Jenis orkestra yang menampilkan musik instrumental dan simfoni. Tentang orkestra simfoni Tentang orkestra simfoni

Gemuruh guntur di kejauhan terdengar. Di sini guntur semakin kuat, kilat menyambar, hujan mulai turun, suara hujan semakin deras. Tapi badai berangsur-angsur mereda, matahari terbit, dan tetesan air hujan bersinar di bawah sinarnya.
Simfoni Keenam Beethoven berbunyi.
Mendengarkan! Guntur diwakili oleh timpani. Suara hujan ditransmisikan oleh bass ganda dan cello. Biola dan seruling dimainkan sedemikian rupa sehingga seolah-olah angin menderu kencang.
Orkestra menampilkan simfoni.

Simfoni orkestra. Dia dipanggil suara keajaiban: Itu dapat menyampaikan berbagai nuansa suara.
Dalam orkestra simfoni, sebagai aturan, ada lebih dari seratus instrumen. Para musisi duduk dengan ketat urutan tertentu. Ini memudahkan konduktor untuk mengontrol orkestra.
Di latar depan adalah alat musik gesek. Mereka, seolah-olah, menenun dasar dari kain musik, di mana instrumen lain menerapkan corak warna dengan suaranya: seruling, obo, klarinet, bassoon, terompet, terompet, trombon, dan perkusi - drum, timpani, simbal.
Anda dapat melihat instrumen utama orkestra simfoni pada gambar. Terkadang komposer memperkenalkan instrumen yang biasanya bukan bagian dari orkestra simfoni. Itu bisa berupa organ, piano, lonceng, rebana, alat musik.
Anda pasti pernah mendengar "Tarian Sabre" dari balet Aram Khachaturian "Gayane". Salah satu melodi utama dalam tarian ini dibawakan oleh saksofon. Untuk pertama kalinya, saksofon memasuki orkestra simfoni hanya pada abad ke-19, dan sejak itu sering terdengar dalam karya simfoni.

Alat musik muncul berabad-abad yang lalu. Perkusi tertua di antara mereka - drum, tom-tom, timpani - sudah ada di antara orang-orang primitif. Tentu saja, alat berubah seiring waktu. Jadi timpani modern sangat berbeda dengan nenek moyangnya. Jika sebelumnya adalah kuali besi yang dilapisi kulit binatang, sekarang timpani terbuat dari tembaga, dikencangkan dengan plastik, dan dibuat sekrup yang memungkinkan penyetelan halus.
Dalam orkestra simfoni, perkusi adalah dasarnya irama musik. Mereka juga digunakan untuk menggambarkan guntur, hujan, salvo senjata, barisan pasukan yang khidmat dalam parade, dll. Mereka memberi kekuatan dan kekuatan pada suara orkestra.
Sebagian orang beranggapan bahwa memainkan alat musik perkusi sama sekali tidak sulit. Pukul, katakanlah, simbal jika perlu - dan hanya itu. Nyatanya, memainkan alat musik yang kelihatannya sederhana seperti itu membutuhkan keterampilan yang hebat. Cymbal terdengar berbeda. Itu tergantung pada seberapa keras Anda memukul mereka. Suara mereka bisa sangat keras dan mirip dengan gemerisik dedaunan. Dalam beberapa karya, simbal menampilkan bagian solo. Misalnya, dalam pembukaan-fantasi Tchaikovsky "Romeo dan Juliet", mereka memimpin melodi yang menyampaikan permusuhan dari dua keluarga - Montagues dan Capulets.

Simbal sering bingung dengan timpani. Tetapi timpani dimainkan dengan cara yang sangat berbeda, memukulnya dengan tongkat yang dilapisi kain kempa.
Mungkin Anda paling akrab dengan alat musik tiup. Banyak dari mereka yang mungkin pernah Anda lihat dan dengar bagaimana bunyinya.
Dari dongeng dan legenda, terkadang kita mempelajari sejarah asal muasal alat musik. Jadi, dalam satu mitos Yunani kuno dikatakan bahwa dewa hutan dan ladang, santo pelindung para gembala, Pan jatuh cinta pada bidadari Syrinx. Pan sangat menakutkan - dengan kuku dan tanduk, ditutupi wol. Nimfa cantik, melarikan diri darinya, meminta bantuan dewa sungai. Dan dia mengubah Syrinx menjadi buluh. Dari situ Pan membuat seruling yang terdengar merdu.
Pipa buluh gembala adalah alat musik tiup pertama. Cicit dari pipa ini adalah seruling, bassoon, klarinet, dan obo. Instrumen ini berbeda satu sama lain dalam penampilan, dan terdengar berbeda.
Biasanya orkestra di belakang mereka di latar belakang adalah instrumen kuningan.
Dahulu kala, orang memperhatikan bahwa jika Anda meniup cangkang atau tanduk binatang, mereka dapat mengeluarkan suara musik. Kemudian mereka mulai membuat perkakas dari logam, mirip tanduk dan kerang. Butuh waktu bertahun-tahun sebelum mereka menjadi seperti yang Anda lihat di gambar.
Ada juga banyak instrumen kuningan di orkestra. Ini adalah tuba, dan tanduk, dan trombon. Yang terbesar adalah tuba. Alat musik bas ini benar-benar raksasa.
Lihatlah pipanya sekarang. Dia sangat mirip dengan tanduk. Sekali waktu, terompet memanggil para pejuang ke medan perang, membuka hari libur. Dan di orkestra, dia pertama kali dipercayakan dengan bagian sinyal sederhana. Tapi kemudian corong diperbaiki, dan terompet mulai digunakan lebih sering sebagai instrumen solo. Dalam balet P. I. Tchaikovsky "Swan Lake" ada "tarian Neapolitan". Perhatikan betapa briliannya solo terompet itu.

Dan jika semua alat musik tiup terdengar bersamaan, Anda mendapatkan melodi yang kuat dan megah.
Tapi yang terpenting di orkestra instrumen dawai. Ada beberapa lusin biola saja, dan ada juga biola kedua, cello, dan bas ganda.
Instrumen senar adalah yang paling penting. Mereka memimpin orkestra, membawakan melodi utama.
Biola disebut ratu orkestra. Banyak concerto khusus telah ditulis untuk biola. Anda tentu pernah mendengar tentang pemain biola hebat Paganini. Di tangan musisi-penyihir ini, biola kecil yang anggun terdengar seperti seluruh orkestra.
Biola lahir di Italia, di kota Cremona. Biola dari master Italia terbaik Amati, Guarneli, Stradivari dan Rusia I. Batov, A. Leman dianggap tak tertandingi hingga saat ini.
Sekarang Anda tahu sedikit tentang alat musik orkestra simfoni. Saat Anda mendengarkan musik, coba bedakan instrumen "dengan suara".
Tentu saja, ini bisa sulit dilakukan segera. Tetapi ingatlah bagaimana Anda belajar membaca, bagaimana Anda memulai dengan buku-buku kecil dan sederhana, dan kemudian tumbuh dewasa, belajar lebih banyak dan mulai membaca buku-buku pintar yang serius.
Musik juga perlu dipahami. Jika Anda sendiri tidak memainkannya, cobalah untuk mendengarkannya lebih sering, dan musik akan mengungkapkan rahasianya kepada Anda, dunianya yang ajaib dan menakjubkan.

Marina Razheva
Sinopsis NOD "Symphonic Orchestra"

Ringkasan pelajaran

« Simfoni orkestra»

untuk anak usia 5-6 tahun

Siap: Direktur musik

Razheva Marina Anatolyevna

Teikovo 2015

Target: memperkenalkan anak-anak prasekolah dengan musik klasik

Tugas. Untuk membentuk persepsi estetika pada anak-anak tentang dunia di sekitar mereka.

Terlibat dalam budaya musik.

Untuk membentuk kebutuhan akan persepsi musik.

Mengembangkan kemampuan kognitif dan kreatif.

Memperkaya kosa kata.

Bidang pendidikan - "Pendidikan artistik dan estetika"

Bentuk organisasi - Kerja tim guru dengan anak.

Jenis aktivitas anak: kognitif, komunikatif, musikal dan artistik.

Bahan dan peralatan: Pusat musik untuk mendengarkan musik, alat musik anak, presentasi.

pekerjaan awal: di kelas musik, anak-anak harus mengenal instrumen dasar Simfoni orkestra, suara asli mereka, pewarnaan timbre. Membedakan kelompok alat: string, wind, perkusi, single.

Konten perangkat lunak.

1. Perluas pengetahuan anak tentang ciri-ciri bunyi alat musik.

2. Kembangkan minat, keinginan untuk mendengarkan suara instrumen.

3. Terus mengembangkan keterampilan DMI (alat musik anak-anak)

4. Kembangkan pendengaran timbre anak.

Hasil yang direncanakan.

Pembentukan ide tentang Simfoni orkestra.

Memperkuat kemampuan untuk membedakan suara instrumen Simfoni orkestra.

Ambil bagian aktif dalam permainan di DMI.

Rasakan kebutuhan untuk memahami musik dalam pertunjukan Simfoni orkestra.

Kemajuan kursus.

Anak-anak memasuki aula dan melakukan gerakan musik dan ritmis yang kompleks seperti biasa, lalu dengan tenang pergi ke kursi.

Tn. menyapa anak-anak dengan nyanyian "Halo!", pengarang…

Tn. Menarik perhatian anak-anak ke layar tempat anak-anak melihat sekelompok besar musisi.

Tn. Teman-teman, apa yang Anda lihat di foto ini.

Jawaban anak-anak.

Tn. iya orkestra - sekelompok musisi yang memainkan musik yang sama bersama-sama. Setiap pemusik memainkan perannya sesuai dengan not-not yang disebut partitur. Skor berdiri di tribun khusus - konsol.

Sekarang, saya ingin memberi Anda sebuah teka-teki. Coba tebak.

Dia mengelola orkestra,

Membawa sukacita bagi orang-orang.

Hanya melambaikan tongkatnya

Musik akan mulai diputar.

Dia bukan seorang dokter atau sopir.

Siapa ini? (Konduktor)

Anak-anak. Konduktor.

Tn. Ke orkestra terdengar serasi dan serasi - dikendalikan oleh konduktor. Dia berdiri menghadap para musisi. Konduktor dapat membuat bermain orkestra dan cepat, dan perlahan, dan pelan, dan keras - sesuka Anda! Tapi dia tidak mengucapkan sepatah kata pun. Dia hanya menggunakan tongkat konduktor sihirnya. Di depan konduktor ada nada-nada tebal dan tebal, di mana bagian-bagian dari semua musisi dilukis. Catatan seperti itu disebut clavier.

