Σύγχρονη κινεζική τέχνη. Κινεζική Σύγχρονη Τέχνη: Κρίση; — Περιοδικό τέχνης

Πιστεύεται ότι η περίοδος από το τέλος της Πολιτιστικής Επανάστασης το 1976 έως σήμερα είναι ένα ενιαίο στάδιο στην ανάπτυξη της σύγχρονης τέχνης στην Κίνα. Ποια συμπεράσματα μπορούμε να εξαγάγουμε αν προσπαθήσουμε να κατανοήσουμε την ιστορία της κινεζικής τέχνης τα τελευταία εκατό χρόνια υπό το πρίσμα των σύγχρονων διεθνών γεγονότων; Αυτή η ιστορία δεν μπορεί να μελετηθεί, θεωρώντας τη στη λογική της γραμμικής ανάπτυξης, χωρισμένη σε στάδια της νεωτερικότητας, της μεταμοντερνικότητας - στα οποία βασίζεται η περιοδοποίηση της τέχνης στη Δύση. Πώς λοιπόν μπορούμε να οικοδομήσουμε μια ιστορία της σύγχρονης τέχνης και να μιλήσουμε για αυτήν; Αυτό το ερώτημα με απασχολεί από τη δεκαετία του 1980, όταν γράφτηκε το πρώτο βιβλίο για τη σύγχρονη κινεζική τέχνη. Εγώ. Σε επόμενα βιβλία όπως το Inside Out: New Chinese Art, The Wall: Changing Chinese Contemporary Art, και ειδικά το πρόσφατα δημοσιευμένο Ypailun: Synthetic Theory vs. Representation, προσπάθησα να απαντήσω σε αυτό το ερώτημα εξετάζοντας συγκεκριμένα φαινόμενα της καλλιτεχνικής διαδικασίας.

Οπως και βασικό χαρακτηριστικόΗ σύγχρονη κινεζική τέχνη αναφέρεται συχνά για το γεγονός ότι τα στυλ και οι έννοιές της εισήχθησαν ως επί το πλείστον από τη Δύση παρά γαλουχήθηκαν εγγενώς. Ωστόσο, το ίδιο μπορεί να ειπωθεί για τον Βουδισμό. Μεταφέρθηκε στην Κίνα από την Ινδία πριν από περίπου δύο χιλιάδες χρόνια, ρίζωσε και μετατράπηκε σε ένα αναπόσπαστο σύστημα και τελικά καρποφόρησε με τη μορφή του Βουδισμού Τσαν (γνωστός στα ιαπωνικά ως Ζεν) - ένας ανεξάρτητος εθνικός κλάδος του Βουδισμού, καθώς και ένα ολόκληρο σώμα κανονικής λογοτεχνίας και σχετικής φιλοσοφίας, πολιτισμού και τέχνης. Έτσι, είναι πιθανό ότι η κινεζική σύγχρονη τέχνη θα χρειαστεί ακόμα πολύ χρόνο για να εξελιχθεί σε ένα αυτόνομο σύστημα - και οι σημερινές προσπάθειες να γράψει τη δική της ιστορία και συχνά αμφισβητείται η σύγκριση με παγκόσμια ανάλογα χρησιμεύουν ως προϋπόθεση για τη μελλοντική της ανάπτυξη. Στην τέχνη της Δύσης, από την εποχή του μοντερνισμού, οι κύριοι φορείς εξουσίας στον αισθητικό τομέα ήταν η αναπαράσταση και η αντιπαράσταση. Ωστόσο, ένα τέτοιο σχήμα δεν είναι κατάλληλο για το κινεζικό σενάριο. Είναι αδύνατο να εφαρμοστεί ένα τέτοιο βολικό αισθητική λογικήμε βάση την αντίθεση παράδοσης και νεωτερικότητας. Σε κοινωνικούς όρους, η τέχνη της Δύσης από την εποχή του μοντερνισμού έχει πάρει την ιδεολογική θέση του εχθρού του καπιταλισμού και της αγοράς. Στην Κίνα, δεν υπήρχε καπιταλιστικό σύστημα για να πολεμήσεις (αν και η ιδεολογικά φορτισμένη αντιπολίτευση κατέκλυσε το μεγαλύτερο μέρος των καλλιτεχνών της δεκαετίας του 1980 και του πρώτου μισού της δεκαετίας του 1990). Κατά την εποχή του γρήγορου και θεμελιώδους οικονομικού μετασχηματισμού στη δεκαετία του 1990, η σύγχρονη τέχνη της Κίνας βρέθηκε σε ένα σύστημα πολύ πιο περίπλοκο από αυτό οποιασδήποτε άλλης χώρας ή περιοχής.

Είναι αδύνατο να εφαρμοστεί μια αισθητική λογική που βασίζεται στην αντίθεση της παράδοσης και του νεωτερισμού στην κινεζική σύγχρονη τέχνη.

Πάρτε, για παράδειγμα, την πολυσυζητημένη επαναστατική τέχνη των δεκαετιών του 1950 και του 1960. Η Κίνα εισήγαγε σοσιαλιστικό ρεαλισμό από τη Σοβιετική Ένωση, αλλά η διαδικασία και ο σκοπός των εισαγωγών δεν αναφέρθηκαν ποτέ λεπτομερώς. Στην πραγματικότητα, οι Κινέζοι φοιτητές που σπούδασαν τέχνη στη Σοβιετική Ένωση και οι Κινέζοι καλλιτέχνες ενδιαφέρθηκαν περισσότερο όχι για τον σοσιαλιστικό ρεαλισμό καθεαυτό, αλλά για την τέχνη των περιπλανώμενων και τον κριτικό ρεαλισμό του τέλους του 19ου και των αρχών του 20ου αιώνα. Το ενδιαφέρον αυτό προέκυψε ως μια προσπάθεια αντικατάστασης του δυτικού κλασικού ακαδημαϊσμού, που ήταν απρόσιτος εκείνη την εποχή, μέσω του οποίου προχώρησε η αφομοίωση της καλλιτεχνικής νεωτερικότητας στη δυτική εκδοχή της στην Κίνα. Ο παρισινός ακαδημαϊσμός που διαδόθηκε από τον Xu Beihong και τους συγχρόνους του, που εκπαιδεύτηκαν στη Γαλλία τη δεκαετία του 1920, ήταν ήδη πολύ μακρινή πραγματικότητα για να γίνει πρότυπο και οδηγός για τη νεότερη γενιά. Για να πάρουμε τη σκυτάλη των πρωτοπόρων του εκσυγχρονισμού της τέχνης στην Κίνα, ήταν απαραίτητο να στραφούμε στην κλασική παράδοση της ρωσικής ζωγραφικής. Είναι προφανές ότι μια τέτοια εξέλιξη έχει τη δική της ιστορία και λογική, που δεν καθορίζονται άμεσα από τη σοσιαλιστική ιδεολογία. Η χωρική σύνδεση μεταξύ της Κίνας τη δεκαετία του 1950, των καλλιτεχνών της ίδιας ηλικίας με τον ίδιο τον Μάο Τσε Τουνγκ και τη ρεαλιστική παράδοση της Ρωσίας στα τέλη του 19ου αιώνα υπήρχε ήδη και επομένως δεν εξαρτιόταν από την απουσία ή την παρουσία πολιτικού διαλόγου μεταξύ της Κίνας και της Σοβιετική Ένωσηστη δεκαετία του 1950. Επιπλέον, δεδομένου ότι η τέχνη των Wanderers ήταν περισσότερο ακαδημαϊκή και ρομαντική παρά κριτικός ρεαλισμός, ο Στάλιν προσδιόρισε τους Wanderers ως πηγή σοσιαλιστικό ρεαλισμόκαι, ως εκ τούτου, δεν είχε κανένα ενδιαφέρον για τους εκπροσώπους του κριτικού ρεαλισμού. Οι Κινέζοι καλλιτέχνες και θεωρητικοί απλώς δεν συμμερίζονταν αυτή τη «προκατάληψη»: στις δεκαετίες του 1950 και του 1960, εμφανίστηκε μεγάλος αριθμός μελετών για τον κριτικό ρεαλισμό στην Κίνα, εκδόθηκαν άλμπουμ και πολλά βιβλία μεταφράστηκαν από τα ρωσικά. επιστημονικές εργασίες. Μετά την ολοκλήρωση της πολιτιστικής επανάστασης, ο ρωσικός εικαστικός ρεαλισμός έγινε η μόνη αφετηρία στον εκσυγχρονισμό της τέχνης που εκτυλισσόταν στην Κίνα. Σε τέτοια τυπικά έργα «ζωγραφικής με ουλές», όπως, για παράδειγμα, στον πίνακα του Τσενγκ Κόνγκλιν «Μια φορά το 1968. Snow», μπορεί να εντοπιστεί η επιρροή του Περιπλανώμενου Vasily Surikov και του «Boyar Morozova» και «Morning of the Streltsy Execution». Οι ρητορικές τεχνικές είναι οι ίδιες: η έμφαση δίνεται στην απεικόνιση των πραγματικών και δραματικών σχέσεων των ατόμων με φόντο ιστορικά γεγονότα. Φυσικά, η «ζωγραφική με ουλές» και ο περιπλανώμενος ρεαλισμός προέκυψαν σε ριζικά διαφορετικά κοινωνικά και ιστορικά πλαίσια, και όμως δεν μπορούμε να πούμε ότι η μεταξύ τους ομοιότητα περιορίζεται μόνο στη μίμηση του στυλ. Στις αρχές του 20ου αιώνα, έχοντας γίνει ένας από τους βασικούς πυλώνες της κινεζικής «επανάστασης στην τέχνη», ο ρεαλισμός επηρέασε σημαντικά την τροχιά ανάπτυξης της τέχνης στην Κίνα - ακριβώς επειδή ήταν κάτι παραπάνω από στυλ. Είχε μια εξαιρετικά στενή και βαθιά σχέση με την προοδευτική αξία του «τέχνη για ζωή».

Quan Shanshi. Ηρωικό και αδάμαστο, 1961

Καμβάς, λάδι

Τσενγκ Τσόνγκλιν. Μια φορά κι έναν καιρό το 1968. Snow, 1979

Καμβάς, λάδι

Από τη συλλογή του Εθνικού Μουσείου Τέχνης της Κίνας, Πεκίνο

Wu Guanzhong. Ανοιξιάτικα χόρτα, 2002

Χαρτί, μελάνι και χρώματα

Wang Yidong. Γραφική περιοχή, 2009

Καμβάς, λάδι

Τα δικαιώματα της εικόνας ανήκουν στον καλλιτέχνη

Ή ας στραφούμε στο φαινόμενο της ομοιότητας μεταξύ του κινήματος της κόκκινης ποπ αρτ, που ξεκίνησε από τους Κόκκινους Φρουρούς στην αρχή της «πολιτιστικής επανάστασης», και του δυτικού μεταμοντερνισμού - έγραψα για αυτό λεπτομερώς στο βιβλίο «Σχετικά με το καθεστώς Η λαϊκή τέχνη του Μάο Τσε Τουνγκ» Εγώ. Η «Red Pop» κατέστρεψε ολοσχερώς την αυτονομία της τέχνης και την αύρα του έργου, ενέπλεξε πλήρως την κοινωνική και πολιτικές λειτουργίεςτέχνη, καταστρέφοντας τα όρια μεταξύ διαφορετικά μέσακαι πήρε όσο το δυνατόν περισσότερες μορφές διαφήμισης, από ραδιοφωνικές εκπομπές, ταινίες, μουσική, χορό, πολεμικές αναφορές, κινούμενα σχέδια μέχρι αναμνηστικά μετάλλια, σημαίες, προπαγάνδα και χειρόγραφες αφίσες, με μοναδικό σκοπό τη δημιουργία μιας ολοκληρωμένης, επαναστατικής και λαϊκιστικής εικαστικής τέχνης . Όσον αφορά την αποτελεσματικότητα της προπαγάνδας, τα αναμνηστικά μετάλλια, τα σήματα και οι χειρόγραφες αφίσες τοίχου είναι εξίσου αποτελεσματικά με τα διαφημιστικά μέσα της Coca-Cola. Και η λατρεία του επαναστατικού Τύπου και των πολιτικών ηγετών στο εύρος και την έντασή της ξεπέρασε ακόμη και την παρόμοια λατρεία του εμπορικού Τύπου και των διασημοτήτων στη Δύση. Εγώ.

