Halbton. Die Standardlänge von 54,5 cm wird für Shakuhachi verwendet, die Solokompositionen spielen. Um die Klangqualität zu verbessern, beschichten Handwerker die Innenseite der Bambuspfeife sorgfältig mit Lack, genau wie die Flöte, die in Gagaku im Noh-Theater verwendet wird. Die Stücke im Honkyoku-Stil der Fuke-Sekte (30-40 Stück sind erhalten) tragen die Ideen des Zen-Buddhismus. Das Honkyoku der Kinko-Schule verwendet das Repertoire der Fuke Shakuhachi, verleiht der Art und Weise, wie sie aufgeführt werden, jedoch mehr Kunstfertigkeit.

P Fast zeitgleich mit dem Erscheinen der Shakuhachi in Japan wurde die Idee der Heiligkeit der auf der Flöte gespielten Musik geboren. Die Überlieferung verbindet ihre wundersame Kraft mit dem Namen Prinz Shotoku Taishi (548-622). Als herausragender Staatsmann, Thronfolger, aktiver Prediger des Buddhismus, Autor historischer Schriften und der ersten Kommentare zu buddhistischen Sutras wurde er zu einer der maßgeblichsten Persönlichkeiten der japanischen Geschichte. So heißt es in den schriftlichen Quellen des frühen Mittelalters, dass, wenn Prinz Shotoku auf dem Weg zum Tempel am Berghang die Shakuhachi spielte, himmlische Feen zu den Klängen der Flöte herabstiegen und tanzten. Shakuhachi aus dem Horyuji-Tempel, jetzt dauerhaft im Tokyo ausgestellt Nationalmuseum, gilt als einzigartiges Werkzeug Prinz Shotoku, von dem der Weg der heiligen Flöte in Japan begann. Shakuhachi wird auch im Zusammenhang mit dem Namen des buddhistischen Priesters Ennin (794-864) erwähnt, der in Tang-China Buddhismus studierte. Er führte die Begleitung der Shakuhachi während der Rezitationen des Amida-Buddha-Sutra ein. Seiner Meinung nach schmückte die Flötenstimme nicht nur das Gebet, sondern drückte seine Essenz mit größerer Durchdringung und Reinheit aus. Zhukoai. Flötenfee in rot

Eine neue Phase in der Entstehung der heiligen Flötentradition ist mit einer der prominentesten Persönlichkeiten der Muromachi-Zeit, Ikkyu Sojun (1394-1481), verbunden. Als Dichter, Maler, Kalligraf, religiöser Reformer, exzentrischer Philosoph und Prediger, am Ende seines Lebens Abt des größten Daitokuji-Tempels der Hauptstadt, beeinflusste er fast alle Bereiche des kulturellen Lebens seiner Zeit: von der Teezeremonie und der Zen-Garten zum No-Theater und Shakuhachi-Musik. Klang spielte seiner Meinung nach bei der Teezeremonie eine große Rolle: Das Geräusch von kochendem Wasser in einer Kanne, das Klopfen eines Schneebesens beim Aufschlagen von Tee, das Plätschern von Wasser – alles sollte ein Gefühl von Harmonie, Reinheit, respekt, schweigen. Die gleiche Atmosphäre begleitete das Spielen der Shakuhachi, als der menschliche Atem aus den Tiefen der Seele, der durch eine einfache Bambuspfeife strömte, selbst zum Atem des Lebens wurde. In einer Sammlung von Gedichten im klassischen chinesischen Stil „Kyounshu“ („Verrückte Wolken sammeln“), durchdrungen von Bildern des Klangs und der Musik der Shakuhachi, der Philosophie des Klangs als Mittel der Bewusstseinserweckung, schreibt Ikkyu über die Shakuhachi als die reine Stimme des Universums: "Wenn du die Shakuhachi spielst, siehst du unsichtbare Sphären, es gibt nur ein Lied im ganzen Universum."

Ab ca Anfang XVII v. Verschiedene Geschichten über Reverend Ikkyu und die Shakuhachi-Flöte waren im Umlauf. Einer von ihnen erzählte, wie Ikkyu zusammen mit einem anderen Mönch, Ichiroso, Kyoto verließ und sich in einer Hütte in Uji niederließ. Dort schnitten sie Bambus, machten Shakuhachi und spielten. Einer anderen Version zufolge lebte ein gewisser Mönch namens Roan zurückgezogen, war aber mit Ikkyu befreundet und kommunizierte mit ihm. Er verehrte Shakuhachi, extrahierte Töne mit einem Atemzug, erlangte die Erleuchtung und eignete sich den Namen Fukedosya oder Fuketsudosha an (dem Pfad von Wind und Löchern folgend) und war der erste Komuso (wörtlich „Mönch des Nichts und der Leere“). Die Flöte, die der Legende nach von einem Meister gespielt wurde, ist zu einem nationalen Relikt geworden und befindet sich im Hosun'in-Tempel in Kyoto. Die ersten Informationen über Flöten spielende Wandermönche stammen aus der ersten Hälfte des 16. Jahrhunderts. Sie wurden die Mönche von komo (komoso) genannt, das heißt „die Mönche der Strohmatte“. In der poetischen Arbeit des XVI Jahrhunderts. Die Melodien des Wanderers, die untrennbar mit der Flöte verbunden sind, wurden mit dem Wind zwischen den Frühlingsblumen verglichen und erinnerten an die Zerbrechlichkeit des Lebens, und der Spitzname Komoso wurde in Hieroglyphen geschrieben: "ko" - Leere, Nichtexistenz, "mo" - an Illusion, "co" - ein Mönch. 17. Jahrhundert in der Geschichte Japanische Kultur wurde zu einer neuen Etappe in der Geschichte der heiligen Flöte. Die täglichen Aktivitäten der Komuso-Mönche drehten sich um das Spielen der Shakuhachi. Morgens spielte der Abt die Melodie „Kakureisei“. Es war ein Erweckungsspiel, das den Tag begann. Die Mönche versammelten sich um den Altar und sangen die Melodie „Teka“ („Morgenlied“), wonach ihre täglichen Gottesdienste begannen. Tagsüber spielten sie abwechselnd Shakuhachi, Zazen-Meditation im Sitzen, Kampfkunst und Bettelschema. Abends, bevor man wieder mit Zazen begann, wurde das Stück „Banka“ („Abendlied“) gespielt. Jeder Mönch musste mindestens drei Tage im Monat betteln gehen. Bei der letzten dieser Gehorsamkeiten - Almosenwanderung - solche Melodien wie "Tori" ("Passage"), "Kadozuke" ("Kreuzung") und "Hachigaeshi" ("Rückkehr der Schale" - hier war die Bettelschale gemeint) gespielt wurden. ). Als sich zwei Komusô unterwegs trafen, mussten sie „Yobitake“ spielen. Es war eine Art Ruf, der auf der Shakuhachi ausgeführt wurde, was "Ruf des Bambus" bedeutete. Als Antwort auf die Begrüßung musste man „Uketake“ spielen, was „den Bambus annehmen und aufheben“ bedeutet. Unterwegs wollten sie an einem der im ganzen Land verstreuten Tempel ihres Ordens anhalten und spielten das Stück „Hirakimon“ („Die Tore öffnen“), um sie für die Nacht einzulassen. Alle rituellen Spiele, Almosengaben auf der Shakuhachi, selbst jene Stücke, die eher wie die Unterhaltung von Mönchen zu sein schienen, waren Teil der Zen-Praxis namens Suizen (sui - "blasen, ein Blasinstrument spielen").

