Tentang seni gitar dan pelatihan gitaris. Garis besar singkat sejarah gitar Seni gitar dan penelitiannya

Kirim karya bagus Anda di basis pengetahuan itu sederhana. Gunakan formulir di bawah ini

Pelajar, mahasiswa pascasarjana, ilmuwan muda yang menggunakan basis pengetahuan dalam studi dan pekerjaan mereka akan sangat berterima kasih kepada Anda.

Diposting di http://www.allbest.ru/

Diposting di http://www.allbest.ru/

Kementerian Kebudayaan Ukraina

Akademi Kebudayaan Negara Kharkiv

untuk masuk belajar untuk gelar "Master"

Seni Gitar sebagai Fenomena Sejarah Budaya Musik

Pikhulya Taras Olegovich

Kharkiv 2015

Rencana

Perkenalan

1. Prasyarat pembentukan dan pengembangan permainan gitar klasik

1.1 Sejarah kemunculan, perkembangan dan peningkatan performa gitar

1.2 Pembentukan seni gitar di Uni Soviet dan Rusia

2. Sejarah kemunculan dan evolusi pop arah jazz dalam seni

2.1 Varietas gitar yang digunakan dalam seni pop-jazz

2.2 Arah utama pertunjukan pop-jazz tahun 60-70an

Bibliografi

DI DALAMmelakukan

Seni musik abad XX. berkembang pesat dan pesat. Ciri ciri utama dari perkembangan ini adalah asimilasi berbagai gaya dan tren, kristalisasi bahasa musik baru, prinsip komposisi baru, pembentukan, dan pembentukan berbagai platform estetika. Proses ini tidak hanya melibatkan komposer, pemain, sejarawan seni, tetapi juga jutaan pendengar yang menciptakan karya musik.

Relevansi topik ini karena pertimbangan musik instrumental klasik dan pop-jazz dari sudut pandang evolusi perkembangan seni gitar, yaitu pembentukan genre dan tren baru.

Tujuan dari penelitian ini adalah untuk mempertimbangkan musik instrumental klasik dan pop-jazz, pengaruhnya terhadap pembentukan gaya baru, keterampilan penampilan dan budaya gitar umumnya.

Tujuan penelitian:

1) Perhatikan sejarah kemunculan, perkembangan dan pembentukan budaya gitar di Eropa, Rusia, Uni Soviet.

2) Pertimbangkan asal-usul, asal dan pembentukan gaya baru dalam seni pop-jazz.

Obyek penelitian ini adalah bentukan musik instrumental klasik dan pop-jazz.

Dasar metodologis dari karya tersebut adalah metode analisis intonasi, yang berfokus pada kesatuan prinsip musik dan ucapan, sebagai dasar tradisi artistik Eropa, Afrika, dan Rusia.

Kebaruan ilmiah dari karya tersebut terletak pada kenyataan bahwa karya tersebut merupakan studi tentang pembentukan dan evolusi seni gitar serta pengaruhnya terhadap pembentukan budaya gitar.

Nilai praktis dari karya tersebut terletak pada kemungkinan penggunaan materialnya dalam proses mempelajari disiplin musik sejarah dan teoretis.

1. PrasyaratpembentukanDanperkembanganpermainanpadaklasikgitar

1.1 Sejarah kemunculan, perkembangan dan peningkatan performa gitar

Sejarah asal usul, perkembangan, dan peningkatan alat musik ini begitu menakjubkan dan misterius sehingga lebih mirip dengan kisah detektif yang mendebarkan. Informasi pertama tentang gitar berasal dari zaman kuno. Di monumen Mesir seribu tahun yang lalu, ada gambar alat musik - "nabla", yang terlihat seperti gitar. Gitar tersebar luas di Asia, yang dikonfirmasi oleh gambar pada monumen arsitektur Asyur, Babilonia, dan Fenisia. Pada abad ke-13, orang Arab membawanya ke Spanyol, di mana ia segera mendapat pengakuan penuh. Pada akhir abad ke-15, keluarga kaya Spanyol mulai bersaing satu sama lain dalam perlindungan ilmu pengetahuan dan seni. Gitar, bersama dengan kecapi dan alat musik petik lainnya, menjadi alat musik favorit di lapangan. Dalam kehidupan budaya Spanyol, mulai dari abad ke-16, banyak asosiasi, akademi, lingkaran, dan pertemuan - "salon", yang diadakan secara teratur, memainkan peran penting. Sejak saat itu, hasrat akan alat musik petik merasuk ke banyak orang, dan literatur musik khusus diciptakan untuk mereka. Nama-nama komposer yang mewakilinya membentuk rangkaian panjang: Milan, Corbetto, Fuenllana, Marin i Garcia, Sanz dan banyak lainnya.

Setelah melalui pengembangan yang panjang, gitar ini memiliki tampilan modern. Hingga abad ke-18, ukurannya lebih kecil, dan tubuhnya agak sempit dan memanjang. Awalnya, lima senar dipasang pada instrumen, disetel di urutan keempat, seperti pada kecapi. Belakangan, gitar menjadi enam senar, dengan penyetelan yang lebih cocok untuk dimainkan di posisi terbuka agar lebih memanfaatkan suara senar terbuka. Jadi, pada pertengahan abad ke-19, gitar memperoleh bentuk akhirnya. Enam string muncul di atasnya dengan sistem: mi, si, salt, re, la, mi.

Gitar mendapatkan popularitas besar di Eropa dan dibawa ke negara-negara Amerika Utara dan Selatan. Bagaimana menjelaskan penggunaan gitar yang begitu meluas? Terutama karena potensinya besar: bisa dimainkan solo, diiringi suara, biola, cello, flute, bisa ditemukan di berbagai orkestra dan ansambel. Dimensi kecil dan kemungkinan pergerakan yang mudah di ruang angkasa dan, yang terpenting, suara yang luar biasa merdu, dalam, dan pada saat yang sama transparan membenarkan kecintaan pada alat musik universal ini oleh banyak pengagum mulai dari turis romantis hingga musisi profesional.

Pada akhir abad ke-18, komposer dan virtuoso muncul di Spanyol

F. Sor dan D. Aguado, bersamaan dengan mereka di Italia - M. Giuliani. L. Leniani, F. Carulli, M. Carcassi dan lainnya. Mereka membuat repertoar konser yang luas untuk gitar, mulai dari karya kecil hingga sonata dan konserto dengan orkestra, serta "Sekolah untuk bermain gitar enam senar" yang luar biasa, repertoar pendidikan dan konstruktif yang ekstensif. Meskipun hampir dua ratus tahun telah berlalu sejak publikasi pertama literatur pedagogis ini, namun tetap merupakan warisan yang berharga baik bagi guru maupun siswa.

Komposer Sor mengadakan konser di kota-kota dengan sukses besar Eropa Barat dan Rusia. Baletnya Cinderella, The Lubok as a Painter, Hercules and Omphale, serta opera Telemachus telah dipentaskan berkali-kali di St. Petersburg, Moskow, dan kota-kota besar di Eropa Barat. Gaya polifonik, imajinasi yang kaya, dan kedalaman konten menjadi ciri khas karya Sora. Ini adalah musisi-komposer terpelajar, gitaris virtuoso yang terkesan dengan kedalaman penampilannya dan kecemerlangan tekniknya. Komposisinya sudah mantap memasuki repertoar para gitaris. Giuliani Italia adalah salah satu pendiri sekolah gitar Italia. Dia adalah seorang gitaris yang brilian dan juga seorang pemain biola yang sempurna. Ketika pada tahun 1813 simfoni ketujuh Beethoven dipertunjukkan untuk pertama kalinya di Wina di bawah tongkat penulis, Giuliani mengambil bagian dalam penampilannya sebagai pemain biola. Beethoven menjunjung tinggi Giuliani sebagai komposer dan musisi. Sonata-nya, concerto dengan orkestra dibawakan oleh gitaris modern, dan literatur pedagogis adalah warisan berharga bagi guru dan siswa.

Saya terutama ingin membahas tentang "Sekolah Bermain Gitar Enam Senar" yang paling terkenal dan paling sering diterbitkan di negara kita oleh guru-gitaris terkenal Italia, komposer M. Carcassi. Dalam kata pengantar "Sekolah" penulis mengatakan: "... Saya tidak berniat menulis karya ilmiah. Saya hanya ingin mempermudah belajar gitar dengan menyusun rencana yang memungkinkan untuk menjadi lebih akrab dengan semua fitur instrumen ini. Menurut kata-kata ini, jelaslah bahwa M. Carcassi tidak menetapkan sendiri tugas untuk membuat pedoman universal untuk belajar bermain gitar, dan hampir tidak mungkin sama sekali. The "School" memberikan sejumlah instruksi berharga tentang teknik tangan kiri dan kanan, berbagai metode karakteristik bermain gitar, bermain di posisi dan kunci yang berbeda. Contoh dan karya musik diberikan secara berurutan, dalam urutan kesulitan yang menaik, ditulis dengan keterampilan tinggi sebagai komposer dan guru dan masih bernilai tinggi sebagai materi pendidikan.

Padahal dari sudut pandang modern, "Sekolah" ini memiliki sejumlah kekurangan yang serius. Misalnya, sedikit perhatian diberikan pada teknik penting memainkan tangan kanan seperti apoyando (bermain dengan dukungan); bahasa musik, berdasarkan musik tradisi Eropa Barat abad ke-18, agak monoton; masalah pengembangan penjarian, pemikiran melodi-harmonik praktis tidak disinggung, kita hanya berbicara tentang penempatan jari tangan kiri dan kanan yang benar, yang memungkinkan kita untuk menyelesaikan banyak kesulitan teknis dalam pertunjukan, meningkatkan suara, ungkapan , dll.

Pada paruh kedua abad ke-19, nama cemerlang baru dari komposer Spanyol, solois virtuoso, dan guru Francisco Tarrega muncul dalam sejarah gitar. Dia menciptakan gaya tulisannya sendiri. Di tangannya gitar berubah menjadi orkestra kecil.

Karya pertunjukan musisi luar biasa ini memengaruhi karya teman-temannya - komposer: Albeniz, Granados, de Falla, dan lainnya. Dalam karya piano mereka sering terdengar peniruan gitar. Kesehatan yang buruk tidak memberi Tarrega kesempatan untuk mengadakan konser, jadi dia mengabdikan dirinya untuk mengajar. Kami dapat dengan aman mengatakan bahwa Tarrega menciptakan sekolah bermain gitarnya sendiri. Di antara murid-murid terbaiknya adalah Miguel Llobet, Emelio Pujol, Domenico Prat, Daniel Fortea, Illarion Lelupe dan pemain konser terkenal lainnya. Hingga saat ini, "Sekolah" oleh E. Pujol, D. Fortea, D. Prat, I. Lelupe, I. Ahrens dan P. Rocha, berdasarkan metode pengajaran Tarrega, telah diterbitkan. Mari kita lihat lebih dekat metode ini menggunakan contoh "Sekolah Bermain Gitar Enam Senar" oleh gitaris, guru, dan ahli musik terkenal Spanyol E. Pujol. Ciri khas dari "Sekolah" adalah presentasi yang murah hati dan mendetail dari semua "rahasia" utama bermain gitar klasik. Masalah paling penting dari teknik gitar telah dikembangkan dengan hati-hati: posisi tangan, instrumen, metode produksi suara, teknik bermain, dll. Urutan aransemen materi berkontribusi pada persiapan teknis dan artistik yang sistematis dari gitaris. "Sekolah" seluruhnya dibangun di atas materi musik asli: hampir semua sketsa dan latihan disusun oleh penulis (dengan mempertimbangkan metodologi F. Tarrega) terutama untuk bagian yang sesuai.

Sangat berharga bahwa publikasi pendidikan ini tidak hanya merinci kesulitan bermain gitar, tetapi juga menjelaskan secara rinci cara mengatasinya. Secara khusus, banyak perhatian diberikan pada masalah penggunaan fingering yang benar saat bermain dengan tangan kanan dan kiri, serta teknik bermain di berbagai posisi, berbagai gerakan, pergeseran tangan kiri, yang tentunya berkontribusi pada perkembangan. dari pemikiran meraba. Efektivitas "Sekolah" Pujol dikonfirmasi, khususnya, oleh praktik penggunaannya di sejumlah lembaga pendidikan di negara kita, Eropa dan Amerika.

Yang sangat penting bagi perkembangan seni gitar dunia adalah aktivitas kreatif gitaris Spanyol terhebat abad ke-20. Andres Segovia. Kepentingan luar biasa dari perannya dalam sejarah perkembangan instrumen tidak hanya bakat pertunjukan dan pedagogisnya, tetapi juga kemampuannya sebagai organisator dan propagandis. Peneliti M. Weisbord menulis: “… untuk menjadikan gitar sebagai alat musik konser, ia kekurangan apa, misalnya, yang dimiliki piano atau biola - repertoar yang sangat artistik. Kelebihan sejarah Andres Segovia terletak, pertama-tama, pada penciptaan repertoar semacam itu…”. Dan selanjutnya: “M. Ponce (Meksiko), M.K. Tedesco (Italia), J. Ibert, A. Roussel (Prancis) K. Pedrel (Argentina), A. Tansman (Polandia), dan D. Duart (Inggris), R. Smith (Swedia)…”. Dari daftar komposer yang kecil dan jauh dari lengkap ini, terlihat bahwa berkat A. Segovia geografi komposisi profesional untuk gitar klasik berkembang pesat, dan seiring waktu instrumen ini menarik perhatian banyak seniman terkemuka - E. Vila Lobos, B. Britten. Di sisi lain, ada seluruh konstelasi komposer berbakat yang juga merupakan pemain profesional - A. Barrios, L. Brouwer, R. Dyens, N. Koshkin, dll.

1. 2 PembentukangitarseniVUni SovietDanRusia

Hari ini dia telah berhasil melakukan banyak tur di banyak negara di dunia, termasuk empat kunjungan ke Uni Soviet (1926 dan 1935, 1936) Dia menampilkan karya-karya gitaris klasik: Sora, Giuliani, transkripsi karya Tchaikovsky, Schubert, Haydn dan karya asli karya komposer Spanyol: Turin, Torroba, Tansman, Castelnuovo-Tedesco dan komposer lainnya. Segovia mengadakan banyak pertemuan dengan gitaris Soviet, yang pertanyaannya dia jawab dengan rela. Dalam percakapan tentang teknik bermain gitar, Segovia menunjukkan pentingnya tidak hanya mengatur tangan, tetapi juga penggunaan jari yang benar. Gitar meninggalkan jejak cemerlang dalam seni musik Rusia. Akademisi J. Shtelin, yang tinggal di Moskow dari tahun 1735 hingga 1785, menulis bahwa gitar di Rusia menyebar perlahan, tetapi dengan munculnya gitaris virtuoso Tsani de Ferranti, F. Sor, M. Giuliani dan lainnya di antara artis tamu lainnya, alat ini adalah mendapatkan simpati dan digunakan secara luas.

Memperoleh di Rusia dari paruh kedua abad ke-18 variasi tujuh senar asli dengan triad G-mayor digandakan menjadi satu oktaf dan senar yang lebih rendah berjarak satu liter terpisah, gitar ternyata cocok secara optimal untuk iringan akord bass dari lagu urban dan romansa.

Perkembangan sejati dari penampilan profesional pada instrumen ini dimulai berkat aktivitas kreatif dari guru-gitaris terkemuka Andrei Osipovich Sikhra (1773-1850). Menjadi pemain harpa melalui pendidikan, dia mengabdikan seluruh hidupnya untuk mempromosikan gitar tujuh senar - di masa mudanya dia terlibat dalam aktivitas konser, dan kemudian pedagogi dan pencerahan. Pada tahun 1802, Jurnal A. Sikhra untuk Gitar Tujuh Senar mulai diterbitkan di St. Petersburg, dengan aransemen lagu rakyat Rusia dan aransemen musik klasik. Dalam beberapa dekade berikutnya, hingga tahun 1838, musisi tersebut menerbitkan sejumlah majalah serupa yang berkontribusi pada peningkatan popularitas alat musik tersebut secara signifikan, A.O. Sychra membesarkan sejumlah besar siswa, merangsang minat mereka dalam menggubah musik untuk gitar, khususnya variasi tema melodi lagu daerah. Muridnya yang paling terkenal adalah S.N. Aksenov, V.I. Morkov, V.S. Sarenko, F.M. Zimmerman dan lainnya - meninggalkan banyak permainan dan aransemen lagu-lagu Rusia. Aktivitas Mikhail Timofeevich Vysotsky (1791-1837) sangat penting dalam perkembangan performa gitar profesional-akademik Rusia. Orang pertama yang mengenalkannya pada gitar adalah S.N. Aksenov, dia juga menjadi mentornya.

Sejak sekitar tahun 1813, nama M.T. Vysotsky menjadi sangat populer. Permainannya dibedakan oleh gaya improvisasi orisinal, imajinasi kreatif yang berani dalam berbagai melodi lagu daerah. M.T. Vysotsky adalah perwakilan dari gaya pertunjukan auditori improvisasi - dalam hal ini ia dekat dengan pembuatan musik rakyat tradisional Rusia. Banyak yang bisa dikatakan tentang perwakilan lain dari pertunjukan gitar Rusia, yang berkontribusi pada pengembangan sekolah pertunjukan nasional, tetapi ini adalah percakapan terpisah. Sekolah Rusia asli dibedakan oleh fitur-fitur berikut: kejelasan artikulasi, nada musik yang indah, fokus pada kemampuan melodi instrumen dan pembuatan repertoar tertentu, dalam banyak hal unik, metode progresif menggunakan "kosong" penjarian khusus , percobaan dan irama, mengungkap kemampuan instrumen.

Sistem bermain instrumen termasuk bermain fungsi musik, intonasi dan alamatnya, yang dihafalkan secara terpisah di setiap tombol dan memiliki pergerakan suara yang tidak dapat diprediksi. Seringkali "kekosongan" penjarian individu, melodi-harmonik seperti itu dijaga dengan penuh semangat dan diteruskan hanya kepada siswa terbaik. Improvisasi tidak dipelajari secara khusus, itu adalah hasil dari dasar teknis yang sama, dan seorang gitaris yang baik mampu menggabungkan intonasi yang familiar dari sebuah lagu dengan urutan yang harmonis. Serangkaian irama yang berbeda sering kali mengelilingi frase musik dan memberi warna khas pada jalinan musik. Metode pengajaran inventif seperti itu tampaknya merupakan penemuan murni Rusia dan tidak ditemukan di mana pun dalam karya asing pada waktu itu. Sayangnya, tradisi permainan gitar Rusia abad XVIII-XIX. dilupakan secara tidak adil, dan hanya berkat upaya para peminat, situasi ke arah ini berubah menjadi lebih baik.