Biola adalah instrumen busur 4 senar, yang terdengar paling tinggi di keluarganya dan yang paling penting dalam orkestra.

Cello - biola besar, yang dimainkan sambil duduk. Cello memiliki suara rendah yang kaya.

Bass ganda - suara terendah dan ukuran terbesar (hingga 2 meter) di antara keluarga tali instrumen membungkuk. Itu dimainkan berdiri atau di kursi khusus. Ini adalah fondasi bass (dasar) Total orkestra.

Seruling termasuk dalam kelompok alat musik tiup kayu. Tetapi seruling modern sangat jarang terbuat dari kayu, lebih sering dari logam, terkadang dari plastik dan kaca. Instrumen yang paling virtuoso dan bergerak secara teknis dalam keluarga angin. Seruling sering dipercayakan tunggal orkestra.

Tn. Guys, kenapa alat musiknya disebut alat musik tiup?

Jawaban anak-anak.

Tn. Ya, mereka benar-benar meledak. Akan lebih tepat untuk mengatakan bahwa alat musik tiup berbunyi saat udara ditiupkan ke dalamnya.

Dan sekarang Anda melihat dan mendengar terompet kuningan. Terompet memiliki suara jernih yang tinggi, sangat cocok untuk gembar-gembor. Keriuhan digunakan untuk memberi isyarat - khusyuk atau suka berperang pada perayaan meriah, parade militer.

Di depan Anda ada trombon. Trombone memainkan lebih banyak garis bass daripada melodi. Ini berbeda dari alat musik tiup lainnya dengan adanya bagian belakang panggung yang dapat digerakkan, yang bergerak bolak-balik oleh musisi mengubah suara alat musik tersebut.

Tanduk Prancis - tanduk. Awalnya diturunkan dari tanduk berburu. Klakson bisa lembut dan ekspresif atau kasar dan gatal.

Tn. Sebutkan alat musik perkusi!

Anak-anak. Drum, rebana, marakas, segitiga, metalofon, alat musik, lonceng, mainan kerincingan, lonceng.

Tn. Itu benar teman-teman. Ada banyak alat musik perkusi, tetapi tidak semuanya bisa digunakan Simfoni orkestra.

Beri nama alat yang Anda lihat di slide.

Drum, simbal, gambang.

Slide 14.15.

Juga, teman-teman, orkestra instrumen tunggal digunakan. Dan Anda harus tahu dan nama

mereka dengan benar.

Anak-anak. Piano. Harpa.

Tn. Benar. Ini adalah grand piano konser dan instrumen tertua - harpa.

Dan kalian ingin merasa seperti musisi besar orkestra? Maka saya sarankan Anda mengambil instrumen Anda dan memainkan satu karya musik yang sangat indah.

Pertunjukan "Rondo dalam gaya Turki"- W. Mozart atau

"Polka nakal"- A.Filippenko.

Tn. Terima kasih semuanya. Saya suka itu.

Dan bagaimana menurut kalian, instrumen seperti balalaika atau saksofon bisa dimainkan orkestra. Dan dalam hal apa? Faktanya adalah alat ini adalah bagian dari yang lain orkestra.

Perhatikan baik-baik ilustrasi ini. Kecuali Simfoni orkestra ada jenis lain orkestra: kuningan, rakyat, pop, jazz. Mereka berbeda dalam komposisi instrumen dan jumlah musisi. DI DALAM Simfoni orkestra, rata-rata sekitar 60-70 orang, tetapi terkadang - 100 atau lebih. Para musisi diatur dalam urutan tertentu. Mereka digabungkan ke dalam kelompok instrumen yang memiliki timbre yang serupa.:

string, woodwind, kuningan dan perkusi. Musisi dari grup yang sama duduk berdampingan untuk mendengar satu sama lain dengan lebih baik. Dan itu menciptakan suara yang koheren.

Dan sekarang, saya ingin mengundang Anda untuk bermain game.

Kenali alatnya.

Geser 17, 18, 19.

Tn. Kami bersenang-senang dengan Anda. Apakah kamu menyukainya? Apa nama dari orkestra dengan siapa kita bertemu hari ini? Instrumen apa yang kamu suka? (Anak-anak menjawab satu per satu). Saya telah menyiapkan kartu untuk Anda dengan teka-teki yang akan Anda coba pecahkan dengan ibu atau ayah dan menebaknya. (di belakang siluet - titik).

Tolong datang padaku, aku ingin berterima kasih dan berpamitan (anak-anak memejamkan mata, direktur musik mengelus kepala mereka)

• latar belakang
• Genre orkestra dan formulir
• Kapel Mannheim
• pemusik istana

latar belakang

Sejak zaman kuno, orang telah mengetahui tentang pengaruh bunyi alat musik terhadap suasana hati manusia: permainan harpa, kecapi, cithara, kemancha, atau seruling buluh yang lembut namun merdu menimbulkan perasaan gembira, cinta atau damai, dan suaranya tanduk binatang (misalnya, shofar Ibrani ) atau pipa logam berkontribusi pada munculnya perasaan khidmat dan religius. Drum dan perkusi lainnya, ditambahkan ke terompet dan terompet, membantu mengatasi rasa takut dan membangkitkan agresivitas dan militansi. Telah lama diketahui bahwa permainan bersama dari beberapa instrumen serupa tidak hanya meningkatkan kecerahan suara, tetapi juga dampak psikologis pada pendengar - efek yang sama terjadi ketika banyak orang menyanyikan melodi yang sama bersama-sama. Oleh karena itu, di mana pun orang menetap, perkumpulan musisi secara bertahap mulai muncul, mengiringi pertempuran atau acara khusyuk publik dengan permainan mereka: ritual di kuil, pernikahan, penguburan, penobatan, parade militer, hiburan di istana.

Referensi tertulis pertama untuk asosiasi semacam itu dapat ditemukan dalam Pentateukh Musa dan dalam Mazmur Daud: di awal beberapa mazmur ada seruan kepada pemimpin paduan suara dengan penjelasan instrumen mana yang harus digunakan untuk mengiringi teks ini atau itu. Ada kelompok musisi di Mesopotamia dan firaun Mesir, di Cina kuno dan India, Yunani dan Roma. Dalam tradisi pertunjukan tragedi Yunani kuno, ada panggung khusus tempat para musisi duduk, mengiringi penampilan para aktor dan penari dengan memainkan alat musik. Platform-elevasi seperti itu disebut "orkestra". Jadi paten untuk penemuan kata "orkestra" tetap ada pada orang Yunani kuno, meskipun sebenarnya orkestra sudah ada jauh lebih awal.

Lukisan dinding dari vila Romawi di Boscoreal. 50-40-an SM e. Museum Seni Metropolitan

DI DALAM budaya Eropa Barat asosiasi musisi oleh orkestra tidak segera dipanggil. Pada awalnya, pada Abad Pertengahan dan Renaisans, itu disebut kapel. Nama ini dikaitkan dengan milik tempat tertentu di mana musik dimainkan. Kapel seperti itu ada di gereja pertama, dan kemudian pengadilan. Dan ada juga kapel desa yang terdiri dari musisi amatir. Kapel-kapel ini praktis merupakan fenomena massal. Dan meskipun tingkat pemain desa dan alat musik mereka tidak dapat dibandingkan dengan istana profesional dan kapel kuil, orang tidak boleh meremehkan pengaruh tradisi desa, dan kemudian musik instrumental rakyat perkotaan pada komposer hebat dan musik Eropa. budaya musik umumnya. Musik Haydn, Beethoven, Schubert, Weber, Liszt, Tchaikovsky, Bruckner, Mahler, Bartok, Stravinsky, Ravel, Ligeti secara harfiah dipupuk oleh tradisi pembuatan musik instrumental rakyat.

Seperti halnya dalam budaya yang lebih kuno, di Eropa tidak ada pembagian awal menjadi musik vokal dan instrumental. Sejak awal Abad Pertengahan, semuanya didominasi oleh Gereja Kristen, A musik instrumental di gereja itu berkembang sebagai pengiring, pendukung firman Injil, yang selalu mendominasi - lagipula, "pada mulanya adalah Firman." Oleh karena itu, kapel awal adalah orang yang bernyanyi dan orang yang mengiringi penyanyi.

Di beberapa titik, kata "orkestra" muncul. Meskipun tidak di mana-mana pada waktu yang sama. Di Jerman, misalnya, kata ini ditetapkan jauh lebih lambat daripada di negara-negara Romawi. Di Italia, orkestra selalu berarti instrumental daripada bagian vokal musik. Kata orkestra dipinjam langsung dari tradisi Yunani. Orkestra Italia muncul pada pergantian abad 16-17, seiring dengan munculnya genre opera. Dan karena popularitas genre ini yang luar biasa, kata ini dengan cepat menaklukkan seluruh dunia. Dengan demikian, dapat dikatakan bahwa musik orkestra kontemporer memiliki dua sumber: kuil dan teater.

Misa Natal. Miniatur dari Magnificent Book of Hours of the Duke of Berry oleh Limburg bersaudara. abad ke 15 MS. 65/1284, hal. 158r / Musee Conde / Wikimedia Commons

Dan di Jerman untuk waktu yang lama berpegang pada nama kebangkitan abad pertengahan "kapel". Hingga abad ke-20, banyak orkestra pengadilan Jerman disebut kapel. Salah satu orkestra paling kuno di dunia saat ini adalah Kapel Negara Bagian Saxon (dan di masa lalu - Pengadilan Saxon) di Dresden. Sejarahnya kembali lebih dari 400 tahun. Dia muncul di pengadilan Pemilih Saxon, yang selalu menghargai yang cantik dan berada di depan semua tetangga mereka dalam hal ini. Masih ada Kapel Negara Bagian Berlin dan Weimar, serta Kapel Pengadilan Meiningen yang terkenal, di mana Richard Strauss memulai sebagai bandmaster (saat ini menjadi konduktor). Ngomong-ngomong, kata Jerman "kapellmeister" (chapel master) terkadang masih digunakan saat ini oleh musisi sebagai padanan dengan kata "konduktor", tetapi lebih sering dalam arti ironis, terkadang bahkan negatif (dalam arti pengrajin, bukan artis). Dan pada masa itu, kata ini diucapkan dengan hormat, sebagai nama dari sebuah profesi yang kompleks: "pemimpin paduan suara atau orkestra, yang juga menggubah musik." Benar, di beberapa orkestra Jerman kata ini dipertahankan sebagai penunjukan posisi - misalnya, di Leipzig Gewandhaus Orchestra, kepala konduktor masih disebut Gewandhaus Kapellmeister.