Unter den Hauptphänomenen der japanischen Musik, die die Bildung des Honkyoku-Tonsystems beeinflussten, sollte man die Theorie und musikalische Praxis buddhistischer Gesänge, Shomyo, die Theorie und Praxis von Gagaku und später die Traditionen von Ji-uta, Sokyoku, nennen. XVII-XVIII Jahrhundert - die Zeit der zunehmenden Beliebtheit von Shakuhachi im städtischen Umfeld. Die Entwicklung der Gaming-Technologie machte es möglich, Musik fast aller Genres auf der Shakuhachi abzuspielen. Es wurde im 19. Jahrhundert für die Aufführung von Volksliedern ( Minyo ) in weltlichen Ensemblemusiken verwendet und ersetzte es schließlich gestrichenes Instrument kokyu aus dem damals gebräuchlichsten Sankyoku-Ensemble (koto, shamisen, shakuhachi). Shakuhachi hat Sorten:

Gagaku Shakuhachi ist der früheste Instrumententyp. Tempuku - vom klassischen Shakuhachi unterscheidet es sich durch eine etwas andere Form der Mundöffnung. Hitoyogiri Shakuhachi (oder einfach Hitoyogiri) – wie der Name schon sagt, wird es aus einem Bambusknie hergestellt (hito – eins, yo – Knie, giri – stimmhaftes Kiri, geschnitten). Die Fuke Shakuhachi ist der unmittelbare Vorgänger der modernen Shakuhachi. Bansuri, Bansri (Bansuri) - Indisches Blasinstrument, es gibt 2 Arten: klassische Quer- und Längsflöte, verwendet in Nordindien. Hergestellt aus Bambus oder Rohr. Hat normalerweise sechs Löcher, aber es gab eine Tendenz, sieben Löcher zu verwenden - um die Flexibilität zu erhöhen und die Intonation in hohen Lagen zu korrigieren. Früher war Bansuri nur in der Volksmusik zu finden, heute ist es in der klassischen Musik Indiens weit verbreitet. Ein ähnliches Instrument, das in Südindien verbreitet ist, ist die Venu. Z
meine Flöte(Serpent Flut) - Indisches Rohrblattinstrument aus zwei Pfeifen (eine - Bourdon, die andere - mit 5-6 Spiellöchern) mit einem Resonator aus Holz oder getrocknetem Kürbis.

Die Schlangenflöte wird in Indien von wandernden Fakiren und Schlangenbeschwörern gespielt. Beim Spielen wird mit kontinuierlicher, sogenannter permanenter (Ketten-)Atmung gearbeitet.

Blairoder Gambu- Indonesische Längsflöte mit Pfeifvorrichtung. Es besteht normalerweise aus Ebenholz und ist mit Schnitzereien (in dieser Fall in Form eines Drachen) hat 6 Spiellöcher. Einsatz als Solo- und Ensembleinstrument.

Malaysische Flöte- eine Längsflöte in Form eines Drachen mit einer Pfeifvorrichtung. Hergestellt aus Rotholz. Es wird in religiösen Zeremonien verwendet, um den Geist des Drachen zu besänftigen – eine heilige Kreatur, die in Malaysia verehrt wird.

Querflöte- ein Musikinstrument aus Holz. Es gehört zum Blechbläser und gehört zum Sopranregister. wird durch Nachblasen verändert. Außerdem kommt es während des Spiels zum Öffnen und Schließen von Löchern mit Ventilen.

allgemeine Informationen

Die Bambus-Querflöte ist heute eher selten anzutreffen, da moderne Musikinstrumente dieser Art meist aus Metall (Platin, Gold, Silber, Nickel), manchmal auch aus Glas, Kunststoff oder anderen Verbundwerkstoffen bestehen. Der Tonumfang beträgt über drei Oktaven. Noten für die Traversflöte werden nach dem tatsächlichen Klang eingeschrieben. Das Timbre ist im mittleren Register transparent und klar, im unteren - taub, im oberen - etwas scharf. Die Flöte ist in verschiedenen Techniken erhältlich. Oft spielt sie ein Orchestersolo. Es wird in Blas- und Sinfonieorchestern verwendet. Wird auch in Kammerensembles verwendet. Sinfonieorchester verwenden 1 bis 5 Flöten. Häufiger beträgt ihre Anzahl zwei bis drei.

Geschichte des Instruments

Die Querflöte ist der Menschheit schon lange bekannt. Die früheste Darstellung von ihr wurde auf einem etruskischen Relief gefunden. Es wurde 100 oder 200 v. Chr. erstellt. Dann wurde das Werkzeug nach links gerichtet. Nur in einer Illustration für ein Gedicht aus dem 16. Jahrhundert wird es rechts gehalten.

