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Porträt eines Mannes mit der Hand auf der Brust. El Greco – „Porträt eines Herrn mit der Hand auf der Brust“

Über das Leben des Kreters Domenico Theotokopouli, des Künstlers, der unter dem Namen El Greco, also der Grieche, das spanische Toledo eroberte, gibt es fast keine Beweise mehr. Die „Torheiten“ seines Charakters und seine seltsame Bildsprache verblüfften viele und zwangen sie, zur Feder zu greifen – doch nur wenige Briefe sind erhalten. Einer davon enthält folgende Zeilen: „... das Wetter war schön, die Frühlingssonne schien sanft. Es bereitete allen Freude und die Stadt sah festlich aus. Stellen Sie sich meine Überraschung vor, als ich El Grecos Atelier betrat und sah, dass die Fensterläden geschlossen waren und es daher schwierig war, zu sehen, was sich in der Nähe befand. El Greco selbst saß auf einem Hocker und tat nichts, war aber wach. Er wollte nicht mit mir ausgehen, weil seiner Meinung nach das Sonnenlicht sein inneres Licht störte ...“

Über den Mann Domenico gibt es fast keine Beweise mehr, nur Anklänge: dass er in großem Stil lebte, eine reiche Bibliothek besaß, viele Philosophen las und auch Klienten verklagte (sie liebten ihn, verstanden ihn aber häufiger nicht), starb fast in Armut - wie dünne Strahlen Tageslicht bahnen sich ihren Weg durch die Risse in den „geschlossenen Fensterläden“ seines Lebens. Aber sie lenken nicht vom Wesentlichen ab – vom inneren Licht, das die Gemälde des Künstlers El Greco erfüllt. Vor allem Porträts.

Es gibt keine Landschaften, die sich hinter dem Porträtierten öffnen, keine Fülle an Details, die den neugierigen Blick anziehen. Sogar der Name des Helden bleibt oft außen vor. Denn all das würde Sie daran hindern, das Gesicht zu sehen. Und Augen, tief, dunkel, die dich direkt ansehen. Es ist schwer, sich von ihnen loszureißen, und wenn man sich dazu zwingt, die Geste zu sehen, bleibt man wieder in Gedanken stehen.

Dabei handelt es sich um das „Porträt eines Kavaliers mit der Hand auf der Brust“ (1577-1579), das der Meister kurz nach seinem Umzug nach Toledo malte. Dieses Porträt gilt als eines der besten der spanischen Malerei des 16. Jahrhunderts. Der Outlander El Greco schuf „lebendige Bilder“. spanisches Leben und Geschichte“, die „echte Lebewesen einfangen, die in sich alles vereinen, was in unserem Volk bewundert werden sollte, alles Heroische und Unbezähmbare, mit jenen gegensätzlichen Eigenschaften, die sich nur widerspiegeln können, ohne ihr eigentliches Wesen zu zerstören“ (A. Segovia). Aristokraten aus den alten Familien von Toledo wurden die wahren Helden von El Greco, er sah sie Inneres Licht- ihr Adel und ihre Würde, Pflichttreue, Intelligenz, feine Manieren, Mut, äußere Zurückhaltung und innerer Impuls, die Stärke des Herzens, das weiß, wofür es lebt und stirbt ...

Tag für Tag bleiben Besucher der Prado-Galerie überrascht vor dem unbekannten Hidalgo stehen und sagen: „Wie am Leben …“ Wer ist er, dieser Ritter? Warum öffnet er sein Herz mit solcher Aufrichtigkeit? Warum sind seine Augen so attraktiv? Und diese Geste des Eides? Und der Griff des Schwertes? Vielleicht entstand aus diesen Fragen die Legende, dass es sich bei der auf dem Porträt dargestellten Person um einen anderen großen Spanier handelt: Miguel de Cervantes. Ein Krieger und Schriftsteller, der der Welt die Geschichte eines Ritters von traurigem Bild erzählte, dem die gleiche göttliche Gabe wie El Greco verliehen wurde – Menschen so zu sehen, wie sie sein sollten, ihr inneres Licht zu sehen ...

zum Magazin „Mann ohne Grenzen“

Swetlana Obuchowa

Über den Mann Domenico gibt es fast keine Beweise mehr, nur Anklänge: dass er in großem Stil lebte, eine reiche Bibliothek besaß, viele Philosophen las und auch Klienten verklagte (sie liebten ihn, verstanden ihn aber häufiger nicht), starb fast in Armut – wie die dünnen Strahlen des Tageslichts, die durch die Risse in den „geschlossenen Fensterläden“ seines Lebens brechen. Aber sie lenken nicht vom Wesentlichen ab – vom inneren Licht, das die Gemälde des Künstlers El Greco erfüllt. Vor allem Porträts.

Es gibt keine Landschaften, die sich hinter dem Porträtierten öffnen, keine Fülle an Details, die den neugierigen Blick anziehen. Sogar der Name des Helden bleibt oft außen vor. Denn all das würde Sie daran hindern, das Gesicht zu sehen. Und Augen, tief, dunkel, die dich direkt ansehen. Es ist schwer, sich von ihnen loszureißen, und wenn man sich dazu zwingt, dann ist es, die Geste zu sehen und wieder innezuhalten.

Dabei handelt es sich um das „Porträt eines Kavaliers mit der Hand auf der Brust“ (1577-1579), das der Meister kurz nach seinem Umzug nach Toledo malte. Dieses Porträt gilt als eines der besten der spanischen Malerei des 16. Jahrhunderts. Der Fremde El Greco schuf „lebendige Bilder des spanischen Lebens und der spanischen Geschichte“, die „echte Lebewesen einfangen, die in sich alles vereinen, was an unserem Volk zu bewundern ist, alles Heroische und Unbezähmbare, mit jenen gegensätzlichen Eigenschaften, die sich nur widerspiegeln können.“ ohne sein Wesen zu zerstören“ (A. Segovia). Aristokraten aus den alten Familien von Toledo wurden zu den wahren Helden von El Greco, er sah ihr inneres Licht – ihren Adel und ihre Würde, ihre Pflichttreue, ihre Intelligenz, ihre Verfeinerung der Manieren, ihren Mut, ihre äußere Zurückhaltung und ihren inneren Impuls, die Stärke des Herzens, das weiß, wofür es lebt und stirbt. ..

Und andere Gemälde aus dem Prado-Museum in der Eremitage ...

El Greco „Christus umarmt das Kreuz“ 1600 – 1605

Dargestellt vor dem Hintergrund eines für El Greco typischen stürmischen Himmels umarmt Christus das Kreuz mit seinen anmutigen Händen und blickt mit ruhiger Verdammnis nach oben. Das Gemälde war ein großer Erfolg und viele Versionen davon entstanden in El Grecos Werkstatt.

El Greco „Heilige Familie mit der heiligen Anna und dem kleinen Johannes dem Täufer“, um 1900. 1600 - 1605

Die Spätphase von El Grecos Werk ist durch die Verwendung durchdringender Farben und Blitze gekennzeichnet; Der Raum ist vollständig mit Figuren gefüllt, die den Horizont verdecken. Mit einem vibrierenden Pinselstrich gemalte Formen verlieren ihre Materialität. Der kleine Johannes der Täufer ruft den Betrachter zum Schweigen auf, um den Frieden des Christuskindes nicht zu stören...