Abad XVII-XVIII: orkestra sebagai hiasan istana

Louis XIV di Royal Ballet of the Night oleh Jean Baptiste Lully. Sketsa oleh Henri de Gisset. 1653 Dalam produksinya, raja berperan sebagai matahari terbit. Wikimedia Commons

Orkestra Renaisans, dan kemudian orkestra Barok, sebagian besar bersifat pengadilan atau gerejawi. Tujuan mereka adalah untuk mengiringi ibadah atau untuk menenangkan dan menghibur mereka yang berkuasa. Namun, banyak penguasa feodal memiliki rasa estetika yang cukup berkembang, dan selain itu, mereka suka pamer satu sama lain. Seseorang membual tentang tentara, seseorang - dengan arsitektur yang aneh, seseorang menata taman, dan seseorang memelihara teater atau orkestra pengadilan.

Raja Prancis Louis XIV, misalnya, memiliki dua orkestra seperti itu: Ensemble of the Royal Stables, yang terdiri dari alat musik tiup dan perkusi, dan yang disebut "24 biola raja", dipimpin oleh komposer terkenal Jean Baptiste Lully, yang juga berkolaborasi dengan Moliere dan tercatat dalam sejarah sebagai pencipta opera Prancis dan konduktor profesional pertama. Belakangan, Raja Inggris Charles II (putra Charles I yang dieksekusi), kembali dari Prancis selama Pemulihan monarki pada tahun 1660, juga menciptakan "Biola Raja 24" di Kapel Kerajaan menurut model Prancis. Royal Chapel sendiri sudah ada sejak abad ke-14 dan mencapai puncaknya pada masa pemerintahan Elizabeth I - organ istananya adalah William Bird dan Thomas Tallis. Dan di istana Charles II, komposer Inggris brilian Henry Purcell bertugas, menggabungkan posisi organ di Westminster Abbey dan di Royal Chapel. Pada abad 16-17 di Inggris ada nama lain yang spesifik untuk sebuah orkestra, biasanya yang kecil - "permaisuri". Di era Barok selanjutnya, kata "permaisuri" tidak digunakan lagi, dan konsep kamar, yaitu, musik "kamar" muncul sebagai gantinya.

Kostum prajurit dari " Balet Kerajaan malam." Sketsa oleh Henri de Gisset. 1653 Wikimedia Commons

Bentuk hiburan barok menjadi akhir XVII- awal abad XVIII, semakin mewah. Dan tidak mungkin lagi mengelola dengan sejumlah kecil alat - pelanggan menginginkan "lebih besar dan lebih mahal". Meskipun, tentu saja, semuanya bergantung pada kemurahan hati "pelindung termasyhur". Jika Bach terpaksa menulis surat kepada tuannya, membujuk mereka untuk mengalokasikan setidaknya dua atau tiga biola per bagian instrumental, maka di Handel, pada saat yang sama, 24 pemain obo, 12 pemain bassoon, 9 pemain terompet mengambil bagian dalam pertunjukan pertama. "Musik untuk Kembang Api Kerajaan", 9 pemain terompet dan 3 pemain timpani (yaitu 57 musisi untuk 13 bagian yang ditentukan). Dan dalam pementasan Handel's "Messiah" di London pada tahun 1784, 525 orang berpartisipasi (walaupun acara ini milik lebih era akhir ketika penulis musik tidak lagi hidup). Sebagian besar penulis barok menulis opera, dan orkestra opera teater selalu menjadi semacam laboratorium kreatif bagi para komposer - tempat untuk semua jenis eksperimen, termasuk dengan instrumen yang tidak biasa. Jadi, misalnya, Monteverdi masih masuk XVII awal abad, ia memperkenalkan ke dalam orkestra opera Orpheus, salah satu opera pertama dalam sejarah, bagian trombon untuk mewakili kemurkaan neraka.

Sejak zaman Florentine Camerata (pergantian abad 16-17), di orkestra mana pun terdapat bagian basso continuo, yang dimainkan oleh seluruh kelompok musisi dan direkam dalam satu baris di bass clef. Angka-angka di bawah garis bass menunjukkan urutan harmonik tertentu - dan para pemain harus mengimprovisasi semua tekstur dan dekorasi musik, yaitu membuat yang baru dengan setiap pertunjukan. Ya, dan komposisinya bervariasi tergantung pada instrumen apa yang tersedia di kapel tertentu. Kehadiran satu alat musik keyboard, paling sering harpsichord, adalah wajib. musik gereja instrumen ini paling sering adalah organ; satu senar busur - cello, viola da gamba atau violone (cikal bakal double bass modern); satu senar petik kecapi atau theorbo. Tetapi kebetulan dalam grup basso continuo enam atau tujuh orang bermain pada waktu yang sama, termasuk beberapa harpsichord (Purcell dan Rameau memiliki tiga atau empat di antaranya). Pada abad ke-19, keyboard dan alat musik petik menghilang dari orkestra, tetapi muncul kembali pada abad ke-20. Dan sejak 1960-an, hampir semua instrumen di dunia ini dapat digunakan dalam orkestra simfoni - fleksibilitas yang hampir barok dalam pendekatan instrumentasi. Dengan demikian, kita dapat menganggap bahwa Baroque melahirkan orkestra modern.

Instrumentasi, struktur, notasi

Miniatur dari Commentary on the Apocalypse of Beat of Lieban dalam daftar biara San Millan de la Cogoglia. 900-950 Biblioteca de Serafín Estébanez Calderón y de San Millán de la Cogolla

Kata "orkestra" untuk pendengar modern kemungkinan besar dikaitkan dengan kutipan dari musik Beethoven, Tchaikovsky atau Shostakovich; dengan suara yang sangat monumental dan pada saat yang sama dihaluskan, yang disimpan dalam ingatan kita dari mendengarkan orkestra modern - langsung dan dalam rekaman. Tapi orkestra tidak selalu terdengar seperti ini. Di antara sekian banyak perbedaan antara orkestra kuno dan orkestra modern, yang utama adalah instrumen yang digunakan para musisi. Secara khusus, semua instrumen terdengar jauh lebih senyap daripada yang modern, karena ruangan tempat musik dimainkan (umumnya) jauh lebih kecil daripada ruang konser modern. Dan tidak ada klakson pabrik, tidak ada turbin nuklir, tidak ada mesin pembakaran internal, tidak ada pesawat supersonik - suara umum kehidupan manusia beberapa kali lebih senyap dari hari ini. Kenyaringannya masih diukur dengan fenomena alam: deru binatang buas, guntur saat badai petir, suara air terjun, gemerisik pohon tumbang atau gemuruh gunung jatuh, dan gemuruh kerumunan di alun-alun kota di pasar malam. hari. Oleh karena itu, musik hanya dapat bersaing dalam kecemerlangan dengan alam itu sendiri.

Senar yang dirangkai pada alat musik petik terbuat dari otot sapi (sekarang terbuat dari logam), busurnya lebih kecil, lebih ringan dan bentuknya sedikit berbeda. Karena itu, suara senar menjadi "lebih hangat", tetapi kurang "halus" dibandingkan hari ini. Instrumen Woodwind tidak memiliki semua katup modern dan perangkat teknis lainnya yang memungkinkan mereka bermain dengan lebih percaya diri dan akurat. Alat musik tiup pada waktu itu terdengar lebih individual dalam hal warna nada, terkadang agak tidak selaras (semuanya tergantung pada keterampilan pemainnya) dan beberapa kali lebih senyap daripada yang modern. Alat musik tiup kuningan semuanya benar-benar alami, artinya, hanya dapat menghasilkan suara dengan tangga nada alami, yang paling sering hanya cukup untuk memainkan kemeriahan singkat, tetapi bukan melodi yang diperpanjang. Kulit binatang direntangkan di atas drum dan timpani (praktik ini masih ada sampai sekarang, meski alat musik perkusi dengan selaput plastik sudah lama muncul).

Urutan orkestra umumnya lebih rendah dari hari ini - rata-rata setengah nada, dan terkadang dengan nada utuh. Tetapi bahkan di sini tidak ada aturan tunggal: sistem nada untuk oktaf pertama (menurut orkestra biasanya disetel) di istana Louis XIV adalah 392 pada skala Hertz. Di istana Charles II, mereka menyetel A dari 400 menjadi 408 hertz. Pada saat yang sama, organ di kuil sering disetel ke nada yang lebih tinggi daripada harpsichord yang ada di ruang istana (mungkin ini karena pemanasan, karena instrumen senar naik selaras dari panas kering, dan sebaliknya, berkurang dari dingin; alat musik tiup sering memiliki kecenderungan terbalik). Oleh karena itu, pada masa Bach, ada dua sistem utama: yang disebut kammer-ton ("garpu tala" modern - kata yang berasal darinya), yaitu, "sistem ruang", dan orgel-ton, yaitu , "sistem organ" (alias "nada paduan suara "). Dan penyetelan ruangan untuk A adalah 415 hertz, sedangkan penyetelan organ selalu lebih tinggi dan terkadang mencapai 465 hertz. Dan jika kita membandingkannya dengan penyetelan konser modern (440 hertz), maka yang pertama ternyata setengah nada lebih rendah, dan yang kedua setengah nada lebih tinggi dari yang modern. Oleh karena itu, dalam beberapa kantata Bach, yang ditulis dengan mempertimbangkan sistem organ, penulis langsung menulis bagian alat musik tiup secara transposisi, yaitu setengah langkah lebih tinggi dari bagian paduan suara dan basso continuo. Hal ini disebabkan oleh fakta bahwa alat musik tiup, yang terutama digunakan dalam musik ruang pengadilan, tidak disesuaikan dengan penyetelan organ yang lebih tinggi (seruling dan obo bahkan bisa sedikit lebih rendah daripada camertone, dan oleh karena itu ada juga yang ketiga - nada camer rendah). Dan jika, tanpa mengetahuinya, hari ini Anda mencoba memainkan kantata seperti itu secara harfiah dari nada, Anda akan mendapatkan hiruk-pikuk yang tidak dimaksudkan oleh penulisnya.

Situasi dengan sistem "mengambang" ini bertahan di dunia hingga Perang Dunia Kedua, tidak hanya di negara lain, tetapi di berbagai kota di negara yang sama, sistemnya dapat berbeda secara signifikan satu sama lain. Pada tahun 1859, pemerintah Prancis melakukan upaya pertama untuk membakukan penyetelan dengan mengeluarkan undang-undang yang menyetujui penyetelan A - 435 hertz, tetapi di negara lain penyetelan tetap sangat berbeda. Dan baru pada tahun 1955 organisasi Internasional Pada standarisasi, undang-undang tentang penyetelan konser 440 hertz diadopsi hingga hari ini.