Mittelalter

Die Querflöte wird auch in archäologischen Ausgrabungen gefunden. Die erste solche findet in Westeuropa gehören dem XII-XIV Jahrhundert an. Anzeige. Eines der frühesten Bilder aus dieser Zeit ist auf den Seiten einer Enzyklopädie namens Hortus Deliciarum enthalten. Forscher vermuten, dass das Instrument in Europa zeitweise außer Betrieb geriet und dann, aus Asien kommend, dorthin zurückkehrte Byzantinisches Reich. Im Mittelalter bestand die Konstruktion aus einem einzigen Bauteil, manchmal waren es auch zwei. Das Werkzeug hatte eine zylindrische Form sowie sechs Löcher mit gleichem Durchmesser.

Renaissance und Barock

Die Traversflöte änderte ihr Design in der Folgezeit nicht allzu sehr. Das Instrument hatte einen Tonumfang von 2,5 Oktaven. Er ließ die gesamte Notenliste der chromatischen Tonleiter mit guter Beherrschung des Fingersatzes übernehmen. Das letzte war sehr schwierig. Das mittlere Register klang am besten. Bekannte Originalinstrumente dieser Art werden in Verona in einem Museum namens Castel Vecchio aufbewahrt. Die ersten wesentlichen Änderungen im Design des Instruments wurden von der Familie Otteter vorgenommen. Ihr Vertreter, Jacques Martin, teilte die Flöte in 3 Teile. Anschließend gab es 4. Der Körper des Instruments war in der Regel in zwei Hälften geteilt. Der Otter hat die Bohrung auf konisch geändert. Dadurch wurde die Intonation zwischen den Oktaven verbessert.

Im 18. Jahrhundert wurde das Instrument um eine große Anzahl von Ventilen erweitert. In der Regel sind es 4 - 6. Wichtige Neuerungen kamen von Johann Joachim Quantz und Georg Tromlitz. Zu Mozarts Lebzeiten wurde am häufigsten die Traversflöte mit einem Ventil verwendet. Zu Beginn des 19. Jahrhunderts begann die Zahl dieser Elemente schnell zuzunehmen. Die Musik für dieses Instrument ist virtuoser. Zusätzliche Ventile wiederum erleichterten die Ausführung der schwierigsten Passagen.

Es gab viele Gestaltungsmöglichkeiten. In Frankreich war die Flöte mit fünf Ventilen beliebt. In England waren es 7 oder 8. In Italien, Österreich und Deutschland gab es viele verschiedene Systeme. Hier könnte die Anzahl der Ventile 14 oder sogar mehr erreichen. Die Werkzeuge erhielten die Namen der Erfinder: Ziegler, Schwedler, Meyer. Es gab Ventilsysteme, die speziell dafür hergestellt wurden, diesen oder jenen Durchgang zu erleichtern. Im 19. Jahrhundert wurden auch Flöten nach Wiener Art geschaffen, die den Klang von G in einer kleinen Oktave enthielten.

Sopranregister. Die Tonhöhe auf der Flöte ändert sich durch Blasen (Extrahieren harmonischer Konsonanzen mit den Lippen) sowie durch Öffnen und Schließen von Löchern mit Ventilen. Moderne Flöten bestehen normalerweise aus Metall (Nickel, Silber, Gold, Platin), seltener aus Holz, manchmal aus Glas, Kunststoff und anderen Verbundwerkstoffen.

Flötenbereich - mehr als drei Oktaven: von H oder C 1 (si kleine Oktave oder bis zur ersten) zu C 4 (bis zur vierten) und höher. Notizen werden eingeschrieben Violinschlüssel nach dem tatsächlichen Klang. Das Timbre ist im mittleren Register klar und transparent, im unteren Register zischend und im oberen etwas scharf. Die Flöte ist in den unterschiedlichsten Techniken erhältlich und wird oft mit einem Orchestersolo betraut. Es wird in Symphonie- und Blaskapellen und zusammen mit der Klarinette häufiger als andere Holzbläser in Kammerensembles verwendet. IN Symphonieorchester Es werden eine bis fünf Flöten verwendet, meistens zwei oder drei, und eine von ihnen (normalerweise die letzte in der Zahl) kann während der Aufführung zu einer kleinen oder Altflöte wechseln.

Geschichte des Instruments

Mittelalterliche Darstellung von Flötisten, die Instrumente nach links halten

Die früheste Darstellung einer Querflöte wurde auf einem etruskischen Relief gefunden, das auf 100 oder 200 Jahre v. Chr. datiert wird. Damals wurde die Querflöte auf der linken Seite gehalten, erst eine Illustration zu einem Gedicht aus dem 11. Jahrhundert n. Chr. zeigt erstmals die Art, das Instrument auf der rechten Seite zu halten.

Mittelalter

Die ersten archäologischen Funde von Traversflöten des Abendlandes stammen aus dem 12.-14. Jahrhundert n. Chr. Eines der frühesten Bilder aus dieser Zeit ist in der Enzyklopädie Hortus Deliciarum enthalten. Abgesehen von der einen oben erwähnten Abbildung aus dem 11. Jahrhundert zeigen alle mittelalterlichen europäischen und asiatischen Darstellungen Spieler, die die Querflöte nach links halten, während antike europäische Darstellungen Flötenspieler zeigen, die das Instrument nach rechts halten. Es wird daher angenommen, dass die Traversflöte in Europa zeitweise außer Gebrauch kam und dann aus Asien durch das Byzantinische Reich dorthin zurückkehrte.

Im Mittelalter bestand die Traversflöte aus einer Stimme, manchmal aus zwei Stimmen für „Bass“-Flöten in G (heute Tonumfang der Altflöte). Das Werkzeug hatte eine zylindrische Form und 6 Löcher gleichen Durchmessers.