Seni gitar juga berkembang di zaman Soviet, meskipun sikap penguasa terhadap perkembangan alat musik ini, secara halus, keren. Sulit untuk melebih-lebihkan peran guru, pemain, dan komposer yang luar biasa A.M. Ivanov-Kramskoy. Sekolah bermainnya, serta sekolah bermain gitaris dan guru P.A. Agafoshina adalah alat bantu pengajaran yang sangat diperlukan untuk gitaris muda. Kegiatan ini dengan gemilang dilanjutkan oleh banyak siswa dan pengikut mereka: E. Larichev, N. Komoliatov, A. Frauchi, V. Kozlov, N. Koshkin, A. Vinitsky (gitar klasik dalam jazz), S. Rudnev (gitar klasik dalam bahasa Rusia gaya) dan banyak lainnya.

gitar pop jazz klasik

2. CeritakejadianDanevolusipop-jazzarahVseni

2.1 Varietas gitar yang digunakan dalam seni pop-jazz

Dalam musik pop modern, empat jenis gitar terutama digunakan:

1. Flat Top (Flat Top) - gitar rakyat biasa dengan senar logam.

2. Klasik (Klasik) - gitar klasik dengan senar nilon.

3. Arch Top (Arch Top) - gitar jazz berbentuk seperti biola yang diperbesar dengan "efs" di sepanjang tepi papan suara.

4. Gitar elektrik - gitar dengan pickup elektromagnetik dan dek kayu monolitik (bar).

Bahkan 120-130 tahun lalu, hanya satu jenis gitar yang populer di Eropa dan Amerika. Negara yang berbeda menggunakan sistem penyetelan yang berbeda, dan di beberapa tempat mereka bahkan mengubah jumlah senar (Di Rusia, misalnya, ada tujuh senar, bukan enam). Namun dalam bentuk, semua gitar sangat mirip - bagian atas dan bawah bodi yang relatif simetris, yang menyatu dengan leher pada fret ke-12.

Ukuran kecil, telapak tangan berlubang, leher lebar, pegas berbentuk kipas, dll. - semua ini mencirikan jenis gitar ini. Padahal, instrumen di atas bentuk dan isinya mirip dengan gitar klasik masa kini. Dan bentuk gitar klasik masa kini adalah milik master Spanyol Torres, yang hidup sekitar 120 tahun yang lalu.

Pada akhir abad terakhir, gitar mulai mendapatkan popularitas secara dramatis. Jika sebelumnya gitar hanya dimainkan di rumah dan salon pribadi, maka pada akhir abad yang lalu gitar mulai muncul di atas panggung. Ada kebutuhan untuk memperkuat suara. Saat itulah ada pembagian yang lebih jelas antara gitar klasik dan yang sekarang paling sering disebut gitar folk atau western. Teknologi mulai membuat senar logam yang terdengar lebih keras.

Selain itu, ukuran kabinetnya sendiri bertambah, yang memungkinkan suaranya menjadi lebih dalam dan lebih keras. Ditinggal sendiri masalah serius- ketegangan yang kuat dari senar logam benar-benar mematikan dek atas, dan penebalan dinding cangkang, pada akhirnya, mematikan getaran, dan dengan itu suaranya. Dan kemudian dudukan pegas berbentuk X yang terkenal ditemukan. Pegas direkatkan melintang, sehingga meningkatkan kekuatan dek atas, tetapi memungkinkannya bergetar.

Jadi, ada pembagian yang jelas - gitar klasik, yang tidak banyak berubah sejak saat itu (hanya senar yang mulai dibuat dari sintetis, dan bukan dari otot, seperti sebelumnya), dan gitar folk-western, yang memiliki beberapa bentuk, tetapi hampir selalu menggunakan pegas berbentuk X, senar logam, bodi yang membesar, dan sebagainya.

Pada saat yang sama, jenis gitar lain berkembang - "arch top" (arch top). Apa itu? Sementara perusahaan seperti Martin mengatasi masalah memperkuat suara dengan memasang pegas, perusahaan seperti Gibson melakukan sebaliknya, membuat gitar berbentuk dan dibuat seperti biola. Instrumen semacam itu dicirikan oleh papan suara bagian atas yang melengkung, mur, yang seperti double bass, dan tailpiece. Biasanya, instrumen ini memiliki potongan biola di sepanjang tepi papan suara, bukan lubang bundar tradisional di tengahnya. Gitar ini menampilkan suara yang tidak hangat dan dalam, tetapi seimbang dan kuat. Dengan gitar seperti itu, setiap nada terdengar jelas, dan pemain jazz dengan cepat menyadari yang mana “ seekor kuda hitam muncul di bidang penglihatan mereka. Untuk jazzlah "arch tops" berutang popularitasnya, yang karenanya mereka dijuluki gitar jazz. Pada tahun 1930-an dan 1940-an, situasinya mulai berubah - terutama karena munculnya mikrofon dan pickup berkualitas tinggi. Selain itu, gaya musik populer baru, blues, memasuki arena dan segera menaklukkan dunia. Seperti yang Anda ketahui, blues berkembang terutama karena upaya musisi kulit hitam yang malang. Mereka memainkannya dengan segala cara dengan jari, beliung, dan bahkan botol bir (leher botol bir adalah nenek moyang langsung dari perosotan modern). Orang-orang ini tidak punya uang untuk membeli instrumen mahal, mereka tidak selalu memiliki kesempatan untuk membeli senar baru untuk diri mereka sendiri, gitar jazz apa saja yang ada? Dan mereka memainkan apa pun yang mereka mau, kebanyakan dengan instrumen yang lebih umum - western. Pada tahun-tahun itu, selain "archtop" yang mahal, perusahaan Gibson juga memproduksi berbagai macam gitar folk "konsumen". Situasi di pasar sedemikian rupa sehingga Gibson hampir menjadi satu-satunya perusahaan yang memproduksi gitar folk murah namun berkualitas tinggi. Masuk akal bahwa sebagian besar bluesmen, karena kekurangan uang untuk sesuatu yang lebih sempurna, membawa Gibson ke tangan mereka. Jadi sampai sekarang mereka belum berpisah dengan mereka.

Apa yang terjadi dengan gitar jazz? Dengan munculnya pickup, ternyata suara yang seimbang dan jernih dari instrumen jenis ini paling cocok untuk sistem amplifikasi pada masa itu. Meskipun gitar jazz sama sekali tidak seperti Fender atau Ibanez modern, Leo Fender mungkin tidak akan pernah menciptakan Telecaster dan Stratocasternya jika saya tidak bereksperimen dengan gitar jazz dan pickup terlebih dahulu. Ngomong-ngomong, nanti blues elektrik juga dimainkan dan dimainkan pada instrumen jazz dengan pickup, hanya saja ketebalan bodi di dalamnya dikurangi. Contoh nyata dari hal ini adalah B.B. King dan miliknya gitar terkenal"Lussil" (Lussil), yang saat ini banyak dianggap sebagai gitar blues elektrik standar.

Eksperimen pertama yang diketahui dengan memperkuat suara gitar dengan listrik dimulai pada tahun 1923, ketika insinyur dan penemu Lloyd Loar menemukan pickup elektrostatis yang merekam getaran kotak resonator alat musik gesek.

Pada tahun 1931, Georges Beauchamp dan Adolph Rickenbacker menemukan pickup elektromagnetik di mana pulsa listrik mengalir melalui belitan magnet, menciptakan medan elektromagnetik di mana sinyal dari string yang bergetar diperkuat. Menjelang akhir tahun 1930-an, banyak peneliti mulai memasukkan pickup ke dalam gitar berongga Spanyol yang terlihat lebih tradisional. Nah, opsi paling radikal diusulkan oleh gitaris dan insinyur Les Paul ( Les Paul) -- dia baru saja membuat papan suara untuk gitar monolitik.

Itu terbuat dari kayu dan disebut sederhana - "Bar" (The Log). Dengan benda padat atau hampir padat, insinyur lain mulai bereksperimen. Sejak 40-an abad XX, baik peminat individu maupun perusahaan besar telah berhasil melakukan ini.

Pasar produsen gitar terus berkembang secara aktif, terus memperluas jangkauan. Dan jika sebelumnya "penentu tren" secara eksklusif adalah orang Amerika, sekarang Yamaha, Ibanez, dan perusahaan Jepang lainnya dengan kuat menempati posisi terdepan, membuat model dan salinan gitar terkenal mereka yang sangat baik di antara para pemimpin dalam produksi.

Tempat khusus ditempati oleh gitar - dan terutama listrik - dalam musik rock. Namun, hampir semua gitaris rock terbaik melampaui gaya musik rock, memberi penghormatan besar pada jazz, dan beberapa musisi benar-benar putus asa dengan rock. Hal ini tidak mengherankan, karena tradisi permainan gitar terbaik terkonsentrasi pada jazz.

Poin yang sangat penting menarik perhatian Joe Pass, yang, di sekolah jazznya yang terkenal, menulis: “Gitaris klasik memiliki waktu beberapa abad untuk mengembangkan pendekatan kinerja yang organik dan konsisten - metode yang "benar". Gitar jazz, gitar plectrum, baru muncul di abad kita, dan gitar elektrik masih merupakan fenomena baru sehingga kita baru mulai memahami kemampuannya sebagai alat musik yang lengkap. Dalam keadaan seperti itu, akumulasi pengalaman, tradisi penguasaan gitar jazz, menjadi sangat penting.

Sudah di bentuk awal blues, “archaic”, atau “rural”, sering juga disebut dengan istilah bahasa Inggris “country blues” (country blues), merupakan unsur utama teknik gitar yang menentukan perkembangan selanjutnya. Teknik terpisah dari gitaris blues kemudian menjadi dasar pembentukan gaya selanjutnya.

Rekaman paling awal country blues berasal dari pertengahan 20-an, tetapi ada banyak alasan untuk percaya bahwa, pada dasarnya, hampir tidak ada bedanya dengan gaya asli yang terbentuk di antara orang kulit hitam di negara bagian selatan (Texas, Louisiana, Alabama, dll.). ) kembali pada 70-80-an abad XIX.

Di antara penyanyi-gitaris luar biasa dari gaya ini adalah Blind Lemon Jefferson (1897-1930), yang memiliki pengaruh nyata pada banyak musisi selama periode terlambat, dan tidak hanya blues Blind Blake (1895-1931) adalah seorang ahli gitar ragtime dan blues yang brilian, banyak dari rekamannya masih memukau dengan teknik yang sangat baik dan improvisasi yang inventif. Blake memang dianggap sebagai salah satu penggagas penggunaan gitar sebagai instrumen solo. Huddie Leadbetter, umumnya dikenal sebagai Leadbelly (1888-1949) pernah disebut sebagai "raja gitar dua belas senar". Dia terkadang bermain berduet dengan Jefferson, meskipun dia lebih rendah darinya sebagai pemain. Leadbelly memperkenalkan figur bass yang khas ke dalam pengiring - "bass pengembara", yang nantinya akan digunakan secara luas dalam jazz.

Menonjol di antara gitaris country-blues Lonnie Johnson (Lonnie Johnson, 1889-1970), seorang musisi virtuoso, sangat dekat dengan jazz. Mereka merekam blues yang sangat baik tanpa vokal, dan seringkali dia bermain sebagai mediator, tidak hanya menunjukkan teknik yang sangat baik, tetapi juga keterampilan improvisasi yang luar biasa.

Salah satu ciri periode Chicago dalam perkembangan jazz tradisional, yang menjadi transisi ke swing, adalah penggantian instrumen: alih-alih cornet, tuba, dan banjo, terompet, double bass, dan gitar mengemuka.

Di antara alasannya adalah munculnya mikrofon dan metode perekaman elektromekanis: gitar akhirnya terdengar sepenuhnya pada rekaman. Fitur penting dari jazz Chicago adalah peningkatan peran improvisasi solo. Di sinilah perubahan signifikan terjadi dalam nasib gitar: gitar menjadi instrumen solo yang lengkap.

Ini karena nama Eddie Lang (Eddie Lang, nama asli - Salvador Massaro), yang memperkenalkan banyak teknik jazz khas instrumen lain pada permainan gitar - khususnya, karakteristik frase alat musik tiup. Eddie Lang juga menciptakan gaya permainan jazz tersebut sebagai mediator, yang kemudian menjadi dominan. Dia pertama kali menggunakan gitar plectrum - gitar khusus untuk memainkan jazz, yang berbeda dari bahasa Spanyol biasa karena tidak adanya roset bulat. Sebaliknya, di geladak muncul efs, mirip dengan biola, dan pelindung panel yang dapat dilepas yang melindungi dari serangan pick. Memainkan Eddie Lang dalam ansambel dibedakan dengan produksi suara yang kuat. Dia sering menggunakan suara yang lewat, urutan berwarna; terkadang dia mengubah sudut plectrum dalam kaitannya dengan papan jari, sehingga mencapai suara tertentu.

Ciri khas gaya Lang adalah akord dengan senar yang diredam, aksen keras, nonakord paralel, tangga nada nada utuh, glissando istimewa, harmonik buatan, progresi akord yang ditambah, dan frasa kuningan. Kita dapat mengatakan bahwa di bawah pengaruh Eddie Lang banyak gitaris mulai lebih memperhatikan nada bass dalam akord dan, jika mungkin, mencapai penguasaan suara yang lebih baik. Penemuan gitar elektrik menjadi pendorong munculnya aliran dan tren gitar baru. Mereka didirikan oleh dua gitaris jazz: Charlie Christian di Amerika dan Django Reinhardt

(Django Reinhardt) di Eropa

Dalam bukunya “From Reg to Rock”, kritikus terkenal Jerman I. Berendt menulis: “Untuk seorang musisi jazz modern, sejarah gitar dimulai dengan Charlie Christian. Selama dua tahun dia habiskan adegan jazz Dia merevolusi permainan gitar. Tentu saja, ada gitaris sebelum dia, tapi sepertinya gitar yang dimainkan sebelum Christian dan yang terdengar setelah dia adalah dua instrumen yang berbeda.”

Charlie bermain dengan keahlian yang tampaknya tidak dapat dicapai oleh orang-orang sezamannya. Dengan kedatangannya, gitar menjadi anggota ansambel jazz yang setara. Dia adalah orang pertama yang memperkenalkan solo gitar sebagai suara ketiga ke ansambel dengan terompet dan saksofon tenor, membebaskan instrumen dari fungsi ritmis murni dalam orkestra. Sebelum yang lain, C. Christian menyadari bahwa teknik memainkan gitar elektrik sangat berbeda dengan metode memainkan gitar akustik. Dalam harmoni, dia bereksperimen dengan peningkatan dan penurunan akord, menemukan pola ritme baru untuk melodi jazz terbaik (evergreens). Dalam bagian-bagian, dia sering menggunakan add-on untuk akord ketujuh, memukau pendengar dengan kecerdikan melodi dan ritmis. Dia adalah orang pertama yang mengembangkan improvisasinya, tidak mengandalkan harmoni tema, tetapi pada akord yang lewat, yang dia tempatkan di antara yang utama. Di bidang melodi, ini ditandai dengan penggunaan legato, bukan staccato keras.

C. Penampilan Christian selalu dibedakan oleh kekuatan ekspresinya yang luar biasa, dipadukan dengan ayunan yang intens. Ahli teori jazz mengklaim bahwa dengan permainannya dia mengantisipasi munculnya gaya jazz baru bebop (be-bop) dan merupakan salah satu penciptanya.

Bersamaan dengan Christian, gitaris jazz Django Reinhardt yang sama menonjolnya bersinar di Paris. Charlie Christian, saat masih tampil di klub-klub di Oklahoma, mengagumi Django dan sering mengulangi catatan demi catatan solonya yang direkam dalam rekaman, meskipun para musisi ini sangat berbeda satu sama lain dalam cara bermainnya. Banyak ahli musik dan artis jazz terkenal berbicara tentang kontribusi Django pada pengembangan gaya bermain gitar jazz dan penguasaannya. Menurut D. Ellington, “Django adalah seniman super. Setiap nada yang diambilnya adalah harta karun, setiap nada adalah bukti seleranya yang tak tergoyahkan.

Django berbeda dari gitaris lain dalam gaya permainannya yang ekspresif, kaya, dan khas, dengan irama panjang setelah beberapa langkah, bagian cepat yang tiba-tiba, ritme beraksen tajam dan stabil. Pada saat-saat klimaks, ia sering bermain dalam oktaf.

Jenis teknik ini dipinjam darinya oleh C. Christian, dan dua belas tahun kemudian - oleh W. Montgomery. Dalam karya cepat, dia mampu menciptakan api dan tekanan seperti itu, yang sebelumnya hanya ditemukan dalam pertunjukan alat musik tiup. Dalam musik lambat, dia cenderung pendahuluan, dan rhapsody, dekat dengan musik blues Negro. Django tidak hanya seorang solois virtuoso yang hebat, tetapi juga seorang pengiring yang hebat. Dia berada di depan banyak orang sezamannya dalam penggunaan akord minor ketujuh, pengurangan, penambahan, dan akord passing lainnya. Django sangat memperhatikan keharmonisan skema harmonik dari potongan-potongan tersebut, sering kali menekankan bahwa jika semuanya benar dan logis dalam urutan akord, maka melodi akan mengalir dengan sendirinya.

Sebagai pengiring, ia sering menggunakan akord yang meniru suara bagian alat tiup. Kontribusi Charlie Christian dan Django Reinhardt dalam sejarah gitar jazz sangat berharga. Kedua musisi luar biasa ini menunjukkan kemungkinan instrumen Anda yang tidak ada habisnya tidak hanya dalam pengiring, tetapi juga dalam solo improvisasi, yang telah menentukan arah utama pengembangan teknik bermain gitar listrik selama bertahun-tahun yang akan datang.

