Musik Spanyol: penyimpangan singkat. Acara dan cuaca di spanyol musik instrumental Renaisans

Untuk waktu yang lama di bawah pengaruh gereja adalah musik Spanyol, di mana reaksi feodal-Katolik merajalela. Betapapun gencarnya serangan kontra-reformasi terhadap musik, kepausan tidak berhasil mengembalikan posisi semula sepenuhnya. Hubungan borjuis yang mapan mendikte tatanan baru.

Di Spanyol, tanda-tanda Renaisans terlihat jelas pada abad ke-16, dan prasyarat untuk ini, tampaknya, muncul lebih awal. Diketahui bahwa pada abad ke-15 sudah ada ikatan musik yang kuat dan lama antara Spanyol dan Italia, antara kapel Spanyol dan para komposer yang menjadi bagian dari mereka - dan kapel kepausan di Roma, serta kapel-kapel di Duke of Burgundy dan Duke of Sforza di Milan, belum lagi orang Eropa lainnya pusat musik. Sejak akhir abad ke-15, Spanyol, seperti diketahui, berkat kombinasinya kondisi historis(akhir penaklukan kembali, penemuan Amerika, ikatan dinasti baru di Eropa), memperoleh kekuatan besar di Eropa Barat, sementara pada saat yang sama tetap menjadi negara Katolik konservatif dan menunjukkan agresivitas yang cukup besar dalam merebut wilayah asing (yang kemudian dialami sepenuhnya oleh Italia). ). Musisi Spanyol terbesar abad ke-16, seperti sebelumnya, melayani gereja. Saat itu mereka mau tidak mau merasakan pengaruh aliran polifonik Belanda dengan tradisinya yang sudah mapan. Dikatakan bahwa perwakilan terkemuka dari sekolah ini mengunjungi Spanyol lebih dari sekali. Di sisi lain, master Spanyol, dengan sedikit pengecualian, terus-menerus bertemu dengan komposer Italia dan Belanda ketika mereka meninggalkan Spanyol dan bekerja di Roma.

Hampir semua musisi besar Spanyol cepat atau lambat menemukan diri mereka di kapel kepausan dan berpartisipasi dalam aktivitasnya, dengan demikian menguasai tradisi akar polifoni ketat dalam ekspresi ortodoksnya dengan lebih kuat. Komposer Spanyol terbesar Cristobal de Morales (1500 atau 1512-1553), terkenal di luar negaranya, adalah anggota kapel kepausan di Roma pada 1535-1545, setelah itu ia mengepalai metriza di Toledo, dan kemudian kapel katedral di Malaga .

Morales adalah seorang polifonis besar, penulis massa, motif, himne, dan vokal lainnya karya paduan suara. Arah karyanya dibentuk atas dasar sintesis tradisi asli Spanyol dan penguasaan polifonik Belanda dan Italia saat itu. Selama bertahun-tahun (1565-1594) perwakilan terbaik tinggal dan bekerja di Roma generasi selanjutnya Master Spanyol Thomas Luis de Victoria (c. 1548-1611), yang secara tradisional, tetapi tidak terlalu akurat dikaitkan dengan sekolah Palestrino. Komposer, penyanyi, organis, bandmaster, Victoria menciptakan massa, motets, mazmur, dan komposisi spiritual lainnya dengan gaya polifoni cappella yang ketat, lebih dekat ke Palestrina daripada ke Belanda, tetapi masih tidak bertepatan dengan Palestrinosa - master Spanyol memiliki pengekangan yang kurang ketat dan lebih banyak ekspresi. Selain itu, dalam karya-karya Victoria selanjutnya, ada juga keinginan untuk mendobrak "tradisi Palestina" demi mendukung multi-paduan suara, pertunjukan konser, kontras timbre, dan inovasi lainnya, yang kemungkinan besar berasal dari sekolah Venesia.

Komposer Spanyol lainnya, yang bekerja terutama di bidang musik sakral, kebetulan juga adalah penyanyi sementara kapel kepausan di Roma. Pada 1513-1523, A. de Ribera menjadi anggota kapel, sejak 1536 B. Escobedo menjadi penyanyi di sana, pada 1507-1539 - X. Escribano, beberapa saat kemudian - M. Robledo. Semuanya menulis musik sakral polifonik dengan gaya yang ketat. Hanya Francisco Guerrero (1528-1599) yang selalu tinggal dan bekerja di Spanyol. Meski demikian, massa, motets, lagunya juga sukses di luar negeri, kerap menarik perhatian para pemain kecapi dan vihueli sebagai bahan aransemen instrumental.

Dari genre vokal sekuler, yang paling umum di Spanyol pada waktu itu adalah lagu polifonik genus Villancico, terkadang lebih polifonik, terkadang lebih condong ke arah homofoni, asal-usulnya terkait dengan kehidupan sehari-hari, tetapi perkembangan profesional masa lalu. Namun, esensi genre ini harus dibahas tanpa memisahkannya dari musik instrumental. Villancico abad ke-16 paling sering berupa lagu yang diiringi oleh vihuela atau kecapi, ciptaan pemain dan komposer utama untuk instrumen pilihannya.

Dan di villancicos yang tak terhitung jumlahnya, dan secara umum dalam musik sehari-hari Spanyol, melodi nasional sangat kaya dan khas - asli, mempertahankan perbedaannya dari melodi Italia, Prancis, dan terlebih lagi melodi Jerman. Melodi Spanyol telah membawa karakteristik ini selama berabad-abad, menarik perhatian tidak hanya nasional, tetapi juga komposer asing hingga zaman kita. Tidak hanya struktur intonasinya yang khas, tetapi ritmenya sangat orisinal, ornamen dan cara improvisasinya orisinal, keterkaitan dengan gerak tariannya sangat kuat. Karya ekstensif Francisco de Salinas "Tujuh Buku tentang Musik" (1577) yang disebutkan di atas berisi banyak melodi Kastilia yang menarik perhatian musisi terpelajar terutama dari sisi ritmisnya. Fragmen-fragmen melodi singkat ini, kadang-kadang hanya meliputi rentang sepertiga, secara mengejutkan menarik dalam hal iramanya: sinkopasi yang sering dalam berbagai konteks, jeda tajam dalam irama, tidak adanya motorik dasar sama sekali, aktivitas perasaan ritmis yang umumnya konstan, tidak ada inersia dari dia! Kualitas yang sama diadopsi dari tradisi rakyat oleh genre vokal sekuler, terutama oleh viljancico dan jenis lagu lainnya yang diiringi oleh vihuela.

Genre instrumental di Spanyol diwakili secara luas dan independen oleh karya komposer organ, dipimpin oleh yang terbesar di antara mereka Antonio de Cabezon (1510-1566), serta seluruh galaksi vihuelalist brilian dengan segudang karya mereka, sebagian terkait dengan melodi vokal dari berbagai asal (dari lagu daerah dan tarian hingga komposisi spiritual). Kami akan secara khusus kembali kepada mereka di bab tentang musik instrumental Renaisans, untuk menentukan tempat mereka dalam perkembangan umumnya.

Tahap awal dalam sejarah teater musikal Spanyol juga berasal dari abad ke-16, yang berasal dari akhir abad sebelumnya atas prakarsa penyair dan komposer Juan del Encina dan sudah ada sejak lama. Teater Drama dengan partisipasi musik yang besar di tempat-tempat aksi yang khusus ditujukan untuknya.

Terakhir, aktivitas ilmiah musisi Spanyol patut mendapat perhatian, di mana Ramis di Pareja telah diapresiasi atas kemajuan pandangan teoretisnya dan Francisco Salinas atas pertimbangannya tentang cerita rakyat Spanyol, yang unik pada masa itu. Kami juga menyebutkan beberapa ahli teori Spanyol yang mengabdikan karyanya pada masalah kinerja berbagai instrumen. Komposer, pemain (pada cello - bass viol da gamba), bandmaster Diego Ortiz menerbitkan "Treatise on Glosses" 1553 di Roma, di mana dengan cara yang paling detail memperkuat aturan variasi improvisasi dalam ansambel (biola dan harpsichord). Organis dan komposer Thomas de Sancta Maria menerbitkan di Valladolid risalah "The Art of Playing Fantasy" (1565) - upaya untuk secara metodis menggeneralisasi pengalaman improvisasi pada organ: Juan Bermudo, yang menerbitkan "Declaration of Musical Instruments" di Grenada (1555), membahas di dalamnya, selain informasi tentang instrumen dan memainkannya, beberapa pertanyaan tentang penulisan musik (dia keberatan, khususnya, dengan polifoni yang berlebihan).

Dengan demikian, seni musik Spanyol secara keseluruhan (bersama dengan teorinya), tidak diragukan lagi, mengalami Renaisans pada abad ke-16, mengungkapkan ikatan artistik tertentu dengan negara lain pada tahap ini, dan perbedaan signifikan karena tradisi sejarah dan modernitas sosial Spanyol. diri.

KONSERVATORI NEGARA MOSKOW mereka. PI TCHAIKOVSKY

DEPARTEMEN INSTRUMENTASI

Sebagai manuskrip

BAYAKHUNOVA Leyla Bakirovna

GAMBAR SPANYOL DALAM BUDAYA MUSIK RUSIA DAN PRANCIS XIX - sepertiga pertama abad XX.

Keistimewaan 17.00.02 - Seni musik

Moskow, 1998

Pekerjaan itu dilakukan di Departemen Instrumentasi Konservatorium Negara Bagian Moskow dinamai P.I. Tchaikovsky.

Supervisor - Lawan Resmi -

Organisasi pimpinan -

Doktor Sejarah Seni, Profesor Barsova I.A.

Doktor Sejarah Seni, Profesor Tsareva E.M.

Doktor Sejarah Seni Shakhnazarova N.G.

Konservatorium Negara Bagian Nizhny Novgorod dinamai M. Glinka.

Pembelaan akan berlangsung "....."......... 1998 pada ........ jam

pertemuan dewan khusus D. 092. 08. 01 tentang pemberian) gelar akademik di Moscow State Conservatory dinamai P.I. Tchaikovsky (103871, Moscow, B. Nikitskaya st., 13).

Disertasi dapat ditemukan di perpustakaan Moscow State Conservatory. PI Tchaikovsky.

Sekretaris Ilmiah Dewan Khusus

Moskow Yu.V.

gambaran umum pekerjaan

Relevansi topik.

Masalah interaksi antarbudaya, salah satu yang terpenting dalam pengetahuan kemanusiaan, dipecahkan dalam disertasi tentang contoh tema Spanyol, yang diimplementasikan dalam seni musik Rusia dan Prancis pada abad ke-19 - sepertiga pertama abad ke-20. Literatur ilmiah yang tersedia terutama menyentuh poin-poin yang berkaitan dengan gaya musik komposer tertentu yang beralih ke materi asing. Namun, aspek yang kami pilih memungkinkan kami untuk melihat peran tema Spanyol dalam perspektif budaya yang berbeda, yang semakin memperkuat posisinya dalam musikologi modern.

Maksud dan tujuan penelitian ini adalah untuk memahami hakikat refleksi tema Spanyol dalam hubungan antara pandangan estetik dan artistik serta implementasi konkrit melalui teknik komposer; untuk menganalisis sampel yang dipilih dari sudut pandang hubungan antara elemen Spanyol dan gaya penggubah individu. Cobalah menembus laboratorium kreatif sang komposer yang beralih ke materi asing. Dengan demikian, untuk memusatkan perhatian pada “pertemuan” kesadaran komposer dan cerita rakyat dalam sebuah karya musik.

Pekerjaan metodologis. Disertasi ini menggunakan metode penelitian komparatif. Individualitas solusi artistik dalam setiap karya yang dianalisis, di satu sisi, dan kesamaan tema, di sisi lain, memungkinkan kita seluruh baris aspek untuk dibandingkan. Penulis tidak hanya mencari perbandingan mekanis dari beberapa fenomena dengan yang lain, tetapi untuk mengidentifikasi kemungkinan persimpangan, pengaruh terbuka yang ditemukan baik dalam pemulihan hubungan langsung Rusia dan Prancis dengan budaya Spanyol, dan budaya Rusia dan Prancis di antara mereka sendiri. Metode komparatif digunakan dalam disertasi dalam dua aspek:

a) Musik rakyat Spanyol dan refleksinya dalam karya komposer profesional

b) interpretasi yang berbeda dari tema Spanyol di Rusia dan Prancis (baik itu persepsi estetika, atau fitur bahasa musik, atau fitur kontinuitas).

Kebaruan ilmiah. Pandangan holistik dari masalah yang dinyatakan memungkinkan Anda untuk melampaui pernyataan fakta atau masalah yang terkait dengan satu karya, untuk mengidentifikasi fitur-fitur yang melekat di dalamnya secara keseluruhan, dan akhirnya, untuk melakukan sejumlah ide lintas sektoral melalui keseluruhan studi, didorong oleh studi sampel artistik. Perhatian terhadap musik Spanyol dalam berbagai aspeknya membutuhkan pendalaman gagasan tentang cerita rakyat Spanyol. Metode komparatif yang kami gunakan memungkinkan untuk menemukan mekanisme penetrasi cerita rakyat Spanyol ke dalam gaya individual pengarangnya.

Persetujuan. Nilai praktis dari pekerjaan. Disertasi tersebut dibahas pada pertemuan Departemen Instrumentasi Konservatorium Moskow dan direkomendasikan untuk pertahanan (19/12/1997). Disertasi ini mungkin berguna untuk mata kuliah sejarah Rusia dan musik asing, cerita rakyat, studi budaya, musik negara-negara non-Eropa, sejarah gaya orkestra, serta untuk penelitian ilmiah lebih lanjut.

Struktur dan ruang lingkup pekerjaan. Disertasi terdiri dari pengantar, empat bab dan kesimpulan, catatan, daftar referensi dan contoh musik. Bab pertama dikhususkan untuk citra Spanyol dalam budaya Eropa. Yang kedua berjudul “Beberapa Keanehan Cerita Rakyat Spanyol. Persepsinya dalam budaya musik Rusia dan Eropa Barat. Yang ketiga dan keempat dikhususkan untuk tema Spanyol dalam musik Rusia dan Prancis dan terdiri dari beberapa bagian yang mempertimbangkan masalah ini pada contoh komposisi individu.