Από τη σκοπιά της πολιτικής ιστορίας, η «κόκκινη ποπ» εμφανίζεται ως αντανάκλαση της τύφλωσης και της απανθρωπιάς των Κόκκινων Φρουρών. Μια τέτοια κρίση δεν αντέχει σε κριτική αν σκεφτούμε την «κόκκινη ποπ» στο πλαίσιο της παγκόσμιας κουλτούρας και της προσωπικής εμπειρίας. Πρόκειται για ένα σύνθετο φαινόμενο και η μελέτη του απαιτεί, μεταξύ άλλων, ενδελεχή μελέτη της διεθνούς κατάστασης εκείνης της περιόδου. Η δεκαετία του 1960 σημαδεύτηκε από εξεγέρσεις και ταραχές σε όλο τον κόσμο: οι αντιπολεμικές διαδηλώσεις ήταν παντού, το κίνημα των χίπις, το κίνημα για τα πολιτικά δικαιώματα, αυξανόταν. Έπειτα, υπάρχει μια άλλη περίσταση: οι Κόκκινοι Φρουροί ανήκαν στη γενιά που θυσιάστηκε. Στην αρχή της «πολιτιστικής επανάστασης», οργανώθηκαν αυθόρμητα για να συμμετάσχουν σε αριστερές εξτρεμιστικές δραστηριότητες και, μάλιστα, χρησιμοποιήθηκαν από τον Μάο Τσε Τουνγκ ως μοχλός για την επίτευξη πολιτικών στόχων. Και το αποτέλεσμα για αυτούς τους χθεσινούς μαθητές και φοιτητές ήταν η απέλαση σε αγροτικές και παραμεθόριες περιοχές για μια δεκαετή «επανεκπαίδευση»: είναι τα αξιολύπητα και ανήμπορα τραγούδια και ιστορίες για την «πνευματική νεολαία» που είναι η πηγή της underground ποίησης και κινημάτων τέχνης. μετά την «πολιτιστική επανάσταση» ψέματα. Ναι, και η πειραματική τέχνη της δεκαετίας του 1980 γνώρισε επίσης την αναμφισβήτητη επιρροή των «κόκκινων γκαρντ». Επομένως, είτε θεωρούμε το τέλος της «πολιτιστικής επανάστασης» είτε τα μέσα της δεκαετίας του 1980 ως αφετηρία για την ιστορία της σύγχρονης τέχνης στην Κίνα, δεν μπορούμε να αρνηθούμε να αναλύσουμε την τέχνη της εποχής της πολιτιστικής επανάστασης. Και ειδικά - από τον «κόκκινο ιερέα» των Κόκκινων Φρουρών.

Το δεύτερο μισό του 1987 και το πρώτο εξάμηνο του 1988, στη Σύγχρονη Κινεζική Τέχνη, 1985-1986, προσπάθησα να δικαιολογήσω τον υφολογικό πλουραλισμό που είχε γίνει το καθοριστικό χαρακτηριστικό της νέας οπτικότητας στην περίοδο μετά την Πολιτιστική Επανάσταση. Μιλάμε για το λεγόμενο new wave 85. Από το 1985 έως το 1989, ως αποτέλεσμα μιας άνευ προηγουμένου έκρηξης πληροφοριών στην κινεζική καλλιτεχνική σκηνή (στο Πεκίνο, τη Σαγκάη και άλλα κέντρα), όλα τα κύρια καλλιτεχνικά στυλκαι τεχνικές που δημιούργησε η Δύση τον περασμένο αιώνα. Είναι σαν να αναπαράγεται η αιωνόβια εξέλιξη της δυτικής τέχνης, αυτή τη φορά στην Κίνα. Στυλ και θεωρίες, πολλές από τις οποίες ανήκαν περισσότερο στο ιστορικό αρχείο παρά στη ζωντανή ιστορία, ερμηνεύτηκαν από τους Κινέζους καλλιτέχνες ως «μοντέρνα» και χρησίμευσαν ως ώθηση για δημιουργικότητα. Για να ξεκαθαρίσω αυτή την κατάσταση, χρησιμοποίησα τις ιδέες του Benedetto Croce ότι «κάθε ιστορία είναι σύγχρονη ιστορία". Η αληθινή νεωτερικότητα είναι η επίγνωση της δικής του δραστηριότητας τη στιγμή που πραγματοποιείται. Ακόμη και όταν τα γεγονότα και τα φαινόμενα αναφέρονται στο παρελθόν, προϋπόθεση για την ιστορική τους γνώση είναι η «δόνηση τους στη συνείδηση ​​του ιστορικού». Η «νεωτερικότητα» στην καλλιτεχνική πρακτική του «νέου κύματος» πήρε τη μορφή της, υφαίνοντας το παρελθόν και το παρόν, τη ζωή του πνεύματος και την κοινωνική πραγματικότητα σε μια ενιαία μπάλα.

1. Η τέχνη είναι μια διαδικασία μέσω της οποίας ένας πολιτισμός μπορεί να γνωρίσει πλήρως τον εαυτό του. Η τέχνη δεν περιορίζεται πλέον στη μελέτη της πραγματικότητας που οδηγείται σε ένα διχοτόμο αδιέξοδο, όταν ο ρεαλισμός και η αφαίρεση, η πολιτική και η τέχνη, η ομορφιά και η ασχήμια, η κοινωνική υπηρεσία και ο ελιτισμός αντιπαρατίθενται. (Σε αυτό το πλαίσιο, θυμηθείτε τον ισχυρισμό του Croce ότι η αυτοσυνείδηση ​​επιδιώκει να «διακρίνει ενώνοντας· και η διαφορά εδώ δεν είναι λιγότερο πραγματική από την ταυτότητα και η ταυτότητα όχι λιγότερο από τη διαφορά».) Η κύρια προτεραιότητα είναι να διευρύνουμε τα όρια της τέχνης.
2. Ο χώρος της τέχνης περιλαμβάνει τόσο μη επαγγελματίες καλλιτέχνες όσο και το ευρύ κοινό. Στη δεκαετία του 1980, από πολλές απόψεις, οι μη επαγγελματίες καλλιτέχνες ήταν αυτοί που ήταν φορείς του πνεύματος του ριζοσπαστικού πειράματος - ήταν πιο εύκολο γι 'αυτούς να ξεφύγουν από τον καθιερωμένο κύκλο ιδεών και πρακτικών της Ακαδημίας. Γενικά, η έννοια του αντιεπαγγελματισμού, στην πραγματικότητα, είναι μια από τις βασικές στην ιστορία της κλασικής κινεζικής «ζωγραφικής μορφωμένων ανθρώπων». πνευματικοί καλλιτέχνες ( λογοτεχνικός) αποτελούσε μια σημαντική κοινωνική ομάδα «πολιτιστικών αριστοκρατών», η οποία, ξεκινώντας από τον 11ο αιώνα, πραγματοποίησε την πολιτιστική οικοδόμηση ολόκληρου του έθνους και, από αυτή την άποψη, ήταν μάλλον αντίθετη με τους καλλιτέχνες που έλαβαν τις δεξιότητές τους στην αυτοκρατορική Ακαδημία και παρέμενε συχνά στην αυτοκρατορική αυλή.
3. Η κίνηση προς την τέχνη του μέλλοντος είναι δυνατή μέσω της υπέρβασης του χάσματος ανάμεσα στον δυτικό μεταμοντερνισμό και τον ανατολικό παραδοσιακισμό, μέσω της σύγκλισης της σύγχρονης φιλοσοφίας και της κλασικής κινεζική φιλοσοφία(όπως ο Τσαν).

Γιούε Μιντζούν. Κόκκινη βάρκα, 1993

Καμβάς, λάδι

Fang Lijun. Σειρά 2, αριθμός 11, 1998

Καμβάς, λάδι

Η εικόνα είναι ευγενική προσφορά του Sotheby's Hong Kong

Wang Guangyi. Υλιστική Τέχνη, 2006

Δίπτυχο. Καμβάς, λάδι

Ιδιωτική συλλογή

Wang Guangyi. Μεγάλη κριτική. Omega, 2007

Καμβάς, λάδι

Cai Guoqiang. Σχέδιο για την Οικονομική Συνεργασία Ασίας-Ειρηνικού: Ωδή στη χαρά, 2002

Χαρτί, μπαρούτι

Πνευματικά δικαιώματα εικόνας Christie's Images Limited 2008. Η εικόνα είναι ευγενική προσφορά του Christie's Χονγκ Κονγκ

Ωστόσο, η «μοντέρνα τέχνη» που παρήχθη στην Κίνα μεταξύ 1985 και 1989 δεν προοριζόταν σε καμία περίπτωση να είναι ένα αντίγραφο της μοντερνιστικής, μεταμοντερνιστικής ή της τρέχουσας παγκοσμιοποιημένης τέχνης της Δύσης. Πρώτον, δεν προσπάθησε καθόλου για την ανεξαρτησία και την απομόνωση, που, χοντροκομμένα, αποτελούσαν την ουσία της μοντερνιστικής τέχνης της Δύσης. Ο ευρωπαϊκός μοντερνισμός πίστευε παραδόξως ότι η απόδραση και η απομόνωση θα μπορούσαν να ξεπεράσουν την αποξένωση του ανθρώπινου καλλιτέχνη στην καπιταλιστική κοινωνία - εξ ου και η δέσμευση του καλλιτέχνη στην αισθητική αδιαφορία και πρωτοτυπία. Στην Κίνα, τη δεκαετία του 1980, καλλιτέχνες, διαφορετικοί ως προς τις φιλοδοξίες και την καλλιτεχνική τους ταυτότητα, βρίσκονταν σε έναν ενιαίο πειραματικό χώρο εκθέσεων μεγάλης κλίμακας και άλλων δράσεων, η πιο εντυπωσιακή από τις οποίες ήταν η έκθεση China/Avant-Garde στο Πεκίνο το 1989. Τέτοιες ενέργειες ήταν, στην πραγματικότητα, κοινωνικο-καλλιτεχνικά πειράματα εξαιρετικής κλίμακας, που ξεπερνούσαν τα όρια μιας καθαρά ατομικής δήλωσης.