Renaissance

"Fünf Landsknechte", Daniel Hopfer, 16. Jahrhundert, zweiter von links mit Querflöte

Während der Renaissance änderte sich die Gestaltung der Querflöte kaum. Das Instrument hatte einen Tonumfang von zweieinhalb Oktaven oder mehr, was den Tonumfang der meisten Blockflöten der damaligen Zeit um eine Oktave übertraf. Das Instrument ermöglichte es, alle Töne der chromatischen Tonleiter zu spielen, vorausgesetzt, dass der Fingersatz gut beherrscht wurde, was ziemlich komplex war. Das mittlere Register klang am besten. Bemerkenswerte originale Traversflöten aus der Renaissance werden im Museo Castel Vecchio in Verona aufbewahrt.

Barocke Epoche

Die ersten großen Änderungen am Design der Querflöte wurden von der Familie Otteter vorgenommen. Jacques Martin Otteter teilte das Instrument in drei Teile: den Kopf, den Körper (mit Löchern, die sich direkt mit den Fingern schlossen) und das Knie (das normalerweise ein Ventil hatte, manchmal mehr). In der Folge bestanden die meisten Traversflöten des 18. Jahrhunderts aus vier Teilen – der Korpus des Instruments war in zwei Hälften geteilt. Der Otteter änderte auch die Bohrung des Instruments, um sich zu verjüngen, um die Intonation zwischen den Oktaven zu verbessern.

In den letzten Jahrzehnten des 18. Jahrhunderts wurden der Querflöte immer mehr Ventile hinzugefügt - normalerweise 4 bis 6 oder mehr. Auf einigen Instrumenten wird es möglich zu nehmen C 1 (bis zur ersten Oktave) mit Hilfe eines verlängerten Knies und zweier zusätzlicher Ventile. Wichtige Innovationen im Traversflötendesign der damaligen Zeit wurden von Johann Joachim Quantz und Johann Georg Tromlitz gemacht.

Klassik und Romantik

Zu Mozarts Zeiten war die einventilige Querflöte noch die am weitesten verbreitete Instrumentenbauart. IN frühes XIX Jahrhunderts wurden immer mehr Ventile in die Konstruktion der Traversflöte eingebaut, da die Musik für das Instrument virtuoser wurde und zusätzliche Ventile das Spielen schwieriger Passagen erleichterten. Es gab eine große Anzahl von Ventiloptionen. In Frankreich war die Querflöte mit 5 Ventilen am beliebtesten, in England - mit 7 oder 8 Ventilen, in Deutschland, Österreich und Italien gab es gleichzeitig die größte Anzahl unterschiedlicher Systeme, wobei die Anzahl der Ventile 14 erreichen konnte oder mehr, und die Systeme wurden mit den Namen ihrer Erfinder bezeichnet: "Meyer", "Schwedler-Flöte", "Ziegler-System" und andere. Es gab sogar Ventilsysteme, die speziell angefertigt wurden, um einen bestimmten Durchgang zu erleichtern. In der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts gab es Flöten der sog. Wiener Art, zum Klang von Salz einer kleinen Oktave. In der Oper La Traviata, geschrieben von Giuseppe Verdi im Jahr 1853, wird der 2. Flöte in der Schlussszene eine Phrase anvertraut, die aus tieferen Registerklängen von nach unten besteht – si, si-b, la, la-b und Salz von a kleine Oktave. Diese Flöte wird nun durch die Altflöte ersetzt

wichtiges Zentrum Entwicklung der damaligen Flötenschule war Berlin, wo am Hof ​​Friedrichs II., der selbst Flötist und hervorragender Komponist war, die Traversflöte erworben wurde spezielle Bedeutung. Dank des ungebrochenen Interesses des Monarchen an seinem Lieblingsinstrument entstanden viele Werke für die Traversflöte von Joachim Quantz (dem Hofkomponisten und Lehrer von Friedrich), C. F. E. Bach (dem Hofcembalisten), Franz und seinem Sohn Friedrich Benda, Carl Friedrich Fasch und andere.

Zu den Meisterwerken des barocken Repertoires gehören die Partita in a-Moll für Flöte solo und 7 Sonaten für Flöte und Bass von J.S. Bach (davon 3 möglicherweise von seinem Sohn C.F.E. Bach geschrieben wurden), 12 Fantasien für Flöte solo G F. Telemann , Sonate für Flöte solo in a - Moll von C. F. E. Bach .

Das Flötenrepertoire des 19. Jahrhunderts wird dominiert von virtuosen Salonwerken von Flötenkomponisten – Jean-Louis Tulu, Giulio Bricchaldi, Wilhelm Popp, Jules Demerssmann, Franz Doppler, Cesare Ciardi, Anton Furstenau, Theobald Böhm, Joachim Andersen, Ernesto Köhler und anderen - von Autoren hauptsächlich für ihre eigenen Auftritte geschrieben. Es gibt immer mehr virtuose Konzerte für Flöte und Orchester – Willem Blodek, Saverio Mercadante, Bernard Romberg, Franz Danzi, Bernard Molik und andere.

In der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts schrieben viele Komponisten Werke für Soloflöte ohne Begleitung, oft unter Verwendung von moderne Techniker das Instrument spielen. Besonders häufig wird die Sequenz von Luciano Berio aufgeführt, Etüden von Isan Yun, „Voice“ von Toru Takemitsu, „Debla“ von K. Halfter und andere Werke für Flöte solo von den Komponisten Heinz Holliger, Robert Aitken, Elliot Carter, Gilbert Ami, Beliebt sind auch Kazuo Fukishima, Brian Ferneyhow, Franco Donatoni und andere.

Jazz und andere Stilrichtungen

Aufgrund des leisen Klangs konnte die Flöte nicht sofort Fuß fassen Jazz Musik. Die Durchdringung der Flöte als Soloinstrument im Jazz ist mit den Namen von Musikern wie Herbie Mann, Jeremy Stig, Hubert Lowes verbunden. Einer der Innovatoren im Jazzflötenspiel war der Saxophonist und Flötist Roland Kirk, der die Techniken des Blasens und Spielens mit seiner Stimme aktiv einsetzt. Ebenfalls Flöte spielten die Saxophonisten Erik Dolfi und Józef Lateef.