Velasquez - Porträt von Philipp IV. Porträt von König Philipp IV. 1653-1657

Grundlagen des psychologischen Porträts in Europäische Kunst verpfändet spanischer Maler Diego Rodriguez de Silva Velazquez. Er wurde in eine arme Adelsfamilie in Sevilla hineingeboren und studierte bei Herrera dem Älteren und Pacheco. 1622 kam er erstmals nach Madrid. In praktischer Hinsicht war diese Reise nicht sehr erfolgreich – Velazquez fand keinen würdigen Ort für sich. Er hoffte, den jungen König Philipp IV. zu treffen, doch das Treffen fand nicht statt. Dennoch erreichten Gerüchte über den jungen Künstler den Hof, und bereits im nächsten Jahr, 1623, lud der erste Minister, Herzog de Olivares (ebenfalls aus Sevilla stammend), Velazquez nach Madrid ein, um ein Porträt des Königs zu malen. Dieses uns nicht überlieferte Werk machte auf den Monarchen einen so angenehmen Eindruck, dass er Velazquez sofort die Stelle eines Hofkünstlers anbot. Bald entwickelten sich die Dinge zwischen dem König und Velazquez recht gut. freundschaftliche Beziehungen, was für die am spanischen Hof herrschende Ordnung nicht sehr typisch war. Der König, der das größte Reich der Welt regierte, galt nicht als Mensch, sondern als Gottheit, auf die der Künstler nicht einmal zählen konnte edle Privilegien weil er seinen Lebensunterhalt durch Arbeit verdiente. Unterdessen befahl Philipp, dass fortan nur noch Velazquez seine Porträts malen dürfe. Der große Monarch war überraschend großzügig und unterstützte Velazquez. Das Atelier des Künstlers befand sich in den königlichen Gemächern und dort wurde für Seine Majestät ein Stuhl aufgestellt. Der König, der den Schlüssel zur Werkstatt besaß, kam fast jeden Tag hierher, um die Arbeit des Künstlers zu beobachten. Während seiner königlichen Dienste von 1623 bis 1660 malte Velazquez etwa ein Dutzend Porträts seines Oberherrn. Davon haben uns etwas mehr als 10 Gemälde erreicht. So malte Velazquez seinen Oberherrn im Durchschnitt etwa alle drei Jahre. Es war Velazquez‘ Aufgabe, Porträts des Königs zu malen, und er erledigte diese Aufgabe perfekt. Dadurch verfügen wir über einen Werkkomplex, der auf seine Weise einzigartig ist: In den Porträts von Velazquez kann man sehen Lebensweg König Philipp so deutlich, wie es später erst im Zeitalter der Fotografie üblich wurde. Die Evolution ist in den Gemälden des Künstlers deutlich sichtbar. Erstens verändert sich der König selbst, im ersten Porträt 18 Jahre alt und im letzten 50 Jahre alt; sein Gesicht trägt den Abdruck des Alters und spiritueller Veränderungen. Zweitens vertieft sich die Wahrnehmung des Künstlers für sein Modell und wandelt sich von oberflächlich zu aufschlussreich. Im Laufe der Zeit ändert sich die Art und Weise, wie das Modell dargestellt wird künstlerische Techniken. Velazquez‘ Verhalten verändert sich unter dem Einfluss seines eigenen kreatives Wachstum sowie unter dem Einfluss moderner in- und ausländischer Traditionen. Dieses Unterbrustporträt zeigt Philipp IV. vor dunklem Hintergrund, in schwarzer Kleidung mit weißem Kragen, der das Gesicht des Monarchen deutlich hervorhebt. Velazquez vermeidet im Porträt des Königs protzigen Luxus und zeigt „ menschliches Gesicht» Monarch ohne jegliche Schmeichelei oder höfische List. Wir haben eindeutig das Gefühl, dass die Person, die uns von der Leinwand aus ansieht, unglücklich ist, letzten Jahren Die Herrschaft war für den König nicht einfach. Dies ist ein Mann, der Enttäuschungen erlebt hat, aber gleichzeitig auch ein Mann, dessen Fleisch von angeborener Größe erfüllt ist, die nichts erschüttern kann. Ein anderer großartiger Künstler, Spanier durch und durch – Pablo Ruiz Picasso sagt über das Bild des spanischen Königs: „Wir können uns keinen anderen Philipp IV. vorstellen als den, den Velazquez geschaffen hat ...“

„Porträt von König Philipp IV.“ (ca. 1653 – 1657)

Ein von Neueste Porträts Monarch. Interessant ist, dass es hier kein einziges Element gibt, das auf den königlichen Status der dargestellten Person schließen lässt. Velazquez diente Philipp IV. fast vierzig Jahre lang – von 1623 bis zu seinem Tod – und malte Porträts des Königs und seiner Familie sowie große Gemälde für die königliche Sammlung.

Diego Velazquez „Porträt des Narren Don Diego de Acedo“ (El Primo) ca. 1644

Diego Velazquez „Porträt der Königin Marianna von Österreich“ 1652-1653

Tizian (Tiziano Vecellio) „Venus mit Amor und dem Organisten“ 1555

Der Musiker spielt, sitzt zu Füßen der Venus und bewundert den nackten Körper der Göttin, während er zerstreut mit Amor spielt. Einige sahen in diesem Gemälde ein rein erotisches Werk, während andere es symbolisch wahrnahmen – als Allegorie der Gefühle, in der Sehen und Hören als Werkzeuge zur Erkenntnis von Schönheit und Harmonie dienen. Tizian schrieb fünf Versionen dieses Themas.

Paolo Veronese (Paolo Cagliari) – „Büßende Maria Magdalena“ 1583

Nach ihrer Bekehrung widmete Maria Magdalena ihr Leben der Reue und dem Gebet und zog sich von der Welt zurück. Auf diesem Gemälde ist sie dargestellt, wie sie in den Himmel schaut und darin badet göttliches Licht. Das Gemälde ist in kräftigen dunklen Farben gemalt, charakteristisch für Veroneses Stil in der Spätphase seines Schaffens. Bevor das Werk in die königlichen Sammlungen Spaniens gelangte, gehörte es zu zum englischen König Karl I. (hingerichtet 1649)

Anthony Van Dyck „Porträt eines Mannes mit Laute“ 1622-1632

Anthony Van Dyck verdankt seinen Ruhm gerade dem Genre der Porträtmalerei, das in der Hierarchie steht Europäische Malerei nahm eine eher niedrige Position ein. Zu diesem Zeitpunkt hatte sich in Flandern jedoch bereits eine Tradition der Porträtkunst entwickelt. Van Dyck malte Hunderte von Porträts, darunter mehrere Selbstporträts, und wurde im 17. Jahrhundert zu einem der Schöpfer des Stils der zeremoniellen Porträtmalerei. In Porträts seiner Zeitgenossen zeigte er deren geistige, Gefühlswelt, spirituelles Leben, lebendiger Charakter einer Person.
Das traditionelle Vorbild für dieses Porträt ist Jacob Gautier, ein Lautenist am englischen Hof von 1617 bis 1647, aber das Vorhandensein des Schwertes und vor allem die stilistischen Merkmale des Werks deuten darauf hin, dass es viel früher als Van entstanden sein muss Dycks Reise nach London, die diese Theorie in Frage stellt. Das Vorhandensein eines Musikinstruments bedeutet nicht unbedingt, dass das Modell ein Musiker war. Als Symbol wurden Musikinstrumente oft in Porträts dargestellt, als Hinweis auf die intellektuelle Raffinesse und Sensibilität des Motivs.

Juan Bautista Maino „Anbetung der Hirten“ 1612-1614

Eines von Mainos Meisterwerken. In der Sammlung Staatliche Eremitage Es gibt eine andere Version dieser Geschichte, die von Maino geschrieben wurde. Der Künstler wurde in Pastrana (Guadalajara) geboren und lebte von 1604 bis 1610 in Rom. Dieses Werk, das nach seiner Rückkehr nach Spanien geschrieben wurde, zeigt den Einfluss von Caravaggio und Orazio Gentileschi. Im Jahr 1613 wurde Maino Mitglied des Dominikanerordens und das Gemälde wurde in den Altarzyklus des Klosters St. Peter der Märtyrer in Toledo aufgenommen.

Georges de Latour „Der blinde Musiker mit der Drehleier“, ca. 1625-1630

Latour stellt einen alten blinden Musiker dar, der eine Drehleier spielt. Er wiederholte diese Handlung mehrmals. Der Künstler, der unter dem Einfluss von Caravaggios Stil arbeitete, reproduziert mit Begeisterung Details – das Muster, das schmückt Musikinstrument, Falten im Gesicht eines Blinden, seine Haare.

Peter Paul Rubens, Jacob Jordaens „Perseus befreit Andromeda“ Ca. 1639-1640

Francisco de Goya „Porträt von Ferdinand VII.“ 1814-1815

Nach der Niederlage Napoleons im Jahr 1814 kehrte Ferdinand VII. auf den spanischen Thron zurück. Das Porträt zeigt ihn in einem mit Hermelin gefütterten königlichen Gewand, mit Zepter und den Orden Karls III. und dem Goldenen Vlies.
Ferdinand VII., der das Land bis 1833 regierte, gründete 1819 das Prado-Museum.

Francisco de Goya „Maria von Santa Cruz“ 1805

Maria von Santa Cruz, Ehefrau des ersten Direktors des Prado, war zu ihrer Zeit eine der am meisten verehrten Frauen Spaniens.
In dem Porträt von 1805 stellte Goya die Marquise als Muse der Lyrik, Euterpe, dar, wie sie auf einem Sofa lag und eine Leier in der linken Hand hielt. Die Wahl dieses besonderen Bildes ist auf die Leidenschaft der Marquise für Poesie zurückzuführen.