Δεύτερον, το «νέο κύμα του 85» είχε λίγα κοινά με τον μεταμοντερνισμό, ο οποίος αμφισβήτησε την ίδια τη δυνατότητα και την αναγκαιότητα της ατομικής αυτοέκφρασης, στην οποία επέμενε ο μοντερνισμός. Σε αντίθεση με τους μεταμοντέρνους, οι οποίοι απέρριψαν τον ιδεαλισμό και τον ελιτισμό στη φιλοσοφία, την αισθητική και την κοινωνιολογία, οι Κινέζοι καλλιτέχνες στη δεκαετία του 1980 αιχμαλωτίστηκαν από ένα ουτοπικό όραμα του πολιτισμού ως ιδανική και ελιτιστική σφαίρα. Οι εκθέσεις-δράσεις που ήδη αναφέρθηκαν ήταν ένα παράδοξο φαινόμενο, αφού οι καλλιτέχνες, επιβεβαιώνοντας τη συλλογική τους περιθωριοποίηση, απαιτούσαν ταυτόχρονα την προσοχή και την αναγνώριση της κοινωνίας. Δεν ήταν η στυλιστική πρωτοτυπία ή η πολιτική δέσμευση που καθόρισε το πρόσωπο της κινεζικής τέχνης, αλλά οι αδιάκοπες προσπάθειες καλλιτεχνών να τοποθετηθούν σε σχέση με μια κοινωνία που μεταμορφωνόταν μπροστά στα μάτια μας.

Δεν ήταν η στυλιστική πρωτοτυπία ή η πολιτική δέσμευση που καθόρισε το πρόσωπο της κινεζικής τέχνης, αλλά ακριβώς οι προσπάθειες των καλλιτεχνών να τοποθετηθούν σε σχέση με μια κοινωνία που μεταμορφώνεται.

Συνοψίζοντας, μπορούμε να πούμε ότι για την αναδόμηση της ιστορίας της σύγχρονης τέχνης στην Κίνα, μια πολυδιάστατη χωρική δομή είναι πολύ πιο αποτελεσματική από μια πενιχρή χρονική γραμμική φόρμουλα. Η κινεζική τέχνη, σε αντίθεση με τη δυτική, δεν συνήψε καμία σχέση με την αγορά (λόγω της απουσίας της) και ταυτόχρονα δεν ορίστηκε αποκλειστικά ως διαμαρτυρία ενάντια στην επίσημη ιδεολογία (η οποία ήταν χαρακτηριστική για Σοβιετική τέχνη 1970-1980). Όσον αφορά την κινεζική τέχνη, μια απομονωμένη και στατική ιστορική αφήγηση που χτίζει τις γραμμές διαδοχής των σχολών και ταξινομεί τυπικά φαινόμενα σε μια συγκεκριμένη περίοδο είναι μη παραγωγική. Η ιστορία του γίνεται ξεκάθαρη μόνο στην αλληλεπίδραση των χωρικών δομών.

Στο επόμενο στάδιο, το οποίο ξεκίνησε στα τέλη της δεκαετίας του 1990, η κινεζική τέχνη δημιούργησε ένα ειδικό λεπτώς ισορροπημένο σύστημα, όταν διαφορετικοί φορείς ενισχύουν και αλληλοεξουδετερώνονται. Αυτή, κατά τη γνώμη μας, είναι μια μοναδική τάση που δεν είναι χαρακτηριστικό της σύγχρονης δυτικής τέχνης. Τώρα συνυπάρχουν τρία είδη τέχνης στην Κίνα - ακαδημαϊκή ρεαλιστική ζωγραφική, κλασική κινεζική ζωγραφική ( guohuaή Wenren) και τη σύγχρονη τέχνη (μερικές φορές αναφέρεται ως πειραματική). Σήμερα, η αλληλεπίδραση μεταξύ αυτών των συστατικών δεν παίρνει πλέον τη μορφή αντίθεσης στον αισθητικό, πολιτικό ή φιλοσοφικό τομέα. Η αλληλεπίδρασή τους λαμβάνει χώρα μέσω του ανταγωνισμού, του διαλόγου ή της συνεργασίας μεταξύ ιδρυμάτων, αγορών και εκδηλώσεων. Αυτό σημαίνει ότι μια δυϊστική λογική που συνδυάζει την αισθητική και την πολιτική δεν είναι αρκετά καλή για να εξηγήσει την κινεζική τέχνη από τη δεκαετία του 1990 μέχρι σήμερα. Η λογική του «αισθητικού έναντι του πολιτικού» ήταν σχετική για μια σύντομη περίοδο από τα τέλη της δεκαετίας του 1970 έως το πρώτο μισό της δεκαετίας του 1980 - για την ερμηνεία της τέχνης μετά την «πολιτιστική επανάσταση». Ορισμένοι καλλιτέχνες και κριτικοί πιστεύουν αφελώς ότι ο καπιταλισμός, που δεν απελευθέρωσε την τέχνη στη Δύση, θα φέρει ελευθερία στους Κινέζους, αφού έχει μια διαφορετική ιδεολογική δυνατότητα που έρχεται σε αντίθεση με το πολιτικό σύστημα, αλλά τελικά το κεφάλαιο στην Κίνα επίσης διαβρώνει με επιτυχία και υπονομεύει τα θεμέλια της σύγχρονης τέχνης. Σύγχρονη τέχνη, που έχει περάσει από μια περίπλοκη διαδικασία να γίνει τα τελευταία τριάντα χρόνια, τώρα χάνει την κριτική της διάσταση και αντ' αυτού εμπλέκεται στην επιδίωξη του κέρδους και της φήμης. Η σύγχρονη τέχνη στην Κίνα πρέπει πρώτα από όλα να βασίζεται στην αυτοκριτική, ακόμα κι αν μεμονωμένοι καλλιτέχνες επηρεάζονται λίγο πολύ και υπόκεινται στους πειρασμούς του κεφαλαίου. Η αυτοκριτική είναι ακριβώς αυτό που λείπει τώρα. Αυτή είναι η πηγή της κρίσης στη σύγχρονη τέχνη στην Κίνα.

Το υλικό προσφέρθηκε από τον Yishu: Journal of Contemporary Chinese Art.

Μετάφραση από τα κινέζικα στα αγγλικά από τον Chen Kuandi

Στην παγκόσμια σκηνή, η σύγχρονη κινεζική τέχνη εμφανίστηκε σχετικά πρόσφατα. Η λεγόμενη «κινεζική έκρηξη» σημειώθηκε το 2005, όταν, για έναν μικρό αριθμό αντικειμενικών λόγων, οι τιμές για πίνακες σύγχρονων Κινέζων καλλιτεχνών αυξήθηκαν πάνω από δέκα φορές. Στην παγκόσμια σκηνή, η σύγχρονη κινεζική τέχνη εμφανίστηκε σχετικά πρόσφατα. Η λεγόμενη «κινεζική έκρηξη» σημειώθηκε το 2005, όταν, για έναν μικρό αριθμό αντικειμενικών λόγων, οι τιμές για πίνακες σύγχρονων Κινέζων καλλιτεχνών αυξήθηκαν πάνω από δέκα φορές. Υπάρχει η άποψη ότι στην πραγματικότητα διεξάγεται πόλεμος πληροφοριών στη διεθνή αγορά τέχνης. Η διενέργεια συμφωνιών πολλών εκατομμυρίων δολαρίων για την αγορά κινεζικής τέχνης δεν υποστηρίζεται πάντα από γεγονότα. Συχνά υπάρχουν περιπτώσεις καθυστέρησης πληρωμής του κλήρου λόγω εμφάνισης αμφιβολιών για τη γνησιότητα του μνημείου. Για παράδειγμα, ο πιο ακριβός πίνακας που πουλήθηκε στον οίκο Christie's το 2011, «Long Life, Peaceful Land» του Qi Baishi, βρίσκεται στην αποθήκη εδώ και δύο χρόνια. Με τη βοήθεια περιπτώσεων όπως η κινεζική κυβέρνηση, τα μέσα ενημέρωσης, οι αντιπρόσωποι, το κόστος των έργων τέχνης διογκώνεται τεχνητά. Έτσι, οι ειδικοί λένε ότι «η κινεζική κυβέρνηση ακολουθεί μια πολιτική παραποίησης του ευημερούντος, σταθερού και ευημερούντος παρασκηνίου της ΛΔΚ προκειμένου να προσελκύσει χρήματα ξένων επενδυτών στη χώρα». Χάρη στην ανακοίνωση των πωλήσεων ρεκόρ, οι κινεζικοί οίκοι δημοπρασιών και τα γραφεία αντιπροσωπείας του κόσμου στην Κίνα έχουν γίνει οι διεθνείς ηγέτες στην αγορά τέχνης, γεγονός που επέτρεψε την αύξηση των τιμών για έργα από την Κίνα. Επίσης, αυτή τη στιγμή είναι μάλλον δύσκολο να αξιολογηθούν τα κινεζικά αντικείμενα τέχνης, αφού δεν υπάρχουν κατάλληλα κριτήρια, γεγονός που συμβάλλει και στην ελεύθερη ερμηνεία της αξίας του έργου. Έτσι, σύμφωνα με την Abigail R. Esman, η «σαπουνόφουσκα» των αντικειμένων τέχνης είναι επωφελής για την κυβέρνηση της ΛΔΚ. Με τη σειρά τους, οι Κινέζοι έμποροι σύγχρονης τέχνης αυξάνουν αφύσικα τις τιμές για τα έργα των καλλιτεχνών που προστατεύουν. Σύμφωνα με την Δρ Claire McAndrew, «Η έκρηξη στην κινεζική αγορά οφείλεται στην αύξηση του πλούτου, στην ισχυρή εγχώρια προσφορά και στις επενδύσεις αγοραστών. Το γεγονός ότι η Κίνα κατέλαβε ηγετική θέση στην παγκόσμια αγορά τέχνης δεν σημαίνει ότι θα διατηρήσει τη θέση της και τα επόμενα χρόνια. Η κινεζική αγορά θα αντιμετωπίσει την πρόκληση της επίτευξης πιο σταθερής και πιο μακροπρόθεσμης ανάπτυξης».

Ωστόσο, αυτή τη στιγμή, οι Κινέζοι καλλιτέχνες είναι γνωστοί και δημοφιλείς σε όλο τον κόσμο, αποτελούν το 39% των εσόδων στην αγορά της σύγχρονης τέχνης. Αυτό το γεγονός έχει τόσο αντικειμενικές εξηγήσεις, όσο και με βάση το προσωπικό, υποκειμενικό γούστο του αγοραστή και ούτω καθεξής, που θα πρέπει να γίνει περαιτέρω κατανοητό.

«Η ασιατική τέχνη γίνεται γρήγορα διεθνής και έχει σημειωθεί σημαντική αύξηση στις αγορές τόσο από την υπόλοιπη Ασία όσο και από τη Δύση», δήλωσε ο Κιμ Τσουάν Μοκ, επικεφαλής του Τμήματος Ζωγραφικής της Νότιας Ασίας. Αυτή τη στιγμή τα περισσότερα από ακριβούς καλλιτέχνεςΗ Κίνα είναι οι Zeng Fanzhi, Cui Ruzhou, Fan Zeng, Zhou Chunya και Zhang Xiaogang. Ταυτόχρονα, το έργο του Zeng Fanzhi " Το τελευταίο δείπνοΤο 2013 πουλήθηκε στον οίκο Sotheby's για 23,3 εκατομμύρια δολάρια, ποσό ρεκόρ όχι μόνο για την ασιατική αγορά, αλλά και για τη Δύση, τοποθετώντας το στην τέταρτη θέση στη λίστα με τα πιο ακριβά έργα σύγχρονων καλλιτεχνών.

Σε τρία χρόνια, η Κίνα έχει παρακάμψει τις Ηνωμένες Πολιτείες και τη Μεγάλη Βρετανία όσον αφορά τις πωλήσεις στην αγορά της τέχνης, η οποία αρχικά κατείχε ηγετική θέση στον κόσμο. Μεταξύ των τμημάτων Christie's, η ασιατική αγορά τέχνης βρίσκεται στη δεύτερη θέση ως προς τη σημασία και την κερδοφορία.Σύμφωνα με το Artprice, η Κίνα αντιπροσωπεύει το 33% της αγοράς σύγχρονης τέχνης, ενώ η αμερικανική - 30%, η βρετανική - 19% και η γαλλική - 5% .