Zu den Berührungspunkten zwischen Jazz u klassische Musik gehören Jazz-Suiten für französische Flöte Jazzpianist Claude Bolling, die sowohl akademisch (Jean-Pierre Rampal, James Galway) als auch aufgeführt werden Jazzmusiker.

In der Popmusik

Ein bekannter Rock- und Popflötist ist Ian Anderson von der Band Jethro Tull.

Entwicklung der Flötenschule in Russland

Frühe Periode

Die ersten professionellen Flötisten in Russland waren meist Gastmusiker ausländischer Herkunft, von denen viele bis an ihr Lebensende in Russland blieben. So diente am Hof ​​von Katharina II. von 1792 bis 1798 der berühmte blinde Flötist und Komponist Friedrich Dulon. Anschließend waren die berühmten deutschen und italienischen Flötisten - Heinrich Susman (von 1822 bis 1838), Ernst Wilhelm Heinemeier (von 1847 bis 1859), Cesare Ciardi (ab 1855) Solisten des Kaiserlichen Theaters in St. Petersburg. Ab 1831 ließ sich Joseph Guillou, Professor am Pariser Konservatorium, in Sankt Petersburg nieder. Es gibt auch frühe Hinweise auf russische Flötisten – so von 1827 bis 1850 der Solist Bolschoi-Theater Dmitry Papkov war in Moskau - ein Leibeigener, der seine Freiheit erhielt.

Zweite Hälfte des 19. Jahrhunderts

Die größten europäischen Flötisten kamen auf Tourneen nach Russland - in den 1880er Jahren reiste der tschechische Flötenvirtuose Adolf Tershak mit Konzerten durch ganz Russland, 1887 und 1889. der berühmte französische Flötist Paul Taffanel besuchte Moskau und St. Petersburg.

20. Jahrhundert

Der erste russische Professor am St. Petersburger Konservatorium war 1905 der Solist des Kaiserlichen Theaters Fjodor Stepanow. In der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts arbeiteten die Deutschen Max Berg und Karl Schwab sowie der Tscheche Julius Federgans gleichzeitig mit russischen Darstellern in den kaiserlichen Theatern von St. Petersburg. Nach Stepanovs Tod im Jahr 1914 ging seine Klasse an den Flötisten und Komponisten Vladimir Tsybin über, der einen großen Beitrag zur Entwicklung des heimischen Flötenspiels in Russland leistete. Vladimir Tsybin kann zu Recht als Gründer der russischen Flötenschule angesehen werden.

Tsybins pädagogische Arbeit wurde von seinen Studenten, Professoren des Moskauer Konservatoriums - Nikolai Platonov und Yuli Yagudin - fortgesetzt. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts unterrichteten P. Ya. Fedotov und Robert Lambert am St. Petersburger Konservatorium, später dessen Schüler Boris Trizno und Joseph Janus.

In den 1950er Jahren gewannen die berühmten sowjetischen Flötisten Alexander Korneev und Valentin Zverev bedeutende internationale Preise.

In den 1960er Jahren leisteten Gleb Nikitin, Professor am Leningrader Konservatorium, Schüler von Boris Trizno, und Professor am Moskauer Konservatorium, Schüler von Nikolai Platonov, Yuri Dolzhikov, einen bedeutenden Beitrag zur Entwicklung der russischen Flötenschule.

Unter den Solisten der großen Orchester in Moskau und Leningrad in den 1960er und 1970er Jahren waren Albert Hoffman, Alexander Golyshev, Albert Ratsbaum, Eduard Shcherbachev, Alexandra Vavilina und andere und später die jüngere Generation - Sergei Bubnov, Marina Vorozhtsova und andere.

Derzeit sind die Professoren und außerordentlichen Professoren des Moskauer Konservatoriums Alexander Golyshev, Oleg Khudyakov, Olga Ivsheykova, Leonid Lebedev; St. Petersburger Konservatorium - Valentin Cherenkov, Alexandra Vavilina, Olga Chernyadieva. Mehr als 50 junge russische Flötisten, darunter Denis Lupachev, Nikolai Popov, Nikolai Mokhov, Denis Buryakov, Alexandra Grot, Grigory Mordashov und andere, haben ebenfalls oder erhalten dieser Moment ihre Ausbildung im Ausland fortsetzen.

Flötenstruktur

Die Querflöte ist ein langgestrecktes zylindrisches Rohr mit einem an einem Ende geschlossenen Ventilsystem, in dessen Nähe sich ein spezielles Seitenloch zum Anbringen von Lippen und zum Blasen von Luft befindet. Die moderne Flöte ist in drei Teile unterteilt: Kopf, Körper und Knie.

Kopf

Datei:Flötenkopf.JPG

Schwämme auf dem Flötenkopf

Die große Flöte hat einen geraden Kopf, es gibt aber auch gebogene Köpfe – bei Kinderinstrumenten ebenso wie bei Alt- und Bassflöten, damit das Instrument besser in der Hand liegt. Der Kopf kann aus gemacht werden Verschiedene Materialien und ihre Kombinationen - Nickel, Holz, Silber, Gold, Platin. Der Kopf einer modernen Flöte ist im Gegensatz zum Korpus des Instruments nicht zylindrisch, sondern konisch-parabolisch geformt. Am linken Ende im Kopf befindet sich ein Stopfen, dessen Position die Gesamtwirkung des Instruments beeinflusst und regelmäßig überprüft werden sollte (normalerweise mit dem hinteren Ende des Werkzeugreinigungsstabs - Ladestock). Die Form des Kopflochs, die Form und Krümmung der Backen haben einen großen Einfluss auf den Klang des gesamten Instruments. Häufig verwenden Künstler Felle eines anderen Herstellers als des Hauptinstrumentenherstellers. Einige Flötenbauer – wie Lafin oder Faulisi – haben sich ausschließlich auf die Herstellung von Köpfen spezialisiert.