Francisco Goya – „Herbst (Weinlese)“ 1786 – 1787

Francisco GOYA – „Weinlese“ Fragment

In den Jahren 1775–1792 schuf Goya sieben Serien von Wandteppichen aus Pappe für die Paläste Escorial und Prado am Stadtrand von Madrid. Insbesondere dieses Gemälde gehört zur Serie der Jahreszeiten und war für das Esszimmer des Prinzen von Asturien im Prado bestimmt. Goya stellte die klassische Handlung als alltägliche Szene dar, die die Art der Beziehung zwischen verschiedenen Klassen widerspiegelt – das Gemälde zeigt die Besitzer eines Weinbergs mit ihrem Sohn und ihrer Magd.

Francisco Goya „Porträt des Generals José de Urrutia“ (um 1798)

José de Urrutia (1739 - 1809) – einer der bedeutendsten spanischen Militärführer und der einzige Armeeoffizier nichtadliger Herkunft im 18. Jahrhundert, der den Rang eines Generalkapitäns erreichte – ist mit dem St.-Georgs-Orden abgebildet wurde ihm von der russischen Kaiserin Katharina der Großen für seine Beteiligung an der Eroberung Otschakows im Krimfeldzug 1789 verliehen.

Peter Paul Rubens „Porträt der Marie von Medici“. OK. 1622-1625.

Maria Medici (1573 - 1642) war die Tochter des Großherzogs der Toskana Francesco I. Im Jahr 1600 wurde sie die Frau des französischen Königs Heinrich IV. Ab 1610 war sie Regentin für ihren kleinen Sohn, den späteren König Ludwig XIII. Sie gab bei Rubens eine Reihe von Werken in Auftrag, in denen sie sich selbst und ihren verstorbenen Ehemann verherrlichte. Das Porträt zeigt die Königin mit einem Witwenkopfschmuck und einem unvollendeten Hintergrund.

Domenico Tintoretto „Frau entblößt ihre Brüste“ Ca. 1580-1590

Vicente Lopez Portanha „Porträt von Felix Maximo Lopez, erster Organist der Königlichen Kapelle“ 1820

Spanischer neoklassizistischer Maler, der Spuren des Rokoko-Stils bewahrte. Lopez galt nach Francisco de Goya als einer der besten Porträtmaler seiner Zeit. Im Alter von 13 Jahren begann er in Valencia Malerei zu studieren und gewann innerhalb von vier Jahren mehrere erste Preise an der Akademie von San Carlos, was ihm ein Stipendium für ein Studium an der renommierten Royal Academy der Hauptstadt einbrachte. Bildende Kunst San Fernando. Nach Abschluss seines Studiums arbeitete Lopez mehrere Jahre in der Werkstatt seines Lehrers Mariano Salvador Maella. 1814, nach der französischen Besetzung, ging es Lopez bereits recht gut berühmter Künstler Deshalb berief ihn der spanische König Ferdinand VII. nach Madrid und ernannte ihn zum offiziellen Hofkünstler, obwohl der „erste königliche Künstler“ zu dieser Zeit Francisco Goya selbst war. Vicente Lopez war ein produktiver Künstler, er malte Gemälde zu religiösen, allegorischen, historischen und mythologischen Themen, aber vor allem war er natürlich ein Porträtmaler. Während seiner langen Karriere malte er Porträts von fast jedem berühmte Person in Spanien in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts.
Dieses Porträt des ersten Organisten der königlichen Kapelle und berühmter Musiker und der Komponist wurde kurz vor dem Tod des Künstlers geschrieben und von seinem ältesten Sohn Ambrosio Lopez fertiggestellt.

Anton Raphael Mengs „Porträt von Maria Luisa von Parma, Prinzessin von Asturien“ 1766

Juan Sanchez Cotan „Stillleben mit Wild, Gemüse und Früchten“ 1602

Don Diego de Acedo war seit 1635 am Hof. Neben dem „Buffoon-Dienst“ diente er als königlicher Bote und war für das Siegel des Königs verantwortlich. Von diesen Tätigkeiten zeugen offenbar die auf dem Bild abgebildeten Bücher, Papiere und Schreibgeräte. Es wird angenommen, dass das Porträt in Fraga in der Provinz Huesca während der Reise Philipps IV. durch Aragon gemalt wurde, auf der er von Diego de Acedo begleitet wurde. Im Hintergrund erhebt sich der Malicios-Gipfel des Guadarrama-Gebirges.

Hieronymus Bosch „Gewinnung des Steins der Torheit“ um 1900. 1490

Die satirische Szene mit Figuren vor Landschaftshintergrund zeigt eine Operation zur Entfernung des „Steins der Dummheit“. Inschrift gotische Schriftart lautet: „Meister, entfernen Sie schnell den Stein. Mein Name ist Lubbert Das.“ Lubbert ist ein gebräuchliches Substantiv, das Unwissenheit und Einfachheit bezeichnet. Ein Chirurg, der einen Kopfschmuck in Form eines umgekehrten Trichters trägt, der Unwissenheit symbolisiert, „entfernt“ einen Stein (Seerose) vom Kopf eines leichtgläubigen Patienten und verlangt von ihm eine großzügige Bezahlung. Damals glaubten die Einfältigen, dass ein Stein im Kopf für ihre Dummheit verantwortlich sei. Das haben Scharlatane ausgenutzt.

Raffael (Raffaello Santi) „Die Heilige Familie mit dem Lamm“ 1507

Maria hilft dem kleinen Christus, sich auf das Lamm zu setzen - christliches Symbol die kommende Passion Christi und St. Joseph beobachtet sie. Das Gemälde wurde in Florenz gemalt, wo der Künstler das Werk von Leonardo da Vinci studierte, beeinflusst von seinen Kompositionen mit der Heiligen Familie. Im Prado-Museum ist dies das einzige Werk Raffaels, das in der Frühzeit gemalt wurde.

Albrecht Dürer „Bildnis eines unbekannten Mannes“ ca. 1521

Das Porträt gehört dazu späte Periode Dürers Kreativität. In einem dem Stil ähnlichen Stil geschrieben Niederländische Künstler. Ein Hut mit breiter Krempe lenkt die Aufmerksamkeit auf das Gesicht der Porträtierten, das von links einfallende Licht lenkt die Aufmerksamkeit des Betrachters darauf. Den zweiten Schwerpunkt des Porträts bilden die Hände, und zwar vor allem die linke, in denen der Unbekannte eine Schriftrolle hält, die offenbar seinen sozialen Status erklärt.

Rogier van der Weyden „Lamentation“ Ca. 1450

Vorbild war das Altartriptychon für das Kloster Miraflores (aufbewahrt). Kunstgalerie Berlin), von Van der Weyden vor 1444 geschaffen und mit einigen Unterschieden wiederholt. In dieser Version, deren oberer Teil zu einem unbekannten Zeitpunkt hinzugefügt wurde, sind Maria, Christus, St. John und der Spender (Kunde des Gemäldes) – ein Mitglied der Familie Broers – sind im selben Raum abgebildet. Ausdrucksstark vermittelt die Künstlerin die Trauer der Muttergottes, indem sie den Körper ihres toten Sohnes an ihre Brust drückt. Der tragischen Gruppe links steht die durch einen Stein getrennte Figur des Stifters gegenüber. Er befindet sich in einem Zustand betender Konzentration. Damals wurde oft von Kunden verlangt, sich selbst auf Gemälden darstellen zu dürfen. Aber ihre Bilder waren immer zweitrangig – irgendwo im Hintergrund, in der Menge usw. Hier ist der Stifter im Vordergrund dargestellt, jedoch durch Stein und Farbe von der Hauptgruppe getrennt.

Alonso Cano „Toter Christus, gestützt von einem Engel“ um 1900. 1646 - 1652

Vor dem Hintergrund einer Dämmerungslandschaft stützt ein Engel den leblosen Leib Christi. Die ungewöhnliche Ikonographie dieses Gemäldes erklärt sich aus der Tatsache, dass es nicht mit evangelischen Texten in Verbindung gebracht wird, sondern mit dem sogenannten Christus des Hl. Gregor. Der Legende nach sah Papst Gregor der Große eine Vision des toten Christus, der von zwei Engeln getragen wurde. Kano interpretierte diese Handlung anders – nur ein Engel stützte den bewegungslosen Körper Christi.