Γιατί είναι τόσο δημοφιλής η σύγχρονη κινεζική τέχνη;

Σήμερα, η κινεζική τέχνη είναι εξαιρετικά σημαντική και σημαντική, εν μέρει επειδή η ίδια η Κίνα έχει γίνει μια. Η τέχνη επικεντρώθηκε γύρω από ένα οικονομικά ισχυρό κέντρο. Υπάρχουν όμως αρκετά συγκεκριμένες εξηγήσεις για την άνοδο των τιμών.

Το 2001 Η Κίνα προσχώρησε στον ΠΟΕ, γεγονός που επηρέασε την αύξηση της παρουσίας οίκων δημοπρασιών στην περιοχή, οι οποίοι με τη σειρά τους άρχισαν να προσαρμόζονται στις προσωπικές προτιμήσεις των νέων αγοραστών. Έτσι, την πρώτη δεκαετία του 21ου αιώνα άνοιξαν περίπου εκατό οίκοι δημοπρασιών στην Κίνα. Τόσο τοπικά, όπως η Poly International, η China Guardian και η διεθνής: από το 2005, η Forever International Auction Company Limited δραστηριοποιείται στο Πεκίνο με άδεια που έλαβε από τον Christie's, το 2013-2014, οι παγκόσμιοι ηγέτες Christie's και Sotheby's άνοιξαν τα γραφεία τους στην Σαγκάη, Πεκίνο και Χονγκ Κονγκ. Ως αποτέλεσμα, αν το 2006 το μερίδιο της Κίνας στην παγκόσμια αγορά τέχνης ήταν 5%, τότε ήδη το 2011 ήταν περίπου 40%.

Το 2005 υπήρξε το λεγόμενο "Κινεζική άνθηση", στο οποίο οι τιμές για έργα Κινέζων δασκάλων αυξήθηκαν απότομα από αρκετές δεκάδες χιλιάδες σε ένα εκατομμύριο δολάρια. Έτσι, αν ένας από τους πίνακες της σειράς Mask του Zeng Fanzhi το 2004 πουλήθηκε για 384.000 HKD, τότε ήδη το 2006, ένα έργο από την ίδια σειρά πήγε για 960.000 HKD. Η Uta Grosenick, Γερμανίδα ιστορικός τέχνης, πιστεύει ότι αυτό οφείλεται στον χώρο Ολυμπιακοί αγώνεςτο Πεκίνο. «Η προσοχή στη σύγχρονη Κίνα έχει μετατοπιστεί στη σύγχρονη κινεζική τέχνη, η οποία αποδείχθηκε κατανοητή στο δυτικό κοινό».

Σε περιόδους οικονομικής αστάθειας, η αγορά τέχνης αναπτύσσεται. Τα έτη 2007-2008 χαρακτηρίζονται από τους ειδικούς ως περίοδος απότομη αύξησηοι πωλήσεις ζωγραφικής στο σύνολό τους κατά 70%, αυξάνοντας επίσης τη ζήτηση για σύγχρονη κινεζική τέχνη. Αυτό φαίνεται στις πωλήσεις του Zeng Fanzhi στις δημοπρασίες Sotheby's και Christies. Το 2008, τη χρονιά της κρίσης, έσπασε ένα ρεκόρ τιμών. Ο πίνακας "Mask series No. 6" πουλήθηκε στο Christies για 9,66 εκατομμύρια δολάρια, που ξεπερνά την πιο ακριβή πώληση για το 2007 και το 2006 σχεδόν 9 φορές. Κατά τη διάρκεια της οικονομικής κρίσης, η τέχνη είναι το δεύτερο πιο δημοφιλές εναλλακτικό αγαθό μετά τα είδη πολυτελείας. «Η παρουσία αποθησαυρισμένων αντικειμένων στο χαρτοφυλάκιο της εταιρείας επιτρέπει όχι μόνο τη διαφοροποίηση των κινδύνων, αλλά και την παροχή πρόσθετης κερδοφορίας, η οποία είναι μπροστά από ορισμένους χρηματιστηριακούς δείκτες».

Για τους Κινέζους επιχειρηματίες, που είναι οι κύριοι αγοραστές, η επένδυση στην τέχνη φαίνεται να είναι η πιο ορθολογική και πολλά υποσχόμενη, καθώς το Κινεζικό Κομμουνιστικό Κόμμα έχει περιορίσει την κερδοσκοπία στα ακίνητα, γεγονός που οδήγησε στην ανάγκη εξεύρεσης νέων τρόπων επίλυσης του προβλήματος. Τα αντικείμενα τέχνης είναι ιδανικά για τη διατήρηση της ανωνυμίας των επενδυτών.«Οι πιο γνωστοί τρόποι για την πραγματοποίηση μεγάλων επενδύσεων στις τέχνες των αναπτυσσόμενων χωρών, ιδιαίτερα της Κίνας, είναι οι συναντήσεις hedge funds και οργανισμών με άμεσες επενδύσεις, όταν στην πραγματικότητα αγοράζουν μέρος σε ένα χαρτοφυλάκιο πολλών θέσεων αντικειμένων τέχνης, αλλά μην αγοράζετε ιδιοκτησία». Την απαγόρευση εξαγωγής κεφαλαίων άνω των 50.000 $ ετησίως, οι Κινέζοι επενδυτές έχουν μάθει να παρακάμπτουν. Δηλώνεται ένα υποτιμημένο κόστος εργασίας, η διαφορά μεταφέρεται σε λογαριασμούς εξωτερικού. Έτσι, είναι σχεδόν αδύνατο να υπολογιστεί η εκροή κεφαλαίων σε άλλη χώρα. «Οι φωτογραφίες για τέτοιους επενδυτές είναι ένα όργανο ενός επενδυτικού μηχανισμού, ιδανικό από άποψη μυστικότητας». Για τους σκοπούς αυτούς, κατά την πρώτη δεκαετία του 20ου αιώνα, ιδρύθηκαν στην Κίνα ιδρύματα που επέτρεψαν την επένδυση σε εγκαταστάσεις αποθησαυρισμού. Έτσι, αυτή τη στιγμή στην Κίνα υπάρχουν περισσότερα από 25 ταμεία καλλιτεχνικών αξιών και ανταλλαγών τέχνης, εκδίδονται ειδικές εκδόσεις για να βοηθήσουν να γίνουν οι σωστές και κερδοφόρες επενδύσεις.

Η δημοτικότητα των επενδύσεων στη σύγχρονη τέχνη άρχισε να αυξάνεται με αυξανόμενος αριθμός νέων επιχειρηματιώνκαι αύξηση μεροκάματοεκπρόσωπος της μεσαίας τάξης των χωρών BRIC. Έτσι στην Κίνα αυτή τη στιγμή υπάρχουν 15 δισεκατομμυριούχοι, 300.000 εκατομμυριούχοι και ο μέσος όρος μισθόςείναι 2000$. «Η σύγχρονη τέχνη του δεύτερου μισού του εικοστού αιώνα είναι η κατάλληλη για νέους επιχειρηματίες που μπορεί να μην έχουν χρόνο να πάνε σε μουσεία και γκαλερί ή να διαβάσουν βιβλία και να ξεφυλλίσουν καταλόγους». Αυτοί οι άνθρωποι συχνά δεν έχουν το κατάλληλο επίπεδο εκπαίδευσης, αλλά έχουν αρκετά χρήματα για τη σωστή επένδυση, η οποία οδηγεί σε ένας μεγάλος αριθμόςΚινέζοι επενδυτές σε έργα τέχνης και μικροί συλλέκτες τέχνης αυτών. Αλλά γνωρίζουν ότι το προϊόν θα αυξηθεί σε τιμή, και ως εκ τούτου αργότερα θα είναι δυνατή η μεταπώλησή του κερδοφόρα.

Στην Ασία, τη Ρωσία και τη Μέση Ανατολή, η αγορά αντικειμένων τέχνης έχει μεγάλη οικονομικές, πολιτιστικές και «καθεστωτικές» συνδηλώσεις. Έτσι, το αντικείμενο της τέχνης είναι επίσης μια θετικιστική επένδυση που καθορίζει την κατάσταση του ιδιοκτήτη και ανεβάζει το κύρος και τη θέση του στην κοινωνία. «Όταν οι Κινέζοι επενδυτές θέλουν να διαφοροποιήσουν το επενδυτικό τους χαρτοφυλάκιο, στρέφονται συχνότερα σε προϊόντα πολυτελείας, λένε οι αναλυτές της Artprice, οπότε η αγορά ενός πίνακα από έναν σύγχρονο καλλιτέχνη είναι σαν να αγοράζεις κάτι σε μια μπουτίκ Louis Vuitton για αυτούς».

Για επιχειρηματίες και αξιωματούχους στην Κίνα, η αγορά έργων τέχνης, ιδίως από ντόπιους δασκάλους, παρουσιάζει ενδιαφέρον, καθώς υπάρχει ένα στρώμα των λεγόμενων «καλλιεργημένοι λειτουργοί»που δέχονται δωροδοκίες με αυτή τη μορφή. Ο εκτιμητής πριν από την έναρξη της δημοπρασίας υποτιμά την αγοραία αξία της εικόνας, ώστε να μην μπορεί πλέον να είναι δωροδοκία. Αυτή η διαδικασία ονομάστηκε «Yahui» και ως αποτέλεσμα έγινε «ισχυρή κινητήρια δύναμη της αγοράς τέχνης της Κίνας».

Ένας από τους λόγους για τη δημοτικότητα της κινεζικής σύγχρονης τέχνης είναι στυλ ζωγραφικής, κατανοητό και ενδιαφέρον όχι μόνο για τους ίδιους τους Κινέζους, αλλά και για τους δυτικούς αγοραστές. Οι καλλιτέχνες από την Κίνα μπόρεσαν να αντικατοπτρίζουν με ακρίβεια τα «πολιτιστικά και πολιτικά φαινόμενα του σύγχρονου ασιατικού κόσμου», ειδικά αφού τα ζητήματα της σύγκρουσης Ανατολής και Δύσης δεν παύουν να είναι επίκαιρα σήμερα. Στο έδαφος της Κίνας πραγματοποιείται προπαγάνδα των μέσων ενημέρωσης για ενεργό συμμετοχή στην ανάπτυξη της αγοράς τέχνης της χώρας. Περισσότερα από 20 τηλεοπτικά προγράμματα, 5 περιοδικά προσφέρονται στην προσοχή των παραληπτών, που καλύπτουν θέματα όπως «συμμετοχή σε δημοπρασίες τέχνης», «αναγνώριση κειμηλίων τέχνης» κ.λπ. Σύμφωνα με την επίσημη ιστοσελίδα του οίκου δημοπρασιών Poly International: «Το Poly είναι μια δημοπρασία εικαστικές τέχνες, κύριος στόχος της οποίας είναι να επιστρέψει η τέχνη στον λαό της Κίνας», από την οποία προκύπτει ο ακόλουθος λόγος για την αυξημένη ζήτηση για την κινεζική τέχνη.