Pendahuluan menjelaskan ruang lingkup, tugas dan materi disertasi. Topik penelitian ini berkaitan dengan permasalahan sastra bandingan. Di antara bidang utamanya, kritikus sastra Rumania A. Dima memilih kategori topik yang berkaitan dengan tempat geografis yang paling sering ditemukan dalam sastra dunia: Roma, Venesia, Italia, Pyrenees, dll. Gambar "kota mati", Venesia , muncul, misalnya, dalam tragedi T. Otuela "Venesia yang Diselamatkan atau Konspirasi yang Diungkapkan", diterjemahkan dan direvisi oleh G. von Hofmannsthal ("Venesia yang Diselamatkan"), dalam cerita T. Mann "Kematian di Venesia", oleh A. Barres di karya "Amori et dolori sacrum", di mana dia menceritakan tentang masa tinggal I.V. Goethe, Chateaubriand, J.G. Byron, A. de Musset, J. Sand, R. Wagner. “Kami jauh dari berpikir bahwa identitas tempat memberikan dasar untuk menegaskan identitas tema. (...) Hanya motif pengaruh iklim spiritual yang tetap umum. kota Italia pada masing-masing pahlawan atau penulis".

Citra Spanyol dalam budaya Eropa memberikan analogi yang terkenal untuk kategori tema ini. Namun, ada beberapa keanehan di sini juga. Bagi orang Eropa, khususnya musisi, cukup sulit untuk mendefinisikan apa itu bahasa Spanyol. Seni rakyat Spanyol, dengan banyak dialek musiknya, mengandung orisinalitas bahasa musik yang begitu kuat sehingga seni Eropa, yang lahir dalam tradisi lain, seringkali tidak dapat menembusnya sepenuhnya, atau mengulanginya dalam semua keasliannya. Alasan untuk ini adalah kedalaman subjek, yang tidak memungkinkan seseorang dengan kesadaran dan asuhan Eropa, sering digantikan oleh klise dari tanda-tanda tertentu.

Inti dari pertanyaan itu terletak pada keberadaan dan pertemuan di masing-masing karya "dua pikiran" ini. Diungkapkan dalam kaitannya dengan sastra, gagasan M. Bakhtin ini menurut kami dapat diterapkan secara lebih luas pada kreativitas secara umum, termasuk musik. Jika kesadaran populer tidak menyanjung diri sendiri dengan harapan memahami yang profesional, yang kedua (profesional, komposer), sebaliknya, secara aktif berupaya menguasai rakyat dalam genre dan bentuk yang dapat diakses olehnya, menemukan banyak solusi, individu

"peretasan" nyata ("kesadaran kedua yang tidak habis-habisnya, yaitu, kesadaran yang memahami dan merespons; itu mengandung potensi ketidakterbatasan jawaban, bahasa, kode. Ketidakterbatasan melawan ketidakterbatasan" - menurut Bakhtin). Hasilnya adalah kontradiksi tak terpecahkan yang ada secara objektif, yang jalan keluarnya berbeda dalam setiap kasus. Esensi "ketiga" tertentu muncul - citra Spanyol dalam pengalaman pendengaran orang Eropa.

Bab pertama membahas citra Spanyol - wilayah etnografi dan budaya khusus Eropa, yang melampaui budaya Eropa, termasuk tradisi musik. Daya tarik negara yang terletak di ujung barat daya benua Eropa ini disebabkan oleh beberapa hal. Terhubung oleh banyak benang dengan Eropa (agama, bahasa, struktur negara, pendidikan), Spanyol pada saat yang sama menyerap beberapa ciri budaya Timur - Arab, Yahudi, Gipsi: "Semua negara Eropa berbeda satu sama lain kurang dari negara ini, yang terletak di ujung benua kita dan sudah berbatasan dengan Afrika", - I. Stravinsky menulis. Spanyol adalah sebuah teka-teki di Eropa, sebuah negara dengan eksotisme yang beradab - lokasi Eropa, tetapi esensi dan semangatnya sangat berbeda.

Persepsi Spanyol dalam budaya Eropa memiliki ciri khas tersendiri. Yang paling menarik bagi seniman Eropa adalah budaya selatan Spanyol - Andalusia dengan penampilannya yang eksotis, budaya khas yang menyerap pengaruh berbagai tradisi budaya. Beginilah budaya Spanyol muncul dalam banyak kasus dalam karya penulis Prancis - Merimee dan Gauthier, Dumas dan Musset, Hugo dan Chateaubriand.

Wajah Spanyol, berbentuk Sastra Prancis mempengaruhi ide-ide tentang hal itu di Rusia. Sekilas, dikotomis, pembagian dalam asimilasi budaya Spanyol: Rusia -> Spanyol atau Prancis -> Spanyol, - seringkali berubah menjadi segitiga, berkat terus-menerus sambungan yang ada Rusia -> Prancis. Seiring waktu, budaya Prancis lebih dari satu kali menjadi, misalnya, perantara dalam persepsi dan asimilasi citra Spanyol, yang menentukan, khususnya, ciri-ciri Spanyol Pushkin.

Spanyol Sejati terbuka di mata orang Rusia sedikit lebih lambat daripada di Prancis - pada tahun 1840-an abad terakhir. Perjalanan Glinka, dilakukan di tahun yang sama dengan perjalanan ke sana oleh penulis Rusia V.P. Botkin atau koreografer M. Pstip tampak wajar dengan latar belakang antusiasme umum terhadap negara ini di kalangan kaum intelektual Rusia. Karakteristik yang sama adalah jalan ke Spanyol melalui Paris, yang tidak hanya menjadi rute yang nyaman, tetapi juga tempat di mana banyak perjalanan Spanyol disusun dan dari mana perjalanan itu dilakukan.

Pada paruh kedua abad ke-19, tema Spanyol masuk lukisan perancis(ukiran oleh G. Dore, lukisan oleh E. Manet) dan menjadi konstan dalam musik.

Seiring waktu, tema dan citra stabil yang terinspirasi oleh budaya negara ini telah berkembang dalam budaya Eropa. Misalnya, citra Carmen mendapat gaung yang kuat dalam budaya Rusia, yang muncul dalam lukisan M. Vrubel, K. Korovin, siklus puitis K. Balmont, dan A. Blok. Di antara gambar yang menjadi konstan dalam musik adalah Ispachi melalui prisma liburan, karnaval, dan malam dingin yang misterius.

Waktu yang dihabiskan di Spanyol bagi banyak pelancong telah menjadi salah satu momen paling bahagia dalam hidup, waktu kelupaan dari kesulitan, pencelupan dalam kepenuhan hidup dan liburan abadi. Semua ini memunculkan citra Spanyol yang paling stabil dalam musik - citra liburan dan karnaval. Rusia, dan kemudian komposer Eropa Barat sangat tertarik pada sisi kehidupan Spanyol ini, tidak dapat dipisahkan dari musik, nyanyian, dan tarian. Budaya liburan (pesta) memiliki tempat khusus di Spanyol. Banyak hari libur berasal dari perayaan keagamaan dari abad pertengahan, renaisans, dan zaman barok. Dasar dari hari raya adalah keberangkatan kebaktian gereja. Hampir setiap hari libur di Spanyol sangat ceria, diiringi prosesi, permainan orkestra rakyat dan ansambel.

Awal yang diletakkan oleh "Spanish Overtures" Glinka dilanjutkan oleh Rimsky-Korsakov ("Spanish Capriccio"), dalam tarian penuh warna dan temperamental dari Tchaikovsky dan Glazunov, dan karya orkestra Stravinsky "Madrid". Garis yang sama dapat ditelusuri di Carmen karya Vise, España karya Chabrier, bagian dari Iberia karya Debussy, dan Spanish Rhapsody karya Ravel.

Citra lain yang populer dalam musik terkait erat dengan tema liburan - selatan malam musim panas.

Bab kedua “Beberapa Fitur Cerita Rakyat Spanyol. Persepsinya dalam budaya musik Rusia dan Eropa Barat.

Musisi Eropa mengadopsi cerita rakyat dari berbagai provinsi di Spanyol: Castile, Basque Country, Aragon, Asturias. Perkembangan masing-masing tidak merata dan terkadang berkarakter tunggal, berbeda dengan cerita rakyat Andalusia yang menjadi dasar gaya musik "Spanyol".

Dalam pernyataan para musisi (dari Glinka hingga Debussy dan Stravinsky) tentang musik Spanyol, definisi "Arab" atau "Moor" sering ditemukan. Rupanya, mereka harus dipahami tidak sebanyak bahasa Arab (tradisi Andalusia), tetapi hanya sebagai musik Spanyol selatan, banyak contohnya dapat didengarkan tanpa kesulitan. rasa oriental. Namun demikian, salah satu episode "Spanish Overtures" memungkinkan kita untuk membuat asumsi bahwa Glinka menciptakan kembali warna pembuatan musik ansambel Andalusia. Bepergian di Spanyol dan Afrika Utara A.Glazunov.

Lapisan cerita rakyat lain yang didengar oleh musisi Eropa adalah gaya cante hondo (nyanyian dalam). Gambaran yang sangat tragis dan ekspresif mendominasi konten figuratif kange hovdo. Kange hondo merupakan seni solo yang tidak terlepas dari gaya vokal penampilan. Fitur ini dicatat dalam pernyataan Glinka, Chabrier, Debussy.

Lapisan cerita rakyat Andalusia lainnya, flamenco, ternyata lebih mudah diakses dan dikembangkan dalam musik Eropa Spanishiana. Gaya flamenco tidak dapat dipisahkan dari tarian, berdasarkan gerakan plastik tangan, rotasi tubuh yang fleksibel, dan penguasaan teknik kaki yang rumit. Dalam flamenco, tidak ada pembagian yang biasa menjadi pemain dan pendengar, karena setiap orang yang hadir dengan satu atau lain cara berpartisipasi dalam pertunjukan tersebut.

Cerita rakyat musik Spanyol dan bidang figuratifnya ternyata, secara keseluruhan, cukup sulit didekati oleh telinga musik Eropa. Variabilitas varian dan kekayaan yang sulit dipahami

transformasi ritmis, mikrogonalitas, dan harmoni spesifik musik Andalusia sering kali bertentangan dengan norma kreativitas komposer profesional yang sudah mapan. Hal ini menyebabkan masuknya elemen individual musik Spanyol ke dalam seni Eropa, yang seiring waktu menjadi tertanam di benak pendengar Eropa sebagai asosiasi pendengaran yang terkait dengan negara ini. Diantaranya - penggunaan formula ritmis dari tarian individu, peniruan tekstur gitar, daya tarik ke mode "mi". Keunikan dari mode ini adalah bahwa, terutama bertepatan dengan Frigia, ia memiliki triad utama wajib dalam irama dan langkah kedua dan ketiga yang "berfluktuasi" dalam melodi - terkadang alami, terkadang tinggi.

Pada saat yang sama, ada cukup sampel folk lainnya di Spanyol, yang ciri-ciri musiknya tidak bertentangan tajam dengan pemikiran musik Eropa seperti sampel cante jondo dan flamenco. Mereka dicirikan oleh melodi diatonis dan irama yang jelas, struktur simetris dan karakter melodi yang harmonis. Seperti, misalnya, jota berdasarkan harmoni yang dominan nada.

Bab ketiga, "Spain in the Music of Russian Composers", dibuka dengan bagian tentang Spanish Overtures Glinka. Perhatian pada kesan Parisian Glinka di dalamnya dijelaskan oleh peran penting mereka dalam menentukan penampilan "Spanish Overtures" di masa depan. Kontak dengan musik Berlioz, kesan luar biasa yang dibuatnya pada Glinka, ditambah dengan studi musik yang cermat, tidak hanya memperluas pemahaman Glinka tentang pencapaian kreativitas Eropa kontemporernya, tetapi juga menjadi pendorong untuk eksperimennya sendiri di bidang orkestrasi warna. Detail halus karakteristik tekstur tawaran, pencarian campuran asli dari warna nada yang berbeda, minat pada "surround", suara spasial dan efek warna yang terkait dengan ceruk, serta sejumlah fitur tawaran lainnya, untuk semua individualitasnya , izinkan kami untuk melihat di dalamnya implementasi kreatif dari pencapaian master Prancis.

Dalam ode-simfoni "Desert" oleh Felicien David Glinka, salah satu contoh pertama Orientalisme Prancis dapat didengar. Adalah-

penggunaan tema yang direkam selama perjalanan ke Timur Arab, upaya untuk menyampaikan intonasi tertentu dalam musik bergambar juga memenuhi minat Glinka saat itu. Menyaksikan penonton Paris selama konser, sang komposer mendapatkan ide untuk menggabungkan profesionalisme dengan penampilan dan aksesibilitas, menciptakan "fantasi indah" yang hidup berdasarkan materi rakyat.

Pembukaan pertama, yang ditulis di Spanyol di bawah pengaruh langsung musik rakyat, didedikasikan untuk jota Aragon. Secara bertahap menemukan cerita rakyat dari daerah lain di Spanyol, mendengarkan keragaman dialek musiknya, Glinka secara bertahap sampai pada ide untuk menciptakan kembali "potret musik" -nya dengan menggabungkan musik dari berbagai provinsi Spanyol dalam satu komposisi (dalam hal ini - Aragon, Castile, Andalusia).

Tanpa secara ketat mengikuti struktur tarian, komposer mempertahankan Jota Aragon pergantian prinsip vokal dan instrumental yang menjadi ciri khas genre ini. Ada kemungkinan Glinka tidak hanya menggunakan satu tema, tetapi beberapa, memberikan gambaran umum tentang genre ini. Efek timbre yang dicapai pada penampilan pertama jota Aragon memungkinkan untuk mendengar di dalamnya kemungkinan prototipe cerita rakyat - permainan ansambel bandurria dan gitar.

Menurut sang komposer, objek utama studinya di Spanyol adalah "musik provinsi di bawah kekuasaan bangsa Moor". Mungkin, Glinka entah bagaimana bisa mendengar contoh tradisi musik Arab Andalusia, menangkapnya dalam "episode Moor ("Risho togipo") dari "Spanish Overture" kedua. Mungkin saja heterofoni Glinka tumbuh dari sifat monodik pemikiran dalam musik Arab dan pengamatan pembuatan musik ansambel, pewarnaan spesifik yang ia reproduksi dalam episode ini.