Bartolome Esteban Murillo „Unsere Liebe Frau vom Rosenkranz“ Ca. 1650-1655

Das Werk von Bartolome Esteban Murillo beendet das goldene Zeitalter der spanischen Malerei. Murillos Werke sind tadellos präzise in der Komposition, reich und harmonisch in der Farbe und schön im höchsten Sinne des Wortes. Seine Gefühle sind immer aufrichtig und zart, aber in Murillos Gemälden gibt es nicht mehr die spirituelle Kraft und Tiefe, die in den Werken seiner älteren Zeitgenossen so schockierend ist. Das Leben des Künstlers ist mit seiner Heimat Sevilla verbunden, obwohl er Madrid und andere Städte besuchen musste. Nachdem Murillo bei dem örtlichen Maler Juan del Castillo (1584-1640) studiert hatte, arbeitete er intensiv im Auftrag von Klöstern und Tempeln. 1660 wurde er Präsident der Akademie der Schönen Künste in Sevilla.
Mit seinen Gemälden religiöser Themen wollte Murillo Trost und Beruhigung vermitteln. Es ist kein Zufall, dass er sehr oft das Bild der Muttergottes malte. Das Bild Mariens ging von Gemälde zu Gemälde in Form eines hübschen jungen Mädchens mit regelmäßigen Gesichtszügen und einem ruhigen Blick über. Ihr unschuldiges Aussehen sollte beim Betrachter ein Gefühl süßer Zärtlichkeit hervorrufen. Auf diesem Gemälde stellte Bartolome Murillo die Madonna und Jesus mit einem Rosenkranz dar, einem traditionellen katholischen Rosenkranz, für den gebetet wurde sehr wichtig zur Zeit des Künstlers. In diesem Werk sind die Züge des Naturalismus, der in den Werken der Vertreter der Sevillaner Schule in der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts vorherrschte, noch erkennbar, allerdings ist Murillos Malstil bereits freier als bei ihm frühe Arbeit. Besonders deutlich wird diese freie Art in der Darstellung des Schleiers der Jungfrau Maria. Mit hellem Licht hebt der Künstler die Figuren vor einem dunklen Hintergrund hervor und schafft einen Kontrast zwischen den zarten Farbtönen des Gesichts der Jungfrau Maria und des Körpers des Christuskindes und den tiefen Schatten in den Falten der Stoffe.
Im Andalusien des 17. Jahrhunderts war das Bild der Jungfrau mit Kind besonders gefragt. Murillo, dessen kreatives Leben in Sevilla stattfand, malte viele solcher Gemälde, erfüllt von Zärtlichkeit. In diesem Fall wird die Gottesmutter mit einem Rosenkranz dargestellt. Und hier, wie in frühe Jahre Auch in seinem Schaffen bleibt der Künstler seiner Leidenschaft für Licht- und Schattenkontraste treu.

Bartolome Esteban Murillo „Der gute Hirte“ 1655-1660

Das Bild ist von tiefer Lyrik und Freundlichkeit durchdrungen. Der Titel ist dem Johannesevangelium entnommen: „Ich bin der gute Hirte.“ Dies besagt, dass das Gemälde Christus darstellt, wenn auch in den meisten Fällen junges Alter. Alles in Murillos Film ist schön und einfach. Der Künstler liebte es, Kinder zu malen, und all diese Liebe steckte er in die Schönheit des Bildes dieses Knabengottes. In den 1660er und 1670er Jahren, während der Blütezeit seiner Malfähigkeiten, versuchte Murillo, seine Figuren zu poetisieren, und ihm wurde oft eine gewisse Sentimentalität in seinen Bildern und ihre bewusste Schönheit vorgeworfen. Allerdings sind diese Vorwürfe nicht ganz berechtigt. Das auf dem Gemälde dargestellte Kind ist noch heute sowohl in Sevilla als auch in den umliegenden Dörfern zu sehen. Und genau darin manifestierte sich die demokratische Ausrichtung der Arbeit der Künstlerin – indem sie die Schönheit der Madonna mit der Schönheit gewöhnlicher spanischer Frauen und die Schönheit ihres Sohnes, des kleinen Christus, mit der Schönheit von Straßenkindern gleichsetzte.

Alonso Sanchez Coelho „Porträt der Infantinnen Isabella Clara Eugenia und Catalina Micaela“ 1575

Das Porträt zeigt die acht- und neunjährige Prinzessin mit einem Blumenkranz in der Hand. Sánchez Coelho malte schon in jungen Jahren Porträts von Infantinnen – den geliebten Töchtern von König Philipp II. und seiner dritten Frau Isabella Valois. Alle Porträts sind nach den Grundsätzen eines Hofporträts angefertigt – Mädchen in prachtvoller Kleidung und mit teilnahmslosem Gesichtsausdruck.

Anton Rafael Mengs. Porträt von König Carlos III. 1767

Karl III. wurde als vielleicht der einzige wirklich aufgeklärte Monarch in der Geschichte Spaniens bezeichnet. Er war es, der 1785 das Prado-Museum gründete, zunächst als Naturkundemuseum. Karl III. träumte davon, dass das Prado-Museum zusammen mit seinen benachbarten botanische Gärten wird zu einem Zentrum der wissenschaftlichen Ausbildung.
Nachdem er den Thron bestiegen hatte, begann er ernsthafte politische und wirtschaftliche Reformen durchzuführen, die das Land damals so dringend brauchte. Seine Bemühungen waren jedoch vergeblich – sein Sohn Karl IV. teilte nicht die fortschrittlichen Ansichten seines Vaters und nach dem Tod Karls III. waren die Reformen beendet.
Dieses Porträt ist absolut typisch für seine Zeit. Mit jedem Detail macht der Künstler auf die Position aufmerksam, die das Modell einnimmt: ein mit Hermelin besetzter Mantel, ein mit Juwelen besetztes Malteserkreuz, eine glänzende Rüstung – unverzichtbare Attribute königlicher Erhabenheit. Üppige Drapierung und Pilaster (Element klassische Architektur) ist ein traditioneller Hintergrund für solche Porträts.
Doch bereits in diesem Porträt ist es überraschend, wie das Gesicht des Models präsentiert wird. Mengs macht keinen Versuch, die Knollennase des Königs schlanker zu machen oder die Falten in seinen faltigen Wangen zu glätten. Dank maximaler Individualität schafft dieses Gemälde ein Lebensgefühl, das Mengs‘ Vorgänger nicht erreichen konnten. Das Porträt weckt Mitgefühl für Carlos III., der bereit ist, sein unvollkommenes Aussehen zu „zeigen“.

Antoine Watteau „Fest im Park“, ca. 1713 - 1716

Diese bezaubernde Szene ist ein typisches Beispiel für Watteaus „galante Feiertage“. Leichter Nebel, die Umrisse verschwimmen, die fast im Laubwerk über dem Brunnen verborgene Neptunstatue und die verblasste goldene Farbe – all das vermittelt eine Atmosphäre akuten, aber flüchtigen Vergnügens.
Das Gemälde gehörte Isabella Farnese, der zweiten Frau von König Philipp V.

Antonio Carnicero „Steigen des Heißluftballons in Aranjuez“, um 1900. 1784

Das Gemälde wurde vom Herzog und der Herzogin von Haussouin in Auftrag gegeben und fängt den Geist des Zeitalters der Aufklärung ein, der das Interesse an Errungenschaften weckte wissenschaftlicher Fortschritt. Abgebildet echtes Ereignis: 1784 wurde in den königlichen Gärten von Aranjuez in Anwesenheit des Monarchen, seiner Familienmitglieder und Höflinge eine Heißluftballonfahrt durchgeführt. Antonio Carnicero war für seine wunderschönen Genreszenen bekannt und dieses Gemälde ist eines seiner anspruchsvollsten Werke.

Jose de Madrazo y Agudo „Himmlische Liebe und irdische Liebe“ 1813

Francisco de Zurbaran „Agnus Dei. Lamm Gottes“ 1635-1640

Auf einem grauen Tisch liegt ein Lamm, das sich im scharf gebündelten hellen Licht deutlich vom dunklen Hintergrund abhebt. Jeder Mensch im 17. Jahrhundert hätte in ihm sofort das „Lamm Gottes“ erkannt und verstanden, dass dies eine Anspielung auf die Selbstaufopferung Christi war. Die Wolle des Lammes ist wunderbar verarbeitet und wirkt so weich, dass man den Blick kaum von dem Tier abwenden kann und man es am liebsten anfassen möchte.