Flötenkörper

Die Körperstruktur der Flöte kann von zwei Arten sein: "inline" ("in line") - wenn alle Ventile eine Linie bilden, und "offset" - wenn das Salzventil hervorsteht. Es gibt auch zwei Arten von Ventilen - geschlossen (ohne Resonatoren) und offen (mit Resonatoren). Offene Ventile sind am weitesten verbreitet, da sie gegenüber geschlossenen mehrere Vorteile haben: Der Flötist kann die Geschwindigkeit des Luftstrahls und die Resonanz des Klangs unter den Fingern spüren, mit Hilfe offener Ventile können Sie die Intonation korrigieren und wann spielen zeitgenössische Musik ohne sie praktisch unverzichtbar. Für Kinder- oder kleine Hände gibt es Kunststoffstopfen, die bei Bedarf alle oder einige Ventile am Instrument vorübergehend schließen können.

Knie

Flötenknie (C)

Auf der großen Flöte können zwei Arten von Knien verwendet werden: das C-Knie oder das H-Knie. Auf einer Flöte mit Knie ist der tiefere Ton bis zur ersten Oktave, auf Flöten mit Knie si - si einer kleinen Oktave. Knee si beeinflusst den Klang der dritten Oktave des Instruments und macht das Instrument auch etwas schwerer. Auf dem H-Knie befindet sich ein „Gizmo“-Hebel, der beim Fingersatz bis zur vierten Oktave zusätzlich eingesetzt werden sollte.

mi-Mechanik

Viele Flöten haben die sogenannte Mi-Mechanik. Die Mi-Mechanik wurde Anfang des 20. Jahrhunderts gleichzeitig und unabhängig voneinander von dem deutschen Meister Emil von Rittershausen und dem französischen Meister Jalma Julio erfunden, um das Erfassen und Intonieren der Terznote mi zu erleichtern und zu verbessern . Viele professionelle Flötisten verwenden keine E-Mechanik, da gute instrumentale Fähigkeiten ein einfaches Zupfen dieses Klangs ohne ihre Hilfe ermöglichen. Es gibt auch Alternativen zur Mi-Mechanik - eine Platte, die die Hälfte des Innenlochs des (zweiten Paars) Salzventils abdeckt, entwickelt von Powell, sowie ein Salzventilpaar mit reduzierter Größe, entwickelt von Sankyo (nicht weit verbreitet, hauptsächlich aufgrund von ästhetischen Erwägungen).

Moderne Querflöte des Böhm-Systems mit geschlossenen Ventilen außerhalb der Reihe, mit Mi-Mechanik und Up-Knee

Flöten Akustik

Die Flöte gehört nach der Methode der Klangerzeugung zu den Lippeninstrumenten. Der Flötist bläst einen Luftstrahl auf die Vorderkante des Mundlochs. Der Luftstrom von den Lippen des Musikers durchquert das offene Ansatzloch und trifft auf dessen äußeren Rand. Dadurch wird der Luftstrom ungefähr halbiert: innerhalb des Werkzeugs und außerhalb. Ein Teil der im Instrument eingeschlossenen Luft erzeugt eine Schallwelle (Kompressionswelle) in der Flöte, breitet sich zum geöffneten Ventil aus und kehrt teilweise zurück, wodurch das Rohr in Resonanz versetzt wird. Ein Teil der Luft, die von außen in das Instrument eingedrungen ist, verursacht leichte Obertöne wie Windgeräusche, die, wenn richtige Inszenierung sind nur für den Performer selbst hörbar, werden aber in einer Entfernung von mehreren Metern ununterscheidbar. Die Tonhöhe wird durch Ändern der Geschwindigkeit und Richtung der Luftzufuhr durch die Stütze (Bauchmuskeln) und Lippen sowie durch Fingersätze geändert.

Der Name "Flöte" vereint eine ganze Gruppe von Derayan-Blasinstrumenten Musikinstrumente. Allerdings werden Flöten heutzutage auch aus anderen Materialien hergestellt: Plastik, Nickel, Silber. Der Name des Instruments leitet sich vom lateinischen Wort „Flatus“ ab, was übersetzt „Atem“ bedeutet. Die Flöte gilt als eines der ältesten Musikinstrumente der Welt. Es ist fast unmöglich, ein genaues Datum für die Erfindung der Flöte anzugeben, aber den Funden von Archäologen nach zu urteilen, gab es die ersten Flöten bereits zwischen 35 und 40.000 v.

Tonumfang und Register der Flöte

Das untere Register hat eine matte, volle und etwas kalte Klangfülle

Das mittlere Register zeichnet sich im Vergleich zu anderen Registern durch einen sanften und schwächeren Klang aus.

Das obere Register hat einen klaren, leichten und brillanten Charakter.

Es gibt viele Arten von Flöten, aber sie unterscheiden sich hauptsächlich in Längs- und Querrichtung. Bei Längsflöten das Windloch ist am Ende, der Musiker hält beim Spielen die Längsflöte senkrecht zur Lippenlinie.

Bei der Querlinie befindet sich das Loch an der Seite, sodass Sie es parallel zur Linie der Lippen halten müssen.
Eine der häufigsten Arten von Längsflöten ist die Blockflöte. Es ähnelt der Flöte und Pfeife. Der wichtigste grundlegende Unterschied zwischen der Blockflöte und diesen Instrumenten besteht darin, dass neben sieben Grifflöchern auf der Vorderseite noch eines vorhanden ist - ein Oktavventil, das sich auf der Rückseite befindet.
Die Blockflöte wurde in ihren Werken aktiv eingesetzt Europäische Komponisten zurück ins 16. Jahrhundert. Bach, Vivaldi, Gendal und viele andere haben sehr oft eine Blockflöte in ihre Werke eingebaut. Mit dem Aufkommen der Traversflöten machte sich ein gravierendes Minus der Blockflöte bemerkbar - nicht laut genug. Trotzdem ist dieses Instrument immer noch recht häufig im Orchester präsent.
Trotz der Tatsache, dass Querflöten lange vor unserer Ära in China auftauchten, erfreuten sich Längsflöten großer Beliebtheit lange Zeit erlaubten ihnen nicht, sich zu verbreiten. Erst nachdem die Konstruktion der Querflöte 1832 durch den Meister aus Deutschland, Theobald Behm, verbessert wurde, tauchte sie in Orchestern nicht weniger oft auf als die Längsflöte. Die Querflöte ermöglicht das Spielen von Tönen von der ersten bis zur vierten Oktave.