Meningkatnya peran gitar sebagai instrumen solo menyebabkan keinginan pemain untuk bermain dalam ansambel kecil (combo). Di sini sang gitaris merasa seperti anggota penuh dari ansambel, menjalankan fungsi sebagai pengiring dan solois. Popularitas gitar berkembang setiap hari, semakin banyak gitaris jazz berbakat bermunculan, dan jumlah band besar tetap terbatas. Selain itu, banyak leader dan arranger orkestra besar tidak selalu memasukkan gitar ke dalam bagian ritme. Cukup dikatakan, misalnya,

Duke Ellington yang tidak suka memadukan suara gitar dan piano dalam pengiringnya. Namun, terkadang karya "mekanis" yang berfungsi untuk menjaga ritme dalam sebuah band besar berubah menjadi seni jazz yang asli. Ini tentang tentang salah satu perwakilan terkemuka dari gaya permainan gitar chord-rhythm, Freddie Green.

Teknik chordal virtuoso, rasa ayunan yang indah, selera musik yang lembut membedakan permainannya. Dia hampir tidak pernah bermain solo, tetapi pada saat yang sama dia sering disamakan dengan kapal tunda, melibatkan seluruh orkestra.

Freddie Green-lah yang, sebagian besar, berhutang kepada band besar Count Basie atas kekompakan yang tidak biasa dari bagian ritme, emansipasi, dan keringkasan permainan. Master ini memiliki pengaruh besar pada gitaris yang lebih menyukai iringan dan improvisasi akor daripada permainan bagian panjang dan improvisasi monofonik. Karya Charlie Christian, Django dan Freddie Green seolah-olah membentuk tiga cabang pohon keluarga gitar jazz. Namun, satu arah lagi harus disebutkan, yang berdiri agak terpisah, tetapi di zaman kita semakin mendapatkan pengakuan dan distribusi.

Faktanya adalah bahwa tidak semua gitaris menganggap gaya Ch.Christian dapat diterima, yang tangannya gitar memperoleh suara alat musik tiup (bukan kebetulan bahwa banyak orang, yang mendengarkan rekaman Charlie Christian, salah mengira suara gitarnya sebagai saksofon). Pertama-tama, gayanya tidak mungkin bagi mereka yang bermain gitar akustik.

Banyak teknik yang dikembangkan oleh C. Christian (legato panjang, garis improvisasi panjang tanpa dukungan harmonik, nada berkelanjutan, tikungan, penggunaan senar terbuka yang jarang, dll.) Tidak efektif untuk mereka, terutama saat memainkan instrumen dengan senar nilon. Selain itu, muncul gitaris yang memadukan musik klasik, permainan gitar, flamenco, dan unsur musik Amerika Latin dengan jazz dalam cara kreatifnya. Ini terutama termasuk dua musisi jazz yang luar biasa: Laurindo Almeida (Laurindo Almeida) dan Charlie Byrd (Charlie Byrd), yang karyanya telah memengaruhi banyak gitaris klasik, menunjukkan dalam praktik kemungkinan tak terbatas dari gitar akustik. Dengan alasan yang bagus, mereka dapat dianggap sebagai pendiri gaya "gitar klasik dalam jazz".

Gitaris Negro Wes John Leslie Montgomery adalah salah satu musisi paling cemerlang yang muncul di kancah jazz sejak C. Christian. Ia lahir pada tahun 1925 di Indianapolis; Dia menjadi tertarik pada gitar hanya pada usia 19 tahun di bawah pengaruh rekaman Charlie Christian dan antusiasme saudara laki-lakinya Buddy dan Monk, yang memainkan piano dan double bass di orkestra vibraphonist terkenal Lionel Hampton. Dia berhasil mencapai suara "beludru" yang luar biasa hangat (menggunakan ibu jari tangan kanannya alih-alih pick) dan mengembangkan teknik oktaf sedemikian rupa sehingga dia menampilkan seluruh paduan suara improvisasi dalam oktaf dengan kemudahan dan kemurnian yang luar biasa, seringkali dengan cukup. tempo cepat. Keahliannya sangat mengesankan para mitra sehingga mereka dengan bercanda menjuluki Wes "Tuan Oktaf". Disk pertama dengan rekaman W. Montgomery dirilis pada tahun 1959 dan segera membawa kesuksesan gitaris dan pengakuan luas. Pencinta jazz dikejutkan oleh keahlian permainannya, artikulasi yang halus dan terkendali, improvisasi yang merdu, perasaan intonasi blues yang konstan, dan rasa ritme swing yang hidup. Sangat menarik bagi Wes Montgomery untuk menggabungkan gitar elektrik solo dengan suara orkestra besar, yang menyertakan grup string.

Sebagian besar gitaris jazz berikutnya - termasuk musisi terkenal seperti Jim Hall, Joe Pass, John McLaughlin, George Benson, Larry Coryell - mengakui pengaruh besar Wes Montgomery dalam karya mereka. Sudah di tahun 40-an, standar yang dikembangkan oleh swing tidak lagi memuaskan banyak musisi. Klise yang mapan dalam harmoni bentuk lagu, kosa kata, sering direduksi menjadi kutipan langsung dari master jazz yang luar biasa, monoton ritmis, dan penggunaan ayunan dalam musik komersial menjadi penghambat pengembangan genre lebih lanjut. Setelah "periode emas" ayunan, saatnya mencari bentuk baru yang lebih maju. Semakin banyak arah baru, yang biasanya disatukan oleh nama umum - jazz modern (Jazz Modern). Ini termasuk bebop ("jazz-staccato"), hard bop, progresif, keren, arus ketiga, bossa nova dan jazz Afro-Kuba, jazz modal, jazz-rock, jazz gratis, fusion dan beberapa lainnya: Keanekaragaman, pengaruh timbal balik dan penetrasi timbal balik arus yang berbeda mempersulit analisis karya masing-masing musisi, terutama karena banyak dari mereka pada satu waktu bermain dengan cara yang berbeda. Jadi, misalnya, dalam rekaman Ch.Byrd dapat ditemukan boss nova, blues, swing themes, aransemen klasik, country rock, dan masih banyak lagi. Dalam permainan B. Kessel - swing, bebop, bossa nova, elemen modal jazz, dll. Merupakan ciri khas bahwa gitaris jazz sendiri sering bereaksi cukup tajam terhadap upaya mengklasifikasikan mereka sebagai satu atau beberapa aliran jazz, mengingat ini merupakan pendekatan primitif untuk menilai karya mereka. Pernyataan seperti itu dapat ditemukan di Larry Coryell, Joe Pass, John McLaughlin dan lainnya.

2 .2 Utamaarahpop-jazzpertunjukan60-70 - Xbertahun-tahun

Padahal, menurut salah satu kritikus jazz, I. Berendt, di ambang tahun 60-an-70-an, empat arah utama berkembang dalam permainan gitar modern: 1) arus utama (main stream); 2) jazz-rock; 3) arah biru; 4) batu. Perwakilan arus utama yang paling menonjol dapat dianggap sebagai Jim Hall, Kenny Burrell, dan Joe Pass. Jim Hall, sang "penyair jazz" demikian ia sering dipanggil, telah dikenal dan digandrungi masyarakat sejak akhir tahun 50-an hingga saat ini.

"Jazz Guitar Virtuoso" disebut Joe Pass (Joe Pass, nama lengkap Joseph Anthony Jacoby Passalaqua). Kritikus menempatkannya setara dengan musisi seperti Oscar Peterson, Ella Fitzgerald dan Barney Kessel. Rekaman duetnya dengan Ella Fitzgerald dan Herb Ellis, trio dengan Oscar Peterson dan bassis Nils Pederson, dan terutama disk solonya "Joe Pass the Virtuoso" menikmati kesuksesan besar. Joe Pass adalah salah satu gitaris jazz paling menarik dan serbaguna dalam tradisi Jacgo Reinhardt, Charlie Christian dan Wes Montgomery. Karyanya sedikit dipengaruhi oleh tren baru jazz modern: dia lebih suka bebop. Seiring dengan kegiatan konser, Joe Pass banyak mengajar dan berhasil menerbitkan karya-karya metodologis, di antaranya sekolahnya "Joe Pass Guitar Style" menempati tempat khusus "2E

Namun, tidak semua gitaris jazz begitu setia pada "arus utama". Di antara musisi yang luar biasa condong ke arah yang baru dalam perkembangan jazz, perlu diperhatikan George Benson, Carlos Santana, Ola di Meola. Musisi Meksiko Carlos Santana (Carlos Santana, lahir tahun 1947) bermain dengan gaya "rock Latin", berdasarkan penampilan ritme Amerika Latin (samba, rumba, salsa, dll.) Dengan cara berbatu, dipadukan dengan elemen flamenco .

George Benson lahir pada tahun 1943 di Pittsburgh dan sebagai seorang anak dia menyanyikan blues dan memainkan gitar dan banjo. Pada usia 15 tahun, George menerima gitar elektrik kecil sebagai hadiah, dan pada usia 17 tahun, setelah lulus sekolah, dia membentuk band rock and roll kecil tempat dia bernyanyi dan bermain. Setahun kemudian, pemain organ jazz Jack McDuff tiba di Pittsburgh. Saat ini, beberapa ahli menganggap rekaman pertamanya dengan Jack McDuff sebagai yang terbaik di seluruh diskografi Benson. Benson sangat dipengaruhi oleh karya Django Reinhardt dan Wes Montgomery, terutama teknik yang terakhir.

Di antara generasi baru gitaris yang memainkan jazz-rock, dan mengembangkan gaya jazz yang relatif baru - fusion, Ol di Meola (AI di Meola) menonjol. Kecintaan musisi muda pada gitar jazz dimulai dengan mendengarkan rekaman dari trio yang menampilkan Larry Coryell (yang, secara kebetulan, digantikan oleh Al di Meola di lineup yang sama beberapa tahun kemudian). Sudah pada usia 17 tahun ia berpartisipasi dalam rekaman dengan Chick Corea. Ol di Meola mahir memainkan gitar - baik dengan jarinya maupun dengan plectrum. Buku teks "Metode karakteristik bermain gitar oleh seorang mediator" yang ditulis olehnya sangat dihargai oleh para spesialis.

Para inovator di zaman kita juga termasuk gitaris berbakat Larry Coryell, yang mengalami masa sulit cara kreatif-- dari hasrat akan rock and roll hingga tren terbaru dalam musik jazz modern.

Nyatanya, setelah Django, hanya satu gitaris Eropa yang mendapatkan pengakuan tanpa syarat di seluruh dunia dan memengaruhi perkembangan jazz secara umum - orang Inggris John McLaughlin. Masa kejayaan bakatnya jatuh pada paruh pertama tahun 70-an abad ke-20 - periode ketika jazz dengan cepat memperluas batas gayanya, menyatu dengan musik rock, eksperimen dalam musik elektronik dan avant-garde, dan berbagai tradisi musik rakyat. Bukan kebetulan bahwa tidak hanya penggemar jazz yang menganggap McLaughlin sebagai "milik mereka": kita akan menemukan namanya di ensiklopedia musik rock mana pun. Pada awal 1970-an, McLaughlin mengorganisir orkestra Mahavishnu (Wisnu Agung). Selain keyboard, gitar, drum, dan bass, ia memperkenalkan biola ke dalam komposisinya. Dengan orkestra ini, sang gitaris merekam sejumlah rekaman yang diterima dengan antusias oleh publik. Peninjau mencatat keahlian McLaughlin, inovasi dalam aransemen, kesegaran suara, karena penggunaan elemen musik India. Namun yang utama adalah kemunculan disk-disk ini menandai pembentukan dan perkembangan tren jazz baru: jazz-rock.

Saat ini telah banyak bermunculan gitaris-gitaris handal yang melanjutkan dan meningkatkan tradisi para empu masa lalu. Yang sangat penting bagi budaya pop-jazz dunia adalah karya siswa Jimm Hall yang paling terkenal - Pat Mattini. Ide-ide inovatifnya sangat memperkaya bahasa melodi-harmonik musik pop modern. Saya juga ingin mencatat kegiatan pertunjukan dan pengajaran yang brilian dari Mike Stern, Frank Gambal, Joe Satriani, Steve Vai, siswa Joe Pass, Lee Ritenour, dan banyak lainnya.

Adapun perkembangan seni bermain gitar pop-jazz (elektrik dan akustik) di negara kita, tidak akan mungkin terjadi tanpa bertahun-tahun karya pendidikan dan pendidikan yang sukses oleh V. Manilov, V. Molotkov, A. Kuznetsov , A. Vinitsky, serta pengikut mereka S. Popov, I. Boyko, dan lainnya. Yang sangat penting adalah aktivitas pertunjukan konser dari musisi seperti: A. Kuznetsov, I. Smirnov, I. Boyko, D. Chetvergov, T. Kvitelashvili, A. Chumakov, V. Zinchuk dan banyak lainnya. Beralih dari blues ke jazz-rock, gitar tidak hanya tidak menghabiskan kemungkinannya, tetapi, sebaliknya, memenangkan kepemimpinan di banyak arah baru jazz. Prestasi di bidang teknik permainan gitar akustik dan elektrifikasi, penggunaan elektronik, penyertaan unsur flamenco, gaya klasik, dll memberikan alasan untuk menganggap gitar sebagai salah satu instrumen unggulan genre musik ini. Itulah mengapa sangat penting bagi musisi generasi baru untuk mempelajari pengalaman pendahulunya - gitaris jazz. Hanya atas dasar ini dimungkinkan untuk mencari gaya bermain individu, cara-cara peningkatan diri dan pengembangan lebih lanjut dari gitar pop-jazz

kesimpulan

Saat ini topik pengembangan skill perform pada gitar 6 senar tetap relevan, karena saat ini banyak sekolah dan sistem pelatihan. Mereka mencakup arah yang berbeda, dari sekolah permainan klasik, hingga sekolah jazz, Latin, blues.

Dalam perkembangan stilistika jazz, peran yang sangat signifikan dimainkan oleh teknik instrumental tertentu, yang menjadi ciri khas penggunaan instrumen jazz dan kemampuan ekspresifnya - melodi, intonasi, ritmis, harmonik, dll. Blues memainkan peran penting dalam pembentukan jazz. Pada gilirannya, "salah satu faktor penentu dalam kristalisasi blues dari jenis cerita rakyat Negro yang lebih awal dan kurang formal adalah 'penemuan' gitar dalam media ini."

Sejarah perkembangan seni gitar banyak mengenal nama gitaris-guru, komposer dan performer yang menciptakan berbagai alat peraga untuk belajar bermain gitar, banyak di antaranya yang secara langsung maupun tidak langsung berkaitan dengan masalah perkembangan pemikiran fingering.

Memang di zaman kita konsep seorang gitaris mencakup penguasaan teknik klasik utama, baik dasar, maupun kemampuan dan pemahaman gaya yang mengiringi fungsi, kemampuan bermain dan berimprovisasi pada digital, segala seluk-beluk dan fitur pemikiran blues dan jazz.

Sayangnya, belakangan ini, media memberikan pengaruh yang sangat kecil tidak hanya pada musik klasik yang serius, tetapi juga pada jenis musik pop-jazz non-komersial.

Daftardigunakanliteratur

1. Bakhmin A.A. Manual instruksi mandiri untuk memainkan gitar enam senar / A.A. Bakhmin. M.: ASS-center, 1999.-80 hal.

2. Boyko I.A. Improvisasi pada gitar elektrik. Bagian 2 "Dasar-dasar teknik akord" - M.; Pusat Hobi, 2000-96 hal.;

3. Boyko I.A. Improvisasi pada gitar elektrik. Bagian 3 "Metode improvisasi progresif" - M.; Pusat Hobi, 2001-86 hal.

4. Boyko I.A. Improvisasi pada gitar elektrik. Bagian 4 "Pentatonik dan kemungkinan ekspresifnya" - M.; Pusat Hobi, 2001 - 98 hal.; sakit.

5. Brandt V.K. Dasar-dasar teknik gitaris ansambel pop / Panduan pendidikan dan metodologi untuk sekolah musik - M. 1984 - 56 p.

6. Dmitrievsky Yu.V. / Gitar dari blues ke jazz-rock / Yu.V. Dmitrievsky - M.: Musikal Ukraina, 1986. - 96 hal.

7. Ivanov-Kramskoy A.M. Sekolah bermain gitar enam senar / A.M. Ivanov-Kramskoy. - M.: Sov. Komposer, 1975. - 120 hal.

8. Manilov V.A. Belajar mengiringi gitar / V.A. Manilov.- K .: Musikal Ukraina, 1986. - 105 hal.

9. Pass, D. Gaya gitar Joe Pass / Joe Pass, Bill Thrasher / Comp.: "Guitar College" - M .: "Guitar College", 2002 - 64 p.; sakit.

10. Popov, S. Basis / Komp.; "Perguruan Tinggi Gitar" - M.; "Guitar College", 2003 - 127p.;

11. Puhol M. Sekolah bermain gitar enam senar / Per. dan kantor redaksi N. Polikarpov - M.; Burung hantu. Komposer, 1987 - 184 hal.

12. Al Di Meola "Teknik bermain dengan mediator"; Per. / Komp.; Informasi GID

13. Yalovets A. Django Reichard - "Krugozor", M.; 1971 No. 10 - hal. 20-31

Dihosting di Allbest.ru

...

Dokumen Serupa

Pengembangan dan penggunaan harmoni dan melodi musik jazz dalam pertunjukan dan pedagogi pop-jazz modern. Melodi jazz dengan gaya be-bop. Rekomendasi praktis untuk mengoptimalkan karya vokalis pop pada repertoar jazz.

tesis, ditambahkan 17/07/2017


Ciri-ciri menulis, melakukan melisma dalam periode waktu yang berbeda, penyebab melisma. Penggunaan teknik musik dalam penampilan vokal pop-jazz. Latihan untuk pengembangan teknik vokal halus pada vokalis.

tesis, ditambahkan 11/18/2013


Ciri khas budaya musik Renaisans: munculnya bentuk lagu (madrigal, villancico, frottol) dan musik instrumental, munculnya genre baru (lagu solo, kantata, oratorio, opera). Konsep dan jenis utama tekstur musik.

abstrak, ditambahkan 18/01/2012


Pembentukan musik sebagai bentuk seni. Tahapan sejarah pembentukan musik. Sejarah pembentukan musik dalam pertunjukan teater. Konsep "genre musik". Fungsi dramatis musik dan jenis karakteristik musik utama.

abstrak, ditambahkan 23/05/2015


Menjadi mekanisme musik klasik. Tumbuhnya musik klasik dari sistem ucapan pernyataan musik (ekspresi), pembentukannya dalam genre seni musik (paduan suara, kantata, opera). Musik sebagai komunikasi artistik baru.

abstrak, ditambahkan 25/03/2010


Kelahiran budaya rock dunia: "country", "rhythm and blues", "rock and roll". Fajar kemuliaan rock and roll dan penurunannya. Munculnya gaya rock. Cerita band legendaris "The Beatles". Perwakilan legendaris dari kancah rock. Raja gitar, formasi hard rock.

abstrak, ditambahkan 06/08/2010


Tradisi budaya rakyat dalam pengasuhan dan pendidikan musik anak-anak. Memainkan alat musik sebagai salah satu jenis kegiatan musik untuk anak prasekolah. Rekomendasi penggunaan budaya instrumental untuk pengembangan kemampuan musik anak.

tesis, ditambahkan 05/08/2010


Tempat musik rock dalam budaya musik massal abad XX, dampak emosional dan ideologisnya pada penonton muda. Keadaan rock Rusia saat ini pada contoh karya V. Tsoi: kepribadian dan kreativitas, misteri fenomena budaya.

makalah, ditambahkan 12/26/2010


Keunikan situasi sosial budaya modern mempengaruhi proses pembentukan budaya musik dan estetika anak sekolah, teknologi perkembangannya dalam pelajaran musik. Metode Efektif berkontribusi pada pendidikan budaya musik pada remaja.

tesis, ditambahkan 07/12/2009


Sintesis budaya dan tradisi Afrika dan Eropa. Perkembangan jazz, perkembangan model ritmis dan harmonik baru oleh musisi dan komposer jazz. Jazz di Dunia Baru. Genre musik jazz dan fitur utamanya. Musisi jazz Rusia.