Juan Pantoja de la Cruz „Porträt der Königin Isabella von Valois“, ca. 1604 – 1608

Pantoja de la Cruz malte dieses Porträt in Anlehnung an das Werk von Sofonisba Angishola – das Original wurde 1604 im Palast verbrannt. Dem Outfit der Königin fügte der Künstler lediglich einen Umhang aus Murmeltierfell hinzu.
Sofonisba Angishola war eine Künstlerin aus Cremona, die am spanischen Hof arbeitete. Dies war das erste Porträt der jungen Königin in einer Serie des Künstlers. Das Gemälde wurde in einer Art und Weise gemalt, die dem Spanischen ähnelt, jedoch in wärmeren und helleren Farben.

Jean Rann „Porträt von Carlos III. als Kind“ 1723

Luis Melendez „Stillleben mit einer Schachtel Süßigkeiten, Brezeln und anderen Gegenständen“, 1770

Der größte Meister der spanischen Sprache Stillleben XVIII ca. wurde Luis Melendez in Italien in der Familie eines Miniaturkünstlers aus Asturien geboren. Im Jahr 1717 zog die Familie nach Madrid, wo der junge Mann in die Vorbereitungsabteilung der Akademie von San Fernando eintrat und unter deren begabtesten Schülern den ersten Platz belegte. 1747 musste er jedoch die Akademie verlassen und folgte damit seinem Vater, der infolge des Konflikts aus der Akademie ausgeschlossen wurde. In dieser Zeit besucht Melendez erneut Italien. Zunächst half er seinem Vater, wurde dann Miniaturmaler und wurde nach seiner Rückkehr aus Italien von Ferdinand VI. eingeladen, in der Königlichen Kapelle von Madrid Bücher zu illustrieren. Im Genre des Stilllebens, dem sich der Künstler in den frühen 1760er Jahren zuwandte, neue Facette seine Kreativität.
Dieses Stillleben wurde gemalt Reifezeit Kreativität des Künstlers. Zu dieser Zeit tauchten in seinen Kompositionen auch Luxusartikel und Silberwaren auf. Dennoch hält der Künstler an seinen Idealen fest und arbeitet danach Genretradition. Die materielle Greifbarkeit jedes der auf Leinwand gemalten Objekte erinnert uns an die besten Beispiele für Stillleben in der Weltkunst. Das fühlbar transparente Glas spiegelt sich in der matt glänzenden Oberfläche der silbernen Vase wider. Eine weiche Brezel auf einer weißen Serviette, die nach frisch gebackenem Brot zu riechen scheint. Der Hals einer verschlossenen Flasche schimmert matt. Eine silberne Gabel ragt leicht über die Kante des beleuchteten Tisches hinaus. In der Komposition dieses Stilllebens gibt es keine asketische Anordnung der Objekte in einer Reihe, wie sie beispielsweise für Zurbarans Stillleben charakteristisch ist. Vielleicht hat es etwas mit niederländischen Mustern gemeinsam. Aber der Ton ist dunkler, es gibt weniger Objekte und die Komposition ist einfacher.

Juan de Arellano „Blumenkorb“, 1670

Spanischer Barockkünstler, spezialisiert auf die Darstellung von Blumenarrangements, geboren 1614 in Santorcas. Zunächst studierte er im Atelier eines heute unbekannten Künstlers, zog aber im Alter von 16 Jahren nach Madrid, wo er bei Juan de Solis studierte, einem Künstler, der Aufträge für Königin Isabella ausführte. Juan de Arellano lange Zeit Er lebte von kleinen Aufträgen, darunter Wandmalereien, bis er beschloss, sich ausschließlich auf das Malen von Blumen zu konzentrieren und ein unübertroffener Meister auf diesem Gebiet wurde. Es wird angenommen, dass der Meister damit begann, die Werke anderer, insbesondere italienischer Künstler zu kopieren; flämische Stillleben verliehen seinem Stil Eleganz und Strenge. Später fügte er dieser Kombination eigene kompositorische Ideen und eine charakteristische Farbpalette hinzu.
Charakteristisch für Arellano ist die eher schlichte Komposition dieses Stilllebens. Durch die intensive Beleuchtung heben sich reine, intensive Pflanzenfarben leuchtend von einem neutralen bräunlichen Hintergrund ab.

El Greco – „Porträt eines Herrn mit der Hand auf der Brust“

Swetlana Obuchowa

Über den Mann Domenico gibt es fast keine Beweise mehr, nur Anklänge: dass er in großem Stil lebte, eine reiche Bibliothek besaß, viele Philosophen las und auch Klienten verklagte (sie liebten ihn, verstanden ihn aber häufiger nicht), starb fast in Armut – wie die dünnen Strahlen des Tageslichts, die durch die Risse in den „geschlossenen Fensterläden“ seines Lebens brechen. Aber sie lenken nicht vom Wesentlichen ab – vom inneren Licht, das die Gemälde des Künstlers El Greco erfüllt. Vor allem Porträts.

Es gibt keine Landschaften, die sich hinter dem Porträtierten öffnen, keine Fülle an Details, die den neugierigen Blick anziehen. Sogar der Name des Helden bleibt oft außen vor. Denn all das würde Sie daran hindern, das Gesicht zu sehen. Und Augen, tief, dunkel, die dich direkt ansehen. Es ist schwer, sich von ihnen loszureißen, und wenn man sich dazu zwingt, dann ist es, die Geste zu sehen und wieder innezuhalten.

Dabei handelt es sich um das „Porträt eines Kavaliers mit der Hand auf der Brust“ (1577-1579), das der Meister kurz nach seinem Umzug nach Toledo malte. Dieses Porträt gilt als eines der besten der spanischen Malerei des 16. Jahrhunderts. Der Fremde El Greco schuf „lebendige Bilder des spanischen Lebens und der spanischen Geschichte“, die „echte Lebewesen einfangen, die in sich alles vereinen, was an unserem Volk zu bewundern ist, alles Heroische und Unbezähmbare, mit jenen gegensätzlichen Eigenschaften, die sich nur widerspiegeln können.“ ohne sein Wesen zu zerstören“ (A. Segovia). Aristokraten aus den alten Familien von Toledo wurden zu den wahren Helden von El Greco, er sah ihr inneres Licht – ihren Adel und ihre Würde, ihre Pflichttreue, ihre Intelligenz, ihre Verfeinerung der Manieren, ihren Mut, ihre äußere Zurückhaltung und ihren inneren Impuls, die Stärke des Herzens, das weiß, wofür es lebt und stirbt. ..

Und andere Gemälde aus dem Prado-Museum in der Eremitage ...

El Greco „Christus umarmt das Kreuz“ 1600 – 1605

El Greco „Heilige Familie mit der heiligen Anna und dem kleinen Johannes dem Täufer“, um 1900. 1600 - 1605