Die Flöte existiert in vier Hauptvarianten, die eine Familie bilden: die eigentliche Flöte (oder große Flöte), die Piccoloflöte (Piccoloflöte), die Altflöte und die Bassflöte. Gibt es auch, aber viel seltener verwendet - große Flöte in Es ( kubanische musik, lateinamerikanischer Jazz), die Oktobaßflöte (moderne Musik und Flötenorchester) und die Hyperbassflöte. Auch Flöten niedrigerer Lage existieren als Prototypen.

Die große Flöte hat einen geraden Kopf, es gibt aber auch gebogene Köpfe – bei Kinderinstrumenten ebenso wie bei Alt- und Bassflöten, damit das Instrument besser in der Hand liegt. Der Kopf kann aus verschiedenen Materialien und deren Kombinationen bestehen - Nickel, Holz, Silber, Gold, Platin. Der Kopf einer modernen Flöte ist im Gegensatz zum Korpus des Instruments nicht zylindrisch, sondern konisch-parabolisch geformt. Am linken Ende im Kopf befindet sich ein Stopfen, dessen Position die Gesamtwirkung des Instruments beeinflusst und regelmäßig überprüft werden sollte (normalerweise mit dem hinteren Ende des Werkzeugreinigungsstabs - Ladestock). Die Form des Kopflochs, die Form und Krümmung der Backen haben einen großen Einfluss auf den Klang des gesamten Instruments. Häufig verwenden Künstler Felle eines anderen Herstellers als des Hauptinstrumentenherstellers. Einige Flötenbauer – wie Lafin oder Faulisi – haben sich ausschließlich auf die Herstellung von Köpfen spezialisiert.

Der Tonumfang der Flöte (große Flöte) beträgt mehr als drei Oktaven: von H oder C 1 (si kleine Oktave oder bis zur ersten) zu C 4 (bis zur vierten) und höher. Spiel mehr hohe Töne scheint schwierig, aber es gibt Werke, in denen die Töne „re“ und „mi“ der vierten Oktave vorkommen. Noten werden entsprechend dem tatsächlichen Klang im Violinschlüssel geschrieben. Das Timbre ist im mittleren Register klar und transparent, im unteren Register zischend und im oberen etwas scharf. Die Flöte ist in den unterschiedlichsten Techniken erhältlich und wird oft mit einem Orchestersolo betraut. Es wird in Symphonie- und Blaskapellen und zusammen mit der Klarinette häufiger als andere Holzbläser in Kammerensembles verwendet. In einem Symphonieorchester werden eine bis fünf Flöten verwendet, meistens zwei oder drei, und eine von ihnen (normalerweise die letzte in der Zahl) kann während der Aufführung zu einer kleinen oder Altflöte wechseln.

Der Aufbau des Flötenkörpers kann zweierlei sein: "inline" ("in line") - wenn alle Ventile eine Linie bilden, und "offset" - wenn das Salzventil hervorsteht. Es gibt auch zwei Arten von Ventilen - geschlossen (ohne Resonatoren) und offen (mit Resonatoren). Offene Ventile sind am gebräuchlichsten, da sie gegenüber geschlossenen mehrere Vorteile haben: Ein Flötist kann die Geschwindigkeit des Luftstroms und die Resonanz des Klangs unter seinen Fingern spüren, mit Hilfe von offenen Ventilen können Sie die Intonation und beim Spielen korrigieren moderner Musik sind sie praktisch unverzichtbar.

Für Kinder- oder kleine Hände gibt es Kunststoffstopfen, die bei Bedarf alle oder einige Ventile am Instrument vorübergehend schließen können.

Auf der großen Flöte können zwei Arten von Knien verwendet werden: das C-Knie oder das H-Knie. Bei einer Flöte mit Knie bis ist der tiefere Ton bis zur ersten Oktave, bei Flöten mit Knie si - si jeweils eine kleine Oktave. Knee si beeinflusst den Klang der dritten Oktave des Instruments und macht das Instrument auch etwas schwerer. Auf dem B-Knie befindet sich ein „Gizmo“-Hebel, der beim Fingersatz bis zur vierten Oktave zusätzlich eingesetzt werden sollte.

Viele Flöten haben die sogenannte Mi-Mechanik. Es wurde Anfang des 20. Jahrhunderts gleichzeitig und unabhängig voneinander von dem deutschen Meister Emil von Rittershausen und dem französischen Meister Jalma Julio erfunden, um das Erfassen und Intonieren des Tons E der dritten Oktave zu erleichtern und zu verbessern . Viele professionelle Flötisten verwenden keine E-Mechanik, da gute instrumentale Fähigkeiten ein einfaches Zupfen dieses Klangs ohne ihre Hilfe ermöglichen. Es gibt auch Alternativen zur Mi-Mechanik - eine Platte, die die Hälfte des Innenlochs des (zweiten Paars) Salzventils abdeckt, entwickelt von Powell, sowie ein Salzventilpaar mit reduzierter Größe, entwickelt von Sankyo (nicht weit verbreitet, hauptsächlich aufgrund von ästhetischen Erwägungen). Bei Flöten des deutschen Systems ist die Mi-Mechanik funktionell nicht erforderlich (Paarventile G sind zunächst getrennt).

Die Flöte gehört nach der Methode der Klangerzeugung zu den Lippeninstrumenten. Der Flötist bläst einen Luftstrahl auf die Vorderkante des Mundlochs. Der Luftstrom von den Lippen des Musikers durchquert das offene Ansatzloch und trifft auf dessen äußeren Rand. Dadurch wird der Luftstrom ungefähr halbiert: innerhalb des Werkzeugs und außerhalb. Ein Teil der im Instrument eingeschlossenen Luft erzeugt eine Schallwelle (Kompressionswelle) in der Flöte, breitet sich zum geöffneten Ventil aus und kehrt teilweise zurück, wodurch das Rohr in Resonanz versetzt wird. Ein Teil der Luft, die aus dem Instrument gelangt ist, verursacht leichte Obertöne wie Windgeräusche, die bei richtiger Aufstellung nur für den Spieler selbst hörbar sind, aber in einer Entfernung von mehreren Metern nicht mehr zu unterscheiden sind. Die Tonhöhe wird durch Ändern der Geschwindigkeit und Richtung der Luftzufuhr durch die Stütze (Bauchmuskeln) und Lippen sowie durch Fingersätze geändert.