Pertunjukan gitar di Rusia memiliki sejarah uniknya sendiri. Namun, dalam karya ini kami hanya akan mempertimbangkan halaman-halaman yang terkait langsung dengan praktik memainkan gitar tujuh senar dan memengaruhi fitur-fitur yang mendasari pembentukan gaya gitar Rusia.
Sekolah gitar Rusia didirikan pada saat di Eropa Barat gitar klasik telah menyatakan dirinya sebagai instrumen konser solo independen. Dia sangat populer di Italia. Spanyol. Muncul seluruh baris pemain dan komposer. menciptakan repertoar klasik baru. Yang paling terkenal adalah D. Aguado. M. Giuliani. F.Carulli, M.Carcassi. Belakangan, musisi luar biasa seperti Franz Schubert, Niccolò Paganini, Carl Weber, dan lainnya beralih ke PR dan menulis untuk itu.

Perbedaan utama antara gitar Rusia dan gitar klasik yang populer di Eropa adalah jumlah senar (tujuh, bukan enam) dan prinsip penyetelannya. Ini adalah pertanyaan tentang penyetelan yang selalu menjadi landasan dalam perselisihan kuno tentang keunggulan gitar enam atau tujuh senar. Memahami pentingnya masalah ini, kami menganggap perlu untuk kembali ke topik asal mula gitar tujuh senar dan kemunculannya di Rusia.
Pada akhir abad XVIII. di Eropa ada beberapa jenis gitar dengan berbagai desain, ukuran, dengan jumlah senar yang berbeda dan banyak cara untuk menyetemnya (cukup untuk menyebutkan bahwa jumlah senar bervariasi dari lima hingga dua belas) -. Sekelompok besar gitar digabungkan sesuai dengan prinsip penyetelan senar per empat dengan sepertiga utama di tengah (untuk kenyamanan, kami akan menyebutnya penyetelan keempat). Instrumen ini banyak digunakan di Italia. Spanyol. Perancis.
Inggris, Jerman, Portugal dan Eropa Tengah ada sekelompok instrumen dengan apa yang disebut sistem terts, di mana, saat menyetem senar suara, sepertiga lebih disukai (misalnya, dua tert besar dipisahkan oleh satu liter).
Kedua kelompok instrumen ini dipersatukan oleh fakta bahwa musik yang ditulis untuk satu tangga nada dapat dimainkan dengan menggunakan aransemen kecil pada instrumen tangga nada lain.
Yang menarik bagi kami adalah gitar dengan empat senar ganda, yang berasal dari Inggris ke Eropa, dan dari Eropa ke Rusia (St. Petersburg). Struktur gitar ini ada dua jenis: keempat dan ketiga. Yang terakhir berbeda dari ukuran gitar Rusia tujuh senar (jauh lebih kecil), tetapi secara praktis mengantisipasi prinsip penyetelannya sesuai dengan triad mayor yang diperluas (g, e, c, G, F, C, G). Fakta ini sangat penting bagi kami.

Kurangnya bukti sejarah untuk transformasi bodi gitar, nilainya, dan skala umum string hanya memungkinkan kita untuk mengasumsikan opsi untuk pengembangannya. Kemungkinan besar, dimensi leher gitar ditentukan oleh kenyamanan bermain, dan ketegangan senar, penyetelannya, sesuai dengan tessitura suara nyanyian. Mungkin peningkatan tersebut menyebabkan peningkatan bodi, penggantian keropeng logam dengan untaian, dan karenanya menurunkan tessitura suara, "meluncur" keseluruhan sistem ke bawah.
Tidak ada informasi yang dapat dipercaya yang mengkonfirmasi bahwa gitar inilah yang berfungsi sebagai prototipe "tujuh senar" Rusia, tetapi hubungan mereka jelas. Sejarah permainan gitar di Rusia dikaitkan dengan kemunculan gitaris asing pada masa pemerintahan Catherine the Great (1780-90-an) yang memainkan gitar ketiga dan ketiga. Diantaranya adalah Giuseppe Sarti, Jean-Baptiste Guenglez. Ada publikasi koleksi potongan gitar 5-6 senar, majalah gitar.
Ignaz von Geld (Ignatius von Geld) untuk pertama kalinya menerbitkan sebuah manual yang disebut "Metode mudah untuk belajar bermain gitar tujuh senar tanpa guru." Sayangnya, tidak ada satu salinan pun dari sekolah bermain gitar Rusia pertama ini, serta informasi tentang metode pengajaran penulisnya, jenis gitar, dan cara penyetemannya belum disimpan. Hanya ada kesaksian kontemporer. Geld itu adalah pemain gitar Inggris yang hebat.
Tapi pendiri sebenarnya dari sekolah gitar Rusia adalah saya yang menetap di Moskow pada akhir abad ke-18. seorang musisi terpelajar, pemain harpa yang luar biasa Andrey Osipovich Sikhra. Dialah yang memperkenalkan pembuatan musik praktis gitar tujuh senar dengan sistem d, h, g, D, H, G, D, yang kemudian dikenal sebagai bahasa Rusia.

Kita tidak dapat mengetahui seberapa akrab A. Sichra dengan eksperimen Eropa dalam menciptakan gitar dengan jumlah senar yang berbeda dan cara menyetelnya, apakah dia menggunakan hasilnya dalam karyanya pada "peningkatan" (tetapi dengan kata-katanya sendiri) dari musik klasik gitar enam senar. Ini tidak begitu signifikan.
Yang penting A. Sihra. sebagai pengagum berat pertunjukan gitar, guru yang brilian, dan pemopuler idenya yang kompeten, dia meninggalkan jejak cemerlang dalam sejarah perkembangan pertunjukan instrumental Rusia. Dengan menggunakan pencapaian terbaik dari sekolah gitar klasik Spanyol, dia mengembangkan sebuah metodologi untuk mengajar gitar tujuh senar, kemudian menetapkannya dalam sebuah buku yang diterbitkan pada tahun 1832 dan 1840. "Sekolah". Menggunakan bentuk dan genre klasik. Sychra menciptakan repertoar baru khusus untuk gitar Rusia dan memunculkan konstelasi siswa yang cemerlang.

Berkat aktivitas A. O. Sikhra dan rekan-rekannya, gitar tujuh senar memperoleh popularitas luar biasa di antara perwakilan kelas yang berbeda: kaum intelektual Rusia dan perwakilan kelas menengah menyukainya, musisi profesional dan pecinta musik sehari-hari beralih ke itu: orang-orang sezaman mulai mengasosiasikannya dengan esensi musik rakyat perkotaan Rusia. Deskripsi tentang suara mempesona dari gitar tujuh senar dapat ditemukan di baris-baris pushkin yang menyentuh hati. Lermontov, Turgenev. Chekhov, Tolstoy, dan banyak penyair serta penulis lainnya. Gitar mulai dianggap sebagai bagian alami dari budaya musik Rusia.
Ingatlah bahwa gitar A. Sikhra muncul di Rusia dalam kondisi ketika gitar tujuh senar hampir tidak pernah terlihat di mana pun, tidak mungkin membelinya baik di toko maupun dari pengrajin artisanal. Sekarang orang hanya bisa bertanya-tanya seberapa cepat (dalam 2-3 dekade) para master ini, di antaranya adalah pemain biola terbesar, mampu membuat produksi gitar Rusia. Ini Ivan Batov, Ivan Arhuzen. Ivan Krasnoshchekov. Gitar master Wina I. Scherzer dianggap salah satu yang terbaik. Menurut orang sezaman, gitar F. Savitsky, E. Eroshkin, F. Paserbsky dibedakan oleh individualitasnya yang unik. Tetapi sekarang kita tidak akan memikirkan hal ini, karena perlu pembahasan tersendiri.

Cita rasa nasional dari gitar tujuh senar juga diberikan oleh aransemen yang ditulis untuknya dengan tema lagu rakyat Rusia. “Pengaruh musik rakyat pada seni musik tentunya akan dimulai sebagai bagian dari tradisi banyak bangsa. Di Rusia, bagaimanapun, musik rakyat telah menjadi subjek dari antusiasme masyarakat yang paling gila untuk musik mereka sendiri, mungkin salah satu gerakan jiwa Rusia yang paling luar biasa.
Agar adil, itu harus diperhatikan. bahwa karya A. Sikhra bertema Rusia ditulis dengan gaya variasi klasik dan tidak memiliki cita rasa orisinal murni Rusia yang membedakan aransemen gitaris Rusia lainnya. Secara khusus, Mikhail Timofeevich Vysotsky, pencipta banyak komposisi bertema lagu-lagu rakyat Rusia, memberikan kontribusi besar pada pembentukan sekolah gitar Rusia sebagai fenomena asli nasional. M. Vysotsky dibesarkan di desa Ochakovo (12 km dari Moskow) di perkebunan penyair M. Kheraskov, rektor Universitas Moskow, dalam suasana cinta dan penghormatan terhadap tradisi rakyat Rusia. Anak laki-laki itu dapat mendengarkan penyanyi folk yang luar biasa, ikut serta dalam ritual rakyat. Menjadi anak seorang budak. Misha bisa mengenyam pendidikan hanya dengan menghadiri pertemuan kaum intelektual kreatif dan rumah keluarga Kheraskov, mendengarkan puisi, debat, dan pertunjukan dadakan oleh para tamu terpelajar.

Di antara mereka adalah guru utama M. Vysotsky - Semyon Nikolaevich Aksenov. Dia memperhatikan bakat anak laki-laki itu dan mulai memberinya pelajaran bermain gitar Rusia. Dan meskipun kelas-kelas ini tidak sistematis, bocah itu membuat kemajuan yang signifikan. Berkat upaya S. Aksenov, M. Vysotsky menerima kebebasannya pada tahun 1813 dan pindah ke Moskow untuk pendidikan lebih lanjut. Belakangan, musisi terkenal, komposer A. Dubuk memberi Vysotsky bantuan yang signifikan dalam menguasai disiplin musik dan teoretis.

M. Vysotsky menjadi gitaris yang luar biasa - improvisasi, komposer. Segera ketenaran seorang gitaris virtuoso yang tak tertandingi datang kepadanya. Menurut orang-orang sezaman, permainan Vysotsky terkesan tidak hanya dengan tekniknya yang luar biasa, tetapi juga dengan inspirasinya, kekayaan imajinasi musiknya. Dia sepertinya menyatu dengan gitar: itu adalah ekspresi hidup dari suasana hati spiritualnya, pikirannya.
Beginilah cara murid dan kolega gitaris I. E. Lyakhov menilai permainan Vysotsky: - Permainannya tidak dapat dipahami, tidak dapat dijelaskan, dan meninggalkan kesan yang tidak dapat disampaikan oleh nada dan kata apa pun. Di sini dengan sedih, lembut, melankolis terdengar di hadapan Anda lagu pemintal; fermato kecil - dan segala sesuatu tampaknya berbicara kepadanya sebagai tanggapan: mereka berkata, mendesah, bass, mereka dijawab dengan suara tangis treble, dan seluruh paduan suara ini ditutupi dengan akord rekonsiliasi yang kaya; tetapi kemudian suaranya, seperti pikiran yang lelah, berubah menjadi bahkan trio, temanya hampir menghilang, seolah-olah penyanyi sedang memikirkan hal lain; tapi tidak, dia kembali ke tema, ke pemikirannya, dan itu terdengar khusyuk dan datar, berubah menjadi adagio yang penuh doa. Anda Mendengar seekor anjing Rusia, diangkat ke yang sakral (Sudet. Semuanya begitu indah dan alami, sangat tulus dan musikal, seperti yang jarang Anda lihat di komposisi lain untuk lagu-lagu Rusia. Di sini Anda tidak akan mengingat hal seperti itu: semuanya baru di sini dan asli Di depan kami adalah musisi Rusia yang terinspirasi, di depan Anda adalah Vysotsky.

Ciri khas dari karya Vysotsky adalah ketergantungan pada lapisan perkasa lagu rakyat Rusia dan sebagian kreativitas instrumental. Inilah yang menentukan perkembangan sekolah gitar Rusia, cabangnya di Moskow. M. Vysotsky, mungkin, kurang peduli dengan rekomendasi sistematis untuk belajar bermain gitar tujuh senar, meskipun dia memberikan banyak pelajaran. Namun dalam karyanya, gitar tujuh senar Rusia menjadi instrumen yang benar-benar nasional, memiliki repertoar khusus, teknik teknis khusus, dan perbedaan gaya, gaya pertunjukan, pola perkembangan dalam bentuk musik (maksud kami hubungan antara konten puitis suatu lagu dan proses perkembangan varian dalam komposisi musik). Dalam hal ini, M. Vysotsky adalah untuk kita. mungkin tokoh terpenting dalam permainan gitar Rusia. Karyanya meletakkan dasar untuk gaya permainan yang orisinal, serta prinsip untuk mendapatkan suara melodi dan teknik yang menyertainya. Tapi ini akan dibahas nanti.

Maka, kemunculan sekolah gitar orisinal di Rusia dikaitkan dengan nama A. Sikhra dan M. Vysotsky, serta siswa terbaik mereka.
Sebagai kesimpulan, saya ingin mengatakan bahwa meluasnya penggunaan gitar di Rusia dalam periode sejarah yang singkat bukanlah suatu kebetulan. Sebaliknya, itu adalah bukti yang baik dari kelayakan instrumen. Ada cukup banyak alasan untuk bangga dengan prestasi sekolah gitar Rusia. Namun, dapat dikatakan dengan pahit bahwa kami tidak mengetahui seluruh kebenaran tentang instrumen kami dan warisan yang diciptakan untuk itu. Penting untuk mengetahui dan memahami hal ini hari ini, ketika hampir semua yang dibanggakan Rusia di masa lalu telah dihancurkan, dan tidak ada yang diciptakan untuk menggantikannya. Mungkin sudah waktunya untuk mengalihkan pandangan Anda ke warisan gitar Rusia?! Ini terdiri dari karya, metode, dan repertoar dari orang-orang paling terpelajar pada masanya. Berikut beberapa namanya: M. Stakhovich - bangsawan, sejarawan, penulis; A. Golikov - bangsawan, pencatat perguruan tinggi; V. Sarenko - Doktor Ilmu Kedokteran; F. Zimmerman - bangsawan, pemilik tanah; I. Makarov - seorang pemilik tanah, seorang bibliografer besar; V. Morkov - seorang bangsawan, anggota dewan negara bagian yang sebenarnya: V. Rusanov - seorang bangsawan, konduktor, editor yang luar biasa.

PROGRAM PENDIDIKAN UMUM PRA-PROFESIONAL TAMBAHAN DI BIDANG SENI MUSIK GITAR “Folk Instruments”. Bidang studi B.00. BAGIAN VARIAN B.03.UP.03.SEJARAH KINERJA PADA GITAR CASSIAN. Jangka waktu pelaksanaan 1 tahun. Program ini berisi semua bagian yang diperlukan: catatan penjelasan, isi mata pelajaran, kurikulum, persyaratan tingkat pelatihan siswa, bentuk dan metode kontrol, sistem penilaian, dukungan metodologis proses pendidikan, daftar referensi.

Unduh:

Pratinjau:

lembaga pendidikan anggaran kota

pendidikan tambahan bagi anak-anak

Sekolah seni anak p.Novozavidovsky

PRA-PROFESIONAL TAMBAHAN

PROGRAM PENDIDIKAN UMUM DI DAERAH

SENI MUSIK

"Instrumen Rakyat"

GITAR

bidang mata pelajaran

W.00. BAGIAN VARIAN

B.03.UP.03. SEJARAH KINERJA PADA GITAR CASSIAN

Tentang pengembangan musik dalam sistem pendidikan tambahan untuk anak-anak sekolah musik anak-anak dan jurusan musik

sekolah seni anak-anak

Disusun oleh: Bensman Vera Igorevna,

Dosen MBOU DOD DSHI

P.Novozavidovsky

P.Novozavidovsky 2014

Program disetujui Disetujui

Dewan Pedagogis ________________ Saperova I.G.

MBOU DOD DSHI Direktur MBOU DOD DSHI

P.Novozavidovsky hal.Novozavidovsky,

Berita Acara No. 2 tanggal 30 Oktober 2014. distrik Konakovsky,

wilayah Tver.

Disusun oleh: Guru Bensman Vera Igorevna

Resensi: Dosen kategori tertinggi Bensman L.I.

1. Catatan penjelasan.

Ciri-ciri mata pelajaran, tempat dan perannya dalam proses pendidikan;

Istilah untuk implementasi subjek;

Jumlah waktu belajar yang disediakan oleh kurikulum untuk pelaksanaan mata pelajaran;

Bentuk penyelenggaraan pelatihan kelas;

Maksud dan tujuan mata pelajaran;

Struktur kurikulum mata pelajaran;

Metode pengajaran;

Uraian materi dan syarat teknis pelaksanaan mata pelajaran;

Informasi tentang biaya waktu studi;

Silabus.

3. Persyaratan tingkat pelatihan siswa.

4. Bentuk dan cara pengendalian, sistem penilaian:

Sertifikasi: tujuan, jenis, bentuk, isi; ujian akhir;

Kriteria evaluasi.