Ciri khas dari bentuk pembukaan "Memories of a Summer Night in Madrid" adalah kombinasi kemandirian eksternal dari prinsip arsitektonis klasik dengan adaptasi aslinya. Persyaratan baru untuk bentuk yang muncul sebagai akibat dari kesan Paris, perhatian pada kesan suara dan gagasan komposisi yang tidak biasa mengarah pada sifat-sifat seperti pergantian nada yang tidak dapat diprediksi, munculnya tema yang dimulai

dari tengah, reprise cermin, dll. Inti dari pembukaan ini

Singkatnya, keringkasan, tulisan halus dan perhatian setiap saat dan detail.

Menyinggung masalah orkestrasi dalam "Spanish Overtures", penulis pertama-tama memikirkan momen-momen yang mengungkap ciri-ciri inovatif dari karya-karya tersebut. Skor dari "Spanish Overtures" membuktikan penguasaan teknik penulisan orkestra klasik dan kontemporer. Namun, salah satu kualitas luar biasa dari "Spanish Overtures" adalah keinginan untuk mengatasi teknik tradisional orkestrasi Eropa. Ciri-ciri tekstur di dalamnya sangat erat kaitannya dengan sikap estetika pengarang terhadap cerita rakyat.

Jenis tekstur utama dalam orkestrasi karya-karya tersebut

Ushgeon satu suara, oktaf dan multioktaf, dua suara, diwakili oleh tema dengan nada harmonik, pedal, atau tandingan. Penyimpangan dari metode tradisional penulisan orkestra Eropa dan dalam upaya untuk lebih dekat dengan metode pertunjukan alat musik rakyat. Jadi di jota dari "Spanish Overture" kedua Anda bisa mendengar efek menggeser ibu jari di sepanjang leher gitar (teknik bariolage). Dalam rekapitulasi, pedal berdenyut biola dibangun di sekitar pergantian antara suara senar terbuka dan tertutup, meniru petikan gitar, dengan nada yang lebih cerah pada pukulan ke bawah dan lebih sedikit kekayaan pada pukulan ke atas.

Tanda tangan, draf, atau sketsa "Spanish Overtures", sayangnya, belum disimpan. Hanya sejumlah salinan tulisan tangan oleh orang tak dikenal yang ada. Tiga di antaranya disimpan di dana Glyng-ga! di Perpustakaan Nasional Rusia di St. Petersburg. Ini adalah skor "Jota of Aragon" (f. 190, no. 6) dan dua salinan "Memories of Castile"1. Salah satunya memiliki dedikasi Glinka kepada A. Lvov (f. 190, no. 27), yang lainnya adalah manuskrip orang tak dikenal dengan catatan oleh penulisnya, V. Stasov dan V. Engelhardt (f. 190, no. 26 ). Kedua manuskrip tersebut berasal dari tahun 1852. Bersama-

1 Suatu kali, dalam sepucuk surat kepada V. Engelhardt, dia menyebut karyanya "Reminiscence of a summer note in Madrid", Glinka dalam semua manuskrip yang diketahui mengeluarkan namanya sendiri judul yang bertepatan dengan edisi pertama ("Reminiscence of Castile" ).

ada juga salinan tulisan tangan (skor dan suara orkestra) dari edisi pertama pembukaan ini, yang pernah ditemukan oleh V. Shebalin di arsip Museum Negara budaya musik dinamai Glinka (f.49; No. 4,) dan diterbitkan olehnya dalam jilid kedua dari karya lengkap komposer.

Penulis karya ini juga memiliki fotokopi "Spanish Overtures" dari departemen musik Perpustakaan Nasional Paris (M8.2029, Mb.2030). Ini tentang tentang salinan tulisan tangan yang diberikan oleh Glinka kepada teman Spanyolnya dou Pedro pada tahun 1855 di St. Petersburg sebelum keberangkatan terakhir ke Paris. Bertanggal 1855, manuskrip-manuskrip tersebut sangat berharga dalam mengungkap niat kreatif akhir dari penulisnya.

Teks asli dalam semua detailnya tidak terdengar dan belum dipublikasikan. Pengecualian adalah penerbitan tawaran dengan komentar oleh V. Shebalin dalam Karya Lengkap (vol. 2, M., 1956). Musisi modern memiliki gagasan tentang mereka terutama dari edisi: M. Balakirev dan N. Rimsky-Korsakov (diterbitkan oleh Jurgenson, Moscow, 1879); N. Rimsky-Korsakov dan A. Glazunov (diterbitkan oleh Belyaev, Leipzig, 1901; M. Balakirev dan S. Lyapunov (diterbitkan oleh Jurgenson, Moskow, 1904).

Semua editor memperlakukan teks asli dengan hati-hati dan perubahannya, pada pandangan pertama, mungkin tampak tidak signifikan, terutama dalam hal pukulan, tempo, dan dinamika. Salah satu pertanyaan terbuka dari pembukaan kedua adalah masalah penggunaan alat musik di dalamnya. Setelah menuliskan di "Memories of a Summer Night in Madrid" nama instrumen di halaman pertama partitur chord, Glinka sebenarnya tidak pernah menggunakannya. Namun demikian, semua editor memasukkan bagian alat musik ke dalam partitur, menganggapnya sebagai "atribut" wajib bahasa Spanyol. Namun, penyimpangan dari genreisme terbuka, penyempurnaan ide dalam pembukaan ini membuat wajar bagi Glinka untuk menolak instrumen ini, yang fungsinya dilakukan oleh segitiga dengan kemerduan "perak" yang ringan.

Beralih ke manuskrip mengungkapkan perbedaan sifat artikulasi antara bagian orkestra yang berbeda secara serempak

dan episode heterofonik. Setiap suara serempak dalam "episode Moor" dari "Overture Spanyol" kedua memiliki artikulasinya sendiri karena liga berbeda yang tidak bertepatan satu sama lain. Kemungkinan sumber artikulasi ini adalah musik Spanyol itu sendiri. Hal ini memberikan keseragaman ketidakrataan, beberapa kekasaran, yang secara tidak sengaja muncul dalam proses pembuatan musik rakyat. Serempak dari seguidilla kedua juga memiliki pukulan yang berbeda. Di semua edisi, guratan Glinka telah diperhalus dan diseragamkan.

Kedua "Spanish Overtures" menggabungkan studi yang cermat tentang musik Spanyol, rasa alam, ruang, warna, keterampilan mengarang yang halus, dan keunikan visi penulis tentang tema Spanyol.

"Spanish Capriccio" karya Rimsky-Korsakov (bagian kedua bab ini) didasarkan pada melodi yang dia pinjam dari koleksi komposer Spanyol José Insenga "Ecos de España". Salinan paling langka dari koleksi dengan catatan Rimsky-Korsakov ada di Institut Sejarah Seni di St. Petersburg (f. 28; G-273) 2 .

Tidak seperti Glinka, Rimsky-Korsakov tidak mementingkan perbedaan lokal dalam cerita rakyat Spanyol. Mungkin saja Spanyol menurutnya adalah sesuatu yang bersatu. Memilih sejumlah tema kontras setelah Glinka, dia tidak berusaha untuk menciptakan kembali cerita rakyat dari berbagai provinsi di Spanyol, dipandu oleh pertimbangan lain: kecerahan melodi, perumpamaan, potensi pengembangan orkestra, dll. Oleh karena itu, ia mungkin dengan mudah menggabungkan tiga melodi dari bagian lagu Asturian (Alborada, Dansa prima dan Fandango asturiano) dan satu Andalusia (Canto gitano) di Capriccio.

Merangkum prinsip-prinsip karya komposer dengan tema rakyat, kita dapat menarik kesimpulan sebagai berikut: Rimsky-Korsakov dilestarikan

1 Tidak adanya tanda tangan asli dari karya tersebut memaksa seseorang untuk berbicara tentang inovasi Glinka dengan sangat hati-hati, dengan mempertimbangkan poin-poin seperti, misalnya, ketidakakuratan penyalin.

2 Penemuan koleksi dan deskripsi pertamanya adalah milik E. Gordeeva (sg. "Sumber cerita rakyat" Antara "dan" Spanish capriccio ", LIHAT, 1958 No. 6).

Ini menghilangkan fitur-fitur seperti non-persegi beberapa tema (Alborada), atau perhentian panjang pada suara terakhir (canto gitano), secara aktif menggunakan teknik pemrosesan Insenga. Pada saat yang sama, ia memperkuat elemen bangsa dengan caranya sendiri. Jadi rencana nada "Capriccio" dikondisikan oleh struktur dan kemungkinan ekspresif dari mode "mi" (dari bunyi "la"), yang mendasari gerakan keempat dan memproyeksikan runtuhnya kemungkinan pada keseluruhan karya (kembalinya dari "Alborada" (Zch.) di kunci B-dur, misalnya, itu terbentuk sehubungan dengan kunci utama Capriccio A-dur salah satu kombinasi karakteristik I-Ilb untuk mode ini).

Dua perjalanan pertama I. Stravinsky ke Spanyol (1916, 1921) (bagian ketiga dari bab ini) terkait dengan kolaborasi kreatif komposer dengan rombongan Sergei Diaghilev. Belakangan, sang komposer berulang kali mengunjungi Spanyol.

Daya tarik tema Spanyol bagi Stravinsky menjadi kelanjutan dari tradisi yang sudah mapan: "Mungkin agar tidak ketinggalan dari pendahulunya, yang, kembali dari Spanyol, mengkonsolidasikan kesan mereka dalam karya yang ditujukan untuk musik Spanyol - ini berlaku terutama untuk Glinka , dengan "Aragonese Jota" dan "A Night in Madrid" yang tak tertandingi - Saya menikmati dan memberikan penghormatan kepada tradisi ini. Hasilnya adalah "Española" dari "Five Easy Pieces for Piano" yang ditulis pada tahun 1915 dengan empat tangan (diterbitkan pada tahun 1917), kemudian diatur dan dimasukkan dalam First Suite (1917 - 1925), Etude "Madrid" (1917), dibuat khusus untuk pianola dan dirilis dalam bentuk roller oleh firma Aeolian di London. Pada tahun 1929, Stravinsky mengaturnya, termasuk di antara Empat Etudes untuk orkestra simfoni.

Drama "Madrid", menurut penulisnya, terinspirasi oleh "kombinasi melodi yang lucu dan tidak biasa yang dimainkan pada piano mekanik dan jukebox dan dibunyikan di jalanan Madrid, kedai malam kecilnya." Gagasan orisinal menentukan semangat umum lakon itu, di mana pengarangnya jauh dari sikap romantis yang antusias terhadap yang diamati. Citra Spanyol agak objektif, urban. Pada saat yang sama, beberapa momen memungkinkan kita untuk mengingat para pendahulu, yang tradisinya dia teruskan.

Tema pertama mereproduksi "rahmat yang kaya dari melodi Arab berlarut-larut yang didengar oleh Stravinsky di Spanyol, dinyanyikan oleh penyanyi dengan suara dada rendah dan napas tak berujung." Contoh ini, bagaimanapun, patut mendapat perhatian khusus, karena memungkinkan kita untuk membuat asumsi tentang pengaruh dalam episode individu dari komposisi "Spanish Overtures" oleh M. Glinka. Sangat mungkin bahwa dalam karya Glinka ini, yang dibicarakan Stravinsky dengan kekaguman, mereka dapat menghargai keberanian dan kebaruan tekstur dan, khususnya, penyajian tematisme heterofonik. Namun, dalam kasus ini, kita berbicara tentang kebetulan objek minat komposer - bahasa Arab atau, seperti yang kadang dikatakan Glinka, lapisan "Moor" dalam musik Spanyol. Membuat kontras antara suara, Stravinsky, seperti Glinka, menyempurnakannya dengan menggunakan sapuan yang berbeda.

Dalam musik Andalusia, Stravinsky mendengar fenomena yang mendekati, pada intinya, ritme beraksen tidak teratur. Episode yang menggunakan fitur ini dapat ditemukan di Madrid karya Stravinsky dan lakonnya Española.

Penggunaan "intonasi lagu yang paling familiar dan biasa terhapus" di "Madrid" membangkitkan adegan massal "Petrushka", di mana prinsip yang sama digunakan. Kecenderungan ke arah varian cakupan pergantian ini mungkin dapat dijelaskan dengan kebetulan salah satu prinsip utama musik rakyat Spanyol dan variannya sebagai metode komposisi dasar Stravinsky. Stravinsky mereproduksi permainan band kuningan dalam permainannya, memberinya karakter yang aneh. Munculnya gambar kontras baru terjadi tanpa persiapan apa pun, perubahan tekstur yang aneh.

Bab keempat adalah "Spanyol dalam musik komposer Prancis". Ini dibuka dengan bagian yang didedikasikan untuk rhapsody orkestra "Spanyol" oleh E. Chabrier.

Di antara komposisi bertema Spanyol "Spanyol", yang membedakan, pertama-tama, adalah "nada" karya itu sendiri - sangat ringan, sedikit eksentrik, di ambang musik yang menghibur. Chabrier dengan sengaja meningkatkan unsur budaya rakyat itu, yang diasosiasikan dengan spontanitas, totok, terkadang kekasaran gambar yang disengaja.

Pembiasan yang tidak biasa dari citra Spanyol oleh Chabrier memungkinkan kita menemukan penjelasan dalam lingkungan artistik yang mengelilingi sang komposer. Seperti E. Manet, Chabrier tidak mencari yang romantis di Spanyol, tidak membuatnya puitis. Garis besar yang jelas, keakuratan gambar di Manet, membangkitkan asosiasi dengan pembesaran garis melodi, kelegaannya di Chabrier. Semangat "cafechantan", sifat menghibur dari musik "Espana" mengingatkan peran kafe, tempat pertemuan bohemia Paris dan sumber pengamatan wajah dan karakter manusia yang tidak ada habisnya, melalui prisma yang dunia muncul dalam lukisan Manet dan Cezanne, Degas dan Toulouse-Lautrec.

Bagian kedua dari bab ini dikhususkan untuk Iberia dan karya Debussy lainnya. Debussy melihat dalam cerita rakyat Spanyol sumber yang kaya akan ide-ide baru yang membuatnya senang dengan kesegaran dan orisinalitasnya - baik itu mode yang tidak konvensional untuk musik Eropa, variasi ritme, kombinasi timbre yang tidak terduga, atau organisasi temporal yang berbeda. Banyak dari fitur ini sebelumnya tidak ada dalam musik komposer "akademis".