«Ένας Κινέζος δεν θα αγοράσει ένα έργο τέχνης από έναν μη Κινέζο».Από την άποψη της ηθικής, τα θέματα εθνική τέχνηαγοράζονται από επενδυτές ή συλλέκτες από μια δεδομένη χώρα. Έτσι, ανεβάζουν τις τιμές για τη δουλειά των συμπατριωτών τους και πραγματοποιούν το ιδεολογικό σκηνικό – επιστρέφουν την τέχνη στην πατρίδα τους. Πολλοί συλλέκτες είναι κάτοικοι της περιοχής και αυτή η άνοδος της τέχνης της Νότιας Ασίας συμβαδίζει με την εισροή τέχνης από τη Σιγκαπούρη, τη Μαλαισία, την Ταϊλάνδη και τις Φιλιππίνες», δήλωσε ο Κιμ Τσουάν Μοκ, επικεφαλής του Τμήματος Ζωγραφικής της Νότιας Ασίας.

Αντικείμενα τέχνης, συμπεριλαμβανομένων μοντέρνα ζωγραφική, αγοράστηκε για δημιουργία συλλογών νέων μουσείων στην Κίνα. Αυτή τη στιγμή υπάρχει φαινόμενο «μουσειακής έκρηξης» στην Κίνα, οπότε το 2011 άνοιξαν 390 μουσεία στην Κίνα αντίστοιχα, χρειάζεται η επάξια πλήρωσή τους. Στην Κίνα, ο ευκολότερος τρόπος είναι να αγοράσετε έργα σε δημοπρασίες οίκων δημοπρασιών και όχι απευθείας από τον καλλιτέχνη ή μέσω της γκαλερί, αυτό εξηγεί το γεγονός της αυξημένης ζήτησης και προσφοράς για την κινεζική σύγχρονη τέχνη.

Αυτή τη στιγμή, η Κίνα είναι ο ηγέτης στην αγορά σύγχρονης τέχνης. Παρά το γεγονός ότι τα έργα των ντόπιων καλλιτεχνών αγοράζονται κυρίως απευθείας στην Κίνα και λιγότερο συχνά από το εξωτερικό, οι ίδιοι οι Κινέζοι, η δημοτικότητα της κινεζικής σύγχρονης ζωγραφικής και η σημασία της στο πλαίσιο της παγκόσμιας αγοράς τέχνης δεν μπορούν να αμφισβητηθούν. Η «κινεζική άνθηση» που ξεκίνησε πριν από περίπου δέκα χρόνια δεν φεύγει από τον κόσμο και οι αφέντες της δεν παύουν να εκπλήσσουν τόσο με τα έργα τους όσο και με τις τιμές τους.

Βιβλιογραφία:

1. Wang Wei Collecting Activities and Forms of Presentation of National Art in PRC Museums: dissertation - St. Petersburg, 2014. - 202 p.
2. Gataullina K.R., Kuznetsova E.R. Συγκριτική ανάλυση της συμπεριφοράς των αγοραστών σύγχρονης τέχνης στη Ρωσία και τις ευρωπαϊκές χώρες // Οικονομικά: χθες, σήμερα, αύριο, 2012, σελ.20-29
3. Drobinina Ρώσοι και Κινέζοι επενδυτές τέχνης. Υπάρχουν λίγες ομοιότητες // Ηλεκτρονικός πόρος: http://www.bbc.com/ (Πρόσβαση 03/12/2016)
4. Zavadsky Πολύ αγαπητό Κινέζο // Ηλεκτρονικός πόρος: http://www.tyutrin.ru/ru/blogs/10-ochen-dorogie-kitaytsy (Πρόσβαση 06/07/2016)
5. Η επένδυση στην τέχνη είναι σημάδι της οικονομικής κρίσης.//Ηλεκτρονικός πόρος: http://www.ntpo.com/ (Πρόσβαση 12.03.2016)
6. Κινεζική αγορά τέχνης//Ηλεκτρονικός πόρος: http://chinese-russian.ru/news/ (Πρόσβαση 13.03.2016)
7. Ζανγκ Ντέιλι. Η αξία και οι αξίες της αγοράς σύγχρονης τέχνης της Κίνας//Ηλεκτρονικός πόρος: http://jurnal.org/articles/2014/iskus9.html (Πρόσβαση 03/12/2016)
8. Shchurina S.V. «Οικονομικοί κίνδυνοι των επενδύσεων σε αντικείμενα τέχνης»// Ηλεκτρονικός πόρος: http://cyberleninka.ru/ (Πρόσβαση στις 12.03.2016)
9. Η Avery Booker China είναι τώρα η μεγαλύτερη αγορά τέχνης και αντίκες στον κόσμο, αλλά τι σημαίνει αυτό;// Ηλεκτρονικός πόρος: http://jingdaily.com/ (Πρόσβαση 04/09/2016)
10. Ο Τζόρνταν Λέβιν Η Κίνα γίνεται σημαντικός παίκτης στον διεθνή κόσμο της τέχνης//Ηλεκτρονικός πόρος: http://www.miamiherald.com/entertainment/ent-columns-blogs/jordan-levin/article4279669.html

Οι καμβάδες Κινέζων καλλιτεχνών του 21ου αιώνα συνεχίζουν να πωλούνται σε δημοπρασίες όπως ζεστά κέικ, και μάλιστα ακριβά. Για παράδειγμα, σύγχρονος καλλιτέχνηςΟ Zeng Fanzhi ζωγράφισε τον Μυστικό Δείπνο, που πουλήθηκε για 23,3 εκατομμύρια δολάρια, και περιλαμβάνεται στη λίστα με τους πιο ακριβούς πίνακες της εποχής μας. Ωστόσο, παρά τη σημασία της στην κλίμακα του παγκόσμιου πολιτισμού και των παγκόσμιων καλών τεχνών, η σύγχρονη κινεζική ζωγραφική είναι πρακτικά άγνωστη στον λαό μας. Διαβάστε για δέκα σημαντικούς σύγχρονους καλλιτέχνες στην Κίνα παρακάτω.

Zhang Xiaogang

Ο Ζανγκ έκανε δημοφιλή την κινεζική ζωγραφική με τα αναγνωρίσιμα έργα του. Αυτός λοιπόν ο σύγχρονος καλλιτέχνης έγινε ένας από τους σημαντικότερους στην πατρίδα του. διάσημους ζωγράφους. Μόλις το δείτε, δεν θα χάσετε ποτέ τα μοναδικά οικογενειακά του πορτρέτα από τη σειρά Pedigree. Το μοναδικό του στυλ έχει καταπλήξει πολλούς συλλέκτες που τώρα αγοράζουν μοντέρνους πίνακες ζωγραφικής Zhang για υπέροχα ποσά.

Τα θέματα των έργων του είναι οι πολιτικές και κοινωνικές πραγματικότητες της σύγχρονης Κίνας και ο Zhang, ο οποίος επέζησε της Μεγάλης Προλεταριακής Πολιτιστικής Επανάστασης του 1966-1967, προσπαθεί να μεταφέρει τη στάση του σε αυτά σε καμβά.

Μπορείτε να δείτε τη δουλειά του καλλιτέχνη στην επίσημη ιστοσελίδα: zhangxiaogang.org.

Ζάο Γουτσάο

Η πατρίδα του Ζάο είναι η κινεζική πόλη Χαϊνάν, όπου παρέλαβε ανώτερη εκπαίδευσημε ειδίκευση στην κινεζική ζωγραφική. Τα πιο διάσημα είναι τα έργα που αφιερώνει ο σύγχρονος καλλιτέχνης στη φύση: κινέζικα τοπία, εικόνες ζώων και ψαριών, λουλούδια και πουλιά.

Η σύγχρονη ζωγραφική Zhao περιέχει δύο διαφορετικούς τομείς της κινεζικής καλών τεχνών - αυτές είναι οι σχολές Lingnan και Shanghai. Από την πρώτη, ο Κινέζος καλλιτέχνης διατήρησε δυναμικές πινελιές και φωτεινά χρώματα στα έργα του και από τη δεύτερη - την ομορφιά στην απλότητα.

Zeng Fanzhi

Αυτός ο σύγχρονος καλλιτέχνης κέρδισε την αναγνώριση στη δεκαετία του '90 του περασμένου αιώνα με τη σειρά έργων ζωγραφικής του με τίτλο "Masks". Χαρακτηρίζουν εκκεντρικούς χαρακτήρες κινουμένων σχεδίων με λευκές μάσκες στα πρόσωπά τους που μπερδεύουν τον θεατή. Κάποτε, ένα από τα έργα αυτής της σειράς έσπασε το ρεκόρ για την υψηλότερη τιμή που πουλήθηκε ποτέ σε δημοπρασία από πίνακα ζωγραφικής Κινέζου καλλιτέχνη - και αυτή η τιμή ήταν 9,7 εκατομμύρια δολάρια το 2008.

"Αυτοπροσωπογραφία" (1996)

Τρίπτυχο "Νοσοκομείο" (1992)

Σειρά "Μάσκες". Νο. 3 (1997)

Σειρά "Μάσκες". Νο. 6 (1996)

Σήμερα, ο Zeng είναι ένας από τους πιο επιτυχημένους καλλιτέχνες στην Κίνα. Δεν κρύβει επίσης ότι ο γερμανικός εξπρεσιονισμός και οι παλαιότερες περίοδοι της γερμανικής τέχνης έχουν ισχυρή επιρροή στο έργο του.

Τιάν Χάιμπο

Έτσι, η σύγχρονη ζωγραφική αυτού του καλλιτέχνη αποτίει φόρο τιμής στην παραδοσιακή κινεζική τέχνη, στην οποία η εικόνα του ψαριού είναι σύμβολο ευημερίας και μεγάλου πλούτου, καθώς και ευτυχίας - αυτή η λέξη προφέρεται στα κινέζικα ως "yu" και η λέξη "ψάρι " προφέρεται με τον ίδιο τρόπο.

Liu Ye

Αυτός ο σύγχρονος καλλιτέχνης είναι γνωστός για το δικό του πολύχρωμους πίνακες ζωγραφικήςκαι οι φιγούρες παιδιών και ενηλίκων που απεικονίζονται πάνω τους, φτιαγμένες επίσης σε «παιδικό» στυλ. Όλα τα έργα του Liu Ye φαίνονται πολύ αστεία και κινούμενα, σαν εικονογραφήσεις για παιδικά βιβλία, αλλά παρ' όλη την εξωτερική φωτεινότητα, το περιεχόμενό τους είναι μάλλον μελαγχολικό.

Όπως πολλοί άλλοι σύγχρονοι Κινέζοι καλλιτέχνες, ο Liu επηρεάστηκε από την Πολιτιστική Επανάσταση στην Κίνα, αλλά δεν προώθησε επαναστατικές ιδέες στο έργο του και τον αγώνα ενάντια στην εξουσία, αλλά επικεντρώθηκε στη μετάδοση της εσωτερικής ψυχολογικής κατάστασης των χαρακτήρων του. Μερικοί από τους μοντέρνους πίνακες του καλλιτέχνη είναι γραμμένοι με το ύφος του αφαιρετικού.

Liu Xiaodong

Ο σύγχρονος Κινέζος καλλιτέχνης Liu Xiaodong ζωγραφίζει ρεαλιστικούς πίνακες που απεικονίζουν ανθρώπους και μέρη που επηρεάζονται από τον ταχύ εκσυγχρονισμό της Κίνας.

Η σύγχρονη ζωγραφική του Liu στρέφεται προς τις μικρές, άλλοτε βιομηχανικές πόλεις σε όλο τον κόσμο, όπου προσπαθεί να αναζητήσει χαρακτήρες στους καμβάδες του. Σχεδιάζει πολλούς από τους σύγχρονους πίνακές του βασισμένοι σε σκηνές από τη ζωή, οι οποίες φαίνονται αρκετά τολμηρές, νατουραλιστικές και ειλικρινείς, αλλά αληθινές. Απεικονίζουν τους απλούς ανθρώπους όπως είναι.