Velasquez - Porträt von Philipp IV. Porträt von König Philipp IV. 1653-1657

Den Grundstein für das psychologische Porträt in der europäischen Kunst legte der spanische Maler Diego Rodriguez de Silva Velazquez. Er wurde in eine arme Adelsfamilie in Sevilla hineingeboren und studierte bei Herrera dem Älteren und Pacheco. 1622 kam er erstmals nach Madrid. In praktischer Hinsicht war diese Reise nicht sehr erfolgreich – Velazquez fand keinen würdigen Ort für sich. Er hoffte, den jungen König Philipp IV. zu treffen, doch das Treffen fand nicht statt. Dennoch erreichten Gerüchte über den jungen Künstler den Hof, und bereits im nächsten Jahr, 1623, lud der erste Minister, Herzog de Olivares (ebenfalls aus Sevilla stammend), Velazquez nach Madrid ein, um ein Porträt des Königs zu malen. Dieses uns nicht überlieferte Werk machte auf den Monarchen einen so angenehmen Eindruck, dass er Velazquez sofort die Stelle eines Hofkünstlers anbot. Bald entwickelten sich recht freundschaftliche Beziehungen zwischen dem König und Velazquez, was für den am spanischen Hof herrschenden Orden nicht sehr typisch war. Der König, der das größte Reich der Welt regierte, galt nicht als Mensch, sondern als Gottheit, und der Künstler konnte nicht einmal mit adligen Privilegien rechnen, da er seinen Lebensunterhalt durch Arbeit verdiente. Unterdessen befahl Philipp, dass fortan nur noch Velazquez seine Porträts malen dürfe. Der große Monarch war überraschend großzügig und unterstützte Velazquez. Das Atelier des Künstlers befand sich in den königlichen Gemächern und dort wurde für Seine Majestät ein Stuhl aufgestellt. Der König, der den Schlüssel zur Werkstatt besaß, kam fast jeden Tag hierher, um die Arbeit des Künstlers zu beobachten. Während seiner königlichen Dienste von 1623 bis 1660 malte Velazquez etwa ein Dutzend Porträts seines Oberherrn. Davon haben uns etwas mehr als 10 Gemälde erreicht. So malte Velazquez seinen Oberherrn im Durchschnitt etwa alle drei Jahre. Es war Velazquez‘ Aufgabe, Porträts des Königs zu malen, und er erledigte diese Aufgabe perfekt. Dadurch verfügen wir über einen in seiner Art einzigartigen Werkkomplex: Velazquez‘ Porträts zeichnen den Lebensweg König Philipps so deutlich nach, wie es später erst im Zeitalter der Fotografie üblich wurde. Die Evolution ist in den Gemälden des Künstlers deutlich sichtbar. Erstens verändert sich der König selbst, im ersten Porträt 18 Jahre alt und im letzten 50 Jahre alt; sein Gesicht trägt den Abdruck des Alters und spiritueller Veränderungen. Zweitens vertieft sich die Wahrnehmung des Künstlers für sein Modell und wandelt sich von oberflächlich zu aufschlussreich. Im Laufe der Zeit ändern sich die Art und Weise, wie das Modell präsentiert wird, und die künstlerischen Techniken. Velazquez‘ Art verändert sich unter dem Einfluss seines eigenen kreativen Wachstums sowie unter dem Einfluss moderner in- und ausländischer Traditionen. Dieses Unterbrustporträt zeigt Philipp IV. vor dunklem Hintergrund, in schwarzer Kleidung mit weißem Kragen, der das Gesicht des Monarchen deutlich hervorhebt. Velázquez vermeidet Prunk im Porträt des Königs und zeigt das „menschliche Gesicht“ des Monarchen ohne jegliche Schmeichelei oder höfische List. Wir spüren deutlich, dass die Person, die uns von der Leinwand aus ansieht, unglücklich ist; die letzten Jahre seiner Herrschaft waren für den König nicht einfach. Dies ist ein Mann, der Enttäuschungen erlebt hat, aber gleichzeitig auch ein Mann, dessen Fleisch von angeborener Größe erfüllt ist, die nichts erschüttern kann. Ein anderer großer Künstler, ein Spanier durch und durch, Pablo Ruiz Picasso, sagt über das Bild des spanischen Königs: „Wir können uns keinen anderen Philipp IV. vorstellen als den von Velazquez geschaffenen ...“

„Porträt von König Philipp IV.“ (ca. 1653 – 1657)

Eines der letzten Porträts des Monarchen. Interessant ist, dass es hier kein einziges Element gibt, das auf den königlichen Status der dargestellten Person schließen lässt. Velazquez diente Philipp IV. fast vierzig Jahre lang – von 1623 bis zu seinem Tod – und malte Porträts des Königs und seiner Familie sowie große Gemälde für die königliche Sammlung.

Diego Velazquez „Porträt des Narren Don Diego de Acedo“ (El Primo) ca. 1644

Diego Velazquez „Porträt der Königin Marianna von Österreich“ 1652-1653

Tizian (Tiziano Vecellio) „Venus mit Amor und dem Organisten“ 1555

Paolo Veronese (Paolo Cagliari) – „Büßende Maria Magdalena“ 1583

Nach ihrer Bekehrung widmete Maria Magdalena ihr Leben der Reue und dem Gebet und zog sich von der Welt zurück. Auf diesem Gemälde blickt sie in den Himmel und ist in göttliches Licht getaucht. Das Gemälde ist in kräftigen dunklen Farben gemalt, charakteristisch für Veroneses Stil in der Spätphase seines Schaffens. Bevor das Werk in die königlichen Sammlungen Spaniens gelangte, gehörte es dem englischen König Karl I. (hingerichtet 1649).

Anthony Van Dyck „Porträt eines Mannes mit Laute“ 1622-1632

Anthony Van Dyck verdankt seinen Ruhm gerade dem Genre der Porträtmalerei, das in der Hierarchie der europäischen Malerei einen eher niedrigen Platz einnahm. Zu diesem Zeitpunkt hatte sich in Flandern jedoch bereits eine Tradition der Porträtkunst entwickelt. Van Dyck malte Hunderte von Porträts, darunter mehrere Selbstporträts, und wurde im 17. Jahrhundert zu einem der Schöpfer des Stils der zeremoniellen Porträtmalerei. In Porträts seiner Zeitgenossen zeigte er deren geistige, emotionale Welt, spirituelles Leben und lebendigen menschlichen Charakter.
Das traditionelle Vorbild für dieses Porträt ist Jacob Gautier, ein Lautenist am englischen Hof von 1617 bis 1647, aber das Vorhandensein des Schwertes und vor allem die stilistischen Merkmale des Werks deuten darauf hin, dass es viel früher als Van entstanden sein muss Dycks Reise nach London, die diese Theorie in Frage stellt. Das Vorhandensein eines Musikinstruments bedeutet nicht unbedingt, dass das Modell ein Musiker war. Als Symbol wurden Musikinstrumente oft in Porträts dargestellt, als Hinweis auf die intellektuelle Raffinesse und Sensibilität des Motivs.

Juan Bautista Maino „Anbetung der Hirten“ 1612-1614

Eines von Mainos Meisterwerken. Die Sammlung der Staatlichen Eremitage enthält eine weitere Version dieser Geschichte, geschrieben von Maino. Der Künstler wurde in Pastrana (Guadalajara) geboren und lebte von 1604 bis 1610 in Rom. Dieses Werk, das nach seiner Rückkehr nach Spanien geschrieben wurde, zeigt den Einfluss von Caravaggio und Orazio Gentileschi. Im Jahr 1613 wurde Maino Mitglied des Dominikanerordens und das Gemälde wurde in den Altarzyklus des Klosters St. Peter der Märtyrer in Toledo aufgenommen.

Georges de Latour „Der blinde Musiker mit der Drehleier“, ca. 1625-1630

Latour stellt einen alten blinden Musiker dar, der eine Drehleier spielt. Er wiederholte diese Handlung mehrmals. Der Künstler, der unter dem Einfluss von Caravaggios Stil arbeitete, reproduziert mit Begeisterung Details – das Muster, das ein Musikinstrument schmückt, die Falten im Gesicht eines Blinden, seine Haare.

Peter Paul Rubens, Jacob Jordaens „Perseus befreit Andromeda“ Ca. 1639-1640

Francisco de Goya „Porträt von Ferdinand VII.“ 1814-1815

Francisco de Goya „Maria von Santa Cruz“ 1805

Francisco Goya – „Herbst (Weinlese)“ 1786 – 1787

Francisco GOYA – „Weinlese“ Fragment

Francisco Goya „Porträt des Generals José de Urrutia“ (um 1798)

Peter Paul Rubens „Porträt der Marie von Medici“. OK. 1622-1625.

Domenico Tintoretto „Frau entblößt ihre Brüste“ Ca. 1580-1590

Vicente Lopez Portanha „Porträt von Felix Maximo Lopez, erster Organist der Königlichen Kapelle“ 1820

Spanischer neoklassizistischer Maler, der Spuren des Rokoko-Stils bewahrte. Lopez galt nach Francisco de Goya als einer der besten Porträtmaler seiner Zeit. Im Alter von 13 Jahren begann er in Valencia Malerei zu studieren und gewann innerhalb von vier Jahren mehrere erste Preise an der Akademie von San Carlos, was ihm ein Stipendium für ein Studium an der renommierten Königlichen Akademie der Schönen Künste in San Fernando der Hauptstadt einbrachte. Nach Abschluss seines Studiums arbeitete Lopez mehrere Jahre in der Werkstatt seines Lehrers Mariano Salvador Maella. Nach der französischen Besetzung im Jahr 1814 war Lopez bereits ein bekannter Künstler, weshalb ihn der spanische König Ferdinand VII. nach Madrid berief und ihn zum offiziellen Hofkünstler ernannte, obwohl Francisco der „erste königliche Künstler“ zu dieser Zeit war Goya selbst. Vicente Lopez war ein produktiver Künstler, er malte Gemälde zu religiösen, allegorischen, historischen und mythologischen Themen, aber vor allem war er natürlich ein Porträtmaler. Während seiner langen Karriere malte er in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts Porträts fast aller berühmten Persönlichkeiten Spaniens.
Dieses Porträt des ersten Organisten der königlichen Kapelle und des berühmten Musikers und Komponisten wurde kurz vor dem Tod des Künstlers gemalt und von seinem ältesten Sohn Ambrosio Lopez fertiggestellt.