Spanyol bagi Debussy identik dengan Andalusia. Menurut Yu.A. Fortunatov, Spanyol menarik perhatian Debussy justru sebagai negara yang kental dengan unsur oriental dalam budayanya. Dalam kaitan ini, tema Spanyol juga dapat dilihat sebagai salah satu segi perwujudan citra Timur dalam karyanya.

Debussy adalah seorang seniman yang berhasil mendengar budaya dunia yang berbeda sesuatu yang lebih dari sekadar cita rasa eksotis atau nasional. Dalam cerita rakyat negara lain dia menemukan elemen yang menariknya untuk mencari gayanya sendiri. Mungkin itu sebabnya prinsip sikap penggubah terhadap seluruh bidang cerita rakyat yang heterogen di Debussy mengungkapkan kesamaan.

Kreativitas Debussy adalah pergantian orisinal dari tema Spanyol dalam seni Eropa. Panggung baru Perkembangan seni musik, bersama dengan pandangan individu seniman tentang cerita rakyat, menghasilkan kualitas yang berbeda, perkembangan lapisan musik Spanyol yang lebih dalam. Debussy memberikan kesempatan untuk masuk ke dalam jalinan komposisinya yang tak tersentuh, fitur cante jondo yang nyaris tak dikuasai. Dia membebaskan melodi Andalusia dari kekuatan barline, mereproduksi ornamen progresif yang melekat

perkembangan. Komposer memanfaatkan lebih luas kemungkinan ekspresif yang melekat dalam berbagai struktur modal musik rakyat dan bahkan berusaha melampaui skala temperamental, menciptakan perasaan mikrotonalitas.

Penetrasi organik ciri-ciri cerita rakyat ke dalam gaya penggubah menjadi alasan wajar munculnya beberapa ciri "Spanyol" dalam karya yang ditulis "tanpa niat Spanyol". M. De Falla, yang pertama kali mencatat fitur ini, menunjuk pada seringnya Debussy menggunakan mode, irama, urutan akord, ritme, dan bahkan putaran melodi tertentu, di mana ditemukan hubungan yang jelas dengan musik Spanyol. Hal ini memungkinkan kita untuk mempertimbangkan dari sudut pandang ini karya-karya komposer seperti suite "Pour piano", "Secular dance" untuk orkestra harpa dan dawai, rhapsody kedua untuk saksofon dan orkestra, disebut dalam salah satu varian "Moor" , bagian kedua string Quartet, romansa "Mandolin", karya piano "Topeng" dan penggalan dari beberapa karya Debussy lainnya.

Dalam sistem modal Debussy, pentingnya mode "non-tradisional" untuk musik profesional Eropa meningkat secara signifikan, yang menjadi mode "biasa", terjalin dengan mayor dan minor. Ini adalah fitur orisinal yang cerah dari gaya komposer, yang melihat dalam sistem modal ini dunia kaya kemungkinan yang belum ditemukan oleh musik profesional.

Di "Iberia" Debussy menciptakan varian ritme sevillana yang beragam. Peran penting dalam hal ini dimainkan oleh pengenalan ritme Spanyol, ekspresi dan energinya. Debussy juga mencerminkan ciri-ciri ritme Spanyol lainnya yang tidak begitu kentara di permukaan. Misalnya - ketidakpastian antara ukuran dua dan tiga bagian. Penggunaan keragaman ritmis musik Spanyol menghasilkan kain orkestra berlapis-lapis, polifoni khususnya, berbeda dari tandingan klasik dan dengan pemilihan baris timbre yang jelas.

Kebaruan bahasa musik Debussy sebagian besar dimanifestasikan dalam pemahaman yang berbeda tentang tekstur orkestra. Menolak pembagian fungsi orkestra yang biasa menjadi bass, melodi, figurasi, Debussy hadir dengan tekstur multi-elemen dan tematik yang kaya. Di Iberia, ini memanifestasikan dirinya, khususnya, dalam satu

koneksi sementara bahan yang berbeda, kontras fret, timbre, berirama. “Seseorang hanya perlu melihat,” tulis Myaskovsky, “betapa kaya tenunan karya-karyanya (Debussy - L.B.), betapa bebas, mandiri, dan menarik suara mereka, bagaimana, akhirnya, elemen tematik yang berbeda terjalin dengan terampil di sana, seringkali hingga tiga topik yang sama sekali tidak berhubungan sekaligus. Bukankah ini keterampilan kontrapuntal!

Spasialitas suara adalah salah satu ciri khas "Iberia". Peran tokoh-latar belakang sangat berharga dalam hal ini. Di bagian kedua "Iberia", Debussy menggunakan gagasan untuk mengisi ruang secara bertahap: dari kekosongan suara serempak - hingga glissanding akord keenam, dan, akhirnya, ■ - menjadi akord.

Bagian ketiga bab ini membahas pengaruh musik Spanyol pada karya Ravel. Tema Spanyol memasuki karya komposer melalui dua cabang berbeda - Basque dan Andalusia. Yang pertama menjadi penghargaan untuk asal usul komposer, yang kedua - untuk hasrat budaya Andalusia di Eropa. Gambaran Spanyol, "tanah air kedua" Ravel, menemaninya sepanjang karya kreatifnya: dari "Habanera" dari "Auditory Landscapes" (1895-96) hingga "Three Songs of Don Quixote" (1931). Pada tahun 1903, sebuah kuartet ditulis, di mana kita melihat salah satu pinjaman pertama dari elemen Basque. Belakangan baris ini dilanjutkan oleh Trio a-to11 (1914) dan Concerto S-sir (1929 - 1931), yang sebagian menyerap materi fantasi piano yang belum selesai pada tema Basque "Zarpiag-Bat" (1914). Di antara komposisi yang menggunakan cita rasa musik Andalusia adalah "Alborada" dari siklus "Reflections" (1905) (kemudian diatur), ditulis pada tahun yang sama 1907 "Spanish Rhapsody", opera "Spanish Hour" dan "Vocalise in the bentuk habanera ", "Bolero" (1928) yang terkenal, serta "Tiga Lagu Don Quixote" (1931), di mana, bagaimanapun, terdapat ciri-ciri gaya musik Aragon dan Basque.

Terletak di titik yang berlawanan dari Semenanjung Iberia, Negara Basque dan Andalusia adalah daerah musik yang sangat istimewa di Spanyol. Berbeda dengan Andalusia, unsur Basque masuk ke dalam karya Ravel, yang tidak berhubungan langsung dengan Spanyol. Satu-satunya sepenuhnya

berdasarkan ide materi Basque, tetap belum selesai: menyadari bahwa dia "tidak mampu menaklukkan melodi yang bangga dan pantang menyerah", Ravel meninggalkan pekerjaan piano fantasi "Zagpyat Bat". Komposer memasukkan bagian dari musik yang dimaksudkan untuk fantasi di Trio dan piano concerto G-dur.

Di antara sarana ekspresif musik Basque yang termasuk dalam musik Ravel, pertama-tama adalah ritme khas lagu-lagu Basque, di mana ukuran dua dan tiga bagian sederhana hidup berdampingan dengan campuran: 5/8, 7/8, 7/4 . Pada bagian kedua kuartet gesek, komposer memperkenalkan "interupsi" meteran, yang muncul dari pergantian baris demi baris dari dua bagian, yang ditetapkan dalam tanda birama 6/8, dan tiga bagian satu dengan tanda birama 3/4.

Bagian akhir dari kuartet gesek Ravel memiliki meteran 5/8, karakteristik, khususnya, dari genre sortico Basque yang khas. Bagian pertama dari trio a-moll memiliki meteran 8/8 yang tidak biasa, yang dapat diuraikan menjadi 3/8+2/8+3/8. Dengan menambahkan 3/8 lagi ke 5/8 tradisional, Ravel membuat sortico-nya sendiri - bukan kebetulan Ravel sendiri menyebut tema ini "Basque".

Dibandingkan dengan "Andapus", tema "Basque" Ravel biasanya bersuku kata, dengan rentang kecil, biasanya tidak melebihi satu oktaf. Tema bagian kedua kuartet terdiri dari frasa dua baris pendek dan didasarkan pada intonasi berulang dari baris kelima. Interval yang sama memberi warna tersendiri pada tema awal konser G-dur.

Namun, sebagian besar tulisan bertema Spanyol Ravel berasal dari cerita rakyat Andalusia. Diantaranya adalah Alborada del Gracioso. Ditulis pada tahun 1905, itu diatur oleh Ravel pada tahun 1912. Sifat tajam dan aneh dari lakon ini, gagasan tentang semacam adegan dalam semangat Spanyol, membuatnya sebagian terkait dengan Debussy's Interrupted Serenade.

Ravel, dengan kebebasan tertentu, berasimilasi dengan cara khusus membentuk akord vertikal, lahir dari ciri harmonik gitar flamenco. Ciri penting dari musik ini adalah penggunaan akord yang sangat disonan dengan ketujuh mayor dan oktaf yang dikurangi, yang berisi dua varian satu langkah, dengan bebas membiaskan spesifikasi akord Spanyol.

"Spanish Rhapsody" adalah salah satu varian gambar malam musim panas Spanyol, seperti yang terjadi pada Glinka dan Debussy. Dalam siklus empat bagian ini, semuanya dimulai dengan "Prelude of the Night", di mana tarian "Malagenya" meledak "dari kejauhan". Bagian ketiga, "Habanera", memperkenalkan sesuatu yang baru, tetapi juga melanjutkan mood dari bagian sebelumnya, sebagian disiapkan oleh mereka. Dasar dinamika di ketiga bagian ini adalah rrrr. Momen-momen forte adalah semburan terpisah atau satu-satunya peningkatan di Malaguena (ts.11-12), yang tiba-tiba terputus, terjun ke atmosfer melo Spanyol-Arab.

Mari pilih "Habanera" di sini. Keunikannya terletak pada kehalusan dan kecanggihan warna (dan bukan keterbukaan perasaan yang biasa melekat dalam genre ini), kekakuan intonasi tertentu. Tampak unik dalam pesonanya, "Habanera" dalam hal ini setara dengan karya lain: kesamaan dua habanera ("Malam di Grenada" oleh Debussy dan "Habanera" dari "Auditory landscapes" oleh Ravel, termasuk dalam "Spanish Rhapsody") , seperti yang Anda ketahui, pernah menyebabkan perselisihan tentang prioritas.

Ravel mengubah pola garis melodi cerita rakyat habanera yang khas menjadi pedal orkestra yang berdenyut, dan meninggalkan ritme yang mengiringi tarian dalam bentuk akord senar bertingkat dengan mute (harpa) dan dua harpa. Akibatnya, dua fitur utama habanera hampir tidak terlihat dalam skor Ravel.

Visi penulis bebas tentang cerita rakyat, pemikiran ulangnya melalui prisma rencana individu juga melekat dalam "Bolero", di mana logika konstruktif berlaku, mengatur segalanya dengan prinsip crescendo orkestra. Pada saat yang sama, tanda-tanda bolero asli ternyata sangat kondisional.

Kesimpulan disertasi sekali lagi menekankan peran metode komparatif, yang memungkinkan, khususnya, untuk memvisualisasikan hubungan budaya dan berbagai bentuk interaksinya: kontak langsung, pengaruh, pinjaman, untuk melacak kesamaan dan proses tertentu perkembangan tradisi musik nasional.

Asal usul dan perkembangan musik Hispaniana memungkinkan kita untuk melihat peran perantara yang selalu ada dari satu tradisi.

diksi untuk yang lain, dilakukan, sebagaimana dicatat, tidak hanya dalam pemulihan hubungan langsung antara budaya Rusia dan Prancis dengan budaya Spanyol, tetapi juga Rusia dan Prancis satu sama lain.

Dalam evolusi musik Hispaniana, peran penting dimainkan oleh kenalan komposer dengan sampel yang sudah dikenal, yang memunculkan keinginan untuk mencari cara baru. Masa tinggal Glinka di Paris pada suatu waktu memperkaya dirinya dengan kesan dan ide kreatif baru. Belakangan, konser Pameran Dunia memungkinkan Debussy dan Ravel muda untuk mendengar sejumlah karya yang dibawakan langsung oleh penulisnya sendiri (Rimsky-Korsakov memimpin Spanish Overtures Glinka, dll.). Pengaruh musik Rusia pada karya musisi Prancis tentu saja jauh lebih luas daripada komposisi Spanyol yang sebenarnya. Pada saat yang sama, pada contoh tema Spanyol, orang dapat melihat betapa bermanfaatnya komunikasi antara musisi Rusia dan Prancis di waktu yang berbeda. Mengingat pentingnya karya Rimsky-Korsakov untuk Debussy dan Ravel, khususnya gaya orkestranya, dapat diasumsikan bahwa karangan cerah, seperti "Spanish Capriccio", tidak luput dari perhatian musisi Prancis.

Daya tarik utama gaya Spanyol selatan (Andalusia) adalah fitur lain yang umum pada banyak karya. Aktivitas kesadaran komposer, pencarian cara yang paling dapat diterima oleh pengarang untuk memasukkan unsur Spanyol konteks umum karya tersebut mengungkapkan berbagai cara: dari upaya untuk secara harfiah mereproduksi ciri-ciri aslinya - hingga bahasa kiasan, kiasan. Sifat mengenal sumber utama juga berbeda.

Secara umum, pada contoh karya yang dianalisis, tiga metode berbeda dapat dibedakan dalam bekerja dengan cerita rakyat Spanyol. Ini adalah a) studi aktif tentang musik Spanyol dalam suara live-nya; b) bekerja dengan koleksi; c) reproduksi kesan pendengaran dari cerita rakyat Spanyol melalui penggunaan fitur ritmis dan harmonik esensial secara gratis. Pertanyaan tentang tingkat kedekatan dengan materi cerita rakyat dan persuasif artistik dari karya tersebut ditutupi oleh pernyataan individu dari komposer - M. de Falla dan I. Stravinsky. Kedua musisi tersebut menganggap etnografi sempit tidak dapat diterima oleh modern

seni, lebih memilih reproduksi gratis dari elemen-elemen penting musik Spanyol. Ravel dan Debussy dengan bebas menggabungkan ciri-ciri gaya Spanyol yang berbeda. Segi baru pemahaman bahasa Spanyol terwujud dalam penetrasi unsur-unsur yang dipinjam dari musik Spanyol ke dalam karya-karya yang tidak terkait dengan Spanyol.