Ο Liu Xiaodong θεωρείται ο εκπρόσωπος του «νέου ρεαλισμού».

Yu Hong

επεισόδια από τα δικά του Καθημερινή ζωή, την παιδική ηλικία, τη ζωή της οικογένειάς της και των φίλων της - αυτό επέλεξε η σύγχρονη καλλιτέχνης Yu Hong ως κύρια θέματα των έργων της. Ωστόσο, μην βιαστείτε να χασμουρηθείτε, περιμένοντας να δείτε βαρετές αυτοπροσωπογραφίες και οικογενειακά σκίτσα.

Μάλλον, είναι κάποιου είδους βινιέτες και μεμονωμένες εικόνες από την εμπειρία και τις αναμνήσεις της, που αποτυπώνονται σε καμβά με τη μορφή ενός είδους κολάζ και αναδημιουργούν γενικές ιδέες για την προηγούμενη και την παρούσα ζωή των απλών ανθρώπων στην Κίνα. Από αυτό, το έργο του Yu φαίνεται πολύ ασυνήθιστο, φρέσκο ​​και νοσταλγικό ταυτόχρονα.

Liu Maoshan

Ο σύγχρονος καλλιτέχνης Liu Maoshan παρουσιάζει την κινεζική ζωγραφική στο είδος του τοπίου. Έγινε γνωστός σε ηλικία είκοσι ετών, έχοντας οργανώσει τους δικούς του έκθεση τέχνηςστη γενέτειρά του τη Σούζου. Εδώ ζωγραφίζει απολαυστικά κινέζικα τοπία, που συνδυάζουν αρμονικά την παραδοσιακή κινεζική ζωγραφική, τον ευρωπαϊκό κλασικισμό, ακόμη και τον σύγχρονο ιμπρεσιονισμό.

Ο Liu είναι πλέον Αντιπρόεδρος της Ακαδημίας Κινεζικής Ζωγραφικής στο Suzhou και τα κινέζικα τοπία του με ακουαρέλα βρίσκονται σε γκαλερί και μουσεία στις ΗΠΑ, στο Χονγκ Κονγκ, στην Ιαπωνία και σε άλλες χώρες.

Φονγκγουέι Λιου

Ο προικισμένος και φιλόδοξος Fongwei Liu, ένας σύγχρονος Κινέζος καλλιτέχνης, μετακόμισε στις Ηνωμένες Πολιτείες το 2007 κυνηγώντας τα καλλιτεχνικά του όνειρα, όπου αποφοίτησε από μια ακαδημία τέχνης με πτυχίο. Στη συνέχεια, ο Liu συμμετείχε σε διάφορους διαγωνισμούς και εκθέσεις και έλαβε αναγνώριση στους κύκλους των ζωγράφων.

Ο Κινέζος καλλιτέχνης ισχυρίζεται ότι η έμπνευση για τα έργα του είναι η ίδια η ζωή και η φύση. Καταρχάς, επιδιώκει να μεταφέρει την ομορφιά που μας περιβάλλει σε κάθε βήμα και καραδοκεί στα πιο συνηθισμένα πράγματα.

Τις περισσότερες φορές ζωγραφίζει τοπία, πορτρέτα γυναικών και νεκρές φύσεις. Μπορείτε να τα δείτε στο blog του καλλιτέχνη στη διεύθυνση fongwei.blogspot.com.

Γιούε Μιντζούν

Στους πίνακές του, ο σύγχρονος καλλιτέχνης Yue Minjun προσπαθεί να κατανοήσει τις σημαντικές στιγμές της ιστορίας της Κίνας, το παρελθόν και το παρόν της. Στην πραγματικότητα, αυτά τα έργα είναι αυτοπροσωπογραφίες, όπου ο καλλιτέχνης απεικονίζει τον εαυτό του σε μια σκόπιμα υπερβολική, γκροτέσκη μορφή, χρησιμοποιώντας τις πιο φωτεινές χρωματικές αποχρώσεις στο πνεύμα της ποπ αρτ. Ζωγραφίζει με λάδια. Σε όλους τους καμβάδες, οι φιγούρες του συγγραφέα απεικονίζονται με πλατιά, ακόμη και ανοιχτά χαμόγελα που φαίνονται περισσότερο ανατριχιαστικά παρά κωμικά.

Είναι εύκολο να δει κανείς ότι ένα τέτοιο καλλιτεχνικό κίνημα όπως ο σουρεαλισμός είχε μεγάλη επιρροή στη ζωγραφική του καλλιτέχνη, αν και ο ίδιος ο Yue θεωρείται ένας από τους καινοτόμους του είδους του «κυνικού ρεαλισμού». Τώρα δεκάδες κριτικοί τέχνης και απλοί θεατές προσπαθούν να ξετυλίξουν και να ερμηνεύσουν το συμβολικό χαμόγελο του Yue με τον δικό τους τρόπο. Η αναγνωρισιμότητα του στυλ και η πρωτοτυπία έπαιξε στα χέρια του Yue, ο οποίος έγινε επίσης ένας από τους πιο «ακριβούς» Κινέζους καλλιτέχνες της εποχής μας.

Μπορείτε να δείτε τη δουλειά του καλλιτέχνη στον ιστότοπο: yueminjun.com.cn.

Και στο επόμενο βίντεοπαρουσιάζει τη σύγχρονη κινεζική ζωγραφική σε μετάξι, οι συγγραφείς της οποίας είναι οι καλλιτέχνες Zhao Guojing, Wang Meifang και David Li:

Στη συνέχεια του άρθρου σας θέτουμε υπόψη:

Πάρτε το, πείτε το στους φίλους σας!

Διαβάστε επίσης στην ιστοσελίδα μας:

Δείτε περισσότερα

Σε ποια ονόματα της σύγχρονης ρωσικής ζωγραφικής πρέπει να δοθεί ιδιαίτερη προσοχή; Ποιος σύγχρονος καλλιτέχνης έχει δημιουργήσει τον πιο ακριβό ανάμεσα στους πίνακες εν ζωή Ρώσων συγγραφέων; Πόσο καλά γνωρίζετε την εγχώρια τέχνη της εποχής μας, μάθετε από το άρθρο μας.

Οι πωλήσεις κινεζικής σύγχρονης τέχνης ξεπέρασαν όλα τα ρεκόρ σε δημοπρασίες, οι τριπλές δημοπρασίες ασιατικής σύγχρονης τέχνης του Sotheby's, εκθέσεις μοντέρνας και σύγχρονης κινεζικής τέχνης παρουσιάζονται σε μουσεία σε όλο τον κόσμο. Η Αγία Πετρούπολη δεν αποτέλεσε εξαίρεση, όπου τον Σεπτέμβριο πραγματοποιήθηκε έκθεση Κινέζων καλλιτεχνών στο Loft Project «Etazhi». Το περιοδικό 365 ενδιαφέρθηκε για το από πού προήλθε αυτό το ενδιαφέρον για τη σύγχρονη κινεζική τέχνη και αποφασίσαμε να ανακαλέσουμε 7 βασικές προσωπικότητες, χωρίς τους οποίους θα ήταν τελείως διαφορετικά.

Η «σύγχρονη τέχνη» έρχεται σε αντίθεση με την παραδοσιακή τέχνη. Σύμφωνα με τον διάσημο κριτικό, Γου Χονγκ, ο όρος «μοντέρνα τέχνη» έχει μια βαθιά αβανγκάρντ σημασία, που συνήθως υποδηλώνει ότι διάφορα πολύπλοκα πειράματα λαμβάνουν χώρα στο παραδοσιακό ή ορθόδοξο σύστημα ζωγραφικής. Πράγματι, η σύγχρονη κινεζική τέχνη αναπτύσσεται τώρα απίστευτα γρήγορα, ανταγωνιζόμενη την ευρωπαϊκή τέχνη τόσο πολιτιστικά όσο και οικονομικά.

Από πού προήλθε όλο το φαινόμενο της σύγχρονης κινεζικής τέχνης; Στα πρώτα χρόνια της βασιλείας του Μάο Τσε Τουνγκ (από το 1949), υπήρξε άνοδος στις τέχνες, οι άνθρωποι ήλπιζαν σε ένα καλύτερο μέλλον, αλλά στην πραγματικότητα υπήρχε απόλυτος έλεγχος. Οι πιο δύσκολες στιγμές ξεκίνησαν με την έναρξη της «πολιτιστικής επανάστασης» (από το 1966): τα σπίτια τέχνης άρχισαν να κλείνουν. εκπαιδευτικά ιδρύματακαι οι ίδιοι οι καλλιτέχνες διώχθηκαν. Η αποκατάσταση ξεκίνησε μόνο μετά το θάνατο του Μάο. Οι καλλιτέχνες συμμετείχαν σε μυστικούς κύκλους όπου συζητούσαν εναλλακτικές μορφές τέχνης. Ο πιο σφοδρός αντίπαλος του μαοϊσμού ήταν η ομάδα Zvezda. Περιλάμβανε τους Wang Keping, Ma Desheng, Huang Rui, Ai Weiwei και άλλους. «Κάθε καλλιτέχνης είναι ένα μικρό αστέρι», είπε ένας από τους ιδρυτές της ομάδας, ο Ma Desheng, «και ακόμη και οι μεγάλοι καλλιτέχνες στο σύμπαν είναι απλά μικρά αστέρια».

Από τους καλλιτέχνες αυτής της ομάδας, ο Ai Weiwei είναι ο πιο διάσημος. Το 2011 μάλιστα κατέλαβε την πρώτη θέση στη λίστα με τα άτομα με τη μεγαλύτερη επιρροή στον κλάδο της τέχνης. Για κάποιο διάστημα ο καλλιτέχνης έζησε στις ΗΠΑ, αλλά το 1993 επέστρεψε στην Κίνα. Εκεί, εκτός από τη δημιουργική δουλειά, ασχολήθηκε με την έντονη κριτική της κινεζικής κυβέρνησης. Η τέχνη του Ai Weiwei περιλαμβάνει γλυπτικές εγκαταστάσεις, βίντεο και φωτογραφικά έργα. Στα έργα του, ο καλλιτέχνης χρησιμοποιεί την παραδοσιακή κινεζική τέχνη Κυριολεκτικά: σπάει αρχαία αγγεία (Dropping a Han Dynasty Urn, 1995-2004), σχεδιάζει το λογότυπο της Coca Cola σε ένα βάζο (Han Dynasty Urn with Coca-Cola Logo, 1994). Εκτός από όλα αυτά, ο Ai Weiwei έχει μερικά πολύ ασυνήθιστα έργα. Για 1001 αναγνώστες του blog του, πλήρωσε για το ταξίδι στο Κάσελ και κατέγραψε αυτό το ταξίδι. Αγόρασε επίσης 1001 καρέκλες της δυναστείας Qing. Ολόκληρο το έργο, που ονομάζεται Fairytale (“Fairy Tale”), θα μπορούσε να δει κανείς το 2007 στην έκθεση Documenta.

Ο Ai Weiwei έχει επίσης αρχιτεκτονικά έργα: το 2006, ο καλλιτέχνης, σε συνεργασία με αρχιτέκτονες, σχεδίασε μια έπαυλη στα βόρεια της Νέας Υόρκης για τον συλλέκτη Christopher Tsai.