Heinrich Ignaz Biber. Ukiran dari tahun 1681 Wikimedia Commons

Penulis barok dan klasik juga melakukan operasi lain di bidang penyetelan, yang berkaitan dengan musik untuk alat musik dawai. Ini tentang tentang teknik yang disebut "scordatura", yaitu "menyetel senar". Pada saat yang sama, beberapa senar, katakanlah biola atau biola, disetel ke interval yang berbeda dan tidak biasa untuk instrumen tersebut. Berkat ini, komposer mendapat kesempatan untuk menggunakan, tergantung pada kunci komposisi, lebih banyak string terbuka, yang menghasilkan resonansi instrumen yang lebih baik. Namun skordatura ini sering kali direkam bukan dengan suara asli, melainkan dalam transposisi. Oleh karena itu, tanpa persiapan awal dari instrumen (dan pemainnya), komposisi seperti itu tidak mungkin dilakukan dengan baik. Contoh terkenal dari scordatura adalah siklus sonata biola Heinrich Ignaz Bieber Rosario (Misteri) (1676).

Di zaman Renaisans dan di tahap awal Barok, rentang mode, dan kemudian kunci-kunci yang dapat dikomposisikan oleh komposer dibatasi oleh penghalang alami. Nama penghalang ini adalah koma Pythagoras. Ilmuwan besar Yunani Pythagoras adalah orang pertama yang menyarankan instrumen penyetelan menurut seperlima murni - salah satu interval pertama skala alam. Namun ternyata jika Anda menyetem alat musik gesek dengan cara ini, maka setelah melewati lingkaran penuh kelima (empat oktaf), nada tajam C terdengar jauh lebih tinggi di C. Dan sejak zaman kuno, musisi dan ilmuwan telah mencoba menemukan sistem penyetelan instrumen yang ideal, di mana kelemahan alami dari skala alami ini - ketidakrataannya - dapat diatasi, yang memungkinkan penggunaan semua nada yang sama.

Setiap era memiliki sistem keteraturannya sendiri. Dan masing-masing sistem memiliki karakteristiknya sendiri, yang terdengar salah di telinga kita, yang terbiasa dengan suara piano modern. Sejak awal abad ke-19, semua instrumen keyboard telah disetel dalam skala yang seragam, membagi satu oktaf menjadi 12 seminada yang sama persis. Bangunan seragam sangat dekat semangat modern sebuah kompromi yang memungkinkan untuk menyelesaikan masalah koma Pythagoras untuk selamanya, tetapi mengorbankan keindahan alami dari suara sepertiga dan seperlima murni. Artinya, tidak ada interval (kecuali oktaf) yang dimainkan oleh piano modern yang sesuai dengan tangga nada alami. Dan dalam semua banyak sistem keteraturan yang ada sejak itu akhir Abad Pertengahan, sejumlah interval murni dipertahankan, yang karenanya semua tuts menerima suara individual yang tajam. Bahkan setelah penemuan temperamen yang baik (lihat Bach's Well-Tempered Clavier), yang memungkinkan untuk menggunakan semua tuts pada harpsichord atau organ, tuts itu sendiri masih mempertahankan pewarnaan masing-masing. Oleh karena itu, munculnya teori dasar pengaruh musik barok, yang menurutnya semua sarana ekspresif musik - melodi, harmoni, ritme, tempo, tekstur, dan pilihan nada suara itu sendiri - terkait erat dengan keadaan emosi tertentu. Selain itu, nada suara yang sama dapat, tergantung pada sistem yang digunakan saat ini, terdengar pastoral, polos atau sensual, sangat berduka atau mengintimidasi secara jahat.

Bagi sang komposer, pilihan satu kunci atau lainnya terkait erat dengan rangkaian emosi tertentu hingga pergantian abad ke-18 hingga ke-19. Selain itu, jika untuk Haydn D mayor terdengar seperti "ucapan syukur yang agung, militansi", maka bagi Beethoven terdengar seperti "rasa sakit, kesedihan atau pawai". Haydn mengasosiasikan E mayor dengan "pikiran tentang kematian", dan bagi Mozart itu berarti "transendensi yang khusyuk dan luhur" (semua julukan ini adalah kutipan dari para komposer itu sendiri). Oleh karena itu, di antara keutamaan wajib musisi yang menampilkan musik awal adalah sistem multidimensi pengetahuan musik dan budaya umum, yang memungkinkan untuk mengenali struktur emosional dan "kode" dari berbagai komposisi oleh penulis yang berbeda, dan pada saat yang sama kemampuan untuk teknis menerapkan ini dalam permainan.

Selain itu, ada juga masalah notasi: komposer abad 17-18 sengaja merekam hanya sebagian informasi yang berkaitan dengan penampilan karya yang akan datang; ungkapan, nuansa, artikulasi, dan dekorasi yang sangat indah - bagian integral dari estetika Barok - semua ini diserahkan kepada pilihan bebas para musisi, yang dengan demikian menjadi rekan pencipta komposer, dan bukan hanya pelaksana yang patuh atas keinginannya. Oleh karena itu, pertunjukan musik barok dan klasik awal yang benar-benar ahli pada instrumen kuno adalah tugas yang tidak kalah (jika tidak lebih) sulit daripada penguasaan virtuoso musik selanjutnya pada instrumen modern. Ketika lebih dari 60 tahun yang lalu peminat pertama memainkan alat musik kuno ("authenticists") muncul, mereka sering bertemu dengan permusuhan di antara rekan-rekan mereka. Hal ini sebagian disebabkan oleh kelambanan para musisi sekolah tradisional, dan sebagian lagi karena kurangnya keterampilan para pelopor keaslian musik itu sendiri. Di kalangan musik, ada semacam sikap ironis yang merendahkan mereka sebagai pecundang yang tidak menemukan kegunaan yang lebih baik untuk diri mereka sendiri daripada menerbitkan embikan palsu yang menyedihkan pada "kayu layu" (woodwinds) atau "besi tua berkarat" (brasswinds). Dan sikap (tentu saja disayangkan) ini bertahan hingga saat ini, hingga menjadi jelas bahwa level permainan instrumen kuno telah berkembang pesat selama beberapa dekade terakhir sehingga, setidaknya di bidang barok dan klasik awal, para autentik telah lama mengejar dan melampaui orkestra modern yang terdengar lebih monoton dan membosankan.

Genre dan bentuk orkestra

Fragmen potret Pierre Moucheron bersama keluarganya. Penulis tidak diketahui. 1563 Rijksmuseum Amsterdam

Sama seperti kata "orkestra" tidak selalu berarti apa yang kita maksud dengannya hari ini, demikian pula kata "simfoni" dan "konser" awalnya memiliki arti yang sedikit berbeda, dan hanya secara bertahap, seiring waktu, mereka memperoleh arti modernnya.

Konser

Kata "konser" memiliki beberapa kemungkinan asal. Etimologi modern cenderung menerjemahkan "mencapai kesepakatan" dari bahasa Italia concertare atau "bernyanyi bersama, memuji" dari bahasa Latin concinere, concino. Terjemahan lain yang mungkin adalah "perselisihan, persaingan" dari bahasa Latin concertare: pemain individu (solois atau grup solois) bersaing dalam musik dengan tim (orkestra). Pada awal era Baroque, sebuah karya vokal-instrumental sering disebut konserto, kemudian dikenal sebagai kantata - dari bahasa Latin canto, cantare ("menyanyi"). Seiring waktu, concerto menjadi genre instrumental murni (meskipun di antara karya-karya abad ke-20 orang juga dapat menemukan kelangkaan seperti Concerto for Voice dan Orchestra oleh Reinhold Gliere). zaman barok membedakan antara solo concerto (satu instrumen dan orkestra pengiring) dan " konser besar” (concerto grosso), di mana musik dipindahkan antara grup kecil solois (concertino) dan grup dengan lebih banyak instrumen (ripieno, yaitu, "filling", "filling"). Musisi dari grup ripieno disebut ripienis. Para ripienis inilah yang menjadi cikal bakal pemain orkestra modern. Sebagai ripieno, hanya instrumen senar yang terlibat, begitu juga dengan basso continuo. Dan solois bisa sangat berbeda: biola, cello, oboe, recorder, bassoon, viola d'amour, lute, mandolin, dll.

Ada dua jenis concerto grosso: concerto da chiesa ("konser gereja") dan concerto da camera ("konser kamar"). Keduanya mulai digunakan terutama berkat Arcangelo Corelli, yang menyusun siklus 12 concerto (1714). Siklus ini memiliki pengaruh kuat pada Handel, yang meninggalkan kami dua siklus grosso konser, yang diakui sebagai mahakarya genre ini. Konser Bach di Brandenburg juga memiliki fitur yang jelas dari grosso konser.

Masa kejayaan konserto solo Baroque dikaitkan dengan nama Antonio Vivaldi, yang menggubah lebih dari 500 konserto untuk berbagai instrumen diiringi string dan basso continuo dalam hidupnya (walaupun dia juga menulis lebih dari 40 opera, sejumlah besar gereja musik paduan suara dan simfoni instrumental). Resital biasanya terdiri dari tiga bagian dengan tempo bergantian: cepat - lambat - cepat; struktur ini menjadi dominan dalam sampel konser instrumental selanjutnya - hingga awal XXI abad. Ciptaan Vivaldi yang paling terkenal adalah siklus "The Seasons" (1725) untuk orkestra biola dan string, di mana setiap konser didahului dengan puisi (mungkin ditulis oleh Vivaldi sendiri). Puisi-puisi tersebut menggambarkan suasana hati dan peristiwa utama pada musim tertentu, yang kemudian diwujudkan dalam musik itu sendiri. Keempat konserto ini, yang merupakan bagian dari siklus 12 konserto yang lebih besar berjudul Kontes Harmoni dan Penemuan, saat ini dianggap sebagai salah satu contoh pertama musik program.

Tradisi ini dilanjutkan dan dikembangkan oleh Handel dan Bach. Selain itu, Handel menggubah, antara lain, 16 concerto organ, dan Bach, selain concerto tradisional pada waktu itu untuk satu dan dua biola, juga menulis concerto untuk harpsichord, yang sampai sekarang secara eksklusif merupakan instrumen dari grup basso continuo. . Jadi Bach bisa dianggap sebagai nenek moyang dari konserto piano modern.