Munculnya kosakata ritmis-ingonal, yang mencakup sejumlah perangkat klise dalam musik "Spanyol" Eropa, memungkinkan Stravinsky untuk merujuknya sebagai sejenis bahasa konvensional. Tahap baru dalam pengembangan tema Spanyol adalah karya C. Debussy. Asal-usul kebangsaan, warna spesifik musik Spanyol (untuk semua kehalusan reproduksi elemen-elemennya) tidak berada di latar depan untuk Debussy, terkadang hanya dihaluskan, diselubungi. Kembali ke gagasan Bakhtin tentang koeksistensi "dua pikiran", orang dapat berasumsi bahwa Debussy sama sekali tidak menentang dua pikiran - melainkan, ia menyatukan, menjadikan satu atau beberapa elemen cerita rakyat bagian dari gayanya sendiri. Memperhatikan kontradiksi disonan cerita rakyat Spanyol dengan dogma klasik "akademik", Debussy, sebaliknya, berusaha menemukan cara lain yang memungkinkan untuk menciptakan kembali esensi elemen utama bahasa Spanyol secara dekat. kreativitas musik. Warna nasional bukanlah tujuan akhir bagi seorang seniman. Ini adalah upaya untuk menciptakan (melengkapi) atas dasar ide-ide pendengaran yang diperolehnya dengan satu atau lain cara, citra negara yang menggairahkan imajinasinya.

Evolusi teknik komposisi memungkinkan elemen musik Spanyol yang lebih kompleks untuk memasuki seni Eropa dari waktu ke waktu. Kontradiksi antara mode lagu-lagu Andalusia dan perkembangan komposisinya pada suatu waktu mendorong Glinka untuk meninggalkan sketsa-sketsa tema rakyatnya yang belum selesai. Debussy sudah bebas menggunakan mode spesifik musik Spanyol. Munculnya tekstur heterofonik di Glinka bersifat tunggal. Dengan Stravinsky, ini adalah fitur gaya yang tidak terpisahkan.

Oleh karena itu, dapat diasumsikan bahwa karya komposer, dengan mengandalkan elemen musik yang sadar secara profesional dan aturan seni "klasik", menciptakan kesadaran musik baru yang fundamental, yang diekspresikan dengan jelas melalui asal-usul rakyat-bangsa. "Etnografis" di dalamnya berada di bawah level nilai (aksiologis). Artinya, unsur cerita rakyat adalah

digunakan sebagai bentuk yang membawa isi kesadaran zaman baru. Pemahaman menjadi bagian dari budaya nasional tertentu selalu memberikan dasar untuk sintesis dan pengembangan budaya lebih lanjut. Ini adalah pengayaan karena identifikasi "milik sendiri dan milik orang lain", yang diekspresikan dalam budaya musik lain dengan cara yang serupa atau berlawanan.

Hubungan antara budaya Rusia dan Spanyol, yang terletak di titik ekstrim dan berlawanan dari benua Eropa, terkenal karena mengakui "milik sendiri" dalam budaya yang berbeda (terutama dari Rusia), serta upaya untuk menjelaskan kesamaan rahasia. , kedekatan negara yang berbeda tersebut. Oleh karena itu, mungkin, keinginan untuk memahami kekerabatan yang tidak dapat dijelaskan antara Rusia dan Spanyol, mengacu pada sejarah, ciri-ciri perkembangan ekonomi, mentalitas (khususnya kesamaan karakter, pandangan dunia) dan ciri-ciri lainnya. Pikiran ini terus berlanjut. di antara seniman yang telah mengunjungi Spanyol dan yang telah bersentuhan dengan budaya ini di luarnya - K. Korovin, L. Tolstoy, M. Glinka, P. Dubrovsky, dan lainnya. Dalam musik, kesamaan ini memperoleh kontur yang hampir nyata: “Beberapa Lagu-lagu Andalusia mengingatkan saya pada melodi daerah Rusia kami dan membangkitkan kenangan atavistik dalam diri saya, ”tulis Stravinsky.

Mencoba mencari titik temu di antara keduanya perbedaan budaya, orang dapat benar-benar mendengar ciri-ciri terkait antara "tak terhingga" melodi dalam lagu Rusia yang tersisa atau cante chondo, nadanya yang sedih, agak histeris, kekayaan ritme, varian konstan berubah dalam melodi dan pengulangan " ke titik obsesi" dari satu suara, penggunaan microingervals. Dalam musik Rusia, seperti dalam bahasa Spanyol, ada kontras antara nyanyian, histeria, dan kegembiraan yang tak terkendali. Penjelasan yang mungkin untuk ini adalah ketertarikan timbal balik dari kutub. Satu pemahaman tentang kedekatan ini berkontribusi pada pemulihan hubungan, ketertarikan timbal balik.

Daya tarik budaya Spanyol di Rusia dan Prancis memiliki ciri khas tersendiri. Lingkungan terdekat Prancis dan Spanyol menambahkan warna tambahan pada proses pemulihan hubungan antara negara-negara ini. Ikatan etnis telah terjalin di antara mereka sejak lama. Spanyol saat itu termasuk dalam lingkaran negara eksotis yang diminati secara aktif seniman Prancis. Ini menjelaskan, misalnya, ketertarikan utama pada budaya selatannya, dan tidak kurang dari yang lain

provinsi yang aneh. Berbeda dengan negara-negara timur, Spanyol berbeda, hampir eksotis, tetapi cukup aneh untuk dianggap sebagai bagian dari dunia timur.

Dengan demikian, tidak hanya kesamaan, tetapi juga perbedaan ternyata membuahkan hasil dalam hal ini. Ketertarikan dan penolakan, berdasarkan kesamaan takdir sejarah dan budaya, telah menyerap posisi nilai (kebenaran, kebaikan, keindahan), yang ditegaskan tidak hanya dalam bahasa mereka sendiri, tetapi juga dalam bahasa asing.

Akibatnya, orang Eropa mencari dan menemukan dalam budaya musik rakyat Spanyol kekuatan pemberi kehidupan itu, yang mendukung tren yang dapat ditelusuri dalam budaya nasional mereka, yang sangat mereka butuhkan. Melalui Spanyol terjadi penetrasi ke dalam esensi emosional yang berbeda (cinta kebebasan, emansipasi spiritual, kemanusiaan, dll.), Fitur ritmis, intonasional, timbre lainnya, yang pada akhirnya mengekspresikan struktur batin karakter bangsa.

Musik Spanyol membuka nilai baru bagi komposer Eropa, memperkaya bahasa musik dengan ritme unik, warna instrumental, fitur tekstur.

Tema Spanyol dalam musik hanyalah sebagian dari karya penggubah, yang ditorehkan dalam konteks zamannya. Oleh karena itu, penciptaan banyak komposisi bertema Spanyol sulit dibayangkan tanpa eksperimen dengan materi nasional lainnya. Juga, dampak dari karya-karya ini jauh dari terbatas pada tema Spanyol.

Ikatan budaya antara Rusia dan Prancis dengan Spanyol yang ditandai dengan kemunculan sejumlah mahakarya seni musik memasuki orbit proses budaya global, menjadi bukti peran positif keterbukaan budaya, interaksi dan pertukarannya. l

Ketentuan dan kesimpulan disertasi tercermin dalam karya penulis:

1. "Spanish Overtures" oleh Glinka (untuk masalah "komposer dan cerita rakyat") // Kumpulan artikel oleh ilmuwan muda dari Conservatory. Alma-Ata 1993. (0,5 hlm)

2. Mengatasi batas waktu (ikatan kreatif Rusia-Spanyol) Dan budaya Rusia di luar batas. M, 1996, “Informkultura”, no. 4. (0,8 p.l.).

3. "Suara dan warna Spanyol" // Gambar Rusia di Spanyol. Gambar Spanyol di Rusia (dalam cetakan). Petersburg (1 p.l.).

Seni Spanyol. Budaya musik. Musisi yang luar biasa. Karya komposer I. Albéniz, E. Granados, F. Pedrell,

Manuel de Falla (1876-1946) - seorang komposer Spanyol yang luar biasa, perwakilan dari impresionisme. Cara kreatif. Siklus vokal "Tujuh Lagu Rakyat Spanyol". Implementasi intonasi lagu daerah dan tarian. Piano dan opera. Aktivitas kritis musik.

Nilai kreativitas M. de Falla.

Budaya musik dan seni Hongaria. Penampilan musik. Sekolah opera baru. Karya Franz Lehar (1870-1948) dan Imre Kalman (1882-1953).

Bela Bartok (1881-1945) - seorang komposer, pianis, guru yang luar biasa. Ragam genre dalam karyanya. Pengolahan lagu daerah, karya teoretis tentang cerita rakyat. Seni opera. Kecenderungan impresionis dan ekspresionis. Komposisi piano. Siklus karya berdasarkan cerita rakyat. "Mikrokosmos".

Sastra Ceko dan Slovakia. Melakukan budaya. Ilmu musik.

cara kreatif Leo Janacek (1854-1928) .

Penciptaan Bohuslav Martinu (1890-1959) .

§ 15. Budaya musik Amerika pada akhir XIX - paruh pertama abad XX

Literatur. Musik. Kreativitas pemain-komposer, pencipta karya jazz klasik pertama. Louis Armstrong, Benny Goodman, Duke Ellington. Asal usul genre musik. Seni oleh Jerome Kern, Richard Rogers, Col Porter.

Frederick Rendah dan musikalnya My Fair Lady.

George Gershwin (1898-1937) . warisan musik. "Rhapsody in the Blues Style", kepentingannya yang luar biasa dalam pengembangan tren baru dalam musik Amerika (simfonisasi jazz). Berbagai genre tematik (blues, swing, ragtime). Seorang Amerika di Paris adalah suite orkestra yang brilian. Opera Porgy dan Bess. Keunikan dramaturgi opera. Karakteristik simfoni vokal dari karakter.

Leonard Bernstein (1918-1990) Komposer, konduktor, pianis, humas musik. Musikal West Side Story. Sebuah interpretasi baru dari genre.

Karya Samuel Barber (1910-1981), Aaron Copland (1900-1990), John Cage (1912-1992).

§ 16. Budaya dan seni musik Inggris, Prancis, Italia, dan Polandia pada akhir XIX - awal abad XX

Komposer Inggris nasional. E. Elgar, R.W. Williams, S. Scott, G. Holst.

Karya Benjamin Britten (1913-1976). Seni opera. Variasi genre. "Requiem Perang". keaslian maksud penulis. Komposisi yang megah. Leitmotifs, leitrhythms, leitintervalik "Requiem". Tradisi dan inovasi.

Seni Prancis, sastra, musik. Pelaku, komposer. Prancis "Enam" dan perwakilannya Tokoh: Louis Duray (1888-1979), Arthur Honegger (1892-1955), Germain Taifer (1892-1983), Darius Millau (1892-1974), Francis Poulenc (1899-1963), Jean Cocteau (1899-1963).

Penciptaan F.Poulenc . Seni opera. Monodrama "Suara Manusia". Dramaturgi musik. Tulisan lain.

Grup "Prancis Muda" dan perwakilannya Tokoh: André Jolivet (1905-1974), Olivier Messiaen (1908-1992).

Perkembangan seni, sastra, ilmu musik di Italia. Studi lagu dan tarian cerita rakyat. Karya Ottorino Respighi (1879-1936), Ildebrando Pizzetti (1880-1968), Gian Francesco Malipiero (1882-1973), Alfredo Casella (1883-1974).

Seni musik. Asosiasi kreatif komposer "Polandia Muda". Kreativitas, K. Shimanovsky, V. Lutovsky, M. Karlovich.

Krzysztof Penderecki (l. 1933) - perwakilan cemerlang dari avant-garde musik Polandia. Berbagai genre kreativitas.

"Gairah untuk Lukas" - oratorio monumental. Dramaturgi musik. Logika serial-intonasional pengembangan gambar musik, prinsip montase lapisan kontras.

Abad ke-19 dalam sejarah Spanyol adalah masa berdarah yang sulit, yang, bagaimanapun, berkontribusi pada kebangkitan budaya dan seni nasional. Invasi pasukan Napoleon (1808), konstitusi liberal Cadiz tahun 1812 dan kembalinya absolutisme pada tahun 1814, revolusi borjuis tahun 1869-1873, yang membatasi kekuasaan monarki, dan pada akhirnya kalah perang dengan Amerika Serikat abad ini (1898) menciptakan suasana tegang yang konstan di negara itu. Awal kebangkitan budaya dan seni bertepatan dengan awal perjuangan pembebasan nasional melawan Napoleon, ? sastra menyanyikan kepahlawanan rakyat, dalam kehidupan musik? konservatori terbuka, gedung opera, organisasi konser. Di tahun 1940-an, castisismo, gerakan pendukung kebangkitan genre nasional lama, termasuk zarzuella, menyebar - secara musikal? karya dramatis, dekat dengan operet, tetapi dalam gaya Spanyol, ? menari diselingi lagu. Perwakilan terkemuka dari gerakan ini adalah Francisco Barbieri (1823-1894), yang menyusun koleksi berharga lagu-lagu rakyat abad XV-XVI, dan Thomas Breton (1850-1923), direktur Konservatorium Madrid menentang dominasi opera Italia di Spanyol, keduanya adalah penulis banyak zarzuela. Dalam "castisismo" orang dapat melihat permulaan, butiran ideologis, yang tumbuh dan berkembang dalam gerakan selanjutnya yang muncul di tahun 70-an sebagai tanggapan atas peristiwa-peristiwa revolusioner di tanah air. Di akhir tahun 90-an, gerakan ini mengalami drama khusus, kerasnya konflik dan tumbuhnya perasaan nasional sehubungan dengan kekalahan perang dengan Amerika Serikat dan hilangnya banyak koloni Spanyol.