Το έργο του Zhang Xiaogang, ενός συμβολιστή και σουρεαλιστή καλλιτέχνη, είναι ενδιαφέρον. Οι πίνακες της σειράς του Bloodline ("Pedigree") είναι κυρίως μονόχρωμοι με πιτσιλιές φωτεινών χρωματικών κηλίδων. Πρόκειται για στυλιζαρισμένα πορτρέτα των Κινέζων, συνήθως με μεγάλα μάτια(πώς να μην θυμάμαι τη Μάργκαρετ Κιν). Ο τρόπος αυτών των πορτρέτων θυμίζει επίσης οικογενειακά πορτρέτα των δεκαετιών του 1950 και του 1960. Αυτό το έργο συνδέεται με αναμνήσεις της παιδικής ηλικίας, ο καλλιτέχνης εμπνεύστηκε από φωτογραφικά πορτρέτα της μητέρας του. Οι εικόνες στους πίνακες είναι μυστικιστικές, συνδυάζουν τα φαντάσματα του παρελθόντος και του παρόντος. Ο Zhang Xiaogang δεν είναι πολιτικοποιημένος καλλιτέχνης - ενδιαφέρεται πρωτίστως για την ατομικότητα ενός ατόμου, τα ψυχολογικά προβλήματα.

Ο Jiang Fengqi είναι άλλος επιτυχημένος καλλιτέχνης. Η δουλειά του είναι πολύ εκφραστική. Στη σχέση ασθενών και αρχών αφιέρωσε τη σειρά «Νοσοκομείο». Άλλες σειρές του καλλιτέχνη δείχνουν επίσης την μάλλον απαισιόδοξη άποψη του για τον κόσμο.

Το όνομα της έκθεσης στο «Etazhy» είναι «Απελευθέρωση του παρόντος από το παρελθόν». Οι καλλιτέχνες αναθεωρούν τις εθνικές παραδόσεις, χρησιμοποιούν παραδοσιακές, αλλά εισάγουν και νέες τεχνικές. Στην αρχή της έκθεσης, το έργο του Jiang Jin Narcissus and Echo - Shall the water and wind δεν θυμούνται. Το έργο έγινε σε μορφή τρίπτυχου το 2014. Ο συγγραφέας χρησιμοποιεί την τεχνική του μελανιού σε χαρτί - sumi-e. Η τεχνική sumi-e ξεκίνησε στην Κίνα κατά τη διάρκεια της δυναστείας των Σονγκ. Αυτός είναι ένας μονόχρωμος πίνακας, παρόμοιος με την ακουαρέλα. Ο Jiang Jin ενσαρκώνει την παραδοσιακή πλοκή: λουλούδια, πεταλούδες, βουνά, φιγούρες ανθρώπων δίπλα στο ποτάμι - όλα είναι πολύ αρμονικά.

Παρουσιάστηκε στην έκθεση και video art. Αυτό είναι ένα έργο του καλλιτέχνη βίντεο Wang Rui με έδρα το Πεκίνο με τίτλο "Do you love me, do you love him?" (2013). Το βίντεο διαρκεί 15 λεπτά, στα οποία τα χέρια χαϊδεύουν χέρια φτιαγμένα από πάγο, φαίνεται ότι τα δάχτυλά τους λιώνουν σταδιακά. Ίσως ο καλλιτέχνης ήθελε να μιλήσει για την παροδικότητα και την αστάθεια της αγάπης; Ή ότι η αγάπη μπορεί να λιώσει μια παγωμένη καρδιά;

Το έργο του Stephen Wong Lo “Flying Over the Earth”, φτιαγμένο με την τεχνική της απλικέ, θυμίζει χρωματικό σχέδιοεικόνες από τις ταινίες του Wong Kar-Wai.

Σίγουρα πρωταγωνιστές της έκθεσης είναι δύο γλυπτά του Mu Boyan. Τα γλυπτά του είναι γκροτέσκα, απεικονίζουν πολύ χοντροί άνθρωποι. Πρόβλημα υπερβολικό βάροςενδιαφέρθηκε για τον καλλιτέχνη το 2005, μετά από το οποίο εμπνεύστηκε τη δημιουργία αυτών των γλυπτών. Θυμίζουν τόσο φωτισμένους βουδιστές μοναχούς όσο και σύγχρονους ανθρώπουςμε το πρόβλημα του υπερβολικού βάρους. Γλυπτά "Tough" (2015) και "Come on!" (2015) κατασκευάζονται με την τεχνική της έγχρωμης ρητίνης. Σε αυτά τα έργα, ο γλύπτης απεικονίζει και όχι ενήλικες, αλλά μωρά.

Το αν οι σύγχρονοι Κινέζοι καλλιτέχνες κατάφεραν να απελευθερωθούν από το παρελθόν εξαρτάται από τον θεατή, αλλά η σύνδεση μεταξύ των γενεών φαίνεται ξεκάθαρα στα έργα τους και γίνεται σαφές ότι δεν είναι τόσο εύκολο να ξεφύγεις από το παρελθόν. Αυτό επιβεβαιώνει τη χρήση της τεχνικής sumi-e, καθώς και εγκαταστάσεις που περιλαμβάνουν αρχαία αντικείμενα. Μέχρι τώρα, οι σύγχρονοι Κινέζοι καλλιτέχνες δεν έχουν απελευθερωθεί από την επιρροή του μαοϊσμού, η διαμαρτυρία και η μνήμη του οποίου είναι ακόμα παρούσα στο έργο τους. Οι καλλιτέχνες διαμορφώνουν τα έργα τους στην εποχή του Μαοϊσμού. Οι αναμνήσεις του παρελθόντος μπορούν, όπως, για παράδειγμα, στους καμβάδες του Zhang Xiaogang, να είναι βασικές στο έργο του καλλιτέχνη. Ο ανήσυχος Ai Weiwei επινοεί όλο και περισσότερες παραστάσεις, αλλά στρέφεται και στον παραδοσιακό πολιτισμό. Η κινεζική τέχνη πάντα ήταν, είναι και θα έχει κάτι να εκπλήξει τον θεατή - η κληρονομιά της είναι ατελείωτη και οι νέοι εκπρόσωποι θα συνεχίσουν να βρίσκουν έμπνευση στις κινεζικές παραδόσεις.

Κείμενο: Anna Kozheurova

Εφόσον έχουμε ήδη αρχίσει να εξοικειωνόμαστε με τη σύγχρονη τέχνη στην Κίνα, σκέφτηκα ότι θα ήταν σκόπιμο να παραθέσω ένα καλό άρθρο ενός φίλου μου που ερευνά αυτό το θέμα.

Όλγα Μερεκίνα: "Σύγχρονη κινεζική τέχνη: 30-χρόνια πορεία από τον σοσιαλισμό στον καπιταλισμό. Μέρος Ι"

Το "A Man jn Melancholy" του Zeng Fanzhi πουλήθηκε στον Christie's για 1,3 εκατομμύρια δολάρια τον Νοέμβριο του 2010

Ίσως, εκ πρώτης όψεως, η χρήση οικονομικών όρων σε σχέση με την τέχνη, ιδιαίτερα την κινεζική, μπορεί να φαίνεται περίεργη. Αλλά, στην πραγματικότητα, αντικατοπτρίζουν με μεγαλύτερη ακρίβεια τις διαδικασίες με τις οποίες η Κίνα το 2010 έγινε η μεγαλύτερη αγορά τέχνης στον κόσμο. Πίσω στο 2007, όταν ξεπέρασε τη Γαλλία για την τρίτη θέση στο βάθρο των μεγαλύτερων αγορών τέχνης, ο κόσμος ξαφνιάστηκε. Αλλά όταν, τρία χρόνια αργότερα, η Κίνα ξεπέρασε το Ηνωμένο Βασίλειο και τις ΗΠΑ, που ήταν οι ηγέτες της αγοράς τα τελευταία πενήντα χρόνια, και έγινε η κορυφαία σε πωλήσεις έργων τέχνης στον κόσμο, η παγκόσμια κοινότητα τέχνης σοκαρίστηκε. Είναι δύσκολο να το πιστέψει κανείς, αλλά το Πεκίνο είναι αυτή τη στιγμή η δεύτερη μεγαλύτερη αγορά τέχνης μετά τη Νέα Υόρκη: 2,3 δισεκατομμύρια δολάρια σε κύκλο εργασιών έναντι 2,7 δισεκατομμυρίων δολαρίων. Ας δούμε όμως τα πάντα με τη σειρά.

Τέχνη της Νέας Κίνας

Αφίσα από τα τέλη της δεκαετίας του '50 - ένα παράδειγμα σοσιαλιστικού ρεαλισμού

Στις αρχές του 20ου αιώνα, η Ουράνια Αυτοκρατορία βρισκόταν σε βαθιά κρίση. Αν και, από τα τέλη του 19ου αιώνα, μια ομάδα μεταρρυθμιστών προσπαθούσε να εκσυγχρονίσει τη χώρα, η οποία εκείνη την εποχή ήταν αβοήθητη πριν από την επίθεση της ξένης επέκτασης. Αλλά μόνο μετά την επανάσταση του 1911 και την ανατροπή της δυναστείας των Μαντσού, οι αλλαγές στον οικονομικό, κοινωνικοπολιτικό και πολιτιστικό τομέα άρχισαν να αποκτούν δυναμική.

Προηγουμένως, η ευρωπαϊκή εικαστική τέχνη δεν είχε ουσιαστικά καμία επιρροή στην κινεζική παραδοσιακή ζωγραφική (και σε άλλους τομείς της τέχνης). Αν και στις αρχές του αιώνα ορισμένοι καλλιτέχνες εκπαιδεύτηκαν στο εξωτερικό, πιο συχνά στην Ιαπωνία και σε λίγους σχολές τέχνηςδίδαξε ακόμη και κλασικό δυτικό σχέδιο.

Αλλά μόνο στην αυγή ενός νέου αιώνα ξεκίνησε μια νέα εποχή Κινεζικός κόσμοςτέχνη: εμφανίστηκαν διάφορες ομάδες, διαμορφώθηκαν νέες τάσεις, άνοιξαν γκαλερί, πραγματοποιήθηκαν εκθέσεις. Γενικά, οι διεργασίες στην κινεζική τέχνη εκείνης της εποχής επαναλάμβαναν σε μεγάλο βαθμό το δυτικό μονοπάτι (αν και το ζήτημα της ορθότητας της επιλογής τέθηκε συνεχώς). Ειδικά με την έναρξη της ιαπωνικής κατοχής το 1937, μεταξύ των Κινέζων καλλιτεχνών, η επιστροφή στην παραδοσιακή τέχνη έγινε ένα είδος εκδήλωσης πατριωτισμού. Αν και την ίδια στιγμή εξαπλώνονταν απόλυτα δυτικές μορφές καλών τεχνών, σαν αφίσα και καρικατούρα.

Μετά το 1949, τα πρώτα χρόνια της ανόδου του Μάο Τσε Τουνγκ στην εξουσία γνώρισαν επίσης μια πολιτιστική άνοδο. Ήταν μια εποχή ελπίδας για μια καλύτερη ζωή και τη μελλοντική ευημερία της χώρας. Αλλά αυτό γρήγορα αντικαταστάθηκε από τον πλήρη έλεγχο της δημιουργικότητας από το κράτος. Και η αιώνια διαμάχη μεταξύ του δυτικού μοντερνισμού και της κινεζικής guohua αντικαταστάθηκε από τον σοσιαλιστικό ρεαλισμό, ένα δώρο από τον Big Brother - τη Σοβιετική Ένωση.