5. Dukungan metodologis dari proses pendidikan.

6. Daftar referensi.

CATATAN PENJELASAN

Gitar adalah salah satu alat musik paling populer yang digunakan dalam latihan profesional dan amatir. Repertoar gitar yang beragam mencakup musik dari berbagai gaya dan era, termasuk klasik, populer, jazz.

Gitar bukan hanya alat musik pengiring dan solo, itu adalah seluruh dunia: pemain, komposer, arranger, guru, master gitar, ahli sejarah, kolektor, penggemar, pengagum, gitaris amatir... Ini adalah bagian yang layak dari budaya dunia , studi yang akan menarik bagi banyak orang.

Gitar didedikasikan untuk musik, lukisan, lagu, penelitian, prosa, pengajaran dan bakat pengrajin, karya sejarah, dan puisi. M.Yu mendedikasikan kalimat kekaguman padanya. Lermontov:

Apa yang terdengar! aku masih

Suara manis I.

Aku lupa surga, keabadian, bumi,

Diri...

Ciri-ciri mata pelajaran, tempat dan perannya dalam proses pendidikan;

Di sekolah seni anak-anak, dalam proses mengajar siswa jurusan instrumental, perhatian yang tidak memadai diberikan pada komponen terpenting dari pendidikan musik, seperti sejarah pertunjukan instrumental.

Pada pelajaran sastra musik, karya komposer dipelajari, dan pemainnya hanya disebutkan. Sangat sedikit cakupan yang diberikan pada topik alat musik rakyat dan khususnya alat musik gitar. Kegiatan ekstra kurikuler yang dilakukan oleh guru beragam dan sebagian mengkompensasi kekurangan ini. Tapi ini tidak cukup.

Siswa Sekolah Seni Anak harus memiliki pengetahuan yang lebih banyak dan sistematis di bidang sejarah perkembangan instrumen dan pertunjukan musik (sekolah dalam dan luar negeri).

Pengenalan subjek ke dalam kurikulum program pendidikan perkembangan umum Sekolah Seni Anak relevan pada tahap sekarang, terutama untuk program pra-profesional.

Subjek melibatkan menyoroti tahapan utama dalam pengembangan instrumen gitar, meninjau karya pemain luar biasa, komposer, pengenalan dengan karya musik dibuat untuk instrumen ini, mendengarkan dan melihat rekaman pemain gitar, pemenang dan pemenang diploma kompetisi (termasuk anak-anak, remaja)

Subjek "Sejarah bermain gitar klasik" diusulkan untuk dimasukkan dalam bagian "Bagian variabel" dari program pengembangan umum pra-profesional tambahan di bidang seni musik "Seni Instrumen", "Instrumen Rakyat", "Gitar" . Anda juga dapat memasukkan item rencana pendidikan program perkembangan umum dilaksanakan di sekolah seni anak-anak tertentu.

Program penulis tentang subjek "Sejarah Pertunjukan Gitar Klasik" dikembangkan berdasarkan Persyaratan Negara Federal untuk program pendidikan umum pra-profesional tambahan di bidang seni musik. (2012) Program ini merupakan bagian dari kurikulum kinerja instrumental. Gitar "Instrumen Rakyat".

Bahan-bahan berikut digunakan dalam persiapan program:

Kompleks metodis pendidikan "Pertunjukan Istrian pada instrumen rakyat" Spesialisasi 071301 "Folk kreativitas artistik". Disusun oleh Zhdanova T.A., Profesor dari Departemen Pertunjukan Orkestra dan Instrumen Rakyat dari Akademi Kebudayaan dan Seni Negara Bagian Tyumen dan Teknologi Sosial. Tyumen, 2011

Chupakhina T.I. "Kursus kuliah tentang sejarah pertunjukan alat musik rakyat". Omsk, 2004

Sekolah Gitar Charles Duckart.

Batas waktu implementasi subjek:

Jangka waktu pelaksanaan item ini adalah 1 tahun, (35 minggu)

Dengan 5 (6) masa studi - di kelas 5.

Pada masa studi 8 (9) - di kelas 8.

Jumlah waktu belajar yang disediakan oleh kurikulum:

Total intensitas tenaga kerja subjek adalah 70 jam.

Dari jumlah tersebut: 35 jam - pelajaran kelas, 35 jam - kerja mandiri.

Jumlah jam belajar di kelas adalah 1 jam per minggu.

Jumlah jam untuk kerja mandiri(beban kerja ekstrakurikuler) - 1 jam per minggu.

Bentuk pelaksanaan pelatihan kelas.

Tujuan dan sasaran mata pelajaran.

Mata pelajaran “Sejarah penampilan gitar klasik” merupakan bagian yang tidak terpisahkan dari persiapan lulusan Sekolah Seni Anak di kelas gitar. Seni gitar adalah bagian dari budaya artistik dunia. Itu dapat ditelusuri dari zaman kuno hingga saat ini dan secara organik terhubung dengan budaya instrumental pertunjukan dan perbendaharaan. Menjadi jelas betapa luasnya cakupan masalah yang mencakup studi tentang sejarah kinerja.

• Mata kuliah ini bertujuan untuk menunjukkan kondisionalitas sejarah dan urutan perkembangan seni pertunjukan, memahami proses perkembangan dan pembentukan instrumen gitar; mempelajari pola sejarah pembentukan dan ciri-ciri utama repertoar, ciri-ciri seni pertunjukan pada gitar.
• Tujuan mata kuliah ini juga untuk memastikan perkembangan kemampuan kreatif dan individualitas siswa, minat yang berkelanjutan dalam kegiatan mandiri di bidang seni musik.
• Untuk menanamkan pada siswa kebutuhan untuk mengetahui, mempelajari, mendengarkan dan menganalisis.
• Mencapai tingkat pendidikan yang memungkinkan lulusan untuk secara mandiri menavigasi budaya musik dunia;

Tujuan mata pelajaran:

• Salah satu tugas pokok mempelajari mata pelajaran ini adalah mendorong siswa untuk memahami persoalan sejarah dan teori perkembangan alat musik yang sedang dipelajarinya bermain;
• perolehan pengetahuan di bidang sejarah budaya musik, perluasan cakrawala artistik siswa, serta pengembangan kemampuan mereka untuk menavigasi berbagai aspek seni gitar, gaya dan arah musik.
• Membekali dengan sistem pengetahuan, keterampilan dan metode kegiatan musik, yang secara keseluruhan memberikan dasar untuk komunikasi mandiri lebih lanjut dengan musik, pendidikan mandiri musik dan pendidikan mandiri.
• pembentukan motivasi sadar di antara lulusan terbaik untuk melanjutkan pendidikan profesional mereka dan mempersiapkan mereka untuk ujian masuk ke lembaga pendidikan profesional.

Struktur kurikulum mata pelajaran.

Masalah yang dibahas dalam program ini dipertimbangkan dalam konteks perkembangan seni gitar, dengan mempertimbangkan prinsip historisisme dan periodisasi kronologis.

Program ini mencakup bagian-bagian berikut:

Informasi tentang biaya waktu studi;

Silabus;

Persyaratan untuk tingkat pelatihan siswa;

Bentuk dan metode pengawasan, sistem penilaian, sertifikasi akhir;

Dukungan metodologis dari proses pendidikan;

Sesuai dengan arahan ini, bagian utama dari program "Konten Subjek" sedang dibangun.

Metode pengajaran.

Untuk mencapai tujuan yang ditetapkan dan mengimplementasikan tujuan mata pelajaran, metode pengajaran berikut digunakan:

Verbal: ceramah, cerita, percakapan.

Visual: memperlihatkan, mengilustrasikan, mendengarkan materi.

Praktis: Bekerja dengan materi audio dan video. Menulis laporan, abstrak. Mempersiapkan presentasi.

Emosional: kesan artistik.

Deskripsi materi dan kondisi teknis untuk implementasi subjek.

Memastikan pengajaran mata pelajaran ini: kehadiran penonton yang memenuhi standar sanitasi dan persyaratan keselamatan kebakaran. Komputer atau laptop, TV, pusat musik, proyektor multimedia + layar demo - diinginkan. Materi foto, audio, video dengan keterlibatan aktif sumber daya Internet.

Dana perpustakaan dilengkapi dengan publikasi cetak, elektronik, literatur pendidikan dan metodis

Setiap siswa diberikan akses ke dana perpustakaan dan dana rekaman audio dan video. Selama bekerja mandiri, siswa menggunakan Internet untuk mengumpulkan material tambahan untuk mempelajari topik yang diusulkan.

Informasi tentang biaya waktu studi;

Tabel 1

1. Meja 2

"Gitar" Jangka waktu studi adalah 5(6) tahun.
Bagian variabel
Nama barang	1 kelas	2 sel	3 sel	4 sel	5 sel	6 sel
Sejarah bermain gitar klasik
Sertifikasi perantara

Tabel 3

1. Tabel 4

"Gitar" Jangka waktu studi adalah 8(9) tahun.
Bagian variabel
Nama barang	1 kelas	2 sel	3 sel	4 sel	5 sel	6 sel	7 sel	8 sel	9 sel
Sejarah pertunjukan musik
Jumlah minggu studi kelas
Sertifikasi perantara

SILABUS

	NAMA TOPIK	kelas	Pekerjaan mandiri
	Dari sejarah seni gitar. Asal dan perkembangan.
	Asal usul gitar. Lima periode berbeda dalam sejarahnya: pembentukan, stagnasi, kebangkitan, penurunan, berkembang.	1 jam	1 jam
	Instrumen cikal bakal gitar. Gitar dan kecapi. Gitar di Spanyol (abad XIII) Masa kebangkitan gitar dikaitkan dengan komposer, pemain, guru Italia Mauro Giuliani (lahir tahun 1781).
	Fernando Sor (1778-1839) adalah seorang gitaris dan komposer Spanyol yang terkenal. Dia adalah salah satu orang pertama yang menemukan kemungkinan polifonik dalam gitar. Bekerja dengan F. Sor untuk gitar. Risalahnya tentang Gitar. Aguado Dionisio (1784 - 1849) - pemain Spanyol yang luar biasa - virtuoso, komposer. Berasal dari Madrid. Itu sukses besar di Paris.
	Carulli Fernando (1770 - 1841) - seorang guru terkenal, penulis "School of Playing the Guitar", seorang komposer yang menggubah sekitar empat ratus karya, seorang gitaris virtuoso Italia.Giuliani Mauro (1781 - 1829) - gitaris Italia yang luar biasa - pemain, komposer, guru. I. Fortea???????? ??
	Matteo Carcassi (1781–1829) - pemain gitar Italia terpenting, penulis School of Guitar Playing,komposer. Regondi Giulio (1822 - 1872) - gitaris terkenal Italia - virtuoso, komposer.
	Tarrega Francisco Eixea (1852 - 1909) - gitaris Spanyol terkenal, pendiri sekolah gitar modern Penampil konser brilian, komposer, penulis karya paling terkenal untuk gitar.
	Legenda abad ke-20 - Andres Segovia(1893-1987), murid dan penerus Tarrega. Gitaris paling terkenal abad ke-20.
	Sertifikasi menengah (1 kuartal)
	Gitar flamenco. Gaya Flamenco.Paco de Lucia adalah gitaris flamenco Spanyol.
	Gitar di Eropa. artis terkenal.
	gitaris Amerika Latin. Komposer Brasil E. Villa-Lobos (1887-1959). Komposisi Villa-Lobos merupakan bagian tak terpisahkan dari repertoar gitaris modern. gitaris Kuba. Perwakilan yang cerdas adalah Acosta. Anido Maria Luisa (lahir 1907) adalah gitaris Argentina yang luar biasa. Penampil konser, komposer, guru. Gitar Hawaii dan fitur-fiturnya.
	Kelas seminar.
	Sertifikasi menengah (paruh pertama tahun ini)
	Gitar di Rusia Rusia pada abad ke-19 dan awal abad ke-20.			kuartal ke-3
	Munculnya seni bermain gitar tujuh senar di Rusia. Kenalan dengan gitar melalui gitaris Italia Giuseppe Sarti, Carlo Conobbio, Pasquale Gagliani. Lagu dan roman komposer terkemuka abad ke-19 (A.E. Varlamov, AL. Gurilev, A.A. Alyabiev, .I. Dubuc., P.P. Bulakhov.)
	Masa kejayaan seni profesional domestik A.O. Sikhra (1773-1850) - patriark gitar tujuh senar Rusia, seorang komposer brilian, seorang guru terkenal yang membesarkan galaksi gitaris yang sangat berbakat. Andrei Sikhra dan penerbit musiknya. Pengikut A. Sikhra, murid-muridnya: F. Zimmerman, V. Sarenko, V. Markov, S. Aksenov. Gitar tujuh senar dan lagu Rusia, romansa yang kejam.
	Gitaris pertama yang memainkan gitar enam senar adalah N.P. Markov (1810- ) teknik bermain gitar. Persaingan di Brussel, diselenggarakan oleh Markov untuk menghidupkan kembali minat yang memudar pada gitar. M.D. Sokolovsky (1818-1883) pemain konser terkenal, satu-satunya perwakilan sekolah gitar domestik pada masanya, yang memenangkan ketenaran Eropa. Aktivitasnya dalam mempopulerkan gitar.
	Isakov P. I. (1886 - 1958) - gitaris - pemain konser, pengiring, guru, penggagas penciptaan Society of Leningrad Guitarists. Yashnev V.I. (1879 - 1962) - gitaris-guru, komposer, penulis (bersama dengan B.L. Volman) dari sekolah bermain gitar enam senar. Agafoshin PS (1874 - 1950) - gitaris berbakat, guru terkenal, penulis "Sekolah" domestik terbaik untuk gitar enam senar. Siswa V.A. Rusanov. . Pertemuan Segovia dan Agafoshin.
	Ivanov - Kramskoy Alexander Mikhailovich (1912 - 1973) - gitaris terkenal - pemain konser, komposer, guru. Artis Terhormat RSFSR. Murid P.S. Agafoshina.N.A. Ivanova - Kramskaya
	Gitaris terkenal di zaman kita.
	sekolah gitar Rusia. Kreativitas Alexander Kuznetsov. Kreativitas V. Shirokogo, V. Derun. A. Frauchi, A. Zimakova. Gitaris: V.Kozlov, Alexander Chekhov, Nikita Koshkin, Vadim Kuznetsov, N.A.Komolyatov, A.Gitman, E.Filkshtein, A.Borodina.Vladimir Tervo…………Dervoed A.V., Matokhin S.N., Vinitsky A.E. , Reznik A.L.
	Gitaris asing dari arah klasik.
	Seminar
	Pelajaran terakhir kuartal ke-3
	Kompetisi internasional. kompetisi Rusia. Pemenang, diplomat. Festival.
	Gitar dalam ansambel kamar. orkestra gitar.
	Gitar klasik di wilayah Tver dan Tver. SAYA. Skvortsov, E.A. Baev; Duet instrumental "Miniatur Musik" - E. Baev - gitar, E. Muravyova - biola; "Duet Seni" Natalya Gritsay, Elena Bondar.
	Gitar Jazz Klasik. gitar jazz. Arah lain di bidang seni gitar. Teknik negara. Fincherstyle. Fusi. …….Penampil dari berbagai arah.
	Bagaimana gitar dibangun? Pembuat gitar terkemuka. Peningkatan gitar. Berapa banyak senar yang dimiliki gitar? Narciso Yepes dan gitar sepuluh senarnya. Baru dalam seni pertunjukan gitar klasik.
	Konsultasi seminar.
	ujian akhir
	TOTAL PADA TINGKAT TOTAL

3. Persyaratan tingkat pelatihan siswa.

Tingkat pelatihan siswa merupakan hasil dari penguasaan program mata pelajaran "Sejarah penampilan gitar klasik", yang melibatkan pembentukan pengetahuan, keterampilan berikut, seperti:

* minat siswa pada sejarah pertunjukan musik;

* kemampuan menavigasi dalam berbagai aspek seni gitar, gaya dan arah musik;

* kompleks pengetahuan, keterampilan, dan kemampuan yang terbentuk dengan baik yang memungkinkan untuk menilai, mencirikan karya yang didengarkan, gaya dan cara pemain;

* Pengetahuan yang memungkinkan Anda menggunakan sumber daya Internet secara mandiri.

*lulusan harus mengetahui topik utama kursus

4. Bentuk dan metode pengendalian, sistem evaluasi.

• Sertifikasi: tujuan, jenis, bentuk, isi;

Kriteria evaluasi;

Kontrol pengetahuan, keterampilan dan kemampuan siswa menyediakan manajemen operasional dari proses pendidikan dan melakukan fungsi pelatihan, pengujian, pendidikan dan korektif. Berbagai bentuk pemantauan kemajuan siswa memungkinkan untuk menilai keberhasilan dan kualitas proses pendidikan secara objektif. Jenis utama kontrol kemajuan dalam subjek

"Sejarah kinerja gitar klasik" adalah: kontrol saat ini, sertifikasi perantara. Ujian akhir.

Pengesahan saat inidilakukan untuk mengontrol kualitas penguasaan bagian materi pendidikan dan ditujukan untuk mengidentifikasi sikap terhadap mata pelajaran, pada pengaturan pekerjaan rumah yang bertanggung jawab dan merangsang. Sertifikasi saat ini dilakukan dalam bentuk survei, percakapan tentang topik yang disiapkan oleh siswa, dan diskusi pertunjukan yang didengarkan. Tugas kontrol saat ini dimungkinkan dalam bentuk tes, serta kuis musik.

Kelas “Sejarah pertunjukan instrumental” diadakan dalam bentuk ceramah oleh seorang guru, percakapan dengan siswa tentang topik yang telah mereka siapkan, survei siswa;

Tempat yang besar dalam pekerjaan diberikan ilustrasi musik, mendengarkan, dan melihat materi yang relevan. Dianjurkan untuk mengadakan seminar tentang topik yang dipilih oleh guru atau siswa. Tugas kontrol saat ini dimungkinkan dalam bentuk tes, serta kuis musik. Berdasarkan hasil kontrol saat ini, estimasi triwulanan diturunkan.