Jadi, di tahun 70-an ada kebangkitan budaya baru, yang disebut Renacimiento (Renaisans Spanyol), di mana penulis, penyair, dan seniman paling terkemuka berpartisipasi. Nama gerakan tersebut mencerminkan keinginan orang Spanyol akan orisinalitas budaya mereka, ketika, setelah "abad emas (XVI-XVII)" budaya Spanyol (dalam sastra? Cervantes, Lope de Vega, dalam lukisan? Velazquez , Zurbaran dan El Greco, dan dalam musik? Thomas Louis Vittoria ("Palestina Spanyol"), Cristobal Morales dan Antonio Cabezon), waktunya akan tiba untuk pengaruh Italia dan Prancis pada budaya Spanyol dan krisis umum budaya nasional. Tetapi ini tidak memengaruhi musik rakyat yang tinggal di pedalaman: “Penulis Rusia V.P. Botkin, yang mengunjungi Spanyol pada tahun 1845, bersaksi bahwa “orang Andalusia tidak dapat pergi, atau pergi, atau bekerja” tanpa fandango ... "Druskin M. History musik asing., edisi 4; Budaya musik Spanyol; M., Musik 1967; S.502 ..

Karel Capek menulis tentang Spanyol seperti ini:

“... di negeri ini tidak jauh untuk apa kalau tidak salah disebut nasionalisme. Orang-orang ini, tidak seperti orang lain di dunia, kecuali Inggris, berhasil mempertahankan cara hidup khusus mereka; dan dari jubah wanita hingga musik Albéniz, dari kebiasaan sehari-hari hingga rambu jalan, dari caballeros hingga keledai, dia lebih memilih miliknya sendiri, aslinya bahasa Spanyol, daripada pernis seragam peradaban internasional. Mungkin intinya di sini adalah iklim atau posisi yang hampir picik, tetapi yang utama menurut saya adalah karakter masyarakatnya. Di sini setiap caballero mengangkat hidungnya dengan kesombongan regional; Gaditano membanggakan diri dari Cadiz, Madrileno ? bahwa dari Madrid, Asturian bangga dengan itu dari Asturias, dan Castilian bangga pada dirinya sendiri, karena masing-masing nama ini diselimuti kemuliaan, seperti lambang.

Itulah sebabnya, menurut saya, seorang Sevillian tidak akan pernah merendahkan diri untuk menjadi orang Eropa internasional yang baik; karena dia bahkan tidak bisa menjadi Madrid. Salah satu misteri Spanyol yang paling tidak terpecahkan? semangat kedaerahannya, suatu keutamaan khusus yang berangsur-angsur memudar di seluruh Eropa; daerahisme? produk kotor alam, sejarah dan manusia. Spanyol belum berhenti menjadi alam dan belum sadar dari sejarahnya, karena? kemudian dia berhasil mempertahankan kualitas ini sedemikian rupa. Nah, dan kami, yang lain, hanya bisa sedikit terkejut melihat betapa indahnya itu? menjadi sebuah bangsa” Karel Capek “On the mob. Catatan perjalanan"..

Felipe Pedrel adalah inspirasi di balik musikal Renacimiento? sarjana musik, cerita rakyat, komposer, opera dan musik simfoni, komposisi paduan suara. Pada abad ke-19, pengaruh romantisme Prancis kuat di Spanyol. Di tahun 70-an, Pedrel menulis opera berdasarkan plot penulis Prancis, tetapi sudah di tahun 80-an ia beralih ke studi mendalam tentang musik rakyat dan profesional Spanyol, dan menulis trilogi opera Pyrenees tentang perjuangan patriotik orang Catalan melawan bangsa Moor. pada abad ke-13.

Cita-cita estetika Pedrel yang diungkapkannya dalam manifesto "For Our Music" berada dalam perpaduan harmonis antara kekayaan cerita rakyat dengan keahlian profesional tinggi para komposer Spanyol. Dia memberi contoh perwakilan dari Segenggam Perkasa Rusia dalam pengembangan gaya nasional masing-masing, berdasarkan lagu rakyat. Tapi dalam karyanya, dia tidak bisa menerapkan ide ini,? Albéniz melakukan ini sepenuhnya, dan setelah dia Enrique Granados, J. Turin, J. Nin dan Manuel de Falla terus berkembang.

“... kesedihan dan makna sebenarnya dari kebangkitan adalah kembalinya kejayaan musik Spanyol sebelumnya, menguasai berbagai bentuk dan genre, menjalin kontak dengan pencarian lanjutan seni kontemporer? dalam mencapai tingkat kreativitas yang berbeda secara kualitatif, di mana prinsip nasional akan memanifestasikan dirinya secara keseluruhan, sekaligus menjadi universal ... ”Martynov I. Musik Spanyol. Monografi. M., Sov. komposer, 1977.p.121.

Kolektor lain dari "tempat berharga" dari cerita rakyat Spanyol adalah Federico Olmeda, siapa yang mengoleksi dari penyanyi? petani di desa Castile lebih dari 300 lagu rakyat untuk koleksi "Folklore of Castile".

Kekhasan budaya daerah, perbedaan intonasional dalam nada musik (dan bahkan perbedaan bahasa) dari masing-masing provinsi di Spanyol difasilitasi oleh geografis (pemisahan wilayah oleh pegunungan), iklim (utara yang keras dan selatan yang panas) dan ekonomi dan kondisi politik (tergantung pada komunikasi daerah dengan Eropa). Tapi, dengan perbedaan sempurna dalam nada dan bahasa di berbagai wilayah negara, ada fitur umum gaya nasional dan preferensi dalam ekspresi. Ini adalah kesatuan organik dari tarian, lagu, dan iringan, yang oleh orang Spanyol sendiri disebut sebagai "mewakili lagu dengan bantuan kaki" dan kecintaan universal pada gitar. Gitar di Spanyol terdiri dari dua jenis dan berbeda dalam metode ekstraksi suara dan asalnya? Moor (dimainkan dengan cara "punteado" - pengambilan setiap not yang berbeda dengan sejumput) dan Latin klasik (cara "rasgueado" - mengambil akord dan memainkan tremolo). Juga tidak mungkin membayangkan musik Spanyol tanpa alat musik, yang dikatakan oleh ahli musik Rusia M. Weisbord saat menjelaskan kesan konser penari Spanyol Lucera Tena: “? Di tangannya, alat musik, seolah-olah, melampaui batas kemampuan mereka. Mereka tidak hanya menyampaikan nuansa dinamis yang paling halus atau menenun renda bagian dengan mudah, tetapi mereka juga mampu menyampaikan esensi musik kepada pendengar.” Weisbord M.A. Ishak Albeniz. Esai tentang kehidupan. Kreativitas piano. M., Sov. komposer, 1977; C.9.

Selain gitar dan kastanyet, musik rakyat juga menggunakan berbagai alat petik senar lainnya (banduria, kecapi), alat musik tiup kayu (varietas seruling) dan perkusi (rebana, dll.), dan ansambel musiknya juga bervariasi tergantung daerahnya. .

Di antara berbagai macam lagu dan tarian Spanyol, jota utara menonjol - "ratu tarian" (Aragonia), yang telah menyebar ke seluruh negeri (ada varietas jota, tergantung pada daerahnya, jota Valencia, Kastilia, Tortosian ), dan fandango selatan di Andalusia, bervariasi menurut Andalusia (di Granada adalah granadina, di Ronda disebut rondeña, di Malaga disebut malagueña). Fandango juga bermigrasi ke seluruh negeri dan mencapai paling utara (misalnya? Fandango Asturian dengan koreografi Andalusia selatan, tetapi musik Asturian utara). Sejak paruh kedua abad ke-19, fandango tersebar luas, dan komposer asing menggunakan melodi Andalusia untuk mengekspresikan karakter Spanyol dalam karya mereka.

Tarian yang paling penting dalam hal pengaruh pada budaya lain dan penyebaran tarian juga termasuk "sortsico" (negara Basque) yang kompleks berirama lima ketukan utara, yang merupakan dasar dari himne Basque "The Tree of Guernica", dan melakukan tidak melampaui wilayahnya, "sardana" Katalan (Spanyol timur laut, yang bahasa dan musiknya dekat dengan Provence Prancis), "bolero" (mungkin ditemukan oleh S. Seresa dari Cadiz pada akhir abad ke-18), tersebar luas di seluruh negeri dan di Kepulauan Balearic (di Castile, misalnya, pertunjukan bolero-seguidilla).

Dalam musik "flamenco" (Andalusia) yang dicintai dan populer, yang asal-usulnya dalam budaya Moor, bangsa Moor memiliki Spanyol dari abad ke-8 hingga ke-13, pengaruh budaya mereka juga tercermin dalam arsitektur, dan lapisan tertua musik rakyat Spanyol yang terkait dengan pengaruh ini disebut "nyanyian kuno ", serta pengaruh gipsi Pada abad ke-15, gipsi tiba dari Byzantium yang runtuh dan menetap di Spanyol selatan. Mereka menggunakan fret yang khas (fret yang meningkat), melismatik virtuoso , kromatisme, poliritme, cara khusus bernyanyi tenggorokan.

"Habanera", diimpor dari Kuba, bekas jajahan Spanyol saat itu, "Habanera" diterjemahkan dari bahasa Spanyol sebagai "tarian dari Havana". berbeda dari semua tarian selatan dalam ritme yang lebih kompleks, menunjukkan sintesis Kuba-Spanyol yang kompleks: dalam waktu 2/4, ritme bertitik digabungkan dengan kembar tiga.

Fleksibilitas dan kompleksitas ritme? fitur yang menonjol Cerita rakyat Spanyol, tapi “... di utara? ini adalah ritme variabel yang kompleks, di mana kombinasi 2 + 3 dan 3 + 2 bergantian, di selatan ritme lebih sederhana (dengan hitungan tiga), tetapi berbeda dalam variasi dalam aksentuasi, sinkopasi ... ”Druskin M. History of musik asing. masalah 4; Budaya musik Spanyol; M., Musik 1967; S. 505.

Pada abad ke-19, ada juga genre "tonadilla" yang menghilang, bahasa Spanyol "tonadilla", - lit. - lagu, kurangi. dari "tonada" - lagu. Banyak tonadilla dicirikan oleh struktur tiga bagian: intrada, coplas, dan finale menggunakan genre seguidilla dan tyrana. ? adalah komedi musikal Spanyol, yang dibedakan oleh dinamisme dan perkembangan aksi yang cepat, hubungannya dengan cerita rakyat genre musik, melodi lagu, kesederhanaan dan aksesibilitas bahasa musik. Penyanyi, gitaris dan komposer Manuel de Garcia (1775-1832) dianggap sebagai tonadilleros terakhir. Dia menulis sekitar tujuh puluh tonadilli, adalah penyanyi hebat dan berkarir di Paris, terpaksa meninggalkan negara asalnya, Spanyol. Namun di Prancis, ia tidak melupakan tradisi seni tanah airnya dan berkontribusi pada pengenalan Eropa dengan genre tonadilla yang sedang menurun, dan juga terkenal dengan penampilan lagu-lagu Spanyol. Dia membesarkan penyanyi yang luar biasa, putri-putrinya? Maria Malibran dan Pauline Viardot, serta penyanyi terkenal dan penulis risalah seni menyanyi - putranya Manuel Garcia. E. Granados juga memiliki "Collection de Tonadillas escritas en estile antiguo" untuk suara dan piano.; terlepas dari keintiman idenya, mereka mempertahankan ciri-ciri aksi panggung.

Pada paruh pertama abad ke-19, apakah musik instrumental profesional berhasil berkembang? pentas seni. Gitaris Spanyol menikmati ketenaran di seluruh dunia. Di antara mereka, gitaris Ferdinando Sor (seorang virtuoso dan komposer yang memperluas kemungkinan teknik bermain gitar) dan Murciano, yang permainannya didengarkan oleh M. Glinka, yang mengunjungi Spanyol, secara khusus dibedakan oleh kelangkaan bakat mereka.

Pemain biola terkemuka Pablo Sarasate (1844-1908) berkeliling Eropa dan Amerika dan menarik perhatian dunia ke Spanyol dengan aktivitas pertunjukannya.

Pada paruh kedua abad ke-19, tibalah waktunya untuk penciptaan galaksi komposer terkenal - I. Albeniz, E. Granados, M. de Falla, pemain cello hebat Pablo Casals, pianis yang luar biasa Ricardo Vines dan lainnya.

Aspirasi inovatif dari komposer Spanyol lebih sering ditemukan pemahaman pertama di Prancis, tempat tinggal I. Albeniz, bakat M. de Falla diakui, "Spanishisme" musik Prancis berkembang, dan baru kemudian di tanah air mereka. Banyak komposer dan musisi Spanyol beremigrasi dari Spanyol yang bermasalah. Di sebelah Madrid dan Barcelona, ​​​​pusat bahasa Spanyol lainnya kebangkitan musik- Paris, yang mempertahankan signifikansi ini hingga pecahnya Perang Dunia Pertama, ketika sebagian besar musisi Spanyol kembali ke tanah air mereka.

Ditandai dengan pencapaian tinggi di bidang polifoni vokal dan genre instrumental, dibentuk dan dikembangkan dalam konteks spiritual dan artistik umum, yang mencerminkan beberapa sikap dan prinsip mendasar. "Zaman keemasan" (É poca de oro) - begitulah biasanya para sejarawan merujuk pada periode Renaisans akhir dan Barok awal - menjadi masa berkembangnya budaya artistik Spanyol secara keseluruhan, di mana musik merupakan bagian yang tidak terpisahkan.

Pada saat yang sama, tradisi para master Belanda dan Italia, termasuk Josquin Deprez, Okeghem, N. Gomber, Palestrina, dan lainnya, memiliki pengaruh yang signifikan terhadap seni Spanyol Banyak fakta biografi musisi terkemuka, sumber dokumenter lainnya mengkonfirmasi dan mengkonkretkan pengaruh-pengaruh ini.