Simfoni

Simfoni dalam bahasa Yunani berarti "harmoni", "suara bersama". Dalam tradisi Yunani kuno dan abad pertengahan, simfoni disebut eufoni harmoni (dalam bahasa musik saat ini - konsonan), dan belakangan ini, berbagai alat musik mulai disebut simfoni, seperti: dulcimer, hurdy gurdy, spinet atau suci. Dan baru pada pergantian abad XVI-XVII kata "simfoni" mulai digunakan sebagai nama komposisi suara dan instrumen. Bagaimana contoh paling awal dari simfoni semacam itu disebut simfoni musik Lodovico Grossi da Viadana (1610), Sacred Symphonies oleh Giovanni Gabrieli (1615) dan Sacred Symphonies (op. 6, 1629, dan op. 10, 1649) oleh Heinrich Schutz. Secara umum, selama seluruh periode Barok, berbagai komposisi, baik gerejawi maupun sekuler, disebut simfoni. Paling sering, simfoni adalah bagian dari siklus yang lebih besar. Dengan munculnya genre opera seria Italia ("opera serius"), yang dikaitkan terutama dengan nama Scarlatti, pengantar instrumental opera, juga disebut pembukaan, disebut simfoni, biasanya dalam tiga bagian: cepat - lambat Cepat. Artinya, "simfoni" dan "pembukaan" untuk waktu yang lama memiliki arti yang sama. Ngomong-ngomong, di opera Italia tradisi menyebut pembukaan simfoni bertahan hingga pertengahan abad ke-19 (lihat opera awal Verdi, seperti Nebukadnezar).

Sejak abad ke-18, mode simfoni multi-bagian instrumental telah muncul di seluruh Eropa. Mereka memainkan peran penting dalam keduanya kehidupan publik maupun dalam pelayanan gereja. Namun, tempat asal dan pertunjukan simfoni utama adalah perkebunan bangsawan. Pada pertengahan abad ke-18 (saat munculnya simfoni Haydn pertama), ada tiga pusat utama untuk menggubah simfoni di Eropa - Milan, Wina, dan Mannheim. Berkat aktivitas ketiga pusat ini, tetapi terutama Mannheim Court Chapel dan para komposernya, serta karya Joseph Haydn, genre simfoni pertama kali berkembang di Eropa pada saat itu.

Kapel Mannheim

Jan Stamitz Wikimedia Commons

Kapel, yang muncul di bawah Elektor Charles III Philip di Heidelberg, dan setelah 1720 terus ada di Mannheim, dapat dianggap sebagai prototipe pertama orkestra modern. Bahkan sebelum pindah ke Mannheim, kapel itu lebih banyak dari yang lain di kerajaan sekitarnya. Di Mannheim, itu semakin berkembang, dan dengan menarik kerja sama musisi berbakat Saat itu, kualitas kinerja juga meningkat secara signifikan. Sejak 1741, paduan suara dipimpin oleh pemain biola dan komposer Ceko Jan Stamitz. Sejak saat itulah kita dapat berbicara tentang pembentukan sekolah Mannheim. Orkestra tersebut terdiri dari 30 alat musik gesek, alat musik tiup berpasangan: dua seruling, dua obo, dua klarinet (saat itu masih jarang menjadi tamu di orkestra), dua bassoon, dua hingga empat terompet, dua terompet, dan timpani - komposisi yang sangat besar pada masa itu. Misalnya, di kapel Pangeran Esterhazy, di mana Haydn bertugas selama hampir 30 tahun sebagai bandmaster, pada awal aktivitasnya jumlah musisi tidak melebihi 13-16 orang, di Count Morzin, yang melayani Haydn beberapa tahun sebelum Esterhazy. dan menulis simfoni pertamanya, musisi bahkan lebih sedikit - di sana, dilihat dari partitur Haydn pada tahun-tahun itu, bahkan tidak ada seruling. Pada akhir 1760-an, Kapel Esterhazy berkembang menjadi 16-18 musisi dan pada pertengahan 1780-an mencapai jumlah maksimum 24 musisi. Dan di Mannheim hanya ada 30 orang string.

Tetapi keunggulan utama dari virtuoso Mannheim bukanlah kuantitas mereka, tetapi kualitas dan koherensi yang luar biasa dari penampilan kolektif pada saat itu. Jan Stamitz, dan setelah dia komposer lain yang menulis musik untuk orkestra ini, menemukan efek yang semakin canggih, yang sampai sekarang belum pernah terdengar yang kemudian dikaitkan dengan nama Kapel Mannheim: peningkatan suara bersama (crescendo), memudarnya suara (diminuendo), tiba-tiba gangguan bersama dari permainan (jeda umum), serta berbagai tokoh musik, seperti: roket Mannheim (naik cepat melodi sesuai dengan suara akord yang membusuk), burung Mannheim ( meniru kicau burung dalam bagian solo) atau puncak Mannheim (persiapan untuk crescendo, dan kemudian pada saat yang menentukan adalah penghentian permainan semua alat musik tiup dan permainan beberapa senar yang aktif-energik). Banyak dari efek ini menemukan kehidupan kedua mereka dalam karya Mannheim yang lebih muda sezaman Mozart dan Beethoven, dan beberapa masih ada sampai sekarang.

Selain itu, Stamitz dan rekan-rekannya secara bertahap menemukan tipe simfoni empat bagian yang ideal, yang berasal dari prototipe barok sonata gereja dan sonata kamar, serta pembukaan opera Italia. Haydn sampai pada siklus empat bagian yang sama sebagai hasil dari eksperimennya selama bertahun-tahun. Mozart muda mengunjungi Mannheim pada tahun 1777 dan sangat terkesan dengan musik dan permainan orkestra yang didengarnya di sana. Dengan Christian Cannabih, yang memimpin orkestra setelah kematian Stamitz, Mozart memiliki persahabatan pribadi sejak kunjungannya ke Mannheim.

pemusik istana

Posisi pemusik istana yang digaji saat itu sangat menguntungkan, namun tentunya sangat wajib. Mereka bekerja sangat keras dan harus memenuhi keinginan musik apa pun dari tuan mereka. Mereka dapat dijemput pada pukul tiga atau empat pagi dan diberi tahu bahwa pemiliknya menginginkan musik hiburan - untuk mendengarkan semacam serenade. Musisi malang harus pergi ke aula, memasang lampu dan bermain. Sangat sering musisi bekerja tujuh hari seminggu - konsep seperti tingkat produksi atau hari kerja 8 jam, tentu saja, tidak ada untuk mereka (menurut standar modern, musisi orkestra tidak dapat bekerja lebih dari 6 jam sehari, ketika datang ke latihan untuk konser atau pertunjukan teatrikal). Kami harus bermain sepanjang hari, jadi kami bermain sepanjang hari. Namun, pemilik pecinta musik, paling sering dipahami bahwa seorang musisi tidak dapat bermain tanpa istirahat selama beberapa jam - dia membutuhkan makanan dan istirahat.

Detail lukisan karya Nicola Maria Rossi. 1732 Gambar Bridgeman/Fotodom

Haydn dan Kapel Pangeran Esterhazy

Legenda mengatakan bahwa Haydn, yang menulis Farewell Symphony yang terkenal, mengisyaratkan kepada tuannya Esterhazy tentang istirahat yang dijanjikan tetapi dilupakan. Di bagian akhir, semua musisi berdiri bergiliran, memadamkan lilin dan pergi - petunjuknya cukup bisa dimengerti. Dan pemiliknya memahami mereka dan membiarkan mereka pergi berlibur - yang berbicara tentang dia sebagai orang yang berwawasan dan selera humor. Bahkan jika itu fiksi, itu sangat menyampaikan semangat zaman itu - di lain waktu, petunjuk seperti itu tentang kesalahan pihak berwenang dapat merugikan sang komposer.

Karena pelindung Haydn adalah orang-orang yang cukup terpelajar dan peka terhadap musik, dia dapat mengandalkan fakta bahwa eksperimennya - apakah itu simfoni dalam enam atau tujuh gerakan atau beberapa komplikasi tonal yang luar biasa dalam apa yang disebut episode perkembangan - tidak akan terjadi. diterima dengan kutukan. Malah sebaliknya: semakin kompleks dan tidak biasa bentuknya, semakin mereka menyukainya.
Namun demikian, Haydn menjadi komposer luar biasa pertama yang membebaskan dirinya dari keberadaan punggawa yang tampaknya nyaman, tetapi secara umum seperti budak. Ketika Nikolaus Esterházy meninggal, ahli warisnya membubarkan orkestra, meskipun dia mempertahankan gelar Haydn dan gaji (pengurangan) kepala band. Karena itu, Haydn tanpa sadar menerima cuti yang tidak terbatas dan, memanfaatkan undangan dari impresario Johann Peter Salomon, pergi ke London pada usia yang agak lanjut. Di sana ia benar-benar menciptakan gaya orkestra baru. Musiknya menjadi lebih solid dan sederhana. Eksperimen dibatalkan. Ini karena kebutuhan komersial: dia menemukan bahwa masyarakat umum Inggris jauh lebih tidak berpendidikan daripada pendengar canggih di perkebunan Esterhazy - baginya, Anda perlu menulis lebih pendek, lebih jelas, dan lebih ringkas. Meskipun setiap simfoni yang ditulis oleh Esterhazy unik, simfoni London memiliki jenis yang sama. Semuanya ditulis secara eksklusif dalam empat bagian (pada saat itu itu adalah bentuk simfoni yang paling umum, yang sudah digunakan sepenuhnya oleh komposer sekolah Mannheim dan Mozart): sonata allegro wajib di bagian pertama, semakin banyak atau bagian kedua yang kurang lambat, minuet dan penutup cepat. Jenis orkestra dan bentuk musik, serta jenis pengembangan teknis tema yang digunakan dalam simfoni terakhir Haydn, sudah menjadi model bagi Beethoven.

Akhir abad 18 - 19: sekolah Wina dan Beethoven

Interior Teater an der Wien di Wina. Ukiran. abad ke-19 Brigeman Images/Fotodom

Kebetulan Haydn hidup lebih lama dari Mozart, yang 24 tahun lebih muda darinya, dan menemukan awal karir Beethoven. Haydn bekerja sebagian besar hidupnya di Hongaria saat ini, dan menjelang akhir hidupnya sukses besar di London, Mozart berasal dari Salzburg, dan Beethoven adalah seorang Fleming yang lahir di Bonn. Tetapi jalur kreatif dari ketiga raksasa musik itu terhubung dengan kota, yang, pada masa pemerintahan Permaisuri Maria Theresa, dan kemudian putranya Kaisar Joseph II, mengambil posisi ibu kota musik dunia - dengan Wina. Dengan demikian, karya Haydn, Mozart dan Beethoven tercatat dalam sejarah sebagai "gaya klasik Wina". Benar, perlu dicatat bahwa penulisnya sendiri sama sekali tidak menganggap diri mereka "klasik", dan Beethoven menganggap dirinya seorang revolusioner, pelopor, dan bahkan penumbangkan tradisi. Konsep "gaya klasik" adalah penemuan di kemudian hari (pertengahan abad ke-19). Ciri utama gaya ini adalah kesatuan bentuk dan isi yang harmonis, keseimbangan suara dengan tidak adanya ekses barok, dan harmoni kuno arsitektur musik.