Sertifikasi perantara(ditawarkan pada akhir semester pertama dan kedua) menentukan keberhasilan perkembangan siswa dan sejauh mana mereka menguasai tugas belajar pada tahap ini. Bentuk sertifikasi menengah: pelajaran kontrol, tes, laporan, abstrak, presentasi.

ujian akhir

Saat lulus sertifikasi akhir, lulusan harus menunjukkan pengetahuan, keterampilan, dan kemampuan sesuai dengan persyaratan program. Bentuk dan isi penilaian akhir untuk mata pelajaran “Sejarah Pertunjukan Gitar Klasik” ditetapkan oleh organisasi secara mandiri (atas saran guru). Bentuk yang direkomendasikan: tes dengan penilaian atau ujian tertulis atau lisan dalam bentuk jawaban atas pertanyaan yang telah disiapkan sebelumnya.

Untuk sertifikasi siswa, dana alat evaluasi dibuat, yang mencakup metode kontrol yang memungkinkan Anda mengevaluasi pengetahuan, keterampilan, dan kemampuan yang diperoleh.

Kriteria evaluasi

5 ("luar biasa");

4 ("baik");

3 ("memuaskan").

Evaluasi - "tidak memuaskan" dalam mata pelajaran ini tidak diinginkan, karena terlepas dari tingkat perkembangan siswa, guru memiliki kesempatan untuk menemukan pendekatan individual kepada setiap siswa dan memaksimalkan kemampuan kreatifnya.

5. Dukungan metodologis dari proses pendidikan

Mata pelajaran ini diajarkan oleh seorang guru gitar.

Tentu saja, kita tidak dapat mendengar rekaman para pemain hebat di masa lalu. Abad ke-20 memberi kita kesempatan ini. Kita dapat berbicara tentang tradisi dan kesinambungan pertunjukan musik dari berbagai era melalui siswa dan pengikut. (Misalnya: F. Tarrega, Segovia, A.M. Ivanov-Kramskoy, A. Frauchi……….).

Bentuk pelaksanaan pembelajaran bervariasi, tetapi dengan wajib dimasukkannya pekerjaan seluruh kelompok. Mendengarkan dan melihat rekaman bersama, tugas kreatif - laporan, abstrak, kesan mendengarkan rekaman di kelas dan mandiri. Penyajian materi meliputi: ceramah oleh guru sendiri dengan mendengarkan dan melihat materi audio dan video; kinerja pekerjaan rumah tertentu dalam kerangka materi yang dipelajari oleh semua siswa dengan diskusi selanjutnya. Tempat yang luas dalam pekerjaan diberikan pada ilustrasi musik, mendengarkan, serta melihat materi yang relevan.Penting bagi guru untuk secara akurat memilih variasi materi musik untuk mendengarkan dan mengatur tugas-tugas khusus untuk: mengajarkan konsentrasi, mengaktifkan pendengaran, berpikir, membuat Anda memperhatikan detail, gaya pertunjukan, dan perwujudan niat pencipta oleh pemain. Ini akan mengembangkan selera siswa sendiri dan membuat mereka lebih sadar mendekati penampilan karya.

Tes direkomendasikan untuk dilakukan dalam bentuk seminar, laporan, abstrak, referensi singkat bahwa siswa dapat menyelesaikan sendiri menggunakan sumber daya online. Dan sebagai pekerjaan rumah, siswa dapat mendengarkan pekerjaan dalam pertunjukan yang berbeda dan membuatnya analisis perbandingan mendengar, yaitu menyelesaikan tugas kreatif.

Selain itu, bentuk kerja kreatif ke arah ini adalah perjalanan bersama (jika memungkinkan) siswa dengan guru, orang tua ke konser musik instrumental, dilanjutkan dengan diskusi di kelas. (Di sekolah kami, acara semacam itu diselenggarakan secara teratur karena lokasi desa yang nyaman ke organisasi konser Tver, Klin, Moskow. Juga, artis dari Tver datang kepada kami)

Tempat yang bagus ditempati oleh persiapan guru dan siswa untuk kelas. Ini adalah proses yang melelahkan dan kreatif. Anda harus banyak bekerja dengan materi teks, audio, video, sumber daya Internet. Penting untuk mendorong siswa untuk bekerja setiap hari setidaknya selama satu jam. Dengan mandiri biasakelas, akan ada minat yang meningkat tidak hanya pada mata pelajaran ini, tetapi juga kebutuhan akan kemandirian pekerjaan yang melelahkan mengambil jurusan gitar.

1. Averin V.A. Sejarah pertunjukan alat musik rakyat Rusia. Krasnoyarsk, 2002
2. Agafoshin P.S. Baru tentang gitar. M.,
3. Bendersky L. Halaman sejarah pertunjukan alat musik rakyat. Sverdlovsk, 1983.
4. Weisbord C. Andres Segovia. M., Musik, 1980.
5. Weisbord M. Andrea Segovia dan Seni Gitar Abad ke-20: Essay on Life and Work. - M.: Sov. komposer, 1989. - 208 e.: sakit.
6. Weisbord M. Andrea Segovia. - M.: Musik, 1981. - 126s. dari sakit.
7. Weisbord M.A. Andres Segovia dan Seni Gitar Abad ke-20: Esai tentang Kehidupan dan Pekerjaan. M., 1989
8. Papan weiss. Andrei Segovia dan seni gitar abad ke-20. -M., komposer Soviet, 1989.
9. Vasilenko S. Halaman kenangan., M., L., 1948.
10. Vasiliev Yu., Shirokov A. Cerita tentang instrumen rakyat Rusia. M., komposer Soviet, 1976.
11. Vertkov K. Instrumen rakyat Rusia. L., Musik, 1975.
12. Vertkov K., Blagodatov G., Yarovitskaya E. Atlas Alat Musik Uni Soviet. M., 1975.
13. Vidal R.Zh. Catatan pada gitar / Per. dari fr. L. Berekashvili. - M.: Musik, 1990.-32s.
14. Wolman BL.. Gitar. M., Musik, 1972.
15. Wolman B. Gitar di Rusia. L., Muzgiz, 1980.
16. Wolman B. Gitar. edisi ke-2. M., 1980.
17. Volman B.L. Gitar di Rusia. L., 1961.
18. Volman B.L. Gitar dan gitaris. Esai tentang sejarah gitar enam senar. - L .: Musik, 1968.-188s.
19. Volman. B.L. Gitar di Rusia. L., Muzgiz, 1961.
20. Volmon B.L. Gitar dan gitaris. L., 1968.
21. Volmon B.L. Gitar. M., 1972.
22. Pertanyaan tentang metodologi dan teori pertunjukan pada alat musik rakyat. Kumpulan artikel, terbitan No. 2. Sverdlovsk, 1990.
23. Ghazaryan S. Dalam dunia alat musik. M., Pendidikan, 1985.
24. Gazaryan S. Cerita tentang gitar. M., 1987.
25. Gazaryan S. Cerita tentang gitar. Moskow, 1988.
26. Gertsman E. musikologi Bizantium. - L .: Musik, 1988. -256s.
27. Gitar dan gitaris: Majalah sastra bulanan - Grozny: M. Panchenkov, 1925; Nomor 1-11.
28. Gitaris dan Gitaris: Majalah Sastra Bulanan. - Grozny: M. Panchenkov, 1925; Nomor 11-12.
29. Gitar: Almanak Musik. - Masalah. 1.M., 1986; Masalah. 2., 1990.
30. Gitaris: Majalah musik dan sastra. - M., 1993. - No.1; 1994. - No.2; 1998. - No.3; 1999. - No.4; 2000. - Nomor 3; 2001. - Nomor 1,2,3,4; 2002. - Nomor 1,2,3,4; 2003. - Nomor 1,2,3,4; 2004. - No.1.
31. Grigoriev G.Tirando. M., 1999.
32. Dmitrievsky Yu., Kolesnik S., Manilov V. Gitar dari blues hingga jazz-rock.
33. Majalah Dukart ON "Gitaris" No.1, 1993; 4. - II - No.2, 1994;5. - II - No.3, 1997; 6. - II - No.1, 1998; 7. - II - No.1, 1999; 8. - II - No.1, 2002;
34. Ivanov M. Gitar tujuh senar Rusia. M.-L., 1948
35. Ivanov M. Gitar tujuh senar Rusia. M., L., Muzgiz, 1948.
36. Ivanova-Kramskoy N.A. "Sejarah gitar, romansa, dan lagu."
37. Ilyukhin A. Materi tentang sejarah dan teori pertunjukan alat musik rakyat Rusia. Edisi 1.M., 1969, edisi 2.M., 1971.
38. Seni, 2002. - 18 hal.
39. Sejarah Musik Soviet Rusia. tt.1,2. M., 1959. Kiev, Musikal Ukraina, 1986. - 96 hal.
40. Kelas ansambel jazz. Program teladan untuk spesialisasi 070109
41. Kuznetsov. gitar jazz. // Almanak musik. Masalah 1. Gitar. M., 1989
42. Larichev. .E.D. Gitar enam senar. Pada Sabtu. "Almanak musik", edisi 1, M., Muzyka, 1989.
43. Manilov V.A. Temanmu adalah gitar. Kyiv: Musik. Ukraina, 2006. - 208 hlm.: sakit.
44. M .: Gitaris Afromeev: Majalah musik dengan ilustrasi, catatan. adj. -, 1905; #1-12.
45. M .: Gitaris Afromeev: Majalah musik dengan ilustrasi, catatan. adj. -, 1906; No. 1, Gitaris: Majalah musik dengan ilustrasi, catatan. adj. ., 1999; No.1 - C16., Gitaris: Majalah musik dengan ilustrasi, catatan. adj. -, 1999; No.1 - P.56-63., Gitaris: Majalah musik dengan ilustrasi, catatan. adj. - M., 2002; No.1 - S.52-53
46. M .: Toropov, Gitar dan master: Majalah musik dengan ilustrasi, catatan. adj.- 1999. M .: Afromeev Gitaris: Majalah musik dengan ilustrasi, catatan. adj. -, 1904; #1-12
47. Mikhailenko N.P dan Fan Dinh Tang "Buku Pegangan Gitaris",
48. Mikhailenko N.P. Metode pengajaran memainkan gitar enam senar. Kyiv, 2003.
49. Mikhailenko N.P. dan Pham Dinh Tan. Buku Pegangan Gitaris. Kyiv, 1997
50. Almanak musik "Gitar". Edisi 1, Moskow "Musik", 1989.
51. Almanak musik "Gitar". Edisi 2, Moskow "Musik", 1990.
52. sekolah musik (spesialisasi pop) Ragam instrumen orkestra. - Ufa, 2000. - hal. 24-25
53. Spesialisasi "Musical Art of Variety" "Variety Instruments"

Orkestra". - M., Perguruan Tinggi Musik Negeri Departemen Variasi dan Jazz

1. Otyugova T., Galembo A., Gurkov I. Kelahiran alat musik. L., 1986.
2. Rapatskaya. L.A. Mengatasi stereotip gitar (catatan pada karya Igor Rekhin). Di majalah "Gitarist", No. 3, 1997.
3. Rusanov V.A. Gitar dan gitaris. Masalah 2. M., 1901.
4. Sharnasse. Gitar enam senar. Dari awal hingga saat ini. M., Musik, 1991.
5. Shevchenko. Gitar flamenco. Kyiv, Musikal Ukraina, 1988.
6. Shiryalin A.V. Puisi tentang gitar. -M., "Panggung Pemuda", RIFME, 1994.
7. Shiryalin A.V. Puisi Gitar. M., 2000.
8. Evers R. Beberapa ciri seni gitar modern // Gitar klasik: pertunjukan dan pengajaran modern: abstrak. Magang II. ilmiah-praktis. conf. 12-13 April 2007 / Tam. negara music-ped. di-t im. S.V. Rachmaninov. - Tambov, 2007. - S.3-6.
9. Evolusi gitar berdasarkan analisis sekolah bermain gitar tradisional dan modern
10. Ensiklopedia gitaris. Harmoni blues. Minsk, 1998.
11. Yablokov M.S. Gitar klasik di Rusia dan Uni Soviet. Tyumen - Yekaterinburg, 1992 Isi jilid pertama
12. Yablokova M.S. "Gitar klasik di Rusia dan Uni Soviet"

Tempat lahirnya adalah negara-negara Timur Dekat dan Tengah, tempat ia muncul beberapa ribu tahun yang lalu.
Namun kemunculannya dalam bentuk tradisional didahului oleh perkembangan yang panjang. Menurut sejumlah peneliti, busur pemburu primitif tidak hanya dapat digunakan sebagai senjata, tetapi juga sebagai alat musik. Jadi, jika beberapa tali busur ditarik pada busur, maka karena panjang, gaya tarik, dan ketebalannya yang berbeda, nada suara yang dipancarkan berubah. Mungkin inilah penampakan alat musik yang menjadi prototipe cithara Assyro-Babilonia dan Mesir. Pada gilirannya, cithara kuno menjadi "nenek moyang" gitar.

Di piramida Mesir kuno dan monumen arsitektur Asiria, terdapat hieroglif yang menggambarkan instrumen nablu, yang bentuknya samar-samar menyerupai gitar. Menariknya, orang Mesir kuno menggunakan hieroglif yang sama untuk menunjukkan konsep "baik", "baik", "indah".
Di Mesopotamia dan Mesir, beberapa varietas cithara (termasuk nabla Mesir dan el-aud Arab) menerima pengembangan konstruktif lebih lanjut dan menyebar ke seluruh pantai Mediterania sejak milenium ke-3 - ke-2 SM. era baru. Hingga saat ini, di negara-negara Asia Kecil terdapat alat musik "kinira", yang berhubungan dengan gitar.

Di Yunani kuno, yang paling populer alat-alat musik adalah kitara (kitarra), kecapi, kecapi, pandora.
Pada abad pertama era baru, gitar Latin, terkait dengan bahasa Yunani, tersebar luas di negara-negara Mediterania di Eropa. Kerabat terdekat gitar, kecapi, juga dikenal. Nama "kecapi" berasal dari kata Arab "el-aud", yang berarti "kayu" atau "merdu".
Ada anggapan bahwa kecapi dan gitar dibawa ke Eropa oleh orang Arab - melalui Spanyol yang ditaklukkan oleh mereka dan pada abad ke-8. Namun, kemungkinan besar, instrumen ini menyebar ke Eropa melalui Yunani Kuno - berkat ikatan budayanya dengan negara-negara Timur Dekat dan Tengah.

Sampai abad ke-16, gitar berdawai tiga dan empat. Mereka memainkannya dengan jari dan plectrum (rekaman tulang dan kura-kura).
Pada abad ke-16, gitar lima senar muncul di Spanyol, dan sejak saat itu dikenal sebagai gitar Spanyol. Senar digandakan, terkadang senar pertama ("penyanyi") tunggal. Dari semua negara Eropa, gitar paling banyak digunakan di Spanyol, di mana ia menjadi alat musik rakyat yang sesungguhnya.
Dengan munculnya senar kelima dan peningkatan kemampuan artistik dan pertunjukannya, gitar mulai berhasil bersaing dengan kecapi dan vihuela, pendahulunya, dan secara bertahap menggantikannya dari penggunaan musik.
Sejumlah virtuoso dan komposer berbakat muncul yang telah mengangkat seni bermain gitar ke level yang sangat tinggi. level tinggi. Diantaranya adalah F. Corbetta (1620-1681), gitaris istana raja-raja Spanyol, Prancis dan Inggris, muridnya R. de Vize (1650-1725), gitaris istana Raja Louis XIV dari Prancis, F. Campion (1686 -1748), G. Sanz (1640-1710) dan banyak lainnya.
Koleksi tabulasi pertama dan alat peraga gitar mulai bermunculan: "Guitar Book" oleh R. de Vize (1682), "New Discoveries of the Guitar" oleh F. Campion (1705) dan banyak lainnya.

Mereka mencetak tua tarian spanyol- pascal, chaconnes, sarabandes, folio dan karya lainnya.
Pada paruh kedua abad ke-18, gitar enam senar muncul (menurut sejarawan, sekali lagi di Spanyol). Dengan munculnya senar keenam dan penggantian senar ganda dengan senar tunggal, prosesi kemenangan gitar lintas negara dan benua dimulai; masih ada dalam bentuk ini. Kemungkinan musik dari gitar enam senar ternyata begitu besar sehingga menjadi salah satu instrumen yang paling disukai.
"Zaman keemasan" gitar dimulai. Ini terkait dengan nama-nama komposer dan virtuoso gitar Spanyol F. Sora (1778-1839), D. Aguado (1784-1849) dan Italia F. Carulli (1770-1871), M. Giuliani (1781-1829), M .Carcassi (1792-1853).

Pelaku

Spanyol

SOR José Fernando (Fernando Sor 1778 - 1839)

Gitaris, komposer, dan guru Spanyol. Di masa kanak-kanak, dia menunjukkan kemampuan luar biasa dan menerima pendidikan musik di salah satu biara Katolik, meningkatkan permainan gitarnya sendiri. Permainan gitar Sora menciptakan sensasi nyata di London, di mana dia pergi setelah tinggal sebentar di Paris. Pada musim gugur tahun 1823, Sor bersama istrinya, seorang balerina Prancis, pergi ke Rusia, di mana penampilannya sukses besar. Di Moskow, di Teater Bolshoi, balet Sora "Sandrillon" dipentaskan. Pada tahun 1826 Sor kembali ke Paris dan tinggal di sana sampai akhir hayatnya. Dijuluki "The Beethoven of the Guitar", musiknya yang dalam dan emosional serta kemerduan yang lembut dan lembut dari permainannya membuatnya menjadi salah satu gitaris terhebat di masanya.
Sor lahir di Barcelona. Di usia lima tahun, dia sudah menggubah lagu, mengiringi dirinya sendiri dengan gitar tua milik ayahnya. Dia menerima pendidikan musiknya di biara Katolik Montserrat dekat Barcelona dan pada usia 13 tahun dia sudah menggubah musik yang kompleks. Suatu ketika gurunya diperintahkan untuk membuat misa khusyuk untuk solois, paduan suara, dan organ, tetapi karena sakit dia tidak dapat mempersiapkannya sebelum tenggat waktu. Sor membantu gurunya dengan menyelesaikan pesanan dengan cemerlang dalam satu malam.
Setelah menyelesaikan pendidikan musiknya dan menemukan pelindung, Sor menetap di Madrid dan mengabdikan dirinya sepenuhnya untuk menggubah musik dan meningkatkan keterampilan gitarnya. Pada tahun 1813 dia pergi ke Paris, di mana dia segera mendapatkan reputasi sebagai salah satu virtuoso terbaik, memikat Berlioz, Cherubini, dan musisi lain yang tinggal di ibu kota Prancis dengan permainannya. Pada tahun 1815, Soar pergi ke London, di mana dia membuat sensasi nyata dengan permainan gitarnya. Pada tahun 1823, Sor sudah berada di Rusia, di mana dia juga mendapat sambutan yang luar biasa. Dalam salah satu perjalanannya ke St. Petersburg, Sor diundang ke istana Permaisuri Elizaveta Alekseevna, istri Alexander I, yang sangat menyukai gitaris tersebut. Kedekatan dengan pengadilan menjanjikan Sor prospek yang cemerlang, dan dia berniat untuk tinggal di Rusia selamanya, tetapi terpaksa meninggalkannya setelah kematian permaisuri.
Setelah kembali ke Eropa Barat, Sor terus menikmati kesuksesan yang belum pernah terjadi sebelumnya. Otoritasnya di antara gitaris sangat tinggi. Namun, pada tahun 1930-an, gitar tidak lagi menjadi alat musik yang modis, dan Sor, baik sebagai gitaris maupun komposer, juga ketinggalan zaman. Pada Juni 1839 Sor meninggal, setengah dilupakan bahkan oleh sesama musisi.
Musik Sora telah menjadi bagian dari sejarah, banyak dari komposisi gitarnya terus hidup di panggung konser, dan "School for the Guitar" (1830) miliknya dianggap oleh banyak orang sebagai komposisi paling luar biasa yang didedikasikan untuk teknik permainan gitar.