Jika kita berbicara tentang esensi mereka, sebagian besar berkat mereka pandangan humanistik baru tentang dunia terwujud dan diubah dalam karya polifonis Spanyol terbesar C. Morales, F. Guerrero, T.L. de Victoria, instrumentalis A. de Cabezon, L. Milan, yang namanya diasosiasikan « 3 emas abad" Musik Spanyol. Fondasi Renaisans dari pandangan dunia polifonis Spanyol dapat dilihat melalui prisma sintesis baru kata dan musik, perwujudan ideal yang dilihat oleh ahli teori musik abad ke-16 di Antiquity. Dengan demikian, sikap baru sang komposer terhadap kata tersebut, yang diperkirakan oleh beberapa peneliti, dan khususnya oleh E. Lovinsky, sebagai pusat revolusi gaya Renaisans dalam musik, sangat erat kaitannya dengan perkembangan humanistik warisan kuno, ketika "Tulisan Yunani" tentang musik dipelajari oleh musisi Renaisans dengan semangat yang sama seperti filsuf mempelajari Plato, pematung mempelajari patung kuno, arsitek mempelajari bangunan kuno. 5

Studi aktif tentang warisan kuno sebagian besar berkontribusi pada realisasi peran baru teks sastra, yang pada zaman Renaisans "menjadiutamamemaksamusikalinspirasi". 6 Bagi komposer, yang penting bukanlah struktur formal-formal melainkan sisi semantik teks, yang membutuhkan refleksi ekspresif dan simbolisnya dalam musik, berfungsi sebagai dorongan untuk imajinasi musik dan kecerdikan pengarang. Dalam konteks ini, di mana musik adalah sejenis komentar ekspresif subyektif pada citra puitis, peneliti mempertimbangkan inovasi gaya dan teknis dari bahasa musik para master. Renaisans Tinggi. Dengan menggunakan metode komposisi simultan (sebagai lawan dari abad pertengahan berturut-turut), komposer mendapat kesempatan untuk menafsirkan kekuatan ekspresif dari disonansi, kontras ritmis dan tekstur dengan cara baru dan dengan demikian memanipulasi kata atas kebijakannya sendiri.

Motets Moralesa- contoh sintesis organik, ketika, di satu sisi, komposer mengikuti tren dan aturan yang universal pada masanya, dan di sisi lain, dia mendandani mereka dalam bentuk artistik individu. Sebagai contoh, inilah motet "Emendemus in melius" ("Kami berkembang menjadi lebih baik"), yang dimaksudkan untuk dibawakan pada salah satu hari Minggu Prapaskah Agung. Akibatnya, dapat disimpulkan bahwa hanya teks-teks religius yang menerima interpretasi musik yang begitu menyedihkan dan ekspresif dari penciptanya. 7 Beberapa tulisan tentang subjek sekuler mengungkapkan sikap pengarang yang agak netral terhadap jenis puisi ini.

Rupanya, tren ini menemukan ekspresi paling konsisten dalam karya Victoria, yang umumnya kekurangan sumber sekuler dan tema sekuler, yang sangat mencolok pada periode sekularisasi seni yang eksplisit dan lahirnya drama musikal. Bahkan ketika menggunakan teknik parodi, ia selalu mendasarkan dirinya pada model religi dan dalam hal ini menginterpretasikan penggalan-penggalan motifnya. Pengembangan lebih lanjut menemukan di Victoria ide Renaisans tentang sintesis sastra dan musik dan "gaya ekspresif", yang secara halus responsif terhadap nuansa semantik teks, ekspresi kunci, dan kata-kata.

Jadi, Victoria termasuk dalam jajaran komposer Renaisans yang sangat peka terhadap tren baru. Sama seperti para madrigalis, ia mampu meninggalkan teknik yang sudah mapan demi mewujudkan konten spesifik teks puitis yang mendasari komposisi. Kecenderungan ini menentukan semua karyanya, tetapi itu terwujud paling jelas dalam motets, yaitu dalam genre yang awalnya bercirikan kebebasan model komposisi verbal dan musik.

Polifoni religius adalah salah satu kutub musik Spanyol pada zaman Renaisans, yang sangat penting dalam perkembangan gaya Renaisans baik di Spanyol sendiri maupun di luar negeri, yaitu dalam kepemilikan luar negeri. Area lain yang tidak kalah pentingnya diwakili oleh vokal sekuler dan instrumental anrami, terkait erat dan dibudidayakan di lingkungan aristokrat istana. Perlu ditekankan bahwa lapisan tradisi musik ini juga mengalami perpindahan dan mengakar di koloni-koloni di rumah-rumah bangsawan kolonial tertinggi.

Pesatnya perkembangan pembuatan musik instrumental independen merupakan penaklukan yang tidak diragukan lagi dari Renaisans, estetika humanistik, yang merangsang identifikasi inisiatif pribadi, daya cipta kreatif musisi, serta keterampilan individu yang tinggi dalam menguasai instrumen. Sepanjang abad ke-16, karya vokal - roman, villancico, serta tarian menjadi sumber utama repertoar instrumental. Arti dari praktik ini, tersebar luas di seluruh Eropa Barat, adalah bahwa versi instrumental mewakili semacam komentar vokal, berkat pemrosesan kontrapuntal, ornamen yang kaya, dan pewarnaan garis melodi. Potongan variasi seperti itu disebut di Spanyol glos atau diferensial ini. Kelompok bentuk inilah yang dianggap E. Lovinsky sebagai awal dari gaya instrumental independen, yang kemudian didefinisikan dalam genre "musik absolut" seperti fantasi, canzone, ricercar, tiento, yang mengadaptasi gaya kontrapuntal motet. 8

Tingkat perkembangan sekolah instrumental Spanyol abad ke-16 dapat dinilai dari literatur yang luas untuk instrumen vihuela, organ dan keyboard, serta dari panduan praktis, risalah di mana aspek-aspek tertentu dari intabulasi dikerjakan secara menyeluruh, yaitu aransemen komposisi vokal untuk pertunjukan instrumental, teknik pertunjukan itu sendiri, termasuk ciri-ciri posisi tangan, penjarian, artikulasi, berbagai metode ornamen melodi, syarat penggunaan melismas , dll. diberikan dengan banyak contoh.

Kesimpulannya, ditekankan bahwa di era Barok, ketika pemikiran artistik dan musik mengalami transformasi yang signifikan, struktur genre musik Eropa Barat berubah, yang berpusat pada opera dan genre instrumental baru dari concerto, suite, sonata, musik Spanyol. secara bertahap kehilangan posisinya. Pada saat yang sama, publikasi terbaru tulisan tangan, monumen musik abad 17-18 yang sebelumnya tidak diterbitkan, termasuk Antonio Soler, Sebastian Albero, Vicente Martin y Soler dan sejumlah lainnya, penelitian ilmiah yang dilakukan baik di Spanyol sendiri maupun di luar negeri. dan didedikasikan untuk periode ini, memberikan argumen yang kuat untuk koreksi dan bahkan revisi ide-ide yang sudah mapan dan sering ketinggalan zaman tentang sejarah musik Spanyol dari barok dan klasisisme yang matang, tentang perkembangan musik instrumental dan opera di Spanyol pada abad ke-18.

Vicente Martin y Soler dan operanya "The Rare Thing"

Bagian awal esai ini dikhususkan untuk deskripsi yang cukup rinci tentang biografi komposer Spanyol yang hidup di paruh kedua abad ke-18. Berasal dari Valencia, dia bekerja di Italia, di mana dia mulai menulis opera seria dan balet, dan dari tahun 1782 opera buffa. Di paruh kedua tahun 80-an. dia datang ke Wina, di mana mahakaryanya yang terkenal diciptakan - "The Benevolent Rough Man", "A Rare Thing" dan "The Tree of Diana" ke libretto oleh L. Da Ponte. Di bagian esai ini, materi dari Memoirs Da Ponte banyak digunakan, yang mencerminkan banyak peristiwa spesifik pada periode ini dalam kehidupan komposer. Sejak 1789, ia tinggal dan bekerja di Rusia, di mana tiga karya ditulis ke libretto Rusia, termasuk dua ("Grief Bogatyr Kosometovich" dan "Fedul with Children") ke teks Catherine II, dan opera Wina-nya juga dipentaskan. Dan di sini sumber-sumber dokumenter digunakan (materi dari Arsip Direktorat Teater Kekaisaran, majalah, dll.), Yang mengkonfirmasi kesuksesan, tetapi relatif singkat. takdir panggung warisan opera dan baletnya di Rusia.

Bagian utama esai ini menyajikan analisis gaya-sejarah dan gaya-musik dari monumen musik itu sendiri, dan di sini versi terbaru dari publikasi, yang disiapkan berdasarkan manuskrip yang sebelumnya tidak dikenal, digunakan. Dengan demikian, libretto dicirikan secara mendetail, di mana teks sumber utama dipertimbangkan dari perspektif komparatif - lakon oleh penulis drama Spanyol L. Velez de Guevara dan teks Da Ponte yang sebenarnya. Alhasil, dapat disimpulkan bahwa Da Ponte sengaja mengolah kembali sumber sastra tersebut, menjadikannya dominan baris lirik-pastoral, yang muncul secara mendetail dan dikerjakan serta dibedakan secara beragam.

Dengan demikian, jenis genre liris-pastoral dari libretto telah menentukan kekhasan gaya musik opera, dan juga berkontribusi pada pengungkapan maksimum keterampilan komposer individu Martin y Soler. Pada saat yang sama, gaya penggubah mencerminkan kecenderungan dan tren umum yang menjadi ciri khas tahap akhir perkembangan penggemar opera Italia, yang cukup memiliki kesamaan dengan karya-karya Paisiello, Cimarosa, Sarti, Mozart. Kita berbicara tentang berbagai teknik dramatis dan komposisi, individualisasi karakteristik musik, peningkatan signifikansi ansambel dan, khususnya, final multi-bagian, peningkatan peran prinsip liris, yang muncul dalam berbagai macam corak dan bentuk - sebagai liris-pastoral, liris-genre, liris-komik, liris-menyedihkan, dll. Biasanya, inovasi ini dikaitkan dengan opera Mozart, dan dialah yang diberi prioritas tanpa syarat dalam memperbarui opera di akhir abad ke-18. Pada saat yang sama, kita harus memberikan penghormatan kepada orang-orang sezamannya yang luar biasa, termasuk Martin y Soler, yang berkontribusi dalam proses ini, mengungkap kebenaran yang sebenarnya. kemungkinan tak terbatas genre buffa opera, memperkayanya dengan warna-warna unik yang cerah.

Seperti banyak opera komik lainnya pada periode ini, The Rare Thing memiliki pluralitas lapisan gaya, menggabungkan tiga komponen utama. Mereka dapat ditetapkan sebagai "gaya seria", "gaya buffa", dan "gaya liris", dan partisipasi proporsional dari masing-masing komponen dan interpretasi masing-masing berbeda secara signifikan. Dominasi lapisan liris yang mewujudkan prinsip liris-pastoral menjadi ciri khas opera ini; Selain itu, lingkup lirik yang paling beragam dan sekaligus mendetail menentukan ciri-ciri tokoh utama (Lilla, Lubin, Gita) dan karenanya disajikan dalam arias. Karakteristik individu dari sejumlah karakter lahir dalam interaksi berbagai komponen gaya - liris dan komik (badut) - Gita, liris dan serius ("gaya seria") - Pangeran, Ratu. Secara umum, dalam penokohan karakter, Martin menjauh dari prinsip pengetikan dan menjenuhkannya, terutama yang berkaitan dengan karakter utama, dengan detail dan nuansa halus yang menciptakan tampilan setiap karakter yang hidup dan dinamis.

Kecenderungan umum, yang memanifestasikan dirinya baik dalam arias maupun ansambel, adalah dominasi nomor non-kontras tempo tunggal dan, akibatnya, pengurangan skalanya. Adapun ansambel, harus dikatakan bahwa dalam The Rare Thing, dibandingkan dengan opera Martin y Soler sebelumnya, ada kecenderungan yang jelas untuk meningkatkan peran mereka, yang akan semakin terlihat di The Tree of Diana. Sejumlah peneliti melihat ini sebagai cerminan dari praktik Wina. Dalam The Rare Thing, arias (ada 16 di antaranya) masih menempati posisi terdepan, namun, 10 ansambel (3 duet, 2 tercet, sextet, septet, pengantar, 2 final) menunjukkan peningkatan signifikan dalam signifikansi mereka dalam drama. perkembangan opera.

Sebagai kesimpulan, esai tersebut menyatakan bahwa studi lebih lanjut dan publikasi warisan Martin y Soler, termasuk opera dan balet, dapat secara signifikan memperkaya gambaran keseluruhan teater musikal Spanyol pada akhir abad ke-18 dan awal abad ke-19.

Musik Spanyol abad ke-19 - asal muasal Renaisans Musik Baru.

Abad ke-19 adalah salah satu periode paling kontroversial dan sulit dalam sejarah musik Spanyol. Dengan latar belakang pencapaian terbesar yang dialami musik negara tetangga - Prancis, Italia, Jerman, Austria, serta sekolah nasional muda Polandia, Hongaria, Rusia, di zaman romantis, musik profesional Spanyol sedang mengalami era krisis yang panjang dan berlarut-larut. Namun kelambatan ini, yang dirasakan dengan sangat menyakitkan di dalam negeri itu sendiri, yang memicu banyak perselisihan dan diskusi di halaman pers berkala, bagaimanapun, tidak memengaruhi semua bidang budaya musik. Pertama-tama, kita berbicara tentang bidang genre instrumental besar - simfoni dan kamar - yang begitu berbobot dan signifikan dalam hierarki genre musik romantis.

Adapun teater musikal, situasinya berbeda. Opera dalam segala manifestasi dan modifikasinya, termasuk nasional dan genre, telah menjadi objek perhatian, refleksi, dan kritik utama. Tepat Teater musikal menjadi titik persimpangan dari masalah masyarakat Spanyol yang paling akut, signifikan secara sosial dan artistik. Salah satunya adalah gagasan identitas nasional. Pada saat yang sama, hampir seluruh paruh pertama abad ke-19 terjadi di Spanyol, serta di sejumlah negara Eropa lainnya, di bawah tanda opera Italia, terutama Rossini dan rekan-rekannya yang lebih muda, Bellini dan Donizetti. Namun, mulai dari sepertiga kedua abad ke-19, zarzuela Spanyol, yang mengumpulkan ciri khas nasional, menjadi penyeimbang opera asing. Pada periode berikutnya, dua varietas utama zarzuela dikembangkan: yang disebut "besar" 3 babak ("Bermain dengan Api" oleh Barbieri) dan varietas "kecil" (Sainete dan Chico - "Gran Via" oleh Chueca dan Valverde ), mencerminkan tren costumbrist (tulisan sehari-hari) ) dalam sastra Spanyol pada masa itu.

Zarzuela yang memiliki estetika dan gaya bermusik tersendiri yang berorientasi pada selera khalayak ramai menimbulkan penilaian ambigu dari sejumlah komposer dan kritikus. Kontroversi serius terungkap seputar genre ini, di mana pemula di tahun 70-an juga bergabung. Komposer abad XIX dan ahli musik Felipe Pedrel.