Mahkota Wina gaya klasik di daerah musik orkestra Simfoni London Haydn, simfoni terakhir Mozart, dan semua simfoni Beethoven umumnya dipertimbangkan. Di akhir simfoni Haydn dan Mozart, leksikon musik dan sintaksis gaya klasik akhirnya ditetapkan, serta komposisi orkestra, yang sudah mengkristal di sekolah Mannheim dan masih dianggap klasik: grup string (dibagi menjadi biola pertama dan kedua, biola, cello, dan bas ganda), sepasang alat musik tiup kayu - biasanya dua seruling, dua obo, dua bassoon. Namun, mulai dari karya terbaru Mozart, klarinet juga dengan mantap memasuki orkestra dan memantapkan diri. Kecintaan Mozart pada klarinet sebagian besar berkontribusi pada penyebaran instrumen ini secara luas sebagai bagian dari grup tiup orkestra. Mozart mendengar klarinet pada tahun 1778 di Mannheim dalam simfoni Stamitz dan menulis dengan kagum dalam sebuah surat kepada ayahnya: "Oh, andai saja kita memiliki klarinet!" - artinya dengan "kami" Kapel Pengadilan Salzburg, yang memperkenalkan klarinet hanya pada tahun 1804. Namun perlu dicatat bahwa sejak tahun 1769 klarinet secara teratur digunakan dalam band militer pangeran-keuskupan agung.

Untuk alat musik tiup yang telah disebutkan, biasanya ditambahkan dua tanduk, dan terkadang dua terompet dan timpani, yang masuk musik simfoni dari militer. Tetapi instrumen ini hanya digunakan dalam simfoni, yang tutsnya memungkinkan penggunaan pipa alami, yang hanya ada dalam beberapa penyetelan, biasanya dalam D atau C mayor; terkadang terompet juga digunakan dalam simfoni yang ditulis dalam G mayor, tetapi tidak pernah timpani. Contoh simfoni dengan terompet tetapi tanpa timpani adalah Symphony No. 32 Mozart. Bagian timpani kemudian ditambahkan ke skor oleh orang tak dikenal dan dianggap tidak autentik. Dapat diasumsikan bahwa ketidaksukaan penulis abad ke-18 untuk G mayor sehubungan dengan timpani dijelaskan oleh fakta bahwa untuk timpani Barok (disetel bukan dengan pedal modern yang nyaman, tetapi dengan sekrup tegangan manual), mereka secara tradisional menulis musik yang hanya terdiri dari dua nada - tonik (tingkat nada ke-1) dan dominan (tingkat nada ke-5), yang dipanggil untuk mendukung pipa yang memainkan nada-nada ini, tetapi nada utama dari kunci G mayor di oktaf atas pada timpani terdengar terlalu tajam, dan di bawah - terlalu teredam. Oleh karena itu, timpani dalam G mayor dihindari karena disonansinya.

Semua instrumen lain dianggap dapat diterima hanya dalam opera dan balet, dan beberapa di antaranya terdengar bahkan di gereja (misalnya, trombon dan terompet basset di Requiem, trombon, terompet basset, dan piccolo di " Seruling ajaib”, drum musik “Janissary” dalam “Abduction from the Seraglio” atau mandolin dalam “Don Giovanni” oleh Mozart, basset horn dan harpa dalam balet Beethoven “The Works of Prometheus”).

Basso continuo berangsur-angsur tidak digunakan lagi, pertama-tama menghilang dari musik orkestra, tetapi bertahan untuk beberapa waktu di opera untuk mengiringi pelafalan (lihat The Marriage of Figaro, All Women Do It, dan Mozart's Don Giovanni, tetapi juga kemudian - V awal XIX abad, di beberapa opera komik Rossini dan Donizetti).

Jika Haydn tercatat dalam sejarah sebagai penemu musik simfoni terbesar, maka Mozart lebih banyak bereksperimen dengan orkestra dalam opera daripada simfoninya. Yang terakhir jauh lebih ketat dalam kepatuhan mereka terhadap norma-norma saat itu. Meskipun tentu saja ada pengecualian: misalnya, di simfoni Praha atau Paris tidak ada minuet, yaitu hanya terdiri dari tiga bagian. Bahkan ada simfoni satu gerakan No. 32 di G mayor (namun, itu dibangun di atas model pembukaan Italia dalam tiga bagian, cepat - lambat - cepat, yaitu, sesuai dengan norma pra-Haydnian yang lebih tua) . Namun di sisi lain, simfoni ini melibatkan sebanyak empat tanduk (seperti, omong-omong, dalam Simfoni No. 25 dalam G minor, serta dalam opera Idomeneo). Klarinet diperkenalkan ke Symphony No. 39 (kecintaan Mozart pada instrumen ini telah disebutkan), tetapi obo tradisional tidak ada. Dan Symphony No. 40 bahkan ada dalam dua versi - dengan dan tanpa klarinet.

Dalam parameter formal, Mozart bergerak di sebagian besar simfoninya menurut skema Mannheim dan Haydnian - tentu saja, memperdalam dan menyempurnakannya dengan kekuatan kejeniusannya, tetapi tanpa mengubah apa pun yang penting pada level struktur atau komposisi. Namun, di tahun-tahun terakhir hidupnya, Mozart mulai mempelajari secara mendetail dan mendalam karya polifonis hebat di masa lalu - Handel dan Bach. Berkat itu tekstur musiknya semakin diperkaya dengan berbagai macam trik polifonik. Contoh cemerlang dari kombinasi gudang homofonik khas simfoni akhir abad ke-18 dengan fugue tipe Bach adalah simfoni ke-41 terakhir Mozart "Jupiter". Ini memulai kebangkitan polifoni sebagai metode perkembangan terpenting dalam genre simfoni. Benar, Mozart mengikuti jalan yang dilaluinya oleh orang lain: bagian akhir dari dua simfoni oleh Michael Haydn, No. 39 (1788) dan 41 (1789), yang tidak diragukan lagi diketahui oleh Mozart, juga ditulis dalam bentuk fugue.

Potret Ludwig van Beethoven. Joseph Karl Stieler. 1820 Wikimedia Commons

Peran Beethoven dalam pengembangan orkestra memang istimewa. Musiknya adalah kombinasi kolosal dari dua era: klasik dan romantis. Jika di First Symphony (1800) Beethoven adalah murid dan pengikut setia Haydn, dan di balet The Works of Prometheus (1801) dia adalah penerus tradisi Gluck, maka di Third, Heroic Symphony (1804) ada adalah pemikiran ulang terakhir dan tidak dapat dibatalkan dari tradisi Haydn-Mozart dengan kunci yang lebih modern. Simfoni Kedua (1802) secara lahiriah masih mengikuti pola klasik, tetapi memiliki banyak inovasi, dan yang utama adalah penggantian minuet tradisional dengan scherzo petani kasar ("lelucon" dalam bahasa Italia). Sejak itu, minuet masuk simfoni Beethoven tidak lagi ditemukan, kecuali penggunaan kata "minuet" yang secara ironis bernostalgia dalam judul gerakan ketiga dari Simfoni Kedelapan - "Dengan kecepatan minuet" (pada saat Kedelapan disusun - 1812 - minuets sudah tidak digunakan di mana-mana, dan Beethoven di sini dengan jelas menggunakan referensi genre ini sebagai tanda "masa lalu yang manis tapi jauh"). Tetapi juga banyaknya kontras dinamis, dan transfer sadar dari tema utama gerakan pertama ke cello dan double bass, sementara biola memainkan peran yang tidak biasa bagi mereka sebagai pengiring, dan seringnya pemisahan fungsi cello dan double bass (yaitu, emansipasi bass ganda sebagai suara independen), dan diperpanjang, mengembangkan coda di bagian ekstrim (praktis berubah menjadi perkembangan kedua) semuanya adalah jejak gaya baru, yang menemukan perkembangannya yang menakjubkan di bagian selanjutnya, the Simfoni Ketiga.

Pada saat yang sama, Simfoni Kedua menjadi awal dari hampir semua simfoni Beethoven berikutnya, terutama Simfoni Ketiga dan Keenam, serta Kesembilan. Pada pengantar Bagian Pertama Bagian Kedua, terdapat motif D-minor yang dua tetesnya mirip dengan tema utama Bagian Pertama Bagian Kesembilan, dan bagian penghubung bagian akhir Bagian Kedua hampir berupa sketsa. "Ode to Joy" dari final Kesembilan yang sama, bahkan dengan instrumentasi yang identik.

Simfoni Ketiga adalah yang terpanjang dan paling kompleks dari semua simfoni yang ditulis sejauh ini, dan bahasa musik, dan pada studi materi yang paling intensif. Ini berisi kontras dinamis yang belum pernah terjadi sebelumnya pada masa itu (dari tiga piano menjadi tiga fortes!) dan pekerjaan yang sama belum pernah terjadi sebelumnya, bahkan dibandingkan dengan Mozart, pada "transformasi seluler" dari motif aslinya, yang tidak hanya hadir dalam setiap gerakan individu, tetapi, seolah-olah, menembus seluruh siklus empat bagian, menciptakan rasa narasi tunggal dan tak terpisahkan. Simfoni heroik bukan lagi rangkaian harmonis dari bagian-bagian yang kontras dari siklus instrumental, tetapi seluruhnya genre baru, sebenarnya - novel simfoni pertama dalam sejarah musik!

Penggunaan orkestra oleh Beethoven bukan hanya untuk virtuoso, tetapi juga mendorong para instrumentalis hingga batasnya, dan seringkali melampaui batasan teknis yang dapat dibayangkan dari setiap instrumen. Ungkapan terkenal Beethoven, yang ditujukan kepada Ignaz Schuppanzig, pemain biola dan pemimpin Kuartet Lichnowsky Count, pemain pertama dari banyak kuartet Beethoven, sebagai tanggapan atas komentar kritisnya tentang "ketidakmungkinan" dari satu bagian Beethoven, sangat mencirikan sikap komposer terhadap masalah teknis. dalam musik: "Apa peduliku pada biola malangnya, ketika Roh berbicara kepadaku?!" Ide musik selalu didahulukan, dan hanya setelah itu harus ada cara untuk mengimplementasikannya. Tetapi pada saat yang sama, Beethoven sangat menyadari kemungkinan orkestra pada masanya. Omong-omong, pendapat yang dipegang secara luas tentang konsekuensi negatif Ketulian Beethoven, yang konon tercermin dalam gubahan-gubahannya yang belakangan dan oleh karena itu membenarkan intrusi di kemudian hari ke dalam musiknya dalam bentuk semua jenis sentuhan ulang, hanyalah sebuah mitos. Cukup untuk mendengarkan Penampilan yang bagus simfoni atau kuartet terakhirnya pada instrumen otentik, untuk memastikan bahwa mereka tidak memiliki kekurangan, tetapi hanya sikap yang sangat idealis dan tanpa kompromi terhadap seni mereka, berdasarkan pengetahuan terperinci tentang instrumen pada masanya dan kemampuan mereka. Jika Beethoven memiliki orkestra modern dengan kemampuan teknis modern, dia pasti akan menulis dengan cara yang sama sekali berbeda.