Αλλά το 1966, ήρθαν ακόμη πιο σκληρές στιγμές για τους Κινέζους καλλιτέχνες: η Πολιτιστική Επανάσταση. Ως αποτέλεσμα αυτής της πολιτικής εκστρατείας, που ξεκίνησε από τον Μάο Τσε Τουνγκ, οι σπουδές σε ακαδημίες τέχνης ανεστάλησαν, όλα τα εξειδικευμένα περιοδικά έκλεισαν, το 90% διώχθηκε διάσημους καλλιτέχνεςκαι καθηγητές, και η εκδήλωση δημιουργική ατομικότηταέγινε μια από τις αντεπαναστατικές αστικές ιδέες. Ήταν η Πολιτιστική Επανάσταση που στο μέλλον είχε τεράστιο αντίκτυπο στην ανάπτυξη της σύγχρονης τέχνης στην Κίνα και συνέβαλε στη γέννηση ακόμη και αρκετών καλλιτεχνικών κινημάτων.

Μετά τον θάνατο του Μεγάλου Πιλότου και το επίσημο τέλος της Πολιτιστικής Επανάστασης το 1977, ξεκίνησε η αποκατάσταση των καλλιτεχνών, άνοιξαν τις πόρτες τους σχολές τέχνης και ακαδημίες, όπου ρέματα όσων επιθυμούσαν να λάβουν ακαδημαϊκούς καλλιτεχνική εκπαίδευσηέχουν ξαναρχίσει τις δραστηριότητές τους έντυπες εκδόσεις, που δημοσίευσε έργα σύγχρονων δυτικών και Ιάπωνων καλλιτεχνών, καθώς και κλασικά κινέζικες ζωγραφιές. Αυτή η στιγμή σηματοδότησε τη γέννηση της σύγχρονης τέχνης και της αγοράς τέχνης στην Κίνα.

Μέσα από τα αγκάθια στα αστέρια»

Cry of the People, Ma Desheng, 1979

Όταν στα τέλη Σεπτεμβρίου 1979 στο πάρκο απέναντι από τον «ναό της προλεταριακής τέχνης», το Εθνικό Μουσείο Τέχνης της Λαϊκής Δημοκρατίας της Κίνας, διασκορπίστηκε μια ανεπίσημη έκθεση καλλιτεχνών, κανείς δεν μπορούσε καν να φανταστεί ότι αυτό το γεγονός θα θεωρούνταν η αρχή μιας νέας εποχής στην κινεζική τέχνη. Όμως, μια δεκαετία αργότερα, το έργο της ομάδας Zvezdy θα γίνει το κύριο μέρος της αναδρομικής έκθεσης αφιερωμένης στην κινεζική τέχνη μετά την Πολιτιστική Επανάσταση.

Ήδη από το 1973, πολλοί νέοι καλλιτέχνες άρχισαν να ενώνονται κρυφά και να συζητούν εναλλακτικές μορφές καλλιτεχνικής έκφρασης, αντλώντας έμπνευση από το έργο του δυτικού μοντερνισμού. Οι πρώτες εκθέσεις ανεπίσημων καλλιτεχνικών συλλόγων πραγματοποιήθηκαν το 1979. Όμως ούτε η έκθεση της ομάδας «Απρίλιος», ούτε η «Ανώνυμη Κοινότητα» ασχολήθηκαν με πολιτικά θέματα. Τα έργα της ομάδας Stars (Wang Keping, Ma Desheng, Huang Rui, Ai Weiwei και άλλοι) επιτέθηκαν σφοδρά στη μαοϊκή ιδεολογία. Εκτός από τη διεκδίκηση του δικαιώματος του καλλιτέχνη στην ατομικότητα, αρνήθηκαν τη θεωρία «η τέχνη για την τέχνη» που επικρατούσε στους καλλιτεχνικούς και ακαδημαϊκούς κύκλους κατά τη διάρκεια των δυναστείων Μινγκ και Τσινγκ. «Κάθε καλλιτέχνης είναι ένα μικρό αστέρι», είπε ένας από τους ιδρυτές της ομάδας, ο Ma Desheng, «και ακόμη και οι μεγάλοι καλλιτέχνες στο σύμπαν είναι απλά μικρά αστέρια». Πίστευαν ότι ο καλλιτέχνης και το έργο του έπρεπε να συνδέονται στενά με την κοινωνία, να αντικατοπτρίζουν τους πόνους και τις χαρές της και να μην προσπαθούν να αποφύγουν τις δυσκολίες και τους κοινωνικούς αγώνες.

Αλλά εκτός από τους πρωτοποριακούς καλλιτέχνες που αντιτάχθηκαν ανοιχτά στις αρχές, μετά την Πολιτιστική Επανάσταση, εμφανίστηκαν και νέες τάσεις στην κινεζική ακαδημαϊκή τέχνη, βασισμένες στον κριτικό ρεαλισμό και τις ουμανιστικές ιδέες της κινεζικής λογοτεχνίας των αρχών του 20ου αιώνα: «Ουλές» ( Scar Art) και "Soil" ( Native Soil). Τη θέση των ηρώων του σοσιαλιστικού ρεαλισμού στο έργο της ομάδας «Ουλές» πήραν τα θύματα της Πολιτιστικής Επανάστασης, η «χαμένη γενιά» (Cheng Conglin). Οι «Soilers» αναζητούσαν τους ήρωές τους στις επαρχίες, ανάμεσα σε μικρές εθνικότητες και απλούς Κινέζους (Θιβετιανή σειρά του Chen Danqing, «Father» Lo Zhongli). Οι οπαδοί του κριτικού ρεαλισμού παρέμειναν εντός των επίσημων θεσμών και έτειναν να αποφεύγουν την ανοιχτή σύγκρουση με τις αρχές, εστιάζοντας περισσότερο στην τεχνική και την αισθητική έλξη του έργου.

Οι Κινέζοι καλλιτέχνες αυτής της γενιάς, γεννημένοι στα τέλη της δεκαετίας του '40 και στις αρχές της δεκαετίας του '50, βίωσαν προσωπικά όλες τις δυσκολίες της Πολιτιστικής Επανάστασης: πολλοί από αυτούς εξορίστηκαν σε αγροτικές περιοχές ως φοιτητές. Η ανάμνηση από τις σκληρές εποχές έγινε η βάση της δουλειάς τους, ριζοσπαστική όπως τα «Αστέρια» ή συναισθηματική όπως οι «Ουλές» και οι «Soilers».

Νέο κύμα 1985

Σε μεγάλο βαθμό λόγω του μικρού αερίου ελευθερίας που φύσηξε με την έναρξη των οικονομικών μεταρρυθμίσεων στα τέλη της δεκαετίας του '70, συχνά άτυπες κοινότητες καλλιτεχνών και δημιουργικής διανόησης άρχισαν να δημιουργούνται στις πόλεις. Κάποιοι από αυτούς το έχουν παρακάνει στις πολιτικές τους συζητήσεις - μέχρι και στο σημείο να μιλούν κατηγορηματικά κατά του κόμματος. Η απάντηση της κυβέρνησης σε αυτή τη διάδοση των δυτικών φιλελεύθερων ιδεών ήταν η πολιτική εκστρατεία του 1983-84, η οποία είχε ως στόχο την καταπολέμηση κάθε εκδήλωσης «αστικής κουλτούρας», από τον ερωτισμό μέχρι τον υπαρξισμό.

Η καλλιτεχνική κοινότητα της Κίνας ανταποκρίθηκε με έναν πολλαπλασιασμό άτυπων ομάδων τέχνης (υπολογίζονται σε πάνω από 80), συλλογικά γνωστές ως Κίνημα του Νέου Κύματος του 1985. Οι συμμετέχοντες σε αυτούς τους πολυάριθμους δημιουργικούς συλλόγους, διαφορετικοί ως προς τις απόψεις και τις θεωρητικές προσεγγίσεις τους, ήταν νέοι καλλιτέχνες, που συχνά απλώς εγκατέλειπαν τα τείχη των ακαδημιών τέχνης. Μεταξύ αυτού του νέου κινήματος ήταν η Northern Community, η Pond Association και οι Dadaists από το Xiamen.

Και παρόλο που οι κριτικοί διαφέρουν ως προς τις διάφορες ομάδες, οι περισσότεροι συμφωνούν ότι ήταν ένα μοντερνιστικό κίνημα που προσπάθησε να αποκαταστήσει τις ουμανιστικές και ορθολογιστικές ιδέες στο εθνική συνείδηση. Σύμφωνα με τους συμμετέχοντες, το κίνημα αυτό ήταν ένα είδος συνέχειας της ιστορικής διαδικασίας που ξεκίνησε τις πρώτες δεκαετίες του 20ού αιώνα και διακόπηκε στα μέσα του. Αυτή η γενιά, που γεννήθηκε στα τέλη της δεκαετίας του '50 και μορφώθηκε στις αρχές της δεκαετίας του '80, βίωσε επίσης πολιτιστική επανάσταση, όμως, σε λιγότερο ώριμη ηλικία. Αλλά οι αναμνήσεις τους δεν χρησίμευσαν ως βάση για δημιουργικότητα, αλλά μάλλον τους επέτρεψαν να αποδεχτούν τη δυτική μοντερνιστική φιλοσοφία.

Η κίνηση, ο μαζικός χαρακτήρας, η επιθυμία για ενότητα καθόρισαν την κατάσταση του καλλιτεχνικού περιβάλλοντος στη δεκαετία του '80. Μαζικές εκστρατείες, διακηρυγμένοι στόχοι και ένας κοινός εχθρός έχουν χρησιμοποιηθεί ενεργά από τη δεκαετία του '50 από το Κινεζικό Κομμουνιστικό Κόμμα. Το Νέο Κύμα, αν και δήλωνε στόχους αντίθετους από αυτούς του κόμματος, έμοιαζε από πολλές απόψεις με τις πολιτικές εκστρατείες της κυβέρνησης στις δραστηριότητές του: με όλη την ποικιλία των καλλιτεχνικών ομάδων και κατευθύνσεων, οι δραστηριότητές τους υποκινούνταν από κοινωνικοπολιτικούς στόχους.

Το αποκορύφωμα της ανάπτυξης του κινήματος New Wave 1985 ήταν η έκθεση China / Avant-Garde (Κίνα / Avant-garde), η οποία άνοιξε τον Φεβρουάριο του 1989. Η ιδέα να οργανωθεί μια έκθεση σύγχρονης τέχνης στο Πεκίνο εκφράστηκε για πρώτη φορά το 1986 σε μια συνάντηση καλλιτεχνών της avant-garde στην πόλη Zhuhai. Αλλά μόλις τρία χρόνια αργότερα αυτή η ιδέα πραγματοποιήθηκε. Είναι αλήθεια ότι η έκθεση διεξήχθη σε κλίμα έντονης κοινωνικής έντασης, η οποία, τρεις μήνες αργότερα, είχε ως αποτέλεσμα γνωστές εκδηλώσεις στην πλατεία Τιενανμέν, πολύ γνωστές στους ξένους αναγνώστες. Την ημέρα των εγκαινίων της έκθεσης, λόγω των γυρισμάτων στην αίθουσα, που ήταν μέρος της παράστασης του νεαρού καλλιτέχνη, οι αρχές ανέστειλαν την έκθεση και τα επαναλειτουργία της έγιναν λίγες μέρες αργότερα. Το «China / Avant-Garde» έχει γίνει ένα είδος «σημείου χωρίς επιστροφή» της εποχής της avant-garde στην κινεζική σύγχρονη τέχνη. Ήδη έξι μήνες αργότερα, οι αρχές ενίσχυσαν τον έλεγχο σε όλους τους τομείς της κοινωνίας, ανέστειλαν την αυξανόμενη φιλελευθεροποίηση και έβαλαν τέλος στην ανάπτυξη ανοιχτά πολιτικοποιημένων κινημάτων τέχνης.