Pedrel adalah tokoh kunci dalam sejarah musik Spanyol pada pergantian abad. Kontribusi kreatifnya terhadap perkembangan musik Spanyol pada periode ini terdiri dari kombinasi beberapa bidang utama aktivitasnya: komposer, sastra-teoretis, dan musikologis. Sebagai seorang komposer dan ahli teori, dia adalah pendukung drama musikal Wagnerian, berusaha untuk menggunakan dalam karyanya sejumlah pencapaian terpenting dari komposer Jerman, seperti sintesis musik dan drama yang setara, sistem motif utama, rumit. jenis harmoni, sambil meyakini bahwa lagu rakyat harus berfungsi sebagai sumber melodi-tematik opera Spanyol modern. Namun, bagian musik sebenarnya dari warisan Pedrel, yang mencakup, selain opera, komposisi instrumental, paduan suara, dan vokal, adalah bidang karyanya yang paling bermasalah dan ambigu.

Adapun aktivitas teori musik Pedrel, secara umum diakui bahwa ia adalah pendiri musikologi Spanyol modern. Memiliki bakat sejarah khusus dan pengetahuan yang mendalam, dia sangat menyadari peran dan nilai yang sangat besar dari warisan musik klasik Zaman Keemasan (abad XVI-XVII), termasuk polifoni vokal dan sekolah clavier organ. Itulah sebabnya dalam penelitian musikologinya ia berkonsentrasi pada pemulihan dan penerbitan karya-karya para master besar di masa lalu.

Salah satu karya teoretis utama Pedrel, yang mengungkapkan konsep estetikanya dengan jelas dan jelas, adalah manifesto terkenal "For Our Music" (1891), di mana ia menguraikan dalam bentuk yang diperluas idenya tentang perkembangan modern sekolah komposisi Spanyol. Dari sudut pandangnya, drama musikal, yang menyerap dan mengasimilasi pencapaian sekolah opera Jerman dan Rusia modern, berdasarkan lagu cerita rakyat Spanyol dan mengubah tradisi musik Zaman Keemasan, yang akan menentukan masa depan Musik Spanyol.

Sebagai kesimpulan, ditegaskan bahwa Pedrel memberikan kontribusi yang signifikan terhadap perkembangan konsep seni musik nasional berbasis tradisi cerita rakyat.

Manuel de Falla - pengembangan kreatif

(Cadiz - Madrid - Paris, 1876-1914)

Bagian pembukaan esai menjelaskan secara rinci kehidupan dan cara kreatif komposer, termasuk periode awal dan Paris (hingga 1914), momen terpenting dalam biografinya ditekankan di sini (guru, pengaruh musik, peristiwa, kontak kreatif), yang memengaruhi perkembangannya sebagai komposer. Dari sudut pandang ini, panggung Paris sangat penting, khususnya, kenalan dan komunikasi kreatif dengan Dukas, Ravel, Stravinsky, Debussy. Ditekankan bahwa Debussy-lah yang berperan penting dalam proses pengerjaan ulang opera Falla "A Short Life". Bagian utama di sini ditempati oleh masalah pembentukan bahasa musik penggubah dan analisis komposisi piano dan vokal awal yang dibuat pada tahun 80-900-an.

Selera dan preferensi muda Falla dibentuk oleh lingkungan artistik Cadiz provinsi, salon musik borjuis, yang bertindak sebagai penerima "turunan" sekunder dari tradisi musik romantis "tinggi", yang diwakili dalam lapisan sosial ini, terutama oleh genre kecil. - nocturne, lagu, mazurka, waltz , serenade, dll. Lingkungan tempat mereka turun dan di mana, menurut hukum mereka sendiri, ada contoh pianisme romantis yang tinggi - karya Chopin, Mendelssohn, Schumann, Grieg, serta arias melodi dari opera Italia populer oleh Bellini, Donizetti, membentuk estetika tersendiri norma dan kriteria. Pembuatan musik salon provinsi ini menyiratkan tidak hanya interpretasi sampel "tinggi", tetapi juga komposisi "milik sendiri", yang didasarkan pada penyalinan dan pengulangan "asing".

Seiring dengan lingkungan pembuatan musik salon amatir di mana-mana di kota-kota provinsi Spanyol, dampaknya pada awal gaya musik Falla memiliki tren yang berakar di Spanyol pada abad ke-19, terutama pada masa pemerintahan Isabella II (1833-1868), dan menjadi cabang romantisme regional. Kita berbicara tentang "Andalusisme", yang sebenarnya tidak dijelaskan dalam musikologi berbahasa Rusia. Padahal, tanpa masalah tersebut tidak mungkin terbentuk gambaran yang lengkap dan memadai tentang perkembangan musik Spanyol pada paruh kedua abad ke-19. Gagasan tentang temperamen selatan, yang bercirikan humor meriah, optimisme, kegembiraan hidup, dan pada saat yang sama gairah, mulai mengakar dalam seni Spanyol tepatnya di era romantisme, bahkan melampaui kehidupan artistik dan menjadi sejenis. fenomena sosial yang terkait dengan cara hidup tertentu. Dalam konteks ini, musik "Andalusisme" juga berkembang, yang pertama kali terwujud dalam genre lagu - dalam lagu-lagu Sebastian Iradier, Mariano Soriano Fuertes, José Valero.

Sebelum bertemu dengan Pedrell, yang membuka dunia esoteris dari tradisi profesional "tinggi" kepada komposer pemula, yang hidup menurut hukum yang sama sekali berbeda, standar salon yang "diperkecil", dibumbui dengan rempah-rempah "andalusia", menentukan gaya musik Falla. Segala sesuatu yang ditulis sebelum 1903-04. - Nocturne (1896), Mazurka (1899), Song (1900), Serenade (1901) - tentunya menegaskan tesis ini. Karya yang ditulis oleh Falla untuk sebuah kompetisi yang diumumkan oleh Madrid Conservatory pada tahun 1903 menunjukkan tingkat keterampilan mengarang yang baru. Ini adalah "Konser Allegro" (1904).

Komposisi yang dibuat di Paris ("Empat Karya Spanyol", "Tiga Melodi"), ketika Falla secara intensif mendapatkan pengalaman artistik modern, juga menandai tahap baru dalam gaya. Pertama-tama, perkembangan impresionisme terjadi di sini, yang diekspresikan dalam sikap baru secara kualitatif terhadap suara, timbre, fonisme akord, kompleks harmonik dan tekstur, dan secara paralel, penghilangan bertahap dari prinsip estetika romantisme. Pada saat yang sama, kerja internal yang aktif terus berlanjut, terkait dengan pemahaman cerita rakyat nasional dalam konteks pengalaman estetika baru ini, dan di sini pengaruh Debussy tidak hanya di bidang timbre-sonor, tetapi juga di bidang modal- pemikiran tonal, ritme, dan bentuk, memiliki dampak yang menentukan.

Tempat sentral dalam esai ditempati oleh analisis opera "A Short Life". Ini membandingkan dua versi - 1905 dan 1913, sifat dan arah perubahan yang dilakukan pada skor dalam proses belajar dengan Debussy, menyediakan dan menganalisis materi dokumenter (rekaman yang dibuat oleh Falla setelah pertemuan dengan komposer Prancis), yang menunjukkan pembentukan pedoman gaya baru dalam karya Falli. Diantaranya - impresionisme (dalam orkestrasi), serta beberapa prinsip drama musikal Mussorgsky dan Debussy. Namun, peran penting dalam proses mewujudkan konsep opera ini, sebuah drama musikal verist, seorang Perancis opera lirik dan zarzuela Spanyol. Berdasarkan asimilasi pengaruh tersebut, dramaturgi musik, komposisi dan bahasa karya ini terbentuk.

Secara umum, drama musikal opera terdiri dari dua garis yang berkembang dan terjalin, yang saling kontras, tidak tetap acuh tak acuh satu sama lain; kombinasi mereka menciptakan variasi dan kedalaman tindakan. Ini adalah garis liris-dramatis yang terkait dengan hubungan cinta antara dua karakter utama - Salud dan Paco, dan garis deskriptif, lanskap, genre-domestik yang memainkan peran naungan latar belakang. Penting untuk ditekankan bahwa latar belakang - alami, bergenre-domestik, meriah, terkait erat dengan rangkaian acara utama, berakting baik dalam harmoni yang lengkap dengan apa yang terjadi di atas panggung, atau kontras yang mengesankan.

Komposisi "A Short Life" adalah struktur yang harmonis, saling seimbang dan integral, di mana melalui pengembangan materi musik disertai dengan pengulangan tema-motif utama yang kemunculannya sangat ditentukan oleh situasi panggung. Falla menerapkan prinsip karakterisasi leitmotif, tetapi sangat terbatas - hanya ada tiga leitmotif.

Secara umum, dua versi opera "A Short Life" menegaskan bahwa proses pembentukan gaya penggubah individu telah selesai. Tugas yang ditetapkan oleh komposer sendiri sebelum perjalanan ke Paris berhasil dilaksanakan. Masa kedewasaan kreatif telah tiba.

Manuel de Falla di Rusia

(tentang sejarah produksi opera "A Short Life")

Musik Rusia memiliki daya tarik tersendiri bagi Manuel de Falla. Untuk pertama kalinya, minat yang meningkat ini terlihat selama periode Paris dalam hidupnya (1907-1914), dan ini bukan kebetulan. Lagipula, tahun 10-an abad ke-20 ditandai dengan pengaruh luar biasa seni Rusia di dunia Barat, yang, seperti yang Anda ketahui, terfokus di Paris. Mungkin peran utama dalam hal ini dimainkan oleh aktivitas serbaguna dan intens dari Sergei Diaghilev, yang sejak 1909 mewakili Musim Rusia tahunan. Kita juga tidak boleh lupa bahwa pengakuan internasional atas Mussorgsky justru dimulai di Paris.

Ketertarikan Falla pada musik Rusia, dalam banyak hal, disebabkan oleh suasana artistik Paris yang terbuka, di mana komposer muda Spanyol menyaksikan gelombang minat yang berkembang pesat pada seni Rusia baru. Misalnya, pada tahun 1914, dalam sebuah wawancara, dia berkata: “Preferensi saya adalah sekolah Prancis modern dan karya luar biasa dari musisi Rusia. Hari ini orang Rusia dan Debussy adalah nabi dalam seni musik.” 9 Banyak bukti lain yang membuktikan pengaruh musik Rusia di Falla, mulai dari isi perpustakaan pribadinya, di mana kita melihat partitur rumit oleh Glinka, Mussorgsky, Rimsky-Korsakov, termasuk Fundamentals of Orchestration miliknya, hingga berbagai pernyataan tentang hal ini subjek tersebar dalam karya-karya kritis, wawancara dan surat-surat dari berbagai tahun.

Oleh karena itu, tidak mengherankan jika, saat tinggal di Paris, lalu di Madrid dan Granada, Falla banyak berkomunikasi dengan artis dan musisi Rusia - Stravinsky, Diaghilev, Myasin, dll. Kontak kreatif Falla dengan seniman Rusia, khususnya dengan saudara laki-laki Stanislavsky - Vladimir Alekseev.

Esai ini menjelaskan secara detail konteks kontak kreatif antara Falla dan Alekseev yang bertemu di Paris, rupanya setelah pemutaran perdana opera A Short Life. Topik utama korespondensi mereka adalah gagasan pementasan opera di Rusia, yang secara aktif dilakukan Alekseev selama tiga tahun (dari 1914 hingga 1917). Korespondensi antara Falla dan Alekseev, yang mencakup 4 surat dari Falla ke Alekseev dan 9 surat dari Alekseev ke Fallier, mengungkapkan banyak detail biografi menarik tentang kehidupan Falla di Paris, berisi pernyataan penting tentang sifat musik dan estetika, dan juga mencirikan dengan cukup detail tindakan V. Alekseev terkait dengan promosi opera Spanyol baru di Moskow dan St. Berkat korespondensi ini, dapat dikatakan bahwa opera Falla dan Albéniz (Pepita Jimenez) diterima untuk dipentaskan oleh komisi repertoar Teater Mariinsky pada tahun 1916, tetapi pemutaran perdana, yang dijadwalkan untuk musim 1917-18, tidak terwujud.

Bagian esai selanjutnya mengacu pada deskripsi pemutaran perdana opera ini pada tahun 1928 di Moskow di bawah arahan V.I. Nemirovich-Danchenko. Di sini, berdasarkan bahan dokumenter yang masih ada (deskripsi peserta, pernyataan Nemirovich-Danchenko sendiri, artikel kritis dari majalah), upaya dilakukan untuk membuat ulang pertunjukan ini dalam konteks pencarian sutradara Nemirovich di tahun 1920-an. Menurut keterangan salah satu peserta, Nemirovich, bertujuan untuk menceritakan kebenaran tentang emosi manusia yang dalam, menggunakan teknik yang tidak biasa dan menarik, menggabungkan prinsip yang saling eksklusif dalam pertunjukan - monumentalitas dan keintiman. Dalam kombinasi yang tidak terduga ini, ia mengungkap lirik dan kehalusan pengalaman cinta, tetapi juga menekankan kesedihan sosial dari tragedi ini, yang penting baginya, yang penyebabnya adalah amoralitas dunia orang kaya.

Dalam pertunjukannya, Nemirovich-Danchenko juga bekerja sama dengan aktor tersebut, menciptakan jenis "aktor penyanyi" baru yang dia butuhkan. Interpretasi visual pertunjukan, termasuk pemandangan dan pencahayaan panggung, juga inovatif. Penulis pemandangan dan kostum adalah desainer teater Boris Erdman, yang dikenal sebagai pembaharu pemandangan panggung, pencipta dan master kostum teater jenis baru - yang disebut "kostum dinamis".

iskusstvo -> Pandangan dunia dan ciri artistik karya para Pengembara: aspek religius
iskusstvo -> Karya Gabriel Fauré dalam konteks sejarah dan budaya musik Eropa abad ke-19 dan ke-20
iskusstvo -> Interaksi dan sintesis model artistik Timur dan Barat dalam seni porselen di Rusia pada akhir abad ke-17 dan awal abad ke-19 17. 00. 04. Seni dan arsitektur halus, dekoratif dan terapan