Italia

Giuliani Mauro (GIULIANI, Giuseppe Sergio Pantaleo 1781-1829)

Gitaris virtuoso Italia yang luar biasa, komposer yang diakui oleh otoritas seperti J. Haydn dan L. Beethoven. Lahir di dekat Napoli. Sebagai seorang anak, dia belajar bermain biola dan seruling, pada saat yang sama dia belajar gitar secara otodidak: pada usia dua puluh tahun dia telah mencapai hasil yang begitu cemerlang sehingga dia mendapatkan ketenaran di Italia sebagai gitaris terbaik. Sejak 1800, aktivitas konsernya dimulai, awalnya berlangsung di Italia dan Prancis. Pada 1807 dia datang ke Wina dengan konser, di mana kritikus musik dengan suara bulat mengakuinya sebagai gitaris terhebat di dunia.
Setelah menetap di Wina, Giuliani melakukan konser dan kegiatan mengajar. Di antara teman-temannya adalah L. Beethoven dan J. Haydn, pemain biola L. Spohr dan J. Mayseder, pianis I. Hummel, I. Moscheles dan A. Diabelli.
Pada tahun 1816, Giuliani berkeliling Jerman dengan sukses besar. Pada tahun 1819 ia tampil di Roma dalam konser bersama D. Rossini dan N. Paganini.
Pertunjukan yang brilian Giuliani dan penampilan konsernya sendiri untuk gitar dan orkestra membuktikan kesamaan hak gitar sebagai instrumen konser dengan biola, cello, dan piano. "Little Orchestra" - begitulah karakter Beethoven pada suara gitar Giuliani.
Pada tahun 1821 Giuliani kembali ke Italia dan menetap di Roma. Pada tahun-tahun terakhir hidupnya, dia berkeliling Jerman, Polandia, Rusia dan Inggris, di mana-mana menimbulkan kegembiraan dan kekaguman dengan seninya.
M. Giuliani meninggal pada tahun 1829 di Naples.

Carulli Ferdinand (Fernando 1770-1841)

Gitaris, guru, dan komposer Italia. Awalnya, dia belajar cello. Setelah belajar bermain gitar sendiri, ia menjadi seorang gitaris profesional. Nada yang indah, kemurnian, dan kefasihan dalam bermain gitar memastikan kesuksesannya di Naples, dan kemudian di Paris, di mana ia menjadi salon favorit. Carulli menetap di Paris pada tahun 1818. Setelah memperoleh ketenaran sebagai gitaris terbaik pada masanya, ia berbagi kejuaraan dengan Matteo Carcassi dan mempertahankannya hingga Fernando Sor kembali.
Seorang guru terkemuka dan pemain brilian, Carulli menerbitkan sekitar tiga ratus komposisinya: karya untuk gitar solo, konserto untuk gitar dan orkestra, karya kamar, yang dibedakan oleh keterampilan instrumental dan teknis yang tinggi. Dua dari karya teoretisnya telah mendapat pengakuan luas; ini adalah "Sekolah bermain kecapi atau gitar" (1810) dan studi tentang pengiring "Harmoni yang diterapkan pada gitar" (1825). "Sekolah" Carulli mendapatkan popularitas tertentu: ia melewati lima edisi sekaligus dan diterbitkan berkali-kali setelah kematian penulisnya.

Carcassi Matteo (1792 -1853)

Salah satu gitaris Italia paling terkenal pada masanya, komposer dan guru, pengikut F. Carulli. Dalam sejarah gitar, ia dikenal sebagai penulis "The School of Playing the Guitar" (1836) dan karya pedagogis. Studinya tentang gitar bertahan hingga hari ini, menjadi bahan pelatihan untuk setiap gitaris modern dan dianggap klasik.
Matteo Carcassi belajar gitar sejak usia dini di Italia asalnya. Dia belum berusia dua puluh tahun ketika dia sudah mendapatkan reputasi di Italia sebagai virtuoso gitar. Pada tahun 1815 dia mulai mengajar gitar dan piano di Paris. Selama perjalanan konser ke Jerman pada tahun 1819, Carcassi bertemu dengan gitaris Prancis Meissonier, yang pada tahun 1812 mendirikan penerbitnya di Paris. Kedua gitaris tersebut menjadi teman dekat dan Meissonier menerbitkan sebagian besar karya Carcassi.
Pada tahun 1822 di London, setelah hanya beberapa konser, orang-orang mulai membicarakan Carcassy sebagai gitaris dan guru yang luar biasa. Dia segera kembali ke Paris, tetapi mengunjungi London setiap tahun, di mana bakat gitarnya sangat dihargai, dan di mana dia selalu diharapkan dan dihormati.
Ketika Carcassi pertama kali muncul di Paris, bakatnya untuk beberapa waktu berada di bawah bayang-bayang gitaris virtuoso Italia yang lebih tua Ferdinando Carulli, tetapi setelah beberapa tahun Carcassi mendapatkan pengakuan dan kesuksesan besar. Dia memberikan konser setiap tahun di sebagian besar kota utama Eropa. Pada tahun 1836, Carcassi kembali sebentar ke Italia, tetapi Paris tetap menjadi tempat tinggal permanennya sampai kematiannya pada tahun 1853.

Perancis

Pantai Napoleon (Napolón Coste / Claude Antoine Jean George Napolón Coste 1805 - 1883

Gitaris dan komposer Prancis. Lahir di Franche-Comte. Karena masih sangat muda, dia sudah memulai aktivitas sebagai pemain dan guru. Pada tahun 1830 dia pindah ke Paris, di mana dia berteman dengan F. Sor, D. Aguado, F. Carulli dan M. Carcassi, yang tinggal di sana pada waktu yang sama dengannya, yang memiliki pengaruh besar pada pekerjaannya. Pada tahun 1856, pada kompetisi internasional untuk komposisi terbaik dan instrumen terbaik, yang diselenggarakan di Brussel oleh gitaris Rusia N. Makarov, ia menerima hadiah kedua untuk komposisinya "The Great Serenade".
Biaya adalah salah satu pemain Prancis terbaik abad ke-19 dan sering dibandingkan dengan Sor. Karena cedera tangan akibat kecelakaan, ia terpaksa menghentikan kegiatan konsernya. Karya Costa sendiri relatif kecil, tetapi membuktikan bakat mengarang yang luar biasa. Dia menulis sekitar 70 karya untuk gitar: waltz, variasi, "Concert Rondo", "Great Serenade", siklus "Autumn Leaves", "25 Etudes" (op. 38), potongan untuk oboe dan gitar, dll. potongan-potongan kecil selalu merasakan harmoni yang harmonis dan polifoni orkestra.
Nama Costa juga dikaitkan dengan edisi baru Sekolah Sor untuk Gitar yang direvisi dan diperbesar, di mana Cost menyertakan transkripsi suite oleh Robert de Wiese. Meninggal di Paris.

Gitar di Rusia

Sejarah gitar di Rusia menarik dan sangat orisinal.
Dalam perkembangannya melewati tahapan yang kurang lebih sama seperti di negara-negara Eropa Barat.
Sejarawan Rusia N. Karamzin menulis bahwa pada abad ke-6, orang Slavia suka memainkan cithara dan harpa, tidak berpisah dengan mereka bahkan dalam kampanye militer yang keras. Dimainkan di Rusia dan gitar empat senar.
Pada 1769, Akademisi Shtelin menulis tentang kemunculan gitar lima senar Italia pada masa pemerintahan Permaisuri Elizabeth, yang menerbitkan majalah musik khusus.

Pada akhir abad ke-18, gitar enam senar muncul di Rusia. Segera dia menjadi populer di semua lapisan masyarakat. Sekolah pertama yang memainkan alat musik ini dan berbagai edisi musik dicetak. Sekolah tertua yang diterbitkan di Rusia adalah "Sekolah Gitar yang Ditingkatkan untuk Enam Senar, atau Panduan Bermain Gitar Otodidak" oleh Ignatius von Geld. Dia pergi ke awal XIX abad dalam bahasa Rusia dan Jerman.
Pada periode yang sama, "Etudes" dan "Four Sonatas" untuk piano dan gitar enam senar oleh virtuoso terkenal, komposer dan guru P. Galyani, "Majalah baru untuk gitar enam senar" oleh A. Berezovsky, "Konser untuk enam senar" -gitar senar diiringi orkestra" diterbitkan di komponis St. Petersburg Ashanin (1815).
Pada tahun 1821 - 1823 "Akademi Musik" dibuka di Moskow dan Nizhny Novgorod, di mana anak laki-laki dan perempuan belajar bermain gitar. Virtuoso gitar Rusia yang luar biasa muncul - M. Sokolovsky, N. Makarov, V. Lebedev.

Vysotsky Mikhail Timofeevich (sekitar 1791-1837)

Gitaris dan komposer gitar virtuoso Rusia. Dia belajar gitar dengan S. N. Aksenov. Dia menyukai musik klasik, terutama Bach, yang fugue-nya dia coba transkrip untuk gitar. Ini tercermin dalam gaya komposisi gitarnya yang serius dan mulia: sebagian besar fantasi dan variasi dalam bahasa Rusia tema rakyat(siklus variasi 4-5, dibingkai oleh "screensaver" dan "akhiran"), ada juga aransemen untuk bagian gitar oleh V.A. Mozart, L. van Beethoven, J. Field (dengan siapa musisi itu dekat), dan lain-lain, 83 dicetak; "Sekolah Praktis dan Teoretis untuk Gitar" (1836) juga diterbitkan.

Makarov Nikolai Petrovich (1810-1890)

Gitaris virtuoso Rusia, propagandis aktif seni gitar.
Lahir di kota Chukhloma, provinsi Kostroma. Dia menghabiskan masa kecilnya di perkebunan ayah dan bibinya M.P. Volkonskaya. Menjabat sebagai perwira di ketentaraan.
Memainkan biola sejak kecil. Pada usia dua puluh delapan tahun, dia menjadi tertarik pada gitar dan, berlatih sepuluh hingga dua belas jam sehari, segera mencapai kesuksesan yang signifikan.
Konser pertama Makarov berlangsung pada tahun 1841 di Tula, di Aula Majelis Bangsawan, di mana ia memainkan bagian pertama dari Konser ke-3 Giuliani.
Pada tahun 1852, Makarov pergi ke luar negeri, di mana dia bertemu dengan gitaris terbesar di Eropa: Tsani de Ferranti, Carcassi, Kost, Mertz, master gitar Scherzer. Pada tahun 1856, di Brussel, dia menyelenggarakan Kompetisi Internasional ke-1 untuk komposisi terbaik untuk gitar dan instrumen terbaik, di mana dia tampil sebagai solois dengan sukses besar. Hadiah pertama untuk komposisi terbaik diberikan kepada J.K. Mertz, hadiah kedua untuk N. Kost, hadiah pertama untuk instrumen terbaik untuk master Austria I. Scherzer, hadiah kedua untuk master Rusia I. Arhuzen. N. Makarov meninggal di desa Funtikovo-Rozhdestvenskoye, Wilayah Tula.

Sokolovsky Mark Danilovich (1818-1883)

Lahir di Ukraina dekat Zhytomyr. Saya belajar bermain gitar sendiri, mengikuti Sekolah Giuliani, Leniani dan Mertz.
Pada tahun 1841 dia memberikan konser solo pertamanya di Zhitomir, di mana dia membawakan Concerto in E Minor oleh F. Carulli. Pada tahun 1846 ia mengadakan konser tunggal di aula Majelis Mulia. Konser tersebut sukses besar dan dihadiri oleh lebih dari seribu orang.
Pada tahun 1858 Sokolovsky pergi ke luar negeri. Dengan sukses besar adalah konsernya di Wina. Pada tahun 1863-1868 ia melakukan tur kemenangan ke kota-kota besar Eropa: Paris, London, Berlin, Brussel, Dresden, Milan, Krakow, Warsawa. Mereka memanggilnya "Artis Hebat" di Jerman, "Paganini of the Guitar" - di Inggris, "Kosciuszko of Guitarists" - di Polandia.
Pada tanggal 25 Januari 1869, Sokolovsky mengadakan konser di aula Teater Bolshoi yang ramai. Konser perpisahannya (karena sakit) berlangsung pada tahun 1877 di St. Petersburg, di aula Court Singing Chapel.
Sokolovsky menghabiskan tahun-tahun terakhir hidupnya di Vilna (Vilnius), terlibat dalam kegiatan pedagogis. Pukulan besar baginya adalah penolakan N. Rubinstein untuk membuka kelas gitar di Moscow Conservatory.
Mark Sokolovsky meninggal pada tahun 1883 di Vilna dan dimakamkan di pemakaman Rasu di Vilna; tidak jauh dari situ, seniman dan komposer Lituania yang terkenal Mikaelius Konstintinis Čiurlionis kemudian dimakamkan.

Lebedev Vasily Petrovich (1867-1907)

Lahir di provinsi Samara. Seorang murid dari gitaris terkenal Rusia I. Dekker-Schenk.
Berhasil mengadakan konser di St. Petersburg dan kota-kota lain di Rusia. Pada tahun 1900 ia tampil dengan orkestra alat musik rakyat Rusia VV Andreev di Paris, di Pameran Dunia. Pers mencatat kesuksesan besar artis tersebut. Lebedev adalah pemain gitar pertama dalam Kuartet N. Paganini untuk Gitar, Biola, Viola, dan Cello. Dia mengajar di St. Petersburg di Museum Pedagogis dan di beberapa bagian distrik militer. Meninggal di Petersburg.

menolak

Pada paruh kedua abad ke-19, seni gitar menurun. Opera, simfoni, dan musik instrumental, yang mencapai puncaknya, menurunkan gitar ke latar belakang dan menunda perkembangannya selama beberapa dekade. Tetapi mode dan selera borjuis kecil yang telah menyebar ke semua lapisan masyarakat ini berkontribusi lebih besar lagi. Menurut ekspresi kiasan Segovia, gitaris terbesar abad ke-20, "gitar digantung di dinding penata rambut", tujuan utamanya adalah pengiring primitif untuk lagu dan roman, para musisi tidak lagi menganggap gitar sebagai instrumen yang serius. . Banyak tradisi lama menjadi sia-sia, catatan dan manuskrip langka yang tak terhitung jumlahnya telah musnah; pemain dan komposer berbakat menjadi semakin berkurang - amatir dan ketidaktahuan menyapu seni gitar.
Penurunan menyebar ke semua negara Eropa, tetapi kurang dari yang lain, itu menyentuh Spanyol, di mana kebangkitan baru gitar dimulai.
Musisi yang mengembalikan nama baik gitar dan mengangkat seninya ke ketinggian baru yang sampai sekarang tak terlihat adalah Francisco Eschea Tarrega, seorang gitaris virtuoso Spanyol yang luar biasa, komposer, pendiri sekolah permainan gitar modern.

kelahiran kembali

Tarrega-Eshea Francisco (1852 - 1909)

Gitaris dan komposer virtuoso Spanyol yang luar biasa, pendiri sekolah bermain gitar Spanyol. Lahir 21 November 1852, meninggal 5 Desember 1909. Dia telah bermain gitar sejak kecil. Kemampuan musik Tarrega menarik perhatian, dan dengan dukungan keluarga kaya, dia berhasil pergi ke Madrid dan pada Oktober 1874 masuk ke konservatori, dari mana dia lulus dengan cemerlang dalam dua spesialisasi - piano dan komposisi. Terlepas dari kemampuan pianistiknya yang bagus, Tarrega lebih menyukai gitar, dalam permainan yang sangat dia tingkatkan sehingga dia memutuskan untuk mengadakan konsernya sendiri di teater Alhambra di Madrid. Kesuksesan besar yang mengiringi penampilan ini menyelesaikan masalah sepenuhnya - Tarrega menjadi gitaris. Perjalanan konser ke Prancis, Italia, Austria, Belanda, dan negara lain menegaskan kemampuan luar biasa dari sang gitaris. Pers membandingkan Tarrega dengan pemain kontemporer terbesar - pemain biola Pablo de Sarasate dan pianis Anton Rubinstein.