Aufgrund der akustischen Natur der Flöte neigt sie dazu, beim Klavierspielen (insbesondere im unteren Register) in der Tonhöhe abzufallen und beim Spielen im Forte (insbesondere im oberen Register) in der Stimmung zu steigen. Auch die Raumtemperatur beeinflusst die Intonation – mehr als niedrige Temperatur senkt die Tonhöhe des Instruments, eine höhere erhöht sie.

Das Werkzeug wird gestimmt, indem der Kopf aus dem Werkzeugkörper herausbewegt wird (je weiter der Kopf herausgezogen wird, desto länger wird das Werkzeug und dementsprechend niedriger). Diese Stimmmethode hat ihre Nachteile gegenüber Saiten bzw Tasteninstrumente- Wenn der Kopf herausgezogen wird, werden die Beziehungen zwischen den Löchern des Instruments gestört und die Oktaven bauen sich nicht mehr aufeinander auf. Wenn der Kopf um mehr als einen Zentimeter verlängert wird (was die Tonhöhe des Instruments um fast einen Halbton senkt), ändert der Klang der Flöte die Klangfarbe und ähnelt dem Klang barocker Holzinstrumente.

Die Querflöte ist eines der virtuosesten und technisch beweglichsten Blasinstrumente. Ihre Darbietung ist typisch für Skalenpassagen in schnelles Tempo, Arpeggios, Sprünge in weiten Abständen. Seltener wird die Flöte langen Kantilenenepisoden zugeordnet, da der Atem auf ihr schneller verbraucht ist als auf anderen Holzbläsern. Triller klingen über den gesamten Bereich gut (mit Ausnahme einiger Triller bei den tiefsten Tönen). Schwachstelle Instrument ist sein relativ kleiner Dynamikbereich - der Unterschied zwischen Piano und Forte in der ersten und zweiten Oktave beträgt etwa 25 dB, in der oberen Lage nicht mehr als 10 dB. Flötisten kompensieren diesen Mangel, indem sie die Farbe der Klangfarbe ändern, sowie auf andere Weise. musikalische Ausdruckskraft. Der Tonumfang des Instruments ist in drei Register unterteilt: Lower, Middle und Upper. Klavier und Legato sind in der unteren Lage relativ einfach zu spielen, aber Forte und Staccato erfordern ausgereiftes Können. Das mittlere Register ist am wenigsten obertonreich, es klingt oft dumpf und wird daher wenig für Kantilenenmelodien verwendet. In der oberen Lage ist es leicht, das Forte zu spielen, die Beherrschung des Klaviers in der dritten Oktave erfordert ein mehrjähriges Training auf dem Instrument. Ab der vierten Oktave bis hin zu scharfen, leisen Entnahmen von Tönen wird es unmöglich.

Die Farbe des Timbres und die Schönheit des Klangs auf der Flöte hängen von vielen Faktoren in der Produktion und dem Können des Interpreten ab - eine wichtige Rolle spielt eine offene Kehle, ein ziemlich offenes Loch im Instrumentenkopf (normalerweise 2/3 ), die richtige Position des Instrumentenkopfes zu den Lippen, die exakte Richtung des Luftstroms sowie die geschickte Steuerung der Menge und Geschwindigkeit der Luftzufuhr durch die "Stütze" (ein Satz Bauchmuskeln, Teil die Interkostalmuskulatur und ein Teil der Rückenmuskulatur, die die Arbeit des Zwerchfells beeinflussen).

Die Flöte verfügt über ein breites Spektrum an Spieltechniken. Doppeltes (Silben tou-ku) und dreifaches (Silben tou-ku-tu tou-ku-tu) Staccato werden überall verwendet. Mit ... anfangen spätes XIX- Anfang des 20. Jahrhunderts wird für Spezialeffekte die Frulato-Technik verwendet - das Spielen des Instruments gleichzeitig mit der Aussprache eines Lautes, wie "trr", mit der Zungenspitze oder Kehle. Die frulato-Technik wurde erstmals von Richard Strauss in verwendet Symphonisches Gedicht"Don Quijote" (1896 - 1897).

Im 20. Jahrhundert wurden viele zusätzliche Techniken und Techniken erfunden:

Multiphonie ist die Extraktion von zwei oder mehr Tönen gleichzeitig mit Hilfe eines speziellen Fingersatzes. Es gibt spezielle mehrstimmige Tabellen, die Komponisten und Interpreten helfen, zum Beispiel in den Büchern von Pierre Yves Artaud oder Robert Dick.

Pfeiftöne - erinnern an ein leises Pfeifen. Mit vollständig entspanntem Ohrpolster und dem Strahl auf die Stelle gerichtet, an der normalerweise der gewünschte Klang zu hören ist.

„Tangram“ ist ein kurzes Geräusch, das einem Klatschen ähnelt. Es wird mit Hilfe einer schnellen Bewegung der Zunge entfernt, wenn das Ohrpolster des Instruments vollständig von den Lippen geschlossen wird. Es klingt eine große Septime unter dem vom Interpreten verwendeten Fingersatz.

"Jet Whistle" - ein klingender Luftstrahl (ohne Ton), der je nach Anweisung des Komponisten die Tonhöhe schnell von oben nach unten oder von unten nach oben ändert. Es wird mit dem vollständig geschlossenen Ohrpolster des Instruments mit den Lippen extrahiert, mit einem starken Ausatmen und der Aussprache einer Silbe ähnlich wie "Fuit".

Es gibt andere Methoden moderner Techniken - Klopfen mit Ventilen, Spielen mit einer Spitze ohne Ton, Singen gleichzeitig mit dem Extrahieren von Ton und andere.