Anton Raphael Mengs „Porträt von Maria Luisa von Parma, Prinzessin von Asturien“ 1766

Juan Sanchez Cotan „Stillleben mit Wild, Gemüse und Früchten“ 1602

Hieronymus Bosch „Gewinnung des Steins der Torheit“ um 1900. 1490

Die satirische Szene mit Figuren vor Landschaftshintergrund zeigt eine Operation zur Entfernung des „Steins der Dummheit“. Die Inschrift in gotischer Schrift lautet: „Meister, entferne schnell den Stein. Mein Name ist Lubbert Das.“ Lubbert ist ein gebräuchliches Substantiv, das Unwissenheit und Einfachheit bezeichnet. Ein Chirurg, der einen Kopfschmuck in Form eines umgekehrten Trichters trägt, der Unwissenheit symbolisiert, „entfernt“ einen Stein (Seerose) vom Kopf eines leichtgläubigen Patienten und verlangt von ihm eine großzügige Bezahlung. Damals glaubten die Einfältigen, dass ein Stein im Kopf für ihre Dummheit verantwortlich sei. Das haben Scharlatane ausgenutzt.

Raffael (Raffaello Santi) „Die Heilige Familie mit dem Lamm“ 1507

Maria hilft dem kleinen Christus, sich auf das Lamm zu setzen – ein christliches Symbol für die kommende Passion Christi, und St. Joseph beobachtet sie. Das Gemälde wurde in Florenz gemalt, wo der Künstler das Werk von Leonardo da Vinci studierte, beeinflusst von seinen Kompositionen mit der Heiligen Familie. Im Prado-Museum ist dies das einzige Werk Raffaels, das in der Frühzeit gemalt wurde.

Albrecht Dürer „Bildnis eines unbekannten Mannes“ ca. 1521

Das Porträt gehört zur Spätphase von Dürers Schaffen. Gemalt in einer Art und Weise, die dem Stil niederländischer Künstler ähnelt. Ein Hut mit breiter Krempe lenkt die Aufmerksamkeit auf das Gesicht der Porträtierten, das von links einfallende Licht lenkt die Aufmerksamkeit des Betrachters darauf. Den zweiten Schwerpunkt des Porträts bilden die Hände, und zwar vor allem die linke, in denen der Unbekannte eine Schriftrolle hält, die offenbar seinen sozialen Status erklärt.

Rogier van der Weyden „Lamentation“ Ca. 1450

Als Vorbild diente das Altartriptychon für das Kloster Miraflores (aufbewahrt in der Berliner Kunstgalerie), das Van der Weyden vor 1444 geschaffen und mit einigen Unterschieden wiederholt hatte. In dieser Version, deren oberer Teil zu einem unbekannten Zeitpunkt hinzugefügt wurde, sind Maria, Christus, St. John und der Spender (Kunde des Gemäldes) – ein Mitglied der Familie Broers – sind im selben Raum abgebildet. Ausdrucksstark vermittelt die Künstlerin die Trauer der Muttergottes, indem sie den Körper ihres toten Sohnes an ihre Brust drückt. Der tragischen Gruppe links steht die durch einen Stein getrennte Figur des Stifters gegenüber. Er befindet sich in einem Zustand betender Konzentration. Damals wurde oft von Kunden verlangt, sich selbst auf Gemälden darstellen zu dürfen. Aber ihre Bilder waren immer zweitrangig – irgendwo im Hintergrund, in der Menge usw. Hier ist der Stifter im Vordergrund dargestellt, jedoch durch Stein und Farbe von der Hauptgruppe getrennt.

Alonso Cano „Toter Christus, gestützt von einem Engel“ um 1900. 1646 - 1652

Bartolome Esteban Murillo „Unsere Liebe Frau vom Rosenkranz“ Ca. 1650-1655

Das Werk von Bartolome Esteban Murillo beendet das goldene Zeitalter der spanischen Malerei. Murillos Werke sind tadellos präzise in der Komposition, reich und harmonisch in der Farbe und schön im höchsten Sinne des Wortes. Seine Gefühle sind immer aufrichtig und zart, aber in Murillos Gemälden gibt es nicht mehr die spirituelle Kraft und Tiefe, die in den Werken seiner älteren Zeitgenossen so schockierend ist. Das Leben des Künstlers ist mit seiner Heimat Sevilla verbunden, obwohl er Madrid und andere Städte besuchen musste. Nachdem Murillo bei dem örtlichen Maler Juan del Castillo (1584-1640) studiert hatte, arbeitete er intensiv im Auftrag von Klöstern und Tempeln. 1660 wurde er Präsident der Akademie der Schönen Künste in Sevilla.
Mit seinen Gemälden religiöser Themen wollte Murillo Trost und Beruhigung vermitteln. Es ist kein Zufall, dass er sehr oft das Bild der Muttergottes malte. Das Bild Mariens ging von Gemälde zu Gemälde in Form eines hübschen jungen Mädchens mit regelmäßigen Gesichtszügen und einem ruhigen Blick über. Ihr unschuldiges Aussehen sollte beim Betrachter ein Gefühl süßer Zärtlichkeit hervorrufen. Auf diesem Gemälde stellte Bartolome Murillo die Madonna und Jesus mit dem Rosenkranz dar, dem traditionellen katholischen Rosenkranz, dessen Gebet zu Zeiten des Künstlers große Bedeutung hatte. In diesem Werk sind die Züge des Naturalismus, der in den Werken der Vertreter der Sevillaner Schule in der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts vorherrschte, noch spürbar, allerdings ist Murillos Malstil bereits freier als in seinem Frühwerk. Besonders deutlich wird diese freie Art in der Darstellung des Schleiers der Jungfrau Maria. Mit hellem Licht hebt der Künstler die Figuren vor einem dunklen Hintergrund hervor und schafft einen Kontrast zwischen den zarten Farbtönen des Gesichts der Jungfrau Maria und des Körpers des Christuskindes und den tiefen Schatten in den Falten der Stoffe.
Im Andalusien des 17. Jahrhunderts war das Bild der Jungfrau mit Kind besonders gefragt. Murillo, der sein kreatives Leben in Sevilla verbrachte, malte viele solcher Gemälde voller Zärtlichkeit. In diesem Fall wird die Gottesmutter mit einem Rosenkranz dargestellt. Und auch hier bleibt der Künstler wie in den Anfangsjahren seines Schaffens seiner Leidenschaft für Licht- und Schattenkontraste treu.

Bartolome Esteban Murillo „Der gute Hirte“ 1655-1660

Das Bild ist von tiefer Lyrik und Freundlichkeit durchdrungen. Der Titel ist dem Johannesevangelium entnommen: „Ich bin der gute Hirte.“ Dies deutet darauf hin, dass das Gemälde Christus darstellt, wenn auch in einem sehr frühen Alter. Alles in Murillos Film ist schön und einfach. Der Künstler liebte es, Kinder zu malen, und all diese Liebe steckte er in die Schönheit des Bildes dieses Knabengottes. In den 1660er und 1670er Jahren, während der Blütezeit seiner Malfähigkeiten, versuchte Murillo, seine Figuren zu poetisieren, und ihm wurde oft eine gewisse Sentimentalität in seinen Bildern und ihre bewusste Schönheit vorgeworfen. Allerdings sind diese Vorwürfe nicht ganz berechtigt. Das auf dem Gemälde dargestellte Kind ist noch heute sowohl in Sevilla als auch in den umliegenden Dörfern zu sehen. Und genau darin manifestierte sich die demokratische Ausrichtung der Arbeit der Künstlerin – indem sie die Schönheit der Madonna mit der Schönheit gewöhnlicher spanischer Frauen und die Schönheit ihres Sohnes, des kleinen Christus, mit der Schönheit von Straßenkindern gleichsetzte.