Barrios (Mangori) Agustinus (Agustin Barrios Mangore 23/05/1885-08/07/1944)

Gitaris virtuoso Paraguay yang brilian, yang kepentingannya diapresiasi penuh hampir 50 tahun setelah kematiannya. Lahir dari keluarga musisi, di mana selain Agustinus, ada tujuh anak lagi. Dia mulai bermain gitar sangat awal. Guru pertama adalah Gustavo Escalda, yang memperkenalkan gitaris muda itu ke dunia musik oleh Sor, Tarrega, Aguado dan komposer lain yang karyanya menjadi dasar repertoar gitar tradisional. Pada usia 13 tahun, dengan memperhatikan bakat luar biasa dari anak tersebut, yang telah terwujud di banyak bidang (dia sangat pandai menggambar, memiliki kemampuan matematika dan bakat sastra yang luar biasa), dia dikirim untuk belajar di National College di Asuncion.
Pada tahun 1910, Barrios, yang saat itu sudah dikenal sebagai gitaris virtuoso, meninggalkan Paraguay dan pergi ke Argentina. Selama 34 tahun berikutnya dia berkeliling benua Amerika Selatan, mengadakan konser di kota-kota Argentina, Uruguay, Brasil, Venezuela, Kosta Rika, dan El Salvador. Dia juga melakukan perjalanan ke Chili, Meksiko, Guatemala, Honduras, Panama, Kolombia, Kuba, dan Hawaii. Antara tahun 1934 dan 1936 perjalanannya ke Eropa terjadi - dia bermain di Spanyol, Jerman dan Belgia.
Pada tahun 1932, Barrios sendiri mulai menyebut dirinya "Nitsuga Mangori - gitar Paganini" (Nitsuga adalah pembacaan terbalik dari Agustinus, dan Mangori adalah nama pemimpin legendaris suku Indian Guarani). Sekitar pertengahan 30-an, Barrios mulai mengalami masalah kesehatan - penyakit jantung tidak lagi memungkinkannya melakukan perjalanan konser yang panjang dan berat. Dia menghabiskan tahun-tahun terakhir hidupnya di San Salvador, ibu kota negara bagian kecil Amerika Tengah El Salvador, mengajar dan menggubah musik, hanya sesekali melakukan konser gitar solo.
Mangori bukan hanya pemain yang luar biasa, tetapi juga seorang komposer, yang memiliki lebih dari 300 karya gitar, banyak di antaranya dianggap hari ini di antara karya-karya terbaik pernah ditulis untuk gitar solo.

Vila-Lobos Heitor (Heitor Villa-Lobos 1887 - 1959)

Komposer Brasil yang luar biasa, penikmat cerita rakyat musik, konduktor, guru. Lahir 5 Maret 1887, meninggal 17 November 1959. Mengambil pelajaran dari F. Braga. Pada 1905-1912 ia berkeliling negeri, mempelajari kehidupan rakyat, cerita rakyat musik (merekam lebih dari 1000 melodi rakyat). Sejak 1915 ia tampil dengan konser penulis.
Pada tahun 1923-30. tinggal terutama di Paris, berkomunikasi dengan komposer Prancis. Pada tahun 1930-an, dia berhasil mengatur sistem pendidikan musik terpadu di Brasil, mendirikan sejumlah sekolah musik dan paduan suara. Vila-Lobos adalah penulis alat bantu pengajaran khusus ("Panduan Praktis", "Choral Singing", "Solfeggio", dll.), Karya teoretis "Pendidikan Musik". Dia juga bertindak sebagai konduktor, mempromosikan musik Brasil di tanah airnya dan di negara lain. Dia menerima pendidikan musiknya di Paris, di mana dia bertemu A. Segovia dan kepada siapa dia kemudian mengabdikan semua komposisinya untuk gitar. Komposisi gitar Vila-Lobos sangat menonjol karakter bangsa, ritme dan harmoni modern di dalamnya terkait erat dengan lagu dan tarian asli orang India Brasil dan orang kulit hitam. Kepala Sekolah Komponis Nasional. Pemrakarsa penciptaan Akademi Musik Brasil (1945, presidennya). Mengembangkan sistem pendidikan musik untuk anak-anak. Dia menulis 9 opera, 15 balet, 20 simfoni, 18 puisi simfoni, 9 konser, 17 kuartet gesek; 14 "Shoros" (1920-29), "Brazilian Bahian" (1944) untuk ansambel instrumental, paduan suara yang tak terhitung banyaknya, lagu, musik untuk anak-anak, aransemen sampel cerita rakyat, dll. - total lebih dari seribu yang paling beragam komposisi.

Segovia Andres (1893-1987)

Gitaris dan guru Spanyol yang luar biasa. Ia lahir di Andalusia, di kota Linares, pada tanggal 21 Februari 1893, dan beberapa minggu kemudian keluarganya pindah ke Jaen. Seni improvisasi yang indah dari gitaris folk Andalusia dan budaya asli negeri kuno ini sangat memengaruhi sikapnya.
Pada tahun 1910, konser publik pertama Andres Segovia, yang diselenggarakan oleh teman-temannya, berlangsung di "Pusat Artistik" Granada.
Pada tahun 1915, Segovia bertemu dengan gitaris Miguel Llobet, berkat siapa dia dapat mengadakan konser di Barcelona pada Januari 1916. Namun, mereka tidak berusaha membiarkan gitar masuk ke aula besar. Dia bukanlah alat musik yang populer, dan semua orang merasa bahwa kekuatan suaranya tidak cukup, dan dia tidak akan terdengar di ruangan besar.
Titik balik nasib gitar adalah konser di Palau Chamber Music di Barcelona, ​​​​di mana Segovia akhirnya mendapat izin untuk tampil. Keindahan suara gitar akustik benar-benar menyihir para pendengarnya.
Suasana Renacimiento, gerakan kebangkitan tradisi rakyat dalam musik dan budaya Spanyol, berkontribusi pada kesuksesan Segovia selanjutnya. Selama enam tahun berikutnya, sang gitaris mendapatkan pengakuan atas instrumennya tidak hanya di ruang konser Madrid dan Barcelona, ​​​​tetapi juga di kota-kota lain di Spanyol. Untuk ini harus ditambahkan keberhasilan dua tur ke Amerika Selatan pada tahun 1919 dan 1921.
Tahun 20-an abad ke-20 menjadi masa lahirnya era baru dalam seni gitar dan awal pengakuan dunia akan Segovia. Setiap pertunjukan Segovia dianggap sebagai keajaiban, sebagai penemuan sesuatu yang baru. Dia berusaha mengatasi stereotip dan menetapkan gitar sebagai instrumen solo.
Tiga kali, pada tahun 1926, 1927, 1935-1936, dia datang ke Uni Soviet dan dengan kesuksesan yang konstan mengadakan konser di Moskow, Leningrad, Kyiv dan Odessa. Segovia tampil tidak hanya dengan konser, tetapi juga bertemu dengan gitaris lokal, mendengarkan permainan mereka, melakukan percakapan metodis dan membuka pelajaran. Ini juga mempengaruhi perkembangan seni gitar di Uni Soviet: setelah tur, banyak musisi profesional mulai melihat gitar sebagai instrumen yang layak dipelajari secara serius. Hasilnya adalah dibukanya kelas gitar di sekolah musik (kemudian sekolah teknik), serta di universitas musik perorangan. P. S. Agafoshin adalah pendukung setia Segovia, yang merupakan orang pertama di Uni Soviet yang menciptakan "Sekolah Bermain Gitar Enam Senar", berdasarkan pedoman metodologis dari gitaris yang luar biasa. Dengan demikian, Segovia tidak hanya seorang seniman, tetapi juga seorang promotor aktif alat musiknya.

Gitar di Rusia 2

Agafoshin Petr (1874-1950)

Gitaris Rusia yang luar biasa, salah satu guru pertama dari gitar enam senar. P.S. Agafoshin lahir di desa Pirogovo, provinsi Ryazan, dari sebuah keluarga petani. Gairah untuk gitar diwarisi dari ayahnya (awalnya memainkan gitar tujuh senar). Setelah pindah ke Moskow, Petr Agafoshin meningkatkan permainannya sendiri pada alat musik favoritnya, hanya sesekali menggunakan saran dari guru, di antaranya adalah V. Rusanov, editor majalah Moskow "Gitaris. Peran penting dalam pengembangan artistik Agafoshin dimainkan oleh persahabatannya dengan artis V. I. Surikov dan D. E. Marten, penggemar gitar yang bersemangat. Berpartisipasi sebagai pemain di banyak konser. Diiringi penyanyi luar biasa F. Chaliapin, D. Smirnov, T. Ruffo. Pengakuan seni pertunjukan Agafoshin adalah undangan untuk berpartisipasi dalam opera Massenet "Don Quixote" di Teater Bolshoi pada tahun 1916, di mana ia menemani F.I. Chaliapin.
Pertemuan pada tahun 1926 dengan Segovia menginspirasi Agafoshin. Dia tidak melewatkan satu pun konser artis Spanyol, yang secara pribadi bertemu dengannya. "Setelah kepergian Segovia," tulis Agafoshin, "Saya segera mengatur ulang, melakukan penyesuaian yang diperlukan pada produksi saya, pada metode permainan. Dengan kedatangannya berikutnya pada musim semi tahun 1927, kondisi saya menjadi lebih seimbang, karena dengan ini waktu saya sendiri sudah agak Oleh karena itu, pengamatan saya lebih lanjut terhadap permainannya jauh lebih produktif, saya dapat memfokuskannya pada momen individu dan detail penampilannya, terutama bagian-bagian yang sedang dalam proses studi saya.
P.S. Agafoshin bekerja sebagai pemain orkestra di State Maly Theatre selama lebih dari 40 tahun. Pada 1930-1950 dia mengajar kursus gitar di Sekolah Musik. Revolusi Oktober dan Konservatorium Negara Moskow. Banyak gitaris Soviet terkenal adalah murid-muridnya (A. Ivanov-Kramskoy, E. Rusanov, I. Kuznetsov, E. Makeeva, Yu. Mikheev, A. Kabanikhin, A. Lobikov, dan lain-lain).

Alexander Ivanov-Kramskoy (1912 - 1973)

Gitaris, komposer, konduktor, guru Soviet Rusia terkemuka, penulis "School of Playing the Six-String Guitar", salah satu dari sedikit gitaris Soviet yang dianugerahi gelar Artis Terhormat RSFSR (1959). Lahir 26 Juli 1912 di Moskow. Belajar di Sekolah Musik dinamai menurut namanya Revolusi Oktober dengan Petr Spiridonovich Agafoshin (gitar enam senar), lalu di Moscow Conservatory (kursus pelatihan). Dia memainkan peran besar dalam pengembangan gitar enam senar di Rusia.
Dia tampil sebagai solois dan dalam ansambel dengan penyanyi (N. A. Obukhova, I. S. Kozlovsky). Sejak 1932 dia bekerja di All-Union Radio. Pada tahun 1939 ia menerima hadiah ke-2 di All-Union Competition for Performers on Folk Instruments. Pada tahun 1939-45. dirigen Ensemble Lagu dan Tarian NKVD Uni Soviet. Pada tahun 1947-52 dia menjadi konduktor Paduan Suara Rakyat Rusia dan Orkestra Instrumen Rakyat di All-Union Radio.
Penulis drama dan sekolah untuk gitar enam senar. Komposisi gitarnya (termasuk dua concerto untuk gitar dan orkestra) sangat populer di kalangan gitaris.
Kegiatan pedagogis A. M. Ivanov-Kramskoy berlanjut di Sekolah Musik Akademik di Konservatorium Moskow, di mana dari tahun 1960 hingga 1973 ia mengepalai kelas gitar, melatih banyak musisi berbakat. Kemudian dia mengajar di Institut Kebudayaan.
Alexander Mikhailovich Ivanov-Kramskoy adalah seorang tokoh musik dan publik terkemuka yang mencurahkan seluruh energinya untuk mempromosikan seni gitar. Setelah selama bertahun-tahun dilupakan, terima kasih kepada pemain dan guru yang luar biasa, gitar mendapatkan kembali status instrumen konser profesional dan mulai diajarkan di lembaga musik menengah dan tinggi di negara itu. Meninggal A.M. Ivanov-Kramskoy di Minsk selama tur. Ia dimakamkan di Moskow di pemakaman Vvedensky.

Komoliatov Nikolai (l. 1945)

Salah satu pemain gitar Rusia kontemporer terbaik, guru. Lahir tahun 1945 di kota Saransk, tahun 1962-70. belajar di sekolah, dan kemudian di Institut. Gnesins di kelas gitaris terkenal Rusia A. M. Ivanov-Kramskoy. Lulus dari Konservatorium Negara Bagian Ural. M.P. Mussorgsky. Sejak dibukanya kelas gitar di RAM. Gnesinykh bekerja sebagai guru, telah mempersiapkan banyak pemenang dari berbagai kompetisi selama bertahun-tahun. Saat ini dia adalah profesor kelas gitar di Akademi Musik Rusia. Gnesins.
Pada tahun 1996 ia menjadi pemenang kompetisi internasional di Festival Seni Amerika Latin. Dia adalah pemain pertama dari banyak karya komposer kontemporer. Firma "Melody" merilis dua disc solo dari pemain tersebut. Disk pertama terdiri dari etudes dan prelude oleh E. Vila-Lobos, dan yang kedua termasuk karya P. Panin (Dua etudes, Dua prelude, Dance of the Shaman dan Humoresque) dan suite I. Rekhin "In Memory of E. Vila -Lobo".
Dalam review konser N. Komoliatov, pers mencatat kekayaan timbre dari instrumen dan teknik virtuoso, keanggunan dan kehalusan selera artistik musisi.
Atas prestasi luar biasa di bidang seni gitar, N. Komoliatov dianugerahi gelar Artis Terhormat Rusia. Selama lebih dari 25 tahun ia telah menjadi solois dari Moscow State Philharmonic.

YerzunovV Viktor (lahir 1945)

gitaris, komposer, guru musik. Lahir pada tahun 1945 di Saransk. Ayah meninggal di depan. Kemampuan musik muncul lebih awal, tetapi tidak ada kesempatan untuk belajar.
Dia mulai belajar bermain hanya pada usia 17 tahun, di halaman. Kami puas dengan tiga akord utama... Titik baliknya adalah perkenalan dengan Nikolai Komoliatov, satu-satunya orang di Saransk yang belajar dengan Alexander Mikhailovich Ivanov-Kramskoy. Saya masih ingat pendahuluan pertama Vila-Lobos, yang dia mainkan saat pertemuan pertama kami.
Dan kemudian pelatihan dilanjutkan dengan bantuan manual instruksi mandiri untuk bermain gitar dan "melalui korespondensi". Nikolai Komoliatov, yang kemudian bertugas sebagai pelaut dan bermain dalam ansambel Armada Pasifik, merekam pada tape recorder dalam penampilannya sendiri karya-karya itu, catatan yang dimiliki Victor, dan mengirimkannya melalui pos dari Vladivostok. Jadi, "dengan telinga", dia memahami not-not itu, memainkan model gurunya yang jauh. Pada tahun 1963, setelah lulus sekolah, ia bekerja sebagai tukang perakitan di pabrik Elektrovypryamitel. Dia berhasil bermain gitar bahkan saat istirahat makan siang, dan setelah bekerja - hingga gelap di malam hari. Saya menyiapkan program untuk masuk sekolah musik sendiri. Saya tidak masuk sekolah di Moscow Conservatory, karena sesuai perintah Kementerian Kebudayaan tahun itu ada sekumpulan siswa dari Kazakhstan dan Uzbekistan. Tetapi pada tahun yang sama, kelas kecil gitar enam senar dibuka di Sekolah Gnessin di Departemen Instrumen Rakyat. Dua dari tiga puluh pelamar diterima. Salah satunya adalah Viktor Erzunov. Setelah 3,5 bulan belajar, Viktor direkrut menjadi anggota Tentara Soviet, di mana dia bertugas di unit tempur selama tiga tahun. Sekembalinya ke sekolah, dia belajar sepuluh jam sehari untuk mengejar ketinggalan. Pada saat yang sama, ia mulai memperoleh pengalaman mengajar pertamanya. Ia sendiri yang memilih repertoar untuk para siswanya guna menanamkan selera musik yang baik dalam diri mereka.
Guru V. Yerzunov, Boris Khlopovsky, pergi bermain di Mosconcert dan merekomendasikan murid terbaiknya untuk pekerjaan mengajar. Lowongan guru gitar yang kosong diadakan selama enam bulan untuk Viktor Alekseevich, saat dia sedang menyelesaikan studinya. Pada tahun 1971 dia mulai bekerja di Musical College. Gnesins. Pada saat yang sama, atas undangan Marina Davydovna Khidekel, dia membuka kelas gitar di Sekolah Seni Chernogolovskaya.
Karya pertama milik master yang sudah matang, dipilih setelah bertahun-tahun diuji oleh waktu, diterbitkan pada tahun 1989 dalam "Koleksi Repertoar Pedagogis untuk Gitar" bersama dengan karya klasik. Koleksi "Album Gitaris" karya Viktor Yerzunov sendiri untuk sekolah musik anak-anak juga telah dirilis.

Vinitsky Alexander
(b.1950)

Gitaris Rusia, komposer, guru musik. Pemenang kompetisi internasional. Lulusan Akademi Musik Rusia. Gnesins. Dia mengajar di State Musical College. Gitar klasik Gnessin, melakukan konser solo, menulis musik untuk gitar, mengadakan seminar dan kelas master dengan topik "Gitar klasik dalam jazz". Berpartisipasi dalam festival internasional musik gitar dan jazz, berhasil tampil di luar negeri dan di kota-kota besar Rusia. Dalam program konser Alexander Vinitsky, komposisi penulis terdengar, digabungkan gaya yang berbeda, serta aransemen musik oleh Gershwin, Jobim, Bonff, Gilberto, Powell, Porter, Rodgers, dan komposer lainnya. Direkam 7 disc. Dia menerbitkan karya-karyanya di penerbit musik besar dunia. Dia telah berulang kali menjadi ketua dan anggota juri kompetisi gitar klasik internasional di Prancis, Polandia, dan Rusia.

Frauchi Alexander (b. 1954)

Salah satu pemain gitar klasik Rusia terbaik. Lahir di Rostov pada tahun 1954. Dia mulai mengambil langkah pertamanya dalam musik di bawah bimbingan ayahnya, Camille Arturovich Frauchi, seorang pemain biola terkenal dan, seperti yang mereka katakan, seorang gitaris dan guru yang luar biasa. Dia belajar di Central Music School di Conservatory. Tchaikovsky di Moskow di kelas N. A. Ivanova-Kramskaya dan di Conservatory. Mussorgsky di Sverdlovsk dengan G. Mineev. Pada tahun 1979 ia memenangkan hadiah pertama di kompetisi musik nasional pemain di Leningrad, dan pada tahun 1986 - hadiah pertama di Kompetisi Gitar Internasional di Havana (Kuba). Dia telah memberikan konser solo dan mengadakan kelas master di Jerman, Prancis, Belgia, Inggris Raya, AS, Austria, Italia, Yugoslavia, Polandia, Kuba, Hongaria, Republik Ceko, Bulgaria, Turki, dan Yunani. Alexander Frauchi berulang kali diundang sebagai anggota juri di kompetisi internasional gitaris. Sebuah rekaman dirilis oleh perusahaan Melodiya, serta CD-ROM (1994) dengan rekaman karya Nikita Koshkin.
Artis Terhormat Rusia, guru musik, profesor di Akademi Musik Rusia (sebelumnya Institut Musik dan Pedagogis Gnessin) di Moskow.