Dalam hal instrumentasi, dalam empat simfoni pertamanya, Beethoven tetap setia pada standar simfoni selanjutnya dari Haydn dan Mozart. Meskipun Simfoni Pahlawan menggunakan tiga tanduk, bukan dua tanduk tradisional, atau empat tanduk yang jarang tetapi dapat diterima secara tradisional. Artinya, Beethoven mempertanyakan prinsip yang sangat sakral dalam mengikuti tradisi apa pun: dia membutuhkan suara klakson ketiga dalam orkestra - dan dia memperkenalkannya.

Dan sudah di Fifth Symphony (1808), Beethoven memperkenalkan di bagian akhir instrumen orkestra militer (atau teater) - seruling piccolo, kontrabassoon, dan trombon. Ngomong-ngomong, setahun sebelum Beethoven, komposer Swedia Joachim Nicholas Eggert menggunakan trombon dalam Symphony in E flat mayor (1807), dan di ketiga gerakan, dan tidak hanya di final, seperti yang dilakukan Beethoven. Jadi dalam kasus trombon, telapak tangan bukan untuk komposer hebat, tetapi untuk rekannya yang kurang terkenal.

Simfoni Keenam (Pastoral) adalah siklus program pertama dalam sejarah simfoni, di mana tidak hanya simfoni itu sendiri, tetapi juga setiap bagian, didahului dengan deskripsi semacam program internal - deskripsi perasaan suatu penghuni kota yang menemukan dirinya di alam. Sebenarnya deskripsi alam dalam musik bukanlah hal baru sejak zaman Baroque. Tapi, tidak seperti The Seasons karya Vivaldi dan contoh program musik barok lainnya, Beethoven tidak membahas penulisan suara sebagai tujuan itu sendiri.The Sixth Symphony, dalam kata-katanya sendiri, "lebih merupakan ekspresi perasaan daripada lukisan." Simfoni pastoral adalah satu-satunya dalam karya Beethoven di mana siklus simfoni empat bagian dilanggar: scherzo diikuti tanpa gangguan oleh gerakan keempat, dalam bentuk bebas, berjudul Badai Petir, dan setelah itu, juga tanpa gangguan, penutup. berikut. Jadi, ada lima gerakan dalam simfoni ini.

Pendekatan Beethoven terhadap orkestrasi simfoni ini sangat menarik: pada gerakan pertama dan kedua, dia hanya menggunakan senar, alat tiup kayu, dan dua tanduk. Di scherzo, dua terompet dihubungkan dengannya, di Badai Petir timpani, seruling piccolo dan dua trombon bergabung, dan di akhir timpani dan piccolo terdiam lagi, dan terompet dan trombon berhenti menjalankan fungsi gembar-gembor tradisional mereka dan bergabung ke dalam paduan suara angin umum doksologi panteistik.

Puncak dari eksperimen Beethoven di bidang orkestrasi adalah Simfoni Kesembilan: pada akhirnya, tidak hanya trombon yang telah disebutkan, seruling piccolo dan contrabassoon digunakan, tetapi juga seluruh rangkaian perkusi "Turki" - drum besar, piring dan segitiga, dan yang paling penting - paduan suara dan solois! Omong-omong, trombon di bagian akhir Kesembilan paling sering digunakan sebagai amplifikasi bagian paduan suara, dan ini sudah merujuk pada tradisi gereja dan musik oratorio sekuler, terutama dalam refraksi Haydnian-Mozartiannya (lihat " Creation of the World" atau "The Seasons" dari Haydn, Mass before minor atau Mozart's Requiem), yang artinya simfoni ini merupakan perpaduan antara genre simfoni dan oratorio spiritual, hanya ditulis di atas teks sekuler yang puitis oleh Schiller. Inovasi formal besar lainnya dari Simfoni Kesembilan adalah penataan ulang gerakan lambat dan scherzo. Scherzo kesembilan, berada di posisi kedua, tidak lagi memainkan peran sebagai kontras ceria yang memicu akhir, tetapi berubah menjadi kelanjutan yang keras dan sepenuhnya "militeristik" dari bagian pertama yang tragis. Dan gerakan lambat ketiga menjadi pusat filosofis simfoni, jatuh tepat di zona bagian emas - yang pertama, tetapi bukan kasus terakhir dalam sejarah musik simfoni.

Dengan Simfoni Kesembilan (1824), Beethoven melakukan lompatan ke era baru. Ini bertepatan dengan periode transformasi sosial yang paling serius - dengan transisi terakhir dari Pencerahan ke era industri baru, yang peristiwa pertamanya terjadi 11 tahun sebelum akhir abad sebelumnya; sebuah acara yang disaksikan oleh ketiga perwakilan sekolah klasik Wina. Kita berbicara, tentu saja, tentang Revolusi Prancis.

, cello , bas ganda . Berkumpul bersama, di tangan musisi berpengalaman, tunduk pada kehendak konduktor, mereka membentuk alat musik yang mampu berekspresi dan menyampaikan dengan suara apa pun. konten musik, gambar apa pun, pemikiran apa pun. Banyak kombinasi instrumen orkestra memberikan rangkaian suara beragam yang hampir tidak ada habisnya - dari yang menggelegar, memekakkan telinga hingga nyaris tak terdengar, dari telinga yang tajam hingga lembut yang membelai. Dan akord bertingkat dari segala kerumitan, dan pleksus berpola dan berliku-liku dari ornamen melodi heterogen, dan kain tipis sarang laba-laba, "pecahan" suara kecil ketika, menurut ekspresi figuratif S. S. Prokofiev, "seolah-olah mereka sedang membersihkan orkestra", dan serempak yang kuat dari banyak instrumen secara bersamaan memainkan suara yang sama - semua ini tunduk pada orkestra. Grup orkestra mana pun - senar, angin, perkusi, petik, keyboard - dapat berpisah dari yang lain dan memimpin narasi musiknya sendiri sementara yang lain diam; tetapi semuanya seluruhnya, sebagian atau sebagai perwakilan individu, bergabung dengan kelompok atau bagian lain darinya, membentuk paduan timbre yang kompleks. Selama lebih dari dua abad, pemikiran para komposer yang paling disayangi, tonggak paling cemerlang dalam sejarah seni suara, telah dikaitkan dengan musik yang disusun, ditulis, dan kadang-kadang bahkan diaransemen untuk orkestra simfoni.

Pengaturan alat musik orkestra simfoni.

Setiap orang yang menyukai musik tahu dan mengingat nama J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart, F. Schubert, R. Schumann, I. Brahms, G. Berlioz, F. Liszt, S. Frank, J. Bizet, J. Verdi , P.I. Tchaikovsky, N.A. Rimsky-Korsakov, A.P. Borodin. M. P. Mussorgsky , S. V. Rachmaninov , A. K. Glazunov , I. F. Stravinsky , S. S. Prokofiev , N. Ya. Myaskovsky , D. D. Shostakovich , A. I. Khachaturian , K. Debussy, M. Ravel, B. Bartok dan master lainnya yang simfoni, suite, tawaran, puisi simfoni , lukisan, fantasi, konser instrumental diiringi orkestra, akhirnya kantata, oratorio, opera dan balet ditulis untuk orkestra simfoni atau melibatkan partisipasinya. Kemampuan menulis untuknya adalah bidang seni komposisi musik yang tertinggi dan paling kompleks, yang membutuhkan pengetahuan khusus yang mendalam, pengalaman hebat, latihan, dan yang terpenting - kemampuan musik khusus, bakat, bakat.

Sejarah kemunculan dan perkembangan orkestra simfoni adalah sejarah restrukturisasi bertahap yang lama dan penemuan instrumen baru, peningkatan komposisinya, sejarah peningkatan cara kombinasi instrumen digunakan, yaitu, sejarah bidang ilmu musik yang disebut orkestrasi atau instrumentasi, dan, terakhir, sejarah musik simfoni, opera, oratorio. Keempat istilah ini, empat sisi dari konsep "orkestra simfoni", saling terkait erat. Pengaruh mereka satu sama lain dulu dan sekarang masih beragam.

Kata "orkestra" dalam bahasa Yunani Kuno berarti area setengah lingkaran di depan panggung teater, tempat paduan suara berada - peserta yang sangat diperlukan dalam pertunjukan dramatis di era Aeschylus, Sophocles, Euripides, Aristophanes. Sekitar tahun 1702, kata ini pertama kali menunjukkan ruang kecil yang ditujukan untuk ansambel instrumentalis yang mengiringi opera. Disebut kelompok instrumental dalam musik kamar. Di pertengahan abad XVIII. memperkenalkan perbedaan yang menentukan untuk sejarah orkestra - orkestra besar berlawanan dengan musik kamar kecil - ansambel. Sampai saat itu, tidak ada garis yang jelas antara musik kamar dan musik orkestra.

Konsep "orkestra simfoni" muncul di era klasisisme, ketika K. V. Gluck, L. Boccherini, Haydn, Mozart hidup dan berkarya. Itu muncul setelah para komposer mulai secara akurat menuliskan dalam catatan nama masing-masing instrumen yang memainkan suara ini atau itu, garis musik ini atau itu. Sejak awal abad ke-17. K. Monteverdi dalam "Orpheus" sebelum setiap nomor hanya mencantumkan instrumen yang dapat memainkannya. Pertanyaan tentang siapa yang harus memainkan baris mana tetap terbuka. Oleh karena itu, di salah satu dari 40 gedung opera di Venesia asalnya, satu pertunjukan Orpheus mungkin berbeda dari yang lain. J. B. Lully, komposer, pemain biola, konduktor, mungkin orang pertama yang menulis untuk seperangkat instrumen tertentu, untuk apa yang disebut "24 Violins of the King" - ansambel gesek yang dibentuk di istana Louis XIV dan dipimpin oleh Lully sendiri . Dia memiliki suara atas dari grup string juga didukung oleh obo, dan suara rendah oleh bassoon. Obo dan bassoon tanpa senar, kontras dengan dengan kekuatan penuh, berpartisipasi di bagian tengah komposisinya.