Alonso Sanchez Coelho „Porträt der Infantinnen Isabella Clara Eugenia und Catalina Micaela“ 1575

Anton Rafael Mengs. Porträt von König Carlos III. 1767

Karl III. wurde als vielleicht der einzige wirklich aufgeklärte Monarch in der Geschichte Spaniens bezeichnet. Er war es, der 1785 das Prado-Museum gründete, zunächst als Naturkundemuseum. Karl III. träumte davon, dass das Prado-Museum zusammen mit dem nahegelegenen Botanischen Garten ein Zentrum der wissenschaftlichen Ausbildung werden würde.
Nachdem er den Thron bestiegen hatte, begann er ernsthafte politische und wirtschaftliche Reformen durchzuführen, die das Land damals so dringend brauchte. Seine Bemühungen waren jedoch vergeblich – sein Sohn Karl IV. teilte nicht die fortschrittlichen Ansichten seines Vaters und nach dem Tod Karls III. waren die Reformen beendet.
Dieses Porträt ist absolut typisch für seine Zeit. Mit jedem Detail macht der Künstler auf die Position aufmerksam, die das Modell einnimmt: ein mit Hermelin besetzter Mantel, ein mit Juwelen besetztes Malteserkreuz, eine glänzende Rüstung – unverzichtbare Attribute königlicher Erhabenheit. Üppige Vorhänge und Pilaster (ein Element der klassischen Architektur) bilden den traditionellen Hintergrund für solche Porträts.
Doch bereits in diesem Porträt ist es überraschend, wie das Gesicht des Models präsentiert wird. Mengs macht keinen Versuch, die Knollennase des Königs schlanker zu machen oder die Falten in seinen faltigen Wangen zu glätten. Dank maximaler Individualität schafft dieses Gemälde ein Lebensgefühl, das Mengs‘ Vorgänger nicht erreichen konnten. Das Porträt weckt Mitgefühl für Carlos III., der bereit ist, sein unvollkommenes Aussehen zu „zeigen“.

Antoine Watteau „Fest im Park“, ca. 1713 - 1716

Diese bezaubernde Szene ist ein typisches Beispiel für Watteaus „galante Feiertage“. Ein leichter Nebel, der die Umrisse verwischt, eine fast im Laubwerk über dem Brunnen verborgene Neptunstatue und eine verblasste goldene Farbe – all das vermittelt eine Atmosphäre akuten, aber flüchtigen Vergnügens.
Das Gemälde gehörte Isabella Farnese, der zweiten Frau von König Philipp V.

Antonio Carnicero „Steigen des Heißluftballons in Aranjuez“, um 1900. 1784

Das Gemälde wurde vom Herzog und der Herzogin von Haussouin in Auftrag gegeben und fängt den Geist des Zeitalters der Aufklärung ein, das Interesse an den Errungenschaften des wissenschaftlichen Fortschritts weckte. Dargestellt ist ein reales Ereignis: Im Jahr 1784 wurde in den königlichen Gärten von Aranjuez in Anwesenheit des Monarchen, seiner Familienmitglieder und Höflinge eine Heißluftballonfahrt durchgeführt. Antonio Carnicero war für seine wunderschönen Genreszenen bekannt und dieses Gemälde ist eines seiner anspruchsvollsten Werke.

Jose de Madrazo y Agudo „Himmlische Liebe und irdische Liebe“ 1813

Francisco de Zurbaran „Agnus Dei. Lamm Gottes“ 1635-1640

Juan Pantoja de la Cruz „Porträt der Königin Isabella von Valois“, ca. 1604 – 1608

Jean Rann „Porträt von Carlos III. als Kind“ 1723

Luis Melendez „Stillleben mit einer Schachtel Süßigkeiten, Brezeln und anderen Gegenständen“, 1770

Luis Melendez, der größte Meister des spanischen Stilllebens des 18. Jahrhunderts, wurde in Italien in der Familie eines Miniaturkünstlers aus Asturien geboren. Im Jahr 1717 zog die Familie nach Madrid, wo der junge Mann in die Vorbereitungsabteilung der Akademie von San Fernando eintrat und unter deren begabtesten Schülern den ersten Platz belegte. 1747 musste er jedoch die Akademie verlassen und folgte damit seinem Vater, der infolge des Konflikts aus der Akademie ausgeschlossen wurde. In dieser Zeit besucht Melendez erneut Italien. Zunächst half er seinem Vater, wurde dann Miniaturmaler und wurde nach seiner Rückkehr aus Italien von Ferdinand VI. eingeladen, in der Königlichen Kapelle von Madrid Bücher zu illustrieren. Im Genre des Stilllebens, dem sich der Künstler in den frühen 1760er Jahren zuwandte, entstand eine neue Facette seines Schaffens.
Dieses Stillleben entstand in der Reifezeit des Künstlers. Zu dieser Zeit tauchten in seinen Kompositionen auch Luxusartikel und Silberwaren auf. Dennoch bleibt der Künstler seinen Idealen treu und arbeitet im Einklang mit der Genretradition. Die materielle Greifbarkeit jedes der auf Leinwand gemalten Objekte erinnert uns an die besten Beispiele für Stillleben in der Weltkunst. Das fühlbar transparente Glas spiegelt sich in der matt glänzenden Oberfläche der silbernen Vase wider. Eine weiche Brezel auf einer weißen Serviette, die nach frisch gebackenem Brot zu riechen scheint. Der Hals einer verschlossenen Flasche schimmert matt. Eine silberne Gabel ragt leicht über die Kante des beleuchteten Tisches hinaus. In der Komposition dieses Stilllebens gibt es keine asketische Anordnung der Objekte in einer Reihe, wie sie beispielsweise für Zurbarans Stillleben charakteristisch ist. Vielleicht hat es etwas mit niederländischen Mustern gemeinsam. Aber der Ton ist dunkler, es gibt weniger Objekte und die Komposition ist einfacher.

Juan de Arellano „Blumenkorb“, 1670

Spanischer Barockkünstler, spezialisiert auf die Darstellung von Blumenarrangements, geboren 1614 in Santorcas. Zunächst studierte er im Atelier eines heute unbekannten Künstlers, zog aber im Alter von 16 Jahren nach Madrid, wo er bei Juan de Solis studierte, einem Künstler, der Aufträge für Königin Isabella ausführte. Juan de Arellano lebte lange Zeit von kleinen Aufträgen, unter anderem von Wandgemälden, bis er beschloss, sich ausschließlich auf das Malen von Blumen zu konzentrieren und ein unübertroffener Meister auf diesem Gebiet wurde. Es wird angenommen, dass der Meister damit begann, die Werke anderer, insbesondere italienischer Künstler zu kopieren; flämische Stillleben verliehen seinem Stil Eleganz und Strenge. Später fügte er dieser Kombination eigene kompositorische Ideen und eine charakteristische Farbpalette hinzu.
Charakteristisch für Arellano ist die eher schlichte Komposition dieses Stilllebens. Durch die intensive Beleuchtung heben sich reine, intensive Pflanzenfarben leuchtend von einem neutralen bräunlichen Hintergrund ab.

Eines der frühesten in Spanien geschaffenen Porträts von El Greco ist vielleicht das sogenannte „Porträt eines Kavaliers mit der Hand auf der Brust“ (ca. 1577–1579). Dies zeigt sich vor allem in einem eher traditionellen, dunklen Malstil, der auf bräunlichen Farbtönen und einem dichten, glatten Pinselstrich basiert. Typisch ist eine psychologische Neutralität der Interpretation, die später einer deutlich aktiveren Charakterisierung weichen wird.

Das berühmtes Porträt El Greco stellt sozusagen das in den Rahmen des Kanons erhobene Bild eines Adligen seiner Zeit dar. Elegant, sehr ruhig, mit der rechten Hand auf der Brust in einer Geste des Eids oder der Überzeugung, verkörpert der unbekannte Caballero das Merkmal der spanischen Aristokratie Gesellschaft gehen, also der Ausdruck in Aussehen Gleichmut, Zurückhaltung, Würde.

Der Griff des Toledo-Schwerts ist ein beredtes Detail seines strengen Auftretens, ein schwarzer Anzug, verziert mit einem hohen Kragen und Manschetten aus schneeweißer Spitze. Antonina Vallantin stellt zu Recht fest, dass dieser Spaniertypus die Bühne betrat und bereits auf den Seiten von Romanen lebte, aber um dargestellt zu werden, musste er auf die Ankunft El Grecos in Toledo warten.

Das Porträt hat jedoch interne Inkonsistenz, da der ideelle Aspekt des Bildes nicht ganz der Persönlichkeit der dargestellten Person entspricht – es wird eine wenig aussagekräftige Natur dargestellt. Der Eindruck entsteht durch die Bildstruktur der Leinwand, bei der Gesicht und Hand mit symbolischer Fingeranordnung als helle Punkte aus dem dunklen Hintergrund hervortreten; Die kostbare Schönheit dünner, schimmernder Spitze und des in der Luft hängenden Schwertgriffs erhält eine besondere Zerbrechlichkeit. Der distanzierte Blick des Caballeros, ausgestattet mit dem für Elgrek typischen seltsamen Blick, verstärkt die Ausdruckskraft des Bildes.

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