Sepanjang abad ke-17 dan paruh pertama abad ke-18. dasar awal orkestra terbentuk - grup string. Secara bertahap, perwakilan dari keluarga angin ditambahkan - seruling, obo dan bassoon, lalu klakson. Klarinet memasuki orkestra lama kemudian karena ketidaksempurnaannya yang ekstrem pada saat itu. M. I. Glinka dalam "Notes on Instrumentation" -nya menyebut suara klarinet "angsa". Namun demikian, grup angin yang terdiri dari seruling, obo, klarinet, dan terompet (semuanya ada dua) muncul di Prague Symphony karya Mozart, dan sebelumnya di kontemporer Prancisnya, F. Gossec. Dalam Simfoni London Haydn dan simfoni awal L. Beethoven, dua terompet muncul, serta timpani. Pada abad ke-19 kelompok angin dalam orkestra semakin ditingkatkan. Untuk pertama kalinya dalam sejarah musik orkestra, seruling piccolo, contrabassoon, dan tiga trombon, yang sebelumnya hanya digunakan dalam opera, mengambil bagian dalam final simfoni ke-5 Beethoven. R. Wagner menambahkan tuba lain dan menjadikan jumlah pipa menjadi empat. Wagner pada dasarnya adalah seorang komposer opera, tetapi pada saat yang sama ia dianggap sebagai simfonis dan pembaharu orkestra simfoni yang luar biasa.

Keinginan para komposer abad XIX-XX. Untuk memperkaya palet suara mengarah pada pengenalan sejumlah instrumen ke dalam orkestra dengan kemampuan teknis dan timbre khusus.

Pada akhir abad XIX. komposisi orkestra dibuat mengesankan, dan terkadang dalam proporsi yang sangat besar. Jadi, simfoni ke-8 Mahler tidak sengaja disebut sebagai "simfoni seribu peserta". Dalam kanvas simfoni dan opera R. Strauss, banyak jenis alat musik tiup muncul: seruling alto dan bas, oboe bariton (haeckelphone), klarinet kecil, klarinet kontrabas, pipa alto dan bas, dll.

Di abad XX. orkestra diisi ulang terutama dengan instrumen perkusi. Sebelumnya, anggota orkestra yang biasa adalah 2–3 timpani, simbal, bass dan snare drum, segitiga, lebih jarang rebana dan tom-tom, lonceng, gambang. Sekarang komposer menggunakan satu set lonceng orkestra yang memberikan skala kromatik, celesta. Mereka memperkenalkan ke dalam orkestra instrumen seperti fleksatone, lonceng, alat musik Spanyol, kotak kayu yang berdenting, mainan kerincingan, pemecah cambuk (pukulannya seperti tembakan), sirene, mesin angin dan guntur, bahkan nyanyian burung bulbul direkam dalam rekaman khusus (digunakan dalam puisi simfoni oleh komposer Italia O. Respighi "The Pines of Rome").

Di paruh kedua abad XX. dari jazz hingga orkestra simfoni muncul instrumen perkusi seperti vibraphone, tomtom, bongo, gabungan peralatan drum- dengan "Charleston" ("hi-hat"), maracas.

Adapun kelompok tali dan angin, formasi mereka pada tahun 1920 pada dasarnya telah selesai. Orkestra terkadang menyertakan perwakilan individu dari grup saksofon (dalam karya Wiese, Ravel, Prokofiev), band kuningan (cornet oleh Tchaikovsky dan Stravinsky), harpsichord, domra dan balalaika, gitar, mandolin, dll. untuk komposisi parsial orkestra simfoni: untuk senar saja, untuk senar dan kuningan, untuk grup angin tanpa senar dan perkusi, untuk senar dengan perkusi.

Komposer abad ke-20 menulis banyak musik untuk orkestra kamar. Ini terdiri dari 15-20 senar, masing-masing satu alat musik tiup, satu atau dua tanduk, grup perkusi dengan satu pemain, harpa (sebagai gantinya mungkin ada piano atau harpsichord). Bersamaan dengan ini, muncul karya untuk ansambel solois, di mana ada satu perwakilan dari setiap varietas (atau dari beberapa di antaranya). Begitulah simfoni kamar dan drama oleh A. Schoenberg, A. Webern, suite Stravinsky "The Story of a Soldier", komposisi komposer Soviet- orang sezaman kita M. S. Weinberg, R. K. Gabichvadze, E. V. Denisov, dan lainnya. Semakin banyak penulis beralih ke komposisi yang tidak biasa, atau, seperti yang mereka katakan, darurat. Mereka membutuhkan suara yang tidak biasa dan langka, karena peran timbre dalam musik modern semakin meningkat dari sebelumnya.

Namun demikian, agar selalu memiliki kesempatan untuk menampilkan musik, baik yang lama maupun yang baru, dan yang terbaru, komposisi orkestra simfoni tetap stabil. Orkestra simfoni modern dibagi lagi menjadi orkestra simfoni besar (sekitar 100 musisi), sedang (70–75), kecil (50–60). Atas dasar orkestra simfoni besar, dimungkinkan untuk memilih komposisi yang diperlukan untuk setiap karya untuk pertunjukannya: satu untuk “Delapan Rusia lagu daerah" oleh A. K. Lyadov atau "String Serenade" karya Tchaikovsky, yang lainnya untuk kanvas megah Berlioz, Scriabin, Shostakovich, untuk "Petrushka" karya Stravinsky atau "Bolero" Ravel yang berapi-api.

Bagaimana para musisi di atas panggung? Pada abad XVIII-XIX. biola pertama duduk di sebelah kiri konduktor, dan yang kedua di kanan, biola duduk di belakang biola pertama, dan cello di belakang yang kedua. Di belakang grup string mereka duduk berbaris: di depan kelompok alat tiup kayu, dan di belakangnya kelompok kuningan. Bass ganda terletak di latar belakang di kanan atau kiri. Sisa ruang dikhususkan untuk harpa, celesta, piano, dan perkusi. Di negara kami, musisi duduk sesuai dengan skema yang diperkenalkan pada tahun 1945 oleh konduktor Amerika L. Stokowski. Menurut skema ini, cello ditempatkan di latar depan, bukan biola kedua di sebelah kanan konduktor; tempat mereka sebelumnya sekarang ditempati oleh biola kedua.

Sebuah orkestra simfoni dipimpin oleh seorang konduktor. Dia menyatukan para musisi orkestra dan mengarahkan semua upaya mereka untuk mewujudkan rencana pertunjukannya selama latihan dan di konser. Melakukan didasarkan pada sistem gerakan tangan yang dirancang khusus. Konduktor biasanya memegang tongkat di tangan kanannya. Peran terpenting dimainkan oleh wajahnya, penampilan, ekspresi wajahnya. Konduktor harus orang yang berpendidikan tinggi. Ia membutuhkan pengetahuan tentang musik dari berbagai era dan gaya, instrumen orkestra dan kemampuannya, telinga yang tajam, kemampuan untuk menembus jauh ke dalam niat penggubahnya. Bakat pemain harus dipadukan dengan kemampuan organisasi dan pedagogisnya.

Fakta menarik tentang orkestra simfoni

Kami mengundang Anda untuk membiasakan diri dengan yang menarik dan fakta menarik terkait dengan orkestra simfoni, yang telah mengumpulkan cukup banyak selama berabad-abad sejarahnya. Kami berharap dengan informasi yang menarik tersebut kami dapat mengejutkan tidak hanya pecinta seni balet, tetapi juga menemukan sesuatu yang baru bahkan untuk para profesional sejati di bidang ini.

• Pembentukan orkestra simfoni berlangsung selama beberapa abad dari ansambel kecil dan dimulai pada abad 16-17, ketika genre baru dalam musik muncul dan diperlukan perubahan dalam tim pemain. Komposisi yang sangat kecil hanya ditentukan pada abad ke-18.
• Jumlah musisi dapat bervariasi dari 50 hingga 110 orang, tergantung pada pekerjaan atau tempat pertunjukan. Jumlah penampil terbanyak yang pernah tercatat mengacu pada pertunjukan di kota Oslo di stadion Yllevaal pada tahun 1964 yang dihadiri oleh 20.100 orang.
• Kadang-kadang, Anda dapat mendengar nama orkestra simfoni ganda, tiga, yang diberikan oleh jumlah alat musik tiup yang disajikan di dalamnya dan menunjukkan ukurannya.
• Dia memberikan kontribusi besar bagi perkembangan orkestra L. Beethoven , jadi dalam karyanya orkestra simfoni klasik atau kecil akhirnya didirikan, dan di kemudian hari ciri-ciri komposisi besar diuraikan.
• Orkestra simfoni menggunakan aransemen tempat duduk Jerman dan Amerika untuk para musisi. Jadi, dalam bahasa Rusia - Amerika digunakan.
• Di antara semua orkestra di dunia, hanya ada satu yang memilih konduktornya sendiri dan, dalam hal ini, dapat melakukannya kapan saja - ini adalah Vienna Philharmonic.
• Ada kelompok tanpa konduktor sama sekali. Untuk pertama kalinya, gagasan seperti itu diterima pada tahun 1922 oleh Persimfans di Rusia. Ini karena ideologi saat itu, yang menghargai kerja tim. Orkestra lain kemudian mengikuti contoh ini, bahkan saat ini di Praha dan Australia terdapat orkestra tanpa konduktor.

• Orkestra disetel sesuai dengan oboe atau garpu tala, yang terakhir, pada gilirannya, terdengar semakin tinggi dari waktu ke waktu. Faktanya adalah pada awalnya, di berbagai negara kedengarannya berbeda. Pada abad ke-18 di Jerman, suaranya lebih rendah dari bahasa Italia, tetapi lebih tinggi dari bahasa Prancis. Diyakini bahwa semakin tinggi pengaturannya, semakin cerah suaranya, dan band mana pun berusaha untuk ini. Itulah mengapa mereka menaikkan nadanya dari 380 Hz (Baroque) menjadi 442 Hz di zaman kita. Apalagi angka ini sudah menjadi angka kontrol, namun mereka juga berhasil melampauinya hingga 445 Hz, seperti yang mereka lakukan di Wina.
• Hingga abad ke-19, tugas seorang konduktor juga termasuk memainkannya piano kuno atau biola . Selain itu, mereka tidak memiliki tongkat dirigen, komposer atau musisi menabuh irama dengan bantuan alat musik atau anggukan kepala.
• Gramophone majalah bahasa Inggris yang bergengsi, yang diakui sebagai publikasi resmi di bidang musik klasik, menerbitkan daftar orkestra terbaik di dunia, band-band Rusia menempati posisi ke-14, ke-15 dan ke-16 di dalamnya.